Opéra

L’opéra est une forme de théâtre dans laquelle la musique est une composante fondamentale et les rôles dramatiques sont tenus par des chanteurs . Une telle « œuvre » (la traduction littérale du mot italien « opéra ») est généralement une collaboration entre un compositeur et un librettiste ^[1] et intègre un certain nombre d’ arts de la scène , tels que le jeu d’ acteur , le décor , le costume et parfois la danse . ou ballet . Le spectacle est généralement donné dans un opéra , accompagné d’un orchestre ou d’un ensemble musical plus petit., dirigée depuis le début du XIXe siècle par un chef d’ orchestre . Bien que le théâtre musical soit étroitement lié à l’opéra, les deux sont considérés comme distincts l’un de l’autre. ^[2]

La Scala de Milan Palais Garnier de l’ Opéra de Paris Macbeth au Festival d’ opéra de Savonlinna au Château Saint-Olaf , Savonlinna , Finlande, en 2007

L’ opéra est un élément clé de la tradition de la musique classique occidentale . ^[3] À l’origine compris comme une pièce entièrement chantée, contrairement à une pièce de théâtre avec des chansons, l’opéra en est venu à inclure de nombreux genres , dont certains incluent des dialogues parlés tels que le théâtre musical , le Singspiel et l’ Opéra comique . Dans l’ opéra numéroté traditionnel , les chanteurs emploient deux styles de chant : le récitatif , un style fléchi par la parole, ^[4] et des arias autonomes . Le XIXe siècle a vu l’essor du drame musical continu .

L’ opéra est né en Italie à la fin du XVIe siècle (avec la Dafne en grande partie perdue de Jacopo Peri , réalisée à Florence en 1598) notamment à partir d’œuvres de Claudio Monteverdi , notamment L’Orfeo , et s’est rapidement répandu dans le reste de l’Europe : Heinrich Schütz en Allemagne, Jean-Baptiste Lully en France et Henry Purcell en Angleterre ont tous contribué à établir leurs traditions nationales au XVIIe siècle. Au XVIIIe siècle, l’opéra italien continue de dominer la majeure partie de l’Europe (à l’exception de la France), attirant des compositeurs étrangers tels que George Frideric Handel . Opéra série était la forme la plus prestigieuse de l’opéra italien, jusqu’à ce que Christoph Willibald Gluck réagisse contre son caractère artificiel avec ses opéras “réformés” dans les années 1760. La figure la plus connue de l’opéra de la fin du XVIIIe siècle est Wolfgang Amadeus Mozart , qui a commencé par l’opéra seria mais qui est surtout connu pour ses opéras comiques italiens , en particulier Le Mariage de Figaro ( Le nozze di Figaro ), Don Giovanni et Così fan tutte . ainsi que Die Entführung aus dem Serail ( L’Enlèvement au sérail ), et La Flûte enchantée ( Die Zauberflöte ), repères de la tradition allemande.

Le premier tiers du XIXe siècle a vu l’ apogée du style bel canto , avec Gioachino Rossini , Gaetano Donizetti et Vincenzo Bellini créant tous des œuvres emblématiques de ce style. Il a également vu l’avènement du grand opéra caractérisé par les œuvres de Daniel Auber et Giacomo Meyerbeer ainsi que l’introduction par Carl Maria von Weber de German Romantische Oper (opéra romantique allemand). Le milieu à la fin du XIXe siècle a été un âge d’or de l’opéra, dirigé et dominé par Giuseppe Verdi en Italie et Richard Wagner en Allemagne. La popularité de l’opéra s’est poursuivie tout au long de laère du vérisme en Italie et de l’ opéra français contemporain jusqu’à Giacomo Puccini et Richard Strauss au début du XXe siècle. Au cours du XIXe siècle, des traditions lyriques parallèles ont émergé en Europe centrale et orientale, en particulier en Russie et en Bohême . Le XXe siècle a vu de nombreuses expériences avec des styles modernes, tels que l’ atonalité et le sérialisme ( Arnold Schoenberg et Alban Berg ), le néoclassicisme ( Igor Stravinsky ) et le minimalisme ( Philip Glass et John Adams). Avec l’essor de la technologie d’enregistrement , des chanteurs comme Enrico Caruso et Maria Callas se sont fait connaître d’un public beaucoup plus large qui dépassait le cercle des amateurs d’opéra. Depuis l’invention de la radio et de la télévision, des opéras ont également été joués sur (et écrits pour) ces médias. À partir de 2006, un certain nombre de grandes maisons d’opéra ont commencé à présenter des transmissions vidéo haute définition en direct de leurs performances dans les cinémas du monde entier. Depuis 2009, des performances complètes peuvent être téléchargées et sont diffusées en direct .

Terminologie lyrique

Les paroles d’un opéra sont connues sous le nom de livret (littéralement “petit livre”). Certains compositeurs, notamment Wagner, ont écrit leurs propres livrets ; d’autres ont travaillé en étroite collaboration avec leurs librettistes, par exemple Mozart avec Lorenzo Da Ponte . L’opéra traditionnel, souvent appelé ” opéra des nombres “, se compose de deux modes de chant : le récitatif , les passages de l’intrigue chantés dans un style conçu pour imiter et souligner les inflexions de la parole, ^[4] et aria(un “air” ou chant formel) dans lequel les personnages expriment leurs émotions dans un style mélodique plus structuré. Des duos vocaux, des trios et d’autres ensembles se produisent souvent, et des chœurs sont utilisés pour commenter l’action. Dans certaines formes d’opéra, comme le singspiel , l’ opéra-comique , l’ opérette et le semi-opéra , le récitatif est principalement remplacé par un dialogue parlé. Les passages mélodiques ou semi-mélodiques apparaissant au milieu ou à la place d’un récitatif sont également appelés arioso . La terminologie des différents types de voix d’opéra est décrite en détail ci- dessous . ^[5] Pendant les périodes baroque et classique, le récitatif pouvait apparaître sous deux formes de base, chacune accompagnée d’un ensemble instrumental différent : le récitatif secco (sec), chanté avec un rythme libre dicté par l’accent des mots, accompagné uniquement de la basse continue , qui était généralement un clavecin et un violoncelle ; ou accompagnato (également connu sous le nom de strumentato ) dans lequel l’orchestre a fourni l’accompagnement. Au cours du XVIIIe siècle, les airs sont de plus en plus accompagnés par l’orchestre. Au 19ème siècle, accompagnatoavait pris le dessus, l’orchestre joua un rôle beaucoup plus important et Wagner révolutionna l’opéra en abolissant presque toute distinction entre air et récitatif dans sa quête de ce que Wagner appelait « la mélodie sans fin ». Les compositeurs ultérieurs ont eu tendance à suivre l’exemple de Wagner , bien que certains, comme Stravinsky dans son The Rake’s Progress, aient résisté à la tendance. L’ évolution du rôle de l’ orchestre dans l’ opéra est décrite plus en détail ci – dessous .

Histoire

Origines

Claudio Monteverdi

Le mot italien opéra signifie “travail”, à la fois dans le sens du travail accompli et du résultat produit. Le mot italien dérive du mot latin opera , un nom singulier signifiant “travail” et aussi le pluriel du nom opus . Selon l’ Oxford English Dictionary , le mot italien a été utilisé pour la première fois dans le sens de “composition dans laquelle la poésie, la danse et la musique sont combinées” en 1639 ; le premier usage anglais enregistré dans ce sens remonte à 1648. ^[6]

Dafne de Jacopo Peri était la première composition considérée comme un opéra, tel qu’on le comprend aujourd’hui. Il a été écrit vers 1597, en grande partie sous l’inspiration d’un cercle d’élite d’ humanistes florentins lettrés qui se sont réunis sous le nom de ” Camerata de’ Bardi “. De manière significative, Dafne était une tentative de faire revivre le drame grec classique , une partie de la renaissance plus large de l’antiquité caractéristique de la Renaissance . Les membres de la Camerata considéraient que les parties de «chœur» des drames grecs étaient à l’origine chantées, et peut-être même le texte entier de tous les rôles; l’opéra a donc été conçu comme un moyen de “restaurer” cette situation. Dafné,cependant, est perdu. Une œuvre ultérieure de Peri, Euridice , datant de 1600, est la première partition d’opéra à avoir survécu jusqu’à nos jours. Cependant, l’honneur d’être le premier opéra encore régulièrement joué revient à L’Orfeo de Claudio Monteverdi , composé pour la cour de Mantoue en 1607. ^[7] La ​​cour de Mantoue des Gonzagas , patrons de Monteverdi, joua un rôle important rôle dans l’origine de l’opéra employant non seulement des chanteurs de cour du concerto delle donne (jusqu’en 1598), mais aussi l’une des premières “chanteuses d’opéra” réelles, Madama Europa . ^[8]

opéra italien

Époque baroque Antonio Vivaldi , en 1723 Théâtre baroque privé à Český Krumlov Teatro Argentina ( Panini , 1747, Musée du Louvre )

L’opéra ne resta pas longtemps confiné au public de la cour. En 1637, l’idée d’une “saison” (souvent pendant le carnaval ) d’opéras publics soutenus par la vente de billets émerge à Venise . Monteverdi s’était installé dans la ville depuis Mantoue et avait composé ses derniers opéras, Il ritorno d’Ulisse in patria et L’incoronazione di Poppea , pour le théâtre vénitien dans les années 1640. Son disciple le plus important , Francesco Cavalli , a contribué à la diffusion de l’opéra dans toute l’Italie. Dans ces premiers opéras baroques, la large comédie était mélangée à des éléments tragiques dans un mélange qui a secoué certaines sensibilités éduquées, déclenchant le premier des nombreux mouvements de réforme de l’opéra, parrainé par l’ Arcadian Academy ., qui fut associé au poète Metastasio , dont les livrets contribuèrent à cristalliser le genre de l’ opera seria , qui devint la forme dominante de l’opéra italien jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Une fois l’idéal métastasien solidement établi, la comédie dans l’opéra de l’époque baroque était réservée à ce que l’on a appelé l’ opéra buffa . Avant que de tels éléments ne soient chassés de l’opéra seria, de nombreux livrets avaient présenté une intrigue comique se déroulant séparément comme une sorte d ‘«opéra dans un opéra». L’une des raisons en était une tentative d’attirer des membres de la classe marchande croissante, nouvellement riches, mais toujours pas aussi cultivés que la noblesse, dans les opéras publics.. Ces intrigues séparées ont été presque immédiatement ressuscitées dans une tradition se développant séparément qui dérivait en partie de la commedia dell’arte , une tradition scénique d’improvisation florissante de l’Italie. Tout comme l’intermedi avait autrefois été joué entre les actes de pièces de théâtre, les opéras du nouveau genre comique des intermezzi , qui se sont largement développés à Naples dans les années 1710 et 1720, ont d’abord été mis en scène pendant les entractes de l’opéra seria. Cependant, ils sont devenus si populaires qu’ils ont rapidement été proposés en tant que productions distinctes.

L’opéra seria avait un ton élevé et une forme très stylisée, consistant généralement en un récitatif secco entrecoupé de longs airs da capo . Ceux-ci offraient une grande opportunité pour le chant virtuose et pendant l’âge d’or de l’ opéra seria , le chanteur devenait vraiment la star. Le rôle du héros était généralement écrit pour la voix aiguë du castrat masculin, qui était produite par la castration du chanteur avant la puberté , ce qui empêchait le larynx d’ un garçon de se transformer à la puberté. Castrati tels que Farinelli et Senesino , ainsi que des sopranos féminines telles que Faustina Bordoni, est devenu très demandé dans toute l’Europe alors que l’ opéra seria dominait la scène dans tous les pays sauf la France. Farinelli était l’un des chanteurs les plus célèbres du XVIIIe siècle. L’opéra italien a établi la norme baroque. Les livrets italiens étaient la norme, même lorsqu’un compositeur allemand comme Haendel se retrouvait à composer Rinaldo et Giulio Cesare pour le public londonien. Les livrets italiens sont également restés dominants à l’ époque classique , par exemple dans les opéras de Mozart , qui a écrit à Vienne vers la fin du siècle. Parmi les principaux compositeurs italiens d’opéra seria figurent Alessandro Scarlatti ,Antonio Vivaldi et Nicola Porpora . ^[9]

Les réformes de Gluck et Mozart

Mozart K. 527 ( 6 : 49 ) 6:49 Ouverture de Don Giovanni (1787) (6:49 minutes)

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Giuseppe Verdi, de Giovanni Boldini , 1886

Le mouvement de l’opéra bel canto a prospéré au début du XIXe siècle et est illustré par les opéras de Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante et bien d’autres. Littéralement “beau chant”, l’opéra bel canto dérive de l’école de chant stylistique italienne du même nom. Les lignes de bel canto sont généralement fleuries et complexes, nécessitant une agilité et un contrôle de hauteur suprêmes. Des exemples d’opéras célèbres dans le style bel canto incluent Il barbiere di Siviglia et La Cenerentola de Rossini , ainsi que Norma , La sonnambula et I puritani de Bellini.et Lucia di Lammermoor de Donizetti , L’elisir d’amore et Don Pasquale .

La donna est mobile ( 2 : 10 ) 2:10 Enrico Caruso chante ” La donna è mobile “, extrait du Rigoletto de Giuseppe Verdi (1908) Pas de Pagliaccio non-fils ( 3 : 19 ) 3:20 Air des Pagliacci de Ruggero Leoncavallo . Interprété par Enrico Caruso

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Après l’ère du bel canto, un style plus direct et énergique est rapidement popularisé par Giuseppe Verdi , à commencer par son opéra biblique Nabucco . Cet opéra, et ceux qui suivront dans la carrière de Verdi, révolutionnent l’opéra italien, le transformant d’un simple feu d’artifice vocal, avec les œuvres de Rossini et Donizetti, en une narration dramatique. Les opéras de Verdi ont résonné avec l’esprit croissant du nationalisme italien à l’époque post- napoléonienne , et il est rapidement devenu une icône du mouvement patriotique pour une Italie unifiée. Au début des années 1850, Verdi produit ses trois opéras les plus populaires : Rigoletto , Il trovatore et La traviata . Le premier d’entre eux,Rigoletto , s’est révélé le plus audacieux et le plus révolutionnaire. Dans celui-ci, Verdi brouille la distinction entre l’air et le récitatif comme jamais auparavant, faisant de l’opéra “une suite interminable de duos”. La traviata était aussi romanesque. Il raconte l’histoire de la courtisane et est souvent cité comme l’un des premiers opéras “réalistes”, ^{[ citation nécessaire ]} car plutôt que de mettre en scène de grands rois et des personnages de la littérature, il se concentre sur les tragédies de la vie ordinaire et de la société. Après ceux-ci, il a continué à développer son style, composant peut-être le plus grand grand opéra français , Don Carlos , et terminant sa carrière avec deux œuvres inspirées de Shakespeare , Otello etFalstaff , qui révèlent à quel point l’opéra italien s’est perfectionné depuis le début du XIXe siècle. Ces deux dernières œuvres ont montré Verdi à son orchestre le plus magistral, et sont à la fois incroyablement influentes et modernes. Dans Falstaff , Verdi établit la norme prééminente pour la forme et le style qui domineront l’opéra tout au long du XXe siècle. Plutôt que de longues mélodies suspendues, Falstaffcontient de nombreux petits motifs et devises qui, plutôt que d’être développés, sont introduits puis abandonnés, pour être repris plus tard. Ces motifs ne sont jamais développés, et tout comme le public s’attend à ce qu’un personnage se lance dans une longue mélodie, un nouveau personnage parle, introduisant une nouvelle phrase. Cette mode de l’opéra a dirigé l’opéra à partir de Verdi, exerçant une influence considérable sur ses successeurs Giacomo Puccini , Richard Strauss et Benjamin Britten . ^[16]

Après Verdi, le mélodrame sentimental “réaliste” du vérisme est apparu en Italie. C’est un style introduit par Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni et Pagliacci de Ruggero Leoncavallo qui a fini par dominer les scènes d’opéra du monde avec des œuvres populaires telles que La bohème de Giacomo Puccini , Tosca et Madama Butterfly . Plus tard, des compositeurs italiens, tels que Berio et Nono , ont expérimenté le modernisme . ^[17]

Opéra de langue allemande

La reine de la nuit dans une production de 1815 de Die Zauberflöte de Mozart

Le premier opéra allemand fut Dafne , composé par Heinrich Schütz en 1627, mais la partition musicale n’a pas survécu. L’opéra italien a exercé une grande influence sur les pays germanophones jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Néanmoins, des formes indigènes se développeront malgré cette influence. En 1644, Sigmund Staden produit le premier Singspiel , Seelewig , une forme populaire d’opéra en langue allemande dans laquelle le chant alterne avec le dialogue parlé. À la fin du XVIIe siècle et au début du XVIIIe siècle, le Theater am Gänsemarkt de Hambourg présentait des opéras allemands de Keizer , Telemann et Haendel .. Pourtant, la plupart des grands compositeurs allemands de l’époque, dont Haendel lui-même, ainsi que Graun , Hasse et plus tard Gluck , ont choisi d’écrire la plupart de leurs opéras en langues étrangères, notamment en italien. Contrairement à l’opéra italien, qui était généralement composé pour la classe aristocratique, l’opéra allemand était généralement composé pour les masses et avait tendance à présenter de simples mélodies folkloriques, et ce n’est qu’à l’arrivée de Mozart que l’opéra allemand a pu égaler son Homologue italien dans la sophistication musicale. ^[18] La compagnie de théâtre d’ Abel Seyler a été la pionnière de l’opéra sérieux en langue allemande dans les années 1770, marquant une rupture avec le divertissement musical plus simple précédent. ^{[19] [20]}

Richard Wagner

Le Singspiele de Mozart , Die Entführung aus dem Serail (1782) et Die Zauberflöte (1791) ont été une percée importante dans la reconnaissance internationale de l’opéra allemand. La tradition a été développée au XIXe siècle par Beethoven avec son Fidelio (1805), inspiré du climat de la Révolution française . Carl Maria von Weber a établi l’opéra romantique allemand en opposition à la domination du bel canto italien . Son Der Freischütz (1821) montre son génie pour créer une atmosphère surnaturelle. D’autres compositeurs d’opéra de l’époque incluent Marschner, Schubert et Lortzing , mais le personnage le plus significatif est sans aucun doute Wagner .

Brünnhilde se jette sur le bûcher funéraire de Siegfried dans Götterdämmerung de Wagner

Wagner était l’un des compositeurs les plus révolutionnaires et les plus controversés de l’histoire de la musique. Commençant sous l’influence de Weber et de Meyerbeer , il a progressivement développé un nouveau concept d’opéra en tant que Gesamtkunstwerk (une “œuvre d’art complète”), une fusion de musique, de poésie et de peinture. Il a considérablement augmenté le rôle et le pouvoir de l’orchestre, créant des partitions avec un réseau complexe de leitmotivs , des thèmes récurrents souvent associés aux personnages et aux concepts du drame, dont des prototypes peuvent être entendus dans ses opéras antérieurs tels que Der fliegende Holländer , Tannhäuser et Lohengrin; et il était prêt à violer les conventions musicales acceptées, telles que la tonalité , dans sa quête d’une plus grande expressivité. Dans ses drames musicaux matures, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen et Parsifal , il a aboli la distinction entre air et récitatif au profit d’un flux continu de “mélodie sans fin”. Wagner a également apporté une nouvelle dimension philosophique à l’opéra dans ses œuvres, qui étaient généralement basées sur des histoires de légendes germaniques ou arthuriennes . Enfin, Wagner a construit son propre opéra à Bayreuth avec une partie du mécénat de Louis II de Bavière, exclusivement dédié à l’exécution de ses propres œuvres dans le style qu’il souhaitait.

L’opéra ne serait plus jamais le même après Wagner et pour de nombreux compositeurs, son héritage s’est avéré un lourd fardeau. D’autre part, Richard Strauss a accepté les idées wagnériennes mais les a prises dans des directions entièrement nouvelles, tout en incorporant la nouvelle forme introduite par Verdi. Il s’illustre d’abord avec la scandaleuse Salomé et la sombre tragédie Elektra , où la tonalité est poussée à l’extrême. Puis Strauss a changé de cap dans son plus grand succès, Der Rosenkavalier , où Mozart et les valses viennoises sont devenus une influence aussi importante que Wagner. Strauss a continué à produire un corpus très varié d’œuvres lyriques, souvent avec des livrets du poète Hugo von Hofmannsthal. Parmi les autres compositeurs qui ont apporté des contributions individuelles à l’opéra allemand au début du XXe siècle, citons Alexander von Zemlinsky , Erich Korngold , Franz Schreker , Paul Hindemith , Kurt Weill et Ferruccio Busoni , d’origine italienne . Les innovations lyriques d’ Arnold Schoenberg et de ses successeurs sont discutées dans la section sur le modernisme . ^[21]

À la fin du XIXe siècle, le compositeur autrichien Johann Strauss II , admirateur des opérettes de langue française composées par Jacques Offenbach , compose plusieurs opérettes de langue allemande, dont la plus célèbre est Die Fledermaus . ^[22] Néanmoins, plutôt que de copier le style d’Offenbach, les opérettes de Strauss II avaient une saveur distinctement viennoise .

opéra français

Une représentation de l’opéra Armide de Lully dans la Salle du Palais-Royal en 1761

Carmen : Chanson du toréador ( 3 : 28 ) 3:29 Interprétation de Pasquale Amato en 1911 de la chanson du Toréador de Carmen de Georges Bizet (1875).

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En rivalité avec les productions d’opéra italiennes importées, une tradition française distincte a été fondée par le compositeur français d’origine italienne Jean-Baptiste Lully à la cour du roi Louis XIV . Malgré son lieu de naissance étranger, Lully fonde une Académie de musique et monopolise l’opéra français à partir de 1672. À partir de Cadmus et Hermione , Lully et son librettiste Quinault créent la tragédie en musique , une forme dans laquelle la musique de danse et l’écriture chorale sont particulièrement importantes. Les opéras de Lully témoignent également d’un souci du récitatif expressif qui épouse les contours de la langue française. Au XVIIIe siècle, le successeur le plus important de Lully futJean-Philippe Rameau , qui a composé cinq tragédies en musique ainsi que de nombreuses œuvres dans d’autres genres comme l’ opéra-ballet , toutes remarquables par leur riche orchestration et leur audace harmonique. Malgré la popularité de l’ opéra seria italien dans une grande partie de l’Europe pendant la période baroque, l’opéra italien n’a jamais pris pied en France, où sa propre tradition lyrique nationale était plutôt plus populaire. ^[23] Après la mort de Rameau, l’Allemand Gluck est persuadé de produire six opéras pour la scène parisiennedans les années 1770. Ils montrent l’influence de Rameau, mais simplifiés et plus axés sur le drame. Dans le même temps, vers le milieu du XVIIIe siècle, un autre genre gagne en popularité en France : l’ opéra comique . C’était l’équivalent du singspiel allemand , où des airs alternaient avec des dialogues parlés. Des exemples notables de ce style ont été produits par Monsigny , Philidor et surtout Grétry . Pendant la période révolutionnaire et napoléonienne , des compositeurs comme Étienne Méhul , Luigi Cherubini et Gaspare Spontini, disciples de Gluck, apportèrent un nouveau sérieux au genre, qui n’avait d’ailleurs jamais été tout à fait « comique ». Un autre phénomène de cette période est « l’opéra de propagande » célébrant les succès révolutionnaires, par exemple Le triomphe de la République de Gossec (1793).

Magdalena Kožená et Jonas Kaufmann dans une scène de Carmen , Festival de Salzbourg 2012

Dans les années 1820, l’influence gluckienne en France avait fait place à un goût pour le bel canto italien , surtout après l’arrivée de Rossini à Paris . Guillaume Tell de Rossini a aidé à fonder le nouveau genre du grand opéra , une forme dont le représentant le plus célèbre était un autre étranger, Giacomo Meyerbeer . Les œuvres de Meyerbeer, comme Les Huguenots , mettaient l’accent sur le chant virtuose et les effets de scène extraordinaires. L’ opéra comique plus léger connaît également un immense succès entre les mains de Boïeldieu , Auber , Hérold et Adam .. Dans ce climat, les opéras du compositeur d’origine française Hector Berlioz peinent à se faire entendre. Le chef-d’œuvre épique de Berlioz, Les Troyens , point culminant de la tradition gluckienne, n’a pas été joué dans son intégralité pendant près d’un siècle.

Dans la seconde moitié du XIXe siècle, Jacques Offenbach crée des opérettes avec des œuvres pleines d’esprit et cyniques comme Orphée aux enfers , ainsi que l’opéra Les Contes d’Hoffmann ; Charles Gounod remporte un énorme succès avec Faust ; et Georges Bizet a composé Carmen , qui, une fois que le public a appris à accepter son mélange de romantisme et de réalisme, est devenu le plus populaire de tous les opéras comiques. Jules Massenet , Camille Saint-Saëns et Léo Delibes ont tous composé des œuvres qui font encore partie du répertoire standard, par exemple celles de MassenetManon , Samson et Dalila de Saint-Saëns et Lakmé de Delibes. Leurs opéras forment un autre genre, l’Opéra Lyrique, mêlant opéra comique et grand opéra. C’est moins grandiose que le grand opéra, mais sans le dialogue parlé de l’opéra comique. Dans le même temps, l’influence de Richard Wagner est ressentie comme un défi à la tradition française. De nombreux critiques français ont rejeté avec colère les drames musicaux de Wagner tandis que de nombreux compositeurs français les ont étroitement imités avec un succès variable. La réponse la plus intéressante est peut-être venue de Claude Debussy . Comme dans les œuvres de Wagner, l’orchestre joue un rôle de premier plan dans l’unique opéra de Debussy Pelléas et Mélisande(1902) et il n’y a pas de vrais airs, seulement des récitatifs. Mais le drame est sobre, énigmatique et complètement non wagnérien.

D’autres noms notables du XXe siècle incluent Ravel , Dukas , Roussel , Honegger et Milhaud . Francis Poulenc est l’un des très rares compositeurs d’après-guerre de toute nationalité dont les opéras (dont Dialogues des Carmélites ) ont pris pied dans le répertoire international. Le long drame sacré d’ Olivier Messiaen Saint François d’Assise (1983) a également attiré l’attention. ^[24]

Opéra de langue anglaise

Henri Purcell

Reste, Prince et écoute ( 0 : 45 ) 0:46 Scène de Didon et Enée de Purcell . Le messager des sorcières, sous la forme de Mercure lui-même, tente de convaincre Enée de quitter Carthage.

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En Angleterre, l’antécédent de l’opéra était la gigue du XVIIe siècle . C’était une réplique qui venait à la fin d’une pièce. Il était souvent diffamatoire et scandaleux et consistait principalement en un dialogue sur une musique arrangée à partir d’airs populaires. À cet égard, les gigues anticipent les opéras-ballades du XVIIIe siècle. Dans le même temps, le masque français s’impose fermement à la cour d’Angleterre, avec une splendeur encore plus somptueuse et des décors très réalistes qu’on ne l’avait vu auparavant. Inigo Jones est devenu le concepteur par excellence de ces productions, et ce style allait dominer la scène anglaise pendant trois siècles. Ces masques contenaient des chants et des danses. Dans Lovers Made Men de Ben Jonson(1617), “tout le masque était chanté à l’italienne, stilo recitativo”. ^[25] L’approche du Commonwealth anglais a fermé des théâtres et a arrêté tous les développements qui pourraient avoir mené à l’établissement d’opéra anglais. Cependant, en 1656, le dramaturge Sir William Davenant réalise Le siège de Rhodes . Comme son théâtre n’était pas autorisé à produire des pièces de théâtre, il a demandé à plusieurs des principaux compositeurs ( Lawes , Cooke , Locke , Coleman et Hudson ) d’en mettre des sections en musique. Ce succès fut suivi de La Cruauté des Espagnols au Pérou (1658) etL’histoire de Sir Francis Drake (1659). Ces pièces ont été encouragées par Oliver Cromwell car elles critiquaient l’Espagne. Avec la Restauration anglaise , les musiciens étrangers (surtout français) sont de retour. En 1673, Psyché de Thomas Shadwell , inspiré de la comédie-ballet du même nom de 1671 réalisée par Molière et Jean-Baptiste Lully . William Davenant a produit The Tempest la même année, qui était la première adaptation musicale d’une pièce de Shakespeare (composée par Locke et Johnson). ^[25] Vers 1683, John Blow composeVénus et Adonis , souvent considéré comme le premier véritable opéra de langue anglaise.

Le successeur immédiat de Blow était le plus connu Henry Purcell . Malgré le succès de son chef-d’œuvre Dido and Aeneas (1689), dans lequel l’action est favorisée par l’utilisation d’un récitatif à l’italienne, une grande partie des meilleures œuvres de Purcell n’a pas été impliquée dans la composition d’opéra typique, mais à la place, il a généralement travaillé au sein de les contraintes du format semi-opéra , où des scènes et des masques isolés sont contenus dans la structure d’une pièce parlée, comme Shakespeare dans The Fairy-Queen de Purcell (1692) et Beaumont et Fletcher dans The Prophetess (1690) et Bonduca(1696). Les personnages principaux de la pièce ont tendance à ne pas être impliqués dans les scènes musicales, ce qui signifie que Purcell a rarement pu développer ses personnages à travers la chanson. Malgré ces obstacles, son objectif (et celui de son collaborateur John Dryden ) était d’établir un opéra sérieux en Angleterre, mais ces espoirs ont pris fin avec la mort prématurée de Purcell à l’âge de 36 ans.

Thomas Arné

Après Purcell, la popularité de l’opéra en Angleterre a diminué pendant plusieurs décennies. Un regain d’intérêt pour l’opéra s’est produit dans les années 1730, largement attribué à Thomas Arne , à la fois pour ses propres compositions et pour avoir alerté Haendel sur les possibilités commerciales des œuvres à grande échelle en anglais. Arne a été le premier compositeur anglais à expérimenter l’opéra comique entièrement chanté à l’italienne, son plus grand succès étant Thomas et Sally en 1760. Son opéra Artaxerxes (1762) a été la première tentative de créer un opéra seria à part entière.en anglais et fut un énorme succès, tenant la scène jusque dans les années 1830. Bien qu’Arne ait imité de nombreux éléments de l’opéra italien, il était peut-être le seul compositeur anglais de l’époque à pouvoir dépasser les influences italiennes et créer sa propre voix unique et distinctement anglaise. Son opéra ballade modernisé, Love in a Village (1762), a lancé une vogue pour l’opéra pastiche qui a duré jusqu’au XIXe siècle. Charles Burney a écrit qu’Arne a introduit “une mélodie légère, aérée, originale et agréable, totalement différente de celle de Purcell ou de Haendel, que tous les compositeurs anglais avaient soit pillée, soit imitée”.

Le Mikado (Lithographie)

Outre Arne, l’autre force dominante de l’opéra anglais à cette époque était George Frideric Handel , dont les séries d’opéra ont rempli les scènes lyriques de Londres pendant des décennies et ont influencé la plupart des compositeurs locaux, comme John Frederick Lampe , qui a écrit en utilisant des modèles italiens. Cette situation s’est poursuivie tout au long des XVIIIe et XIXe siècles, y compris dans l’œuvre de Michael William Balfe , et les opéras des grands compositeurs italiens, ainsi que ceux de Mozart, Beethoven et Meyerbeer, ont continué à dominer la scène musicale en Angleterre.

Les seules exceptions étaient les opéras-ballades , tels que The Beggar’s Opera ( 1728) de John Gay , les burlesques musicaux , les opérettes européennes et les opéras légers de la fin de l’époque victorienne , notamment les opéras savoyards de WS Gilbert et Arthur Sullivan , qui sont tous des types de comédies musicales. les divertissements usurpaient fréquemment les conventions d’opéra. Sullivan n’a écrit qu’un seul grand opéra, Ivanhoe (à la suite des efforts d’un certain nombre de jeunes compositeurs anglais à partir de 1876 environ), ^[25] mais il a affirmé que même ses opéras légers faisaient partie d’une école d’opéra «anglais», destinée à supplanter les opérettes françaises (généralement interprétées dans de mauvaises traductions) qui avaient dominé la scène londonienne du milieu du XIXe siècle aux années 1870. Le Daily Telegraph de Londres a accepté, décrivant The Yeomen of the Guard comme “un véritable opéra anglais, précurseur de beaucoup d’autres, espérons-le, et peut-être significatif d’une avancée vers une scène lyrique nationale”. ^[26] Sullivan a produit quelques opéras légers dans les années 1890 qui étaient de nature plus sérieuse que ceux de la série G&S, dont Haddon Hall et The Beauty Stone , mais Ivanhoe(qui a duré 155 représentations consécutives, en utilisant des distributions alternées – un record jusqu’à La bohème de Broadway ) survit comme son seul grand opéra .

Au XXe siècle, l’opéra anglais commença à affirmer plus d’indépendance, avec des œuvres de Ralph Vaughan Williams et en particulier Benjamin Britten , qui dans une série d’œuvres qui restent aujourd’hui dans le répertoire standard, révéla un excellent flair pour la musicalité dramatique et superbe. Plus récemment , Sir Harrison Birtwistle est devenu l’un des compositeurs contemporains les plus importants de Grande-Bretagne, depuis son premier opéra Punch and Judy jusqu’à son plus récent succès critique dans The Minotaur . Au cours de la première décennie du 21e siècle, le librettiste d’un des premiers opéras de Birtwistle, Michael Nyman , s’est concentré sur la composition d’opéras, dont Facing Goya ,Homme et garçon : Dada et l’amour compte . Aujourd’hui, des compositeurs comme Thomas Adès continuent d’exporter l’opéra anglais à l’étranger. ^[27]

Toujours au XXe siècle, des compositeurs américains comme George Gershwin ( Porgy and Bess ), Scott Joplin ( Treemonisha ), Leonard Bernstein ( Candide ), Gian Carlo Menotti , Douglas Moore et Carlisle Floyd ont commencé à contribuer des opéras en anglais imprégnés de touches de styles musicaux populaires. Ils ont été suivis par des compositeurs tels que Philip Glass ( Einstein sur la plage ), Mark Adamo , John Corigliano ( Les Fantômes de Versailles ), Robert Moran ,John Adams ( Nixon en Chine ), André Previn et Jake Heggie . De nombreux compositeurs d’opéra contemporains du XXIe siècle ont émergé, tels que Missy Mazzoli , Kevin Puts , Tom Cipullo , Huang Ruo , David T. Little , Terence Blanchard , Jennifer Higdon , Tobias Picker , Michael Ching et Ricky Ian Gordon .

opéra russe

Feodor Chaliapine dans le rôle d’ Ivan Susanin dans Une vie pour le tsar de Glinka

L’opéra a été introduit en Russie dans les années 1730 par les troupes d’opéra italiennes et est rapidement devenu un élément important du divertissement de la cour impériale russe et de l’ aristocratie . De nombreux compositeurs étrangers tels que Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti et Domenico Cimarosa (ainsi que divers autres) ont été invités en Russie pour composer de nouveaux opéras, principalement en langue italienne . Simultanément, certains musiciens nationaux comme Maksym Berezovsky et Dmitry Bortniansky ont été envoyés à l’étranger pour apprendre à écrire des opéras. Le premier opéra écrit en russe était Tsefal i Prokrispar le compositeur italien Francesco Araja (1755). Le développement de l’opéra en langue russe a été soutenu par les compositeurs russes Vasily Pashkevich , Yevstigney Fomin et Alexey Verstovsky .

Cependant, la véritable naissance de l’opéra russe est venue avec Mikhail Glinka et ses deux grands opéras Une vie pour le tsar (1836) et Ruslan et Lyudmila (1842). Après lui, au cours du XIXe siècle en Russie, des chefs-d’œuvre lyriques tels que Rusalka et The Stone Guest d’ Alexander Dargomyzhsky , Boris Godounov et Khovanshchina de Modest Mussorgsky , Prince Igor d’ Alexandre Borodine , Eugene Onegin et The Queen of Spades de Piotr Tchaïkovski ont été écrits. , etLa Fille des neiges et Sadko de Nikolai Rimsky-Korsakov . Ces développements reflétaient la croissance du nationalisme russe à travers le spectre artistique, dans le cadre du mouvement plus général du slavophilie .

Au XXe siècle, les traditions de l’opéra russe ont été développées par de nombreux compositeurs dont Sergei Rachmaninoff dans ses œuvres The Miserly Knight et Francesca da Rimini , Igor Stravinsky dans Le Rossignol , Mavra , Oedipus rex , et The Rake’s Progress , Sergei Prokofiev dans The Gambler . , L’ amour des trois oranges , L’ ange de feu , Les fiançailles dans un monastère , et Guerre et paix ; ainsi que Dmitri Chostakovitch dans Le Nezet Lady Macbeth du district de Mtsensk , Edison Denisov dans L’écume des jours , et Alfred Schnittke dans Life with an Idiot et Historia von D. Johann Fausten . ^[28]

Opéra tchèque

Les compositeurs tchèques ont également développé leur propre mouvement d’opéra national florissant au XIXe siècle, à commencer par Bedřich Smetana , qui a écrit huit opéras , dont The Bartered Bride . Les huit opéras de Smetana ont constitué la base du répertoire d’opéra tchèque, mais parmi ceux-ci, seule La Fiancée vendue est jouée régulièrement en dehors de la patrie du compositeur. Après avoir atteint Vienne en 1892 et Londres en 1895, il est rapidement devenu une partie du répertoire de toutes les grandes compagnies d’opéra du monde.

Leoš Janáček en 1917

Les neuf opéras d’Antonín Dvořák , à l’exception du premier, ont des livrets en tchèque et visaient à transmettre l’esprit national tchèque, tout comme certaines de ses œuvres chorales. De loin le plus réussi des opéras est Rusalka qui contient l’air bien connu “Měsíčku na nebi hlubokém” (“Chant à la lune”); il est souvent joué sur les scènes d’opéras contemporains en dehors de la République tchèque . Cela est attribuable à leur invention et à leurs livrets inégaux, et peut-être aussi à leurs exigences de mise en scène – Les Jacobins , Armida , Vanda et Dimitrij ont besoin de scènes suffisamment grandes pour représenter des armées d’invasion.

Partition de La Fiancée vendue de Smetana

Leoš Janáček a acquis une reconnaissance internationale au XXe siècle pour ses œuvres novatrices. Ses œuvres plus tardives et matures incorporent ses études antérieures de musique folklorique nationale dans une synthèse moderne et très originale, d’abord évidente dans l’opéra Jenůfa , qui a été créé en 1904 à Brno . Le succès de Jenůfa (souvent appelé ” l’opéra national morave “) à Prague en 1916 permit à Janáček d’accéder aux plus grandes scènes d’opéra du monde. Les œuvres ultérieures de Janáček sont ses plus célèbres. Ils comprennent des opéras tels que Káťa Kabanová et The Cunning Little Vixen , la Sinfonietta et la messe glagolitique .

Autres opéras nationaux

L’ Espagne a également produit sa propre forme d’opéra, connue sous le nom de zarzuela , qui a eu deux floraisons distinctes : une du milieu du XVIIe siècle au milieu du XVIIIe siècle et une autre commençant vers 1850. De la fin du XVIIIe siècle jusqu’au milieu du Au XIXe siècle, l’opéra italien était immensément populaire en Espagne, supplantant la forme indigène.

En Europe de l’Est russe, plusieurs opéras nationaux ont commencé à émerger. L’opéra ukrainien a été développé par Semen Hulak-Artemovsky (1813–1873) dont l’œuvre la plus célèbre Zaporozhets za Dunayem (Un cosaque au-delà du Danube) est régulièrement jouée dans le monde entier. Parmi les autres compositeurs d’opéra ukrainiens figurent Mykola Lysenko ( Taras Bulba et Natalka Poltavka ), Heorhiy Maiboroda et Yuliy Meitus . Au tournant du siècle, un mouvement d’opéra national distinct a également commencé à émerger en Géorgie sous la direction de Zacharia Paliashvili , qui a fusionné des chansons et des histoires folkloriques locales avec des histoires du XIXe siècle.Thèmes classiques romantiques .

Ferenc Erkel , le père de l’opéra hongrois

La figure clé de l’opéra national hongrois au XIXe siècle était Ferenc Erkel , dont les œuvres traitaient principalement de thèmes historiques. Parmi ses opéras les plus joués figurent Hunyadi László et Bánk bán . L’opéra hongrois moderne le plus célèbre est Le château du duc Barbe-Bleue de Béla Bartók .

L’opéra Straszny Dwór (en anglais The Haunted Manor ) (1861-1864) de Stanisław Moniuszko représente un sommet de l’opéra national polonais au XIXe siècle . ^[29] Au 20ème siècle, d’autres opéras créés par les compositeurs polonais ont inclus le Roi Roger par Karol Szymanowski et Ubu Rex par Krzysztof Penderecki .

Le premier opéra connu de Turquie (l’ Empire ottoman ) était Arshak II , qui était un opéra arménien composé par un compositeur arménien de souche Tigran Chukhajian en 1868 et partiellement joué en 1873. Il a été entièrement mis en scène en 1945 en Arménie.

Scène de l’opéra ” Leyli et Majnun ” d’ Uzeyir Hajibeyov . 1934. Théâtre académique d’opéra et de ballet d’Azerbaïdjan

Les premières années de l’ Union soviétique ont vu l’émergence de nouveaux opéras nationaux, comme le Koroğlu (1937) du compositeur azerbaïdjanais Uzeyir Hajibeyov . Le premier opéra kirghize , Ai-Churek , a été créé à Moscou au Théâtre Bolchoï le 26 mai 1939, pendant la Décennie de l’art kirghize. Il a été composé par Vladimir Vlasov , Abdylas Maldybaev et Vladimir Fere . Le livret a été écrit par Joomart Bokonbaev, Jusup Turusbekov et Kybanychbek Malikov. L’opéra est basé sur l’épopée héroïque kirghize Manas . ^{[30] [31]}

En Iran, l’opéra a attiré plus d’attention après l’introduction de la musique classique occidentale à la fin du XIXe siècle. Cependant, il a fallu attendre le milieu du XXe siècle pour que les compositeurs iraniens commencent à se familiariser avec le domaine, d’autant plus que la construction de la salle Roudaki en 1967 a rendu possible la mise en scène d’une grande variété d’œuvres pour la scène. L’opéra iranien le plus célèbre est peut-être Rostam et Sohrab de Loris Tjeknavorian , créé au début des années 2000.

L’opéra classique contemporain chinois , une forme chinoise d’opéra de style occidental qui se distingue de l’opéra chinois traditionnel , a eu des opéras remontant à The White Haired Girl en 1945. ^{[32] [33] [34]}

En Amérique latine, l’opéra a commencé à la suite de la colonisation européenne. Le premier opéra jamais écrit dans les Amériques était La purpura de la rosa , de Tomás de Torrejón y Velasco , bien que Partenope , du Mexicain Manuel de Zumaya , ait été le premier opéra écrit par un compositeur né en Amérique latine (musique aujourd’hui perdue). Le premier opéra brésilien pour un livret en portugais fut A Noite de São João , d ‘ Elias Álvares Lobo . Cependant, Antônio Carlos Gomes est généralement considéré comme le compositeur brésilien le plus remarquable, ayant un succès relatif en Italie avec ses opéras à thème brésilien avec des livrets italiens, comme Il Guarany .. L’opéra en Argentine s’est développé au XXe siècle après l’inauguration du Teatro Colón à Buenos Aires – avec l’opéra Aurora , d’ Ettore Panizza , fortement influencé par la tradition italienne, en raison de l’immigration. D’autres compositeurs importants d’Argentine incluent Felipe Boero et Alberto Ginastera .

Tendances contemporaines, récentes et modernistes

Modernisme

La manifestation stylistique la plus évidente du modernisme dans l’opéra est peut-être le développement de l’ atonalité . L’abandon de la tonalité traditionnelle dans l’opéra a commencé avec Richard Wagner , et en particulier l’ accord de Tristan . Des compositeurs tels que Richard Strauss , Claude Debussy , Giacomo Puccini ^{[ citation nécessaire ]} , Paul Hindemith , Benjamin Britten et Hans Pfitznerpoussé plus loin l’harmonie wagnérienne avec une utilisation plus extrême du chromatisme et une plus grande utilisation de la dissonance. Un autre aspect de l’opéra moderniste est le passage de longues mélodies suspendues à de courtes devises rapides, comme l’illustre pour la première fois Giuseppe Verdi dans son Falstaff . Des compositeurs tels que Strauss, Britten, Chostakovitch et Stravinsky ont adopté et développé ce style.

Arnold Schoenberg en 1917 ; portrait par Egon Schiele

Le modernisme lyrique a véritablement commencé dans les opéras de deux compositeurs viennois, Arnold Schoenberg et son élève Alban Berg , tous deux compositeurs et défenseurs de l’atonalité et de son développement ultérieur (tel qu’élaboré par Schoenberg), le dodécaphonie . Les premières œuvres musico-dramatiques de Schoenberg, Erwartung (1909, créée en 1924) et Die glückliche Hand affichent une utilisation intensive de l’harmonie chromatique et de la dissonance en général. Schoenberg utilisait aussi occasionnellement Sprechstimme .

Les deux opéras de l’élève de Schoenberg, Alban Berg, Wozzeck (1925) et Lulu (incomplet à sa mort en 1935) partagent bon nombre des caractéristiques décrites ci-dessus, bien que Berg ait combiné son interprétation très personnelle de la technique dodécaphonique de Schoenberg avec des passages mélodiques de une nature plus traditionnellement tonale (de caractère assez mahlérien) qui explique peut-être en partie pourquoi ses opéras sont restés dans le répertoire standard, malgré leur musique et leurs intrigues controversées. Les théories de Schoenberg ont influencé (directement ou indirectement) un nombre important de compositeurs d’opéra depuis, même s’ils n’ont pas eux-mêmes composé en utilisant ses techniques.

Stravinski en 1921

Parmi les compositeurs ainsi influencés figurent l’Anglais Benjamin Britten , l’Allemand Hans Werner Henze et le Russe Dmitri Chostakovitch . ( Philip Glass utilise également l’atonalité, bien que son style soit généralement décrit comme minimaliste , généralement considéré comme un autre développement du XXe siècle.) ^[35]

Cependant, l’utilisation de l’atonalité par le modernisme lyrique a également déclenché un contrecoup sous la forme du néoclassicisme . L’ un des premiers chefs de file de ce mouvement fut Ferruccio Busoni , qui écrivit en 1913 le livret de son opéra numéroté néoclassique Arlecchino (créé pour la première fois en 1917). ^[36] Aussi parmi l’avant-garde était le Russe Igor Stravinsky . Après avoir composé de la musique pour les ballets Petrouchka (1911) et Le Sacre du printemps (1913), produits par Diaghilev , Stravinsky se tourna vers le néoclassicisme, un développement culminant dans son opéra-oratorio Oedipus Rex .(1927). Stravinsky s’était déjà détourné des tendances modernistes de ses premiers ballets pour produire des œuvres à petite échelle qui ne sont pas pleinement qualifiées d’opéra, mais qui contiennent certainement de nombreux éléments d’opéra, dont Renard (1916 : “un burlesque en chant et en danse”) et Le Soldier’s Tale (1918 : “à lire, à jouer et à danser” ; dans les deux cas, les descriptions et les instructions sont celles du compositeur). Dans ce dernier, les acteurs déclament des portions de discours à un rythme spécifié sur un accompagnement instrumental, particulièrement similaire au genre allemand plus ancien du mélodrame . Bien après ses œuvres inspirées de Rimsky-Korsakov Le Rossignol (1914) et Mavra (1922),et a finalement écrit un opéra numéroté diatonique de style XVIIIe siècle à part entière The Rake’s Progress (1951). Sa résistance au sérialisme (une attitude qu’il a renversée après la mort de Schoenberg) s’est avérée être une source d’inspiration pour beaucoup ^{[ qui ? ]} d’autres compositeurs. ^[37]

Autres tendances

Une tendance commune tout au long du XXe siècle, à la fois dans le répertoire d’opéra et d’orchestre général, est l’utilisation de petits orchestres comme mesure de réduction des coûts; les grands orchestres de l’époque romantique avec d’énormes sections de cordes, plusieurs harpes, des cors supplémentaires et des instruments de percussion exotiques n’étaient plus réalisables. Alors que le mécénat gouvernemental et privé des arts diminuait tout au long du XXe siècle, de nouvelles œuvres étaient souvent commandées et exécutées avec des budgets plus petits, ce qui aboutissait très souvent à des œuvres de chambre et à de courts opéras en un acte. De nombreux opéras de Benjamin Britten sont écrits pour aussi peu que 13 instrumentistes ; La réalisation en deux actes de Little Women de Mark Adamo est écrite pour 18 instrumentistes.

Une autre caractéristique de l’opéra de la fin du XXe siècle est l’émergence d’opéras historiques contemporains, contrairement à la tradition consistant à fonder les opéras sur une histoire plus lointaine, le récit d’histoires ou de pièces de fiction contemporaines, ou sur un mythe ou une légende. La mort de Klinghoffer , Nixon en Chine et Doctor Atomic de John Adams , Dead Man Walking de Jake Heggie et Anna Nicole de Mark-Anthony Turnage illustrent la dramatisation sur scène d’événements de mémoire vivante récente, où les personnages représentés dans l’opéra étaient vivants. lors de la première représentation.

Le Metropolitan Opera aux États-Unis (souvent connu sous le nom de Met) a rapporté en 2011 que l’âge moyen de son public était de 60 ^ans . les dernières décennies du XXe siècle. ^[39] Les efforts ont abouti à abaisser l’âge moyen du public du Met à 58 ans en 2018, l’âge moyen à l’Opéra d’État de Berlin était de 54 ans et l’Opéra de Paris a signalé un âge moyen de 48 ans. ^[40]

Les petites entreprises aux États-Unis ont une existence plus fragile, et elles dépendent généralement d’un « patchwork » de soutien des gouvernements étatiques et locaux, des entreprises locales et des collecteurs de fonds. Néanmoins, certaines petites entreprises ont trouvé des moyens d’attirer de nouveaux publics. Outre les retransmissions radiophoniques et télévisées de représentations d’opéra, qui ont réussi à gagner de nouveaux publics, les retransmissions de représentations en direct dans les salles de Cinéma ont montré le potentiel d’atteindre de nouveaux publics. ^[41]

Des comédies musicales vers l’opéra

À la fin des années 1930, certaines comédies musicales ont commencé à être écrites avec une structure plus lyrique. Ces œuvres comprennent des ensembles polyphoniques complexes et reflètent les développements musicaux de leur époque. Porgy and Bess (1935), influencé par les styles de jazz, et Candide (1956), avec ses passages lyriques et ses parodies farfelues d’opéra, ont tous deux été ouverts à Broadway mais ont été acceptés comme faisant partie du répertoire de l’opéra. Comédies musicales populaires telles que Show Boat , West Side Story , Brigadoon , Sweeney Todd , Passion , Evita , The Light in the Piazza , The Phantom of the Operaet d’autres racontent des histoires dramatiques à travers une musique complexe et dans les années 2010, on les voit parfois dans des opéras. ^[42] The Most Happy Fella (1952) est un quasi-opéra et a été relancé par le New York City Opera . Autres comédies musicales influencées par le rock , telles que Tommy (1969) et Jesus Christ Superstar (1971), Les Misérables (1980), Rent (1996), Spring Awakening (2006) et Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) emploient diverses conventions d’opéra, telles que la composition , le récitatif au lieu du dialogue et les leitmotivs .

Amélioration acoustique dans l’opéra

Un type subtil de renforcement électronique du son appelé amélioration acoustique est utilisé dans certaines salles de concert et théâtres modernes où des opéras sont joués. Bien qu’aucune des grandes maisons d’opéra “… n’utilise un renforcement sonore traditionnel de style Broadway, dans lequel la plupart sinon tous les chanteurs sont équipés de microphones radio mélangés à une série de haut-parleurs disgracieux dispersés dans tout le théâtre”, beaucoup utilisent un renforcement sonore système d’amélioration acoustique et d’accentuation subtile des voix hors scène, des enfants chanteurs, des dialogues sur scène et des effets sonores (par exemple, les cloches d’église dans Tosca ou les effets de tonnerre dans les opéras wagnériens). ^[43]

Voix d’opéra

La technique vocale d’opéra a évolué, à une époque antérieure à l’amplification électronique, pour permettre aux chanteurs de produire suffisamment de volume pour être entendus sur un orchestre, sans que les instrumentistes aient à compromettre considérablement leur volume.

Classifications vocales

Les chanteurs et les rôles qu’ils jouent sont classés par type de voix , en fonction de la tessiture , de l’ agilité, de la puissance et du timbre de leurs voix. Les chanteurs masculins peuvent être classés par gamme vocale comme basse , baryton-basse , baryton , baryton , ténor et contre- ténor , et les chanteuses comme contralto , mezzo-soprano et soprano . (Les hommes chantent parfois dans les gammes vocales “féminines”, auquel cas ils sont appelés sopranisteou contre-ténor. Le contre-ténor est couramment rencontré dans l’opéra, chantant parfois des parties écrites pour les castrats – des hommes castrés à un jeune âge spécifiquement pour leur donner une gamme de chant plus élevée.) Les chanteurs sont ensuite classés par taille – par exemple, une soprano peut être décrite comme un lyrique soprano, colorature , soubrette , spinto ou soprano dramatique. Ces termes, bien que ne décrivant pas complètement une voix chantée, associent la voix du chanteur aux rôles les plus adaptés aux caractéristiques vocales du chanteur.

Encore une autre sous-classification peut être faite en fonction des compétences ou des exigences d’acteur, par exemple le basso buffo qui doit souvent être un spécialiste du bagout ainsi qu’un acteur comique. Ceci est réalisé en détail dans le système Fach des pays germanophones, où historiquement l’opéra et le théâtre parlé étaient souvent mis en scène par la même compagnie de répertoire .

La voix d’un chanteur particulier peut changer radicalement au cours de sa vie, atteignant rarement la maturité vocale avant la troisième décennie, et parfois pas avant l’âge mûr. Deux types de voix françaises, première dugazon et deuxième dugazon , ont été nommés d’après les étapes successives de la carrière de Louise-Rosalie Lefebvre (Mme. Dugazon). D’autres termes issus du système de casting vedette des théâtres parisiens sont baryton-martin et faucon soprano .

Utilisation historique des parties vocales

Ce qui suit n’est qu’un bref aperçu. Pour les principaux articles, voir soprano , mezzo-soprano , contralto , ténor , baryton , basse , contre- ténor et castrat .

La voix de soprano est généralement utilisée comme voix de choix pour la protagoniste féminine de l’opéra depuis la seconde moitié du XVIIIe siècle. Auparavant, il était courant que cette partie soit chantée par n’importe quelle voix féminine, voire par un castrat . L’accent mis actuellement sur une large gamme vocale était principalement une invention de la période classique . Avant cela, la virtuosité vocale, et non la tessiture, était la priorité, les parties de soprano s’étendant rarement au-dessus d’un la aigu ( Haendel , par exemple, n’a écrit qu’un seul rôle s’étendant jusqu’à un do aigu ), bien que le castrat Farinelli ait été accusé de posséder un haut ré(sa gamme inférieure était également extraordinaire, s’étendant jusqu’au ténor C). La mezzo-soprano, un terme d’origine relativement récente, possède également un large répertoire, allant du rôle principal féminin dans Dido and Aeneas de Purcell à des rôles lourds comme Brangäne dans Tristan und Isolde de Wagner (ces deux rôles sont parfois chantés par des sopranos ; il il y a beaucoup de mouvement entre ces deux types de voix). Pour le vrai contralto, la gamme de pièces est plus limitée, ce qui a donné lieu à la blague d’initiés selon laquelle les contraltos ne chantent que des rôles de “sorcières, salopes et britches “. Ces dernières années, de nombreux «rôles de pantalon» de l’époque baroque, écrits à l’origine pour les femmes, et ceux chantés à l’origine par des castrats, ont été réaffectés à des contre-ténors.

La voix de ténor, à partir de l’époque classique, s’est traditionnellement vu attribuer le rôle de protagoniste masculin. Bon nombre des rôles de ténor les plus difficiles du répertoire ont été écrits à l’époque du bel canto , comme la séquence de 9 do au-dessus du do médian de Donizetti pendant La fille du régiment . Avec Wagner, l’accent a été mis sur le poids vocal pour ses rôles de protagoniste, avec cette catégorie vocale décrite comme Heldentenor ; cette voix héroïque avait sa contrepartie plus italienne dans des rôles tels que Calaf dans Turandot de Puccini . Les basses ont une longue histoire dans l’opéra, ayant été utilisées dans l’opéra seriadans des rôles de soutien, et parfois pour le soulagement comique (tout en offrant un contraste avec la prépondérance des voix hautes dans ce genre). Le répertoire de basse est vaste et varié, allant de la comédie de Leporello dans Don Giovanni à la noblesse de Wotan dans Ring Cycle de Wagner , en passant par le conflit du roi Philippe de Verdi dans Don Carlos . Entre la basse et le ténor se trouve le baryton, dont le poids varie également de Guglielmo dans Così fan tutte de Mozart à Posa dans Don Carlos de Verdi ; la désignation réelle “baryton” n’était pas standard jusqu’au milieu du 19e siècle.

Chanteurs célèbres

Le castrat Senesino , ch. 1720

Les premières représentations d’opéra étaient trop peu fréquentes pour que les chanteurs vivent exclusivement du style, mais avec la naissance de l’opéra commercial au milieu du XVIIe siècle, des interprètes professionnels ont commencé à émerger. Le rôle du héros masculin était généralement confié à un castrat et, au XVIIIe siècle, lorsque l’opéra italien se produisit dans toute l’Europe, les principaux castrats dotés d’une virtuosité vocale extraordinaire, tels que Senesino et Farinelli , devinrent des stars internationales. La carrière de la première grande star féminine (ou prima donna ), Anna Renzi , remonte au milieu du XVIIe siècle. Au XVIIIe siècle, un certain nombre de sopranos italiennes ont acquis une renommée internationale et se sont souvent livrées à une rivalité féroce, comme ce fut le cas avecFaustina Bordoni et Francesca Cuzzoni , qui ont commencé une bagarre lors d’une représentation d’un opéra de Haendel. Les Français n’aimaient pas les castrats, préférant que leurs héros masculins soient chantés par une haute-contre (un haut ténor), dont Joseph Legros (1739–1793) était un exemple majeur. ^[44]

Bien que le mécénat de l’opéra ait diminué au cours du siècle dernier au profit d’autres arts et médias (tels que les comédies musicales, le Cinéma, la radio, la télévision et les enregistrements), les médias de masse et l’avènement de l’enregistrement ont soutenu la popularité de nombreux chanteurs célèbres, dont Maria Callas , Enrico Caruso , Amelita Galli-Curci , Kirsten Flagstad , Juan Arvizu , ^{[45] [46]} Nestor Mesta Chayres , ^{[47] [48]} Mario Del Monaco , Renata Tebaldi , Risë Stevens , Alfredo Kraus , Franco Corelli , Montserrat Caballé ,Joan Sutherland , Birgit Nilsson , Nellie Melba , Rosa Ponselle , Beniamino Gigli , Jussi Björling , Feodor Chaliapine , Cecilia Bartoli , Renée Fleming , Marilyn Horne , Bryn Terfel , Dmitri Hvorostovsky et Les Trois Ténors ( Luciano Pavarotti , Plácido Domingo , José Carreras ).

Changer le rôle de l’orchestre

Avant les années 1700, les opéras italiens utilisaient un petit orchestre à cordes , mais celui-ci jouait rarement pour accompagner les chanteurs. Les solos d’opéra de cette période étaient accompagnés par le groupe de basse continue , composé du clavecin , d'”instruments pincés” comme le luth et d’un instrument de basse. ^[49] L’orchestre à cordes ne jouait généralement que lorsque le chanteur ne chantait pas, comme lors des “… entrées et sorties d’un chanteur, entre des numéros vocaux, [ou] pour la danse [d’accompagnement]”. Un autre rôle de l’orchestre au cours de cette période était de jouer une ritournelle orchestrale pour marquer la fin du solo d’un chanteur. ^[49]Au début des années 1700, certains compositeurs ont commencé à utiliser l’orchestre à cordes pour marquer certains airs ou récitatifs “… comme spéciaux” ; en 1720, la plupart des airs étaient accompagnés par un orchestre. Des compositeurs d’opéra tels que Domenico Sarro , Leonardo Vinci , Giambattista Pergolesi , Leonardo Leo et Johann Adolf Hasse ont ajouté de nouveaux instruments à l’orchestre d’opéra et ont donné aux instruments de nouveaux rôles. Ils ont ajouté des instruments à vent aux cordes et ont utilisé des instruments d’orchestre pour jouer des solos instrumentaux, afin de marquer certains airs comme spéciaux. ^[49]

Orchestre d’opéra allemand du début des années 1950

L’orchestre a également fourni une ouverture instrumentale avant que les chanteurs ne montent sur scène depuis les années 1600. L’ Euridice de Peri s’ouvre sur une brève ritournelle instrumentale , et L’Orfeo de Monteverdi (1607) s’ouvre sur une toccata , en l’occurrence une fanfare pour trompettes en sourdine . L’ ouverture française que l’on retrouve dans les opéras de Jean-Baptiste Lully ^[50] consiste en une introduction lente dans un “rythme pointé” marqué, suivi d’un mouvement vif en fugatostyle. L’ouverture était fréquemment suivie d’une série d’airs de danse avant le lever du rideau. Ce style d’ouverture a également été utilisé dans l’opéra anglais, notamment dans Dido and Aeneas de Henry Purcell . Haendel utilise également la forme d’ouverture française dans certains de ses opéras italiens tels que Giulio Cesare . ^[51]

En Italie, une forme distincte appelée «ouverture» est apparue dans les années 1680 et s’est imposée notamment à travers les opéras d’ Alessandro Scarlatti , et s’est répandue dans toute l’Europe, supplantant la forme française comme ouverture d’opéra standard au milieu du XVIIIe siècle. ^[52] Il utilise trois mouvements généralement homophoniques : rapide-lent-rapide. Le mouvement d’ouverture était normalement en double mètre et dans une tonalité majeure; le mouvement lent dans les exemples précédents était court et pouvait être dans une tonalité contrastée; le mouvement de conclusion ressemblait à une danse, le plus souvent avec des rythmes de gigue ou de menuet, et revient à la clé de la section d’ouverture. Au fur et à mesure que la forme évoluait, le premier mouvement peut incorporer des éléments de type fanfare et adopter le modèle de la soi-disant «forme sonatine» ( forme sonate sans section de développement), et la section lente est devenue plus étendue et lyrique. ^[52]

Dans l’opéra italien après environ 1800, “l’ouverture” est devenue connue sous le nom de sinfonia . ^[53] Fisher note également que le terme Sinfonia avanti l’opera (littéralement, la “symphonie avant l’opéra”) était “un terme précoce pour une sinfonia utilisée pour commencer un opéra, c’est-à-dire comme une ouverture par opposition à une servant à commencer une partie ultérieure du travail ». ^[53] Dans l’opéra du XIXe siècle, dans certains opéras, l’ouverture, Vorspiel , Einleitung , Introduction, ou quoi que ce soit d’autre qu’on puisse l’appeler, était la partie de la musique qui a lieu avant que le rideau ne se lève; une forme spécifique et rigide n’était plus nécessaire pour l’ouverture.

Le rôle de l’orchestre dans l’accompagnement des chanteurs a changé au cours du XIXe siècle, alors que le style classique passait à l’ère romantique. En général, les orchestres se sont agrandis, de nouveaux instruments ont été ajoutés, tels que des instruments de percussion supplémentaires (par exemple, grosse caisse, cymbales, caisse claire, etc.). L’ orchestration des parties d’orchestre s’est également développée au cours du XIXe siècle. Dans les opéras wagnériens, la mise en avant de l’orchestre va au-delà de l’ouverture. Dans les opéras wagnériens tels que le Ring Cycle , l’orchestre jouait souvent les thèmes musicaux récurrents ou les leitmotivs , un rôle qui donnait une importance à l’orchestre qui “… élevait son statut à celui d’une prima donna “. ^[54]Les opéras de Wagner ont été marqués avec une portée et une complexité sans précédent, ajoutant plus d’instruments de cuivres et des tailles d’ensemble énormes : en effet, sa partition pour Das Rheingold nécessite six harpes . Dans Wagner et le travail de compositeurs ultérieurs, tels que Benjamin Britten, l’orchestre “communique souvent des faits sur l’histoire qui dépassent les niveaux de conscience des personnages qui s’y trouvent”. En conséquence, les critiques ont commencé à considérer l’orchestre comme jouant un rôle analogue à celui d’un narrateur littéraire.” ^[55]

Au fur et à mesure que le rôle de l’orchestre et des autres ensembles instrumentaux a changé au cours de l’histoire de l’opéra, le rôle de diriger les musiciens a également changé. À l’époque baroque, les musiciens étaient généralement dirigés par le joueur de clavecin, bien que le compositeur français Lully soit connu pour avoir dirigé avec une longue portée. Dans les années 1800, pendant la période classique, le premier violoniste, également connu sous le nom de premier violon, dirigeait l’orchestre en position assise. Au fil du temps, certains réalisateurs ont commencé à se lever et à utiliser des gestes de la main et du bras pour diriger les interprètes. Finalement, ce rôle de directeur musical est devenu le chef d’orchestre, et un podium a été utilisé pour permettre à tous les musiciens de le voir plus facilement. Au moment où les opéras wagnériens ont été introduits, la complexité des œuvres et les immenses orchestres utilisés pour les jouer ont donné au chef d’orchestre un rôle de plus en plus important. Les chefs d’opéra modernes ont un rôle difficile : ils doivent diriger à la fois l’orchestre dans la fosse d’orchestre et les chanteurs sur scène.

Problèmes de langue et de traduction

Depuis l’époque de Haendel et de Mozart, de nombreux compositeurs ont privilégié l’italien comme langue pour le livret de leurs opéras. De l’époque du Bel Canto à Verdi, les compositeurs supervisaient parfois des versions de leurs opéras en italien et en français. Pour cette raison, des opéras tels que Lucia di Lammermoor ou Don Carlos sont aujourd’hui considérés comme canoniques dans leurs versions française et italienne. ^[56]

Jusqu’au milieu des années 1950, il était acceptable de produire des opéras en traduction même si celles-ci n’avaient pas été autorisées par le compositeur ou les librettistes originaux. Par exemple, les maisons d’opéra en Italie ont régulièrement mis en scène Wagner en italien. ^[57] Après la Seconde Guerre mondiale, la bourse d’opéra s’est améliorée, les artistes se sont recentrés sur les versions originales et les traductions sont tombées en disgrâce. La connaissance des langues européennes, notamment l’italien, le français et l’allemand, est aujourd’hui une partie importante de la formation des chanteurs professionnels. “La plus grande partie de la formation lyrique concerne la linguistique et la musicalité”, explique la mezzo-soprano Dolora Zajick . “[Je dois comprendre] non seulement ce que je chante, mais ce que tout le monde chante. Je chante italien, tchèque, russe, français, allemand, anglais.” ^[58]

Dans les années 1980, les surtitres (parfois appelés surtitres ) ont commencé à apparaître. Bien que les surtitres aient d’abord été presque universellement condamnés comme une distraction, ^[59] aujourd’hui, de nombreux opéras proposent soit des surtitres, généralement projetés au-dessus de l’arc de l’avant-scène du théâtre , soit des écrans de siège individuels où les spectateurs peuvent choisir parmi plus d’une langue. Les émissions de télévision incluent généralement des sous-titres, même si elles sont destinées à un public connaissant bien la langue (par exemple, un RAIdiffusion d’un opéra italien). Ces sous-titres ciblent non seulement les malentendants, mais le public en général, car un discours chanté est beaucoup plus difficile à comprendre qu’un discours parlé, même aux oreilles des locuteurs natifs. Les sous-titres dans une ou plusieurs langues sont devenus la norme dans les émissions d’opéra, les diffusions simultanées et les éditions de DVD.

Aujourd’hui, les opéras ne sont que rarement joués en traduction. Les exceptions incluent l’ English National Opera , l’ Opera Theatre de Saint Louis , l’Opera Theatre de Pittsburgh et l’Opera South East, ^[60] qui favorisent les traductions en anglais. ^[61] Une autre exception sont les productions d’opéra destinées à un jeune public, comme Hansel et Gretel de Humperdinck ^[62] et certaines productions de La Flûte enchantée de Mozart . ^[63]

Le financement

Chanteurs d’opéra suédois en hommage à Kjerstin Dellert et au théâtre du palais d’Ulriksdal lors du jubilé de 40 ans en 2016 de son financement, de sa rénovation et de sa réouverture ultérieure

En dehors des États-Unis, et surtout en Europe, la plupart des maisons d’opéra reçoivent des subventions publiques des contribuables. ^[64] À Milan, en Italie, 60 % du budget annuel de La Scala de 115 millions d’euros provient de la vente de billets et de dons privés, les 40 % restants provenant de fonds publics. ^[65] En 2005, La Scala a reçu 25 % de la subvention publique totale de l’Italie de 464 millions € pour les arts du spectacle. ^[66] Au Royaume-Uni, l’ Arts Council England fournit des fonds à Opera North , au Royal Opera House , au Welsh National Opera et à l’English National Opera . Entre 2012 et 2015, ces quatre compagnies d’opéra ainsi que l’ English National Ballet ,Le Birmingham Royal Ballet et le Northern Ballet représentaient 22 % des fonds du portefeuille national de l’Arts Council. Au cours de cette période, le Conseil a entrepris une analyse de son financement pour les compagnies d’opéra et de ballet à grande échelle, établissant des recommandations et des objectifs que les compagnies devaient atteindre avant les décisions de financement 2015-2018. ^[67] En février 2015, les inquiétudes suscitées par le plan d’affaires de l’English National Opera ont conduit le Conseil des arts à le placer “sous des accords de financement spéciaux” dans ce que The Independent a appelé “l’étape sans précédent” consistant à menacer de retirer le financement public si les préoccupations du conseil n’étaient pas satisfaites. d’ici 2017. ^[68]Le financement public européen de l’opéra a entraîné une disparité entre le nombre d’opéras ouverts toute l’année en Europe et aux États-Unis. Par exemple, “l’Allemagne compte environ 80 opéras ouverts toute l’année [en 2004], tandis que les États-Unis, avec plus de trois fois la population, n’en ont pas. Même le Met n’a qu’une saison de sept mois.” ^[69]

Télévision, Cinéma et Internet

Opéra de Sydney

Une étape importante pour la diffusion d’opéra aux États-Unis a été franchie le 24 décembre 1951, avec la Diffusion en direct d’ Amahl and the Night Visitors , un opéra en un acte de Gian Carlo Menotti . C’était le premier opéra spécialement composé pour la télévision en Amérique. ^[70] Une autre étape importante s’est produite en Italie en 1992 quand Tosca a été diffusé de phase de ses arrangements et heures romains originaux du jour : le premier acte est venu de l’église du 16ème siècle de Sant’Andrea della Valle à midi le samedi ; le palais Farnèse du XVIe siècle a servi de décor à la seconde à 20h15 ; et le dimanche à 6 heures du matin, le troisième acte a été diffusé depuis Castel Sant’Angelo. La production a été transmise par satellite à 105 pays. ^[71]

Les grandes compagnies d’opéra ont commencé à présenter leurs performances dans les cinémas locaux à travers les États-Unis et de nombreux autres pays. Le Metropolitan Opera a commencé une série de transmissions vidéo haute définition en direct dans les cinémas du monde entier en 2006. ^[72] En 2007, les performances du Met ont été présentées dans plus de 424 théâtres dans 350 villes américaines. La bohème est sorti sur 671 écrans dans le monde. L’opéra de San Francisco a commencé les transmissions vidéo préenregistrées en mars 2008. En juin 2008, environ 125 théâtres dans 117 villes américaines diffusaient les projections. Les retransmissions d’opéra vidéo HD sont présentées via les mêmes projecteurs de Cinéma numérique HD que ceux utilisés pour les grands films hollywoodiens .^[73] Les opéras et festivals européens, dont le Royal Opera de Londres, La Scala de Milan, le Festival de Salzbourg , La Fenice de Venise et le Maggio Musicale de Florence, ont également transmis leurs productions aux théâtres de villes du monde entier depuis 2006, dont 90 villes aux États-Unis ^{[74] [75]}

L’émergence d’Internet a également affecté la manière dont le public consomme l’opéra. En 2009, le British Glyndebourne Festival Opera a offert pour la première fois un téléchargement vidéo numérique en ligne de sa production complète de 2007 de Tristan und Isolde . Au cours de la saison 2013, le festival a diffusé ses six productions en ligne. ^{[76] [77]} En juillet 2012, le premier opéra communautaire en ligne a été créé au Festival d’opéra de Savonlinna . Intitulé Free Will , il a été créé par des membres du groupe Internet Opera By You. Ses 400 membres de 43 pays ont écrit le livret, composé la musique et conçu les décors et les costumes en utilisant lePlateforme Web Wreckamovie . Le festival d’opéra de Savonlinna a fourni des solistes professionnels, un chœur de 80 membres, un orchestre symphonique et la machinerie scénique. Il a été joué en direct au festival et diffusé en direct sur Internet. ^[78]

Voir également

• Listes d’opéras , y compris une liste générale ainsi que par thème , par pays , par médium et par lieu
• Liste de la littérature de fiction mettant en vedette l’opéra
• Gestion d’opéra

Références

Remarques

1. ↑ Richard Wagner et Arrigo Boito sont des créateurs notables qui ont combiné les deux rôles.
2. ↑ Quelques définitions de l’opéra : “interprétation ou composition dramatique dont la musique est une partie essentielle, branche de l’art concernée par cela” ( Concise Oxford English Dictionary ) ; “toute œuvre dramatique qui peut être chantée (ou parfois déclamée ou parlée) dans un lieu de représentation, sur une musique originale pour chanteurs (généralement en costume) et instrumentistes” ( Amanda Holden , Viking Opera Guide ); “œuvre musicale pour la scène avec des personnages chantants, née dans les premières années du 17ème siècle” ( Pears’ Cyclopaedia , 1983 éd.).
3. ^ Des formes d’art comparables de diverses autres parties du monde, dont beaucoup d’origine ancienne, sont aussi parfois appelées «opéra» par analogie, généralement précédées d’un adjectif indiquant la région (par exemple, opéra chinois ). Ces traditions indépendantes ne sont pas dérivées de l’opéra occidental mais sont plutôt des formes distinctes de théâtre musical . L’opéra n’est pas non plus le seul type de théâtre musical occidental : dans le monde antique, le drame grec comportait le chant et l’accompagnement instrumental ; et dans les temps modernes, d’autres formes telles que la comédie musicale sont apparues.
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Sources

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Lectures complémentaires

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Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés à Opera .

• Base de données complète des représentations d’opéra , Operabase
• StageAgent – synopsis et descriptions de personnages pour la plupart des grands opéras
• De quoi ça parle? – Résumés d’intrigue d’opéra
• Vocabulaire de l’Opéra (en français)
• OperaGlass, une ressource à l’Université de Stanford
• HistoricOpera – images d’opéra historiques
• “America’s Opera Boom” de Jonathan Leaf, The American , numéro de juillet/août 2007
• Archives des articles d’Opéra~Opéra
• “Une histoire de l’opéra” . Théâtre et spectacle . Musée Victoria et Albert . Récupéré le 15 février 2011 .

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