Marc Chagall

Marc Chagall ^{[ a ]} ​​(né Moishe Shagal ; 6 juillet [ OS 24 juin] 1887 – 28 mars 1985) était un artiste biélorusse-français. ^{[2] [1]} Un des premiers modernistes , il a été associé à plusieurs styles artistiques majeurs et a créé des œuvres dans un large éventail de formats artistiques, y compris la peinture, les dessins, les illustrations de livres, les vitraux , les décors de théâtre, la céramique, les Tapisseries et les tirages d’art. .

Marc Chagall
Chagall, ch. 1920
Née	Moishe Shagal ( 1887-07-06 )6 juillet 1887 (N.-É.) Liozna , près de Vitebsk , Empire russe [1]
Décédés	28 mars 1985 (1985-03-28)(97 ans) Saint Paul de Vence , France
Nationalité	Biélorusse, puis française [2]
Connu pour	Peinture vitrail
Travail remarquable	Voir la liste des oeuvres de Marc Chagall
Mouvement	Cubisme Expressionnisme
Conjoint(s)	Bella Rosenfeld ​ ​ ( né en 1915 ; décédé en 1944 ) Valentina (Vava) Brodsky ​ ​ ( m. 1952 ) [3]
Enfants	Ida Chagall (avec Bella Chagall) David McNeil (avec Virginia Haggard McNeil)

Né dans l’ancien Grand-Duché de Lituanie, l’actuelle Biélorussie, qui faisait alors partie de l’Empire russe, il était d’ origine litvak . Avant la Première Guerre mondiale, il a voyagé entre Saint-Pétersbourg , Paris et Berlin . Au cours de cette période, il a créé son propre mélange et style d’art moderne basé sur son idée de l’Europe de l’Est et de la culture populaire juive. Il passe les années de guerre en Biélorussie soviétique , devient l’un des artistes les plus distingués du pays et membre de l’ avant-garde moderniste , fonde le Vitebsk Arts College avant de repartir pour Paris en 1923.

Le critique d’art Robert Hughes a qualifié Chagall de “l’ artiste juif par excellence du XXe siècle”. Selon l’historien de l’art Michael J. Lewis, Chagall était considéré comme “le dernier survivant de la première génération de modernistes européens”. Pendant des décennies, il “avait également été respecté comme l’artiste juif le plus éminent du monde”. ^[7] Utilisant le médium du vitrail , il réalise des vitraux pour les cathédrales de Reims et de Metz , des vitraux pour l’ONU et l’ Art Institute de Chicago et les vitraux de Jérusalem en Israël. Il a également réalisé des peintures à grande échelle, dont une partie du plafond de laOpéra de Paris .

Il avait deux réputations fondamentales, écrit Lewis : en tant que pionnier du modernisme et en tant qu’artiste juif majeur. Il a connu “l’âge d’or” du modernisme à Paris, où “il a synthétisé les formes d’art du cubisme , du symbolisme et du fauvisme , et l’influence du fauvisme a donné naissance au surréalisme “. Pourtant, tout au long de ces phases de son style, “il est resté le plus emphatiquement un artiste juif, dont le travail était une longue rêverie rêveuse de la vie dans son village natal de Vitebsk “. ^[8] “Quand Matisse mourra”, remarquait Pablo Picasso dans les années 1950, “Chagall sera le seul peintre qui comprendra ce qu’est vraiment la couleur”. ^[9]

Première vie et éducation

Jeunesse

La maison d’enfance de Marc Chagall à Vitebsk , en Biélorussie . Actuellement site du Musée Marc Chagall . Marc Chagall, 1912, La Cuillerée de lait (La Cuillerée de lait) , gouache sur papier

Marc Chagall est né Moishe Shagal dans une famille hassidique juive lituanienne à Liozna , ^{[1] [10]} près de la ville de Vitebsk ( Biélorussie , alors partie de l’ Empire russe ) en 1887. ^{[b] [11]} Au moment de sa naissance, la population de Vitebsk était d’environ 66 000 habitants. La moitié de la population était juive. ^[8] Ville pittoresque d’églises et de synagogues, on l’appelait « Tolède russe », du nom de la ville cosmopolite de l’ancien Empire espagnol . Comme la ville a été construite principalement en bois, peu d’entre elles ont survécu à des années d’occupation et de destruction pendant la Seconde Guerre mondiale.

Chagall était l’aîné de neuf enfants. Le nom de famille, Shagal, est une variante du nom Segal , qui dans une communauté juive était généralement porté par une famille lévitique . ^[12] Son père, Khatskl (Zachar) Shagal, était employé par un marchand de harengs et sa mère, Feige-Ite, vendait des produits d’épicerie à leur domicile. Son père travaillait dur, transportant de lourds barils mais ne gagnant que 20 roubles par mois (le salaire moyen dans l’Empire russe était de 13 roubles par mois). Chagall inclura plus tard des motifs de poissons “par respect pour son père”, écrit le biographe de Chagall, Jacob Baal-Techouva . ^{[ la citation nécessaire ]} Chagall a écrit de ces premières années :

Jour après jour, hiver comme été, à six heures du matin, mon père se levait et partait pour la synagogue. Là, il dit sa prière habituelle pour un mort quelconque. A son retour, il prépara le samovar , but du thé et se mit au travail. Travail infernal, travail de galérien. Pourquoi essayer de le cacher ? Comment en parler ? Aucun mot n’apaisera jamais le sort de mon père… Il y avait toujours beaucoup de beurre et de fromage sur notre table. Le pain beurré, comme un symbole éternel, n’est jamais sorti de mes mains d’enfant. ^[13]

L’une des principales sources de revenus de la population juive de la ville provenait de la fabrication de vêtements vendus dans tout l’empire russe. Ils fabriquaient également des meubles et divers outils agricoles. ^[14] De la fin du XVIIIe siècle à la Première Guerre mondiale, le gouvernement impérial russe a confiné les Juifs à la vie dans la zone de peuplement , qui comprenait l’Ukraine moderne, la Biélorussie, la Pologne, la Lituanie et la Lettonie, correspondant presque exactement au territoire de la Commonwealth polono-lituanien récemment repris par la Russie impériale. Cela a provoqué la création de villages-marchés juifs ( shtetls ) dans toute l’Europe de l’Est d’aujourd’hui, avec leurs propres marchés, écoles, hôpitaux et autres institutions communautaires. ^{[15]: 14}

Chagall a écrit comme un garçon; “J’ai senti à chaque pas que j’étais juif – les gens me l’ont fait ressentir”. ^{[16] [17]} Lors d’un pogrom, Chagall écrit : « Les réverbères sont éteints. Je me sens paniqué, surtout devant les vitrines des bouchers. On y voit des veaux encore vivants couchés à côté des hachettes et des couteaux des bouchers. “. ^{[17] [18]} Interrogé par des pogromniks “Juif ou pas ?”, Chagall se souvient avoir pensé : “Mes poches sont vides, mes doigts sont sensibles, mes jambes sont faibles et elles sont assoiffées de sang. Ma mort serait futile. voulu vivre”. ^{[17] [18]} Chagall a nié être un Juif, conduisant les pogromniks à crier “D’accord! Allez-y!”

La plupart de ce que l’on sait de la jeunesse de Chagall provient de son autobiographie, Ma vie . Il y décrivait l’influence majeure que la culture du judaïsme hassidique avait sur sa vie d’artiste. Chagall a raconté comment il s’est rendu compte que les traditions juives dans lesquelles il avait grandi disparaissaient rapidement et qu’il avait besoin de les documenter. Vitebsk elle-même avait été un centre de cette culture datant des années 1730 avec ses enseignements dérivés de la Kabbale . La spécialiste de Chagall Susan Tumarkin Goodman décrit les liens et les sources de son art avec sa première maison :

L’art de Chagall peut être compris comme la réponse à une situation qui a longtemps marqué l’histoire des Juifs russes. Bien qu’ils aient été des innovateurs culturels qui ont apporté d’importantes contributions à la société au sens large, les Juifs étaient considérés comme des étrangers dans une société souvent hostile… Chagall lui-même est né d’une famille ancrée dans la vie religieuse ; ses parents étaient des juifs hassidiques pratiquants qui trouvaient une satisfaction spirituelle dans une vie définie par leur foi et organisée par la prière. ^{[15] : 14}

Chagall était ami avec Sholom Dovber Schneersohn , et plus tard avec Menachem M. Schneerson . ^[19]

Éducation artistique

Portrait de Chagall par Yehuda (Yuri) Pen , son premier professeur d’art à Vitebsk

Dans l’Empire russe à cette époque, les enfants juifs n’étaient pas autorisés à fréquenter les écoles ou les universités ordinaires. Leurs déplacements à l’intérieur de la ville étaient également limités. Chagall a donc reçu son éducation primaire à l’école religieuse juive locale, où il a étudié l’hébreu et la Bible. À l’âge de 13 ans, sa mère a essayé de l’inscrire dans un lycée ordinaire, et il s’est rappelé : “Mais dans cette école, ils n’acceptent pas les Juifs. Sans hésiter un instant, ma courageuse mère s’approche d’un professeur.” Elle a offert au directeur 50 roubles pour le laisser assister, ce qu’il a accepté. ^[13]

Un tournant dans sa vie artistique est survenu lorsqu’il a remarqué pour la première fois qu’un camarade de classe dessinait. Baal-Techouva écrit que pour le jeune Chagall, regarder quelqu’un dessiner “était comme une vision, une révélation en noir et blanc”. Chagall dira plus tard qu’il n’y avait aucun art d’aucune sorte dans la maison de sa famille et que le concept lui était totalement étranger. Lorsque Chagall a demandé au camarade comment il avait appris à dessiner, son ami a répondu : “Va chercher un livre à la bibliothèque, idiot, choisis n’importe quelle image que tu aimes et copie-la”. Il a rapidement commencé à copier des images de livres et a trouvé l’expérience si enrichissante qu’il a ensuite décidé de devenir artiste. ^[14]

Il finit par confier à sa mère : « Je veux être peintre », bien qu’elle ne puisse pas encore comprendre son intérêt soudain pour l’art ou pourquoi il choisirait une vocation qui « semblait si peu pratique », écrit Goodman. Le jeune Chagall explique : « Il y a une place en ville ; si je suis admis et si je termine le cursus, j’en sortirai un artiste régulier. Je serais tellement content ! C’était en 1906, et il avait remarqué l’atelier de Yehuda (Yuri) Pen , un artiste réaliste qui exploitait également une petite école de dessin à Vitebsk, qui comprenait les futurs artistes El Lissitzky et Ossip Zadkine . En raison de la jeunesse de Chagall et du manque de revenus, Pen a proposé de lui enseigner gratuitement. Cependant, après quelques mois à l’école,^[14]

Inspiration artistique

Marc Chagall, 1912, Calvaire (Golgotha) , huile sur toile, 174,6 × 192,4 cm, Museum of Modern Art , New York. Titres alternatifs : Kreuzigung Bild 2 Christus gewidmet [Golgotha. Crucifixion. Dédié au Christ] . Vendu par la Galerie Der Sturm (Herwarth Walden), Berlin à Bernhard Koehler (1849–1927), Berlin, 1913. Exposé : Erster Deutscher Herbstsalon , Berlin, 1913

Goodman note que pendant cette période dans la Russie impériale, les Juifs avaient deux alternatives fondamentales pour rejoindre le monde de l’art : l’une était de “cacher ou nier ses racines juives”. L’autre alternative, celle que choisit Chagall, est « de chérir et d’exprimer publiquement ses racines juives » en les intégrant à son art. Pour Chagall, c’était aussi son moyen « d’affirmation de soi et d’expression de principe ». ^{[15] : 14}

Le biographe de Chagall, Franz Meyer, explique qu’avec les liens entre son art et ses débuts, “l’esprit hassidique est toujours la base et la source de nourriture de son art”. ^[20] Lewis ajoute : “Aussi cosmopolite qu’il deviendra plus tard, son entrepôt d’images visuelles ne s’étendra jamais au-delà du paysage de son enfance, avec ses rues enneigées, ses maisons en bois et ses violoneux omniprésents… [avec] des scènes de l’enfance si indélébile dans son esprit et de les investir d’une charge émotionnelle si intense qu’elle ne pouvait se décharger qu’en oblique par une répétition obsessionnelle des mêmes symboles et idéogrammes cryptiques…” ^[8]

Des années plus tard, à l’âge de 57 ans alors qu’il vivait aux États-Unis, Chagall l’a confirmé en publiant une lettre ouverte intitulée “To My City Vitebsk”:

Pourquoi? Pourquoi t’ai-je quitté il y a plusieurs années ? … Vous pensiez, le garçon cherche quelque chose, cherche une subtilité si particulière, cette couleur descendant comme des étoiles du ciel et atterrissant, brillante et transparente, comme la neige sur nos toits. Où l’a-t-il obtenu ? Comment cela arriverait-il à un garçon comme lui ? Je ne sais pas pourquoi il n’a pas pu le trouver chez nous, en ville, dans son pays natal. Peut-être que le garçon est “fou”, mais “fou” pour le plaisir de l’art. … Vous avez pensé : “Je peux voir, je suis gravé dans le cœur du garçon, mais il ‘vole’ toujours, il s’efforce toujours de décoller, il a le ‘vent’ dans la tête.” … Je n’ai pas vécu avec toi, mais je n’avais pas un seul tableau qui ne respire pas ton esprit et ta réflexion. ^[21]

Carrière artistique

Empire russe (1906-1910)

En 1906, il s’installe à Saint-Pétersbourg qui était alors la capitale de l’Empire russe et le centre de la vie artistique du pays avec ses célèbres écoles d’art. Comme les Juifs n’étaient pas autorisés à entrer dans la ville sans passeport interne, il a réussi à obtenir un passeport temporaire d’un ami. Il s’inscrit dans une prestigieuse école d’art et y étudie pendant deux ans. ^[14] En 1907, il avait commencé à peindre des autoportraits et des paysages naturalistes. Chagall était un membre actif de la loge maçonnique irrégulière , le Grand Orient des peuples de Russie . ^[22] Il appartenait à la loge “Vitebsk”.

Entre 1908 et 1910, Chagall est l’élève de Léon Bakst à l’École de dessin et de peinture de Zvantseva. Pendant son séjour à Saint-Pétersbourg, il découvre le théâtre expérimental et le travail d’artistes tels que Paul Gauguin . ^[23] Bakst, également juif, était un créateur d’art décoratif et était célèbre en tant que dessinateur de décors et de costumes pour les Ballets russes , et a aidé Chagall en agissant comme un modèle pour le succès juif. Bakst s’installe à Paris un an plus tard. L’historien de l’art Raymond Cogniat écrit qu’après avoir vécu et étudié l’art seul pendant quatre ans, “Chagall est entré dans le courant dominant de l’art contemporain. … Son apprentissage terminé, la Russie avait joué un rôle initial mémorable dans sa vie.” ^{[24] : 30}

Chagall séjourna à Saint-Pétersbourg jusqu’en 1910, visitant souvent Vitebsk où il rencontra Bella Rosenfeld . Dans Ma vie , Chagall décrit sa première rencontre avec elle : “Son silence est le mien, ses yeux sont les miens. C’est comme si elle savait tout de mon enfance, mon présent, mon avenir, comme si elle pouvait voir à travers moi.” ^{[14] : 22} Bella écrivit plus tard, après l’avoir rencontré, “Quand tu as aperçu ses yeux, ils étaient aussi bleus que s’ils étaient tombés du ciel. C’étaient des yeux étranges… longs, en forme d’amande … et chacun semblait naviguer tout seul, comme un petit bateau.” ^[25]

France (1910-1914)

Marc Chagall, 1911-12, L’ivrogne ( Le saoul ), 1912, huile sur toile. 85 × 115 cm. Collection privée Marc Chagall, 1912, Le Violoniste , une inspiration pour la comédie musicale Un Violon sur le toit ^[26]

En 1910, Chagall s’installe à Paris pour développer son style artistique. L’historien de l’art et conservateur James Sweeney note que lorsque Chagall est arrivé pour la première fois à Paris, le cubisme était la forme d’art dominante et l’art français était encore dominé par la «perspective matérialiste du XIXe siècle». Mais Chagall est arrivé de Russie avec “un don de couleur mûre, une réponse fraîche et sans honte au sentiment, un sens de la poésie simple et un sens de l’humour”, ajoute-t-il. Ces notions étaient étrangères à Paris à cette époque, et par conséquent, sa première reconnaissance ne vient pas d’autres peintres mais de poètes tels que Blaise Cendrars et Guillaume Apollinaire . ^{[27] : 7} Historien de l’art Jean Leymarieobserve que Chagall a commencé à penser l’art comme “émergeant de l’être interne vers l’extérieur, de l’objet vu à l’effusion psychique”, ce qui était l’inverse de la manière cubiste de créer. ^[28]

Il se lie alors d’amitié avec Guillaume Apollinaire et d’autres artistes d’avant-garde dont Robert Delaunay et Fernand Léger . ^[29] Baal-Techouva écrit que “le rêve de Chagall de Paris, la ville de la lumière et surtout, de la liberté, s’était réalisé.” ^{[14] : 33} Ses premiers jours sont une épreuve pour Chagall, 23 ans, seul dans la grande ville et incapable de parler français. Certains jours, il “avait envie de fuir vers la Russie, alors qu’il rêvait en peignant, des richesses du folklore slave, de ses expériences hassidiques , de sa famille et surtout de Bella”.

À Paris, il s’inscrit à l’ Académie de La Palette , une école d’art d’ avant-garde où enseignent les peintres Jean Metzinger , André Dunoyer de Segonzac et Henri Le Fauconnier , et trouve également du travail dans une autre académie. Il passait ses heures libres à visiter des galeries et des salons, notamment Le Louvre ; les artistes qu’il est venu admirer comprenaient Rembrandt , les frères Le Nain , Chardin , van Gogh , Renoir , Pissarro , Matisse , Gauguin , Courbet , Millet, Manet , Monet , Delacroix , et d’autres. C’est à Paris qu’il apprend la technique de la gouache , qu’il utilise pour peindre des scènes biélorusses. Il a également visité Montmartre et le Quartier latin “et était heureux de respirer l’air parisien”. ^[14] Baal-Techouva décrit cette nouvelle phase du développement artistique de Chagall :

Chagall était émoustillé, ivre, en se promenant dans les rues et le long des quais de Seine. Tout dans la capitale française l’excitait : les magasins, l’odeur du pain frais le matin, les marchés avec leurs fruits et légumes frais, les larges boulevards, les cafés et restaurants, et surtout la Tour Eiffel. Un autre monde complètement nouveau qui s’ouvre à lui est le kaléidoscope de couleurs et de formes dans les œuvres des artistes français. Chagall a passé en revue avec enthousiasme leurs nombreuses tendances différentes, devant repenser sa position d’artiste et décider quelle voie créative il voulait poursuivre. ^{[14] : 33}

Marc Chagall, 1912, Le Marchand de bestiaux ( The Drover, The Cattle Dealer ), huile sur toile, 97,1 x 202,5 ​​cm, Kunstmuseum Basel

Pendant son séjour à Paris, Chagall se souvenait constamment de sa maison à Vitebsk, car Paris abritait également de nombreux peintres, écrivains, poètes, compositeurs, danseurs et autres émigrés de l’Empire russe. Cependant, “nuit après nuit il peint jusqu’à l’aube”, ne se couchant alors que quelques heures, et résiste aux nombreuses tentations de la grande ville la nuit. ^{[14] : 44} “Ma patrie n’existe que dans mon âme”, a-t-il dit un jour. ^{[28] : viii} Il a continué à peindre des motifs juifs et des sujets de ses souvenirs de Vitebsk, bien qu’il ait inclus des scènes parisiennes—- la Tour Eiffel en particulier, avec des portraits. Beaucoup de ses œuvres étaient des versions mises à jour de peintures qu’il avait réalisées en Russie, transposées dans des touches fauvistes ou cubistes .^[8]

Marc Chagall, 1912, Nature morte (Nature morte) , huile sur toile, collection particulière

Chagall a développé tout un répertoire de motifs décalés : des figures fantomatiques flottant dans le ciel, … le violoneux gigantesque dansant sur des maisons de poupées miniatures, le bétail et les utérus transparents et, en leur sein, de minuscules progénitures dormant à l’envers. ^[8] La majorité de ses scènes de vie à Vitebsk ont ​​été peintes alors qu’il vivait à Paris, et “dans un sens, c’étaient des rêves”, note Lewis. Leur “nuance de désir et de perte”, avec une apparence détachée et abstraite, fait qu’Apollinaire est “frappé par cette qualité”, les qualifiant de “surnaturel!” Ses “hybrides animaux/humains et fantômes aéroportés” deviendront plus tard une influence formatrice sur le surréalisme . ^[8]Chagall, cependant, ne voulait pas que son travail soit associé à une école ou à un mouvement et considérait que son propre langage personnel de symboles était significatif pour lui-même. Mais Sweeney note que d’autres associent encore souvent son travail à “une peinture illogique et fantastique”, surtout lorsqu’il utilise “de curieuses juxtapositions figuratives”. ^{[27] : 10}

Sweeney écrit que “C’est la contribution de Chagall à l’art contemporain: le réveil d’une poésie de la représentation, évitant l’illustration factuelle d’une part, et les abstractions non figuratives d’autre part”. André Breton disait qu'”avec lui seul, la métaphore a fait son retour triomphal dans la peinture moderne”. ^{[27] : 7}

Russie et Biélorussie soviétique (1914-1922)

Parce que sa fiancée, Bella, qui était encore à Vitebsk lui manquait – “Il pensait à elle jour et nuit”, écrit Baal-Techouva – et avait peur de la perdre, Chagall décida d’accepter l’invitation d’un célèbre marchand d’art de Berlin pour exposer son travail, son intention étant de continuer en Biélorussie, d’épouser Bella, puis de revenir avec elle à Paris. Chagall emporta 40 toiles et 160 gouaches, aquarelles et dessins à exposer. L’exposition, qui s’est tenue à la Galerie Sturm de Herwarth Walden, a été un énorme succès, “Les critiques allemands ont positivement chanté ses louanges.” ^[14]

École d’art populaire où se trouvait le musée d’art moderne de Vitebsk

Après l’exposition, il a continué à Vitebsk, où il prévoyait de rester juste assez longtemps pour épouser Bella. Cependant, après quelques semaines, la Première Guerre mondiale a commencé, fermant la frontière russe pour une durée indéterminée. Un an plus tard, il épousa Bella Rosenfeld et ils eurent leur premier enfant, Ida. Avant le mariage, Chagall avait du mal à convaincre les parents de Bella qu’il serait un mari convenable pour leur fille. Ils craignaient qu’elle épouse un peintre issu d’une famille pauvre et se demandaient comment il la soutiendrait. Devenir un artiste à succès est maintenant devenu un objectif et une inspiration. Selon Lewis, “[L] es peintures euphoriques de cette époque, qui montrent le jeune couple flottant comme un ballon au-dessus de Vitebsk – ses bâtiments en bois à facettes à la manière de Delaunay – sont les plus légères de sa carrière”. ^[8]Ses photos de mariage étaient également un sujet sur lequel il reviendrait plus tard en pensant à cette période de sa vie. ^{[14] : 75}

Bella au col blanc , 1917

En 1915, Chagall a commencé à exposer son travail à Moscou, exposant d’abord ses œuvres dans un salon bien connu et en 1916 exposant des images à Saint-Pétersbourg. Il a de nouveau montré son art lors d’une exposition d’artistes d’avant-garde à Moscou. Cette exposition a apporté la reconnaissance et un certain nombre de riches collectionneurs ont commencé à acheter son art. Il a également commencé à illustrer un certain nombre de livres yiddish avec des dessins à l’encre. Il a illustré Le Magicien d’ IL Peretz en 1917. ^[30] Chagall avait 30 ans et commençait à se faire connaître. ^{[14] : 77}

La Révolution d’octobre 1917 était une période dangereuse pour Chagall, bien qu’elle ait également offert des opportunités. Chagall a écrit qu’il en était venu à craindre les ordres bolcheviques épinglés sur les clôtures, écrivant: “Les usines s’arrêtaient. Les horizons s’ouvraient. L’espace et le vide. Plus de pain. Les lettres noires sur les affiches du matin me faisaient mal au cœur”. ^[31] Chagall avait souvent faim pendant des jours, se souvenant plus tard d’avoir vu “une mariée, les mendiants et les pauvres malheureux alourdis de ballots”, l’amenant à conclure que le nouveau régime avait bouleversé l’Empire russe “comme je tourne ma tête”. des photos”. ^[31] À ce moment-là, il était l’un des artistes les plus distingués de la Russie impériale et un membre du mouvement modernisteavant-garde, qui jouissait de privilèges et d’un prestige particuliers en tant que “bras esthétique de la révolution”. ^[8] Il s’est vu offrir un poste notable en tant que commissaire des arts visuels pour le pays, ^{[ une clarification nécessaire ]} mais a préféré quelque chose de moins politique et a plutôt accepté un poste de commissaire des arts pour Vitebsk. Cela l’a conduit à fonder le Vitebsk Arts College qui, ajoute Lewis, est devenu “l’école d’art la plus distinguée de l’Union soviétique”.

Il a obtenu pour sa faculté certains des artistes les plus importants du pays, tels que El Lissitzky et Kazimir Malevich . Il a également ajouté son premier professeur, Yehuda Pen . Chagall a essayé de créer une atmosphère d’un collectif d’artistes indépendants, chacun avec son propre style unique. Cependant, cela s’avérerait bientôt difficile car quelques-uns des principaux membres du corps professoral préféraient un art Suprématiste des carrés et des cercles et désapprouvaient la tentative de Chagall de créer «l’individualisme bourgeois». Chagall a ensuite démissionné de son poste de commissaire et a déménagé à Moscou.

À Moscou, il s’est vu offrir un poste de scénographe pour le nouveau Théâtre de chambre juif d’État. ^[32] Il a été placé pour commencer l’opération au début de 1921 avec un certain nombre de jeux par Sholem Aleichem . Pour son ouverture, il a créé un certain nombre de grandes peintures murales de fond en utilisant des techniques qu’il a apprises de Bakst, son premier professeur. L’une des principales peintures murales mesurait 9 pieds (2,7 m) de haut sur 24 pieds (7,3 m) de long et comprenait des images de divers sujets animés tels que des danseurs, des violoneux, des acrobates et des animaux de la ferme. Un critique de l’époque l’appelait “Jazz hébreu en peinture”. Chagall l’a créé comme un “entrepôt de symboles et de dispositifs”, note Lewis. ^[8] Les peintures murales “ont constitué un point de repère” dans l’histoire du théâtre et ont été les précurseurs de ses œuvres ultérieures à grande échelle,Le Metropolitan Opera de New York et l’ Opéra de Paris . ^{[14] : 87}

La Première Guerre mondiale a pris fin en 1918, mais la guerre civile russe s’est poursuivie et la famine s’est propagée. Les Chagall ont jugé nécessaire de déménager dans une ville plus petite et moins chère près de Moscou, bien que Chagall doive désormais se rendre quotidiennement à Moscou, en utilisant des trains bondés. En 1921, il a travaillé comme professeur d’art avec son ami le sculpteur Isaac Itkind dans un refuge pour garçons juifs dans la banlieue de Malakhovka , qui abritait de jeunes réfugiés rendus orphelins par des pogroms. ^{[9] : 270} Là-bas, il a créé une série d’illustrations pour le cycle de poésie yiddish Grief écrit par David Hofstein , qui était un autre enseignant au refuge de Malakhovka. ^{[9] : 273}

Après avoir passé les années 1921 à 1922 dans des conditions primitives, il décide de rentrer en France pour développer son art dans un pays plus confortable. De nombreux autres artistes, écrivains et musiciens prévoyaient également de déménager en Occident. Il a demandé un visa de sortie et en attendant son approbation incertaine, a écrit son autobiographie, My Life. ^{[14] : 121}

France (1923-1941)

En 1923, Chagall quitte Moscou pour rentrer en France. En chemin, il s’est arrêté à Berlin pour récupérer les nombreux tableaux qu’il y avait laissés exposés dix ans plus tôt, avant le début de la guerre, mais n’a pu trouver ni récupérer aucun d’entre eux. Néanmoins, après son retour à Paris, il “redécouvre la libre expansion et l’épanouissement qui lui sont si essentiels”, écrit Lewis. Avec toutes ses premières œuvres maintenant perdues, il a commencé à essayer de peindre à partir de ses souvenirs de ses premières années à Vitebsk avec des croquis et des peintures à l’huile. ^[8]

Il noue une relation d’affaires avec le marchand d’art français Ambroise Vollard . Cela l’a inspiré à commencer à créer des eaux-fortes pour une série de livres illustrés, dont les Âmes mortes de Gogol , la Bible et les Fables de La Fontaine . Ces illustrations finiront par représenter ses meilleurs efforts de gravure. ^[8] En 1924, il se rend en Bretagne et peint La fenêtre sur l’ Île-de-Bréhat . ^[33]En 1926, il eut sa première exposition aux États-Unis à la galerie Reinhardt de New York qui comprenait environ 100 œuvres, bien qu’il ne se soit pas rendu au vernissage. Il est plutôt resté en France, « peignant sans cesse », note Baal-Techouva. ^[14] Ce n’est qu’en 1927 que Chagall se fait un nom dans le monde de l’art français, lorsque le critique d’art et historien Maurice Raynal lui attribue une place dans son livre Modern French Painters . Cependant, Raynal ne parvenait toujours pas à décrire précisément Chagall à ses lecteurs :

Chagall interroge la vie à la lumière d’une sensibilité raffinée, anxieuse, enfantine, d’un tempérament un peu romanesque… un mélange de tristesse et de gaieté caractéristique d’une vision grave de la vie. Son imagination, son tempérament interdisent sans doute une sévérité latine de composition. ^{[9] : 314}

Durant cette période, il parcourt la France et la Côte d’Azur , où il apprécie les paysages, la végétation colorée, le bleu de la mer Méditerranée , et la douceur du temps. Il a fait des voyages répétés à la campagne, emportant son carnet de croquis. ^{[9] : 9} Il a également visité les pays voisins et a écrit plus tard sur les impressions que certains de ces voyages lui ont laissées :

Je voudrais rappeler combien mes voyages hors de France m’ont été profitables au sens artistique, en Hollande ou en Espagne, en Italie, en Egypte, en Palestine, ou simplement dans le midi de la France. Là, dans le sud, pour la première fois de ma vie, j’ai vu cette riche verdure, dont je n’avais jamais vu l’équivalent dans mon pays. En Hollande, j’ai cru découvrir cette lumière familière et lancinante, comme la lumière entre la fin d’après-midi et le crépuscule. En Italie, j’ai trouvé cette paix des musées que la lumière du soleil vivifiait. En Espagne, j’étais heureux de trouver l’inspiration d’un passé mystique, quoique parfois cruel, pour retrouver le chant de son ciel et de son peuple. Et à l’Est [Palestine], j’ai trouvé de manière inattendue la Bible et une partie de mon être même. ^{[21] : 77}

Les illustrations bibliques Le prophète Jérémie (1968)

De retour à Paris d’un de ses voyages, Vollard charge Chagall d’illustrer l’ Ancien Testament . Bien qu’il aurait pu terminer le projet en France, il a utilisé la mission comme excuse pour se rendre en Israël pour découvrir par lui-même la Terre Sainte . En 1931, Marc Chagall et sa famille se rendent à Tel-Aviv à l’invitation de Meir Dizengoff . Dizengoff avait auparavant encouragé Chagall à visiter Tel Aviv dans le cadre du projet de Dizengoff de construire un musée d’art juif dans la nouvelle ville. Chagall et sa famille ont été invités à séjourner dans la maison de Dizengoff à Tel-Aviv, qui est devenue plus tard le Palais de l’Indépendance de l’ État d’Israël .

Chagall finit par rester deux mois en Terre Sainte. Chagall se sentait chez lui en Israël où beaucoup de gens parlaient yiddish et russe. Selon Jacob Baal-Techouva, “il a été impressionné par l’esprit pionnier des gens dans les kibboutzim et profondément ému par le Mur des Lamentations et les autres lieux saints”. ^{[14] : 133}

Chagall a dit plus tard à un ami qu’Israël lui avait donné “l’impression la plus vive qu’il ait jamais reçue”. Wullschlager note, cependant, que si Delacroix et Matisse avaient trouvé l’inspiration dans l’exotisme de l’Afrique du Nord, lui, en tant que Juif en Israël, avait une perspective différente. “Ce qu’il cherchait vraiment là-bas, ce n’était pas un stimulus extérieur mais une autorisation intérieure de la terre de ses ancêtres, pour se plonger dans son travail sur les illustrations bibliques”. ^{[9] : 343} Chagall a déclaré que “En Orient j’ai trouvé la Bible et une partie de mon propre être.”

En conséquence, il s’est plongé dans “l’histoire des Juifs, leurs procès, leurs prophéties et leurs désastres”, note Wullschlager. Elle ajoute que le début de la mission était un “risque extraordinaire” pour Chagall, car il était enfin devenu bien connu en tant que peintre contemporain de premier plan, mais qu’il mettrait désormais fin à ses thèmes modernistes et se plongerait dans “un passé ancien”. ^{[9] : 350} Entre 1931 et 1934 il travailla “de façon obsessionnelle” sur “La Bible”, allant même à Amsterdam afin d’étudier attentivement les peintures bibliques de Rembrandt et du Greco , pour voir les extrêmes de la peinture religieuse. Il a arpenté les rues du quartier juif de la ville pour retrouver l’atmosphère d’autrefois. Il a dit à Franz Meyer :

Je n’ai pas vu la Bible, je l’ai rêvée. Depuis ma plus tendre enfance, j’ai été captivé par la Bible. Elle m’a toujours semblé et me semble encore aujourd’hui la plus grande source de poésie de tous les temps. ^{[9] : 350}

Chagall considérait l’ Ancien Testament comme une “histoire humaine, … non pas avec la création du cosmos mais avec la création de l’homme, et ses figures d’anges sont rimées ou combinées avec des humaines”, écrit Wullschlager. Elle souligne que dans l’une de ses premières images bibliques, “Abraham et les trois anges”, les anges s’assoient et discutent autour d’un verre de vin “comme s’ils venaient de passer dîner”. ^{[9] : 350}

Il est retourné en France et l’année suivante avait terminé 32 sur un total de 105 planches. En 1939, au début de la Seconde Guerre mondiale, il en avait terminé 66. Cependant, Vollard mourut la même année. Lorsque la série est achevée en 1956, elle est publiée aux éditions Tériade . Baal-Techouva écrit que “les illustrations étaient époustouflantes et ont rencontré un grand succès. Une fois de plus, Chagall s’était révélé être l’un des graphistes les plus importants du XXe siècle”. ^{[14] : 135} Leymarie a qualifié ces dessins de Chagall de “monumentaux” et,

…pleine d’inspiration divine, qui retracent le destin légendaire et l’histoire épique d’Israël de la Genèse aux Prophètes, en passant par les Patriarches et les Héros. Chaque image ne fait qu’un avec l’événement, insufflant au texte une intimité solennelle inconnue depuis Rembrandt. ^{[28] : ix}

Campagnes nazies contre l’art moderne

Peu de temps après que Chagall ait commencé son travail sur la Bible , Adolf Hitler a pris le pouvoir en Allemagne. Des lois antisémites étaient introduites et le premier camp de concentration de Dachau avait été établi. Wullschlager décrit les premiers effets sur l’art :

Les nazis avaient commencé leur campagne contre l’art moderniste dès qu’ils avaient pris le pouvoir. L’art expressionniste, cubiste, abstrait et surréaliste – tout ce qui est intellectuel, juif, étranger, d’inspiration socialiste ou difficile à comprendre – a été ciblé, de Picasso et Matisse en passant par Cézanne et van Gogh ; à sa place, le réalisme allemand traditionnel, accessible et ouvert à l’interprétation patriotique, était exalté. ^{[9] : 374}

À partir de 1937, environ vingt mille œuvres des musées allemands ont été confisquées comme “dégénérées” par un comité dirigé par Joseph Goebbels . ^{[9] : 375} Bien que la presse allemande s’était autrefois « évanouie devant lui », les nouvelles autorités allemandes se moquaient désormais de l’art de Chagall, les décrivant comme « des Juifs verts, violets et rouges tirant hors de la terre, jouant du violon, volant dans les airs … représentant [un] assaut contre la civilisation occidentale ». ^{[9] : 376}

Après l’invasion et l’occupation de la France par l’Allemagne, les Chagall restèrent naïvement en France de Vichy , ignorant que les Juifs français, avec l’aide du Gouvernement de Vichy , étaient rassemblés et envoyés dans des camps de concentration allemands, dont peu reviendraient. Le gouvernement collaborationniste de Vichy, dirigé par le maréchal Philippe Pétain, dès sa prise de pouvoir, crée une commission de « redéfinition de la citoyenneté française » dans le but de dépouiller les « indésirables », y compris les citoyens naturalisés, de leur nationalité française. Chagall avait été tellement impliqué dans son art que ce n’est qu’en octobre 1940, après que le Gouvernement de Vichy, à la demande des forces d’occupation nazies, ait commencé à approuver les lois antisémites, qu’il a commencé à comprendre ce qui se passait. Apprenant que les Juifs étaient retirés des postes publics et universitaires, les Chagall ont finalement « pris conscience du danger auquel ils étaient confrontés ». Mais Wullschlager note qu'”à ce moment-là, ils étaient piégés”. ^{[9] : 382} Leur seul refuge pouvait être l’Amérique, mais “ils ne pouvaient pas se permettre le passage à New York” ou l’importante caution que chaque immigrant devait fournir à son entrée pour s’assurer qu’il ne deviendrait pas un fardeau financier pour le pays.

Fuir la France occupée

Selon Wullschlager, “[L] a rapidité avec laquelle la France s’est effondrée a étonné tout le monde: [l’armée française soutenue par les Britanniques] a capitulé encore plus rapidement que la Pologne ne l’avait fait” un an plus tôt. Des ondes de choc ont traversé l’Atlantique… car Paris était jusque-là assimilé à la civilisation dans le monde non nazi.” ^{[9] : 388} Pourtant l’attachement des Chagall à la France “les a aveuglés sur l’urgence de la situation.” ^{[ 9] : 389} De nombreux autres artistes russes et juifs bien connus ont finalement cherché à s’échapper : parmi lesquels Chaïm Soutine , Max Ernst , Max Beckmann , Ludwig Fulda , l’auteur Victor Serge et l’auteur priméVladimir Nabokov , qui bien que n’étant pas juif lui-même, était marié à une femme juive. ^{[34] : 1181} L’auteur russe Victor Serge a décrit de nombreuses personnes vivant temporairement à Marseille qui attendaient d’émigrer en Amérique :

Voici un chemin de mendiants rassemblant les vestiges des révolutions, des démocraties et des intelligences écrasées… Dans nos rangs se trouvent assez de médecins, psychologues, ingénieurs, pédagogues, poètes, peintres, écrivains, musiciens, économistes et hommes publics pour dynamiser tout un grand pays. ^{[9] : 392}

Après avoir été poussé par leur fille Ida, qui “a perçu la nécessité d’agir vite”, ^{[9] : 388} et avec l’aide d’ Alfred Barr du New York Museum of Modern Art , Chagall a été sauvé en faisant ajouter son nom à la liste des personnalités éminentes. des artistes dont la vie était en danger et que les États-Unis devraient tenter d’extirper. Varian Fry , le journaliste américain, et Hiram Bingham IV, le vice-consul américain à Marseille, a mené une opération de sauvetage pour faire passer clandestinement des artistes et des intellectuels d’Europe vers les États-Unis en leur fournissant de faux visas pour les États-Unis. En avril 1941, Chagall et son épouse sont déchus de leur nationalité française. Les Chagall ont séjourné dans un hôtel à Marseille où ils ont été arrêtés avec d’autres Juifs. Varian Fry a réussi à faire pression sur la police française pour le libérer, les menaçant de scandale. ^[35] Chagall était l’un des plus de 2 000 qui ont été sauvés par cette opération. Il quitte la France en mai 1941, « alors qu’il était presque trop tard », ajoute Lewis. Picasso et Matissesont également invités à venir en Amérique mais décident de rester en France. Chagall et Bella arrivèrent à New York le 23 juin 1941, le lendemain de l’invasion de l’Union soviétique par l’Allemagne. ^{[14] : 150} Ida et son mari Michel ont suivi sur le célèbre navire de réfugiés SS Navemar avec une grande caisse de l’œuvre de Chagall. ^[36] Une rencontre fortuite d’après-guerre dans un café français entre Ida et l’analyste d’intelligence Konrad Kellen a mené à Kellen portant plus de peintures sur son retour aux États-Unis. ^[37]

États-Unis (1941-1948)

Photo portrait de Chagall en 1941 par Carl Van Vechten

Avant même d’arriver aux États-Unis en 1941, Chagall obtient le troisième prix du Carnegie Prize en 1939 pour “Les Fiancés” . Après avoir été en Amérique, il a découvert qu’il avait déjà atteint une « stature internationale », écrit Cogniat, même s’il se sentait mal adapté à ce nouveau rôle dans un pays étranger dont il ne parlait pas encore la langue. Il est devenu une célébrité principalement contre son gré, se sentant perdu dans cet environnement étrange. ^{[24] : 57}

Au bout d’un moment, il commença à s’installer à New York, qui regorgeait d’écrivains, de peintres et de compositeurs qui, comme lui, avaient fui l’Europe lors des invasions nazies. Il vivait au 4 East 74th Street . ^[38] Il a passé du temps à visiter des galeries et des musées et s’est lié d’amitié avec d’autres artistes, dont Piet Mondrian et André Breton . ^{[14] : 155}

Baal-Techouva écrit que Chagall « aimait » se rendre dans les quartiers de New York où vivaient les juifs, en particulier le Lower East Side . Là, il s’est senti chez lui, appréciant la nourriture juive et pouvant lire la presse yiddish, qui est devenue sa principale source d’information puisqu’il ne parlait pas encore anglais. ^[14]

Les artistes contemporains ne comprenaient pas encore ni même n’aimaient l’art de Chagall. Selon Baal-Techouva, “ils avaient peu de choses en commun avec un conteur folklorique d’origine russo-juive avec une propension au mysticisme”. L’école de Paris, que l’on appelait le « surréalisme parisien », leur signifiait peu. ^{[14] : 155} Ces attitudes commenceront à changer, cependant, lorsque Pierre Matisse , le fils de l’artiste français reconnu Henri Matisse , devint son représentant et dirigea les expositions Chagall à New York et Chicago en 1941. L’une des premières expositions comprenait 21 de ses chefs-d’œuvre de 1910 à 1941. ^[14] Le critique d’art Henry McBride a écrit sur cette exposition pour le New York Sun:

Chagall est à peu près aussi gitan qu’ils viennent… ces images font plus pour sa réputation que tout ce que nous avons vu auparavant… Ses couleurs pétillent de poésie… son travail est authentiquement russe comme la chanson d’un batelier de la Volga… ^{[39 ]}

Ballet Aleko (1942)

Il se voit offrir une commande du chorégraphe Léonide Massine du Ballet Theatre de New York pour concevoir les décors et les costumes de son nouveau ballet, Aleko. Ce ballet mettrait en scène les paroles du récit en vers d’ Alexandre Pouchkine Les Gitans avec la musique de Tchaïkovski. Le ballet était initialement prévu pour ses débuts à New York, mais par mesure d’économie, il a été déplacé au Mexique où les coûts de main-d’œuvre étaient moins chers qu’à New York. Alors que Chagall avait déjà fait des mises en scène en Russie, c’était son premier ballet, et cela lui donnerait l’occasion de visiter le Mexique. Là-bas, il a rapidement commencé à apprécier «les manières primitives et l’art coloré des Mexicains», note Cogniat. Il a trouvé “quelque chose de très étroitement lié à sa propre nature” et a fait tous les détails de couleur pour les décors pendant son séjour. ^[24] Finalement, il a créé quatre grandes toiles de fond et a demandé à des couturières mexicaines de coudre les costumes de ballet.

Lorsque le ballet a été créé au Palacio de Bellas Artes à Mexico le 8 septembre 1942, il a été considéré comme un “succès remarquable”. ^[14] Dans le public se trouvaient d’autres peintres muraux célèbres venus voir l’œuvre de Chagall, dont Diego Rivera et José Clemente Orozco . Selon Baal-Teshuva, lorsque la dernière mesure de musique s’est terminée, “il y a eu des applaudissements tumultueux et 19 appels au rideau, Chagall lui-même étant rappelé sur scène encore et encore”. La production a ensuite déménagé à New York, où elle a été présentée quatre semaines plus tard au Metropolitan Opera et la réponse a été répétée, “encore une fois Chagall était le héros de la soirée”. ^{[14] :} New York Herald Tribune que le travail de Chagall :

s’est transformé en une exposition théâtrale de peintures géantes… Cela dépasse tout ce que Chagall a fait à l’échelle du chevalet, et c’est une expérience à couper le souffle, d’un genre qu’on n’attend guère au théâtre. ^[40]

Aux prises avec la Seconde Guerre mondiale

Après le retour de Chagall à New York en 1943, l’actualité a commencé à l’intéresser davantage, et cela a été représenté par son art, où il a peint des sujets tels que la Crucifixion et des scènes de guerre. Il apprit que les Allemands avaient détruit la ville où il avait grandi, Vitebsk, et en devint très affligé. ^{[14] : 159} Il a également entendu parler des camps de concentration nazis . ^[14] Lors d’un discours en février 1944, il décrit certains de ses sentiments :

Pendant ce temps, l’ennemi plaisante en disant que nous sommes une “nation stupide”. Il pensait que lorsqu’il commencerait à massacrer les Juifs, nous élèverions tous dans notre chagrin le plus grand cri prophétique et que nous serions rejoints par les humanistes chrétiens. Mais, après deux mille ans de “christianisme” dans le monde – dites ce que vous voulez – mais, à quelques exceptions près, leurs cœurs se taisent… Je vois les artistes des nations chrétiennes s’asseoir – qui les a entendus parler ? Ils ne sont pas inquiets pour eux-mêmes, et notre vie juive ne les concerne pas. ^{[21] : 89}

Dans le même discours, il attribue à la Russie soviétique le mérite d’avoir fait le plus pour sauver les Juifs :

Les Juifs lui en seront toujours reconnaissants. Quel autre grand pays a sauvé un million et demi de Juifs des mains d’Hitler et partagé son dernier morceau de pain ? Quel pays a aboli l’antisémitisme ? Quel autre pays a consacré au moins un morceau de terre comme région autonome pour les Juifs qui veulent y vivre ? Tout cela, et plus encore, pèse lourdement sur la balance de l’histoire. ^{[21] : 89}

Le 2 septembre 1944, Bella est décédée subitement des suites d’une infection virale, qui n’a pas été traitée en raison de la pénurie de médicaments en temps de guerre. En conséquence, il a arrêté tout travail pendant de nombreux mois, et lorsqu’il a repris la peinture, ses premiers tableaux visaient à préserver la mémoire de Bella. ^[24] Wullschlager écrit à propos de l’effet sur Chagall : “Alors que les nouvelles affluaient jusqu’en 1945 de l’ Holocauste en cours dans les camps de concentration nazis , Bella prit sa place dans l’esprit de Chagall avec les millions de victimes juives.” Il a même envisagé la possibilité que leur “exil d’Europe ait sapé sa volonté de vivre”. ^{[9] : 419}

Avec Virginia Haggard McNeil

Après un an de vie avec sa fille Ida et son mari Michel Gordey, il entra dans une romance avec Virginia Haggard, fille du diplomate Sir Godfrey Digby Napier Haggard et petite-nièce de l’auteur Sir Henry Rider Haggard ; leur relation a duré sept ans. Ils ont eu un enfant ensemble, David McNeil, né le 22 juin 1946. ^[14] Haggard a rappelé ses “sept années d’abondance” avec Chagall dans son livre, Ma vie avec Chagall (Robert Hale, 1986).

Quelques mois après que les Alliés eurent réussi à libérer Paris de l’occupation nazie, avec l’aide des armées alliées, Chagall publia une lettre dans un hebdomadaire parisien, « Aux Artistes de Paris » :

Ces dernières années, je me suis sentie malheureuse de ne pas pouvoir être avec vous, mes amis. Mon ennemi m’a forcé à prendre le chemin de l’exil. Sur cette route tragique, j’ai perdu ma femme, la compagne de ma vie, la femme qui m’inspirait. Je veux dire à mes amis de France qu’elle se joint à moi dans ce salut, elle qui a si fidèlement aimé la France et l’art français. Sa dernière joie fut la libération de Paris… Maintenant, quand Paris sera libéré, quand l’art de la France ressuscitera, le monde entier aussi sera, une fois pour toutes, libéré des ennemis sataniques qui voulaient anéantir non seulement le corps mais aussi l’âme, l’âme sans laquelle il n’y a pas de vie, pas de création artistique. ^{[21] : 101}

Les années d’après-guerre

En 1946, ses œuvres devenaient de plus en plus reconnues. Le Museum of Modern Art de New York a organisé une grande exposition représentant 40 ans de son travail qui a donné aux visiteurs l’une des premières impressions complètes de la nature changeante de son art au fil des ans. La guerre était terminée et il a commencé à faire des plans pour retourner à Paris. Selon Cogniat, “Il s’est trouvé encore plus profondément attaché qu’auparavant, non seulement à l’atmosphère de Paris, mais à la ville elle-même, à ses maisons et à ses vues.” ^[24] Chagall a résumé ses années de vie en Amérique :

J’ai vécu ici en Amérique pendant la guerre inhumaine dans laquelle l’humanité s’est désertée… J’ai vu le rythme de la vie. J’ai vu l’Amérique se battre avec les Alliés… la richesse qu’elle a distribuée pour soulager les gens qui ont dû subir les conséquences de la guerre… J’aime l’Amérique et les Américains… les gens là-bas sont francs. C’est un pays jeune avec les qualités et les défauts de la jeunesse. C’est un délice d’aimer des gens comme ça… Je suis avant tout impressionné par la grandeur de ce pays et la liberté qu’il donne. ^{[14] : 170}

Il y retourne définitivement à l’automne 1947, où il assiste au vernissage de l’exposition de ses oeuvres au Musée National d’Art Moderne . ^[24]

France (1948-1985)

De retour en France, il parcourt l’Europe et choisit de vivre sur la Côte d’Azur qui est alors devenue en quelque sorte un “centre artistique”. Matisse vivait près de Saint-Paul-de-Vence , à environ 11 kilomètres à l’ouest de Nice , tandis que Picasso vivait à Vallauris . Bien qu’ils vivaient à proximité et travaillaient parfois ensemble, il y avait une rivalité artistique entre eux car leur travail était si distinctement différent et ils ne sont jamais devenus des amis à long terme. Selon la maîtresse de Picasso, Françoise Gilot , Picasso avait encore beaucoup de respect pour Chagall, et lui a dit un jour,

Quand Matisse mourra, Chagall sera le seul peintre qui sache ce qu’est la couleur… Ses toiles sont vraiment peintes, pas seulement mélangées. Certaines des dernières choses qu’il a faites à Vence me convainquent qu’il n’y a jamais eu personne depuis Renoir qui ait le sens de la lumière qu’a Chagall.” ^[41]

En avril 1952, Virginia Haggard quitte Chagall pour le photographe Charles Leirens ; elle est devenue elle-même photographe professionnelle.

Vava Brodsky et Marc Chagall en 1967

La fille de Chagall, Ida, épousa l’historien de l’art Franz Meyer en janvier 1952 et, sentant que la compagnie d’une femme chez lui manquait à son père, le présenta à Valentina (Vava) Brodsky, une femme d’origine juive russe similaire, qui avait dirigé avec succès une commerce de chapellerie à Londres. Elle est devenue sa secrétaire et, après quelques mois, n’a accepté de rester que si Chagall l’épousait. Le mariage eut lieu en juillet 1952 ^{[14] : 183} — quoique six ans plus tard, lors d’un conflit entre Ida et Vava, « Marc et Vava divorçaient et se remariaient immédiatement en vertu d’un accord plus favorable à Vava » ( Jean-Paul Crespelle , auteur de Chagall, l’Amour le Rêve et la Vie , cité dans Haggard : Ma vie avec Chagall ).

En 1954, il est engagé comme décorateur pour la production de Robert Helpmann de l’ opéra Le Coq d’Or de Rimsky-Korsakov au Royal Opera House, Covent Garden , mais il se retire. Le designer australien Loudon Sainthill a été recruté au pied levé à sa place. ^[42]

Dans les années à venir, il a pu produire non seulement des peintures et des arts graphiques, mais aussi de nombreuses sculptures et céramiques, notamment des carreaux muraux, des vases peints, des assiettes et des cruches. Il a également commencé à travailler dans des formats plus grands, réalisant de grandes peintures murales, des vitraux, des mosaïques et des Tapisseries. ^[14]

Plafond de l’Opéra de Paris (1963)

En 1963, Chagall est chargé de peindre le nouveau plafond de l’Opéra de Paris ( Palais Garnier ), majestueux édifice du XIXe siècle et monument national. André Malraux , le ministre français de la Culture voulait quelque chose d’unique et a décidé que Chagall serait l’artiste idéal. Cependant, ce choix d’artiste suscite la polémique : certains s’opposent à ce qu’un Juif russe décore un monument national français ; d’autres n’aimaient pas que le plafond du bâtiment historique soit peint par un artiste moderne. Certains magazines ont écrit des articles condescendants sur Chagall et Malraux, à propos desquels Chagall a commenté à un écrivain :

Ils m’en voulaient vraiment… C’est incroyable comme les Français n’aiment pas les étrangers. Vous vivez ici la majeure partie de votre vie. Vous devenez un citoyen français naturalisé… travaillez pour rien à décorer leurs cathédrales, et pourtant ils vous méprisent. Vous n’êtes pas l’un d’entre eux. ^{[14] : 196}

Néanmoins, Chagall a poursuivi le projet, qui a pris un an à l’artiste de 77 ans. La toile finale mesurait près de 2 400 pieds carrés (220 mètres carrés) et nécessitait 440 livres (200 kg) de peinture. Il comportait cinq sections qui étaient collées sur des panneaux de polyester et hissées jusqu’au plafond de 70 pieds (21 m). Les images peintes par Chagall sur la toile rendaient hommage aux compositeurs Mozart , Wagner , Moussorgski , Berlioz et Ravel , ainsi qu’à des acteurs et danseurs célèbres. ^{[14] : 199}

Il est présenté au public le 23 septembre 1964 en présence de Malraux et de 2 100 invités. Le correspondant parisien du New York Times a écrit : « Pour une fois, les meilleures places étaient dans le cercle le plus élevé : ^{[14] : 199} Baal-Techouva écrit :

Au début, le grand lustre de cristal suspendu au centre du plafond était éteint… tout le corps de ballet monta sur scène, après quoi, en l’honneur de Chagall, l’orchestre de l’opéra joua le finale de la « Symphonie de Jupiter » de Mozart, le compositeur préféré de Chagall. Pendant les dernières mesures de la musique, le lustre s’est allumé, donnant vie à la peinture au plafond de l’artiste dans toute sa splendeur, suscitant des applaudissements enthousiastes du public. ^{[14] : 199}

Après le dévoilement du nouveau plafond, “même les opposants les plus acharnés à la commission semblaient se taire”, écrit Baal-Techouva. « À l’unanimité, la presse a déclaré que la nouvelle œuvre de Chagall était une grande contribution à la culture française. Malraux dira plus tard : « Quel autre artiste vivant aurait pu peindre le plafond de l’Opéra de Paris à la manière de Chagall ?… Il est avant tout l’un des grands coloristes de notre temps… nombre de ses toiles et le plafond de l’Opéra représentent des images sublimes qui comptent parmi les plus belles poésies de notre temps, tout comme Titien a produit la plus belle poésie de son temps.” ^{[14] : 199} Dans le discours de Chagall au public, il explique le sens de l’œuvre :

Là-haut, dans ma peinture, j’ai voulu refléter, comme un miroir dans un bouquet, les rêves et les créations des chanteurs et des musiciens, rappeler le mouvement du public aux tenues colorées en bas, et rendre hommage aux grands compositeurs d’opéras et de ballets… Maintenant, j’offre ce travail comme un cadeau de gratitude à la France et à son École de Paris , sans laquelle il n’y aurait ni couleur ni liberté. ^{[21] : 151}

Styles et techniques artistiques

Couleur

Bestiaire et Musique (1969)

Selon Cogniat, dans toute l’œuvre de Chagall à toutes les étapes de sa vie, ce sont ses couleurs qui attirent et captent l’attention du spectateur. Au cours de ses premières années, sa gamme a été limitée par son accent sur la forme et ses images n’ont jamais donné l’impression de dessins peints. Il ajoute : “Les couleurs font partie intégrante de l’image et ne sont jamais passivement plates ou banales comme une réflexion après coup. Elles sculptent et animent le volume des formes… elles se livrent à des envolées de fantaisie et d’invention qui ajoutent de nouvelles perspectives et tons dégradés, fondus… Ses couleurs ne cherchent même pas à imiter la nature mais plutôt à suggérer des mouvements, des plans et des rythmes.” ^[24]

Il était capable de transmettre des images saisissantes en utilisant seulement deux ou trois couleurs. Cogniat écrit: “Chagall est sans égal dans cette capacité à donner une impression vivante de mouvement explosif avec l’utilisation la plus simple des couleurs …” Tout au long de sa vie, ses couleurs ont créé une “atmosphère vibrante” basée sur “sa propre vision personnelle”. ^{[24] : 60}

Objet

Des souvenirs de vie au fantasme

Le début de la vie de Chagall lui a laissé une “mémoire visuelle puissante et une intelligence picturale”, écrit Goodman. Après avoir vécu en France et expérimenté l’atmosphère de la liberté artistique, sa “vision s’est envolée et il a créé une nouvelle réalité, une réalité qui puisait à la fois dans son monde intérieur et extérieur”. Mais ce sont les images et les souvenirs de ses premières années en Biélorussie qui soutiendront son art pendant plus de 70 ans. ^{[15] : 13}

Le cheval de cirque

Selon Cogniat, certains éléments de son art sont restés permanents et ont été observés tout au long de sa carrière. L’un d’eux était son choix de sujets et la façon dont ils étaient représentés. “L’élément le plus évidemment constant est son don pour le bonheur et sa compassion instinctive, qui même dans les sujets les plus graves l’empêchent de dramatiser…” ^{[24] : 89} Les musiciens ont été une constante à toutes les étapes de son travail. Après son premier mariage, « les amants se sont cherchés, embrassés, caressés, flottés dans les airs, rencontrés dans des couronnes de fleurs, étirés et plongés comme le passage mélodieux de leurs vives rêveries. Les acrobates se contorsionnent avec la grâce de fleurs exotiques au bout de leurs tiges ; fleurs et feuillages abondent partout.” ^[24]Wullschlager explique les sources de ces images :

Pour lui, les clowns et les acrobates ont toujours ressemblé à des figures dans les peintures religieuses… L’évolution des œuvres de cirque… reflète un assombrissement progressif de sa vision du monde, et les artistes de cirque ont maintenant cédé la place au prophète ou au sage dans son travail – une figure en qui Chagall déversait son inquiétude face à l’obscurcissement de l’Europe, et il ne pouvait plus compter sur la lumière-liberté de la France pour s’en inspirer. ^{[9] : 337}

Chagall a décrit son amour des gens de cirque :

Pourquoi suis-je si touché par leur maquillage et leurs grimaces ? Avec eux, je peux aller vers de nouveaux horizons… Chaplin cherche à faire dans le film ce que j’essaie de faire dans mes peintures. Il est peut-être le seul artiste aujourd’hui avec qui je puisse m’entendre sans avoir à dire un seul mot. ^{[9] : 337}

Ses premières photos étaient souvent de la ville où il est né et a grandi, Vitebsk . Cogniat note qu’ils sont réalistes et donnent l’impression d’une expérience de première main en capturant un moment dans le temps avec une action, souvent avec une image dramatique. Au cours de ses dernières années, comme par exemple dans la «série biblique», les sujets étaient plus dramatiques. Il a réussi à mélanger le réel et le fantastique, et combiné à son utilisation de la couleur, les images étaient toujours au moins acceptables sinon puissantes. Il n’a jamais tenté de présenter la réalité pure mais a toujours créé ses atmosphères à travers la fantaisie. ^{[24] : 91} Dans tous les cas, le “sujet le plus persistant de Chagall est la vie elle-même, dans sa simplicité ou sa complexité cachée… Il présente à notre étude des lieux, des personnes et des objets de sa propre vie”.

Thèmes juifs

Après avoir absorbé les techniques du fauvisme et du cubisme (sous l’influence de Jean Metzinger et d’ Albert Gleizes ) ^[43] Chagall a su fusionner ces tendances stylistiques avec son propre style folklorique. Il a donné à la vie lugubre des juifs hassidiques “les accents romantiques d’un monde enchanté”, note Goodman. C’est en combinant les aspects du modernismegrâce à son “langage artistique unique”, qu’il a su attirer l’attention des critiques et des collectionneurs de toute l’Europe. En général, c’est son enfance dans une ville de province biélorusse qui lui a donné une source continue de stimuli imaginatifs. Chagall deviendra l’un des nombreux émigrés juifs qui deviendront plus tard des artistes renommés, tous ayant également fait partie des «minorités les plus nombreuses et les plus créatives de Russie», note Goodman. ^{[15] : 13}

La Première Guerre mondiale, qui s’est terminée en 1918, avait déplacé près d’un million de Juifs et détruit ce qui restait de la culture shtetl provinciale qui avait défini la vie de la plupart des Juifs d’Europe de l’Est pendant des siècles. Goodman note : « La disparition de la société juive traditionnelle a laissé à des artistes comme Chagall des souvenirs puissants qui ne pouvaient plus être alimentés par une réalité tangible. Au lieu de cela, cette culture est devenue une source émotionnelle et intellectuelle qui n’existait que dans la mémoire et l’imagination… Alors riche avait été l’expérience, elle l’a soutenu pour le reste de sa vie.” ^{[15] : 15} Sweeney ajoute que “si vous demandiez à Chagall de vous expliquer ses peintures, il répondrait : ‘Je ne les comprends pas du tout. Ce ne sont pas de la littérature. Ce ne sont que des agencements picturaux d’images qui m’obsèdent…” ^{[27] : 7}

En 1948, après son retour en France des États-Unis après la guerre, il constate par lui-même la destruction que la guerre a apportée à l’Europe et aux populations juives. En 1951, dans le cadre d’un livre commémoratif dédié aux quatre-vingt-quatre artistes juifs tués par les nazis en France, il écrit un poème intitulé « Pour les artistes massacrés : 1950 », qui inspire des tableaux comme le Cantique de David (voir photo):

Je vois le feu, la fumée et le gaz ; s’élevant vers le nuage bleu, le rendant noir. Je vois les cheveux arrachés, les dents arrachées. Ils m’accablent avec ma palette enragée. Je me tiens dans le désert devant des tas de bottes, de vêtements, de cendres et de fumier, et marmonne mon Kaddish . Et pendant que je me tiens – de mes peintures, le David peint descend vers moi, harpe à la main. Il veut m’aider à pleurer et à réciter des chapitres de Psaumes. ^{[21] : 114–115}

Lewis écrit que Chagall “reste l’artiste visuel le plus important à avoir témoigné du monde de la communauté juive d’Europe de l’Est … et est devenu par inadvertance le témoin public d’une civilisation aujourd’hui disparue”. ^[8] Bien que le judaïsme ait des inhibitions religieuses sur l’art pictural de nombreux sujets religieux, Chagall a réussi à utiliser ses images fantastiques comme une forme de métaphore visuelle combinée à des images folkloriques. Son “Fiddler on the Roof”, par exemple, combine un décor de village folklorique avec un violoneux comme un moyen de montrer que l’amour juif de la musique est important pour l’esprit juif.

La musique a joué un rôle important dans la formation des sujets de son travail. Alors qu’il en est venu plus tard à aimer la musique de Bach et de Mozart, pendant sa jeunesse, il a été principalement influencé par la musique au sein de la communauté hassidique où il a grandi. ^[44] L’historien de l’art Franz Meyer souligne que l’une des principales raisons de la nature non conventionnelle de son travail est liée au hassidisme qui a inspiré le monde de son enfance et de sa jeunesse et s’était en fait imposé à la plupart des Juifs d’Europe de l’Est depuis le 18e siècle. . Il écrit: “Pour Chagall, c’est l’une des sources les plus profondes, non pas d’inspiration, mais d’une certaine attitude spirituelle … l’esprit hassidique est toujours la base et la source de nourriture de son art.” ^{[24] : 24} Dans une conférence que Chagall a donnée en 1963 lors d’une visite en Amérique, il a discuté de certaines de ces impressions.

Cependant, Chagall avait une relation complexe avec le judaïsme. D’une part, il a attribué à son bagage culturel juif russe un rôle crucial dans son imagination artistique. Mais aussi ambivalent qu’il fût à propos de sa religion, il ne pouvait éviter de puiser dans son passé juif comme matière artistique. À l’âge adulte, il n’était pas un juif pratiquant, mais à travers ses peintures et ses vitraux, il essayait continuellement de suggérer un “message plus universel”, utilisant à la fois des thèmes juifs et chrétiens. ^[45]

Pendant environ deux mille ans, une réserve d’énergie nous a nourris et soutenus, et a rempli nos vies, mais au cours du siècle dernier, une scission s’est ouverte dans cette réserve, et ses composants ont commencé à se désintégrer : Dieu, la perspective, la couleur, la Bible, la forme, la lignée, les traditions, les soi-disant humanités, l’amour, la dévotion, la famille, l’école, l’éducation, les prophètes et le Christ lui-même. Ai-je, moi aussi, peut-être douté de mon temps ? J’ai peint des tableaux à l’envers, décapité des gens et les ai disséqués, éparpillant les morceaux dans l’air, tout cela au nom d’une autre perspective, d’un autre type de composition d’image et d’un autre formalisme. ^{[24] : 29}

Il s’efforçait également d’éloigner son travail d’un seul objectif juif. Lors de l’ouverture du musée Chagall à Nice, il a déclaré : « Ma peinture ne représente pas le rêve d’un peuple mais de toute l’humanité ».

Autres types d’art

Vitraux

L’une des principales contributions de Chagall à l’art a été son travail avec le vitrail . Ce médium lui a permis d’exprimer davantage son désir de créer des couleurs intenses et fraîches et avait l’avantage supplémentaire que la lumière naturelle et la réfraction interagissent et changent constamment : tout, de la position où se tenait le spectateur au temps qu’il faisait à l’extérieur, altérait l’effet visuel (bien que cela n’est pas le cas de ses fenêtres Hadassah). Ce n’est qu’en 1956, alors qu’il a près de 70 ans, qu’il dessine les vitraux de l’église d’ Assy , son premier grand projet. Puis, de 1958 à 1960, il réalise les vitraux de la cathédrale de Metz .

Fenêtres de Jérusalem (1962)

En 1960, il a commencé à créer des vitraux pour la synagogue du centre médical Hadassah de l’Université hébraïque de Jérusalem . Leymarie écrit que “afin d’éclairer spirituellement et physiquement la synagogue”, il fut décidé que les douze fenêtres, représentant les douze tribus d’Israël , devaient être remplies de vitraux. Chagall envisageait la synagogue comme “une couronne offerte à la reine juive”, et les vitraux comme des “joyaux de feu translucide”, écrit-elle. Chagall a ensuite consacré les deux années suivantes à la tâche et, une fois achevées en 1961, les fenêtres ont été exposées à Paris puis au Museum of Modern Art de New York .. Ils ont été installés de façon permanente à Jérusalem en février 1962. Chacune des douze fenêtres mesure environ 11 pieds de haut et 8 pieds (2,4 m) de large, beaucoup plus grande que tout ce qu’il avait fait auparavant. Cogniat les considère comme “son plus grand travail dans le domaine du vitrail”, bien que Virginia Haggard McNeil enregistre la déception de Chagall qu’ils devaient être éclairés avec de la lumière artificielle, et ne changeraient donc pas selon les conditions de la lumière naturelle.

Paix , 1964, un vitrail commémoratif aux Nations Unies , New York

Le philosophe français Gaston Bachelard a commenté que “Chagall lit la Bible et soudain les passages deviennent légers”. ^{[28] : xii} En 1973, Israël a publié un jeu de 12 timbres avec des images des vitraux. ^[46]

Les fenêtres symbolisent les douze tribus d’Israël qui ont été bénies par Jacob et Moïse dans les versets qui concluent la Genèse et le Deutéronome. Dans ces livres, note Leymarie, “Moïse mourant a répété l’acte solennel de Jacob et, dans un ordre quelque peu différent, a également béni les douze tribus d’Israël qui étaient sur le point d’entrer dans le pays de Canaan… Dans la synagogue, où les fenêtres sont réparties de la même manière, les tribus forment une haie d’honneur symbolique autour du tabernacle.” ^{[28] : xii} Leymarie décrit la signification physique et spirituelle des vitraux :

L’essence des Fenêtres de Jérusalem réside dans la couleur, dans la capacité magique de Chagall à animer la matière et à la transformer en lumière. Les mots n’ont pas le pouvoir de décrire la couleur de Chagall, sa spiritualité, sa qualité chantante, sa luminosité éblouissante, son débit toujours plus subtil, et sa sensibilité aux inflexions de l’âme et aux transports de l’imagination. Il est à la fois dur comme un bijou et mousseux, réverbérant et pénétrant, rayonnant de lumière d’un intérieur inconnu. ^{[28] : xii}

Lors de la cérémonie d’inauguration en 1962, Chagall a décrit ses sentiments à propos des vitraux :

Pour moi, un vitrail est une cloison transparente entre mon cœur et le cœur du monde. Le vitrail doit être sérieux et passionné. C’est quelque chose d’édifiant et d’exaltant. Il doit vivre à travers la perception de la lumière. Lire la Bible, c’est percevoir une certaine lumière, et la fenêtre doit rendre cela évident par sa simplicité et sa grâce… Les pensées se nichent en moi depuis de nombreuses années, depuis le temps où mes pieds ont marché sur la Terre Sainte, quand Je me suis préparé à créer des gravures de la Bible. Ils m’ont fortifiée et encouragée à apporter mon modeste cadeau au peuple juif, ce peuple qui vivait ici il y a des milliers d’années, parmi les autres peuples sémitiques. ^{[21] : 145–146}

Paix , Bâtiment des Nations Unies (1964)

En 1964, Chagall a créé un vitrail, intitulé Peace , pour l’ONU en l’honneur de Dag Hammarskjöld , le deuxième secrétaire général de l’ONU qui a été tué dans un accident d’avion en Afrique en 1961. La fenêtre mesure environ 15 pieds (4,6 m) de large et 12 pieds (3,7 m) de haut et contient des symboles de paix et d’amour ainsi que des symboles musicaux. ^[47] En 1967, il a dédié un vitrail à John D. Rockefeller dans l’ église Union de Pocantico Hills , New York.

Fraumünster à Zurich, Suisse (1967)

Le FraumünsterL’église de Zurich, en Suisse, fondée en 853, est connue pour ses cinq grands vitraux créés par Chagall en 1967. Chaque fenêtre mesure 32 pieds (9,8 m) de haut sur 3 pieds (0,91 m) de large. L’historien de la religion James H. Charlesworth note qu’il est “surprenant de voir comment les symboles chrétiens sont présentés dans les œuvres d’un artiste issu d’un milieu juif strict et orthodoxe”. Il suppose que Chagall, en raison de son origine russe, a souvent utilisé des icônes russes dans ses peintures, avec leurs interprétations de symboles chrétiens. Il explique que ses thèmes choisis étaient généralement dérivés d’histoires bibliques et décrivaient fréquemment «l’obéissance et la souffrance du peuple élu de Dieu». L’un des panneaux représente Moïse recevant la Torah, avec des rayons de lumière provenant de sa tête. En haut d’un autre panneau se trouve une représentation de Jésus^{[48] ​​[49]}

Église Saint-Étienne de Mayence, Allemagne (1978)

En 1978, il a commencé à créer des vitraux pour l’église Saint-Étienne à Mayence , en Allemagne. Aujourd’hui, 200 000 visiteurs par an visitent l’église, et “des touristes du monde entier gravissent le Mont Saint-Étienne, pour voir les vitraux bleus éclatants de l’artiste Marc Chagall”, indique le site Internet de la ville. “St Stephan est la seule église allemande pour laquelle Chagall a créé des vitraux.” ^[50]

Le site Web note également que «les couleurs s’adressent directement à notre conscience vitale, car elles parlent d’optimisme, d’espoir et de joie de vivre», déclare Mgr Klaus Mayer, qui transmet le travail de Chagall dans les médiations et les livres. Il correspond avec Chagall en 1973 et réussit à persuader le “maître de la couleur et du message biblique” de créer un signe d’attachement judéo-chrétien et de compréhension internationale. Des siècles plus tôt, Mayence avait été “la capitale de la communauté juive européenne” et contenait la plus grande communauté juive d’Europe, note l’historien John Man . ^{[51] : 16 [52]}En 1978, à l’âge de 91 ans, Chagall crée la première fenêtre et huit autres suivent. Le collaborateur de Chagall, Charles Marq, a complété l’œuvre de Chagall en ajoutant plusieurs vitraux utilisant les couleurs typiques de Chagall.

Église All Saints , Tudeley, Royaume-Uni (1963-1978)

All Saints’ Church, Tudeley est la seule église au monde dont l’ensemble de ses douze vitraux a été décoré par Chagall. ^[53] Les trois autres édifices religieux avec des ensembles complets de fenêtres Chagall sont la synagogue Hadassah Medical Center , la chapelle de Le Saillant, Limousin, et l’ église Union de Pocantico Hills , New York. ^[54]

Les fenêtres de Tudeley ont été commandées par Sir Henry et Lady Rosemary d’Avigdor-Goldsmid en hommage à leur fille Sarah, décédée en 1963 à l’âge de 21 ans dans un accident de navigation au large de Rye . Lorsque Chagall est arrivé pour la dédicace de la fenêtre est en 1967, et a vu l’église pour la première fois, il s’est exclamé ” C’est magnifique! Je les ferai tous! ” (“C’est beau! Je les ferai tous!”) Plus les dix années suivantes, Chagall a conçu les onze fenêtres restantes, réalisées à nouveau en collaboration avec le verrier Charles Marq dans son atelier de Reims dans le nord de la France. Les dernières fenêtres ont été installées en 1985, juste avant la mort de Chagall.

La cathédrale de Chichester, West Sussex, Royaume-Uni

Sur le côté nord de la cathédrale de Chichester, il y a un vitrail conçu et créé par Chagall à l’âge de 90 ans. La fenêtre, sa dernière œuvre commandée, a été inspirée par le Psaume 150 ; “Que tout ce qui respire loue le Seigneur” à la suggestion du doyen Walter Hussey . ^[55] La fenêtre a été dévoilée par la duchesse de Kent en 1978. ^[56]

Amérique Windows, Chicago

Chagall s’est rendu à Chicago au début des années 1970 pour installer sa fresque The Four Seasons , et à cette époque a été inspiré pour créer un ensemble de vitraux pour l’ Art Institute of Chicago . ^[57] Après des discussions avec l’Art Institute et une réflexion plus approfondie, Chagall fait des vitraux un hommage au bicentenaire américain, et en particulier à l’engagement des États-Unis envers la liberté culturelle et religieuse. ^[57] Les fenêtres sont apparues en bonne place dans le film de 1986 Ferris Bueller’s Day Off . ^[58] De 2005 à 2010, les fenêtres ont été déplacées en raison de la construction à proximité d’une nouvelle aile de l’Art Institute et du nettoyage des archives. ^[57]

Murales, décors de théâtre et costumes

Chagall a d’abord travaillé sur des scénographies en 1914 alors qu’il vivait en Russie, sous l’inspiration du décorateur de théâtre et artiste Léon Bakst . ^[59] C’est pendant cette période dans le théâtre russe que les idées autrefois statiques de la scénographie ont été, selon Cogniat, « balayées au profit d’un sens totalement arbitraire de l’espace avec des dimensions, des perspectives, des couleurs et des rythmes différents ». ^{[24] : 66} Ces changements ont séduit Chagall qui avait expérimenté le cubisme et voulait un moyen d’animer ses images. En concevant des peintures murales et des scénographies, les «rêves de Chagall ont pris vie et sont devenus un véritable mouvement». ^[24]

En conséquence, Chagall a joué un rôle important dans la vie artistique russe de cette époque et “a été l’une des forces les plus importantes dans la tendance actuelle à l’antiréalisme” qui a aidé la nouvelle Russie à inventer des créations “étonnantes”. Beaucoup de ses créations ont été réalisées pour le Théâtre juif de Moscou qui a mis en scène de nombreuses pièces juives de dramaturges tels que Gogol et Singe . Les scénographies de Chagall ont contribué à créer des atmosphères illusoires qui sont devenues l’essence des représentations théâtrales. ^[60]

Après avoir quitté la Russie, vingt ans se sont écoulés avant qu’on ne lui offre à nouveau la chance de concevoir des décors de théâtre. Dans les années intermédiaires, ses peintures comprenaient encore des arlequins, des clowns et des acrobates, qui, selon Cogniat, “transmettent son attachement sentimental et sa nostalgie pour le théâtre”. ^[24] Son premier devoir concevant des décors après la Russie était pour le ballet “Aleko” en 1942, alors qu’il vivait en Amérique. En 1945, il est également chargé de concevoir les décors et les costumes de l’ Oiseau de feu de Stravinsky . Ces dessins ont grandement contribué à sa meilleure réputation en Amérique en tant qu’artiste majeur et, à partir de 2013, sont toujours utilisés par le New York City Ballet .

Cogniat décrit comment les créations de Chagall « plongent le spectateur dans une féerie lumineuse et colorée où les formes sont définies de manière brumeuse et les espaces eux-mêmes semblent animés de tourbillons ou d’explosions ». ^[24] Sa technique d’utilisation de la couleur théâtrale de cette manière a atteint son apogée lorsque Chagall est revenu à Paris et a conçu les décors de Daphnis et Chloë de Ravel en 1958 .

En 1964, il repeint le plafond de l’ Opéra de Paris en utilisant 220 m ² de toile. Il a peint deux peintures murales monumentales accrochées de part et d’autre du nouveau Metropolitan Opera du Lincoln Center de New York qui a ouvert ses portes en 1966. Les pièces, The Sources of Music et The Triumph of Music , qui pendent du balcon le plus haut et s’étendent jusqu’au niveau du hall du Grand Tier, ont été achevés en France et expédiés à New York, et sont recouverts d’un système de panneaux pendant les heures où l’opéra reçoit la lumière directe du soleil pour éviter la décoloration. Il a également conçu les décors et les costumes d’une nouvelle production de Die Zauberflötepour l’entreprise qui a ouvert ses portes en février 1967 et a été utilisée pendant la saison 1981/1982.

Tapisseries

Assiette en céramique intitulée Moïse Centre d’art Chagall à Vitebsk , Biélorussie

Chagall a également conçu des Tapisseries qui ont été tissées sous la direction d’ Yvette Cauquil-Prince , qui a également collaboré avec Picasso . Ces Tapisseries sont beaucoup plus rares que ses peintures, avec seulement 40 d’entre elles atteignant le marché commercial. ^[61] Chagall a conçu trois Tapisseries pour la salle d’État de la Knesset en Israël, ainsi que des mosaïques de 12 étages et une mosaïque murale. ^[62]

Céramique et sculpture

Chagall a commencé à apprendre la céramique et la sculpture alors qu’il vivait dans le sud de la France. La céramique devient une mode sur la Côte d’Azur avec l’ouverture de différents ateliers à Antibes, Vence et Vallauris. Il suit des cours avec d’autres artistes connus dont Picasso et Fernand Léger . Au début, Chagall a peint des poteries existantes, mais s’est rapidement étendu à la conception de la sienne, qui a commencé son travail de sculpteur en complément de sa peinture.

Après avoir expérimenté la poterie et la vaisselle, il s’installe dans de grandes peintures murales en céramique. Cependant, il n’a jamais été satisfait des limites imposées par les segments de carreaux carrés qui, selon Cogniat, “lui ont imposé une discipline qui a empêché la création d’une image plastique”. ^{[24] : 76}

Dernières années et mort

L’auteur Serena Davies écrit que « Au moment où il mourut en France en 1985 – le dernier maître survivant du modernisme européen, survivant à Joan Miró de deux ans – il avait connu de première main les grands espoirs et les déceptions écrasantes de la révolution russe , et avait a été témoin de la fin de la Pale of Settlement , de la quasi-annihilation de la communauté juive européenne et de l’effacement de Vitebsk , sa ville natale, où seuls 118 habitants sur une population de 240 000 ont survécu à la Seconde Guerre mondiale .” ^[63]

L’œuvre finale de Chagall était une œuvre d’art commandée pour le Rehabilitation Institute of Chicago . La peinture maquette intitulée Job était terminée, mais Chagall mourut juste avant l’achèvement de la tapisserie. ^[64] Yvette Cauquil-Prince tissait la tapisserie sous la supervision de Chagall et était la dernière personne à travailler avec Chagall. Elle a quitté la maison de Vava et Marc Chagall à 16 heures le 28 mars après avoir discuté et assorti les couleurs finales de la maquette de la tapisserie. Il est mort ce soir-là. ^[65]

Sa relation avec son identité juive était “non résolue et tragique”, déclare Davies. Il serait mort sans les rites juifs, si un étranger juif ne s’était pas avancé et n’avait dit le kaddish , la prière juive pour les morts, au-dessus de son cercueil. ^[63] Chagall est enterré aux côtés de sa dernière épouse Valentina “Vava” Brodsky Chagall, dans le cimetière multiconfessionnel de la ville d’artistes traditionnels de Saint-Paul-de-Vence , dans la région française de Provence. ^[66]

Galerie

• Marc Chagall, 1911, To My Betrothed , gouache, aquarelle, peinture métallisée, fusain et encre sur papier, monté sur carton, 61 × 44,5 cm, Philadelphia Museum of Art

• Marc Chagall, 1911, Moi et le village , huile sur toile, 192,1 × 151,4 cm, Museum of Modern Art , New York

• Marc Chagall, 1911, A la Russie, aux ânes et aux autres , huile sur toile, 157 x 122 cm, Musée National d’Art Moderne , Centre Pompidou , Paris

• Marc Chagall, 1911, Trois heures et demi (Le poète), Half-Past Three (The Poet) Halb vier Uhr , huile sur toile, 195,9 × 144,8 cm, The Louise and Walter Arensberg Collection, 1950, Philadelphia Museum of Art

• Marc Chagall, 1911–12, Hommage à Apollinaire , ou Adam et Ève (étude), gouache, aquarelle, lavis d’encre, plume et encre et collage sur papier, 21 × 17,5 cm

• Marc Chagall, 1911-12, Le saint voiturier ( Le Saint Cocher ), huile sur toile, 148 x 117,5 cm, collection particulière

• Marc Chagall, 1913, Paris par la fenêtre ( Paris Through the Window ), huile sur toile, 136 × 141,9 cm, Solomon R. Guggenheim Museum , New York

• Marc Chagall, 1913, La femme enceinte ( Maternité ), huile sur toile, 193 × 116 cm, Stedelijk Museum , Amsterdam

• Marc Chagall, Les grilles du cimetière , 1917, huile sur toile, 87 x 68,5 cm, Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme

Héritage et influence

Le biographe de Chagall, Jackie Wullschlager, le loue comme un “pionnier de l’art moderne et l’un de ses plus grands peintres figuratifs … [qui] a inventé un langage visuel qui a enregistré le frisson et la terreur du XXe siècle”. ^[9] Elle ajoute :

Sur ses toiles, on lit le triomphe du modernisme, la percée de l’art vers une expression de la vie intérieure qui … est l’un des héritages les plus marquants du siècle dernier. En même temps, Chagall a été personnellement emporté par les horreurs de l’histoire européenne entre 1914 et 1945 : guerres mondiales, révolution, persécution ethnique, meurtre et exil de millions de personnes. À une époque où de nombreux artistes majeurs ont fui la réalité pour l’abstraction, il a distillé ses expériences de la souffrance et de la tragédie dans des images à la fois immédiates, simples et symboliques auxquelles chacun pourrait répondre. ^{[9] : 4}

Les historiens de l’art Ingo Walther et Rainer Metzger qualifient Chagall de “poète, rêveur et apparition exotique”. Ils ajoutent que tout au long de sa longue vie, le “rôle d’outsider et d’excentrique artistique” lui est venu naturellement, car il semblait être une sorte d’intermédiaire entre les mondes : “en tant que Juif avec un dédain seigneurial pour l’ancienne interdiction de faire des images ; comme un Russe qui est allé au-delà du domaine de l’autosuffisance familière ; ou le fils de parents pauvres, grandissant dans une famille nombreuse et nécessiteuse.” Pourtant, il va s’imposer dans le monde sophistiqué des “élégants salons artistiques”. ^{[67] : 7}

Grâce à son imagination et à ses souvenirs forts, Chagall a pu utiliser des motifs et des sujets typiques dans la plupart de son œuvre : scènes de village, vie paysanne et vues intimes du petit monde du village juif ( shtetl ). Ses figures tranquilles et ses gestes simples ont contribué à produire un “sentiment monumental de dignité” en traduisant les rituels juifs quotidiens en un “royaume intemporel de paix emblématique”. ^{[67] : 8} Leymarie écrit que Chagall “a transcendé les limites de son siècle. Il a dévoilé des possibilités insoupçonnées par un art qui avait perdu le contact avec la Bible, et ce faisant, il a réalisé une toute nouvelle synthèse de la culture juive longtemps ignorée par la peinture.” Il ajoute que bien que l’art de Chagall ne puisse se limiter à la religion, ses “apports les plus émouvants et les plus originaux, ce qu’il appelait” son message “, sont ceux tirés de sources religieuses ou, plus précisément, bibliques”. ^{[28] : x}

Walther et Metzger tentent de résumer la contribution de Chagall à l’art :

Sa vie et son art s’additionnent pour donner cette image d’un visionnaire solitaire, d’un citoyen du monde avec encore beaucoup d’enfant en lui, d’un étranger perdu dans l’émerveillement, image que l’artiste a tout fait pour cultiver. Profondément religieux et avec un profond amour de la patrie, son travail est sans doute l’appel le plus urgent à la tolérance et au respect de tout ce qui est différent que les temps modernes pourraient faire. ^{[67] : 7}

André Malraux l’a félicité. Il a déclaré: “[Chagall] est le plus grand créateur d’images de ce siècle. Il a regardé notre monde avec la lumière de la liberté et l’a vu avec les couleurs de l’amour.” ^[68]

Marché de l’art

Une peinture à l’huile de Chagall de 1928, Les Amoureux , mesurant 117,3 x 90,5 cm, représentant Bella Rosenfeld, la première épouse de l’artiste et sa maison d’adoption à Paris, vendue 28,5 millions de dollars (avec frais) chez Sotheby’s New York, le 14 novembre 2017, doublant presque les 27- de Chagall record d’enchères de 14,85 millions de dollars vieux d’un an. ^{[69] [70]}

En octobre 2010, son tableau Bestiaire et Musique , représentant une mariée et un violoneux flottant dans un ciel nocturne au milieu d’artistes de cirque et d’animaux, “était le lot vedette” d’une vente aux enchères à Hong Kong. Lorsqu’elle s’est vendue 4,1 millions de dollars, elle est devenue la peinture occidentale contemporaine la plus chère jamais vendue en Asie. ^[71]

En 2013, des œuvres jusque-là inconnues de Chagall ont été découvertes dans la réserve d’œuvres d’art cachées par le fils de l’un des marchands d’art d’Hitler, Hildebrand Gurlitt. ^[72]

Théâtre

Dans les années 1990, Daniel Jamieson a écrit The Flying Lovers of Vitebsk , une pièce concernant la vie de Chagall et de sa compagne Bella. Il a été relancé plusieurs fois, le plus récemment en 2020 avec Emma Rice dirigeant une production qui a été diffusée en direct depuis le Bristol Old Vic, puis mise à disposition pour un visionnage à la demande, en partenariat avec des théâtres du monde entier. ^[73] Cette production avait Marc Antolin dans le rôle de Chagall et Audrey Brisson jouant Bella Chagall; produit pendant l’épidémie de COVID, il a obligé toute l’équipe à se mettre en quarantaine ensemble pour rendre possible la performance en direct et la diffusion. ^[74]

Expositions et hommages

Buste de Marc Chagall dans Celebrity Alley à Kielce (Pologne)

De son vivant, Chagall a reçu plusieurs distinctions :

• En 1960, l’Université Brandeis a décerné à Marc Chagall un diplôme honorifique en droit, lors de son 9e lancement.
• En 1977, la ville de Jérusalem lui a décerné le prix Yakir Yerushalayim (digne citoyen de Jérusalem). ^[75]
• Toujours en 1977, le gouvernement français lui a décerné sa plus haute distinction, la Grand-Croix de la Légion d’honneur .
• 1974 : Membre de l’ Académie royale des sciences, des lettres et des beaux-arts de Belgique . ^[76]

documentaire de 1963

Chagall , un court documentaire de 1963, met en scène Chagall. Il a remporté l ‘ Oscar du meilleur court métrage documentaire en 1964.

Hommages aux timbres-poste

En raison de la renommée internationale dont il jouissait et de la popularité de son art, un certain nombre de pays ont émis des timbres commémoratifs en son honneur représentant des exemples de ses œuvres. En 1963, la France a émis un timbre de sa peinture, Le couple marié de la tour Eiffel . En 1969, Israël a produit un timbre représentant sa peinture du roi David . En 1973, Israël a publié un jeu de 12 timbres avec des images des vitraux qu’il a créés pour la synagogue du centre médical de l’Université hébraïque Hadassah ; chaque fenêtre a été faite pour signifier l’une des « douze tribus d’Israël ». ^[46]

En 1987, en hommage au centenaire de sa naissance en Biélorussie, sept nations se sont engagées dans un programme omnibus spécial et ont émis des timbres-poste en son honneur. Les pays qui ont émis les timbres comprenaient Antigua-et-Barbuda , la Dominique, la Gambie, le Ghana, la Sierra Leone et la Grenade, qui ont produit ensemble 48 timbres et 10 blocs-feuillets. Bien que les timbres représentent tous ses différents chefs-d’œuvre, les noms des œuvres d’art ne figurent pas sur les timbres. ^[46]

Des expositions

Il y avait aussi plusieurs grandes expositions de l’œuvre de Chagall de son vivant et après sa mort.

• En 1967, Le Louvre à Paris expose 17 peintures grand format et 38 gouaches, sous le titre de “Message Biblique”, dont il fait don à la nation française à condition qu’un musée leur soit construit à Nice. ^{[14] : 201} En 1969 débutent les travaux du musée, nommé Musée National Message Biblique Marc Chagall. Il a été achevé et inauguré le 7 juillet 1973, le jour de l’anniversaire de Chagall. Il contient aujourd’hui des peintures monumentales sur des thèmes bibliques, trois vitraux, des Tapisseries, une grande mosaïque et de nombreuses gouaches pour la “série Bible”. ^{[14] : 208}
• De 1969 à 1970, le Grand Palais à Paris a accueilli la plus grande exposition Chagall à ce jour, comprenant 474 œuvres. L’exposition s’appelait “Hommage à Marc Chagall”, a été inaugurée par le président français et “a rencontré un énorme succès auprès du public et de la critique”. ^[14]
• Le Dynamic Museum de Dakar , au Sénégal , a organisé une exposition de son travail en 1971. ^[77]
• En 1973, il se rend en Union soviétique, sa première visite depuis son départ en 1922. La galerie Tretiakov de Moscou organise une exposition spéciale à l’occasion de sa visite. Il a pu revoir les peintures murales qu’il avait réalisées il y a longtemps pour le Théâtre juif. À Saint-Pétersbourg, il a retrouvé deux de ses sœurs, qu’il n’avait pas vues depuis plus de 50 ans.
• En 1982, le Moderna Museet de Stockholm, en Suède, a organisé une exposition rétrospective qui a ensuite voyagé au Danemark.
• En 1985, la Royal Academy de Londres a présenté une grande rétrospective qui a ensuite voyagé à Philadelphie. Chagall était trop vieux pour assister à l’ouverture de Londres et mourut quelques mois plus tard.
• En 2003, une grande rétrospective de la carrière de Chagall a été organisée par la Réunion des Musées Nationaux, Paris, en collaboration avec le Musée National Message Biblique Marc Chagall, Nice, et le Musée d’Art Moderne de San Francisco .
• En 2007, une exposition de son travail intitulée “Chagall of Miracles”, a eu lieu à Il Complesso del Vittoriano à Rome, en Italie.
• Le musée d’art régional de Novossibirsk a présenté une exposition Chagall sur ses sujets bibliques ^[78] entre le 16 juin 2010 et le 29 août 2010.
• Le Musée d’art et d’histoire du judaïsme de Paris a présenté une exposition Chagall intitulée “Chagall et la Bible” en 2011.
• Le musée du Luxembourg à Paris a organisé une rétrospective Chagall en 2013. ^[79]
• Le Musée juif de New York a organisé plusieurs expositions sur Chagall, dont l’exposition 2001 Marc Chagall : Premières œuvres des collections russes ^[80] et l’exposition 2013 Chagall : Amour, guerre et exil . ^[81]

Expositions en cours et expositions permanentes Musée des beaux-arts de Montréal, Musée des beaux-arts de Montréal. 28 janvier – 11 juin 2017. Chagall : couleur et musique est la plus grande exposition canadienne jamais consacrée à Marc Chagall. Vitraux de la cathédrale de Reims , 1974

• Le travail de Chagall est hébergé dans une variété d’endroits, y compris le ‘ Palais Garnier ‘ (l’Opéra de Paris), l’ Art Institute de Chicago , Chase Tower Plaza du centre-ville de Chicago, le Metropolitan Opera , la cathédrale de Metz , Notre-Dame de Reims , l’ abbaye de Fraumünster à Zürich , en Suisse, l’ église Saint-Étienne à Mayence , en Allemagne et le musée Marc Chagall à Nice, en France, que Chagall a aidé à concevoir.
• La seule église au monde avec un ensemble complet de vitraux de Chagall est située dans le petit village de Tudeley , dans le Kent , en Angleterre.
• Douze vitraux font partie de l’hôpital Hadassah Ein Kerem à Jérusalem , Israël. Chaque cadre représente une tribu différente.
• Aux États-Unis, l’ Union Church of Pocantico Hills contient un ensemble de vitraux de Chagall commémorant les prophètes, qui a été commandé par John D. Rockefeller, Jr. ^[82]
• Le Lincoln Center à New York, contient les immenses peintures murales de Chagall ; Les Sources of Music et The Triumph of Music sont installées dans le hall du nouveau Metropolitan Opera House, qui a commencé ses activités en 1966. Toujours à New York, le siège des Nations Unies a un mur de vitraux de son travail. En 1967, l’ONU a commémoré cette œuvre d’art avec un timbre-poste et un bloc-feuillet . ^[47]
• La maison familiale de la rue Pokrovskaya, à Vitebsk , est aujourd’hui le musée Marc Chagall . ^{[78] [83]}
• Le Museum of Biblical Art , Dallas, Texas ^[84] possède l’une des plus grandes collections d’œuvres de Chagall sur papier, accueillant en permanence des expositions tournantes de Chagall.
• Le musée Marc Chagall Yufuin Kinrin-ko à Yufuin, Kyushu, Japon, détient environ 40 à 50 de ses œuvres. ^[85]
• La peinture tardive de Marc Chagall intitulée Job pour la Job Tapestry à Chicago.
• Picasso, Matisse, Chagall, mettant en vedette des pièces de la série biblique de Chagall et bien d’autres sont maintenant exposés au Sangre de Cristo Arts Center à Pueblo, Colorado. Cette exposition se termine le 11 janvier 2015.
• Le Musée des Beaux Arts (Musée des beaux-arts de Montréal) à Montréal Canada ouvrira une exposition Chagall le 28 janvier 2017 jusqu’à la fin juin, avec plus de 400 œuvres exposées. ^[44] L’exposition se rendra ensuite à Los Angeles en juillet 2017. ^[44]

Autres hommages

Lors de la cérémonie de clôture des Jeux olympiques d’hiver de 2014 à Sotchi, un char de type Chagall avec des nuages ​​et des danseurs est passé à l’envers planant au-dessus de 130 danseurs costumés, 40 échassiers et un violoniste jouant de la musique folklorique. ^{[86] [87]}

Voir également

• Apocalypse en Lilas, Capriccio
• Moi et le Village
• La mariée (la mariée)
• Soleil dans le ciel de Saint-Paul (Soleil dans le ciel de Saint-Paul)
• Bouquet près de la fenêtre
• Liste des artistes russes
• Liste des francs-maçons

Remarques

1. ^ UK : / ʃ æ ˈ ɡ æ l / sha- GAL , ^[4] US : / ʃ ə ˈ ɡ ɑː l , ʃ ə ˈ ɡ æ l / shə- GA(H)L ; ^{[5] [6]} Français : [maʁk ʃaɡal] ; Yiddish : מאַרק זאַכאַראָוויטש שאַגאַל ; Russe : Марк Заха́рович Шага́л [ˈmark ʂɐˈɡal] ; Biélorusse : Марк Захаравіч Шагал [ˈmark ʂaˈɣal] .
2. ↑ La plupart des sources répètent sans critique l’information selon laquelle il est né le 7 juillet 1887, sans préciser s’il s’agit d’une date grégorienne ou julienne . Cependant, cette date est incorrecte. Il est né le 24 juin 1887 sous le calendrier julien de l’époque, qui se traduit par le 6 juillet 1887 dans le calendrier grégorien, l’écart entre les calendriers en 1887 étant de 12 jours. Chagall lui-même a mal calculé la date grégorienne lorsqu’il est arrivé à Paris en 1910, en utilisant l’écart de 13 jours alors en vigueur, sans se rendre compte que cela s’appliquait aux naissances survenues uniquement à partir de 1900. Pour plus de détails, voir Marc Chagall et son temps : récit documentaire , p. 65.

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26. ↑ Plusieurs peintures de Chagall ont inspiré la comédie musicale ; contrairement à la croyance populaire, le “titre de la comédie musicale ne fait référence à aucune peinture en particulier”. Wecker, Menahem. « Marc Chagall : Le peintre français qui a inspiré le titre Un violon sur le toit » , The Washington Post , 24 octobre 2014
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Liens externes

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Wikimedia Commons a des médias liés à Marc Chagall .

• Marc Chagall Site non officiel
• Site d’art de Marc Chagall
• Page Biélorusses célèbres de Marc Chagall sur le site officiel de la République de Biélorussie
• Floirat, Anetta. 2019, “Marc Chagall (1887–1985) et Igor Stravinsky (1882–1971), un peintre et un compositeur confrontés à des défis similaires du XXe siècle, un parallèle. [version révisée]” , Academia.edu.