Maniérisme

Le maniérisme , également connu sous le nom de Renaissance tardive , ^{[1] [2]} est un style d’Art européen qui a émergé dans les dernières années de la Haute Renaissance italienne vers 1520, se répandant vers 1530 et durant jusqu’à la fin du XVIe siècle en Italie. , lorsque le style baroque l’ a largement remplacé. Le maniérisme du Nord s’est poursuivi jusqu’au début du XVIIe siècle. ^[3]

Dans la Madone au long cou de Parmigianino (1534-1540), le maniérisme se fait connaître par des proportions allongées, des poses très stylisées et un manque de perspective claire.

Stylistiquement , le maniérisme englobe une variété d’approches influencées et réagissant aux idéaux harmonieux associés à des artistes tels que Léonard de Vinci , Raphaël , Vasari , ^[4] et Michel- Ange au début . Là où l’art de la Haute Renaissance met l’accent sur la proportion, l’équilibre et la beauté idéale, le maniérisme exagère ces qualités, aboutissant souvent à des compositions asymétriques ou anormalement élégantes. ^[5] Remarquable pour ses qualités artificielles (par opposition à naturalistes), ^[6]ce style artistique privilégie la tension et l’instabilité de la composition plutôt que l’équilibre et la clarté de la peinture de la Renaissance antérieure. Le maniérisme dans la littérature et la musique se distingue par son style très fleuri et sa sophistication intellectuelle. ^[7]

La définition du maniérisme et de ses phases continue d’être un sujet de débat parmi les historiens de l’art. Par exemple, certains chercheurs ont appliqué l’étiquette à certaines formes modernes de littérature (en particulier la poésie) et de musique des XVIe et XVIIe siècles. Le terme est également utilisé pour désigner certains peintres gothiques tardifs ^[8] travaillant dans le nord de l’Europe d’environ 1500 à 1530, en particulier les maniéristes anversois ^[9] – un groupe sans rapport avec le mouvement italien. Le maniérisme a également été appliqué par analogie à l’ Âge d’argent de la littérature latine . ^[dix]

Nomenclature

Modèle de maniérisme : Laocoon et ses fils , une sculpture antique, redécouverte en 1506 ; maintenant dans les Musées du Vatican . Les artistes du maniérisme ont beaucoup admiré cette sculpture. ^[5]

Le mot “maniérisme” dérive de l’italien maniera , signifiant “style” ou “manière”. Comme le mot anglais “style”, maniera peut soit indiquer un type de style spécifique (un beau style, un style abrasif), soit indiquer un absolu qui n’a pas besoin de qualification (quelqu’un “a du style”). ^[11] Dans la deuxième édition de ses Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus excellents (1568), Giorgio Vasari ^[12] a utilisé la maniera dans trois contextes différents : pour discuter de la manière ou de la méthode de travail d’un artiste ; pour décrire un style personnel ou de groupe, comme le terme maniera greca pour désigner l’ italo-byzantin médiévalstyle ou simplement à la maniera de Michel-Ange ; et d’affirmer un jugement positif sur la qualité artistique. ^[13] Vasari était aussi un artiste Maniériste et il a décrit la période dans laquelle il a travaillé comme “la maniera moderna”, ou le “style moderne”. ^[14] James V. Mirollo décrit comment les poètes “bella maniera” ont tenté de surpasser en virtuosité les sonnets de Pétrarque . ^[15] Cette notion de “bella maniera” suggère que les artistes ainsi inspirés cherchaient à copier et à améliorer leurs prédécesseurs, plutôt que d’affronter directement la nature. Essentiellement, “bella maniera” a utilisé le meilleur d’un certain nombre de matériaux sources, le synthétisant en quelque chose de nouveau. ^[15]

En tant qu’étiquette stylistique, le “maniérisme” n’est pas facile à définir. Il a été utilisé par l’historien suisse Jacob Burckhardt et popularisé par les historiens de l’art allemands au début du XXe siècle pour catégoriser l’art apparemment inclassable du XVIe siècle italien – un art qui ne présentait plus les approches harmonieuses et rationnelles associées à la Haute Renaissance. “Haute Renaissance” désignait une période caractérisée par l’harmonie, la grandeur et le renouveau de l’antiquité classique. Le terme « maniériste » a été redéfini en 1967 par John Shearman ^[16] suite à l’exposition de peintures maniéristes organisée par Fritz Grossmann à la Manchester City Art Gallery en 1965. ^[17]L’étiquette “maniérisme” a été utilisée au XVIe siècle pour commenter le comportement social et pour transmettre une qualité de virtuose raffiné ou pour signifier une certaine technique. Cependant, pour des écrivains ultérieurs, tels que Gian Pietro Bellori du XVIIe siècle ^[18] , la maniera était un terme péjoratif pour désigner le déclin perçu de l’art après Raphaël, en particulier dans les années 1530 et 1540. ^[19] À partir de la fin du XIXe siècle, les historiens de l’art ont couramment utilisé le terme pour décrire l’art qui suit le classicisme de la Renaissance et précède le baroque.

Pourtant, les historiens diffèrent quant à savoir si le maniérisme est un style, un mouvement ou une période; et bien que le terme reste controversé, il est encore couramment utilisé pour identifier l’art et la culture européens du XVIe siècle. ^[20]

Origine et développement

À la fin de la Haute Renaissance, les jeunes artistes connaissent une crise : ^[5] il semble que tout ce qui peut être réalisé est déjà réalisé. Plus aucune difficulté, technique ou autre, ne restait à résoudre. La connaissance détaillée de l’anatomie, de la lumière, de la physionomie et de la manière dont les humains enregistrent l’émotion dans l’expression et le geste, l’utilisation innovante de la forme humaine dans la composition figurative, l’utilisation de la subtile gradation de ton, tout avait atteint la perfection. Les jeunes artistes avaient besoin de trouver un nouvel objectif et ils cherchaient de nouvelles approches. ^[21] À ce stade, le maniérisme a commencé à émerger. ^[5] Le nouveau style se développe entre 1510 et 1520 soit à Florence, ^[22] soit à Rome, soit dans les deux villes simultanément. ^[23]

Chiffres recueillis, ignudi , du plafond de la chapelle Sixtine de Michel-Ange

Origines et modèles

Cette période a été qualifiée de « prolongement naturel » ^[7] de l’art d’ Andrea del Sarto , de Michel-Ange et de Raphaël. Michel-Ange a développé très tôt son propre style, profondément original et très admiré au début, puis souvent copié et imité par d’autres artistes de l’époque. ^[7] L’une des qualités les plus admirées par ses contemporains était sa terribilità , un sens de la grandeur impressionnante, et les artistes suivants ont tenté de l’imiter. ^[7] D’autres artistes ont appris le style passionné et très personnel de Michel-Ange en copiant les œuvres du maître, une manière standard que les étudiants ont appris à peindre et à sculpter. Son plafond de la Chapelle Sixtineleur fournit des exemples à suivre, en particulier sa représentation de figures rassemblées souvent appelées ignudi et de la sibylle libyenne , son vestibule de la Bibliothèque Laurentienne , les figures de ses tombeaux Médicis , et surtout son Jugement dernier . Le dernier Michel-Ange était l’un des grands modèles du maniérisme. ^[7] De jeunes artistes ont fait irruption dans sa maison et lui ont volé des dessins. ^[24] Dans son livre Vies des peintres, sculpteurs et architectes les plus éminents , Giorgio Vasari a noté que Michel-Ange a déclaré une fois : “Ceux qui sont des adeptes ne peuvent jamais passer par qui ils suivent”. ^[24]

L’esprit de compétition

L’esprit de compétition était cultivé par les mécènes qui encourageaient les artistes parrainés à mettre l’accent sur la technique virtuose et à rivaliser les uns avec les autres pour les commandes. Cela a poussé les artistes à rechercher de nouvelles approches et des scènes illuminées de façon spectaculaire, des vêtements et des compositions élaborés, des proportions allongées, des poses très stylisées et un manque de perspective claire. Léonard de Vinci et Michel- Ange ont chacun reçu une commande du gonfalonier Piero Soderini pour décorer un mur de la salle des Cinq-Cents à Florence. Ces deux artistes devaient peindre côte à côte et s’affronter, ^{[ la citation nécessaire ]} alimentant l’incitation à être aussi innovant que possible.

Copie après l’original perdu, la Battaglia di Cascina de Michel-Ange , par Bastiano da Sangallo , initialement destinée par Michel-Ange à concurrencer l’entrée de Léonard pour la même commande

Copie après l’original perdu, Battaglia di Anghiari de Léonard de Vinci , par Rubens , initialement destiné par Léonard à concurrencer l’entrée de Michel-Ange pour la même commande

Maniérisme précoce

Jacopo Pontormo , Mise au tombeau , 1528 ; Santa Felicita, Florence

Les premiers maniéristes de Florence – en particulier les étudiants d’ Andrea del Sarto tels que Jacopo da Pontormo et Rosso Fiorentino – se distinguent par des formes allongées, des poses précairement équilibrées, une perspective effondrée, des décors irrationnels et un éclairage théâtral. Parmigianino (élève du Corrège ) et Giulio Romano(assistant en chef de Raphaël) se déplaçaient dans des directions esthétiques stylisées similaires à Rome. Ces artistes avaient mûri sous l’influence de la Haute Renaissance et leur style a été caractérisé comme une réaction ou une extension exagérée de celle-ci. Au lieu d’étudier directement la nature, les jeunes artistes ont commencé à étudier la sculpture hellénistique et les peintures de maîtres passés. Par conséquent, ce style est souvent identifié comme “anti-classique”, ^[25] pourtant à l’époque il était considéré comme une progression naturelle depuis la Haute Renaissance. La première phase expérimentale du maniérisme, connue pour ses formes “anti-classiques”, dura jusque vers 1540 ou 1550. ^[23] Marcia B. Hall , professeur d’histoire de l’art à Temple University, note dans son livre After Raphaelque la mort prématurée de Raphaël a marqué le début du maniérisme à Rome. ^{[ citation nécessaire ]}

Dans des analyses passées, il a été noté que le maniérisme est apparu au début du XVIe siècle en même temps qu’un certain nombre d’autres mouvements sociaux, scientifiques, religieux et politiques tels que l’ héliocentrisme copernicien , le Sac de Rome en 1527 et l’ augmentation de la Réforme protestante . défi au pouvoir de l’Église catholique. Pour cette raison, les formes allongées et les formes déformées du style étaient autrefois interprétées comme une réaction aux compositions idéalisées répandues dans l’art de la Haute Renaissance. ^[26] Cette explication du changement stylistique radical c. 1520 est tombé en disgrâce, bien que l’art maniériste primitif soit encore fortement contrasté avec les conventions de la Haute Renaissance; l’accessibilité et l’équilibre atteints par Raphael’sL’école d’Athènes ne semblait plus intéresser les jeunes artistes. ^{[ citation nécessaire ]}

Haute maniera

La deuxième période du maniérisme est généralement différenciée ^{[ citation nécessaire ]} de la phase antérieure, dite “anti-classique”. Les maniéristes ultérieurs ont mis l’accent sur les vanités intellectuelles et la virtuosité artistique, caractéristiques qui ont conduit les critiques ultérieurs à les accuser de travailler d’une «manière» non naturelle et affectée ( maniera ). Les artistes de Maniera se sont tournés vers leur Michel-Ange contemporain plus âgé comme leur principal modèle; c’était un art imitant l’art, plutôt qu’un art imitant la nature. Historien de l’art Sydney Joseph Freedbergsoutient que l’aspect intellectualisant de l’art maniera implique de s’attendre à ce que son public remarque et apprécie cette référence visuelle – une figure familière dans un cadre inconnu enfermée entre «des guillemets invisibles, mais ressentis». ^[27] Le comble de l’artifice est le penchant du peintre Maniera à détourner délibérément une citation. Agnolo Bronzino et Giorgio Vasariillustrent cette souche de Maniera qui a duré d’environ 1530 à 1580. Basé en grande partie dans les cours et dans les cercles intellectuels à travers l’Europe, l’art de Maniera associe une élégance exagérée à une attention exquise à la surface et aux détails : les personnages à la peau de porcelaine s’inclinent dans une lumière tempérée uniforme, reconnaissant le spectateur avec un regard froid, s’il établit un contact visuel. Le sujet de Maniera affiche rarement beaucoup d’émotion, et pour cette raison, les œuvres illustrant cette tendance sont souvent qualifiées de « froides » ou « distantes ». Ceci est typique du soi-disant “style élégant” ou Maniera dans sa maturité. ^[28]

Propagation du maniérisme

Maniérisme anglais : Henry Howard, comte de Surrey , 1546, un rare portrait maniériste anglais par un immigrant flamand

Les villes de Rome, Florence et Mantoue étaient des centres maniéristes en Italie. La peinture vénitienne a suivi un cours différent, représenté par Titien dans sa longue carrière. Un certain nombre des premiers artistes maniéristes qui avaient travaillé à Rome dans les années 1520 ont fui la ville après le Sac de Rome en 1527. Alors qu’ils se répandaient à travers le continent à la recherche d’un emploi, leur style s’est diffusé dans toute l’Italie et l’Europe du Nord. ^[29] Le résultat était le premier style artistique international depuis le Gothique . ^[30]D’autres parties de l’Europe du Nord n’ont pas eu l’avantage d’un tel contact direct avec les artistes italiens, mais le style maniériste s’est fait sentir à travers les estampes et les livres illustrés. Les dirigeants européens, entre autres, ont acheté des œuvres italiennes, tandis que les artistes d’Europe du Nord ont continué à voyager en Italie, contribuant à répandre le style maniériste. Des artistes italiens individuels travaillant dans le Nord ont donné naissance à un mouvement connu sous le nom de Maniérisme du Nord . François Ier de France , par exemple, a reçu Vénus, Cupidon, Folie et Temps de Bronzino . Le style a décliné en Italie après 1580, alors qu’une nouvelle génération d’artistes, dont les frères Carracci , Caravaggio et Cigoli, naturalisme ressuscité. Walter Friedlaender a identifié cette période comme “anti-maniérisme”, tout comme les premiers maniéristes étaient “anti-classiques” dans leur réaction loin des valeurs esthétiques de la Haute Renaissance ^[31] et aujourd’hui les frères Carracci et Caravaggio sont convenus d’avoir commencé la transition vers la peinture de style baroque qui dominait vers 1600.

En dehors de l’Italie, cependant, le maniérisme s’est poursuivi jusqu’au XVIIe siècle. En France, où Rosso a voyagé pour travailler pour la cour de Fontainebleau , il est connu sous le nom de ” style Henri II ” et a eu un impact particulier sur l’architecture. D’autres centres continentaux importants du maniérisme du Nord incluent la cour de Rodolphe II à Prague , ainsi que Haarlem et Anvers . Le maniérisme en tant que catégorie stylistique est moins fréquemment appliqué aux arts visuels et décoratifs anglais , où des étiquettes indigènes telles que ” élisabéthain ” et ” jacobéen ” sont plus couramment appliquées. Le dix-septième siècleLe Maniérisme artisanal est une exception, appliquée à l’architecture qui s’appuie sur des livres de modèles plutôt que sur des précédents existants en Europe continentale. ^[32]

On notera en particulier l’influence flamande à Fontainebleau qui combinait l’érotisme du style français avec une première version de la tradition de la vanité qui dominerait la peinture hollandaise et flamande du XVIIe siècle. Le pittore vago , une description des peintres du nord qui sont entrés dans les ateliers en France et en Italie pour créer un style véritablement international, prévalait à cette époque .

Sculpture

Comme en peinture, la sculpture maniériste italienne primitive était très largement une tentative de trouver un style original qui dépasserait la réalisation de la Haute Renaissance , ce qui en sculpture signifiait essentiellement Michel-Ange, et une grande partie de la lutte pour y parvenir s’est déroulée dans des commissions pour remplir d’autres endroits sur la Piazza della Signoria à Florence, à côté du David de Michel – Ange . Baccio Bandinelli a repris le projet d’ Hercule et Cacus du maître lui-même, mais il n’était guère plus populaire alors qu’il ne l’est maintenant, et malicieusement comparé par Benvenuto Cellinià “un sac de melons”, bien qu’il ait eu un effet durable en introduisant apparemment des panneaux en relief sur le piédestal des statues. Comme d’autres œuvres de lui et d’autres maniéristes, il enlève beaucoup plus du bloc d’origine que Michel-Ange ne l’aurait fait. ^[33] Le Persée en bronze à tête de Méduse de Cellini est certainement un chef-d’œuvre, conçu avec huit angles de vue, autre caractéristique maniériste, et artificiellement stylisé par rapport aux David de Michel-Ange et de Donatello. ^[34] À l’origine un orfèvre, sa célèbre Salière d’or et d’émail (1543) fut sa première sculpture et montre son talent à son meilleur. ^[35]

Les petites figures en bronze pour les cabinets de collection , souvent des sujets mythologiques avec des nus, étaient une forme populaire de la Renaissance dans laquelle Giambologna , à l’origine flamande mais basée à Florence, excellait dans la dernière partie du siècle. Il a également créé des sculptures grandeur nature, dont deux sont entrées dans la collection de la Piazza della Signoria. Lui et ses disciples ont conçu d’élégants exemples allongés de la figura serpentinata , souvent de deux figures entrelacées, intéressantes sous tous les angles. ^[36]

• Porte en stuc à Fontainebleau , probablement conçue par Primatice , qui a peint l’ovale en médaillon, années 1530 ou 1540

• Benvenuto Cellini, Persée avec la tête de Méduse , 1545-1554

• Giambologna , Samson tuant un Philistin , vers 1562

• Giambologna , Enlèvement d’une Sabine , achevé en 1583, Florence, Italie, 13′ 6″ de haut, marbre

• Adriaen de Vries , Mercure et Psyché Bronze Maniériste du Nord , réalisé en 1593 pour Rodolphe II, empereur romain germanique .

• Vénus , ch. 125 ; Marbre romain; Musée anglais

Les premiers théoriciens

Pietro Francavilla , Apollon victorieux du Python , 1591. Le Walters Art Museum

Giorgio Vasari

Les opinions de Giorgio Vasari sur l’art de la peinture émergent dans les éloges qu’il accorde à ses collègues artistes dans ses vies d’ artistes en plusieurs volumes : il croyait que l’excellence en peinture exigeait le raffinement, la richesse de l’invention ( invenzione ), exprimée par une technique virtuose ( maniera ), et l’esprit et l’étude qui apparaissaient dans l’œuvre finie, autant de critères qui mettaient en valeur l’intellect de l’artiste et la sensibilité du commanditaire. L’artiste n’était plus seulement un membre formé d’une guilde locale de Saint-Luc. Il prend désormais place à la cour aux côtés d’érudits, de poètes et d’humanistes, dans un climat propice au goût de l’élégance et de la complexité. Les armoiries des Médicis de Vasarimécènes apparaît en haut de son portrait, un peu comme s’il s’agissait de celui de l’artiste. Le cadrage de l’image gravée sur bois des Vies de Vasari serait qualifié de « jacobéen » dans un milieu anglophone. Dans ce document, les tombes Médicis de Michel-Ange inspirent les éléments anti-architecturaux “architecturaux” au sommet, le cadre percé de papier, les nus satyres à la base. En tant que simple cadre, il est extravagant : maniériste, en somme.

Gian Paulo Lomazzo

Une autre figure littéraire de l’époque est Gian Paolo Lomazzo , qui a produit deux œuvres – l’une pratique et l’autre métaphysique – qui ont contribué à définir la relation consciente de l’artiste maniériste à son art. Son Trattato dell’arte della pittura, scoltura et architettura (Milan, 1584) est en partie un guide des concepts contemporains du décorum, que la Renaissance a hérité en partie de l’Antiquité mais que le maniérisme a développé. La codification systématique de l’esthétique de Lomazzo, qui caractérise les approches plus formalisées et académiques typiques de la fin du XVIe siècle, a souligné une consonance entre les fonctions des intérieurs et les types de décors peints et sculptés qui conviendraient. L’iconographie, souvent alambiquée et abstruse, est un élément plus important dans les styles maniéristes. Son Idea del tempio della pittura ( Le temple idéal de la peinture , Milan, 1590), moins pratique et plus métaphysique , propose une description dans le sens de la théorie des « quatre tempéraments » de la nature et de la personnalité humaines, définissant le rôle de l’individualité dans le jugement et la création artistique. invention.

Caractéristiques des œuvres d’art créées pendant la période maniériste

Le maniérisme était un mouvement anti-classique qui différait grandement des idéologies esthétiques de la Renaissance . ^[37] Bien que le maniérisme ait été initialement accepté avec positivité sur la base des écrits de Vasari , ^[37] il a ensuite été considéré sous un jour négatif parce qu’il est uniquement considéré comme “une altération de la vérité naturelle et une répétition banale des formules naturelles”. ^[37] En tant que moment artistique, le maniérisme implique de nombreuses caractéristiques uniques et spécifiques à l’expérimentation de la façon dont l’art est perçu. Vous trouverez ci-dessous une liste de nombreuses caractéristiques spécifiques que les artistes maniéristes emploieraient dans leurs œuvres.

• Allongement des figures : souvent, le travail maniériste présentait l’allongement de la figure humaine – cela contribuait parfois à l’imagerie bizarre de certains arts maniéristes. ^[38]
• Distorsion de la perspective : dans les peintures, la distorsion de la perspective a exploré les idéaux pour créer un espace parfait. Cependant, l’idée de perfection faisait parfois allusion à la création d’images uniques. L’une des manières dont la distorsion a été explorée était la technique du raccourci . Parfois, lorsqu’une distorsion extrême était utilisée, cela rendait l’image presque impossible à déchiffrer. ^[38]
• Arrière-plans noirs : les artistes maniéristes utilisaient souvent des arrière-plans noirs plats pour présenter un contraste complet de contours afin de créer des scènes dramatiques. Les arrière-plans noirs ont également contribué à créer un sentiment de fantaisie dans le sujet. ^[38]
• Utilisation de l’obscurité et de la lumière : de nombreux maniéristes souhaitaient capturer l’essence du ciel nocturne grâce à l’utilisation d’un éclairage intentionnel, créant souvent une impression de scènes fantastiques. Notamment, une attention particulière a été accordée à la torche et au clair de lune pour créer des scènes dramatiques. ^[38]
• Formes sculpturales : Le maniérisme a été fortement influencé par la sculpture, qui a gagné en popularité au XVIe siècle. En conséquence, les artistes maniéristes ont souvent basé leurs représentations de corps humains en référence à des sculptures et des estampes. Cela a permis aux artistes maniéristes de se concentrer sur la création de dimension. ^[38]
• Clarté de la ligne : l’attention portée aux contours nets des personnages était importante dans le maniérisme et différait largement du baroque et de la haute Renaissance . Les contours des personnages permettaient souvent une plus grande attention aux détails. ^[38]
• Composition et espace : Les artistes maniéristes rejettent les idéaux de la Renaissance , notamment la technique de la perspective en un point . Au lieu de cela, l’accent a été mis sur les effets atmosphériques et la distorsion de la perspective . L’utilisation de l’espace dans les œuvres maniéristes a plutôt privilégié des compositions encombrées avec diverses formes et figures ou des compositions rares mettant l’accent sur des fonds noirs. ^[38]
• Mouvement maniériste : l’intérêt pour l’étude du mouvement humain conduit souvent les artistes maniéristes à rendre un type unique de mouvement lié aux positions serpentines . Ces positions anticipent souvent les mouvements des positions futures en raison de leurs figures de mouvements souvent instables. De plus, cette technique attribue à l’expérimentation de la forme par l’artiste. ^[38]
• Cadres peints : dans certaines œuvres maniéristes, des cadres peints ont été utilisés pour se fondre dans le fond des peintures et parfois, contribuer à la composition globale de l’œuvre d’art. Ceci est parfois répandu lorsqu’une attention particulière est accordée aux détails ornés. ^[38]
• Effets atmosphériques : de nombreux maniéristes ont utilisé la technique du sfumato , connue sous le nom de “le rendu des contours ou des surfaces douces et floues” ^[38] dans leurs peintures pour rendre le flux de lumière. ^[38]
• Couleur maniériste : un aspect unique du maniérisme était en plus de l’expérimentation de la forme, de la composition et de la lumière, une grande partie de la même curiosité était appliquée à la couleur. De nombreuses œuvres d’art jouaient avec des teintes pures et intenses de bleus, de verts, de roses et de jaunes, qui parfois nuisent à la conception globale des œuvres d’art, et à d’autres moments, la complètent. De plus, lors du rendu du teint, les artistes se concentraient souvent sur la création de teints trop crémeux et clairs et utilisaient souvent des nuances de bleu. ^[38]

Artistes maniéristes et exemples de leurs œuvres

Joachim Wtewael Persée et Andromède , 1616, Louvre, la composition affichant une Vanité d’os et de coquillages au premier plan et un nu académique élaboré avec une palette empruntant au premier plan pour les joues d’Andromède. Le Dragon semble d’influence sino-orientale.

Jacopo da Pontormo

L’œuvre de Jacopo da Pontormo est l’une des contributions les plus importantes au maniérisme. ^[39] Il a souvent tiré son sujet des récits religieux; fortement influencé par les œuvres de Michel-Ange, ^[39] il fait fréquemment allusion ou utilise des formes sculpturales comme modèles pour ses compositions. ^[37] Un élément bien connu de son travail est le rendu des regards par diverses figures qui transpercent souvent le spectateur dans différentes directions. ^[37] Consacré à son travail, Pontormo a souvent exprimé l’inquiétude de sa qualité et était connu pour travailler lentement et méthodiquement. ^[37] Son héritage est très apprécié, car il a influencé des artistes tels qu’Agnolo Bronzino et les idéaux esthétiques du maniérisme tardif.^[39]

Le Joseph de Pontomoro en Égypte , peint en 1517, ^[37] dépeint un récit courant de quatre scènes bibliques dans lesquelles Joseph renoue avec sa famille. Sur le côté gauche de la composition, Pontomoro représente une scène de Joseph présentant sa famille au pharaon d’ Égypte . À droite, Joseph chevauche sur un banc roulant, tandis que des chérubins remplissent la composition autour de lui en plus d’autres personnages et de gros rochers sur un chemin au loin. Au-dessus de ces scènes, se trouve un escalier en colimaçon que Joseph guide l’un de ses fils jusqu’à leur mère au sommet. La scène finale, à droite, est la dernière étape de la mort de Jacob alors que ses fils regardent à proximité. ^[37]

Le Joseph de Pontormo en Égypte présente de nombreux éléments maniéristes. Un élément est l’utilisation de couleurs incongrues telles que diverses nuances de roses et de bleus qui composent la majorité de la toile . Un élément supplémentaire du maniérisme est la gestion incohérente du temps sur l’histoire de Joseph à travers diverses scènes et l’utilisation de l’espace. Grâce à l’inclusion des quatre récits différents, Ponotormo crée une composition encombrée et un sentiment général d’activité.

Rosso Fiorentino et l’école de Fontainebleau

Rosso Fiorentino , qui avait été condisciple de Pontormo dans l’atelier d’ Andrea del Sarto , amena en 1530 le maniérisme florentin à Fontainebleau , où il devint l’un des fondateurs du maniérisme français du XVIe siècle, populairement connu sous le nom d’ école de Fontainebleau .

Les exemples d’un style décoratif riche et mouvementé à Fontainebleau ont encore diffusé le style italien par le biais des gravures jusqu’à Anvers , et de là dans toute l’Europe du Nord, de Londres à la Pologne. La conception maniériste a été étendue aux produits de luxe comme l’argent et les meubles sculptés. Un sentiment d’émotion tendue et contrôlée exprimé dans un symbolisme et une allégorie élaborés , et un idéal de beauté féminine caractérisé par des proportions allongées sont des caractéristiques de ce style.

Agnolo Bronzino

Haut Maniérisme : Vénus, Cupidon, Folie et Temps par Bronzino , c. 1545 ; National Gallery, Londres .

Agnolo Bronzino était un élève de Pontormo, ^[40] dont le style était très influent et souvent confus en termes de détermination de l’attribution de nombreuses œuvres d’art. ^[40] Au cours de sa carrière, Bronzino a également collaboré avec Vasari en tant que scénographe pour la production “Comedy of Magicians”, où il a peint de nombreux portraits . ^[40] Le travail de Bronzino était recherché et il connut un grand succès lorsqu’il devint peintre de la cour pour la famille Médicis en 1539. ^[40] Une caractéristique maniériste unique du travail de Bronzino était le rendu des teints laiteux . ^[40]

Dans le tableau Vénus, Cupidon, Folie et Temps , Bronzino dépeint une scène érotique qui laisse le spectateur avec plus de questions que de réponses. Au premier plan, Cupidon et Vénus sont presque engagés dans un baiser, mais s’arrêtent comme s’ils étaient pris en flagrant délit. Au-dessus de la paire se trouvent des personnages mythologiques, le Père Temps à droite, qui tire un rideau pour révéler la paire et la représentation de la déesse de la nuit à gauche. La composition implique également un groupement de masques, une créature hybride composée des traits d’une fille et d’un serpent, et un homme représenté dans une douleur atroce. De nombreuses théories sont disponibles pour la peinture, comme celle-ci véhiculant les dangers de la syphilis, ou que la peinture fonctionnait comme un jeu de cour . ^[41]

Les portraits maniéristes de Bronzino se distinguent par une élégance sereine et une attention méticuleuse aux détails. En conséquence, on a dit que les modèles de Bronzino projetaient une distance et une distance émotionnelle marquée par rapport au spectateur. Il y a aussi une concentration virtuose sur la capture du motif précis et de l’éclat des textiles riches. Plus précisément, dans Vénus, Cupidon, Folie et Temps , Bronzino utilise les tactiques du mouvement maniériste, l’attention portée aux détails, la couleur et les formes sculpturales. La preuve du mouvement maniériste est évidente dans les mouvements maladroits de Cupidon et de Vénus, alors qu’ils contorsionnent leurs corps pour s’embrasser partiellement. En particulier, Bronzino peint le teint avec les nombreuses formes comme un blanc de porcelaine parfait avec un effacement lisse de leurs muscles qui fournit une référence à la douceur de la sculpture.

Alessandro Allori

Susanna and the Elders ( ci- dessous ) d’ Alessandro Allori (1535–1607) se distingue par un érotisme latent et des détails de nature morte consciemment brillants, dans une composition encombrée et tordue.

Jacopo Le Tintoret

Jacopo Tintoretto , La Cène , 1592-1594

Jacopo Tintoretto est connu pour ses contributions très différentes à la peinture vénitienne après l’héritage de Titien . Son travail, qui différait grandement de ses prédécesseurs, avait été critiqué par Vasari pour son «style fantastique, extravagant et bizarre». ^[42] Dans son travail, Tintoret a adopté des éléments maniéristes qui l’ont éloigné de la notion classique de la peinture vénitienne, car il a souvent créé des œuvres d’art qui contenaient des éléments de fantaisie et conservaient le naturalisme . ^[42] D’autres éléments uniques du travail du Tintoret incluent son attention à la couleur grâce à l’utilisation régulière de coups de pinceau rugueux ^[42]et l’expérimentation de pigments pour créer une illusion. ^[42]

Une œuvre d’art associée aux caractéristiques maniéristes est la Cène ; il a été commandé par Michele Alabardi pour le San Giorgio Maggiore en 1591. ^[42] Dans la Cène du Tintoret , la scène est représentée sous l’angle d’un groupe de personnes le long du côté droit de la composition. Sur le côté gauche du tableau, le Christ et les Apôtres occupent un côté du tableau et distinguent Judas . Dans l’espace sombre, il y a peu de sources de lumière ; une source est émise par l’ auréole du Christ et la torche suspendue au-dessus de la table.

Dans sa composition distincte, la Cène présente des caractéristiques maniéristes. Une caractéristique que Tintoret utilise est un fond noir. Bien que la peinture donne une certaine indication d’un espace intérieur grâce à l’utilisation de la perspective , les bords de la composition sont pour la plupart enveloppés d’ombre, ce qui donne un drame à la scène centrale de la Cène . De plus, le Tintoret utilise les effets de projecteur avec la lumière, en particulier avec le halo du Christ et la torche suspendue au-dessus de la table. Une troisième caractéristique maniériste que Tintoret emploie sont les effets atmosphériques de figures en forme de fumée et flottant autour de la composition.

Le Greco

El Greco a tenté d’exprimer l’émotion religieuse avec des traits exagérés. Après la représentation réaliste de la forme humaine et la maîtrise de la perspective obtenue à la Haute Renaissance, certains artistes ont commencé à déformer délibérément les proportions dans un espace disjoint et irrationnel pour un effet émotionnel et artistique. El Greco est toujours un artiste profondément original. Il a été caractérisé par les érudits modernes comme un artiste si individuel qu’il n’appartient à aucune école conventionnelle. ^[7] Les aspects clés du maniérisme dans El Greco incluent la palette “acide” discordante, l’anatomie allongée et torturée, la perspective et la lumière irrationnelles, et l’iconographie obscure et troublante. ^{[43] [44]}Le style d’El Greco était l’aboutissement de développements uniques basés sur son héritage grec et ses voyages en Espagne et en Italie. ^[45]

Le travail d’El Greco reflète une multitude de styles, y compris des éléments byzantins ainsi que l’influence du Caravage et du Parmigianino en plus de la coloration vénitienne . ^[45] Un élément important est son attention à la couleur car il la considérait comme l’un des aspects les plus importants de sa peinture. ^[46] Au cours de sa carrière, le travail d’El Greco est resté très demandé car il a réalisé d’importantes commissions dans des endroits tels que le Colegio de la Encarnación de Madrid . ^[45]

El Greco , Laocoön (1610–1614), Galerie nationale d’art

Le Style de peinture unique d’El Greco et son lien avec les caractéristiques maniéristes sont particulièrement répandus dans l’œuvre Laocoön . Peint en 1610, ^[47] il dépeint le conte mythologique de Laocoön , qui avertit les Troyens du danger du cheval de bois présenté par les Grecs comme offrande de paix à la déesse Minerve . En conséquence, Minerva a riposté pour se venger en invoquant des serpents pour tuer Laocoön et ses deux fils. Au lieu de se dérouler dans le contexte de Troie , El Greco a situé la scène près de Tolède, en Espagne, afin «d’universaliser l’histoire en faisant ressortir sa pertinence pour le monde contemporain». ^[47]

Le style unique d’El Greco à Laocoon illustre de nombreuses caractéristiques maniéristes. L’allongement de nombreuses formes humaines tout au long de la composition est prédominant en conjonction avec leur mouvement serpentin, qui donne une impression d’élégance. Un élément supplémentaire du style maniériste est les effets atmosphériques dans lesquels El Greco crée un ciel brumeux et un paysage flou en arrière-plan.

Benvenuto Cellini

Benvenuto Cellini a créé la Salière Cellini d’or et d’émail en 1540 avec Poséidon et Amphitrite (eau et terre) placés dans des positions inconfortables et avec des proportions allongées. Il est considéré comme un chef-d’œuvre de la sculpture maniériste.

Vinaigrette Minerva (1613) de Lavinia Fontana (1552–1614). Galerie Borghèse, Rome.

Lavinia Fontana

Lavinia Fontana (1552-1614) était une portraitiste maniériste souvent reconnue comme la première femme artiste de carrière en Europe occidentale. ^[48] ​​Elle a été nommée Portraitiste ordinaire au Vatican . ^[49] Son style se caractérise comme étant influencé par la famille de peintres Carracci par les couleurs de l’école vénitienne. Elle est connue pour ses portraits de femmes nobles et pour sa représentation de figures nues, ce qui était inhabituel pour une femme de son temps. ^[50]

Taddeo Zuccaro (ou Zuccari)

Taddeo Zuccaro est né à Sant’Angelo in Vado , près d’Urbino, fils d’Ottaviano Zuccari, un peintre presque inconnu. Son frère Federico , né vers 1540, était également peintre et architecte.

Federico Zuccaro (ou Zuccari)

La carrière documentée de Federico Zuccaro en tant que peintre a commencé en 1550, lorsqu’il s’est installé à Rome pour travailler sous Taddeo , son frère aîné. Il a continué à achever les décorations de Pie IV et à achever les décorations de fresques de la Villa Farnèse à Caprarola . Entre 1563 et 1565, il est actif à Venise avec la famille Grimani de Santa Maria Formosa. Pendant sa période vénitienne, il a voyagé aux côtés de Palladio dans le Frioul.

Joachim Wtewael

Joachim Wtewael (1566-1638) a continué à peindre dans un style Maniériste du Nord jusqu’à la fin de sa vie, ignorant l’arrivée de l’ art baroque et faisant de lui peut-être le dernier artiste maniériste important encore à travailler. Ses sujets comprenaient de grandes scènes avec des natures mortes à la manière de Pieter Aertsen et des scènes mythologiques, de nombreuses petites peintures de cabinet magnifiquement exécutées sur cuivre, et la plupart mettant en scène la nudité.

Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo est surtout connu pour ses œuvres qui intègrent nature morte et portrait . ^[51] Son style est considéré comme maniériste avec le style d’assemblage de fruits et légumes dans lequel sa composition peut être représentée de différentes manières – à l’endroit et à l’envers. ^[51] Les œuvres d’art d’Arcimboldo se sont également appliquées au maniérisme en termes d’humour qu’il transmet aux téléspectateurs, car il ne détient pas le même degré de sérieux que les œuvres de la Renaissance. ^[51] Stylistiquement, les peintures d’Arcimboldo sont connues pour leur attention à la nature et au concept d’une “apparence monstrueuse”. ^[51]

L’une des peintures d’Arcimboldo qui contient diverses caractéristiques maniéristes est Vertumnus . Peint sur un fond noir est un portrait de Rodolphe II , dont le corps est composé de divers légumes, fleurs et fruits. ^[51] La blague de la peinture communique l’humour du pouvoir qui est que l’empereur Rudolf II cache un moi intérieur sombre derrière son image publique. ^[51] D’autre part, le ton sérieux du tableau préfigure la bonne fortune qui régnera sous son règne. ^[51]

Vertumnus contient divers éléments maniéristes en termes de composition et de message. Un élément est le fond plat et noir qu’Arcimboldo utilise pour souligner le statut et l’identité de l’empereur, ainsi que pour souligner le fantasme de son règne. Dans le portrait de Rodolphe II, Arcimboldo s’éloigne également de la représentation naturaliste de la Renaissance, et explore la construction de la composition en le rendant à partir d’un fouillis de fruits, de légumes, de plantes et de fleurs. Un autre élément du maniérisme que la peinture dépeint est le double récit d’une blague et d’un message sérieux; l’humour n’était normalement pas utilisé dans les œuvres d’art de la Renaissance.

• Jacopo Pontormo Joseph en Égypte , 1515-1518 ; Huile sur bois; 96 × 109 cm; Galerie nationale , Londres

• Rosso Fiorentino , Galerie François Ier, Château de Fontainebleau , France

• Junon dans une niche, gravure de Jacopo Caraglio , probablement d’après un dessin de 1526 de Rosso Fiorentino

• Giuseppe Arcimboldo , Le Bibliothécaire , 1562, Château de Skokloster .

• Giuseppe Arcimboldo , Automne , 1573, huile sur toile, Musée du Louvre, Paris

• Giuseppe Arcimboldo , Vertumne le dieu des saisons , 1591, château de Skokloster

• Bronzino , Portrait de Bia de’ Medici , v. 1545

• Alessandro Allori , Suzanne et les vieillards , 1561

• El Greco , Baptême , v. 1614

Architecture maniériste

Le Vleeshal à Haarlem , Pays- Bas L’ hôtel de ville de Zamość , Pologne , conçu par Bernardo Morando .

L’architecture maniériste se caractérise par des tromperies visuelles et des éléments inattendus qui défient les normes de la Renaissance . ^[52] Les artistes flamands, dont beaucoup avaient voyagé en Italie et avaient été influencés par les développements maniéristes là-bas, étaient responsables de la propagation des tendances maniéristes en Europe au nord des Alpes, y compris dans le domaine de l’architecture. ^[53] Au cours de la période, les architectes ont expérimenté l’utilisation de formes architecturales pour souligner les relations solides et spatiales. L’idéal d’harmonie de la Renaissance a cédé la place à des rythmes plus libres et plus imaginatifs. L’architecte le plus connu associé au style maniériste et pionnier de la Bibliothèque Laurentienne est Michel- Ange (1475-1564). ^[54]On lui attribue l’invention de l’ ordre géant , un grand pilastre qui s’étend du bas vers le haut d’une façade. ^[55] Il l’a utilisé dans sa conception de la Piazza del Campidoglio à Rome. Le style Herrerian ( espagnol : estilo herreriano ou arquitectura herreriana ) de l’architecture a été développé en Espagne au cours du dernier tiers du 16ème siècle sous le règne de Philippe II (1556-1598), ^[56] et a continué en vigueur au 17ème siècle, mais transformé par le style baroquedu temps. Il correspond à la troisième et dernière étape de l’ architecture de la Renaissance espagnole , qui a évolué vers une purification ornementale progressive, du plateresque initial au purisme classique du deuxième tiers du XVIe siècle et à la nudité totale décorative qui a introduit le style herrerien.

Avant le 20e siècle, le terme maniérisme avait des connotations négatives, mais il est maintenant utilisé pour décrire la période historique en termes plus généraux et sans jugement. ^[57] L’architecture maniériste a également été utilisée pour décrire une tendance dans les années 1960 et 1970 qui impliquait de briser les normes de l’architecture moderniste tout en reconnaissant en même temps leur existence. ^[58] Définissant le maniérisme dans ce contexte, l’architecte et auteur Robert Venturi a écrit “Le maniérisme pour l’architecture de notre temps qui reconnaît l’ordre conventionnel plutôt que l’expression originale mais brise l’ordre conventionnel pour s’adapter à la complexité et à la contradiction et engage ainsi l’ambiguïté sans ambiguïté.” ^[58]

Exemples de la Renaissance

Un exemple d’architecture maniériste est la Villa Farnèse à Caprarola , ^[59] dans la campagne accidentée à l’extérieur de Rome . La prolifération des graveurs au XVIe siècle a répandu les styles maniéristes plus rapidement que tous les styles précédents.

Dense avec des ornements de détails “romains”, la porte d’exposition du château de Colditz illustre le style nordique, appliqué de manière caractéristique comme une “pièce maîtresse” isolée contre des murs vernaculaires sans prétention. ^{[ citation nécessaire ]}

À partir de la fin des années 1560, de nombreux bâtiments de La Valette , la nouvelle capitale de Malte , ont été conçus par l’architecte Girolamo Cassar dans le style maniériste. Ces bâtiments comprennent la co-cathédrale Saint-Jean , le palais du grand maître et les sept auberges d’ origine . De nombreux bâtiments de Cassar ont été modifiés au fil des ans, en particulier à l’ époque baroque . Cependant, quelques bâtiments, tels que l’ Auberge d’Aragon et l’extérieur de la co-cathédrale Saint-Jean, conservent encore l’essentiel de la conception maniériste originale de Cassar. ^[60]

• L’un des meilleurs exemples d’architecture maniériste : le Palazzo Te à Mantoue, conçu par Giulio Romano

• Giulio Romano, Pallazo Ducale à Mantoue

• Propre maison de Giulio Romano à Mantoue

• Baldassare Peruzzi, Palais Massimo alle Colonne à Rome

• Michel-Ange, vestibule de la Bibliothèque Laurentienne

• Co-cathédrale Saint-Jean à La Valette, Malte

• Basilique Cathédrale de Salvador , Brésil, construite entre 1657 et 1746, site du patrimoine mondial de l’UNESCO. ^[61]

• La grande Basilique de San Francisco , à Quito , Equateur, construite entre 1535-1650.

Maniérisme dans la littérature et la musique

Dans la littérature anglaise, le maniérisme est communément identifié aux qualités des poètes « métaphysiques » dont le plus célèbre est John Donne . ^[62] La sortie pleine d’esprit d’un écrivain baroque, John Dryden , contre les vers de Donne de la génération précédente, offre un contraste concis entre les objectifs baroques et maniéristes dans les arts :

Il affecte la métaphysique, non seulement dans ses satires, mais dans ses vers amoureux, où la nature seule doit régner ; et embarrasse les esprits du beau sexe avec de belles ^[63] spéculations de philosophie quand il devrait engager leurs cœurs et les divertir avec les douceurs de l’amour. ^{[64] : 15} (italiques ajoutés)

Les riches possibilités musicales de la poésie de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle ont fourni une base attrayante au madrigal , qui s’est rapidement imposé comme la forme musicale prééminente de la culture musicale italienne, comme l’a expliqué Tim Carter :

Le madrigal, en particulier sous sa forme aristocratique, était évidemment un véhicule pour le « style stylé » du maniérisme, avec des poètes et des musiciens se délectant de vanités spirituelles et d’autres trucs visuels, verbaux et musicaux pour ravir le connaisseur. ^[65]

Le mot maniérisme a également été utilisé pour décrire le style de musique polyphonique très fleurie et complexe en contrepoint fabriquée en France à la fin du XIVe siècle. ^[66] Cette période est désormais communément appelée ars subtilior .

Maniérisme et théâtre

La première Commedia dell’Arte (1550–1621): Le contexte maniériste de Paul Castagno discute de l’effet du maniérisme sur le théâtre professionnel contemporain. ^[67] Castagno a été la première étude à définir une forme théâtrale comme maniériste, employant le vocabulaire du maniérisme et de la maniera pour discuter de la typification, exagérée et effetto meraviglioso des comici dell’arte . Voir la partie II du livre ci-dessus pour une discussion complète des caractéristiques maniéristes dans la commedia dell’arte . L’étude est en grande partie iconographique, présentant une preuve picturale que de nombreux artistes qui ont peint ou imprimé des images de la commedia étaient en fait, issus des ateliers de l’époque, fortement ancrés dans la tradition maniera.

La préciosité des minuscules gravures de Jacques Callot semble démentir une action à plus grande échelle. Balli di Sfessania (littéralement, danse des fesses) de Callot célèbre l’érotisme flagrant de la commedia, avec des phallus saillants, des lances posées avec l’anticipation d’une rame comique et des masques grossièrement exagérés qui mêlent le bestial à l’humain. L’érotisme des innamorés (amants) incluant le dénudage des seins, ou voilage excessif, était assez en vogue dans les peintures et gravures de la seconde Ecole de Fontainebleau, notamment ceux qui décèlent une influence franco-flamande. Castagno démontre des liens iconographiques entre la peinture de genre et les figures de la commedia dell’arte qui démontrent comment cette forme théâtrale était ancrée dans les traditions culturelles de la fin du Cinquecento . ^[68]

Commedia dell’arte, disegno interno et le discordia concors

Des corollaires importants existent entre le disegno interno , qui s’est substitué au disegno esterno (dessin extérieur) dans la peinture maniériste. Cette notion de projeter une vision profondément subjective comme supplantant la nature ou les principes établis (perspective, par exemple), en substance, l’accent mis sur l’objet au profit de son sujet, mettant désormais l’accent sur l’exécution, les démonstrations de virtuosité ou des techniques uniques. Cette vision intérieure est au cœur de la performance de la comédie. Par exemple, au moment de l’improvisation, l’acteur exprime sa virtuosité sans se soucier des frontières formelles, du décorum, de l’unité ou du texte. Arlecchino est devenu emblématique des concors discordia maniéristes(l’union des contraires), à un moment donné, il serait doux et gentil, puis, à un moment donné, deviendrait un voleur agissant violemment avec sa bataille. Arlecchino pouvait être gracieux dans ses mouvements, seulement dans le temps suivant, pour trébucher maladroitement sur ses pieds. Affranchi des règles extérieures, l’acteur célèbre l’évanescence de l’instant ; un peu comme Benvenuto Cellini éblouissait ses commanditaires en drapant ses sculptures, les dévoilant avec des effets de lumière et un sens du merveilleux. La présentation de l’objet est devenue aussi importante que l’objet lui-même.

Néo-maniérisme

Au XXe siècle, l’essor du néo-maniérisme est issu de l’artiste Ernie Barnes . Le style a été fortement influencé à la fois par la communauté juive et la communauté afro-américaine, ce qui a conduit à l’exposition “La beauté du ghetto” entre 1972 et 1979. L’exposition a fait le tour des grandes villes américaines et a été accueillie par des dignitaires, des athlètes professionnels. , et célébrités. Lorsque l’exposition a été présentée en 1974 au Museum of African Art de Washington, DC, le représentant John Conyers a souligné l’important message positif de l’exposition dans le Congressional Record .

Le style du néo-maniérisme, tel que développé par Barnes, comprend des sujets avec des membres et des corps allongés, ainsi que des mouvements exagérés. Un autre thème commun était les yeux fermés des sujets, comme une représentation visuelle de “à quel point nous sommes aveugles à l’humanité les uns des autres”. ^[69] “Nous nous regardons et décidons immédiatement : Cette personne est noire, donc il doit l’être… Cette personne vit dans la pauvreté, donc il doit l’être…”.

Néo-maniérisme et théâtre et cinéma

Dans une interview, le réalisateur Peter Greenaway mentionne Federico Fellini et Bill Violacomme deux inspirations majeures pour son jeu exhaustif et autoréférentiel avec la tension insoluble entre la forme base de données des images et les diverses interfaces analogiques et numériques qui les structurent cinématographiquement. Cette pièce peut être qualifiée de néo-maniériste précisément dans la mesure où elle se distingue du (néo-)baroque : « De même que le catholicisme romain vous offrirait le paradis et le ciel, il y a un paradis commercial équivalent étant offert très largement par tout l’effet capitalistique, qui est associé au cinéma occidental. C’est mon analogie politique en termes d’utilisation du multimédia comme arme politique. J’assimilerais, en un sens, la grande Contre-Réforme baroque, son activité culturelle, avec ce que le cinéma, le cinéma américain à prédominance , a fait au cours des soixante-dix dernières années.” ^[70]

Critique

Selon le critique d’art Jerry Saltz , le “néo-maniérisme” (nouveau maniérisme) fait partie de plusieurs clichés qui “éjectent la vie du monde de l’art”. ^[71] Le néo-maniérisme décrit l’art du 21e siècle qui est produit par des étudiants dont les professeurs universitaires “les ont effrayés en étant agréablement doux, imitatifs et ordinaires”. ^[71]

Voir également

• Portail des arts visuels

• Contre-Maniera
• Architecture et sculpture maniéristes en Pologne
• Chronologie des artistes italiens jusqu’en 1800

Remarques

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Lectures complémentaires

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Liens externes

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• ” Maniérisme: Bronzino (1503-1572) et ses contemporains “, sur le site Web du Metropolitan Museum of Art