Mouvement des Arts et Métiers

Le mouvement Arts and Crafts était une tendance internationale dans les arts décoratifs et les Beaux-Arts qui s’est développé le plus tôt et le plus complètement dans les îles britanniques ^[1] et s’est ensuite répandu dans tout l’Empire britannique et dans le reste de l’Europe et de l’Amérique. ^[2]

Conception de William Morris pour le papier peint “Trellis”, 1862

Initié en réaction contre l’appauvrissement perçu des arts décoratifs et des conditions dans lesquelles ils étaient produits ^[3] , le mouvement s’épanouit en Europe et en Amérique du Nord entre 1880 et 1920 environ. Il est à l’origine du Modern Style , l’expression britannique du ce que l’on appellera plus tard le mouvement Art nouveau , qu’il influencera fortement. ^[4] Au Japon, il est apparu dans les années 1920 sous le nom de mouvement Mingei . Il représentait l’artisanat traditionnel et utilisait souvent des styles de décoration médiévaux , romantiques ou folkloriques . Il prônait une réforme économique et sociale et était anti-industriel dans son orientation. ^[3][5] Il a eu une forte influence sur les arts en Europe jusqu’à ce qu’il soit remplacé par le modernisme dans les années 1930, ^[1] et son influence s’est poursuivie parmi les artisans, les designers et les urbanistes longtemps après. ^[6]

Le terme a été utilisé pour la première fois par TJ Cobden-Sanderson lors d’une réunion de la Arts and Crafts Exhibition Society en 1887, ^[7] bien que les principes et le style sur lesquels il était basé se soient développés en Angleterre depuis au moins 20 ans. Il a été inspiré par les idées de l’architecte Augustus Pugin , de l’écrivain John Ruskin et du designer William Morris . ^[8] En Écosse, il est associé à des personnages clés tels que Charles Rennie Mackintosh . ^[9]

Origines et influences

Réforme de la conception

Le mouvement Arts and Crafts est né de la tentative de réforme du design et de la décoration au milieu du XIXe siècle en Grande-Bretagne. C’était une réaction contre une baisse perçue des normes que les réformateurs associaient aux machines et à la production en usine. Leur critique est aiguisée par les objets qu’ils voient à La Grande Exposition de 1851 , qu’ils jugent excessivement ornés , artificiels et ignorants des qualités des matériaux utilisés. L’historien de l’art Nikolaus Pevsner écrit que les expositions montraient “l’ignorance de ce besoin fondamental de créer des motifs, l’intégrité de la surface”, ainsi que “la vulgarité dans les détails”. ^[10] La réforme du design a commencé avec les organisateurs de l’exposition Henry Cole (1808–1882),Owen Jones (1809–1874), Matthew Digby Wyatt (1820–1877) et Richard Redgrave (1804–1888), ^[11] qui ont tous désapprouvé l’ornement excessif et les choses peu pratiques ou mal faites. ^[12] Les organisateurs étaient “unanimes dans leur condamnation des objets exposés.” ^[13] Owen Jones, par exemple, se plaignait que “l’architecte, le tapissier, le teinturier, le tisserand, le calicot-imprimeur et le potier” produisaient “de la nouveauté sans beauté, ou de la beauté sans intelligence”. ^[13] De ces critiques des produits manufacturés ont émergé plusieurs publications qui exposaient ce que les auteurs considéraient comme les principes corrects du design. de Richard RedgraveLe rapport supplémentaire sur le design (1852) analysait les principes du design et de l’ornement et plaidait pour “plus de logique dans l’application de la décoration”. ^[12] D’autres ouvrages suivirent dans la même veine, tels que Wyatt’s Industrial Arts of the Nineteenth Century (1853), Gottfried Semper ‘s Wissenschaft, Industrie und Kunst (“Science, Industry and Art”) (1852), Ralph Wornum ‘s Analyse de l’ornement (1856), Manuel de conception de Redgrave (1876) et Grammaire de l’ornement de Jones (1856). ^[12] La grammaire de l’ornementétait particulièrement influent, distribué généreusement en tant que prix étudiant et courant dans neuf réimpressions en 1910. ^[12]

Jones a déclaré que l’ornement “doit être secondaire par rapport à la chose décorée”, qu’il doit y avoir “une adéquation de l’ornement à la chose ornée”, et que les papiers peints et les tapis ne doivent avoir aucun motif “suggérant autre chose qu’un niveau ou un uni”. ^[14] Un tissu ou un papier peint de la Grande Exposition pourrait être décoré d’un motif naturel rendu aussi réel que possible, alors que ces écrivains préconisaient des motifs naturels plats et simplifiés. Redgrave a insisté sur le fait que le «style» exigeait une construction solide avant l’ornementation et une bonne conscience de la qualité des matériaux utilisés. « L’utilité doit primer sur l’ornementation. ^[15]

The Nature of Gothic de John Ruskin, imprimé par William Morris à la Kelmscott Press en 1892 dans son Golden Type inspiré par l’imprimeur du XVe siècle Nicolas Jenson . Ce chapitre des Pierres de Venise (livre) était une sorte de manifeste pour le mouvement Arts and Crafts.

Cependant, les réformateurs du design du milieu du XIXe siècle ne sont pas allés aussi loin que les designers du mouvement Arts and Crafts. Ils étaient plus préoccupés par l’ornementation que par la construction, ils avaient une compréhension incomplète des méthodes de fabrication ^[15] et ils ne critiquaient pas les méthodes industrielles en tant que telles. En revanche, le mouvement Arts and Crafts était autant un mouvement de réforme sociale qu’une réforme du design, et ses principaux praticiens ne séparaient pas les deux.

AWN Puguin

La maison de Pugin “The Grange” à Ramsgate, 1843. Son style gothique simplifié, adapté à la construction domestique, a contribué à façonner l’architecture du mouvement Arts and Crafts.

Certaines des idées du mouvement ont été anticipées par AWN Pugin (1812–1852), un chef de file du renouveau gothique en architecture . Par exemple, il a prôné la vérité du matériau, de la structure et de la fonction, tout comme les artistes Arts and Crafts. ^[16] Pugin a articulé la tendance des critiques sociaux à comparer les défauts de la société moderne au Moyen Âge, ^[17] comme la croissance tentaculaire des villes et le traitement des pauvres – une tendance qui est devenue routinière avec Ruskin, Morris et le mouvement Arts and Crafts. Son livre Contrasts (1836) a attiré des exemples de mauvais bâtiments modernes et d’urbanisme en contraste avec de bons exemples médiévaux, et sa biographe Rosemary Hillnote qu’il “est parvenu à des conclusions, presque en passant, sur l’importance de l’artisanat et de la tradition dans l’architecture qu’il faudrait le reste du siècle et les efforts combinés de Ruskin et Morris pour élaborer en détail”. Elle décrit le mobilier de rechange qu’il a spécifié pour un bâtiment en 1841, «chaises de jonc, tables en chêne», comme «l’intérieur Arts and Crafts en embryon». ^[17]

John Ruskins

La philosophie Arts and Crafts découlait en grande partie de la critique sociale de John Ruskin , profondément influencée par l’œuvre de Thomas Carlyle . ^[18] Ruskin a lié la santé morale et sociale d’une nation aux qualités de son architecture et à la nature de son travail. Ruskin considérait le type de production mécanisée et de division du travail qui avait été créé lors de la Révolution industrielle comme un «travail servile», et il pensait qu’une société saine et morale nécessitait des travailleurs indépendants qui concevaient les choses qu’ils fabriquaient. Il croyait que les œuvres fabriquées en usine étaient «malhonnêtes» et que le travail manuel et l’artisanat fusionnaient dignité et travail. ^[19]Ses partisans préféraient la production artisanale à la fabrication industrielle et s’inquiétaient de la perte des savoir-faire traditionnels, mais ils étaient plus troublés par les effets du système d’usine que par les machines elles-mêmes. ^[20] L’idée de “l’artisanat” de William Morris était essentiellement un travail sans aucune division du travail plutôt qu’un travail sans aucune sorte de machines. ^[21]

Guillaume Morris

William Morris , un designer textile qui a eu une influence clé sur le mouvement Arts and Crafts

William Morris (1834–1896) était la figure dominante du design de la fin du XIXe siècle et la principale influence sur le mouvement Arts and Crafts. La vision esthétique et sociale du mouvement est née d’idées qu’il a développées dans les années 1850 avec le Birmingham Set – un groupe d’étudiants de l’ Université d’Oxford, dont Edward Burne-Jones , qui a combiné un amour de la Littérature romantique avec un engagement social . réforme. ^[22] John William Mackail note que “le passé et le présent de Carlyle se tenaient aux côtés des peintres modernes [de Ruskin] comme une vérité inspirée et absolue.” ^[23] Le médiévalisme de Malory’s Morte d’Arthur a établi la norme pour leur style précoce. ^[24] Selon les mots de Burne-Jones, ils avaient l’intention de “mener la guerre sainte contre l’âge”. ^[25]

la maison rouge de William Morris à Bexleyheath, conçue par Philip Webb et achevée en 1860 ; l’un des bâtiments les plus importants du mouvement Arts and Crafts ^[26]

Morris a commencé à expérimenter divers métiers et à concevoir des meubles et des intérieurs. ^[27] Il était personnellement impliqué dans la fabrication ainsi que dans la conception, ^[27] qui était la marque du mouvement Arts and Crafts. Ruskin avait soutenu que la séparation de l’acte intellectuel de conception de l’acte manuel de création physique était à la fois socialement et esthétiquement dommageable. Morris a développé plus avant cette idée, insistant sur le fait qu’aucun travail ne devrait être effectué dans ses ateliers avant d’avoir personnellement maîtrisé les techniques et les matériaux appropriés, arguant que “sans occupation humaine digne et créative, les gens étaient déconnectés de la vie”. ^[27]

Le hangar de tissage de l’usine de Morris & Co à Merton , qui a ouvert ses portes dans les années 1880

En 1861, Morris a commencé à fabriquer des meubles et des objets décoratifs dans le commerce, modelant ses créations sur des styles médiévaux et utilisant des formes audacieuses et des couleurs fortes. Ses motifs étaient basés sur la flore et la faune, et ses produits s’inspiraient des traditions vernaculaires ou domestiques de la campagne britannique. Certaines ont été volontairement laissées inachevées afin de mettre en valeur la beauté des matériaux et le travail de l’artisan, créant ainsi un aspect rustique. Morris s’est efforcé d’unir tous les arts dans la décoration de la maison, mettant l’accent sur la nature et la simplicité des formes. ^[28]

Principes sociaux et de conception

Contrairement à leurs homologues aux États-Unis, la plupart des praticiens des arts et métiers en Grande-Bretagne avaient des sentiments négatifs forts, légèrement incohérents, à propos des machines. Ils considéraient « l’artisan » comme libre, créatif et travaillant de ses mains, « la machine » comme sans âme, répétitive et inhumaine. Ces images contrastées proviennent en partie de The Stones of Venice de John Ruskin (1819-1900) , une histoire architecturale de Venise qui contient une puissante dénonciation de l’industrialisme moderne auquel les créateurs d’Arts and Crafts revenaient encore et encore. La méfiance à l’égard de la machine est à l’origine de nombreux petits ateliers qui tournent le dos au monde industriel vers 1900, utilisant des techniques préindustrielles pour créer ce qu’ils appellent des « artisanats ». – Alan Crawford, ” WAS Benson , Machines et mouvement des arts et métiers en Grande-Bretagne” [29]

Critique de l’industrie

William Morris partage la critique de Ruskin de la société industrielle et attaque à un moment ou à un autre l’usine moderne, l’utilisation des machines, la division du travail, le capitalisme et la perte des méthodes artisanales traditionnelles. Mais son attitude envers les machines était incohérente. Il a dit à un moment donné que la production par des machines était “tout à fait un mal”, ^[10] mais à d’autres moments, il était disposé à commander des travaux à des fabricants capables de répondre à ses normes à l’aide de machines. ^[30] Morris a dit que dans une “vraie société”, où ni produits de luxe ni déchets bon marché n’étaient fabriqués, les machines pouvaient être améliorées et utilisées pour réduire les heures de travail. ^[31] Fiona MacCarthy dit que “contrairement à des fanatiques ultérieurs comme Gandhi, William Morris n’avait aucune objection pratique à l’utilisation de machines en soi tant que les machines produisaient la qualité dont il avait besoin.” ^[32]

Morris a insisté pour que l’artiste soit un artisan-designer travaillant à la main ^[10] et a préconisé une société d’artisans libres, telle qu’il croyait avoir existé au Moyen Âge. “Parce que les artisans prenaient plaisir à leur travail”, écrit-il, “le Moyen Âge fut une période de grandeur dans l’art des gens du peuple. … Les trésors de nos musées ne sont plus que les ustensiles courants utilisés dans les ménages de cette époque. , lorsque des centaines d’églises médiévales – chacune un chef-d’œuvre – ont été construites par des paysans peu avertis.” ^[33] L’art médiéval a été le modèle d’une grande partie de la conception des arts et métiers, et la vie, la littérature et la construction médiévales ont été idéalisées par le mouvement.

Les partisans de Morris avaient également des opinions divergentes sur les machines et le système d’usine. Par exemple, C. R. Ashbee , une figure centrale du mouvement Arts and Crafts, a déclaré en 1888 : « Nous ne rejetons pas la machine, nous l’accueillons. Mais nous souhaiterions la voir maîtrisée. ^{[10] [34]} Après avoir opposé sans succès sa guilde et sa guilde d’école d’artisanat aux méthodes de fabrication modernes, il a reconnu que “la civilisation moderne repose sur des machines”, ^[10] mais il a continué à critiquer les effets délétères de ce qu’il appelait “le mécanisme”. », disant que « la production de certains produits mécaniques est aussi mauvaise pour la santé nationale que la production de canne cultivée en esclavage ou de marchandises en sueur d’enfants ». , en revanche, n’hésite pas à adapter le style Arts and Crafts à la ferronnerie réalisée dans des conditions industrielles. (Voir encadré de citation.)

Morris et ses partisans pensaient que la division du travail dont dépendait l’industrie moderne n’était pas souhaitable, mais la mesure dans laquelle chaque conception devait être réalisée par le concepteur était un sujet de débat et de désaccord. Tous les artistes Arts and Crafts n’ont pas réalisé eux-mêmes toutes les étapes de la fabrication des produits, et ce n’est qu’au XXe siècle que cela est devenu essentiel à la définition de l’artisanat. Bien que Morris soit célèbre pour avoir lui-même acquis une expérience pratique de nombreux métiers (y compris le tissage, la teinture, l’impression, la calligraphie et la broderie), il ne considérait pas la séparation du concepteur et de l’exécuteur dans son usine comme problématique. Walter Crane , un proche associé politique de Morris, a adopté une vision antipathique de la division du travail pour des raisons à la fois morales et artistiques, et a fortement préconisé que la conception et la fabrication doivent provenir de la même main. Lewis Foreman Day, un ami et contemporain de Crane, aussi constant que Crane dans son admiration pour Morris, était fortement en désaccord avec Crane. Il pensait que la séparation de la conception et de l’exécution était non seulement inévitable dans le monde moderne, mais aussi que seule cette sorte de spécialisation permettait le meilleur dans la conception et le meilleur dans la fabrication.^[36] Peu de fondateurs de l’ Arts and Crafts Exhibition Society ont insisté sur le fait que le concepteur devait également être le fabricant. Peter Floud, écrivant dans les années 1950, a déclaré que “Les fondateurs de la Société … n’ont jamais exécuté leurs propres conceptions, mais les ont invariablement confiées à des entreprises commerciales.” ^[37] L’idée que le concepteur devrait être le fabricant et le fabricant, le concepteur découlait «non de Morris ou de l’enseignement des premiers arts et métiers, mais plutôt de la doctrine d’élaboration de deuxième génération élaborée dans la première décennie du [XXe] siècle par des hommes comme WR Lethaby “. ^[37]

Socialisme

De nombreux concepteurs du mouvement Arts and Crafts étaient socialistes, notamment Morris, TJ Cobden Sanderson , Walter Crane , CR Ashbee , Philip Webb , Charles Faulkner et AH Mackmurdo . ^[38] Au début des années 1880, Morris passait plus de temps à promouvoir le socialisme qu’à concevoir et fabriquer. ^[39] Ashbee a établi une communauté d’artisans appelée la Guilde d’Artisanat dans l’est de Londres, se déplaçant plus tard à Chipping Campden . ^[7] Ces adhérents qui n’étaient pas socialistes, comme Alfred Hoare Powell , ^[20]préconise une relation plus humaine et personnelle entre l’employeur et l’employé. Lewis Foreman Day était un autre designer d’art et d’artisanat à succès et influent qui n’était pas socialiste, malgré sa longue amitié avec Crane.

Association avec d’autres mouvements de réforme

En Grande-Bretagne, le mouvement était associé à la Réforme vestimentaire , ^[40] au Ruralisme , au mouvement des cités-jardins ^[6] et au renouveau de la chanson folklorique . Tous étaient liés, dans une certaine mesure, par l’idéal de “la vie simple”. ^[41] En Europe continentale, le mouvement était associé à la préservation des traditions nationales dans la construction, les arts appliqués, le design domestique et le costume. ^[42]

Développement

Les créations de Morris sont rapidement devenues populaires, suscitant l’intérêt lorsque le travail de son entreprise a été exposé à l’ Exposition internationale de 1862 à Londres. Une grande partie des premiers travaux de Morris & Co concernait des églises et Morris a remporté d’importantes commandes de design d’intérieur au palais St James et au South Kensington Museum (aujourd’hui le Victoria and Albert Museum). Plus tard, son travail est devenu populaire auprès des classes moyennes et supérieures, malgré son souhait de créer un art démocratique, et à la fin du XIXe siècle, le design Arts and Crafts dans les maisons et les intérieurs domestiques était le style dominant en Grande-Bretagne, copié dans les produits fabriqués par les méthodes industrielles classiques.

La diffusion des idées Arts and Crafts à la fin du 19e et au début du 20e siècle a entraîné la création de nombreuses associations et communautés d’artisans, bien que Morris ait eu peu à voir avec elles en raison de sa préoccupation pour le socialisme à l’époque. Cent trente organisations Arts and Crafts ont été formées en Grande-Bretagne, la plupart entre 1895 et 1905. ^[43]

En 1881, Eglantyne Louisa Jebb , Mary Fraser Tytler et d’autres ont lancé la Home Arts and Industries Association pour encourager les classes ouvrières, en particulier celles des zones rurales, à se lancer dans l’artisanat sous surveillance, non à des fins lucratives, mais afin de leur fournir des outils utiles. occupations et d’améliorer leur goût. En 1889, il comptait 450 classes, 1 000 professeurs et 5 000 élèves. ^[44]

En 1882, l’architecte AHMackmurdo a formé la Century Guild , un partenariat de designers comprenant Selwyn Image , Herbert Horne , Clement Heaton et Benjamin Creswick . ^{[45] [46]}

En 1884, l’ Art Workers Guild est initiée par cinq jeunes architectes, William Lethaby , Edward Prior , Ernest Newton , Mervyn Macartney et Gerald C. Horsley , dans le but de réunir Beaux-Arts et arts appliqués et d’élever le statut de ces derniers. Il a été réalisé à l’origine par George Blackall Simonds . En 1890, la Guilde comptait 150 membres, représentant le nombre croissant de praticiens du style Arts and Crafts. ^[47] Il existe toujours.

Le grand magasin londonien Liberty & Co. , fondé en 1875, était un important détaillant d’articles dans le style et de la « robe artistique » prisés par les adeptes du mouvement Arts and Crafts.

En 1887, la Arts and Crafts Exhibition Society , qui a donné son nom au mouvement, a été formée avec Walter Crane comme président, tenant sa première exposition à la New Gallery , Londres, en novembre 1888. ^[48] C’était la première exposition d’art contemporain. arts décoratifs à Londres depuis l’exposition d’hiver de la Grosvenor Gallery de 1881. ^[49] Morris & Co. était bien représenté dans l’exposition avec des meubles, des tissus, des tapis et des broderies. Edward Burne-Jones a observé, “ici, pour la première fois, on peut mesurer un peu le changement qui s’est produit au cours des vingt dernières années”. ^[50]La société existe toujours sous le nom de Society of Designer Craftsmen. ^[51]

En 1888, CRashbee , un grand praticien tardif du style en Angleterre, fonde la Guild and School of Handicraft dans l’East End de Londres. La guilde était une coopérative artisanale calquée sur les guildes médiévales et destinée à donner aux ouvriers satisfaction dans leur savoir-faire. Des artisans qualifiés, travaillant selon les principes de Ruskin et Morris, devaient produire des objets artisanaux et gérer une école d’apprentis. L’idée a été accueillie avec enthousiasme par presque tout le monde sauf Morris, qui était désormais impliqué dans la promotion du socialisme et pensait que le plan d’Ashbee était trivial. De 1888 à 1902, la guilde a prospéré, employant environ 50 hommes. En 1902, Ashbee a déplacé la guilde hors de Londres pour créer une communauté expérimentale à Chipping Campden .dans les Cotswolds . Le travail de la guilde se caractérise par des surfaces unies d’argent martelé, des fils de fer fluides et des pierres colorées dans des décors simples. Bijoux et vaisselle en argent conçus par Ashbee. La guilde a prospéré à Chipping Camden mais n’a pas prospéré et a été liquidée en 1908. Certains artisans sont restés, contribuant à la tradition de l’artisanat moderne dans la région. ^{[16] [52] [53]}

CFA Voysey (1857–1941) était un architecte Arts and Crafts qui a également conçu des tissus, des carreaux, de la céramique, des meubles et de la ferronnerie. Son style allie simplicité et sophistication. Ses papiers peints et textiles, présentant des formes stylisées d’oiseaux et de plantes dans des contours audacieux avec des couleurs plates, ont été largement utilisés. ^[16]

La pensée de Morris a influencé le distributisme de GK Chesterton et Hilaire Belloc . ^[54]

Coleton Fishacre a été conçu en 1925 comme une maison de vacances à Kingswear, Devon, Angleterre, dans la tradition Arts and Crafts.

À la fin du XIXe siècle, les idéaux des Arts et Métiers avaient influencé l’architecture, la peinture, la sculpture, le graphisme, l’illustration, la fabrication de livres et la photographie, le design domestique et les arts décoratifs, y compris le mobilier et la menuiserie, le vitrail, la ^maroquinerie , la dentelle. , broderie, fabrication et tissage de tapis, joaillerie et ferronnerie, émaillage et céramique. ^[56] En 1910, il y avait une mode pour les ” Arts et Métiers ” et toutes les choses faites à la main. Il y avait une prolifération d’artisanat amateur de qualité variable ^[57] et d’imitateurs incompétents qui ont amené le public à considérer les Arts et Métiers comme “quelque chose de moins, au lieu de plus, compétent et adapté à l’usage qu’un article ordinaire produit en série”. ^[58]

La Arts and Crafts Exhibition Society a organisé onze expositions entre 1888 et 1916. Au début de la guerre en 1914, elle était en déclin et faisait face à une crise. Son exposition de 1912 avait été un échec financier. ^[59] Alors que les designers d’Europe continentale faisaient des innovations dans le design et des alliances avec l’industrie par le biais d’initiatives telles que le Deutsche Werkbund et que de nouvelles initiatives étaient prises en Grande-Bretagne par les Omega Workshops et la Design in Industries Association , la Arts and Crafts Exhibition Society, maintenant sous le contrôle d’une vieille garde, se retirait du commerce et de la collaboration avec les fabricants dans le travail manuel puriste et ce que Tania Harrod décrit comme une “démarchandisation” ^[59]Son rejet d’un rôle commercial a été considéré comme un tournant dans sa fortune. ^[59] Nikolaus Pevsner dans son livre Pioneers of Modern Design présente le mouvement Arts and Crafts comme des radicaux du design qui ont influencé le mouvement moderne, mais n’ont pas réussi à changer et ont finalement été remplacés par celui-ci. ^[dix]

Influences ultérieures

L’artiste potier britannique Bernard Leach a apporté en Angleterre de nombreuses idées qu’il avait développées au Japon avec le critique social Yanagi Soetsu sur la valeur morale et sociale de l’artisanat simple ; tous deux étaient des lecteurs enthousiastes de Ruskin. Leach était un propagandiste actif de ces idées, qui ont touché une corde sensible chez les praticiens de l’artisanat dans l’entre-deux-guerres, et il les a exposées dans A Potter’s Book , publié en 1940, qui dénonçait la société industrielle en des termes aussi véhéments que ceux de Ruskin. et Morris. Ainsi, la philosophie Arts and Crafts s’est perpétuée parmi les artisans britanniques dans les années 1950 et 1960, longtemps après la disparition du mouvement Arts and Crafts et à la marée montante du modernisme. Meubles utilitaires britanniquesdes années 1940 découle également des principes Arts and Crafts. ^[60] L’un de ses principaux promoteurs, Gordon Russell , président du Utility Furniture Design Panel, était imprégné d’idées Arts and Crafts. Il fabriquait des meubles dans les Cotswold Hills, une région de fabrication de meubles Arts and Crafts depuis Ashbee, et il était membre de la Arts and Crafts Exhibition Society. La biographe de William Morris, Fiona MacCarthy , a détecté la philosophie Arts and Crafts même derrière le Festival of Britain (1951), le travail du designer Terence Conran (né en 1931) ^[6] et la fondation du British Crafts Council dans les années 1970. ^[61]

Par région

Les îles britanniques

Vitrail, The Hill House, Helensburgh, Argyll and Bute Écosse

Les débuts du mouvement Arts and Crafts en Écosse remontent au renouveau du vitrail des années 1850, lancé par James Ballantine (1808–1877). Ses principaux travaux comprenaient la grande fenêtre ouest de l’abbaye de Dunfermline et le projet de la cathédrale Saint-Gilles d’Édimbourg. À Glasgow, il a été lancé par Daniel Cottier (1838–1891), qui avait probablement étudié avec Ballantine, et a été directement influencé par William Morris , Ford Madox Brown et John Ruskin . Ses œuvres clés comprenaient le Baptême du Christ à Paisley Abbey , (vers 1880). Ses partisans comprenaient Stephen Adam et son fils du même nom. ^[62]Le designer et théoricien né à Glasgow Christopher Dresser (1834-1904) a été l’un des premiers et des plus importants designers indépendants, une figure centrale du mouvement esthétique et un contributeur majeur au mouvement allié anglo-japonais . ^[63] Le mouvement connut une “floraison extraordinaire” en Ecosse où il fut représenté par le développement du ” Glasgow Style ” qui s’appuyait sur le talent de la Glasgow School of Art . La renaissance celtique s’est installée ici et des motifs tels que la rose de Glasgow se sont popularisés. Charles Rennie Mackintosh (1868–1928) et la Glasgow School of Art devaient influencer les autres dans le monde entier. ^{[1] [56]}

Le Musée Robert Owen, Newtown, par Frank Shayler . Pays de Galles

La situation au Pays de Galles était différente de celle du reste du Royaume-Uni. En ce qui concerne l’artisanat, Arts and Crafts était une campagne revivaliste . Mais au Pays de Galles, au moins jusqu’à la Première Guerre mondiale , une véritable tradition artisanale existait encore. Les matériaux locaux, pierre ou argile, ont continué à être utilisés naturellement. ^[64]

L’Écosse s’est fait connaître dans le mouvement Arts and Crafts pour ses vitraux; Le Pays de Galles deviendrait connu pour sa poterie. Au milieu du XIXe siècle, les lourdes glaçures au sel utilisées depuis des générations par les artisans locaux étaient passées de mode, notamment parce que les céramiques produites en série réduisaient les prix. Mais le mouvement Arts and Crafts a apporté une nouvelle appréciation à leur travail. Horace W Elliot, un galeriste anglais, a visité la poterie Ewenny (qui datait du XVIIe siècle) en 1885, à la fois pour trouver des pièces locales et encourager un style compatible avec le mouvement. ^[65] Les pièces qu’il a ramenées à Londres pendant les vingt années suivantes ont ravivé l’intérêt pour le travail de poterie gallois.

Un promoteur clé du mouvement Arts and Crafts au Pays de Galles était Owen Morgan Edwards . Edwards était un politicien réformateur voué à renouveler la fierté galloise en exposant son peuple à sa propre langue et à son histoire. Pour Edwards, “Il n’y a rien que le Pays de Galles n’exige de plus qu’une éducation dans les arts et l’artisanat.” ^[66] – bien qu’Edwards soit plus enclin à ressusciter le nationalisme gallois qu’à admirer les émaux ou l’intégrité rustique. ^[67]

En architecture, Clough Williams-Ellis a cherché à renouveler l’intérêt pour la construction ancienne, faisant revivre la construction en “terre battue” ou en pisé [1] en Grande-Bretagne.

Irlande

Le mouvement s’est répandu en Irlande, représentant une période importante pour le développement culturel de la nation, une contrepartie visuelle au renouveau littéraire de la même époque ^[68] et était une publication du nationalisme irlandais. L’utilisation du vitrail par les arts et l’artisanat était populaire en Irlande, avec Harry Clarke l’artiste le plus connu et aussi avec Evie Hone . L’architecture du style est représentée par la chapelle Honan (1916) dans la ville de Cork sur le terrain de l’ University College Cork . ^[69] D’autres architectes exerçant en Irlande comprenaient Sir Edwin Lutyens (Heywood House dans le comté de Laois, l’île de Lambay et les Irish National War Memorial Gardensà Dublin) et Frederick ‘Pa’ Hicks ( bâtiments du domaine du château de Malahide et tour ronde). Les motifs celtiques irlandais étaient populaires auprès du mouvement de l’orfèvrerie, de la conception de tapis, des illustrations de livres et des meubles sculptés à la main.

Europe continentale

En Europe continentale, la renaissance et la préservation des styles nationaux étaient un motif important des designers Arts and Crafts; par exemple, en Allemagne, après l’unification en 1871 sous l’impulsion du Bund für Heimatschutz (1897) ^[70] et de la Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk fondée en 1898 par Karl Schmidt ; et en Hongrie, Károly Kós a relancé le style vernaculaire du transylvanienimmeuble. En Europe centrale, où plusieurs nationalités diverses vivaient sous de puissants empires (Allemagne, Autriche-Hongrie et Russie), la découverte du vernaculaire était associée à l’affirmation de la fierté nationale et à la lutte pour l’indépendance, et, alors que pour les artisans d’art en En Grande-Bretagne, le style idéal se trouvait au Moyen Âge, en Europe centrale, il était recherché dans les villages paysans reculés. ^[71]

Les artistes suédois Carl Larsson et Karin Bergöö Larsson se sont inspirés du mouvement Arts and Crafts lors de la conception de leur maison.

Largement exposé en Europe, la simplicité du style Arts and Crafts a inspiré des designers comme Henry van de Velde et des styles tels que l’Art nouveau , le groupe néerlandais De Stijl , la Sécession viennoise et finalement le style Bauhaus . Pevsner considérait le style comme un prélude au modernisme , qui utilisait des formes simples sans ornementation. ^[dix]

La première activité Arts and Crafts en Europe continentale a eu lieu en Belgique vers 1890, où le style anglais a inspiré des artistes et des architectes tels que Henry Van de Velde , Gabriel Van Dievoet , Gustave Serrurier-Bovy et un groupe connu sous le nom de La Libre Esthétique (Free Aesthetic) .

Les produits Arts and Crafts ont été admirés en Autriche et en Allemagne au début du XXe siècle et, sous leur inspiration, le design a rapidement progressé alors qu’il stagnait en Grande-Bretagne. ^[72] La Wiener Werkstätte , fondée en 1903 par Josef Hoffmann et Koloman Moser , a été influencée par les principes Arts and Crafts de “l’unité des arts” et du fait-main. Le Deutscher Werkbund (Association allemande des artisans) a été créé en 1907 en tant qu’association d’artistes, d’architectes, de designers et d’industriels pour améliorer la compétitivité mondiale des entreprises allemandes et est devenu un élément important dans le développement de l’architecture moderne .et le design industriel à travers son plaidoyer pour une production standardisée. Cependant, ses principaux membres, van de Velde et Hermann Muthesius , avaient des opinions divergentes sur la normalisation. Muthesius croyait qu’il était essentiel que l’Allemagne devienne une nation leader dans le commerce et la culture. Van de Velde, représentant une attitude Arts and Crafts plus traditionnelle, croyait que les artistes “protesteraient à jamais contre l’imposition d’ordres ou de standardisation” et que “l’artiste … ne se soumettra jamais, de son propre chef, à une discipline qui lui impose un canon ou un type.” ^[73]

En Finlande, une colonie d’artistes idéalistes à Helsinki a été conçue par Herman Gesellius , Armas Lindgren et Eliel Saarinen , ^[1] qui ont travaillé dans le style national romantique , apparenté au néo- gothique britannique .

En Hongrie , sous l’influence de Ruskin et Morris, un groupe d’artistes et d’architectes, dont Károly Kós , Aladár Körösfői-Kriesch et Ede Toroczkai Wigand, découvre l’ art populaire et l’architecture vernaculaire de Transylvanie . De nombreux bâtiments de Kós, y compris ceux du zoo de Budapest et du domaine Wekerle dans la même ville, témoignent de cette influence. ^[74]

En Russie, Viktor Hartmann , Viktor Vasnetsov , Yelena Polenova et d’autres artistes associés à la colonie d’Abramtsevo ont cherché à faire revivre la qualité des arts décoratifs russes médiévaux tout à fait indépendamment du mouvement en Grande-Bretagne.

En Islande, le travail de Sölvi Helgason montre l’influence Arts and Crafts.

Amérique du Nord

Façade du château dans les nuages ​​et pelouse surplombant le lac Winnipesaukee dans le New Hampshire , construit de 1913 à 1914. Warren Wilson Beach House (The Venice Beach House), Venise, Californie Gamble House, Pasadena, Californie Arts and Crafts Tudor Home dans le quartier historique de Buena Park, Uptown, Chicago Exemple d’influence du style Arts and Crafts sur l’ architecture de la Fédération Observez la baie vitrée à facettes et la base en pierre. Maison d’art et d’artisanat dans le quartier Birckhead Place de Toledo, Ohio

Aux États-Unis, le style Arts and Crafts a lancé diverses tentatives de réinterprétation des idéaux européens des arts et métiers pour les Américains. Ceux-ci comprenaient l’architecture, les meubles et d’autres arts décoratifs de style “Craftsman” tels que les dessins promus par Gustav Stickley dans son magazine, The Craftsman et les dessins produits sur le campus de Roycroft tels que publiés dans The Fra d’ Elbert Hubbard . Les deux hommes ont utilisé leurs magazines comme véhicule pour promouvoir les produits fabriqués avec l’atelier Craftsman à Eastwood, NY et le campus Roycroft d’Elbert Hubbard à East Aurora, NY . Une foule d’imitateurs des meubles de Stickley (dont les dessins sont souvent mal étiquetés le ” Style Mission”) comprenait trois sociétés créées par ses frères.

Les termes American Craftsman ou Craftsman style sont souvent utilisés pour désigner le style d’architecture, de design d’intérieur et d’arts décoratifs qui a prévalu entre les époques dominantes de l’ Art nouveau et de l’ Art déco aux États-Unis, soit approximativement la période de 1910 à 1925. Le mouvement était particulièrement remarquable pour les opportunités professionnelles qu’il ouvrait aux femmes en tant qu’artisanes, designers et entrepreneurs qui ont fondé et dirigé, ou étaient employées par, des entreprises prospères telles que Kalo Shops , Pewabic Pottery , Rookwood Pottery et Tiffany Studios . Au Canada, le terme Arts and Crafts prédomine, maisL’artisan est également reconnu. ^[75]

Alors que les Européens tentaient de recréer l’artisanat vertueux remplacé par l’industrialisation, les Américains essayaient d’établir un nouveau type de vertu pour remplacer la production artisanale héroïque : les maisons bourgeoises bien décorées. Ils ont affirmé que l’esthétique simple mais raffinée des arts décoratifs Arts and Crafts ennoblirait la nouvelle expérience de consommation industrielle, rendant les individus plus rationnels et la société plus harmonieuse. Le mouvement américain Arts and Crafts était le pendant esthétique de sa philosophie politique contemporaine, le progressisme . De manière caractéristique, lorsque l’Arts and Crafts Society a commencé en octobre 1897 à Chicago, c’était à Hull House , l’une des premières maisons de colonisation américaines pour la réforme sociale. ^[76]

Les idéaux Arts and Crafts diffusés en Amérique par le biais de la rédaction de journaux et de journaux ont été complétés par des sociétés qui ont parrainé des conférences. ^[76] Le premier a été organisé à Boston à la fin des années 1890, lorsqu’un groupe d’architectes, de designers et d’éducateurs influents a décidé d’apporter en Amérique les réformes de conception commencées en Grande-Bretagne par William Morris ; ils se sont réunis pour organiser une exposition d’objets d’artisanat contemporain. La première réunion a eu lieu le 4 janvier 1897, au Musée des Beaux-Arts(MFA) à Boston pour organiser une exposition d’artisanat contemporain. Lorsque les artisans, les consommateurs et les fabricants ont réalisé le potentiel esthétique et technique des arts appliqués, le processus de réforme du design à Boston a commencé. Étaient présents à cette réunion le général Charles Loring, président des administrateurs du MFA ; William Sturgis Bigelow et Denman Ross , collectionneurs, écrivains et administrateurs du MFA ; Ross Turner, peintre ; Sylvester Baxter , critique d’art pour le Boston Transcript ; Howard Baker, AW Longfellow Jr. ; et Ralph Clipson Sturgis, architecte.

La première exposition américaine d’art et d’artisanat a débuté le 5 avril 1897 au Copley Hall de Boston, avec plus de 1000 objets fabriqués par 160 artisans, dont la moitié étaient des femmes. ^[77] Certains des partisans de l’exposition étaient Langford Warren, fondateur de l’école d’architecture de Harvard ; Mme Richard Morris Hunt; Arthur Astor Carey et Edwin Mead, réformateurs sociaux ; et Will H. Bradley, designer graphique. Le succès de cette exposition a abouti à l’incorporation de la Société des arts et métiers (SAC), le 28 juin 1897, avec pour mandat de “développer et d’encourager des normes plus élevées dans l’artisanat”. Les 21 fondateurs ont affirmé être intéressés par plus que les ventes et ont mis l’accent sur l’encouragement des artistes à produire des œuvres avec la meilleure qualité de fabrication et de conception. Ce mandat a rapidement été étendu à un credo, peut-être écrit par le premier président du SAC, Charles Eliot Norton , qui disait :

Cette société a été constituée dans le but de promouvoir le travail artistique dans toutes les branches de l’artisanat. Il espère amener les concepteurs et les ouvriers dans des relations mutuellement utiles et encourager les ouvriers à exécuter leurs propres projets. Il s’efforce de stimuler chez les ouvriers une appréciation de la dignité et de la valeur d’un bon dessein ; pour contrecarrer l’impatience populaire de la loi et de la forme, et le désir de sur-ornementation et d’originalité spécieuse. Il insistera sur la nécessité de la sobriété et de la retenue, ou de l’arrangement ordonné, du respect dû à la relation entre la forme d’un objet et son utilisation, et de l’harmonie et de la convenance dans la décoration qui y est placée. ^[78]

Construit en 1913-14 par l’architecte bostonien J. Williams Beal dans les montagnes Ossipee du New Hampshire , le domaine au sommet d’une montagne de Tom et Olive Plant , Castle in the Clouds , également connu sous le nom de Lucknow , est un excellent exemple du style American Craftsman en Nouvelle-Angleterre. ^[79]

La communauté Roycroft initiée par Elbert Hubbard à Buffalo et East Aurora, New York , Joseph Marbella , des communautés utopiques comme Byrdcliffe Colony à Woodstock, New York , et Rose Valley, Pennsylvanie , des développements tels que Mountain Lakes, New Jersey , avec des clusters, ont également été influentes . de bungalows et de châteaux construits par Herbert J. Hapgood, et le style contemporain de l’atelier d’artisanat. Poterie de studio – illustrée par la Grueby Faience Company , Newcomb Pottery à la Nouvelle-Orléans ,La poterie Marblehead , la poterie Teco, la poterie Overbeck et Rookwood et la poterie Pewabic de Mary Chase Perry Stratton à Detroit , la société Van Briggle Pottery à Colorado Springs, Colorado , ainsi que les carreaux d’art fabriqués par Ernest A. Batchelder à Pasadena, Californie , et les meubles idiosyncratiques de Charles Rohlfs démontrent tous l’influence des Arts and Crafts.

Architecture et Arts

La ” Prairie School ” de Frank Lloyd Wright , George Washington Maher et d’autres architectes à Chicago, le mouvement Country Day School , le style de maisons bungalow et ultime bungalow popularisé par Greene et Greene , Julia Morgan et Bernard Maybeck sont quelques exemples de la Style d’architecture American Arts and Crafts et American Craftsman . Des exemples restaurés et protégés par des monuments sont toujours présents en Amérique, en particulier en Californie à Berkeley et Pasadena, et les sections d’autres villes initialement développées à l’époque et ne connaissant pas le renouvellement urbain d’après-guerre. Mission Revival , Prairie School et les styles de construction résidentielle « California bungalow » restent populaires aux États-Unis aujourd’hui.

En tant que théoriciens, éducateurs et artistes prolifiques dans des domaines allant de la gravure à la poterie et au pastel, deux des figures les plus influentes étaient Arthur Wesley Dow (1857–1922) sur la côte Est et Pedro Joseph de Lemos (1882–1954) en Californie. Dow, qui enseigna à l’Université de Columbia et fonda l’Ipswich Summer School of Art, publia en 1899 son œuvre historique Composition , qui distillait dans une approche typiquement américaine l’essence de la composition japonaise, combinant en un amalgame décoratif harmonieux trois éléments : la simplicité de la ligne, ” notan” (l’équilibre des zones claires et sombres) et la symétrie des couleurs. ^[80]Son but était de créer des objets finement travaillés et magnifiquement rendus. Son élève de Lemos, qui est devenu directeur du San Francisco Art Institute , directeur du Stanford University Museum and Art Gallery et rédacteur en chef du School Arts Magazine , a développé et considérablement révisé les idées de Dow dans plus de 150 monographies et articles pour écoles d’art aux États-Unis et en Grande-Bretagne. ^[81] Parmi ses nombreux enseignements peu orthodoxes figurait sa conviction que les produits manufacturés pouvaient exprimer “la beauté sublime” et qu’une grande perspicacité devait être trouvée dans les “formes de conception” abstraites des civilisations précolombiennes.

Musées

Le Museum of the American Arts and Crafts Movement à Saint-Pétersbourg, en Floride , a ouvert ses portes en 2019. ^{[82] [83]}

Asie

Au Japon, Yanagi Sōetsu , créateur du mouvement Mingei qui promeut l’art populaire à partir des années 1920, est influencé par les écrits de Morris et Ruskin. ^[33] Comme le mouvement Arts and Crafts en Europe, Mingei a cherché à préserver l’artisanat traditionnel face à la modernisation de l’industrie.

Architecture

Le mouvement… représente en quelque sorte une révolte contre la dure vie mécanique conventionnelle et son insensibilité à la beauté (tout autre chose à l’ornement). C’est une protestation contre ce soi-disant progrès industriel qui produit des marchandises de mauvaise qualité, dont le bon marché est payé par la vie de leurs producteurs et la dégradation de leurs utilisateurs. C’est une protestation contre la transformation des hommes en machines, contre les distinctions artificielles dans l’art et contre le fait de faire de la valeur marchande immédiate, ou de la possibilité de profit, le critère principal du mérite artistique. Elle avance aussi la prétention de tous et chacun à la possession commune de la beauté dans les choses communes et familières, et éveillerait le sens de cette beauté, endormie et déprimée comme elle l’est trop souvent aujourd’hui, soit d’une part par des superflus luxueux, ou de l’autre par l’absence des nécessités les plus communes et l’angoisse lancinante des moyens d’existence ; sans parler des laideurs quotidiennes auxquelles nous avons habitué nos yeux, troublés par le flot du faux goût, ou assombris par la vie précipitée des villes modernes où vivent d’énormes agrégations d’humanité, également éloignées à la fois de l’art et de la nature et de leur bienveillance. et les influences de raffinage. — Walter Crane, “Of The Revival of Design and Handicraft”, in Arts and Crafts Essays , by Members of the Arts and Crafts Exhibition Society, 1893

De nombreux dirigeants du mouvement Arts and Crafts ont été formés comme architectes (par exemple William Morris, AH Mackmurdo, CR Ashbee, WR Lethaby) et c’est sur la construction que le mouvement a eu son influence la plus visible et la plus durable.

Red House , à Bexleyheath , Londres, conçue pour Morris en 1859 par l’architecte Philip Webb , illustre le style Arts and Crafts primitif, avec ses formes solides bien proportionnées, ses larges porches, son toit escarpé, ses fenêtres à arcs pointus, ses cheminées en brique et ses accessoires en bois. Webb a rejeté les renaissances classiques et autres des styles historiques basés sur de grands bâtiments et a basé sa conception sur l’ architecture vernaculaire britannique , exprimant la texture des matériaux ordinaires, tels que la pierre et les tuiles, avec une composition de bâtiment asymétrique et pittoresque. ^[16]

La banlieue londonienne de Bedford Park , construite principalement dans les années 1880 et 1890, compte environ 360 maisons de style Arts and Crafts et était autrefois célèbre pour ses résidents esthétiques . Plusieurs hospices ont été construits dans le style Arts and Crafts, par exemple, Whiteley Village , Surrey, construit entre 1914 et 1917, avec plus de 280 bâtiments, et les Dyers Almshouses , Sussex, construits entre 1939 et 1971. Letchworth Garden City , le premier jardin ville, a été inspiré par les idéaux des Arts et Métiers. ^[6] Les premières maisons ont été conçues par Barry Parker et Raymond Unwin dans la langue vernaculairestyle popularisé par le mouvement et la ville est devenue associée à la noblesse d’esprit et à la vie simple. L’atelier de fabrication de sandales mis en place par Edward Carpenter a déménagé du Yorkshire à Letchworth Garden City et la plaisanterie de George Orwell sur “tous les buveurs de jus de fruits, les nudistes, les porteurs de sandales, les obsédés sexuels, les quakers, les charlatans de ‘Nature Cure’, les pacifistes , et féministe en Angleterre” allant à une conférence socialiste à Letchworth est devenu célèbre. ^[84]

Exemples architecturaux

• Maison Rouge – Bexleyheath, Kent – 1859
• Maison David Parr – Cambridge, Angleterre – 1886–1926
• Manoir de Wightwick – Wolverhampton, Angleterre – 1887–93
• Inglewood – Leicester, Angleterre – 1892
• Standen – East Grinstead, Angleterre – 1894
• Église swedenborgienne – San Francisco, Californie – 1895
• Mary Ward House – Bloomsbury, Londres – 1896-1898
• Blackwell – Lake District, Angleterre – 1898
• Maison Derwent – Chislehurst, Kent – 1899
• Stoneywell – Ulverscroft, Leicestershire – 1899
• The Arts & Crafts Church (Long Street Methodist Church and School) – Manchester, Angleterre – 1900
• Maison Spade – Sandgate, Kent – 1900
• Domaine calédonien – Islington, Londres – 1900-1907
• Musée Horniman – Forest Hill, Londres – 1901
• Église All Saints, Brockhampton – 1901–02
• Shaw’s Corner – Ayot St Lawrence, Hertfordshire – 1902
• Maison Pierre P. Ferry – Seattle, Washington – 1903-1906
• Maison Winterbourne – Birmingham, Angleterre – 1904
• Le moine noir – Blackfriars, Londres – 1905
• Marston House – San Diego, Californie – 1905
• Centre Edgar Wood – Manchester, Angleterre – 1905
• Debenham House – Holland Park, Londres – 1905–07
• Robert R. Blacker House – Pasadena, Californie – 1907
• Stotfold , Bickley, Kent – ​​1907
• Gamble House – Pasadena, Californie – 1908
• Bibliothèque publique de l’ Oregon – Oregon, Illinois – 1909
• Maison Thorsen – Berkeley, Californie – 1909
• Rodmarton Manor – Rodmarton, près de Cirencester, Gloucestershire – 1909-1929
• Whare Ra – Havelock North, Nouvelle-Zélande – 1912
• Banlieue de Sutton Garden – Benhilton, Sutton, Londres – 1912–14
• Château dans les nuages ​​- Montagnes Ossipee au lac Winnipesaukee , New Hampshire – 1913-4
• Chapelle Honan – University College Cork, Irlande – vers 1916
• Cathédrale Saint-François-Xavier – Geraldton Australie occidentale 1916-1938
• Bibliothèque commémorative de l’école Bedales – près de Petersfield, Hampshire – 1919–21

Conception de jardin

Gertrude Jekyll a appliqué les principes Arts and Crafts à la conception de jardins. Elle a travaillé avec l’architecte anglais, Sir Edwin Lutyens , pour les projets duquel elle a créé de nombreux paysages, et qui a conçu sa maison Munstead Wood , près de Godalming dans le Surrey. ^[85] Jekyll a créé les jardins pour Bishopsbarns, ^[86] la maison de l’architecte York Walter Brierley , un représentant du mouvement Arts and Crafts et connu comme les “Lutyens du Nord”. ^[87] Le jardin pour le projet final de Brierley, Goddards à York, était le travail de George Dillistone, un jardinier qui a travaillé avec Lutyens et Jekyll au Château Drogo . ^[88] ÀGoddards le jardin a incorporé un certain nombre de caractéristiques qui reflétaient le style arts et artisanat de la maison, comme l’utilisation de haies et de bordures herbacées pour diviser le jardin en une série de pièces extérieures. ^[89] Un autre jardin Arts and Crafts notable est Hidcote Manor Garden conçu par Lawrence Johnston qui est également aménagé dans une série de pièces extérieures et où, comme Goddards, l’aménagement paysager devient moins formel plus loin de la maison. ^[90] D’autres exemples de jardins d’art et d’artisanat comprennent les jardins Hestercombe , le manoir Lytes Cary et les jardins de certains des exemples architecturaux de bâtiments d’art et d’artisanat (énumérés ci-dessus).

Éducation artistique

Les idées de Morris ont été adoptées par le New Education Movement à la fin des années 1880, qui incorporait l’enseignement de l’artisanat dans les écoles d’Abbotsholme (1889) et de Bedales (1892), et son influence a été notée dans les expériences sociales de Dartington Hall au milieu du 20e siècle. . ^[61]

Les praticiens des arts et de l’artisanat en Grande-Bretagne critiquaient le système gouvernemental d’éducation artistique basé sur le design dans l’abstrait avec peu d’enseignement de l’artisanat pratique. Ce manque de formation artisanale a également suscité des inquiétudes dans les milieux industriels et officiels et, en 1884, une commission royale (acceptant les conseils de William Morris) a recommandé que l’éducation artistique accorde plus d’attention à l’adéquation du design au matériau dans lequel il devait être réalisé. réalisé. ^[91] La première école à effectuer ce changement a été la Birmingham School of Arts and Crafts, qui “a ouvert la voie à l’introduction de la conception exécutée dans l’enseignement de l’art et du design à l’échelle nationale (travaillant dans le matériau pour lequel la conception était destinée plutôt que sur papier). Dans son rapport d’examinateur externe de 1889, Walter Crane a fait l’éloge de la Birmingham School of L’art en ce sens qu’il “considérait le design en relation avec les matériaux et l’utilisation”. ” ^[92] Sous la direction d’Edward Taylor, son directeur de 1877 à 1903, et avec l’aide de Henry Payne et Joseph Southall , l’école de Birmingham est devenue une école de premier plan. Centre des Arts et Métiers. ^[93]

George Frampton . Abonnement à la Arts and Craft Exhibition Society 1890.

D’autres écoles des autorités locales ont également commencé à introduire un enseignement plus pratique de l’artisanat et, dans les années 1890, les idéaux des arts et de l’artisanat étaient diffusés par les membres de la Art Workers Guild dans les écoles d’art de tout le pays. Les membres de la Guilde ont occupé des postes influents : Walter Crane a été directeur de la Manchester School of Art puis du Royal College of Art ; FM Simpson, Robert Anning Bell et CJAllen étaient respectivement professeur d’architecture, professeur de peinture et de design et professeur de sculpture à la Liverpool School of Art ; Robert Catterson-Smith, directeur de la Birmingham Art School de 1902 à 1920, était également membre de l’AWG ; WR Lethaby etGeorge Frampton étaient inspecteurs et conseillers du conseil d’éducation du London County Council (LCC) et en 1896, en grande partie grâce à leur travail, le LCC a créé la Central School of Arts and Crafts et en a fait des co-directeurs. ^[94] Jusqu’à la formation du Bauhaus en Allemagne, l’école centrale était considérée comme l’école d’art la plus progressiste d’Europe. ^[95] Peu de temps après sa fondation, la Camberwell School of Arts and Crafts a été créée sur les lignes Arts and Crafts par le conseil d’arrondissement local.

À la tête du Royal College of Art en 1898, Crane tenta de le réformer dans un sens plus pratique, mais démissionna au bout d’un an, vaincu par la bureaucratie du Board of Education , qui nomma alors Augustus Spencer pour mettre en œuvre son plan. Spencer a fait venir Lethaby à la tête de son école de design et plusieurs membres de la Art Workers ‘Guild comme professeurs. ^[94] Dix ans après la réforme, une commission d’enquête a examiné la RCA et a constaté qu’elle ne formait toujours pas adéquatement les étudiants pour l’industrie. ^[96] Dans le débat qui a suivi la publication du rapport du comité, CRashbee a publié un essai très critique, Should We Stop Teaching Art, dans laquelle il demande le démantèlement complet du système d’enseignement artistique et l’apprentissage des métiers dans des ateliers subventionnés par l’État. ^[97] Lewis Foreman Day , une figure importante du mouvement Arts and Crafts, a adopté un point de vue différent dans son rapport dissident à la commission d’enquête, plaidant pour une plus grande insistance sur les principes de conception contre l’orthodoxie croissante de l’enseignement de la conception par le travail direct dans matériaux. Néanmoins, la philosophie Arts and Crafts a profondément imprégné les écoles d’art britanniques et a persisté, selon l’historien de l’éducation artistique, Stuart MacDonald, jusqu’après la Seconde Guerre mondiale. ^[94]

Principaux praticiens

• Charles-Robert Ashbee
• William Swinden Barbier
• Frères Barnsley
• Coup Detmar
• Herbert Tudor Buckland
• RowlandWilfredWilliam Carter
• TJ Cobden-Sanderson
• Walter Grue
• Nelson Dawson
• Journée Lewis Foreman
• Christophe Dresseur
• Dirk van Erp
• Thomas Philippe Figgis
• Eric Gill
• Ernest Gimson
• Greene & Greene
• Elbert Hubbard
• Norman juifson
• Ralph Johonnot
• Florence Köhler
• Frédérick Leach
• Guillaume Lethaby
• Edwin Lutyen
• Charles Rennie Mackintosh
• AHMackmurdo
• Samuel Maclure
• George Washington Maher
• Bernard Mayeck
• Henri Chapman Mercer
• Julia Morgan
• Guillaume de Morgan
• Guillaume Morris
• Karl Parson
• Alfred Hoare Powell
• Edouard Schroeder Prieur
• Hugh C.Robertson
• Guillaume Robinson
• Baillie Scott
• Norman Shaw
• Ellen GatesStarr
• Gustave Stickley
• Phoebe Anna Traquair
• CFA Voysey
• Philippe Webb
• Margaret Ely Webb
• Christophe Whal
• Bois d’Edgar
• Charles Rohlfs

Galerie des arts décoratifs

• Gustav Stickley . Bureau abattant, ca. 1903 Musée de Brooklyn

• Guillaume Morris. Échantillon de papier peint, Compton 323, v. 1917. Musée de Brooklyn

• Poterie de Newcomb. Vase, 1902-1904. Musée de Brooklyn

• Société de mosaïque Mueller. Tuile, env. 1910 Musée de Brooklyn

Voir également

• Style moderne (style Art nouveau britannique)
• Philippe Clisset
• La maison anglaise
• Charles Prendergast
• Dessins de papier peint William Morris
• Créations textiles de William Morris

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Bibliographie et lectures complémentaires

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Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés au mouvement Arts and Crafts .

• Fiona MacCarthy, “Les vieux romantiques”, The Guardian , samedi 5 mars 2005 01h25 GMT
• Fabricants de meubles d’Amérique et du Canada pendant le mouvement Arts & Crafts
• Le premier musée public exclusivement dédié au mouvement américain Arts & Crafts
• Listes de catalogues avec images des principaux fabricants de meubles Arts & Crafts américains Archivé le 21/06/2017 à la Wayback Machine