Néoclassicisme

Le néoclassicisme (également orthographié néo-classicisme ) était un mouvement culturel occidental dans les arts décoratifs et visuels , la littérature , le théâtre , la musique et l’architecture qui s’inspirait de l’art et de la culture de l’antiquité classique . Le néoclassicisme est né à Rome en grande partie grâce aux écrits de Johann Joachim Winckelmann , à l’ époque de la redécouverte de Pompéi et d ‘ Herculanum , mais sa popularité s’est répandue dans toute l’ Europe alors qu’une génération d’ étudiants en art européens achevait ses études .Grand Tour et sont revenus d’Italie dans leur pays d’origine avec des idéaux gréco-romains nouvellement redécouverts. ^{[1] [2]} Le principal mouvement néoclassique a coïncidé avec le Siècle des Lumières du XVIIIe siècle et s’est poursuivi jusqu’au début du XIXe siècle, rivalisant latéralement avec le romantisme . En architecture, le style s’est poursuivi tout au long du 19e, 20e et jusqu’au 21e siècle.

Psyché ravivée par le baiser de Cupidon ; par Antonio Canova ; 1787; marbre; 155 cm × 168 cm; Persienne Charles Towneley dans sa galerie de sculptures ; de Johann Zoffany ; 1782 ; huile sur toile; hauteur : 127 cm, largeur : 102 cm ; Towneley Hall Art Gallery and Museum ( Burnley , Royaume-Uni)

Le néoclassicisme européen dans les arts visuels a commencé c. 1760 en opposition au style rococo alors dominant . L’architecture rococo met l’accent sur la grâce, l’ornementation et l’asymétrie ; L’architecture néoclassique est basée sur les principes de simplicité et de symétrie, qui étaient considérés comme des vertus des arts de Rome et de la Grèce antique , et étaient plus immédiatement tirés du classicisme de la Renaissance du XVIe siècle . Chaque “néo”-classicisme sélectionne certains modèles parmi l’éventail des classiques possibles qui s’offrent à lui, et en ignore d’autres. Les écrivains et causeurs néoclassiques, mécènes et collectionneurs, artistes et sculpteurs de 1765-1830 ont rendu hommage à une idée de la génération dePhidias , mais les exemples de sculptures qu’ils ont effectivement adoptés étaient plus susceptibles d’être des copies romaines de sculptures hellénistiques . Ils ont ignoré à la fois l’art grec archaïque et les œuvres de l’Antiquité tardive . L’art “rococo” de l’ancienne Palmyre est venu comme une révélation, à travers les gravures de Wood’s The Ruins of Palmyra . Même la Grèce n’était presque pas visitée, un marigot rugueux de l’ Empire ottoman , dangereux à explorer, de sorte que l’appréciation de l’architecture grecque par les néoclassiques a été médiatisée par des dessins et des gravures , qui ont subtilement lissé et régularisé, “corrigé” et “restauré” les monuments. de la Grèce, pas toujours consciemment.

Le style Empire , deuxième phase du néoclassicisme dans l’architecture et les arts décoratifs , avait son foyer culturel à Paris à l’ époque napoléonienne . Surtout en architecture, mais aussi dans d’autres domaines, le néoclassicisme est resté une force longtemps après le début du XIXe siècle, avec des vagues périodiques de revivalisme au XXe et même au XXIe siècle, en particulier aux États-Unis et en Russie.

Histoire

Le néoclassicisme est une renaissance des nombreux styles et esprits de l’antiquité classique inspirés directement de la période classique, ^[3] qui coïncidaient et reflétaient les développements de la philosophie et d’autres domaines du siècle des Lumières, et étaient initialement une réaction contre les excès de la période classique. style rococo précédent . ^[4] Alors que le mouvement est souvent décrit comme la contrepartie opposée du romantisme , il s’agit d’une grande simplification excessive qui a tendance à ne pas être durable lorsque des artistes ou des œuvres spécifiques sont considérés. Le cas du supposé principal champion du néoclassicisme tardif, Ingres , le démontre particulièrement bien. ^[5]La renaissance peut être tracée à l’établissement de l’ archéologie formelle . ^{[6] [7]}

Johann Joachim Winckelmann , souvent appelé « le père de l’archéologie » ^[8]

Les écrits de Johann Joachim Winckelmann ont joué un rôle important dans la formation de ce mouvement à la fois dans l’architecture et les arts visuels. Ses livres Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques dans la peinture et la sculpture (1750) et Geschichte der Kunst des Alterthums (“Histoire de l’art ancien”, 1764) ont été les premiers à faire une distinction nette entre l’art grec ancien et l’art romain, et à définir des périodes au sein de l’art grec. art, traçant une trajectoire de la croissance à la maturité puis à l’imitation ou à la décadence qui continue d’avoir une influence jusqu’à nos jours. Winckelmann croyait que l’art devait viser “une noble simplicité et une calme grandeur”, ^[9]et fait l’éloge de l’idéalisme de l’art grec, dans lequel il dit que nous trouvons “non seulement la nature dans ce qu’elle a de plus beau, mais aussi quelque chose au-delà de la nature, à savoir certaines formes idéales de sa beauté, qui, comme nous l’enseigne un ancien interprète de Platon , proviennent d’images créé par l’esprit seul ». La théorie était très loin d’être nouvelle dans l’art occidental, mais son accent sur la copie fidèle des modèles grecs était: “La seule façon pour nous de devenir grands ou si cela est possible, inimitables, est d’imiter les anciens”. ^[dix]

Avec l’avènement du Grand Tour , une mode de collecte d’ antiquités a commencé qui a jeté les bases de nombreuses grandes collections répandant un renouveau néoclassique dans toute l’Europe. ^[11] Le “néoclassicisme” dans chaque art implique un canon particulier d’un modèle “classique”.

En anglais, le terme « néoclassicisme » est utilisé principalement pour les arts visuels ; le mouvement similaire dans la littérature anglaise , qui a commencé beaucoup plus tôt, est appelé littérature augustéenne . Celui-ci, qui avait été dominant pendant plusieurs décennies, commençait à décliner au moment où le néoclassicisme dans les arts visuels est devenu à la mode. Bien que les termes diffèrent, la situation dans la littérature française était similaire. En musique, la période a vu l’essor de la musique classique , et le « néoclassicisme » est utilisé pour les développements du 20e siècle . Cependant, les opéras de Christoph Willibald Gluck représentaient une approche spécifiquement néoclassique, énoncée dans sa préface à la partition publiée d’ Alceste(1769), qui visait à réformer l’opéra en supprimant l’ ornementation , en augmentant le rôle du chœur conformément à la tragédie grecque et en utilisant des lignes mélodiques plus simples et sans fioritures. ^[12]

Anton Raphaël Mengs ; Jugement de Paris ; vers 1757 ; huile sur toile; hauteur : 226 cm, largeur : 295 cm, acheté par Catherine la Grande à l’atelier ; Musée de l’Ermitage ( Saint-Pétersbourg , Russie)

Le terme «néoclassique» n’a été inventé qu’au milieu du XIXe siècle, et à l’époque le style était décrit par des termes tels que «le vrai style», «réformé» et «renouveau»; ce qui était considéré comme ressuscité variant considérablement. Les modèles antiques étaient certes très impliqués, mais le style pouvait aussi être considéré comme un renouveau de la Renaissance, et surtout en France comme un retour au baroque plus austère et noble de l’époque de Louis XIV , pour lequel une nostalgie considérable s’était développée . alors que la position militaire et politique dominante de la France commençait à décliner sérieusement. ^[13] Ingres ‘renouveau, au grand dam des critiques.

Le néoclassicisme était le plus fort dans l’architecture , la sculpture et les arts décoratifs , où les modèles classiques dans le même médium étaient relativement nombreux et accessibles ; des exemples de la peinture ancienne qui ont démontré les qualités que l’écriture de Winckelmann a trouvées dans la sculpture manquaient et manquent. Winckelmann a participé à la diffusion des connaissances sur les premières grandes peintures romaines découvertes, à Pompéi et à Herculanum et, comme la plupart des contemporains à l’exception de Gavin Hamilton , n’a pas été impressionné par elles, citant les commentaires de Pline le Jeune sur le déclin de la peinture en sa période. ^[14]

Quant à la peinture, la peinture grecque était complètement perdue : les peintres néoclassiques l’ont ressuscitée avec imagination, en partie à travers des frises en Bas-relief , des mosaïques et des peintures sur poterie, et en partie à travers les exemples de peinture et de décoration de la Haute Renaissance de la génération de Raphaël , les fresques de Néron. Domus Aurea , Pompéi et Herculanum , et par l’admiration renouvelée de Nicolas Poussin. Une grande partie de la peinture “néoclassique” est plus classicisante dans le sujet qu’autre chose. Une dispute féroce, mais souvent très mal informée, a fait rage pendant des décennies sur les mérites relatifs de l’art grec et romain, Winckelmann et ses collègues hellénistes étant généralement du côté des vainqueurs. ^[15]

Peinture et gravure

Serment des Horaces ; par Jacques-Louis David ; 1784 ; huile sur toile; 3,3 x 4,27 m ; Louvre ^[16]

Il est difficile de retrouver la nature radicale et passionnante de la peinture néoclassique ancienne pour le public contemporain ; il frappe maintenant même les écrivains favorablement enclins à lui comme “insipides” et “presque totalement inintéressants pour nous” – certains des commentaires de Kenneth Clark sur l’ambitieux Parnassus d’ Anton Raphael Mengs à la Villa Albani , ^[17] par l’artiste que son ami Winckelmann décrit comme “le plus grand artiste de son propre chef, et peut-être des temps ultérieurs”. ^[18] Les dessins, transformés par la suite en estampes , de John Flaxman utilisaient un dessin au trait très simple (considéré comme le médium classique le plus pur ^[19]) et des personnages principalement de profil pour représenter L’Odyssée et d’autres sujets, et ont autrefois “renvoyé la jeunesse artistique d’Europe” mais sont maintenant “négligés”, ^[20] tandis que les peintures d’histoire d’ Angelica Kauffman , principalement une portraitiste, sont décrites comme ayant “une douceur onctueuse et un ennuyeux” de Fritz Novotny . ^[21] La frivolité rococo et le mouvement baroque avaient été dépouillés, mais de nombreux artistes avaient du mal à mettre quoi que ce soit à leur place, et en l’absence d’exemples anciens pour la peinture d’histoire, autres que les vases grecs utilisés par Flaxman, Raphaël avait tendance à être utilisé comme un modèle de substitution, comme le recommandait Winckelmann.

Les œuvres d’autres artistes, que l’on ne saurait facilement qualifier de fades, mêlent des aspects du romantisme à un style généralement néoclassique et s’inscrivent dans l’histoire des deux mouvements. Le peintre germano-danois Asmus Jacob Carstens a terminé très peu des grandes œuvres mythologiques qu’il avait prévues, laissant principalement des dessins et des études de couleurs qui réussissent souvent à se rapprocher de la prescription de Winckelmann de “noble simplicité et calme grandeur”. ^[22] Contrairement aux plans non réalisés de Carstens, les gravures de Giovanni Battista Piranesi étaient nombreuses et rentables, et reprises par ceux qui faisaient le Grand Tourà toutes les parties de l’Europe. Son sujet principal était les bâtiments et les ruines de Rome, et il était plus stimulé par l’ancien que le moderne. L’atmosphère quelque peu inquiétante de nombre de ses Vedute (vues) devient dominante dans sa série de 16 estampes de Carceri d’Invenzione («Prisons imaginaires») dont «l’architecture cyclopéenne oppressante» véhicule «des rêves de peur et de frustration». ^[23] Né en Suisse, Johann Heinrich Füssli a passé la majeure partie de sa carrière en Angleterre, et bien que son style fondamental soit basé sur des principes néoclassiques, ses sujets et son traitement reflétaient plus souvent la souche “gothique” du romantisme et cherchaient à évoquer le drame et excitation.

Le néoclassicisme en peinture prend un nouveau sens avec le succès sensationnel du Serment des Horaces de Jacques-Louis David au Salon de Paris de 1785 . Malgré son évocation des vertus républicaines, il s’agit d’une commande du gouvernement royal que David tient à peindre à Rome. David a réussi à combiner un style idéaliste avec le drame et la force. La perspective centrale est perpendiculaire au plan de l’image, rendue plus emphatique par l’arcade sombre derrière, contre laquelle les personnages héroïques sont disposés comme dans une frise , avec un soupçon d’éclairage artificiel et de mise en scène d’ opéra , et la coloration classique de Nicolas Poussin. David est rapidement devenu le chef de file de l’art français et, après la Révolution française, il est devenu un homme politique contrôlant une grande partie du mécénat gouvernemental dans le domaine de l’art. Il parvient à conserver son influence à l’ époque napoléonienne en se tournant vers des œuvres franchement propagandistes, mais doit quitter la France pour s’exiler à Bruxelles à la Restauration des Bourbons . ^[24]

Parmi les nombreux élèves de David, citons Jean-Auguste-Dominique Ingres , qui s’est considéré comme un classique tout au long de sa longue carrière, malgré un style mature qui a une relation équivoque avec le courant principal du néoclassicisme, et de nombreuses dérivations ultérieures vers l’orientalisme et le style troubadour qui sont difficile à distinguer de ceux de ses contemporains résolument romantiques, si ce n’est par la primauté que ses œuvres accordent toujours au dessin. Il expose au Salon pendant plus de 60 ans, de 1802 jusqu’aux débuts de l’ impressionnisme , mais son style, une fois formé, évolue peu. ^[25]

• Vue fantastique avec le Panthéon et d’autres monuments de la Rome antique ; de Giovanni Paolo Panini ; 1737 ; huile sur toile; 98,9 × 137,49 cm; Musée des beaux-arts ( Houston , États-Unis)

• L’ancien Capitole s’élevait d’une centaine de marches environ. . . ; de Giovanni Battista Piranèse ; c. 1750 ; gravure; taille de la feuille entière : 33,5 × 49,4 cm ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Un philosophe donnant des conférences sur l’Orrery ; par Joseph Wright de Derby ; c. 1766; huile sur toile; 1,47 x 2,03 m; Musée et galerie d’art de Derby ( Derby , Angleterre ) ^[26]

• Les Attributs des Arts ; par Anne Vallayer-Coster ; 1769; huile sur toile; 90 x 121 cm; Louvre ^[27]

• Ariane Abandonnée ; par Angelica Kauffmann ; avant 1782; huile sur toile; 88 x 70,5 cm; Gemäldegalerie Alte Meister ( Dresde , Allemagne ) ^[28]

• Autoportrait à la harpe ; de Rose-Adélaïde Ducreux ; 1791; huile sur toile; 193 × 128,9 cm; Musée d’art métropolitain

• Julie Lebrun comme Flore ; par Élisabeth Vigée Le Brun ; c. 1799; huile sur toile; 129,5 × 97,8 cm; Musée des Beaux-Arts ( Saint-Pétersbourg , Floride , États-Unis)

• Portrait de Charlotte du Val d’Ognes ; par Marie-Denise Villers ; 1801 ; huile sur toile; 161,3 × 128,6 cm; Musée métropolitain d’art ^[29]

• Napoléon Ier sur son trône impérial ; par Jean-Auguste-Dominique Ingres ; 1806 ; huile sur toile; 2,62 x 1,62 m ; Musée de l’Armée (Paris) ^[16]

• 11 février 1866 – Roumanie moderne ; par Gheorghe Tattarescu ; 1866; huile sur carton; 31,4 x 24 cm; collection privée

Sculpture

Les Trois Grâces ; par Antonio Canova ; 1813-1816 ; marbre; hauteur : 1,82 m ; Musée de l’Ermitage ( Saint-Pétersbourg , Russie) ^[30]

Si la peinture néoclassique souffrait d’un manque de modèles anciens, la sculpture néoclassique avait tendance à en souffrir d’un excès, bien que les exemples de véritable sculpture grecque de la “période classique” commençant vers 500 avant JC étaient alors très peu nombreux; les œuvres les plus appréciées étaient pour la plupart des copies romaines. ^[31] Les principaux sculpteurs néoclassiques jouissaient d’une immense réputation à leur époque, mais sont maintenant moins considérés, à l’exception de Jean-Antoine Houdon, dont le travail était principalement des portraits, très souvent en bustes, qui ne sacrifient pas une forte impression de la personnalité du modèle à l’idéalisme. Son style est devenu plus classique au fur et à mesure de sa longue carrière et représente une progression plutôt douce du charme rococo à la dignité classique. Contrairement à certains sculpteurs néoclassiques, il n’a pas insisté pour que ses modèles portent des vêtements romains ou soient déshabillés. Il dépeint la plupart des personnalités notables des Lumières et se rend en Amérique pour produire une statue de George Washington , ainsi que des bustes de Thomas Jefferson , Ben Franklin et d’autres fondateurs de la nouvelle république. ^{[32] [33]}

Antonio Canova et le Danois Bertel Thorvaldsen étaient tous deux basés à Rome et, en plus des portraits, ont produit de nombreux personnages et groupes grandeur nature ambitieux; tous deux représentaient la tendance fortement idéalisante de la sculpture néoclassique. Canova a une légèreté et une grâce, là où Thorvaldsen est plus sévère ; la différence est illustrée dans leurs groupes respectifs des Trois Grâces . ^[34] Tous ceux-ci, ainsi que Flaxman, étaient encore actifs dans les années 1820, et le romantisme tarda à avoir un impact sur la sculpture, où les versions du néoclassicisme restèrent le style dominant pendant la majeure partie du XIXe siècle.

L’un des premiers néoclassiques de la sculpture était le Suédois Johan Tobias Sergel . ^[35] John Flaxman était aussi, ou principalement, un sculpteur, produisant principalement des reliefs sévèrement classiques qui sont comparables dans le style à ses estampes; il a également conçu et modélisé des céramiques néoclassiques pour Josiah Wedgwood pendant plusieurs années. Johann Gottfried Schadow et son fils Rudolph , l’un des rares sculpteurs néoclassiques à mourir jeune, étaient les principaux artistes allemands, ^[36] avec Franz Anton von Zauner en Autriche. Le sculpteur autrichien du baroque tardif Franz Xaver Messerschmidts’est tourné vers le néoclassicisme à mi-carrière, peu de temps avant qu’il ne semble avoir souffert d’une sorte de crise mentale, après quoi il s’est retiré dans le pays et s’est consacré aux “têtes de personnage” très distinctives de personnages chauves tirant des expressions faciales extrêmes. ^[37] Comme les Carceri de Piranèse , ceux-ci ont connu un grand regain d’intérêt à l’ère de la psychanalyse au début du XXe siècle. Le sculpteur néoclassique néerlandais Mathieu Kessels a étudié avec Thorvaldsen et a travaillé presque exclusivement à Rome.

Étant donné qu’avant les années 1830, les États-Unis n’avaient pas de tradition de sculpture propre, sauf dans les domaines des pierres tombales, des girouettes et des figures de proue de navire, ^[38] la manière néoclassique européenne y a été adoptée, et elle devait prévaloir pendant des décennies et est illustré dans les sculptures de Horatio Greenough , Harriet Hosmer , Hiram Powers , Randolph Rogers et William Henry Rinehart .

• The Hanged Man (n ° 25 dans une série de têtes de personnages); par Franz Xaver Messerschmidt ; après 1770; albâtre; hauteur : 38 cm ; Österreichische Galerie Belvedere ( Vienne , Autriche ) ^[39]

• Mercure ou Le Commerce ; par Augustin Pajou ; 1780 ; marbre; hauteur : 196 cm ; Persienne

• Céphale et Aurore ; par John Flaxman ; 1789-1790 ; probablement du marbre ; dimensions inconnues ; Lady Lever Art Gallery ( Merseyside , Angleterre )

• Vénus Victrice ; par Antonio Canova ; 1805–1808 ; marbre; hauteur : 92 cm ; Galerie Borghèse ( Rome )

• Ganymède avec l’aigle de Jupiter ; de Bertel Thorvaldsen ; 1817; marbre; hauteur : 93,3 cm ; Musée Thorvaldsen ( Copenhague , Danemark )

Architecture et arts décoratifs

Hôtel Gouthière rue Pierre-Bullet no. 6 (Paris), date inconnue, architecte inconnu “La chambre étrusque “, de Potsdam (Allemagne), v. 1840, illustration de Friedrich Wilhelm Klose

L’art néoclassique était à la fois traditionnel et nouveau, historique et moderne, conservateur et progressiste. ^[40]

Le néoclassicisme a d’abord gagné en influence en Angleterre et en France, grâce à une génération d’étudiants en art français formés à Rome et influencés par les écrits de Winckelmann, et il a été rapidement adopté par les cercles progressistes d’autres pays comme la Suède, la Pologne et la Russie. Dans un premier temps, le décor classicisant se greffe sur des formes européennes familières, comme dans les intérieurs de l’amant de Catherine II , le comte Orlov , conçus par un architecte italien avec une équipe de stuccadori italiens : seuls les médaillons ovales isolés comme des camées et le Bas-relief overdoors soupçon de néoclassicisme; le mobilier est entièrement rococo italien.

Une deuxième vague néoclassique, plus sévère, plus étudiée (par le biais des gravures ) et plus consciemment archéologique, est associée à l’apogée de l’ Empire napoléonien . En France, la première phase du néoclassicisme s’est exprimée dans le « style Louis XVI », et la seconde dans les styles dits « Directoire » ou Empire . Le style rococo est resté populaire en Italie jusqu’à ce que les régimes napoléoniens apportent le nouveau classicisme archéologique, qui a été adopté comme une déclaration politique par de jeunes Italiens urbains progressistes à tendance républicaine. ^{[ selon qui ? ]}

Dans les arts décoratifs, le néoclassicisme s’illustre dans les meubles Empire fabriqués à Paris, Londres, New York, Berlin ; dans les meubles Biedermeier fabriqués en Autriche ; dans les musées de Karl Friedrich Schinkel à Berlin, la Banque d’Angleterre de Sir John Soane à Londres et le « capitole » nouvellement construit à Washington, DC ; et dans les bas-reliefs et les vases “basaltes noirs” de Wedgwood . Le style était international ; L’ architecte écossais Charles Cameron a créé des intérieurs somptueux à l’italienne pour Catherine II la Grande , d’origine allemande, à Saint-Pétersbourg russe.

À l’intérieur, le néoclassicisme a fait une découverte de l’intérieur classique authentique, inspiré des redécouvertes de Pompéi et d’ Herculanum . Ceux-ci avaient commencé à la fin des années 1740, mais n’ont atteint une large audience que dans les années 1760, ^[41] avec les premiers volumes luxueux de distribution étroitement contrôlée de Le Antichità di Ercolano ( Les Antiquités d’Herculanum ). Les antiquités d’Herculanum ont montré que même les intérieurs les plus classicisants du baroque , ou les pièces les plus “romaines” de William Kent étaient basés sur la basilique et le templearchitecture extérieure tournée vers l’extérieur, d’où leur aspect souvent pompeux aux yeux des modernes : encadrements de fenêtres à fronton transformés en miroirs dorés , cheminées surmontées de façades de temples. Les nouveaux intérieurs cherchaient à recréer un vocabulaire authentiquement romain et véritablement intérieur.

Les techniques employées dans le style comprenaient des motifs plus plats et plus légers, sculptés en bas relief en forme de frise ou peints en monotones en camaïeu (“comme des camées”), des médaillons isolés ou des vases ou des bustes ou des bucranes ou d’autres motifs, suspendus à des guirlandes de laurier ou ruban , avec des arabesques élancées sur des fonds, peut-être, de “rouge pompéien” ou de teintes pâles, ou de couleurs de pierre. Le style en France était initialement un style parisien, le Goût grec (“style grec”), pas un style de cour; lorsque Louis XVI accéda au trône en 1774, Marie-Antoinette, sa reine férue de mode, fait entrer le style « Louis XVI » à la cour. Cependant, il n’y a eu aucune véritable tentative d’employer les formes de base du mobilier romain jusqu’au tournant du siècle, et les fabricants de meubles étaient plus susceptibles d’emprunter à l’architecture ancienne, tout comme les orfèvres étaient plus susceptibles de prendre de la poterie et de la pierre anciennes. la sculpture que la métallurgie : “Les créateurs et les artisans… semblent avoir pris un plaisir presque pervers à transférer des motifs d’un support à un autre”. ^[42]

Château de Malmaison , 1800, chambre de l’ impératrice Joséphine , à la frontière entre le style Directoire et le style Empire

À partir de 1800 environ, un nouvel afflux d’exemples architecturaux grecs, vus à travers les eaux-fortes et les gravures, a donné un nouvel élan au néoclassicisme, le renouveau grec . Dans le même temps, le style Empire est une vague plus grandiose de néoclassicisme dans l’architecture et les arts décoratifs. Principalement basé sur les styles romains impériaux, il trouve son origine et tire son nom du règne de Napoléon dans le Premier Empire français , où il était destiné à idéaliser le leadership de Napoléon et l’État français. Le style correspond au style Biedermeier plus bourgeois dans les pays germanophones, au style fédéral aux États-Unis ^[41] , au style Régenceen Grande-Bretagne et le style Napoléon en Suède. Selon l’historien de l’art Hugh Honor , “loin d’être, comme on le suppose parfois, l’aboutissement du mouvement néoclassique, l’Empire marque son déclin rapide et sa transformation une fois de plus en un simple renouveau antique, vidé de toutes les idées nobles et la force de conviction qui avaient inspiré ses chefs-d’œuvre”. ^[43] Une phase antérieure du style s’appelait le style Adam en Grande-Bretagne et “Louis Seize”, ou Louis XVI, en France.

Le néoclassicisme a continué d’être une force majeure dans l’art académique tout au long du XIXe siècle et au-delà – une antithèse constante du romantisme ou des renaissances gothiques -, bien qu’à partir de la fin du XIXe siècle, il ait souvent été considéré comme anti-moderne, voire réactionnaire, dans des critiques influentes. cercles. ^{[ qui ? ]} Les centres de plusieurs villes européennes, notamment Saint-Pétersbourg et Munich , en sont venus à ressembler beaucoup à des musées d’architecture néoclassique.

L’architecture néo-gothique (souvent liée au mouvement culturel romantique), un style originaire du XVIIIe siècle qui a gagné en popularité tout au long du XIXe siècle, contrastait avec le néoclassicisme. Alors que le néoclassicisme était caractérisé par des styles, des lignes géométriques et un ordre d’influence grecque et romaine, l’architecture néo-gothique mettait l’accent sur les bâtiments d’aspect médiéval, souvent conçus pour avoir une apparence rustique et «romantique».

France

Style Louis XVI (1760-1789) Le Petit Trianon ( Versailles , France), 1764, par Ange-Jacques Gabriel ^[44]

Il marque la transition du rococo au classicisme. Contrairement au classicisme de Louis XIV , qui transformait les ornements en symboles, le style Louis XVI les représente le plus réaliste et le plus naturel possible, c’est-à-dire que les branches de laurier sont bien des branches de laurier, les roses pareilles, etc. L’un des grands principes décoratifs est la symétrie. Dans les intérieurs, les couleurs utilisées sont très vives, notamment le blanc, le gris clair, le bleu vif, le rose, le jaune, le lilas très clair et le doré. Les excès d’ornementation sont évités. ^[45]Le retour à l’Antiquité est avant tout synonyme de retour aux lignes droites : verticales et horizontales strictes étaient à l’ordre du jour. Les serpentins n’étaient plus tolérés, à l’exception des demi-cercles ou ovales occasionnels. La décoration intérieure fait également honneur à ce goût de la rigueur, si bien que les surfaces planes et les angles droits reviennent à la mode. L’ornement a été utilisé pour atténuer cette sévérité, mais il n’a jamais interféré avec les lignes de base et a toujours été disposé symétriquement autour d’un axe central. Même ainsi, les ébénistes ont souvent des angles antérieurs inclinés pour éviter une rigidité excessive. ^[46]

Les motifs décoratifs de style Louis XVI s’inspirent de l’ Antiquité , du style Louis XIV et de la nature. Éléments caractéristiques du style : torche croisée avec un fourreau à flèches, disques imbriqués, guilloché , nœuds d’arc doubles, braseros fumants, répétitions linéaires de petits motifs ( rosaces , perles, oves), trophée ou médaillons floraux suspendus à un ruban noué , feuilles d’acanthe , godrons, entrelacs, méandres , cornes d’ abondance , mascarons , Urnes antiques, trépieds, brûle-parfums, dauphins, têtes de bélier et de lion, chimères et griffons. Les motifs architecturaux gréco-romains sont également très utilisés : cannelures , pilastres (cannelés et non cannelés), balustres cannelés (tordus et droits), colonnes ( engagées et non engagées, parfois remplacées par des cariathidés ), corbeaux à volutes , triglyphes à guttae (en relief et en trompe -l’oeil ). ^[47]

• Pavillon central de l’ École militaire (Paris), 1752, par Ange-Jacques Gabriel ^[48]

• Panthéon (Paris), 1758-1790, par Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) et Jean-Baptiste Rondelet (1743-1829) ^[49]

• Hôtel de la Marine (Paris), 1761-1770, par Ange-Jacques Gabriel ^[50]

• Commode de Madame du Barry ; par Martin Carlin (attribution); 1772 ; socle en chêne plaqué poirier, palissandre et amarante , porcelaine tendre de Sèvres , bronze doré, marbre blanc; 87 × 119 cm; Louvre ^[51]

• Hôtel du Châtelet (Paris), 1776 ^[52]

• Escalier du Grand Théâtre de Bordeaux ( Bordeaux , France), 1777-1780, par Victor Louis ^[53]

• Meuble d’angle parisien ; par Jean-Henri Riesener ; 1780–1790 ; montures en chêne, acajou, marbre et bronze doré; 94,3 × 81,3 × 55,9 cm; Institut d’art de Chicago (États-Unis) ^[54]

• Grand vase ; 1783; porcelaine dure et bronze doré ; hauteur : 2 m, diamètre : 0,90 m ; Persienne

• Le Cabinet Doré de Marie-Antoinette au château de Versailles ( Versailles , France), 1783, par les frères Rousseau ^[55]

• Bureau à cylindre de Marie-Antoinette; par Jean-Henri Riesener ; 1784 ; cadre en chêne et sapin, placage de sycomore , d’amarante et de palissandre, bronze doré; 103,6 × 113,4 cm; Louvre ^[56]

• Table à écrire de Marie-Antoinette; par Adam Weisweiler ; 1784 ; placage de chêne, d’ébène et de sycomore, laque du Japon, acier, bronze doré ; 73,7 x 81,2 cm; Louvre ^[57]

• Aiguière; 1784–1785 ; argent; hauteur : 32,9 cm ; Musée d’art métropolitain

• Tabouret pliant (pliant); 1786; bois de hêtre sculpté et peint, recouvert de soie rose ; 46,4 × 68,6 × 51,4 cm ; Musée d’art métropolitain

• Paire de vases ; 1789; porcelaine dure, bronze doré, marbre; hauteur (chaque) : 23 cm ; Musée d’art métropolitain

• Fauteuil (fauteuil) du Salon des Jeux de Louis XVI à Saint Cloud ; 1788; noyer sculpté et doré, soie brochée or (pas d’origine) ; hors tout : 100 × 74,9 × 65,1 cm ; Musée d’art métropolitain

Style Empire (1804-1815)

Il représente la nouvelle société française sortie de la révolution qui a donné le ton dans tous les domaines de la vie, y compris l’art. La machine Jacquard est inventée durant cette période (qui révolutionne tout le système de couture, manuel jusqu’alors). L’une des couleurs dominantes est le rouge, orné de bronze doré . Des couleurs vives sont également utilisées, notamment le blanc, le crème , le violet, le marron, le bleu, le rouge foncé, avec de petits ornements de bronze doré. L’architecture intérieure comprend des panneaux de bois décorés de reliefs dorés (sur fond blanc ou coloré). Les motifs sont placés géométriquement. Les murs sont recouverts de stucs , de papiers peints ou de tissus. Manteaux de cheminéesont en marbre blanc, ayant des cariatides à leurs angles, ou d’autres éléments : obélisques , sphinx , lions ailés, etc. Des objets en bronze ont été placés sur leurs sommets, notamment des horloges de cheminée . Les portes sont constituées de simples panneaux rectangulaires, décorés d’une figure centrale d’inspiration pompéienne. Les étoffes Empire sont les damas à fond bleu ou marron, les satins à fond vert, rose ou violet, les velours des mêmes couleurs, les broches brochées d’or ou d’argent, les étoffes de coton. Tous étaient utilisés en intérieur pour les rideaux, pour recouvrir certains meubles, pour les coussins ou le rembourrage (le cuir est aussi utilisé pour le rembourrage). ^[58]

Toute la parure Empire est régie par un rigoureux esprit de symétrie rappelant le style Louis XIV . Généralement, les motifs des côtés droit et gauche d’une pièce se correspondent dans les moindres détails ; quand ce n’est pas le cas, les motifs individuels eux-mêmes sont entièrement symétriques dans leur composition : têtes antiques avec des tresses identiques tombant sur chaque épaule, figures frontales de la Victoire avec des tuniques disposées symétriquement, rosaces ou cygnes identiques flanquant une plaque de serrure, etc. Comme Louis XIV , Napoléon avait un ensemble d’emblèmes indubitablement associés à son règne, notamment l’aigle, l’abeille, les étoiles et les initiales I (pour Imperator ) et N (pourNapoléon ), qui étaient généralement inscrits dans une couronne de laurier impériale. Les motifs utilisés comprennent : des figures de Victoire portant des palmes, des danseuses grecques, des femmes nues et drapées, des figures de chars antiques, des putti ailés , des mascarons d’ Apollon , d’ Hermès et de la Gorgone , des cygnes, des lions, des têtes de bœufs, des chevaux et des bêtes sauvages, papillons, griffes, chimères ailées , sphinx , bucranes , hippocampes, couronnes de chêne nouées par de fins rubans traînants, vignes grimpantes, rinceaux de pavot , rosettes, branches de palmier et laurier. Il y en a beaucoup de gréco-romaines : feuilles d’acanthe raides et plates , palmettes , cornes d’ abondance , perles, amphores , trépieds, disques imbriqués, caduceuses de Mercure , vases, casques, torches ardentes, trompettistes ailés, et instruments de musique anciens (tubas, hochets et surtout lyres ). Malgré leur origine antique, les cannelures et les triglyphes si répandus sous Louis XVI sont abandonnés. Les motifs néo-égyptiens sont particulièrement fréquents au début de la période : scarabées , chapiteaux de lotus, disques ailés, obélisques, pyramides , personnages coiffés de némés , cariatides en gaine soutenues pieds nus et coiffées de femmes égyptiennes. ^[59]

• cafetière ; 1797–1809 ; vermeil; hauteur : 33,3 cm ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Chambre de l’ impératrice Joséphine au château de Malmaison ( Rueil-Malmaison , France), 1800-1802, par Charles Percier et Pierre-François-Léonard Fontaine ^[60]

• Lavabo (athénienne ou lavabo); 1800–1814 ; pieds, base et étagère en bois d’if, montures en bronze doré , plaque en fer sous l’étagère ; hauteur : 92,4 cm, largeur : 49,5 cm ; Musée d’art métropolitain

• Portique du Palais Bourbon (Paris), 1806-1808, par Bernard Poyet ^[61]

• La Madeleine (Paris), 1807-1842, par Pierre-Alexandre Vignon ^[61]

• Vase; 1809 ; poignées en porcelaine dure et bronze doré; hauteur : 74,9 cm, diamètre : 35,6 cm ; Wadsworth Atheneum ( Hartford , Connecticut , États-Unis) ^[62]

• Armoire à monnaie néo-égyptienne ; par François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter ; 1809-1819 ; acajou (probablement Swietenia mahagoni ), avec argent appliqué et incrusté; 90,2 x 50,2 x 37,5 cm ; Musée d’art métropolitain

• Horloge avec Mars et Vénus ; vers 1810 ; bronze doré et patine; hauteur : 90 cm ; Persienne

• Berceau du roi de Rome ; de Pierre-Paul Prud’hon , Henri Victor Roguier , Jean-Baptiste-Claude Odiot et Pierre-Philippe Thomire ; 1811; bois, vermeil, nacre , feuilles de cuivre recouvertes de velours, de soie et de tulle, décorées de fils d’argent et d’or; hauteur : 216 cm ; Kunsthistorisches Museum ( Vienne , Autriche ) ^[63]

• Tapis; 1814–1830 ; 309,9 × 246,4 cm; Musée d’art métropolitain

La Grande-Bretagne

Le style Adam a été créé par deux frères, Adam et James , qui ont publié en 1777 un volume d’eaux-fortes avec ornementation intérieure. Dans la décoration intérieure réalisée d’après les dessins de Robert Adam, les murs, les plafonds, les portes et toute autre surface sont divisés en grands panneaux : rectangulaires, ronds, carrés, avec des stucs et des motifs gréco-romains sur les bords. Les ornements utilisés comprennent les festons , les perles, les bandes d’œufs et de fléchettes , les médaillons et tout autre motif utilisé pendant l’ Antiquité classique (en particulier l’ étrusque ).ceux). Les agencements décoratifs tels que les vases en pierre en forme d’urne, l’argenterie dorée, les lampes et les stauettes ont tous la même source d’inspiration, l’antiquité classique. Le style Adam privilégie les miroirs rectangulaires raffinés, encadrés comme des tableaux (dans des cadres à feuilles stylisées), ou surmontés d’un fronton , supportant une urne ou un médaillon. Une autre conception des miroirs Adam est en forme de fenêtre vénitienne , avec un grand miroir central entre deux autres plus fins et plus longs. Un autre type de miroirs sont les miroirs ovales, généralement décorés de festons. Les meubles de ce style ont une structure similaire aux meubles Louis XVI . ^[64]

Outre le style Adam, en matière d’arts décoratifs, l’Angleterre est également connue pour le fabricant de céramique Josiah Wedgwood (1730-1795), qui a créé une poterie appelée Etruria. La vaisselle Wedgwood est faite d’un matériau appelé jasperware, un type de grès dur et à grain fin. Les vases Wedgwood sont généralement décorés de reliefs bicolores, le plus souvent les personnages étant blancs et le fond bleu.

• Kedleston Hall ( Kedleston , Derbyshire , Angleterre), 1760-1770, par Robert Adam ^[65]

• Salle à manger ( Osterley Park , Londres), 1761, par Robert Adam ^[66]

• Syon House ( Middlesex , Angleterre ), 1762, par Robert Adam ^[65]

• Le Hall (Osterley Park), 1767, par Robert Adam ^[67]

• Tapis; par Robert Adam; 1770–1780 ; laine nouée; 505,5 × 473,1 cm; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Apothéose de Virgile ; par John Flaxman ; c. 1776; articles en jaspe; diamètre : 41 cm ; Musée Harris ( Preston , Lancashire , Royaume-Uni) ^[68]

• Somerset House (Londres), 1776-1801, par William Chambers ^[69]

• Urne sur socle ; vers 1780 avec les derniers ajouts ; par Robert Adam; acajou incrusté; hauteur : 49,8 cm ; Musée d’art métropolitain

• Guéridon orné de nombreuses feuilles d’acanthe et de deux bucranes ; par Robert Adam ; c. 1780 avec ajout ultérieur ; acajou; hors tout : 88,6 × 141,3 × 57,1 cm ; Musée d’art métropolitain

• Urne Wedgwood couverte; c. 1800 ; articles en jaspe à décor en relief; hors tout : 19,7 cm ; Musée d’art de Cleveland ( Cleveland , Ohio , États-Unis) ^[70]

Les États Unis

Sur le continent américain , l’architecture et la décoration intérieure ont été fortement influencées par les styles développés en Europe. Le goût français a fortement marqué sa présence dans les états du sud (après la Révolution française quelques émigrants se sont installés ici, et au Canada une grande partie de la population est d’origine française). L’esprit pratique et la situation matérielle des Américains à cette époque donnaient aux intérieurs une atmosphère typique. Tous les meubles américains, tapis, vaisselle, céramique, argenterie, avec toutes les influences européennes, et parfois islamiques , turques ou asiatiques, ont été fabriqués conformément aux normes américaines, au goût et aux exigences fonctionnelles. Il a existé aux USA une période du style Queen Anne , et une période Chippendale . Un style qui lui est propre, le style fédéral, s’est complètement développé au XVIIIe et au début du XIXe siècle, qui s’est épanoui sous l’influence du goût britannique. Sous l’impulsion du néoclassicisme, l’architecture, les intérieurs et le mobilier ont été créés. Le style, bien qu’il ait de nombreuses caractéristiques qui diffèrent d’un État à l’autre, est unitaire. Les structures de l’architecture, des intérieurs et du mobilier sont classiques et intègrent des influences baroques et rococo . Les formes utilisées comprennent des rectangles, des ovales et des croissants. Stucou des panneaux de bois sur les murs et les plafonds reproduisent des motifs classiques. Les meubles sont généralement décorés de marqueterie florale et d’incrustations de bronze ou de laiton (parfois doré ). ^[71]

• secrétaire à l’érable; vers 1790; érable et laiton; hauteur : 242,57 cm ; Musée d’art du comté de Los Angeles (États-Unis)

• Chandelier; 1790-1800 ; acajou, bouleau et incrustations diverses; 107 x 49,21 x 48,9 cm ; Musée d’art du comté de Los Angeles

• Bureau; 1790-1810 ; citronnier, acajou, peuplier tulipe et pin ; 153,67 x 90,17 x 51,44 cm ; Musée d’art du comté de Los Angeles

• Maison Blanche ( Washington, DC ), 1792-1829, par James Hoban ^[72]

• Capitol Building (Washington, DC), 1793-1863, par William Thornton et Thomas Ustick Walter ^[72]

• Federal Hill Mansion ( My Old Kentucky Home State Park , Bardstown, Kentucky), 1795

• Fauteuil; peut-être par Ephraim Haines ; 1805-1815 ; acajou et canne; hauteur : 84,77 cm, largeur : 52,07 cm ; Musée d’art du comté de Los Angeles

• Guéridon à quatre colonnes avec fleuron en forme d’ananas ; 1815-1820 ; bois d’acajou, de peuplier tulipier et de pin; 74,93 x 92,71 x 46,67 cm; Musée d’art du comté de Los Angeles

• La Rotonde ( Université de Virginie , Charlottesville , Virginie ), par Thomas Jefferson , 1822-1826 ^[73]

• Caroline du Sud State House ( Columbia , Caroline du Sud ), 1855, par John Rudolph Niernsee

Jardins

En Angleterre, la littérature augustéenne avait un parallèle direct avec le style augustan de l’aménagement paysager. Les liens se voient clairement dans l’œuvre d’ Alexander Pope . Les meilleurs exemples survivants de jardins anglais néoclassiques sont Chiswick House , Stowe House et Stourhead . ^[74]

Néoclassicisme et mode

La mondaine révolutionnaire Thérésa Tallien Portrait d’ Antoine Valedau de 1809

Dans la mode, le néoclassicisme a influencé la plus grande simplicité des robes féminines et la mode durable du blanc, bien avant la Révolution française, mais ce n’est qu’après celle-ci que les tentatives approfondies d’imitation des styles anciens sont devenues à la mode en France, du moins pour les femmes. Les costumes classiques étaient depuis longtemps portés par des dames à la mode se faisant passer pour une figure du mythe grec ou romain dans un portrait (en particulier, il y avait une éruption de tels portraits de la jeune mannequin Emma, ​​Lady Hamilton des années 1780), mais de tels costumes n’étaient portés que pour le portrait assis et les bals masqués jusqu’à la période révolutionnaire, et peut-être, comme d’autres styles exotiques, comme déshabillé à la maison. Mais les styles portés dans les portraits de Juliette Récamier ,Joséphine de Beauharnais , Thérésa Tallien et d’autres fashionistas parisiennes étaient aussi pour les sorties en public. En voyant Mme Tallien à l’opéra, Talleyrand a plaisanté : ” Il n’est pas possible de s’exposer plus somptueusement ! ” (“On ne pourrait pas être plus somptueusement déshabillé”). En 1788, juste avant la Révolution, la portraitiste de cour Louise Élisabeth Vigée Le Brun avait organisé un souper grec où les dames portaient des tuniques grecques blanches unies. ^[75] Les coiffures classiques plus courtes, si possible avec des boucles, étaient moins controversées et très largement adoptées, et les cheveux étaient désormais découverts même à l’extérieur; sauf robe de soirée, bonnetsou d’autres revêtements avaient généralement été portés même à l’intérieur auparavant. À la place, de fins rubans ou filets à la grecque étaient utilisés pour attacher ou décorer les cheveux.

Des robes très légères et amples, généralement blanches et souvent avec des bras étonnamment nus, montaient de la cheville jusqu’au bas du corsage, où il y avait un ourlet fin fortement souligné ou une cravate autour du corps, souvent de couleur différente. La forme est maintenant souvent connue sous le nom de silhouette Empire bien qu’elle soit antérieure au Premier Empire français de Napoléon, mais sa première impératrice Joséphine de Beauharnais a eu une influence sur sa diffusion dans toute l’Europe. Un long châle ou châle rectangulaire, très souvent rouge uni mais avec une bordure décorée dans les portraits, aidait par temps froid et était apparemment posé autour du ventre lorsqu’il était assis – pour lequel les postures semi-allongées tentaculaires étaient privilégiées. ^[76] Au début du 19ème siècle, de tels styles s’étaient largement répandus à travers l’Europe.

La mode néoclassique pour hommes était beaucoup plus problématique et n’a jamais vraiment décollé que pour les cheveux, où elle a joué un rôle important dans les styles plus courts qui ont finalement abandonné l’utilisation de perruques, puis de poudre de cheveux blanche, pour les hommes plus jeunes. Le pantalon avait été le symbole du barbare chez les Grecs et les Romains, mais en dehors de l’atelier du peintre ou, surtout, du sculpteur, peu d’hommes étaient prêts à l’abandonner. En effet, l’époque voit le triomphe du pur pantalon, ou pantalon , sur la culotte ou culotte de l’ Ancien Régime .. Même lorsque David a conçu un nouveau “costume national” français à la demande du gouvernement au plus fort de l’enthousiasme révolutionnaire pour tout changer en 1792, il comprenait des leggings assez serrés sous un manteau qui s’arrêtait au-dessus du genou. Une forte proportion de jeunes hommes aisés a passé une grande partie de la période clé dans le service militaire en raison des guerres de la Révolution française et de l’uniforme militaire, qui a commencé à mettre l’accent sur les vestes courtes à l’avant, donnant une vue complète du collant. pantalons ajustés, étaient souvent portés lorsqu’ils n’étaient pas en service et influençaient les styles masculins civils.

Le problème du pantalon avait été reconnu par les artistes comme un obstacle à la création de peintures d’histoire contemporaines ; comme d’autres éléments de la robe contemporaine, ils étaient considérés comme irrémédiablement laids et sans héroïsme par de nombreux artistes et critiques. Divers stratagèmes ont été utilisés pour éviter de les représenter dans des scènes modernes. Dans James Dawkins et Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) de Gavin Hamilton , les deux antiquaires gentleman sont représentés dans des robes arabes ressemblant à des toges . Dans Watson et le requin (1778) de John Singleton Copley, le personnage principal pourrait vraisemblablement être montré nu, et la composition est telle que sur les huit autres hommes représentés, un seul montre une seule jambe culasse en évidence. Cependant, les Américains Copley et Benjamin West ont dirigé les artistes qui ont montré avec succès que le pantalon pouvait être utilisé dans des scènes héroïques, avec des œuvres comme West’s The Death of General Wolfe (1770) et Copley’s The Death of Major Peirson, 6 January 1781 (1783), bien que le pantalon était encore soigneusement évité dans Le Radeau de la Méduse , achevé en 1819.

Les styles de cheveux masculins d’inspiration classique comprenaient le Bedford Crop , sans doute le précurseur de la plupart des styles masculins modernes simples, qui a été inventé par le politicien radical Francis Russell, 5e duc de Bedford pour protester contre une taxe sur la poudre capillaire ; il a encouragé ses amis à l’adopter en leur pariant qu’ils ne le feraient pas. Un autre style influent (ou groupe de styles) a été nommé par les Français “à la Titus” d’après Titus Junius Brutus (pas en fait l’empereur romain Titus comme on le suppose souvent), avec des cheveux courts et superposés mais quelque peu empilés sur la couronne, souvent avec des toupies retenues ou des mèches qui pendent ; les variantes sont familières des cheveux de Napoléon et de George IVdu Royaume-Uni. Le style était censé avoir été introduit par l’acteur François-Joseph Talma , qui a éclipsé ses co-acteurs à perruque lorsqu’il apparaissait dans des productions d’œuvres telles que Brutus de Voltaire (à propos de Lucius Junius Brutus , qui ordonne l’exécution de son fils Titus) . En 1799, un magazine de mode parisien rapportait que même les hommes chauves adoptaient les perruques Titus, ^[77] et le style était également porté par les femmes, le Journal de Paris rapportant en 1802 que « plus de la moitié des femmes élégantes portaient leurs cheveux ou leur perruque à la Titus ^[78 ]

• James Dawkins et Robert Wood découvrant les ruines de Palmyre , par Gavin Hamilton (1758)

• Madame Raymond de Verninac par Jacques-Louis David , avec vêtements et chaise de style Directoire . “An 7”: c’est-à-dire 1798–1799

• Portrait de Madame Récamier , par Jacques-Louis David , 1800

• Elizabeth Alexeievna , impératrice de Russie, en 1802

Néoclassicisme ultérieur

Le bâtiment ouest (1941) de la National Gallery of Art de Washington

Dans l’architecture américaine, le néoclassicisme était une expression du mouvement de la Renaissance américaine , ca. 1890-1917 ; sa dernière manifestation était dans l’architecture Beaux-Arts , et ses derniers grands projets publics étaient le Lincoln Memorial (très critiqué à l’époque), la National Gallery of Art de Washington, DC (également fortement critiquée par la communauté architecturale comme étant rétrograde et à l’ancienne dans sa conception) et le mémorial Roosevelt du Musée américain d’histoire naturelle . Ceux-ci étaient considérés comme des anachronismes stylistiques lorsqu’ils étaient terminés. Dans le Raj britannique, l’urbanisme monumental de Sir Edwin Lutyens pour New Delhimarque le coucher du soleil du néoclassicisme. La Seconde Guerre mondiale devait briser la plupart des aspirations (et des imitations) d’une époque mythique.

Les architectes modernistes conservateurs tels qu’Auguste Perret en France ont conservé les rythmes et l’espacement de l’architecture en colonnes même dans les bâtiments d’usine. Là où une colonnade aurait été décriée comme “réactionnaire”, les panneaux cannelés en forme de pilastre d’un bâtiment sous une frise répétitive semblaient “progressifs”. Pablo Picasso a expérimenté des motifs classiques dans les années qui ont immédiatement suivi la Première Guerre mondiale , et le style Art Déco qui s’est imposé à la suite de l’ Exposition des Arts Décoratifs de Paris de 1925 , s’est souvent inspiré de motifs néoclassiques sans les exprimer ouvertement : sévère, en blocscommodes par É.-J. Ruhlmann ou Süe & Mare ; des frises nettes en très bas relief de demoiselles et de gazelles sur tous les supports ; des robes à la mode drapées ou coupées en biais pour recréer des lignes grecques ; la danse artistique d’ Isadora Duncan ; le style Streamline Moderne des bureaux de poste américains et des bâtiments des tribunaux de comté construits jusqu’en 1950 ; et la pièce de dix cents de Roosevelt .

Il y avait tout un mouvement du XXe siècle dans les arts qui s’appelait aussi le néoclassicisme. Il englobait au moins la musique, la philosophie et la littérature. C’était entre la fin de la Première Guerre mondiale et la fin de la Seconde Guerre mondiale. (Pour plus d’informations sur les aspects musicaux, voir Musique classique du XXe siècle et Néoclassicisme en musique . Pour plus d’informations sur les aspects philosophiques, voir Grands livres .)

Ce mouvement littéraire néoclassique a rejeté le romantisme extrême de (par exemple) Dada , en faveur de la retenue, de la religion (en particulier le christianisme) et d’un programme politique réactionnaire. Bien que les fondations de ce mouvement dans la littérature anglaise aient été posées par TE Hulme , les néoclassiques les plus célèbres étaient TS Eliot et Wyndham Lewis . En Russie, le mouvement se cristallise dès 1910 sous le nom d’ acméisme , avec Anna Akhmatova et Osip Mandelshtam comme principaux représentants.

En musique

Le néoclassicisme en musique est un mouvement du XXe siècle ; dans ce cas c’est le classique et le baroqueles styles musicaux des XVIIe et XVIIIe siècles, avec leur penchant pour les thèmes grecs et romains, qui revivaient, et non la musique du monde antique elle-même. (Le début du XXe siècle n’avait pas encore distingué la période baroque dans la musique, sur laquelle les compositeurs néoclassiques s’inspiraient principalement, de ce que nous appelons maintenant la période classique.) Le mouvement était une réaction dans la première partie du XXe siècle au chromatisme désintégrant de le romantisme tardif et l’impressionnisme, émergeant parallèlement au modernisme musical, qui cherchait à abandonner complètement la tonalité clé. Elle manifestait une volonté de propreté et de simplicité de style, qui permettait une paraphrase assez dissonante des procédés classiques, mais cherchait à faire sauter les toiles d’araignées du romantisme et les lueurs crépusculaires de l’ impressionnisme .en faveur de rythmes audacieux, d’une harmonie affirmée et de formes sectionnelles nettes, coïncidant avec la vogue de la danse et du costume “classiques” reconstitués dans le ballet et l’éducation physique .

La suite de danse des XVIIe et XVIIIe siècles avait connu un renouveau mineur avant la Première Guerre mondiale, mais les néoclassiques n’étaient pas tout à fait satisfaits du diatonisme non modifié et avaient tendance à souligner la dissonance éclatante des suspensions et des ornements, les qualités angulaires de l’harmonie modale du XVIIe siècle et la lignes énergiques d’écriture partielle contre-puntaire. Airs et danses antiques de Respighi (1917) a ouvert la voie au type de son auquel aspiraient les néoclassiques. Bien que la pratique consistant à emprunter des styles musicaux du passé n’ait pas été rare tout au long de l’histoire de la musique, les musiques savantes ont traversé des périodes où les musiciens ont utilisé des techniques modernes associées à des formes ou des harmonies plus anciennes pour créer de nouveaux types d’œuvres. Les caractéristiques compositionnelles notables sont: la référence à la tonalité diatonique, les formes conventionnelles (suites de danse, concerti grossi, formes sonates, etc.), l’idée d’une musique absolue sans associations descriptives ou émotives, l’utilisation de textures musicales légères et une concision d’expression musicale . Dans la musique classique, cela a été surtout perçu entre les années 1920 et les années 1950. Igor Stravinskiest le compositeur le plus connu utilisant ce style; il a effectivement commencé la révolution musicale avec son octuor pour instruments à vent à la Bach (1923). Une œuvre individuelle particulière qui représente bien ce style est la Symphonie classique n° 1 en ré de Prokofiev , qui rappelle le style symphonique de Haydn ou de Mozart . Le ballet néoclassique tel qu’innové par George Balanchine a désencombré le style impérial russe en termes de costumes, de pas et de narration, tout en introduisant des innovations techniques.

L’architecture en Russie et en Union soviétique

Palais Ostankino , conçu par Francesco Camporesi et achevé en 1798, à Moscou, Russie

En 1905–1914, l’architecture russe traversa une période brève mais influente de renouveau néoclassique ; la tendance a commencé avec la recréation du style Empire de la période alexandrine et s’est rapidement étendue à une variété d’écoles néo-Renaissance, palladiennes et modernisées, mais reconnaissables entre elles. Ils ont été dirigés par des architectes nés dans les années 1870, qui ont atteint un sommet créatif avant la Première Guerre mondiale, comme Ivan Fomine , Vladimir Shchuko et Ivan Zholtovsky . Lorsque l’économie a repris dans les années 1920, ces architectes et leurs partisans ont continué à travailler dans un environnement principalement moderniste ; certains (Zholtovsky) suivaient strictement le canon classique, d’autres (Fomin, Schuko,Ilya Golosov ) a développé ses propres styles modernisés. ^[79]

Domaine d’Arkhangelskoye

Avec la répression de l’indépendance des architectes et le déni officiel du modernisme (1932), démontré par le concours international pour le Palais des Soviets , le néoclassicisme a été instantanément promu comme l’un des choix de l’architecture stalinienne , mais pas le seul choix. Elle a coexisté avec l’architecture modérément moderniste de Boris Iofan , à la limite de l’ Art déco contemporain (Schuko) ; encore une fois, les exemples les plus purs du style ont été produits par l’école Zholtovsky qui est restée un phénomène isolé. L’intervention politique a été un désastre pour les dirigeants constructivistes mais a été sincèrement accueillie par les architectes des écoles classiques.

Le néoclassicisme était un choix facile pour l’URSS puisqu’il ne s’appuyait pas sur les technologies modernes de construction ( charpente métallique ou béton armé ) et pouvait être reproduit dans la maçonnerie traditionnelle . Ainsi, les conceptions de Zholtovsky, Fomin et d’autres maîtres anciens ont été facilement reproduites dans des villes éloignées sous un strict rationnement matériel . L’amélioration de la technologie de construction après la Seconde Guerre mondiale a permis aux architectes staliniens de s’aventurer dans la construction de gratte-ciel, bien que stylistiquement ces gratte-ciel (y compris l’architecture “exportée” du Palais de la Culture et des Sciences , de Varsovie et du ShanghaiInternational Convention Center) partagent peu avec les modèles classiques. Le néoclassicisme et la néo-Renaissance ont persisté dans des projets résidentiels et de bureaux moins exigeants jusqu’en 1955, lorsque Nikita Khrouchtchev a mis fin à l’architecture stalinienne coûteuse.

L’architecture au 21ème siècle

Centre symphonique du Schermerhorn , 2006

Après une accalmie pendant la période de domination architecturale moderne (à peu près après la Seconde Guerre mondiale jusqu’au milieu des années 1980), le néoclassicisme a connu une sorte de résurgence.

À partir de la première décennie du 21e siècle, l’architecture néoclassique contemporaine est généralement classée sous le terme générique de nouvelle architecture classique . Parfois, il est également appelé néo-historicisme ou traditionalisme. ^[80] En outre, un certain nombre de pièces d’ architecture postmoderne s’inspirent et incluent des références explicites au néoclassicisme, au quartier d’Antigone et au théâtre national de Catalogne à Barcelone . L’architecture postmoderne comprend parfois des éléments historiques, comme des colonnes, des chapiteaux ou le tympan.

Pour une architecture de style traditionnel sincère qui colle à l’architecture, aux matériaux et à l’artisanat régionaux, le terme architecture traditionnelle (ou vernaculaire) est principalement utilisé. Le prix d’ architecture Driehaus est décerné aux principaux contributeurs dans le domaine de l’architecture traditionnelle ou classique du XXIe siècle et est doté d’un prix deux fois plus élevé que celui du prix moderniste Pritzker . ^[81]

Aux États-Unis, divers bâtiments publics contemporains sont construits dans un style néoclassique, le Schermerhorn Symphony Center de 2006 à Nashville en étant un exemple.

En Grande-Bretagne, un certain nombre d’architectes sont actifs dans le style néoclassique. Des exemples de leur travail incluent deux bibliothèques universitaires : la bibliothèque Maitland Robinson de Quinlan Terry au Downing College et la bibliothèque Sackler de Robert Adam Architects .

Voir également

• 1795–1820 à la mode occidentale
• Empire américain (style)
• Antiquisation
• Architecture nazie
• Le néoclassicisme en France
• Néo-grec , le style néo-grec tardif
• Skopje 2014

Remarques

1. ^ Stevenson, Angus (2010-08-19). Dictionnaire d’Oxford de l’anglais . ISBN 9780199571123.
2. ^ Kohle, Hubertus (7 août 2006). “La route de Rome à Paris. La naissance d’un néoclassicisme moderne” . Jacques Louis David. Nouveaux points de vue .
3. ^ Irwin, David G. (1997). Néoclassicisme A&I (Art et Idées) . Presse Phaidon. ISBN 978-0-7148-3369-9.
4. ^ Honneur, 17-25; Novotny, 21 ans
5. ↑ Un thème récurrent chez Clark : 19-23, 58-62, 69, 97-98 (sur Ingres) ; Honneur, 187-190 ; Novotny, 86-87
6. ^ Lingo, Estelle Cécile (2007). François Duquesnoy et l’idéal grec . Presse universitaire de Yale ; Première édition. p. 161 . ISBN 978-0-300-12483-5.
7. ^ Talbott, Page (1995). Savannah classique : beaux-arts et arts décoratifs, 1800-1840 . Presse de l’Université de Géorgie. p. 6. ISBN 978-0-8203-1793-9.
8. ^ Cunningham, Reich, Lawrence S., John J. (2009). Culture et valeurs: une enquête sur les sciences humaines . Édition Wadsworth ; 7 édition. p. 104. ISBN 978-0-495-56877-3.
9. ^ Honneur, 57-62, 61 cité
10. ^ Les deux citations des premières pages de “Réflexions sur l’imitation des œuvres grecques en peinture et en sculpture”
11. ^ Dyson, Stephen L. (2006). À la poursuite des passés anciens: une histoire de l’archéologie classique aux XIXe et XXe siècles . Presse universitaire de Yale. pp. XII. ISBN 978-0-300-11097-5.
12. ^ Honneur, 21 ans
13. ^ Honneur, 11, 23-25
14. ^ Honneur, 44-46; Novotny, 21 ans
15. ^ Honneur, 43-62
16. ^ ^{un b} Fortenberry 2017 , p. 276.
17. ^ Clark, 20 ans (cité); Honneur, 14 ans; image de la peinture (en toute justice, d’autres œuvres de Mengs sont plus réussies)
18. ^ Honneur, 31-32 (31 cités)
19. ^ Honneur, 113-114
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Références

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• Novotny, Fritz . Peinture et sculpture en Europe, 1780–1880 (2e (réimprimée en 1980) éd.).
• Rifelj, Carol De Dobay (2010). Coiffures : les cheveux dans la littérature et la culture françaises du XIXe siècle . Presse de l’Université du Delaware. ISBN 9780874130997.

Lectures complémentaires

• Brun, Kevin (2017). Artiste et Mécènes : Art de Cour et Révolution à Bruxelles à la fin de l’Ancien Régime , Dutch Crossing, Taylor et Francis
• Eriksen, Svend. Début du néoclassicisme en France (1974)
• Friedlander, Walter (1952). David à Delacroix (initialement publié en allemand; réimprimé en 1980)
• Gromort, Georges, avec un essai introductif de Richard Sammons (2001). Les éléments de l’architecture classique (Classical America Series in Art and Architecture)
• Harrison, Charles; Paul Wood et Jason Gaiger (eds) (2000; réimpr. 2003). L’art en théorie 1648-1815 : une anthologie d’idées changeantes
• Hartop, Christopher, avec une préface de Tim Knox (2010). L’idéal classique : argent anglais, 1760–1840 , exh. chat. Cambridge : John Adamson ISBN 978-0-9524322-9-6
• Irwin, David (1966). Art néoclassique anglais: études sur l’inspiration et le goût
• Johnson, James Guillaume. « Qu’est-ce que le néo-classicisme ? » Journal d’études britanniques , vol. 9, non. 1, 1969, p. 49–70. en ligne
• Rosenblum, Robert (1967). Les transformations de l’art de la fin du XVIIIe siècle

Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés au néoclassicisme .

• Le néoclassicisme dans “l’histoire de l’art”
• “Guide de style néoclassicisme” . Galeries britanniques . Musée Victoria et Albert . Récupéré le 17/07/2007 .
• Dessins néoclassiques de la Collection d’art flamand
• Sculpture du XIXe siècle dérivée de l’influence hellénistique grecque : Jacob Ungerer
• La néoclassification de Pompéi