Vassily Kandinsky

Wassily Wassilyevich Kandinsky ( / ˌ v æ s ɪ l i k æ n ˈ d ɪ n s k i / ; russe: Василий Вiliy vasilyevich kandinskiy , ipa : [ Vɐˈsjiljɪjɐˈjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪjɪj ‘ ] 1866 – 13 décembre 1944) était un peintre et théoricien de l’art russe. Kandinsky est généralement reconnu comme l’un des pionniers de l’abstraction dans l’art occidental , peut-être aprèsHilma de Klint . ^[1] Né à Moscou, il a passé son enfance à Odessa, où il a obtenu son diplôme à l’École d’art Grekov Odessa . Il s’inscrit à l’ Université de Moscou , étudie le droit et l’économie. Succès dans sa profession – il se voit offrir une chaire de professeur (chaire de Droit romain ) à l’ Université de Dorpat (aujourd’hui Tartu, Estonie) – Kandinsky commence des études de peinture (dessin d’après nature, croquis et anatomie) à l’âge de 30 ans.

Vassily Kandinsky
Kandinsky, ch. 1913 ou avant
Née	Vassily Vassilyevitch Kandinsky 16 décembre [ OS 4 décembre] 1866 Moscou , Empire russe
Décédés	13 décembre 1944 (1944-12-13)(77 ans) Neuilly sur Seine , France
Nationalité	Russe, plus tard français
Éducation	Académie des Beaux-Arts, Munich
Connu pour	Peinture
Travail remarquable	Sur Blanc II , Der Blaue Reiter
Mouvement	expressionnisme ; art abstrait

En 1896, Kandinsky s’installe à Munich , étudiant d’abord à l’école privée d’ Anton Ažbe puis à l’ Académie des beaux-arts . Il revient à Moscou en 1914, après le déclenchement de la Première Guerre mondiale. Suite à la Révolution russe , Kandinsky « devient un initié de l’administration culturelle d’ Anatoly Lunacharsky » ^[2] et participe à la création du Musée de la culture de la peinture. ^[3] Cependant, à ce moment-là “sa vision spirituelle … était étrangère au matérialisme argumentatif de la société soviétique”, ^[4] et les opportunités se présentaient en Allemagne, à laquelle il retourna en 1920. Là, il enseigna au Bauhausécole d’art et d’architecture de 1922 jusqu’à ce que les nazis la ferment en 1933. Il a ensuite déménagé en France, où il a vécu le reste de sa vie, devenant citoyen français en 1939 et produisant une partie de son art le plus important. Il meurt à Neuilly-sur-Seine en 1944, trois jours avant son 78e anniversaire.

Périodes artistiques

La création d’œuvres abstraites de Kandinsky a suivi une longue période de développement et de maturation d’une pensée intense basée sur ses expériences artistiques. Il appelait cette dévotion à la Beauté intérieure , la ferveur de l’esprit et le désir spirituel une nécessité intérieure ; ^[5] c’était un aspect central de son art. Certains historiens de l’art suggèrent que la passion de Kandinsky pour l’art abstrait a commencé lorsqu’un jour, en rentrant chez lui, il a trouvé l’un de ses propres tableaux suspendu à l’envers dans son atelier, et il l’a regardé pendant un moment avant de réaliser que c’était son propre travail, ^{[ 6]} lui suggérant le pouvoir potentiel de l’abstraction.

Jeunesse et inspiration

Port d’Odessa (1898)

Kandinsky est né à Moscou, fils de Lidia Ticheeva et de Vasily Silvestrovich Kandinsky, un marchand de thé. ^{[7] [8]} Une de ses arrière-grands-mères était la princesse Gantimurova , une princesse mongole. ^[9] Kandinsky a appris de diverses sources à Moscou. Il a étudié de nombreux domaines pendant ses études, notamment le droit et l’économie. Plus tard dans la vie, il se souviendra d’avoir été fasciné et stimulé par la couleur dans son enfance. Sa fascination pour le symbolisme des couleurs et la psychologie s’est poursuivie au fur et à mesure qu’il grandissait. En 1889, il fait partie d’un groupe de recherche ethnographique qui se rend dans la région de Vologda au nord de Moscou. Dans Regards sur le passé, il raconte que les maisons et les églises étaient décorées de couleurs si chatoyantes qu’en y pénétrant, il eut l’impression d’entrer dans un tableau. Cette expérience et son étude de l’art populaire de la région (en particulier l’utilisation de couleurs vives sur un fond sombre) se reflètent dans une grande partie de ses premiers travaux. Quelques années plus tard, il a d’abord comparé la peinture à la composition musicale de la manière pour laquelle il deviendrait célèbre, en écrivant : « La couleur est le clavier, les yeux sont les marteaux, l’âme est le piano à plusieurs cordes. L’artiste est la main qui joue, en touchant une touche ou une autre, pour provoquer des vibrations dans l’âme”. ^[10] Kandinsky était aussi l’oncle du philosophe franco-russe Alexandre Kojève (1902-1968).

En 1896, à l’âge de 30 ans, Kandinsky abandonne une carrière prometteuse d’enseignement du droit et de l’économie pour s’inscrire à l’ Académie de Munich où ses professeurs finiront par inclure Franz von Stuck . ^[11] Il n’a pas été immédiatement admis et a commencé à apprendre l’art par lui-même. Cette même année, avant de quitter Moscou, il a vu une exposition de peintures de Monet . Il a été particulièrement séduit par le style impressionniste de Haystacks ; cela, pour lui, avait un sens puissant de la couleur presque indépendant des objets eux-mêmes. Plus tard, il écrira sur cette expérience :

Que c’était une botte de foin, le catalogue m’a informé. Je ne pouvais pas le reconnaître. Cette non-reconnaissance m’a fait mal. Je considérais que le peintre n’avait pas le droit de peindre indistinctement. Je sentais sourdement que l’objet du tableau manquait. Et je remarquai avec surprise et confusion que non seulement l’image m’avait saisi, mais qu’elle s’imprimait indéracinablement dans ma mémoire. La peinture a pris une puissance et une splendeur de conte de fées. ^[12]

— Vassily Kandinsky

Kandinsky a également été influencé au cours de cette période par le Lohengrin de Richard Wagner qui, selon lui, a repoussé les limites de la musique et de la mélodie au-delà du lyrisme standard. ^[13] Il a été aussi influencé spirituellement par Madame Blavatsky (1831–1891), l’exposant le plus connu de theosophy . La théorie théosophique postule que la création est une progression géométrique commençant par un point unique. L’aspect créatif de la forme s’exprime par une série descendante de cercles, de triangles et de carrés. Le livre de Kandinsky Concerning the Spiritual in Art (1910) et Point and Line to Plane (1926) font écho à ce principe théosophique. Illustrations de John Varley dans Thought-Forms(1901) l’a influencé visuellement. ^[14]

Métamorphose

Colourful abstract painting with buildings and a church in the background Munich-Schwabing avec l’église Sainte-Ursule (1908)

À l’été 1902, Kandinsky invite Gabriele Münter à le rejoindre lors de ses cours de peinture d’été juste au sud de Munich dans les Alpes. Elle a accepté et leur relation est devenue plus personnelle que professionnelle. L’école d’art, généralement considérée comme difficile, était facile pour Kandinsky. C’est à cette époque qu’il a commencé à émerger en tant que théoricien de l’art ainsi qu’en tant que peintre. Le nombre de ses peintures existantes a augmenté au début du XXe siècle; il reste beaucoup des paysages et des villes qu’il a peints, en utilisant de larges bandes de couleurs et des formes reconnaissables. Pour la plupart, cependant, les peintures de Kandinsky ne comportaient aucune figure humaine; une exception est le dimanche, la vieille Russie(1904), dans lequel Kandinsky recrée une vue très colorée (et fantaisiste) de paysans et de nobles devant les murs d’une ville. Couple à cheval (1907) représente un homme à cheval, tenant une femme avec tendresse et attention alors qu’ils passent devant une ville russe aux murs lumineux traversant une rivière bleue. Le cheval est muet tandis que les feuilles des arbres, la ville et les reflets de la rivière scintillent de taches de couleur et de luminosité. Ce travail démontre l’influence du pointillisme dans la façon dont la profondeur de champ est réduite à une surface plane et luminescente. Le fauvisme est également apparent dans ces premières œuvres. Les couleurs sont utilisées pour exprimer l’expérience de Kandinsky du sujet, pas pour décrire la nature objective.

Painting of white horse and blue rider galloping across a green meadow from right to left Le Cavalier bleu (1903)

La plus importante de ses peintures de la première décennie des années 1900 est peut -être The Blue Rider (1903), qui montre une petite silhouette masquée sur un cheval à toute vitesse se précipitant dans une prairie rocheuse. Le manteau du cavalier est bleu moyen, ce qui projette une ombre bleu plus foncé. Au premier plan se trouvent des ombres bleues plus amorphes, les pendants des arbres tombés en arrière-plan. Le cavalier bleu dans le tableau est proéminent (mais pas clairement défini) et le cheval a une démarche anormale (que Kandinsky devait connaître). Certains historiens de l’art croient ^{[ citation nécessaire ]}qu’un deuxième personnage (peut-être un enfant) est tenu par le cavalier, bien que cela puisse être une autre ombre du cavalier solitaire. Cette disjonction intentionnelle, permettant aux spectateurs de participer à la création de l’œuvre, est devenue une technique de plus en plus consciente utilisée par Kandinsky dans les années suivantes ; il culmine dans les œuvres abstraites de la période 1911-1914. Dans The Blue Rider , Kandinsky montre le cavalier plus comme une série de couleurs que dans des détails spécifiques. Ce tableau n’est pas exceptionnel à cet égard par rapport aux peintres contemporains, mais il montre la direction que prendra Kandinsky quelques années plus tard.

De 1906 à 1908, Kandinsky passa beaucoup de temps à voyager à travers l’Europe (il était un associé du groupe symboliste de la Rose Bleue de Moscou), jusqu’à ce qu’il s’installe dans la petite ville bavaroise de Murnau . En 1908, il acheta un exemplaire de Thought-Forms d’ Annie Besant et de Charles Webster Leadbeater . En 1909, il rejoint la Société Théosophique. La montagne bleue(1908-1909) a été peint à cette époque, démontrant sa tendance à l’abstraction. Une montagne bleue est flanquée de deux grands arbres, un jaune et un rouge. Un cortège, avec trois cavaliers et plusieurs autres, passe en bas. Les visages, les vêtements et les selles des cavaliers sont chacun d’une seule couleur, et ni eux ni les personnages qui marchent n’affichent de vrais détails. Les plans plats et les contours sont également révélateurs de l’influence fauviste. La large utilisation de la couleur dans The Blue Mountain illustre l’inclination de Kandinsky vers un art dans lequel la couleur est présentée indépendamment de la forme, et dans lequel chaque couleur reçoit une attention égale. La composition est plus plane ; le tableau est divisé en quatre sections : le ciel, l’arbre rouge, l’arbre jaune et la montagne bleue avec les trois cavaliers.

Akhtyrka , 1901, Lenbachhaus , Kunstarealm, Munich
Dimanche (vieux russe) , 1904, Musée Boijmans Van Beuningen , Rotterdam
Couple à cheval , 1906–07, Lenbachhaus , Munich
Blue Mountain , 1908–09, Musée Solomon R. Guggenheim , New York
Maisons à Munich , 1908, Musée Von der Heydt , Wuppertal
Murnau, train et château , 1909, Lenbachhaus , Munich

Période du Cavalier bleu (1911-1914)

Wassily Kandinsky, 1910, Paysage avec cheminée d’usine , huile sur toile, 66,2 cm × 82 cm (26,1 po × 32,3 po), Solomon R. Guggenheim Museum

Les peintures de Kandinsky de cette période sont de grandes masses colorées expressives évaluées indépendamment des formes et des lignes; ceux-ci ne servent plus à les délimiter, mais se superposent librement pour former des tableaux d’une force extraordinaire. La musique a joué un rôle important dans la naissance de l’art abstrait, car la musique est abstraite par nature – elle ne cherche pas à représenter le monde extérieur, mais exprime de manière immédiate les sentiments intérieurs de l’âme. Kandinsky utilisait parfois des termes musicaux pour identifier ses œuvres ; il appelait ses peintures les plus spontanées des “improvisations” et décrivait des œuvres plus élaborées comme des “compositions”.

En plus de la peinture, Kandinsky était un théoricien de l’art ; son influence sur l’histoire de l’art occidental provient peut-être plus de ses travaux théoriques que de ses peintures. Il a aidé à fonder la Neue Künstlervereinigung München (Munich New Artists ‘Association), dont il est devenu le président en 1909. Cependant, le groupe n’a pas pu intégrer l’approche radicale de Kandinsky (et d’autres) avec des concepts artistiques conventionnels et le groupe s’est dissous à la fin de 1911. Kandinsky a ensuite formé un nouveau groupe, le Blue Rider ( Der Blaue Reiter ) avec des artistes partageant les mêmes idées tels que August Macke , Franz Marc , Albert Bloch et Gabriele Münter . Le groupe a publié un almanach (The Blue Rider Almanac ) et a organisé deux expositions. Plus de chacun était prévu, mais le déclenchement de la Première Guerre mondiale en 1914 a mis fin à ces plans et a renvoyé Kandinsky en Russie via la Suisse et la Suède .

Improvisation 27 (Garden of Love II) , 1912, huile sur toile, 120,3 cm × 140,3 cm (47,4 po × 55,2 po), Metropolitan Museum of Art , New York. Exposé à l’ Armory Show de 1913

Ses écrits dans The Blue Rider Almanac et le traité “On the Spiritual in Art” (sorti en 1910) étaient à la fois une défense et une promotion de l’art abstrait et une affirmation que toutes les formes d’art étaient également capables d’atteindre un niveau de spiritualité. . Il croyait que la couleur pouvait être utilisée dans une peinture comme quelque chose d’autonome, en dehors de la description visuelle d’un objet ou d’une autre forme.

Ces idées ont eu un impact international presque immédiat, en particulier dans le monde anglophone. ^[15] Dès 1912, On the Spiritual in Art a été révisé par Michael Sadleir dans Art News , basé à Londres. ^[16] L’intérêt pour Kandinsky grandit lorsque Sadleir publia une traduction anglaise de On the Spiritual in Art en 1914. Des extraits du livre furent publiés cette année-là dans le périodique Blast de Percy Wyndham Lewis et dans l’hebdomadaire culturel d’ Alfred Orage , The New Âge. Kandinsky avait cependant reçu un avis plus tôt en Grande-Bretagne; en 1910, il participe à l’Allied Artists’ Exhibition (organisée par Frank Rutter ) au Royal Albert Hall de Londres . Cela a valu à son travail d’être distingué pour des éloges dans une critique de cette exposition par l’artiste Spencer Frederick Gore dans The Art News . ^[17]

L’intérêt de Sadleir pour Kandinsky a également conduit les premières œuvres de Kandinsky à entrer dans une collection d’art britannique; Le père de Sadleir, Michael Sadler , a acquis plusieurs gravures sur bois et la peinture abstraite Fragment for Composition VII en 1913 à la suite d’une visite du père et du fils pour rencontrer Kandinsky à Munich cette année-là. Ces œuvres ont été exposées à Leeds , soit à l’Université, soit dans les locaux du Leeds Arts Club , entre 1913 et 1923. ^[18]

Sans titre Première aquarelle abstraite , 1910
La Vache , 1910, Lenbachhaus , Munich
Étude pour improvisation V , 1910
Lyrique , 1911
Paysage aux deux peupliers , 1912
Paysage aux taches rouges, n° 2 , 1913
Carrés à cercles concentriques , 1913
Composition 6 , 1913
Peinture avec une tache rouge , 1914

Retour en Russie (1914-1921)

En gris (1919) de Kandinsky, exposé à la 19e Exposition d’État, Moscou, 1920

Le soleil fait fondre tout Moscou en un seul point qui, comme un tuba fou, fait vibrer tout le cœur et toute l’âme. Mais non, cette uniformité du rouge n’est pas la plus belle heure. Ce n’est que l’accord final d’une symphonie qui porte toutes les couleurs au zénith de la vie qui, comme le fortissimo d’un grand orchestre, est à la fois contraint et autorisé par Moscou à résonner.

— Vassily Kandinsky ^[19]

En 1916, il rencontre Nina Andreevskaya (1899-1980), qu’il épouse le 11 février 1917.

De 1918 à 1921, Kandinsky a été impliqué dans la politique culturelle de la Russie et a collaboré à l’éducation artistique et à la réforme des musées. Il peint peu durant cette période, mais consacre son temps à l’enseignement artistique, avec un programme basé sur l’analyse des formes et des couleurs ; il participe également à l’organisation de l’ Institut de culture artistique de Moscou dont il est le premier directeur. Sa vision spirituelle et expressionniste de l’art a finalement été rejetée par les membres radicaux de l’Institut comme trop individualiste et bourgeoise. En 1921, Kandinsky est invité à se rendre en Allemagne pour assister au Bauhaus de Weimar par son fondateur, l’architecte Walter Gropius .

De retour en Allemagne et au Bauhaus (1922-1933)

Jaune-Rouge-Bleu , 1925, Musée national d’art moderne , Paris

En mai 1922, il assiste au Congrès international des artistes progressistes et signe la “Proclamation fondatrice de l’Union des artistes progressistes internationaux”. ^[20]

Kandinsky a enseigné le cours de conception de base pour débutants et le cours de théorie avancée au Bauhaus ; il a également dirigé des cours de peinture et un atelier dans lequel il a augmenté sa théorie des couleurs avec de nouveaux éléments de psychologie des formes. Le développement de ses travaux sur l’étude des formes, en particulier sur les points et les formes linéaires, conduit à la publication de son deuxième livre théorique ( Point and Line to Plane ) en 1926. Ses examens des effets des forces sur les lignes droites, conduisant à l’opposition tons de lignes courbes et angulaires, a coïncidé avec les recherches des psychologues de la Gestalt, dont les travaux ont également été discutés au Bauhaus. ^[21]Les éléments géométriques prennent une importance croissante dans son enseignement comme dans sa peinture, notamment le cercle, le demi-cercle, l’angle, les lignes droites et les courbes. Cette période a été intensément productive. Cette liberté se caractérise dans ses œuvres par le traitement des plans riches en couleurs et en dégradés – comme dans Jaune – rouge – bleu (1925), où Kandinsky illustre sa distance par rapport aux mouvements constructivistes et suprématistes influents à l’époque.

Maison de Paul Klee et Wassily Kandinsky à Dessau

Le jaune – rouge – bleu (1925) de deux mètres de large (6 pieds 7 pouces) de plusieurs formes principales: un rectangle jaune vertical, une croix rouge inclinée et un grand cercle bleu foncé; une multitude de lignes noires droites (ou sinueuses), d’arcs de cercle, de cercles monochromes et de damiers dispersés et colorés contribuent à sa délicate complexité. Cette simple identification visuelle des formes et des principales masses colorées présentes sur la toile n’est qu’une première approche de la réalité intérieure de l’œuvre, dont l’appréciation nécessite une observation plus profonde – non seulement des formes et des couleurs impliquées dans le tableau mais de leur relation, de leur absolu et les positions relatives sur la toile et leur harmonie.

Kandinsky était l’un des Die Blaue Vier (Blue Four), formé en 1923 avec Paul Klee , Lyonel Feininger et Alexej von Jawlensky , qui donna des conférences et exposa aux États-Unis en 1924. En raison de l’hostilité de la droite, le Bauhaus quitta Weimar et s’installa. à Dessau en 1925. Suite à une campagne de diffamation nazie, le Bauhaus quitte Dessau en 1932 pour Berlin , jusqu’à sa dissolution en juillet 1933. Kandinsky quitte alors l’Allemagne pour s’installer à Paris .

Petits mondes I , 1922, Galerie nationale du Danemark , Copenhague ^[22]
Sur blanc II , 1923, Centre Pompidou , Paris
Cercles dans un cercle , 1923, Philadelphia Museum of Art , Philadelphie
Plusieurs cercles , 1926, Solomon R. Guggenheim Museum , New York
Doux dur , 1927
Alliance intérieure , 1929, Albertina , Vienne

Grande synthèse (1934-1944)

Vivant dans un appartement à Paris, Kandinsky crée son œuvre dans un atelier-salon. Des formes biomorphiques aux contours souples et non géométriques apparaissent dans ses peintures, des formes qui évoquent des organismes microscopiques mais expriment la vie intérieure de l’artiste. Kandinsky a utilisé des compositions colorées originales, évoquant l’art populaire slave. Il a également parfois mélangé du sable avec de la peinture pour donner une texture granuleuse et rustique à ses peintures.

Cette période correspond à une synthèse de l’œuvre précédente de Kandinsky dans laquelle il a utilisé tous les éléments, les enrichissant. En 1936 et 1939, il peint ses deux dernières compositions majeures, le type de toiles élaborées qu’il n’avait pas produites depuis de nombreuses années. La composition IX présente des diagonales très contrastées et puissantes dont la forme centrale donne l’impression d’un embryon dans l’utérus. Des petits carrés de couleurs et des bandes colorées se détachent sur le fond noir de la Composition X comme des fragments (ou filaments ) d’étoiles, tandis que d’énigmatiques hiéroglyphesaux tons pastel recouvrent une grande masse marron qui semble flotter dans le coin supérieur gauche de la toile. Dans l’œuvre de Kandinsky, certaines caractéristiques sont évidentes, tandis que certaines touches sont plus discrètes et voilées ; ils ne se révèlent que progressivement à ceux qui approfondissent leur lien avec son œuvre. ^[23] Il a voulu que ses formes (qu’il a subtilement harmonisées et placées) résonnent avec l’âme de l’observateur.

Brown avec supplément , 1935, Museum Boijmans Van Beuningen , Rotterdam
Composition IX , 1936, Musée national d’art moderne , Paris
Composition X , 1939, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf
Diverses actions , 1941, Musée Solomon R. Guggenheim , New York
Cercle et carré , 1943, Musée national d’art moderne , Paris

La conception de l’art de Kandinsky

L’artiste comme prophète

Large, colourful abstract painting Composition VII , Galerie Tretiakov . Selon Kandinsky, c’est la pièce la plus complexe qu’il ait jamais peinte (1913)

En écrivant que “la musique est le professeur ultime,” ^[24] Kandinsky s’est lancé dans les sept premières de ses dix Compositions . Les trois premiers ne survivent que dans des photographies en noir et blanc prises par un collègue artiste et ami Gabriele Münter . Composition I (1910) a été détruite par un raid aérien britannique sur la ville de Braunschweig en Basse-Saxe dans la nuit du 14 octobre 1944. ^[25]

S’il existe des études, des croquis et des improvisations (en particulier de Composition II ), un raid nazi sur le Bauhaus dans les années 1930 aboutit à la confiscation des trois premières compositions de Kandinsky. Ils ont été exposés dans l’exposition parrainée par l’État ” Art dégénéré “, puis détruits (avec des œuvres de Paul Klee , Franz Marc et d’autres artistes modernes) ^{[ citation nécessaire ]}

Fasciné par l’eschatologie chrétienne et la perception d’un nouvel âge à venir, ^[26] un thème commun parmi les sept premières compositions de Kandinsky est l’ apocalypse (la fin du monde tel que nous le connaissons). Écrivant « l’artiste comme prophète » dans son livre, Concernant le spirituel dans l’art , Kandinsky a créé des peintures dans les années précédant immédiatement la Première Guerre mondiale montrant un cataclysme à venir qui modifierait la réalité individuelle et sociale. Croyant profondément au christianisme orthodoxe ^[27] , Kandinsky s’est inspiré des récits bibliques de l’arche de Noé , de Jonas et de la baleine, de la résurrection du Christ , de laquatre cavaliers de l’Apocalypse dans le livre de l’Apocalypse , les contes folkloriques russes et les expériences mythologiques communes de la mort et de la renaissance. N’essayant jamais d’imaginer aucune de ces histoires comme un récit, il a utilisé leurs images voilées comme symboles des archétypes de la mort-renaissance et destruction-création qu’il jugeait imminentes dans le monde d’avant la Première Guerre mondiale.

Comme il l’a déclaré dans Concerning the Spiritual in Art (voir ci-dessous), Kandinsky a estimé qu’un artiste authentique créant de l’art à partir d’une “nécessité interne” habite la pointe d’une pyramide ascendante. Cette pyramide progresse pénètre et progresse dans le futur. Ce qui était hier étrange ou inconcevable est aujourd’hui banal ; ce qui est avant-gardiste aujourd’hui (et compris seulement par quelques-uns) sera demain de notoriété publique. L’artiste-prophète moderne se tient seul au sommet de la pyramide, faisant de nouvelles découvertes et inaugurant la réalité de demain. Kandinsky était conscient des développements scientifiques récents et des avancées des artistes modernes qui avaient contribué à des façons radicalement nouvelles de voir et d’expérimenter le monde.

La composition IV et les peintures ultérieures visent principalement à évoquer une résonance spirituelle chez le spectateur et l’artiste. Comme dans sa peinture de l’apocalypse par l’eau ( Composition VI ), Kandinsky met le spectateur en situation d’expérimenter ces mythes épiques en les traduisant en termes contemporains (avec un sentiment de désespoir, d’agitation, d’urgence et de confusion). Cette communion spirituelle spectateur-peintre-artiste/prophète peut être décrite dans les limites des mots et des images.

Théoricien artistique et spirituel

Rectangular, multicoloured abstract painting Composition VI (1913)

Comme l’ indiquent les essais et la théorie de Der Blaue Reiter Almanac avec le compositeur Arnold Schoenberg , Kandinsky a également exprimé la communion entre l’artiste et le spectateur comme étant disponible à la fois pour les sens et pour l’esprit ( synesthésie ). En entendant des tons et des accords pendant qu’il peignait, Kandinsky a émis l’hypothèse que (par exemple), le jaune est la couleur du do médian sur une trompette cuivrée; le noir est la couleur de la fermeture, et la fin des choses ; et que les combinaisons de couleurs produisent des fréquences vibratoires, semblables à des accords joués sur un piano. En 1871, le jeune Kandinsky apprend à jouer du piano et du violoncelle. ^{[28] [29]}

Kandinsky a également développé une théorie des figures géométriques et de leurs relations, affirmant, par exemple, que le cercle est la forme la plus paisible et représente l’âme humaine. ^{[ échec de la vérification ]} Ces théories sont expliquées dans Point and Line to Plane (voir ci-dessous).

La scénographie légendaire de Kandinsky pour une représentation des ” Tableaux d’une exposition ” de Moussorgski illustre son concept synesthésique d’une correspondance universelle des formes, des couleurs et des sons musicaux. ^[30] En 1928 au théâtre de Dessau, Wassily Kandinsky réalise la mise en scène des “Tableaux d’une exposition”. En 2015, les conceptions originales des éléments scéniques ont été animées avec la technologie vidéo moderne et synchronisées avec la musique selon les notes préparatoires de Kandinsky et le scénario du réalisateur de Felix Klee.

Dans un autre épisode avec Münter pendant les années expressionnistes abstraites bavaroises , Kandinsky travaillait sur sa Composition VI . Après près de six mois d’étude et de préparation, il avait voulu que l’œuvre évoque simultanément un déluge, un baptême, une destruction et une renaissance. Après avoir esquissé le travail sur un panneau de bois de la taille d’une murale, il s’est bloqué et n’a pas pu continuer. Münter lui a dit qu’il était piégé dans son intellect et qu’il n’atteignait pas le véritable sujet de l’image. Elle a suggéré qu’il répète simplement le mot uberflut (“déluge” ou “inondation”) et se concentre sur son son plutôt que sur sa signification. Répétant ce mot comme un mantra, Kandinsky a peint et achevé l’œuvre monumentale en trois jours. ^{[31] [ citation nécessaire ]}

Style signature

L’art de Wassily Kandinsky est à la confluence de la musique ^[32] et de la spiritualité. Avec son appréciation pour la musique de son temps et sa disposition kinesthésique, ^[33] les œuvres d’art de Kandinsky ont un style marqué d’expressionnisme dans ses premières années. Mais il a embrassé tous les types de styles artistiques de son temps et de ses prédécesseurs, à savoir l’Art nouveau (formes organiques sinueuses), le fauvisme et le Blaue Reiter (couleurs choquantes), le surréalisme (mystère) et le Bauhaus ( constructivisme ) pour se diriger vers l’abstractionnisme en explorant la spiritualité. dans l’art. Ses peintures sans objet ^[34] affichent une abstraction spirituelle suggérée par les sons et les émotions à travers une unité de sensation. ^[35]Poussés par la foi chrétienne et la nécessité intérieure ^[36] d’un artiste, ses peintures ont l’ambiguïté de la forme rendue dans une variété de couleurs ainsi qu’une résistance aux valeurs esthétiques conventionnelles du monde de l’art.

Sa signature ou son style individuel peut être défini et divisé en trois catégories au cours de sa carrière artistique : Impressions (élément de représentation), Improvisations (réaction émotionnelle spontanée), Compositions (œuvres d’art ultimes). ^{[ citation nécessaire ]}

Alors que Kandinsky commençait à s’éloigner de son inspiration précoce de l’impressionnisme, ses peintures devenaient plus vibrantes, pictographiques et expressives avec des formes plus nettes et des qualités linéaires claires.

Mais finalement, Kandinsky est allé plus loin en rejetant la représentation picturale avec des ouragans tourbillonnants plus synesthésiques de couleurs et de formes, en éliminant les références traditionnelles à la profondeur et en mettant à nu différents glyphes abstraits, mais ce qui est resté cohérent était ses recherches spirituelles d’expressions et de références à sa foi chrétienne. ^{[ citation nécessaire ]}

L’harmonie émotionnelle est un autre trait saillant des œuvres ultérieures de Kandinsky. ^[37] Avec des dimensions diverses et des teintes vives équilibrées par une juxtaposition prudente de proportions et de couleurs, il a justifié l’universalité des formes dans ses œuvres d’art, ouvrant ainsi la voie à une abstraction plus poussée.

Wassily Kandinsky utilisait souvent le noir dans ses peintures pour accentuer l’impact des formes aux couleurs vives tandis que ses formes étaient souvent des approches biomorphiques pour apporter du surréalisme dans son art. ^[38]

Écrits théoriques sur l’art

Les analyses de Kandinsky sur les formes et les couleurs ne résultent pas d’associations d’idées simples et arbitraires, mais de l’expérience intérieure du peintre. Il a passé des années à créer des peintures abstraites et sensoriellement riches, travaillant avec la forme et la couleur, observant inlassablement ses propres peintures et celles d’autres artistes, notant leurs effets sur son sens de la couleur. ^[39] Cette expérience subjective est quelque chose que n’importe qui peut faire – non pas des observations scientifiques objectives mais des observations intérieures et subjectives, ce que le philosophe français Michel Henry appelle la “subjectivité absolue” ou la ” vie phénoménologique absolue “. ^[40]

Du spirituel dans l’art

Publié à Munich en 1911, le texte de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst , définit trois types de peinture ; impressions , improvisations et compositions . Alors que les impressions sont basées sur une réalité extérieure qui sert de point de départ, les improvisations et les compositions dépeignent des images émergeant de l’inconscient, bien que la composition soit développée d’un point de vue plus formel. ^[41] Kandinsky compare la vie spirituelle de l’humanité à une pyramide—l’artiste a pour mission de mener les autres au sommet avec son travail. La pointe de la pyramide, ce sont ces quelques grands artistes. C’est une pyramide spirituelle, avançant et montant lentement même si elle semble parfois immobile. Pendant les périodes de décadence, l’ âme s’enfonce au bas de la pyramide ; l’humanité ne recherche que le succès extérieur, ignorant les forces spirituelles. ^[42]

Les couleurs de la palette du peintre évoquent un double effet : un effet purement physique sur l’œil qui se laisse charmer par la beauté des couleurs, semblable à l’impression de joie quand on mange une friandise. Cet effet peut cependant être beaucoup plus profond, provoquant une vibration de l’âme ou une “résonance intérieure” – un effet spirituel dans lequel la couleur touche l’âme elle-même. ^[43]

La “nécessité intérieure” est, pour Kandinsky, le principe de l’art et le fondement des formes et de l’harmonie des couleurs. Il le définit comme le principe du contact efficace de la forme avec l’âme humaine. ^[44] Toute forme est la délimitation d’une surface par une autre ; elle possède un contenu intérieur, l’effet qu’elle produit sur celui qui la regarde attentivement. ^[45] Cette nécessité intérieure est le droit de l’artiste à une liberté illimitée, mais cette liberté devient licence si elle n’est pas fondée sur une telle nécessité. ^[46] L’art naît de la nécessité intérieure de l’artiste d’une manière énigmatique et mystique à travers laquelle il acquiert une vie autonome ; il devient un sujet indépendant, animé d’un souffle spirituel. ^[47]

Les propriétés évidentes que nous pouvons voir lorsque nous regardons une couleur isolée et la laissons agir seule, d’un côté est la chaleur ou la froideur du ton de la couleur, et de l’autre côté est la clarté ou l’obscurité de ce ton. ^[48] La chaleur est une tendance vers le jaune, et la froideur une tendance vers le bleu ; le jaune et le bleu forment le premier grand contraste dynamique. ^[49] Le jaune a un mouvement excentrique et le bleu un mouvement concentrique ; une surface jaune semble se rapprocher de nous, tandis qu’une surface bleue semble s’éloigner. ^[50] Le jaune est une couleur typiquement terrestre, dont la violence peut être douloureuse et agressive. ^[51] Le bleu est une couleur céleste, évoquant un calme profond. ^[52]La combinaison du bleu et du jaune donne une immobilité totale et un calme qui est vert. ^[53]

La clarté est une tendance vers le blanc et l’obscurité est une tendance vers le noir. Le blanc et le noir forment le deuxième grand contraste, qui est statique. ^[50] Le blanc est un silence profond et absolu, plein de possibilités. ^[54] Le noir est un néant sans possibilité, un silence éternel sans espoir, et correspond à la mort. Toute autre couleur résonne fortement sur ses voisines. ^[55] Le mélange du blanc avec le noir conduit au gris, qui ne possède aucune force active et dont la tonalité est proche de celle du vert. Le gris correspond à l’immobilité sans espoir ; il a tendance à désespérer quand il fait noir, reprenant peu d’espoir quand il fait clair. ^[56]

Le rouge est une couleur chaude, vive et agitée ; c’est puissant, un mouvement en soi. ^[56] Mélangé au noir, il devient brun, une couleur dure. ^[57] Mélangé au jaune, il gagne en chaleur et devient orange, ce qui donne un mouvement irradiant sur son environnement. ^[58] Lorsque le rouge est mélangé au bleu, il s’éloigne de l’homme pour devenir violet, qui est un rouge froid. ^[59] Le rouge et le vert forment le troisième grand contraste, et l’orange et le violet le quatrième. ^[60]

Point et ligne vers plan

Points , 1920, 110,3 cm × 91,8 cm (43,4 po × 36,1 po), Ohara Museum of Art

Dans ses écrits, publiés à Munich par le Verlag Albert Langen en 1926, Kandinsky analyse les éléments géométriques qui composent tout tableau : le point et la ligne. Il a appelé le support physique et la surface matérielle sur laquelle l’artiste dessine ou peint le plan de base , ou BP. ^[61] Il ne les a pas analysés objectivement, mais du point de vue de leur effet intérieur sur l’observateur. ^[62]

Un point est un petit bout de couleur posé par l’artiste sur la toile. Ce n’est ni un point géométrique ni une abstraction mathématique ; c’est l’étendue, la forme et la couleur. Cette forme peut être un carré, un triangle, un cercle, une étoile ou quelque chose de plus complexe. Le point est la forme la plus concise mais, selon son placement sur le plan de base, il prendra une tonalité différente. Il peut être isolé ou entrer en résonance avec d’autres points ou lignes. ^[63]

Une ligne est le produit d’une force qui a été appliquée dans une direction donnée : la force exercée sur le crayon ou le pinceau par l’artiste. Les formes linéaires produites peuvent être de plusieurs types : une ligne droite , qui résulte d’une force unique appliquée dans une seule direction ; une ligne angulaire , résultant de l’alternance de deux forces dans des directions différentes, ou une ligne courbe (ou ondulatoire ), produite par l’effet de deux forces agissant simultanément. Un plan peut être obtenu par condensation (à partir d’une ligne tournée autour d’une de ses extrémités). ^[64] L’effet subjectif produit par une ligne dépend de son orientation : une ligne horizontalela ligne correspond au sol sur lequel l’homme se repose et se déplace ; il possède une tonalité affective sombre et froide proche du noir ou du bleu. Une ligne verticale correspond à la hauteur et n’offre aucun support ; il possède une tonalité lumineuse et chaude proche du blanc et du jaune. Une diagonale possède une tonalité plus ou moins chaude (ou froide), selon son inclinaison vers l’horizontale ou vers la verticale. ^[65]

Une force qui se déploie, sans obstacle, comme celle qui produit une ligne droite correspond au lyrisme ; plusieurs forces qui s’affrontent (ou s’agacent) forment un drame . ^[66] L’ angle formé par la ligne angulaire a aussi une sonorité intérieure qui est chaude et proche du jaune pour un angle aigu (un triangle), froide et proche du bleu pour un angle obtus (un cercle), et proche du rouge pour un angle droit (un carré). ^[67]

Le plan de base est, en général, rectangulaire ou carré. Il est donc composé de lignes horizontales et verticales qui le délimitent et le définissent comme une entité autonome qui supporte le tableau, communiquant sa tonalité affective. Cette tonalité est déterminée par l’importance relative des lignes horizontales et verticales : les horizontales donnant une tonalité calme et froide au plan de base tandis que les verticales confèrent une tonalité calme et chaude. ^[68] L’artiste pressent l’effet intérieur du format et des dimensions de la toile, qu’il choisit en fonction de la tonalité qu’il veut donner à son œuvre. Kandinsky considérait le plan de base comme un être vivant, que l’artiste “fertilise” et sent “respirer”. ^[69]

Chaque partie du plan de base possède une coloration affective ; cela influence la tonalité des éléments picturaux qui y seront dessinés, et contribue à la richesse de la composition résultant de leur juxtaposition sur la toile. Le dessus du plan de base correspond au relâchement et à la légèreté, tandis que le dessous évoque la condensation et la lourdeur. Le travail du peintre est d’écouter et de connaître ces effets pour produire des tableaux qui ne sont pas seulement l’effet d’un processus aléatoire, mais le fruit d’un travail authentique et le résultat d’un effort vers la Beauté intérieure. ^[70]

Ce livre contient de nombreux exemples photographiques et dessins tirés des oeuvres de Kandinsky qui offrent la démonstration de ses observations théoriques, et qui permettent au lecteur de reproduire en lui l’évidence intérieure à condition qu’il prenne le temps de regarder ces images avec attention, qu’il les laisse agissant sur sa propre sensibilité et qu’il laissait vibrer les cordes sensibles et spirituelles de son âme. ^[71]

Informations diverses

Marché de l’art

En 2012, Christie’s a vendu aux enchères Studie für Improvisation 8 de Kandinsky (Study for Improvisation 8) , une vue de 1909 d’un homme brandissant une épée large dans un village aux couleurs de l’arc-en-ciel, pour 23 millions de dollars. Le tableau avait été prêté au Kunstmuseum Winterthur , en Suisse, depuis 1960 et a été vendu à un collectionneur européen par la Fondation Volkart, la branche caritative de la société suisse de négoce de matières premières Volkart Brothers. Avant cette vente, le dernier record de l’artiste remonte à 1990 lorsque Sotheby’s a vendu sa Fugue (1914) pour 20,9 millions de dollars. ^[72] Le 16 novembre 2016 , Christie’s a vendu aux enchères Rigide et courbé de Kandinsky, une grande peinture abstraite de 1935, pour 23,3 millions de dollars, un nouveau record pour Kandinsky. ^{[73] [74]} Solomon R. Guggenheim a initialement acheté le tableau directement de l’artiste en 1936, mais il n’a pas été exposé après 1949, et a ensuite été vendu aux enchères à un collectionneur privé en 1964 par le Musée Solomon R. Guggenheim . ^[74]

Dans la culture populaire

La pièce de 1990 Six degrés de séparation fait référence à une peinture “double face de Kandinsky”. ^[75] Aucune telle peinture n’est connue pour exister; dans la version cinématographique de 1993 de la pièce , la peinture double face est décrite comme ayant la peinture Black Lines de Kandinsky de 1913 d’un côté et sa peinture de 1926 Plusieurs cercles de l’autre côté. ^[76]

Le film de 1999 Double Jeopardy fait de nombreuses références à Kandinsky, et un de ses morceaux, Sketch , figure en bonne place dans l’intrigue. La protagoniste, Elizabeth Parsons (Ashley Judd), utilise l’entrée de registre pour le travail pour retrouver son mari sous son nouveau pseudonyme. Deux variantes de la couverture de l’almanach de Blue Rider sont également présentées dans le film. ^[77]

En 2014, Google a commémoré le 148e anniversaire de Kandinsky en présentant un Google Doodle basé sur ses peintures abstraites . ^{[78] [79]}

Dans le film 2015 Longest ride , il y a une histoire dans l’histoire racontant Ruth et Ira. Ruth s’intéresse à l’art et ils visitent le Black Mountain College où Ruth parle à Ira de Kandinski qui est venu et a enfreint toutes les lois de la discipline.

Une biographie de livre d’images intitulée The Noisy Paint Box: The Colours and Sounds of Kandinsky’s Abstract Art a été publiée en 2014. Ses illustrations de Mary GrandPre lui ont valu un Caldecott Honor 2015 .

Son petit-fils était le professeur de musicologie et écrivain Aleksey Ivanovitch Kandinsky (1918–2000), dont la carrière était à la fois centrée et centrée sur la Russie. ^{[80] [81]}

Des expositions

Le Musée Solomon R. Guggenheim présentera l’exposition Vasily Kandinsky: Around the Circle du 8 octobre 2021 au 5 septembre 2022, en conjonction avec une série d’expositions personnelles mettant en vedette le travail des artistes contemporains Etel Adnan , Jennie C. Jones et Cecilia Vicuña.

Le musée Solomon R. Guggenheim a organisé une grande rétrospective de l’œuvre de Kandinsky de 2009 à 2010, intitulée Kandinsky . ^[82] En 2017, une sélection de l’œuvre de Kandinsky était exposée au Guggenheim, « Visionaries : Creating a Modern Guggenheim ». ^[83]

La Phillips Collection à Washington, DC, a organisé une exposition du 11 juin au 4 septembre 2011, intitulée “Kandinsky et l’harmonie du silence”, présentant “La peinture avec bordure blanche” et ses études préparatoires. ^[84]

Art pillé par les nazis

En juillet 2001, Jen Lissitzky, le fils de l’artiste El Lissitzky , a déposé une demande de restitution contre la Fondation Beyeler à Bâle, en Suisse, pour “l’Improvisation n° 10” de Kandinsky. ^[85] Un règlement a été conclu en 2002. ^[86]

En 2013, la famille Lewenstein a déposé une demande de restitution de la Peinture avec des maisons de Kandinsky détenue par le Stedelijk Museum . ^{[87] [88]} En 2020, un comité créé par le ministre néerlandais de la culture a critiqué le comportement du Comité de restitution, provoquant un scandale où deux de ses membres, dont son président, ont démissionné. Plus tard cette année-là, un tribunal d’Amsterdam a décidé que le Stedelijk Museum pouvait conserver le tableau de la collection juive Lewenstein, malgré le vol nazi. ^{[89] [90]} Cependant, en août 2021, le conseil municipal d’Amsterdam a décidé de rendre le tableau à la famille Lewenstein. ^{[91] [92]}

En 2017, Robert Colin Lewenstein, Francesca Manuela Davis et Elsa Hannchen Guidotti ont intenté une action contre la Bayerische Landesbank (« BLB ») pour la restitution de Das Bunte Leben de Kandinsky . ^{[93] [94]}

Voir également

Bibliothèque Kandinsky
La théorie des couleurs de Goethe
Kandinsky et la Théosophie
Prix Kandinsky
Liste des artistes russes
Avant-garde russe
Chaise Wassily

Références

Remarque : Plusieurs sections de cet article ont été traduites de sa version française : Écrits théoriques sur l’art , Le Bauhaus et Les grandes périodes artistiques de synthèse . Pour des références complètes et détaillées en français, voir la version originale sur fr:Vassily Kandinsky .

Remarques

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Références en français

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Liens externes

Vassily Kandinskydans les projets frères de Wikipédia

Médias de Commons
Citations de Wikiquote
Données de Wikidata

Remake vidéo de la mise en scène des “Tableaux d’une exposition” de Kandinsky en 1928 à Dessau, 2015.
Documents de Wassily Kandinsky, 1911-1940 . Le Getty Research Institute, Los Angeles, Californie.
Discussion of Yellow – Red – Blue par Janina Ramirez et Marc Canham : Art Detective Podcast, 19 avril 2017
Le chemin introspectif de Kandinsky vers la réalité abstraite

Écrit par Kandinsky

Œuvres de Wassily Kandinsky au Projet Gutenberg
Œuvres de ou sur Wassily Kandinsky sur Internet Archive
Œuvres de Wassily Kandinsky chez LibriVox (livres audio du domaine public)
“Concernant le spirituel dans l’art” . Archives Internet du Guggenheim . Récupéré le 25 octobre 2013 .

Vidéo externe
Kandinsky, Improvisation 28 (deuxième version) , 1912 , Smarthistory

Peintures de Kandinsky

Wassily Kandinsky au Musée d’Art Moderne
Artcyclopedia.com , Wassily Kandinsky à ArtCyclopedia
Glyphs.com , les compositions de Kandinsky commentées
Wassilykandinsky.net – 500 peintures, 60+ photos, biographie, citations, articles