Art aborigène australien

L’art indigène australien comprend l’art réalisé par les peuples aborigènes australiens et insulaires du détroit de Torres , y compris des collaborations avec d’autres. Il comprend des œuvres dans un large éventail de supports, notamment la peinture sur feuilles, la peinture sur écorce , la Sculpture sur bois , la Sculpture sur roche , l’ aquarelle , la Sculpture , les vêtements de cérémonie et la peinture sur sable ; l’art des aborigènes australiens qui est antérieur à la colonisation européenne de milliers d’années, jusqu’à nos jours.

Art rupestre Gwion Gwion trouvé dans la région nord-ouest de Kimberley en Australie occidentale Pictogrammes connus sous le nom de Wandjina dans la gorge de Wunnumurra, rivière Barnett , Kimberley, Australie occidentale

Art autochtone traditionnel

Il existe plusieurs types et méthodes utilisés dans la fabrication de l’art aborigène, y compris la peinture rupestre, la Peinture par points , les gravures rupestres, la peinture sur écorce, les sculptures, le tissage et l’art de la ficelle. L’art aborigène australien est la plus ancienne tradition artistique ininterrompue au monde. ^{[1] [2]}

Art de la pierre

Peinture rupestre aborigène au parc national de Namadgi avec un kangourou , des dingos , des émeus , des humains et un échidné ou une tortue Cette photo montre la peinture de Baiame réalisée par un artiste Wiradjuri inconnu dans la “grotte de Baiame”, près de Singleton, NSW. Remarquez la longueur de ses bras qui s’étendent jusqu’aux deux arbres de chaque côté.

L’art rupestre, y compris la peinture et la gravure ou la Sculpture ( Pétroglyphes ), peut être trouvé sur des sites à travers l’Australie. Des exemples d’art rupestre ont été trouvés qui sont censés représenter une mégafaune éteinte telle que Genyornis ^[3] et Thylacoleo à l’ ère du Pléistocène ^[4] ainsi que des événements historiques plus récents tels que l’arrivée de navires européens. ^[5]

On estime que les plus anciens exemples d’ art rupestre , dans la région de Pilbara en Australie-Occidentale et dans le district d’ Olary en Australie-Méridionale , ont jusqu’à environ 40 000 ans. ^[6] La plus ancienne preuve solidement datée de peinture d’art rupestre en Australie est un dessin au fusain sur un petit fragment de roche trouvé lors de l’excavation de l’ abri sous roche de Narwala Gabarnmang dans le sud-ouest de la Terre d’ Arnhem dans le Territoire du Nord . Datée de 28 000 ans, c’est l’une des plus anciennes pièces d’art rupestre connues sur Terre avec une date confirmée. ^[7]On pense que ce fragment décoré a peut-être autrefois fait partie d’une œuvre d’art de plafond plus grande, cependant, la forme du motif original est inconnue. ^[8] Le plus ancien motif d’art rupestre in situ sans ambiguïté daté de manière fiable en Australie est une grande peinture d’un macropode d’un abri sous roche dans la Région de Kimberley en Australie occidentale , datée par radiométrie dans une étude de février 2021 à environ 17 300 ans. ^[9]

L’Art rupestre Gwion Gwion (les “peintures rupestres de Bradshaw”, également appelées Giro Giro” ^[2] ), initialement nommé d’après Joseph Bradshaw , qui les a signalées pour la première fois en 1891, consiste en une série de peintures rupestres sur des grottes dans la région de Kimberley d’Australie-Occidentale [ ^7] Une étude de 2020 situe cet art à environ 12 000 ans ^{[10] [11]}

Les figures de Maliwawa ont été documentées dans une étude dirigée par Paul Taçon et publiée dans Australian Archaeology en septembre 2020. ^[12] L’art comprend 572 images sur 87 sites dans le nord-ouest de la Terre d’ Arnhem , de la région d’ Awunbarna (mont Borradaile ^[13] ) jusqu’à la Gamme Wellington . On estime qu’ils ont été dessinés il y a entre 6 000 et 9 400 ans. ^[14] La découverte est décrite comme très rare, non seulement dans le style, mais dans leur représentation de bilbies (non connue historiquement dans la Terre d’Arnhem) ^[15] et la première représentation connue d’un dugong .^[16] L’art, toutes les peintures de couleur rouge à mûrier à l’ exception d’un dessin, et dans un style naturaliste , n’avait pas été décrit dans la littérature avant cette étude. Elles sont grandes et dépeignent les relations entre les hommes et les animaux, un thème rare dans l’art rupestre. Les bilbies, les thylacines et les dugongs ont disparu de la terre d’Arnhem depuis des millénaires. L’art a été vu pour la première fois par les chercheurs de 2008-2009, mais n’a été étudié que dans le cadre de recherches sur le terrain de 2016 à 2018. Les personnages ont été nommés par Ronald Lamilami, un Propriétaire traditionnel senior . ^{[13] [17]}Selon Tacon, “Les figures dos à dos de Maliwawa sont les plus anciennes connues de l’ouest de la Terre d’Arnhem et il semble que cette convention de peinture ait commencé avec le style Maliwawa. Elle se poursuit jusqu’à présent avec des peintures sur écorce et des peintures sur papier”. ^[18] Taçon établit des comparaisons entre les Figures de Maliwawa et le style des Figures dynamiques de George Chaloupka , où le sujet se compose d’environ 89 % d’humains, contre 42 % des Figures de Maliwawa. ^[19] Il y a, cependant, beaucoup de complexité et de débat concernant la classification du style d’art rupestre dans la Terre d’Arnhem. ^{[12] [20]}

D’autres sites d’art rupestre peint incluent Laura, Queensland , ^[21] Ubirr , dans le parc national de Kakadu , ^[22] Uluru , ^[23] et Carnarvon Gorge . ^[24]

La gravure rupestre, ou Pétroglyphes , est créée par des méthodes qui varient selon le type de roche utilisé et d’autres facteurs. Il existe plusieurs types d’art rupestre à travers l’Australie, dont le plus célèbre est Murujuga en Australie occidentale , les gravures rupestres de Sydney autour de Sydney en Nouvelle-Galles du Sud et l’ art rupestre Panaramitee en Australie centrale . Les gravures de Toowoomba , représentant des animaux et des humains sculptés, ont leur propre style particulier que l’on ne trouve nulle part ailleurs en Australie. ^{[ citation nécessaire ]}

On dit que les gravures rupestres de Murujuga constituent la plus grande collection de Pétroglyphes au monde ^[25] et comprennent des images d’animaux disparus tels que le thylacine. L’activité avant la dernière période glaciaire jusqu’à la colonisation est enregistrée.

Arrangements de pierres

Les arrangements de pierre aborigènes sont une forme d’art rupestre construit par les aborigènes australiens. Généralement, ils sont constitués de pierres, dont chacune peut avoir une taille d’environ 30 cm, disposées selon un motif s’étendant sur plusieurs mètres ou dizaines de mètres. Chaque pierre est bien ancrée dans le sol et beaucoup ont des “pierres de déclenchement” pour les soutenir. Des exemples particulièrement beaux se trouvent dans l’état de Victoria , où certains exemples ont de très grosses pierres. Par exemple, l’arrangement de pierres de Wurdi Youang se compose d’environ 100 pierres disposées dans un ovale en forme d’œuf d’environ 50 mètres (160 pieds) de diamètre. ^{[ citation nécessaire ]} L’apparence du site est similaire à celle des Cercles de pierres mégalithiques trouvés partoutGrande- Bretagne (bien que la fonction et la culture soient vraisemblablement complètement différentes). Bien que son association avec les aborigènes australiens soit bien authentifiée et sans aucun doute, le but n’est pas clair, bien qu’il puisse avoir un lien avec les Rites d’initiation . Il a également été suggéré que le site aurait pu être utilisé à des fins astronomiques. ^[26] Des arrangements de pierre plus petits se trouvent dans toute l’Australie, comme ceux près de Yirrkala , qui dépeignent des images précises des praus utilisés par les pêcheurs et les lanceurs de lance de Macassan Trepang . ^{[ citation nécessaire ]}

Sculptures sur bois

La Sculpture sur bois a toujours été une partie essentielle de la culture aborigène, nécessitant du bois, de la pierre tranchante à tailler, du fil de fer et du feu. Le fil et le feu ont été utilisés pour créer des motifs sur l’objet en chauffant le fil avec le feu et en le plaçant sur la Sculpture sur bois.

Des sculptures sur bois telles que celles de l’artiste d’Australie centrale Erlikilyika en forme d’animaux étaient parfois échangées avec des Européens contre des marchandises. La raison pour laquelle les aborigènes fabriquaient des sculptures sur bois était d’aider à raconter leurs histoires de rêve et de transmettre les traditions de leur groupe et des informations essentielles sur leur pays et leurs coutumes. Ils étaient également utilisés lors de cérémonies , comme l’ ilma .

Les aborigènes des îles Tiwi ont traditionnellement sculpté des poteaux funéraires pukumani ^[27] et, depuis les années 1960, sculptent et peignent des figures en bois de fer. ^[28]

Textiles

Dans la plupart des régions du Pacifique, les hommes supervisent l’art et l’architecture ; les femmes supervisent l’art en tissu feutré qu’elles fabriquaient à partir d’écorces d’arbres et de plantes. L’art vestimentaire est supervisé par la chef femme en charge de la production. Ces vêtements détaillés étaient portés pour les rituels ; chacun représentait la richesse et le rang dans le groupe. Le vêtement sacré est également utilisé dans le commerce de marchandises et les relations sociales et politiques. Porter le textile puis le retirer et le donner à une autre personne aidait à créer des liens ou à renforcer des amitiés ou des alliances. ^[29]

Paniers et tissage

Des paniers , parfois des paniers enroulés , ont été créés en tordant de l’écorce, des feuilles de palmier et des plumes; certains des paniers étaient simples et certains ont été créés avec des pendentifs en plumes ou des plumes tissées dans le cadre du panier. Les artistes ont utilisé des colorants minéraux et végétaux pour colorer les feuilles de palmier et l’écorce de l’hibiscus. Ces sacs et paniers en ficelle étaient utilisés lors de cérémonies pour des besoins religieux et rituels; les paniers servaient peut-être aussi à ramener des choses au village. ^[30]

La vannerie est traditionnellement pratiquée par les femmes de nombreux peuples aborigènes australiens à travers le continent depuis des siècles. ^{[31] [32] [33] [34]}

Bijoux

Les aborigènes ont créé des pendentifs en coquillage considérés comme de grande valeur et souvent utilisés pour le commerce de marchandises. Ces coquillages étaient attachés à de la ficelle faite à la main à partir de cheveux humains et parfois recouverte d’une sorte de graisse et d’ ocre rouge . Ces bijoux étaient parfois suspendus autour du cou ou de la taille d’un homme pour être utilisés lors de cérémonies. ^[35]

Fosses d’ocre dans le centre de l’Australie où une variété de pigments de terre argileuse ont été obtenus

Kalti pari

La Sculpture Kalti paarti est une forme d’art traditionnel réalisée en sculptant des œufs d’émeu. Elle n’est pas aussi ancienne que certaines autres techniques, ayant vu le jour au XIXe siècle. ^[36]

Symboles

Certains symboles du mouvement de l’art moderne aborigène conservent la même signification d’une région à l’autre, bien que la signification des symboles puisse changer dans le contexte d’une peinture. Lorsqu’ils sont visualisés en monochrome, d’autres symboles peuvent sembler similaires, tels que les cercles dans les cercles, parfois représentés seuls, de manière clairsemée ou en groupes groupés. Selon le groupe dont l’artiste est membre, des symboles tels que feu de camp, arbre, colline, trou de creusement, point d’eau ou source peuvent avoir une signification différente. L’utilisation du symbole peut être clarifiée davantage par l’utilisation de la couleur, comme l’eau représentée en bleu ou en noir.

De nombreuses peintures d’artistes aborigènes, comme celles qui représentent une histoire de Rêve, sont montrées d’un point de vue aérien. Le récit suit la configuration de la terre, telle qu’elle a été créée par les êtres ancestraux dans leur voyage ou lors de la création. L’interprétation moderne est une réinterprétation des chants, des cérémonies, de l’art rupestre, de l’art corporel et des cérémonies (telles que l’awelye ) qui était la norme pendant plusieurs milliers d’années.

Quelle que soit la signification, les interprétations des symboles doivent être faites dans le contexte de l’ensemble du tableau, de la région d’origine de l’artiste, de l’histoire derrière le tableau et du style du tableau. ^{[ citation nécessaire ]}

Aspects religieux et culturels de l’art aborigène

Art aborigène à Uluru Art aborigène représentant des poissons barramundi

Certains sites naturels leur étaient sacrés et étaient également le lieu où se déroulaient les rituels saisonniers. Au cours de ces rituels, les aborigènes ont créé des œuvres d’art telles que des objets en plumes et en fibres, ils ont peint et créé des gravures rupestres, et ont également peint sur l’écorce des arbres Eucalyptus tetrodonta . Alors que les histoires différaient entre les clans, les groupes linguistiques et les groupes plus larges, le Dreaming (ou Jukurrpa) est commun à tous les peuples autochtones. Dans le cadre de ces croyances, pendant les temps anciens, les esprits mythiques des ancêtres autochtones étaient les créateurs de la terre et du ciel, et en sont finalement devenus une partie. Les croyances spirituelles des peuples autochtones sous-tendent leurs lois, leurs formes d’art et leurs cérémonies. L’art aborigène traditionnel a presque toujours une connotation mythologique liée au Rêve. ^{[citation nécessaire ]}

Wenten Rubuntja , un artiste paysagiste autochtone, dit qu’il est difficile de trouver un art dépourvu de sens spirituel :

Peu importe le genre de peinture que nous faisons dans ce pays, elle appartient toujours au peuple, à tout le peuple. C’est le culte, le travail, la culture. Tout est Rêve. Il y a deux manières de peindre. Les deux voies sont importantes, parce que c’est la culture. – source The Weekend Australian Magazine , avril 2002

La narration d’histoires et la représentation de totems figurent en bonne place dans toutes les formes d’art aborigène. De plus, la forme féminine, en particulier l’ utérus féminin dans le style des rayons X , figure en bonne place dans certains sites célèbres de la Terre d’ Arnhem . Les styles de rayons X remontent à 2000-1000 avant notre ère. C’est une technique indigène où l’artiste crée des images conceptualisées aux rayons X, transparentes. Les mimi , les esprits qui ont enseigné l’art de la peinture aux peuples autochtones, et les ancêtres sont « libérés » à travers ces types d’œuvres d’art.

Graffitis et autres influences destructrices

De nombreux sites de peintures rupestres aborigènes d’importance culturelle ont été progressivement profanés et détruits par l’empiétement des premiers colons et des visiteurs modernes. Cela comprend la destruction d’œuvres d’art par le défrichement et les travaux de construction, l’érosion causée par le toucher excessif des sites et les graffitis. De nombreux sites appartenant désormais à des parcs nationaux doivent être strictement surveillés par des gardes forestiers, ou fermés au public de façon permanente.

Art Insulaire du détroit de Torres

La mythologie et la culture, profondément influencées par l’océan et la vie naturelle autour des îles, ont toujours influencé les formes d’art traditionnelles. Les tortues , les poissons, les dugongs , les requins, les oiseaux de mer et les crocodiles marins , considérés comme des êtres totémiques , sont fortement représentés. ^[37]

Des coiffes élaborées ou dhari (également orthographié dari ^[38] ), comme présenté sur le drapeau des insulaires du détroit de Torres , sont créées à des fins de danses cérémonielles. ^[39] Le dari était historiquement porté par les guerriers du détroit de Torres au combat. Il est considéré comme un symbole puissant du peuple Insulaire du détroit de Torres, représentant aujourd’hui la paix et l’harmonie. L’ artiste de renommée mondiale Ken Thaiday Snr a créé des dharis élaborés en utilisant des matériaux modernes dans ses œuvres d’art contemporaines. ^[40]

Les insulaires du détroit de Torres sont la seule culture au monde à fabriquer des masques en écaille de tortue , connus sous le nom de krar (écaille de tortue) dans les îles occidentales et le-op (visage humain) dans les îles orientales. ^[41]

Parmi les formes d’art, le wame (alt. wameya ), de nombreuses figures de ficelle différentes, prédomine . ^{[42] [43] [44]}

Les îles ont une longue tradition de Sculpture sur bois , créant des masques et des tambours et sculptant des éléments décoratifs sur ces objets et d’autres à usage cérémoniel. À partir des années 1970, de jeunes artistes commencent leurs études à peu près au même moment où se produit une reconnexion significative aux mythes et légendes traditionnels. Les publications de Margaret Lawrie, Myths and Legends of the Torres Strait (1970) et Tales from the Torres Strait (1972), faisant revivre des histoires presque oubliées, ont beaucoup influencé les artistes. ^{[45] [46]} Alors que certaines de ces histoires avaient été écrites par Haddon après son expédition de 1898 dans le détroit de Torres, ^[47] beaucoup étaient par la suite tombées en désuétude ou avaient été oubliées.

Dans les années 1990, un groupe de jeunes artistes, dont Dennis Nona (né en 1973), a commencé à traduire ces compétences dans des formes plus portables de gravure , de linogravure et de gravure , ainsi que dans des sculptures en bronze à plus grande échelle . D’autres artistes exceptionnels incluent Billy Missi (1970-2012), connu pour ses linogravures décorées en noir et blanc de la végétation et des écosystèmes locaux, et Alick Tipoti (né en 1975). Ces artistes et d’autres du détroit de Torres ont considérablement élargi les formes d’art indigène en Australie, apportant de superbes compétences en Sculpture mélanésienne ainsi que de nouvelles histoires et de nouveaux sujets. ^[41]Le College of Technical and Further Education de Thursday Island était un point de départ pour les jeunes insulaires souhaitant poursuivre des études en art. Beaucoup ont poursuivi des études d’art, en particulier en gravure, d’abord à Cairns, dans le Queensland , puis à l’ Université nationale australienne dans ce qui est aujourd’hui l’École d’art et de design. D’autres artistes tels que Laurie Nona, Brian Robinson, David Bosun, Glen Mackie, Joemen Nona, Daniel O’Shane et Tommy Pau sont connus pour leur travail de gravure. ^[48]

Une exposition du travail d’Alick Tipoti, intitulée Zugubal , a été montée à la Cairns Regional Gallery en juillet 2015. ^{[49] [50]}

Art autochtone contemporain

Artistes aborigènes modernes

Photo d’ Albert Namatjira à la Albert Namatjira Gallery , Alice Springs Cultural Precinct, en 2007 Serpent arc-en-ciel de John Mawurndjul , 1991

En 1934, le peintre australien Rex Batterbee a enseigné à l’artiste aborigène Albert Namatjira la peinture de paysage à l’aquarelle de style occidental, ainsi qu’à d’autres artistes aborigènes à la mission Hermannsburg dans le Territoire du Nord . Il est devenu un style populaire, connu sous le nom d’ école de Hermannsburg , et s’est vendu lorsque les peintures ont été exposées à Melbourne, Adélaïde et dans d’autres villes australiennes. Namatjira est devenu le premier citoyen Australien aborigène, en raison de sa renommée et de sa popularité avec ces aquarelles.

En 1966, l’un des dessins de David Malangi a été produit sur le billet d’un dollar australien, à l’origine à son insu. Le paiement ultérieur qui lui a été versé par la Banque de réserve a marqué le premier cas de droit d’auteur aborigène dans la loi australienne sur le droit d’auteur .

En 1988, le mémorial aborigène a été dévoilé à la National Gallery of Australia à Canberra , composé de 200 cercueils en rondins creux , similaires au type utilisé pour les cérémonies mortuaires à Arnhem Land. Il a été réalisé pour le bicentenaire de la Colonisation de l’Australie et est à la mémoire des aborigènes qui sont morts en protégeant leur terre lors d’un conflit avec les colons. Il a été créé par 43 artistes de Ramingining et des communautés voisines. Le chemin qui le traverse représente la rivière Glyde. ^[51]

La même année, le nouveau Parlement de Canberra a ouvert ses portes avec un parvis orné d’un dessin de Michael Nelson Tjakamarra , posé en mosaïque.

Le regretté Rover Thomas est un autre artiste aborigène australien moderne bien connu. Né en Australie-Occidentale, il a représenté l’Australie à la Biennale de Venise en 1990. Il a connu et encouragé d’autres artistes désormais bien connus à peindre, dont Queenie McKenzie de la région de East Kimberley / Warmun, tout en ayant une forte influence sur les œuvres de Paddy Bedford et Freddy Timms .

À la fin des années 1980 et au début des années 1990, le travail d’ Emily Kngwarreye , de la communauté Utopia au nord-est d’ Alice Springs , est devenu très populaire. Bien qu’elle ait été impliquée dans l’artisanat pendant la majeure partie de sa vie, ce n’est qu’à l’âge de 80 ans qu’elle a été reconnue comme peintre. Ses œuvres incluent la Création de la Terre . Ses styles, qui changeaient chaque année, ont été considérés comme un mélange d’aborigène traditionnel et d’australien contemporain. Sa montée en popularité a préfiguré celle de nombreux artistes autochtones du centre, du nord et de l’ouest de l’Australie, comme la nièce de Kngwarreye, Kathleen Petyarre , Angelina Pwerle , Minnie Pwerle , Dorothy Napangardi., Lena Pwerle et des dizaines d’autres, dont toutes les œuvres sont devenues très recherchées. La popularité de ces artistes souvent âgés, et la pression qui en résulte sur eux et leur santé, est devenue un tel problème que certains centres d’art ont cessé de vendre les peintures de ces artistes en ligne, plaçant plutôt des clients potentiels sur une liste d’attente pour du travail. ^[52]

Les artistes actuels en vogue incluent Jacinta Hayes, populaire pour sa représentation emblématique de “Bush Medicine Leaves” et “Honey Ants”, Rex Sultan (qui a étudié avec Albert Namatjira), Trephina Sultan et Reggie Sultan, Bessie Pitjara et Joyce Nakamara, entre autres. ^[53]

Malgré les inquiétudes concernant l’offre et la demande de peintures, l’éloignement de nombreux artistes et les problèmes de pauvreté et de santé rencontrés dans les communautés, il existe des estimations répandues d’une industrie d’une valeur de près d’un demi-milliard de dollars australiens chaque année et en croissance rapide. ^[54]

Papunya Tula et la “Peinture par points“

En 1971-1972, le professeur d’art Geoffrey Bardon a encouragé les aborigènes de Papunya , au nord-ouest d’Alice Springs, à mettre leurs rêves sur toile. Ces histoires avaient auparavant été dessinées sur le sable du désert et avaient maintenant une forme plus permanente.

Les points étaient utilisés pour couvrir les cérémonies secrètes et sacrées. À l’origine, les artistes de Tula ont réussi à former leur propre entreprise avec un nom aborigène, Papunya Tula Artists Pty Ltd, ^[55] mais une période de désillusion a suivi alors que les artistes étaient critiqués par leurs pairs pour avoir trop révélé leur héritage sacré. Des dessins secrets limités à un contexte rituel étaient désormais sur la place du marché, rendus visibles par la peinture aborigène australienne. Une grande partie de l’art aborigène exposé dans les boutiques touristiques remonte à ce style développé à Papunya. Le plus célèbre des artistes issus de ce mouvement était Clifford Possum Tjapaltjarri . Également de ce mouvement, Johnny Warangkula , dont Water Dreaming at Kalipinyavendu deux fois à un prix record, la deuxième fois à 486 500 $ en 2000.

La collection Papunya du National Museum of Australia contient plus de 200 artefacts et peintures, y compris des exemples de peintures par points des années 1970. ^[56]

Questions

Albert Namatjira faisant le plein pour un voyage à Alice Springs, vers 1948

Il y a eu des cas de certains marchands exploiteurs (connus sous le nom de carpetbaggers) qui ont cherché à profiter du succès des mouvements artistiques aborigènes. Depuis l’époque de Geoffrey Bardon et dans les premières années du mouvement Papunya, on s’est inquiété de l’exploitation des artistes largement analphabètes et non anglophones.

L’une des principales raisons pour lesquelles le mouvement Yuendumu a été créé, puis a prospéré, était due au sentiment d’exploitation parmi les artistes :

“Beaucoup d’artistes qui ont joué un rôle crucial dans la fondation du centre d’art étaient conscients de l’intérêt croissant pour l’art aborigène au cours des années 1970 et avaient observé avec inquiétude et curiosité les développements du mouvement artistique à Papunya parmi les personnes auxquelles ils étaient proches. Il y avait aussi un marché privé croissant pour l’art aborigène à Alice Springs. Les expériences des artistes sur le marché privé étaient marquées par des sentiments de frustration et un sentiment d’impuissance lorsque les acheteurs refusaient de payer des prix qui reflétaient la valeur du Jukurrpa ou montraient peu La création de Warlukurlangu était un moyen de garantir aux artistes un certain contrôle sur l’achat et la distribution de leurs peintures. ^[57]

D’autres cas d’exploitation incluent : ^[58]

• peinture pour un citron (voiture): “Des artistes sont venus me voir et ont sorti des photos de voitures avec des numéros de téléphone portable au dos. On leur demande de peindre 10 à 15 toiles en échange d’une voiture. Quand les ‘Toyota’ se matérialisent , ils arrivent souvent avec un pneu crevé, pas de pièces de rechange, pas de cric, pas de carburant.”
• s’attaquer à un artiste malade : “Même venir en ville pour un traitement médical, comme la dialyse, peut faire d’un artiste une proie facile pour les marchands désireux de faire un profit rapide qui se rassemblent à Alice Springs”
• poursuivant un artiste célèbre: “La regrettée (grande) Emily Kngwarreye … a été poursuivie sans relâche par des ensacheurs de tapis vers la fin de sa carrière et a produit une œuvre importante mais incohérente.” Selon Sotheby’s “Nous prenons environ une peinture sur 20 d’elle, et avec celles dont nous recherchons la provenance, nous pouvons être sûrs à 100%.”

En mars 2006, l’ABC a rapporté que la fraude artistique avait frappé les mouvements d’art aborigène d’Australie occidentale. Des allégations ont été faites de conditions semblables à des ateliers clandestins, de fausses œuvres de routards anglais, de prix excessifs et d’artistes posant pour des photographies d’œuvres d’art qui n’étaient pas les leurs. Un détective sur l’affaire a déclaré:

“Les gens en profitent clairement… Surtout les personnes âgées. Je veux dire, ce sont des gens qui, ils ne sont pas éduqués, ils n’ont pas eu beaucoup de contacts avec les Blancs. Ils n’ont aucune véritable compréhension de base, vous savez, de la loi et même du droit des affaires. Évidemment, ils n’ont pas vraiment le sens des affaires. Un dollar n’a pas vraiment de sens pour eux, et je pense que traiter quelqu’un comme ça, c’est juste… ce n’est tout simplement pas sur dans ce pays.” ^[59]

En août 2006, à la suite de préoccupations soulevées au sujet de pratiques contraires à l’éthique dans le secteur de l’art autochtone, le Sénat australien a lancé une enquête ^[60] sur les problèmes du secteur. Marion Scrymgour , ministre de l’Art du Territoire du Nord, a déclaré que les routards étaient souvent les artistes d’art aborigène vendus dans les boutiques touristiques d’Australie :

“Le matériel qu’ils appellent l’art aborigène est presque exclusivement l’œuvre de faussaires, de faussaires et de fraudeurs. Leur travail se cache derrière de fausses descriptions et des conceptions douteuses. L’écrasante majorité de ceux que vous voyez dans les magasins à travers le pays, sans parler de Darling, sont des contrefaçons. , pur et simple. Il y a des preuves anecdotiques ici à Darwin au moins, ils ont été peints par des routards travaillant sur la production de bois à l’échelle industrielle. ^[61]

Le rapport final de l’enquête ^[62] a formulé des recommandations pour modifier le financement et la gouvernance du secteur, y compris un code de pratique.

Mouvements et coopératives artistiques autochtones

Les mouvements et les coopératives artistiques indigènes australiennes ont joué un rôle central dans l’émergence de l’art indigène australien. Alors que de nombreux artistes occidentaux poursuivent une formation formelle et travaillent en tant qu’individus, la plupart de l’art autochtone contemporain est créé dans des groupes communautaires et des centres d’art. ^[63]

De nombreux centres exploitent des galeries d’art en ligne où les visiteurs locaux et internationaux peuvent acheter des œuvres directement auprès des communautés sans avoir besoin de passer par un intermédiaire. Les coopératives reflètent la diversité de l’art à travers l’Australie indigène de la région du nord-ouest où l’ocre est largement utilisé; au nord tropical où l’utilisation de hachures croisées prévaut; au style d’art Papunya des coopératives centrales du désert. L’art devient de plus en plus une source importante de revenus et de moyens de subsistance pour certaines de ces communautés.

Récompenses

Le président américain George W. Bush examine une peinture sur l’écorce de Yirrkala à l’ Australian National Maritime Museum , 2007.

Les gagnants des West Australian Indigenous Arts Awards ont été annoncés le 22 août 2013. Parmi plus de 137 nominations de toute l’Australie, Churchill Cann a remporté le prix de la meilleure pièce d’Australie occidentale (10 000 $ australiens) et l’artiste du nord du Queensland Brian Robinson a remporté le prix du meilleur ensemble (50 000 $ australiens). ). ^[64]

Expressions culturelles traditionnelles

Les connaissances traditionnelles et les expressions culturelles traditionnelles sont deux types de connaissances autochtones , selon les définitions et la terminologie utilisées dans la Déclaration des Nations Unies sur les droits des peuples autochtones et par le Comité intergouvernemental de la propriété intellectuelle et des ressources génétiques de l’Organisation mondiale de la propriété intellectuelle (OMPI). , savoirs traditionnels et folklore. ^[65]Les “expressions culturelles traditionnelles” sont utilisées par l’OMPI pour désigner “toute forme d’expression artistique et littéraire dans laquelle la culture et les savoirs traditionnels s’incarnent. Ils sont transmis d’une génération à l’autre et comprennent les textiles faits à la main, les peintures, les contes, les légendes, cérémonies, musique, chants, rythmes et danse”. ^[66]

L’avocate australienne Terri Janke , autorité internationale de premier plan en matière de propriété culturelle et intellectuelle autochtone , affirme qu’au sein des communautés autochtones australiennes, “l’utilisation du mot ‘traditionnel’ a tendance à ne pas être préférée car elle implique que la culture autochtone est enfermée dans le temps”. ^[65]

L’art aborigène dans les musées internationaux

L’art indigène australien a été beaucoup étudié ces dernières années et a acquis une grande reconnaissance internationale. ^[67]

Le Musée d’art aborigène australien “La grange” (à Neuchâtel, Suisse) est l’un des rares musées en Europe qui se consacre entièrement à ce genre d’art. Lors des expositions saisonnières, des œuvres d’art d’artistes de renommée internationale sont présentées. En outre, le Musée du Quai Branly, Paris, possède une collection “Océanie”, ^[68] qui comprend des œuvres d’artistes aborigènes australiens Lena Nyadbi , Paddy Nyunkuny Bedford, Judy Watson, Gulumbu Yunupingu, John Mawurndjul, Tommy Watson, Ningura Napurrula et Michael Riley. ^[69]

Deux musées qui exposent uniquement l’art aborigène australien sont le Musée d’art aborigène contemporain , ou Museum voor hedendaagse Aboriginal kunst, (AAMU), à Utrecht , ^[70] Pays-Bas, et la Collection d’art aborigène Kluge-Ruhe de l’ Université de Virginie . ^{[71] [72]}

Voir également

Wikimedia Commons a des médias liés à l’art aborigène australien .

• Art d’Australie
• Sculpture aborigène australienne en fibre
• Zone d’art rupestre de Dampier
• Liste des mouvements et coopératives artistiques autochtones australiens
• Liste des artistes visuels autochtones australiens
• Liste de l’art de l’âge de pierre
• Style panaramite

Références

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Lectures complémentaires

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Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés à l’art aborigène australien .

• Code de l’ art autochtone , le code de l’industrie mis en place pour promouvoir l’intégrité, la transparence et la responsabilité dans le traitement de l’art autochtone
• Répertoire d’art aborigène , une liste complète des centres d’art, des musées, des galeries, ainsi que des nouvelles et des critiques sur l’art aborigène
• “Artistes dans le noir” . Centre de droit des arts d’Australie . 18 janvier 2019.
• Association des artistes aborigènes du Nord, du Kimberley et d’Arnhem ^{[ lien mort permanent ]}
• Association australienne du commerce de l’art indigène
• Prix ​​national d’art aborigène et Insulaire du détroit de Torres : Histoire
• Culture Victoria – images et vidéos liées à l’art et aux artefacts traditionnels
• Guide des centres d’art indigènes du magazine Australian Art Collector
• Art de la rivière Lockhart
• Se souvenir de l’avant. Peinture aborigène australienne depuis 1960 au Musée Ludwig, Cologne, Allemagne
• Discussion on Country, memory and art: Understanding Indigenous art , Howard Morphy, John Carty and Dr Michael Pickering , National Museum of Australia, Audio on demand, 8 décembre 2010
• Papunya Painting: Out of the Desert, exposition en ligne du National Museum of Australia
• Musée d’art aborigène d’Utrecht