Histoire de l’architecture

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L’ histoire de l’architecture retrace les changements de l’ architecture à travers diverses traditions, régions, tendances stylistiques globales et dates. On pense que les débuts de toutes ces traditions sont les humains qui satisfont le besoin fondamental d’abri et de protection. ^[1] Le terme « architecture » ​​désigne généralement les bâtiments, mais dans son essence est beaucoup plus large, y compris des domaines que nous considérons maintenant comme des formes de pratique spécialisées, telles que l’urbanisme , le génie civil, naval , militaire, ^[2] et l’architecture paysagère .

Histoire de l’architecture The Architect’s Dream , de Thomas Cole , 1840, huile sur toile, au Toledo Museum of Art ( Toledo , Ohio , USA)

Néolithique

Les progrès architecturaux sont une partie importante de la période néolithique (10 000-2000 avant JC), au cours de laquelle certaines des innovations majeures de l’histoire humaine se sont produites. La domestication des plantes et des animaux, par exemple, a conduit à la fois à une nouvelle économie et à une nouvelle relation entre les hommes et le monde, à une augmentation de la taille et de la permanence des communautés, à un développement massif de la culture matérielle et à de nouvelles solutions sociales et rituelles pour permettre aux gens de vivre ensemble dans ces communautés. De nouveaux styles de structures individuelles et leur combinaison dans des colonies ont fourni les bâtiments nécessaires au nouveau mode de vie et à l’économie, et ont également été un élément essentiel du changement. ^[3]

Si de nombreuses habitations appartenant à toutes les périodes préhistoriques ainsi que quelques modèles d’habitations en argile ont été mis au jour permettant la réalisation de reconstitutions fidèles, ils comportent rarement des éléments pouvant les rattacher à l’art. Certaines exceptions sont fournies par les décorations murales et par les découvertes qui s’appliquent également aux rites et à l’art néolithique et chalcolithique .

En Asie du Sud et du Sud-Ouest, les cultures néolithiques apparaissent peu après 10 000 av. J.-C., initialement au Levant ( Néolithique précéramique A et Néolithique précéramique B ) et de là se sont propagées vers l’est et l’ouest. Il existe des cultures néolithiques précoces dans le sud-est de l’Anatolie, en Syrie et en Irak vers 8000 avant JC, et les sociétés productrices d’aliments apparaissent pour la première fois dans le sud-est de l’Europe vers 7000 avant JC et en Europe centrale vers 7000 avant JC. 5500 avant JC (dont les premiers complexes culturels comprennent le Starčevo-Koros (Cris) , Linearbandkeramic et Vinča ). ^{[4] [5] [6] [7]}

Les établissements néolithiques et les « villes » comprennent :

• Göbekli Tepe en Turquie, ca. 9 000 avant JC
• Jéricho au Levant , néolithique d’environ 8350 avant JC, issu de la culture natoufienne Épipaléolithique antérieure
• Nevali Cori en Turquie, ca. 8 000 avant JC
• Çatalhöyük en Turquie , 7 500 av.
• Mehrgarh au Pakistan , 7 000 av.
• Knap of Howar et Skara Brae , Îles Orcades , Écosse , à partir de 3 500 av.
• plus de 3 000 colonies de la Culture Cucuteni-Trypillienne , certaines comptant jusqu’à 15 000 habitants, ont prospéré dans la Roumanie , la Moldavie et l’Ukraine actuelles de 5 400 à 2 800 av.

• Göbekli Tepe ( Turquie ), ch. 9500-8000 avant JC

• Maison en bois reconstituée ( Hemudu , Chine ), 5000-4500 av. J.-C. ^[8]

• Skara Bare ( Ecosse ), 3200-2200 avant JC ^[9]

Antiquité

Mésopotamien

La Mésopotamie est surtout connue pour sa construction de bâtiments en briques crues et la construction de ziggourats , occupant une place prépondérante dans chaque ville et consistant en un monticule artificiel, s’élevant souvent en marches énormes, surmonté d’un temple. Le monticule devait sans aucun doute élever le temple à une position dominante dans ce qui était autrement une vallée fluviale plate. La grande ville d’ Uruk avait un certain nombre d’enceintes religieuses, contenant de nombreux temples plus grands et plus ambitieux que tous les bâtiments connus auparavant. ^[dix]

Le mot ziggourat est une forme anglicisée du mot akkadien ziqqurratum , le nom donné aux solides tours à gradins en brique crue. Il dérive du verbe zaqaru , (“être haut”). Les bâtiments sont décrits comme étant comme des montagnes reliant la Terre et le ciel. La Ziggourat d’Ur , fouillée par Leonard Woolley , mesure 64 mètres sur 46 à la base et à l’origine environ 12 mètres de hauteur avec trois étages. Il a été construit sous Ur-Nammu (vers 2100 avant JC) et reconstruit sous Nabonide (555–539 avant JC), lorsqu’il a été augmenté en hauteur à probablement sept étages. ^[11]

Les palais assyriens avaient une grande cour publique avec une suite d’appartements du côté est et une série de grandes salles de banquet du côté sud. Cela allait devenir le plan traditionnel des palais assyriens, construits et ornés pour la glorification du roi. ^[12] Des quantités massives de meubles en ivoire ont été trouvées dans certains palais.

• Colonnes avec cônes en mosaïque d’argile provenant de l’ enceinte d’ Eanna à Uruk , dans le sud de la Mésopotamie ( Musée de Pergame , Berlin , Allemagne ), 3600-3200 av. J.-C. ^[13]

• La Ziggourat d’Ur , XXIe siècle av. J.-C., Tell el-Muqayyar ( Province de Dhi Qar , Irak ) ^[14]

• Reconstruction de la porte d’ Ishtar ( babylonienne ) ; c. 605-539 avant JC ; briques vernissées; Musée de Pergame ( Berlin , Allemagne) ^[15]

Égyptien antique

Grande Pyramide de Gizeh ( Gizeh , Égypte ), ch. 2589-2566 avant JC, par Hemiunu ^[16]

Les imaginations modernes de l’Égypte ancienne sont fortement influencées par les vestiges de l’architecture monumentale. De nombreux styles et motifs formels ont été établis à l’aube de l’ État pharaonique , vers 3100 av. Les bâtiments les plus emblématiques de l’Égypte ancienne sont les pyramides , construites pendant l’ Ancien et le Moyen Empire ( vers 2600-1800 av. J.-C.) comme tombes pour le pharaon . Cependant, il existe également des temples impressionnants, comme le complexe du temple de Karnak .

Les anciens Égyptiens croyaient en l’au- delà . Ils croyaient également que pour que leur âme (connue sous le nom de ka ) vive éternellement dans leur vie après la mort, leur corps devait rester intact pour l’éternité. Ils ont donc dû créer un moyen de protéger le défunt des dommages et des voleurs de tombes. De cette façon, le mastaba est né. Il s’agissait de structures en adobe à toits plats, qui avaient des salles souterraines pour le cercueil, à environ 30 m de profondeur . Imhotep , un ancien prêtre et architecte égyptien, devait concevoir un tombeau pour le pharaon Djoser . Pour cela, il plaça cinq mastabas, les uns au-dessus des autres, créant ainsi la première pyramide égyptienne, la Pyramide de Djéser .à Saqqarah ( vers 2667-2648 av. J.-C.), qui est une pyramide à degrés . Le premier à côtés lisses a été construit par le pharaon Sneferu , qui a régné entre c. 2613 et 2589 av. La plus imposante est la Grande Pyramide de Gizeh , faite pour le fils de Sneferu : Khufu ( vers 2589-2566 av. J.-C.), étant la dernière merveille survivante du monde antique et la plus grande pyramide d’Égypte. Les blocs de pierre utilisés pour les pyramides étaient maintenus ensemble par du mortier, et toute la structure était recouverte de calcaire blanc très poli, avec leurs sommets surmontés d’or. Ce que nous voyons aujourd’hui est en fait la structure de base de la pyramide. A l’intérieur, des passages étroits menaient aux chambres funéraires royales. Bien qu’elles soient fortement associées à l’Égypte ancienne, les pyramides ont été construites par d’autres civilisations, comme les Mayas .

En raison du manque de ressources et d’un changement de pouvoir vers la prêtrise, les anciens Égyptiens se sont éloignés des pyramides et les temples sont devenus le point central de la construction du culte. Tout comme les pyramides, les temples de l’Égypte ancienne étaient également spectaculaires et monumentaux. Ils ont évolué de petits sanctuaires faits de matériaux périssables à de grands complexes, et au Nouvel Empire (vers 1550-1070 av. J.-C.), ils sont devenus des structures massives en pierre composées de halls et de cours. Le temple représentait une sorte de «cosmos» en pierre, une copie du monticule originel de la création sur lequel le dieu pouvait se rajeunir et rajeunir le monde. L’entrée se composait d’une passerelle jumelle ( pylône), symbolisant les collines de l’horizon. À l’intérieur, il y avait des salles à colonnes symbolisant un bosquet de papyrus primitif. Il était suivi d’une série de couloirs de taille décroissante, jusqu’à ce que le sanctuaire soit atteint, où une statue de culte d’un dieu était placée. Dans les temps anciens, les temples étaient peints de couleurs vives, principalement du rouge, du bleu, du jaune, du vert, de l’orange et du blanc. En raison du climat désertique de l’Égypte, certaines parties de ces surfaces peintes se sont bien conservées, notamment dans les intérieurs.

Un élément architectural spécifique à l’architecture égyptienne antique est la corniche cavetto (une moulure concave ), introduite à la fin de l’Ancien Empire. Il était largement utilisé pour accentuer le sommet de presque tous les bâtiments pharaoniques formels. En raison de sa fréquence d’utilisation, il décorera plus tard de nombreux bâtiments et objets néo-égyptiens . ^{[17] [18]}

• La Pyramide de Djéser ( Saqqarah , Égypte ), 2667-2648 av. J.-C., par Imhotep ^[19]

• Salle hypostyle du complexe du temple de Karnak ( Louxor , Égypte), v. 1294-1213 avant JC ^[20]

• Grand Temple d’ Abou Simbel (Égypte), v. 1264 avant JC ^[18]

• Temple de Philae (Égypte), 380 av. J.-C.-117 ap. J.-C. ^[21]

• Illustrations de 1874 d’ ornements et de motifs utilisés par les anciens Égyptiens

Harappéen

La première civilisation urbaine du sous-continent indien remonte à l’origine à la civilisation de la vallée de l’Indus, principalement à Mohenjodaro et Harappa , maintenant dans le Pakistan moderne ainsi que dans les États occidentaux de la République de l’Inde. Les premiers établissements sont observés au cours de la période néolithique à Merhgarh , au Balouchistan . Les villes de la civilisation étaient réputées pour leur urbanisme avec des bâtiments en briques cuites, des systèmes élaborés de drainage et d’eau et de l’artisanat ( produits de cornaline , sculpture de phoques). Cette civilisation est passée du Néolithique au Chalcolithiquepériode et au-delà avec leur expertise en métallurgie (cuivre, bronze, plomb et étain). ^[22] Leurs centres urbains ont peut-être grandi pour contenir entre 30 000 et 60 000 individus, ^[23] et la civilisation elle-même peut avoir contenu entre un et cinq millions d’individus. ^[24]

• Les ruines d’ Harappa ( Punjab , Pakistan actuel ), vers 2550 av.

• Les ruines de Mohenjo-daro ( Sindh ), vers 1700 av.

grec

Contrairement à la façon dont la plupart d’entre nous les voient aujourd’hui, toutes les sculptures et temples égyptiens , grecs et romains étaient initialement peints de couleurs vives. Ils sont devenus blancs à cause de centaines d’années de négligence et de vandalisme provoqués par les chrétiens du Haut Moyen Âge , qui les considéraient comme «païens» et croyaient qu’ils encourageaient l’idolâtrie. ^[25]

Sans aucun doute, l’architecture grecque antique, avec la romaine , est l’un des styles les plus influents de tous les temps. Depuis l’avènement de l’ âge classique à Athènes , au 5ème siècle avant JC, la manière classique de construire a été profondément ancrée dans la compréhension occidentale de l’architecture et, en fait, de la civilisation elle-même. ^[26] D’environ 850 avant JC à environ 300 après JC, la Culture grecque antique s’est épanouie sur le continent grec , sur le Péloponnèse et sur les îles de la mer Égée . Cinq des merveilles du monde étaient grecques : le temple d’Artémis à Éphèse , leStatue de Zeus à Olympie , le mausolée d’Halicarnasse , le colosse de Rhodes et le phare d’Alexandrie . Cependant, l’architecture grecque antique est surtout connue pour ses temples , dont beaucoup se trouvent dans toute la région, et le Parthénon en est un excellent exemple. Plus tard, ils serviront d’inspiration aux architectes néoclassiques de la fin du XVIIIe et du XIXe siècle. Les temples les plus connus sont le Parthénon et l’ Érechthéion , tous deux situés sur l’ Acropole d’Athènes .. Un autre type de bâtiments importants de la Grèce antique était les théâtres. Les temples et les théâtres utilisaient un mélange complexe d’illusions d’optique et de rapports équilibrés.

Les temples grecs anciens se composent généralement d’une base avec des escaliers continus de quelques marches à chaque bord (appelés crepidoma ), une cella (ou naos ) avec une statue de culte, des colonnes , un entablement et deux frontons , un sur le devant côté et un autre dans le dos. Au 4ème siècle avant JC, les architectes et tailleurs de pierre grecs avaient développé un système de règles pour tous les bâtiments connus sous le nom d’ ordres : le dorique , l’ ionique et le corinthien . Ils sont plus facilement reconnaissables par leurs colonnes (surtout par les majuscules). La colonne dorique est robuste et basique, la colonne ionique est plus mince et a quatre volutes (appelées volutes ) aux coins du chapiteau, et la colonne corinthienne est comme la colonne ionique, mais le chapiteau est complètement différent, étant décoré d’ acanthe feuillets et quatre volutes. ^[27] Outre les colonnes, la frise était différente en fonction de l’ordre. Tandis que le dorique a des métopes et des triglyphes avec des guttae , les frises ioniques et corinthiennes consistent en une grande bande continue avec des reliefs .

Outre les colonnes, les temples étaient fortement décorés de sculptures, dans les frontons, sur les frises , les métopes et les triglyphes . Les ornements utilisés par les architectes et les artistes de la Grèce antique comprennent des palmettes , des volutes végétales ou ondulées , des mascarons de lion (principalement sur les corniches latérales ), des denticules , des feuilles d’acanthe , des bucranes , des festons , des œufs et des fléchettes , des rais-de-cœur , des perles, méandres et acrotèresaux angles des frontons. Assez souvent, les ornements grecs anciens sont utilisés en continu, comme des bandes. Ils seront ensuite utilisés dans les styles étrusque , romain et post-médiéval qui ont tenté de faire revivre l’art et l’architecture gréco-romains, comme la Renaissance , le baroque , le néoclassique , etc.

En regardant les vestiges archéologiques des bâtiments anciens et médiévaux, il est facile de les percevoir comme du calcaire et du béton dans un ton gris taupe et de supposer que les bâtiments anciens étaient monochromes. Cependant, l’architecture était polychromée dans une grande partie du monde antique et médiéval. L’un des bâtiments antiques les plus emblématiques, le Parthénon ( vers 447-432 av. J.-C.) à Athènes , avait des détails peints avec des rouges, des bleus et des verts vibrants. Outre les temples antiques, les cathédrales médiévales n’ont jamais été complètement blanches. La plupart avaient des rehauts colorés sur les chapiteaux et les colonnes . ^[28]Cette pratique de coloration des bâtiments et des œuvres d’art a été abandonnée au début de la Renaissance. En effet, Léonard de Vinci et d’autres artistes de la Renaissance, dont Michel- Ange , ont promu une palette de couleurs inspirée des anciennes ruines gréco-romaines qui, à cause de la négligence et de la décomposition constante au Moyen Âge, sont devenues blanches malgré leur couleur initiale. Les pigments utilisés dans le monde antique étaient délicats et particulièrement sensibles aux intempéries. Sans les soins nécessaires, les couleurs exposées à la pluie, à la neige, à la saleté et à d’autres facteurs ont disparu avec le temps, et ainsi les bâtiments et les œuvres d’art antiques sont devenus blancs, comme ils le sont aujourd’hui et pendant la Renaissance. ^[29]

• Temple d’Héphaïstos sur la colline Agoraios Kolonos ( Athènes , Grèce ), ch. 449 avant JC, architecte inconnu ^[27]

• Temple de Ségeste ( Calatafimi-Segesta , Italie actuelle), Ve siècle av. J.-C. ^[30]

• Érechthéion (Athènes), avec ses colonnes ioniques et son porche à cariatide , 421-405 av. J.-C. ^[30]

• Parthénon ( Athènes , Grèce), 447-432 av. J.-C., par Ictinus , Callicrates et Phidias ^[31]

• Tholos du sanctuaire d’Athéna Pronaia ( Delphes , Grèce), 380-360 av. J.-C., par Théodoros de Phocée ^[32]

• Façade du tombeau de Philippe II ( Vergina , Grèce), 336 av. J.-C. ^[33]

• Tombe des Palmettes ( Mieza , Grèce), première moitié du IIIe siècle av. J.-C. ^[34]

• Théâtre antique d’Épidaure ( Épidaure , Grèce), IIIe siècle av. J.-C. ^[35]

• Illustration des colonnes et des entablements doriques (trois à gauche), ioniques (trois au milieu) et corinthiennes (deux à droite)

• Illustrations de 1874 d’ ornements et de motifs utilisés par les anciens Grecs et Romains

romain

Panthéon (Rome), ch. 114-123 ^[36]

L’architecture de la Rome antique a été l’une des plus influentes au monde. Son héritage est évident tout au long des périodes médiévales et modernes, et les bâtiments romains continuent d’être réutilisés à l’ère moderne dans l’ architecture néo-classique et postmoderne . Il a été particulièrement influencé par les styles grecs et étrusques . Une gamme de types de temples a été développée pendant les années républicaines (509-27 avant JC), modifiée à partir de prototypes grecs et étrusques.

Partout où l’armée romaine a conquis, elle a établi des villes et cités, étendant son empire et faisant progresser ses réalisations architecturales et techniques. Si les œuvres les plus importantes se trouvent en Italie, les constructeurs romains ont également trouvé des débouchés créatifs dans les provinces occidentales et orientales, dont les meilleurs exemples conservés se trouvent dans l’ Afrique du Nord , la Turquie , la Syrie et la Jordanie actuelles . Des projets extravagants sont apparus, comme l’ Arc de Septime Sévère à Leptis Magna ( Libye actuelle , construit en 216 après JC), avec des frontons brisés de tous les côtés, ou l’ Arc de Caracalla à Thebeste.( Algérie actuelle , construite vers 214 après JC), avec des colonnes jumelées de tous les côtés, des entablements en saillie et des médaillons avec des bustes divins. En raison du fait que l’empire était formé de plusieurs nations et cultures, certains bâtiments étaient le produit de la combinaison du style romain avec la tradition locale. Un exemple est l’ arc de Palmyre (la Syrie actuelle , construite vers 212-220), certaines de ses arches étant ornées d’un motif de bande répété composé de quatre ovales dans un cercle autour d’une rosette , qui sont d’origine orientale.

Dépassant la plupart des civilisations de leur temps, les Romains ont développé de nouvelles compétences en ingénierie, techniques architecturales et matériaux. Parmi les nombreuses réalisations architecturales romaines figuraient des dômes , qui ont été créés pour les temples, les thermes, les villas, les palais et les tombes. L’exemple le plus connu est celui du Panthéon de Rome, étant le plus grand dôme romain subsistant et ayant un grand oculus en son centre. Une autre innovation importante est l’arc en pierre arrondi, utilisé dans les arcades, les aqueducs et autres structures. Outre les ordres grecs (dorique, ionique et corinthien), les Romains en ont inventé deux autres. L’ ordre toscan a été influencé par le dorique , mais avec des colonnes non cannelées et un entablement plus simplesans triglyphes ni guttae , tandis que le Composite était un ordre mixte , combinant les volutes du chapiteau de l’ ordre ionique avec les feuilles d’ acanthe de l’ ordre corinthien .

Entre 30 et 15 av. J.-C., l’architecte et ingénieur Marcus Vitruvius Pollio publia un important traité, De architectura , qui influença les architectes du monde entier pendant des siècles. En tant que seul traité d’architecture à avoir survécu à l’Antiquité, il est considéré depuis la Renaissance comme le premier livre sur la théorie architecturale, ainsi qu’une source majeure sur le canon de l’architecture classique. ^[37]

Tout comme les Grecs, les Romains ont également construit des amphithéâtres . Le plus grand amphithéâtre jamais construit, le Colisée de Rome, pouvait accueillir environ 50 000 spectateurs. Une autre structure romaine emblématique qui démontre leur précision et leur avancée technologique est le Pont du Gard dans le sud de la France, le plus haut aqueduc romain encore existant. ^{[38] [39]}

• Colisée (Rome), 70-80 avant JC ^[40]

• Pont du Gard ( Vers-Pont-du-Gard , Gard , France), aqueduc romain , 40–60 AD ^[39]

• Maison Carrée ( Nîmes , France), IIe siècle ^[41]

• Bibliothèque de Celsus ( Ephèse , Turquie), ch. 112-120 ^[40]

• Arc de Constantin (Rome), 316 ^[42]

Amériques (précolombiennes)

Plus de 3 000 ans avant que les Européens « découvrent » l’Amérique, des sociétés complexes s’étaient déjà établies en Amérique du Nord, centrale et du Sud. Les plus complexes se trouvaient en Méso -Amérique , notamment les Mayas , les Olmèques et les Aztèques , mais aussi les Incas en Amérique du Sud . Bien que les connaissances en astronomie et en ingénierie soient limitées, les structures et les bâtiments étaient souvent alignés sur les caractéristiques astronomiques ou sur les directions cardinales. Une grande partie de l’architecture s’est développée grâce à des échanges culturels – par exemple, les Aztèques ont beaucoup appris de l’architecture maya antérieure.

De nombreuses cultures ont construit des villes entières, avec des temples monolithiques et des pyramides décorées d’animaux, de dieux et de rois. La plupart de ces villes avaient une place centrale avec des bâtiments gouvernementaux et des temples, ainsi que des terrains de balle publics, ou tlachtli , sur des plates-formes surélevées. Tout comme dans l’Égypte ancienne, ici aussi étaient construites des pyramides, généralement en gradins . Ils n’étaient probablement pas utilisés comme chambres funéraires, mais avaient d’importants sites religieux au sommet. ^[43] Ils avaient peu de pièces, car les intérieurs importaient moins que la présence rituelle de ces imposantes structures et les cérémonies publiques qu’elles accueillaient ; ainsi, les plates-formes, les autels, les escaliers de procession, la statuaire et la sculpture étaient tous importants. ^[44]

• Avenue des Morts ( Teotihuacan , Mexique ), 1-600 après JC ^[45]

• Le Palais de Palenque ( Chiapas , Mexique), VIIe-VIIIe siècles ^[43]

• Temple du Grand Jaguar ( Tikal , Guatemala ), ch. 732 ^[46]

• Quadrilatère des couvents ( Uxmal , Yucatán , Mexique), 800-1000 ^[46]

• Temple des Guerriers ( Chichén Itzá , Yucatán, Mexique), v. 900-1200 ^[47]

Asie du sud

Après la chute de la vallée de l’ Indus , l’architecture sud-asiatique est entrée dans la période dharmique qui a vu le développement de styles architecturaux indiens anciens qui se sont ensuite développés en diverses formes uniques au Moyen Âge, ainsi que la combinaison de styles islamiques et, plus tard, d’autres traditions mondiales. .

Bouddhiste antique

L’architecture bouddhiste s’est développée dans le sous-continent indien au cours des 4ème et 2ème siècles avant JC, et s’est d’abord propagée en Chine, puis à travers l’Asie. Trois types de structures sont associés à l’ architecture religieuse du bouddhisme primitif : les monastères ( viharas ), les lieux de vénération des reliques ( stupas ) et les sanctuaires ou salles de prière ( chaityas , également appelés chaitya grihas ), appelés plus tard temples dans certains des endroits. Le type de construction bouddhiste le plus emblématique est le stupa, qui consiste en une structure en forme de dôme contenant des reliques, utilisée comme lieu de méditation pour commémorer Bouddha . Le dôme symbolisait l’espace infini du ciel.^[48]

Le bouddhisme a eu une influence significative sur l’architecture sri-lankaise après son introduction ^[49] et l’ancienne architecture sri-lankaise était principalement religieuse, avec plus de 25 styles de monastères bouddhistes. ^[50] Les monastères ont été conçus en utilisant le Manjusri Vasthu Vidya Sastra , qui décrit la disposition de la structure.

Après la chute de l’empire Gupta, le bouddhisme a principalement survécu au Bengale sous les Palas , et a eu un impact significatif sur l’ architecture bengali préislamique de cette période.

• Le Grand Stupa de Sanchi ( Madhya Pradesh , Inde), 3e siècle-vers 100 av.

• Somapura Mahavihara ( Bangladesh ), vers le 8ème siècle après JC

• La grotte 19 des grottes d’Ajanta ( Maharashtra ), une salle de chaitya , et aussi un exemple d’ architecture indienne taillée dans la roche , 5ème siècle

• Ruwanwelisaya ( Anuradhapura , Sri Lanka ), vers 140 av. J.-C. (rénové au début du XXe siècle)

Hindou antique

Dans tout le sous-continent indien, l’architecture hindoue a évolué de simples sanctuaires rupestres taillés dans la roche à des temples monumentaux. Du 4e au 5e siècle de notre ère, les temples hindous ont été adaptés au culte de différentes divinités et croyances régionales, et au 6e ou 7e siècle, des exemples plus importants ont évolué en imposantes structures en brique ou en pierre qui symbolisent le sacré mont Meru à cinq sommets. . Influencé par les premiers stupas bouddhistes , l’architecture n’a pas été conçue pour le culte collectif, mais avait des zones où les fidèles pouvaient laisser des offrandes et effectuer des rituels. ^[51]

De nombreux styles architecturaux indiens pour les structures telles que les temples, les statues, les maisons, les marchés, les jardins et la planification sont tels que décrits dans les textes hindous . ^{[52] [53]} Les directives architecturales survivent dans les manuscrits sanskrits et dans certains cas aussi dans d’autres langues régionales. Il s’agit notamment des Vastu shastras , des Shilpa Shastras , des Brihat Samhita , des parties architecturales des Puranas et des Agamas, et des textes régionaux tels que le Manasara, entre autres. ^{[54] [55]}

Depuis que ce style architectural a émergé à l’époque classique, il a eu une influence considérable sur divers styles architecturaux médiévaux comme celui des Gurjaras , des Dravidiens , des Deccan , des Odias , des Bengalis et des Assamais .

• Temple Dashavatara, Deogarh ( Uttar Pradesh ), vers 6ème siècle après JC

• Temple Mundeshwari ( district de Kaimur , Bihar ), vers le 7ème siècle après JC

• Grottes d’Ellora ( district d’Aurangabad, Maharashtra ), vers le 6ème siècle après JC

Maru Gurjara

Ce style d’architecture de l’Inde du Nord a été observé dans les lieux de culte et de congrégation hindous et jaïns . Il a émergé du XIe au XIIIe siècle sous la période Chaulukya (Solanki). ^[56] Il est finalement devenu plus populaire parmi les communautés Jain qui l’ont répandu dans la grande région et à travers le monde. ^[57] Ces structures ont des caractéristiques uniques comme un grand nombre de projections sur les murs extérieurs avec des statues fortement sculptées et plusieurs spirelets urushringa sur le shikhara principal .

• Hawa Mahal ( Jaipur , Rajasthan ), 1799

• Temple de Navlakha, Ghumli , Gujarat , XIIe siècle

• Intérieur du temple Jain Vimal Vasahi ( Mont Abu ), 1031 ^[58]

himalayen

L’Himalaya est habité par divers groupes de personnes, notamment les Paharis , les Sino-Tibétains , les Cachemiris et bien d’autres groupes. Étant de différentes origines religieuses et ethniques, l’architecture a également eu de multiples influences. Compte tenu des difficultés logistiques et du rythme de vie plus lent dans l’Himalaya, les artisans ont le temps de réaliser des sculptures et des peintures sur bois complexes accompagnées d’ornements en métal et de sculptures en pierre qui se reflètent dans les bâtiments religieux, civiques et militaires. Ces styles existent sous différentes formes du Tibet et du Cachemire à l’Assam et au Nagaland . ^[59]Une caractéristique commune est observée dans les toits en couches inclinés des temples, des mosquées et des bâtiments civiques. ^[60]

• Temple Nyatapola ( Bhaktapur , Népal ), 1702

• Paro Taktsang ( Paro, Bhoutan ), 1692

• Palais du Potala ( Lhassa , Tibet ), 1649

• Jamia Masjid, Srinagar ( Cachemire ), 1394

Dravidien

C’est un style architectural qui a émergé dans la partie sud du sous-continent indien et au Sri Lanka. Ceux-ci incluent des temples hindous avec un style unique qui implique une tour pyramidale plus courte au-dessus du garbhagriha ou sanctuaire appelé vimana , où le nord a des tours plus hautes, généralement courbées vers l’intérieur à mesure qu’elles s’élèvent, appelées shikharas . Ceux-ci incluent également des bâtiments séculaires qui peuvent ou non avoir des toits inclinés en fonction de la région géographique. En pays tamoul, ce style est influencé par la période Sangam ainsi que les styles des grandes dynasties qui l’ont régné. Ce style varie dans la région à l’ouest du Kerala qui est influencé par des facteurs géographiques comme le commerce occidental et les moussons qui se traduisent par des toits en pente.^[61] Plus au nord, le style Karnata Dravida varie en fonction de la diversité des influences, relayant souvent beaucoup sur les tendances artistiques des dirigeants de douze dynasties différentes. ^[62]

• Vel de pierre sur une plate-forme en brique à l’entrée du temple de Murugan, Saluvankuppam , 300 av. J.-C. ^{[63] [64]}

• Temple Padmanabhaswamy ( Thiruvananthapuram , Kerala ); site de culte dravidien local peut-être dès le 4ème siècle après JC, site de culte Vaishnavite au 8ème siècle après JC, avec son gopuram construit au 16ème siècle après JC

• Temple Meenakshi, Madurai ( Tamil Nadu ), vers 12e siècle

• Temple Vitthala ( Hampi , Karnataka ), vers 16e siècle

Kalinga

L’ancienne région de Kalinga correspond aux régions indiennes orientales actuelles d’ Odisha , du Bengale occidental et du nord de l’ Andhra Pradesh . Son architecture a atteint son apogée entre le IXe et le XIIe siècle sous le patronage de la dynastie Somavamsi d’Odisha. Richement sculptés avec des centaines de personnages, les temples de Kalinga présentent généralement des formes répétitives telles que des fers à cheval. À l’intérieur des murs protecteurs du complexe du temple se trouvent trois bâtiments principaux avec des tours incurvées distinctives appelées deul ou deula et des salles de prière appelées jagmohan . ^[65]

• Le temple de Jagannath ( Puri , Odisha , Inde), l’un des quatre lieux les plus sacrés (Dhamas) de l’hindouisme, ^[66] XIIe siècle

• Le temple du soleil de Konark (Puri), vers 1250

• Schéma simplifié d’un temple Kalinga

Asie de l’Est et du Sud-Est

Sinosphère

Le hall principal du monastère de Nanchan ( Wutai , Xinzhou , Shanxi , Chine), rénové en 782

Ce qui est reconnu aujourd’hui comme la culture chinoise a ses racines dans la période néolithique (10 000-2000 av. J.-C.), couvrant les sites culturels de Yangshao , Longshan et Liangzhu dans le centre de la Chine. Des sections du nord-est de la Chine actuelle contiennent également des sites de la culture néolithique de Hongshan qui manifestaient des aspects de la culture proto-chinoise. Les systèmes de croyance chinois indigènes comprenaient le culte naturaliste, animiste et héroïque. En général, les plates-formes en plein air ( tan , ou autel) étaient utilisées pour vénérer des divinités naturalistes, telles que les dieux du vent et de la terre, tandis que les bâtiments formels ( miao , ou temple) étaient réservés aux héros et aux ancêtres décédés.

La plupart des premiers bâtiments en Chine étaient des structures en bois . Des colonnes avec des ensembles de consoles sur la face des bâtiments, pour la plupart en nombre pair, faisaient de l’espace intercolonne central la plus grande ouverture intérieure. Les toits de tuiles lourdes reposaient carrément sur le bâtiment en bois avec des murs construits en brique ou en terre battue.

La transmission du bouddhisme en Chine vers le 1er siècle après JC a conduit à une nouvelle ère de pratiques religieuses, et donc à de nouveaux types de construction. Des lieux de culte sous forme de temples rupestres sont apparus en Chine, basés sur ceux indiens taillés dans la roche . Un autre nouveau type de construction introduit par le bouddhisme était la forme chinoise de stupa ( ta ) ou pagode .. En Inde, des stupas ont été érigés pour commémorer des personnes ou des enseignants bien connus : par conséquent, la tradition bouddhiste a adapté la structure pour se souvenir du grand enseignant, le Bouddha. Dans La pagode chinoise partageait un symbolisme similaire avec le stupa indien et a été construite avec le parrainage principalement de mécènes impériaux qui espéraient gagner des mérites terrestres pour la prochaine vie. Le bouddhisme a atteint son apogée du 6ème au 8ème siècles quand il y avait un nombre sans précédent de monastères en Chine. Plus de 4 600 monastères officiels et 40 000 non officiels ont été construits. Ils varient en taille par le nombre de cloîtres qu’ils contenaient, allant de 6 à 120. Chaque cloître se composait d’un bâtiment principal autonome – une salle, pagode de pavillon – et était entouré d’un couloir couvert dans un composé rectangulaire desservi par un bâtiment de la porte. ^[67]

La culture chinoise et confucéenne a eu une influence significative sur l’art et l’architecture dans la sinosphère (principalement le Vietnam , la Corée , le Japon ). ^[68] L’architecture coréenne , en particulier après la période Choson , présente des influences Ming – Qing . ^[69]

Traditionnellement, l’architecture japonaise était faite de bois et de fusuma (portes coulissantes) à la place des murs, permettant à l’espace intérieur d’être modifié pour répondre à différents objectifs. L’introduction du bouddhisme au milieu du VIe siècle, via le royaume coréen voisin de Paekche , a initié la construction de temples en bois à grande échelle en mettant l’accent sur la simplicité, et une grande partie de l’architecture a été importée de Chine et d’autres cultures asiatiques. À la fin de ce siècle, le Japon construisait des monastères de style continental, notamment le temple, connu sous le nom de Horyu-ji à Ikaruga . ^[70]Contrairement à l’architecture occidentale, les structures japonaises utilisent rarement la pierre, sauf pour des éléments spécifiques tels que les fondations. Les murs sont légers, fins, jamais porteurs et souvent mobiles. ^[37]

• La pagode géante de l’oie sauvage dans le sud de Xi’an ( province du Shaanxi , Chine), 652 (sous la dynastie Tang )

• Le pavillon Guanyian du monastère de Dule ( Jixian , Chine), 984

• Salle de prière pour les bonnes récoltes, le bâtiment principal du Temple du Ciel (Pékin), 1703-1790

• Temple de la Littérature, Hanoï ( Vietnam ), 1070

• Palais Gyeongbokgung ( Séoul , Corée du Sud ), 1395

• Le mausolée de l’empereur Nintoku ( Sakai , préfecture d’Osaka , Japon), IVe siècle

• Pagode de Hōryū-ji , temple bouddhiste à Ikaruga ( préfecture de Nara ), 607

• Le jardin du temple Ninna-ji à Kyoto ( préfecture de Kyoto ), exemple de jardin japonais , 888

• Kinkaku-ji ( Kitayama , Kyoto ), un temple bouddhiste zen à Kyoto , 1398

Khmer

Du début du IXe siècle au début du XVe siècle, les rois khmers règnent sur un empire vad hindou-bouddhiste en Asie du Sud-Est. Angkor , dans le Cambodge actuel , était sa capitale, et la plupart de ses bâtiments survivants sont des temples en pierre orientés à l’est, dont beaucoup sont construits sous une forme pyramidale à plusieurs niveaux composée de cinq structures carrées avec des tours, ou prasats , qui représentent le sacré. Mont Meru à cinq sommets de la doctrine hindoue , jaïn et bouddhiste . En tant que résidences des dieux, les temples étaient faits de matériaux durables tels que le grès , la brique ou la latérite , une substance semblable à l’argile qui sèche dur. ^[71]

L’ architecture cham au Vietnam suit également un style similaire. ^[72]

• Bakong ( Hariharalaya , Roluos , Cambodge), IXe siècle ap.

• Prasat Prang Ku ( Sisaket , Thaïlande ), 12ème siècle après JC ^[72]

• Angkor Wat ( Angkor , Cambodge ), début du 12ème siècle après JC

• Temples Champa ( Mỹ Sơn , Vietnam ), vers le 4ème siècle après JC

Afrique sub-saharienne

L’architecture traditionnelle de l’Afrique subsaharienne est diversifiée et varie considérablement d’une région à l’autre. Parmi les types de maisons traditionnelles, on trouve des huttes, parfois composées d’une ou deux pièces, ainsi que diverses structures plus grandes et plus complexes.

Styles ouest-africains et bantous

Dans une grande partie de l’Afrique de l’Ouest, on trouve aussi traditionnellement des maisons rectangulaires avec des toits en pointe et des cours, parfois composées de plusieurs pièces et cours (parfois décorées, avec des reliefs en adobe comme chez les Ashanti du Ghana, ^{[73] [74]} ou des piliers sculptés comme chez les Yoruba du Nigeria, notamment dans les palais et les habitations des riches) ^[75] Outre le type régulier d’habitation rectangulaire à toit pointu, répandu en Afrique de l’Ouest et à Madagascar , il existe également d’autres types de maisons : les maisons- ruches en un cercle de pierres surmonté d’un toit en dôme, et le rond, avec un cône-toit en forme. Le premier type, qui existait aussi en Amérique, est caractéristique surtout de l’Afrique australe. Celles-ci étaient utilisées par les groupes de langue bantoue dans le sud et certaines parties de l’Afrique de l’Est, qui étaient faites de boue, de poteaux, de chaume et de bouse de vache (les maisons rectangulaires étaient plus courantes chez les peuples de langue bantoue de la grande région du Congo et de l’Afrique centrale) . La case ronde à toit conique est répandue surtout au Soudan et en Afrique orientale , mais est également présente en Colombie et en Nouvelle-Calédonie , ainsi qu’au Soudan occidental et au Sahel .régions d’Afrique de l’Ouest, où ils sont parfois organisés en composés. ^[76] Un style distinct d’architecture traditionnelle en bois existe parmi les peuples des Prairies du Cameroun, comme les Bamilékés .

• Palais du Roi à Nyanza ( Rwanda ), date inconnue

• Illustration de 1854 de la rue Lunda et des maisons

• Architecture yoruba décrite dans un livre d’ Anna Hinderer au milieu des années 1800 ^[77]

• Architecture traditionnelle bamiléké , salle principale du palais Bandjoun au Cameroun, avec colonnes et porte en bois sculptées de façon décorative, date inconnue

Dans plusieurs sociétés ouest-africaines, dont le royaume du Bénin (et d’autres peuples Edo ), et les royaumes des Yoruba, Hausa, sur des sites comme Jenne-Jeno (une ville préislamique au Mali), ^{[78] [79]} et ailleurs, les villes étaient entourées de grands murs de brique crue ou d’adobe, ^[80] et parfois de douves monumentales et de terrassements, comme l’Eredo de Sungbo (dans le royaume nigérian yoruba d’Ijebu) et les Murs du Bénin (du royaume nigérian Royaume du Bénin ). ^{[81] [82]} Dans l’Afrique australe médiévale, il existait une tradition de colonies de pierre fortifiées telles que le Grand Zimbabwe etKhami .

Le célèbre Benin City du sud-ouest du Nigeria (capitale du Royaume du Bénin) détruite par l’ Expédition Punitive , était un grand complexe de maisons en terre battue, avec des toits en croupe de bardeaux ou de feuilles de palmier. Le palais avait une séquence de salles de cérémonie et était décoré de plaques de laiton . Il était entouré d’un complexe monumental de terrassements et de murs dont la construction aurait commencé au début du Moyen Âge. ^{[81] [82] [83] [84]}

• Maisons en forme de ruche de l’ ethnie Musgum à Pouss ( Cameroun ), date inconnue

• Une maison traditionnelle du peuple Tammari dans le département de l’Atakora au nord de la République du Bénin (à ne pas confondre avec le Royaume nigérian du Bénin), date inconnue

• Image de la maison traditionnelle Ashanti au Ghana, 18e-19e siècle

• Un village Dogon au Mali , avec des murs construits selon la méthode de l’ acacia et du torchis , date inconnue

• La tour conique à l’intérieur de la Grande Enceinte du Grand Zimbabwe , une ville médiévale construite par une culture prospère, ca. XIe-XIVe siècle

Sahélien

Dans la région du Sahel occidental , l’influence islamique a été un facteur majeur contribuant au développement architectural des derniers âges du Royaume du Ghana . À Kumbi Saleh , les habitants vivaient dans des habitations en forme de dôme dans la partie royale de la ville, entourées d’une grande enceinte. Les commerçants vivaient dans des maisons en pierre dans une section qui possédait 12 belles mosquées, comme décrit par al-bakri , dont une était centrée sur la prière du vendredi . ^[85] On dit que le roi possédait plusieurs manoirs, dont l’un avait soixante-six pieds de long, quarante-deux pieds de large, contenait sept chambres, avait deux étages de haut et avait un escalier; avec les murs et les chambres remplies de sculptures et de peintures. ^[86]

L’architecture sahélienne s’est d’abord développée à partir des deux villes de Djenné et Tombouctou . La mosquée Sankoré à Tombouctou , construite en terre sur bois, était de style similaire à la Grande Mosquée de Djenné . La montée des royaumes dans la région côtière de l’Afrique de l’Ouest a produit une architecture qui s’inspirait des traditions indigènes, utilisant le bois, la brique crue et l’adobe. Bien qu’il ait acquis plus tard des influences islamiques, le style avait également des racines dans les styles de construction préislamiques locaux, tels que ceux trouvés dans les anciennes colonies comme Jenne-Jeno , Dia, Mali et Dhar Tichitt , ^[87]certains d’entre eux employaient un style sahélien traditionnel de briques cylindriques en terre crue. ^[78]

• La Grande Mosquée de Djenné ( Djenné , Mali ), icône de l’ architecture soudano-sahélienne , construite à l’origine aux XIIIe-XIVe siècles, reconstruite en 1907, en adobe

• La mosquée Larabanga ( Larabanga , nord du Ghana ), peut-être construite au 15ème siècle

• Porte haoussa , le Gidan Rumfa à Kano , nord du Nigeria, XVe siècle

éthiopien

L’architecture éthiopienne (y compris l’ Érythrée moderne ) s’est développée à partir du style aksumite et a incorporé de nouvelles traditions avec l’expansion de l’État éthiopien. Les styles incorporaient plus de bois et des structures plus rondes dans l’architecture domestique du centre du pays et du sud, et ces influences stylistiques se manifestaient dans la construction d’églises et de monastères. Tout au long de la période médiévale, l’architecture et les influences aksumites et sa tradition monolithique ont persisté, avec son influence la plus forte au début du Moyen Âge (fin Aksumite) et des périodes Zagwe (lorsque les églises monolithiques taillées dans la roche de Lalibelaont été sculptés). Tout au long de la période médiévale, et en particulier du Xe au XIIe siècle, des églises ont été taillées dans la roche dans toute l’Éthiopie, en particulier dans la région la plus septentrionale du Tigré , qui était le cœur de l’empire aksoumite. L’exemple le plus célèbre de l’architecture rupestre éthiopienne sont les onze églises monolithiques de Lalibela, taillées dans le tuf volcanique rouge trouvé autour de la ville. ^[88] Au début de la période moderne en Éthiopie, l’absorption de nouvelles influences diverses telles que le style baroque, arabe, turc et gujarati a commencé avec l’arrivée des missionnaires jésuites portugais aux XVIe et XVIIe siècles.

• De grandes églises monolithiques telles que l’ église Saint-Georges (Lalibela) , ont été creusées dans le sol en Éthiopie , fin du XIIe ou début du XIIIe siècle

Océanie

La plupart des bâtiments océaniques se composent de huttes , faites de bois et d’autres matériaux végétaux. L’art et l’architecture ont souvent été étroitement liés – par exemple, les entrepôts et les lieux de réunion sont souvent décorés de sculptures élaborées – et ils sont donc présentés ensemble dans cette discussion. L’architecture des îles du Pacifique était variée et parfois à grande échelle. Les bâtiments reflétaient la structure et les préoccupations des sociétés qui les ont construits, avec beaucoup de détails symboliques. Techniquement, la plupart des bâtiments en Océanien’étaient plus que de simples assemblages de perches maintenues ensemble par des saisines de canne ; ce n’est que dans les îles Caroline que l’on connaissait des méthodes complexes d’assemblage et de chevillage. Fakhua shen, Taboa shen et Kuhua shen (les triplés shen) ont conçu la première architecture océanienne.

Un important site archéologique océanien est Nan Madol des États fédérés de Micronésie . Nan Madol était le siège cérémoniel et politique de la dynastie Saudeleur , qui réunissait les quelque 25 000 habitants de ^Pohnpei jusqu’en 1628 environ . ou du IIe siècle de notre ère. Au 8ème ou 9ème siècle, la construction des îlots avait commencé, avec la construction de l’ architecture mégalithique distinctive commençant entre 1180 et 1200 après JC. ^[90]

• Ruines de Nan Madol ( île de Pohnpei , États fédérés de Micronésie ), vers VIIIe-XIIIe siècles

• Club house pour hommes, 1907, de Palau , maintenant au Musée ethnologique de Berlin

• Détail d’une maison d’approvisionnement de cérémonie, de Papouasie-Nouvelle-Guinée , maintenant au Musée Ethnologique de Berlin

• Maison traditionnelle en Micronésie , date inconnue

islamique

En raison de l’étendue des conquêtes islamiques, l’architecture islamique englobe un large éventail de styles architecturaux depuis la fondation de l’Islam (VIIe siècle) jusqu’à nos jours. L’architecture islamique primitive a été influencée par l’architecture romaine , byzantine , perse , mésopotamienne et toutes les autres terres que les premières conquêtes musulmanes ont conquises aux 7e et 8e siècles. ^{[91] [92]} Plus à l’est, il a également été influencé par l’architecture chinoise et indienne alors que l’Islam se répandait en Asie du Sud-Est. Cette vaste et longue histoire a donné naissance à de nombreux styles architecturaux locaux, y compris, mais sans s’y limiter : Omeyyade , Abbasside , Perse ,Maure , Fatimide , Mamelouk , Ottoman , Indo-islamique (en particulier moghol ), Bengali médiéval , Sino-islamique et sahélien . architecture.

Certaines structures distinctives de l’architecture islamique sont les mosquées , les madrasas , les tombes, les palais, les thermes et les forts. Les types notables d’architecture religieuse islamique comprennent les mosquées hypostyles , les mosquées et les mausolées en forme de dôme, les structures avec des iwans voûtés et les madrasas construites autour de cours centrales. Dans l’architecture séculaire, les principaux exemples de palais historiques préservés incluent l’ Alhambra et le palais de Topkapi . L’islam n’encourage pas le culte des idoles ; c’est pourquoi l’architecture a tendance à être décorée de calligraphie arabe (y compris des versets coraniques ou d’autres poésies) et de motifs plus abstraits tels quemotifs géométriques , muqarnas et arabesques , par opposition aux illustrations de scènes et d’histoires. ^{[93] [94] [95] [96]}

• Dôme du Rocher ( Jérusalem , Israël ), 691 ^[97]

• Grande Mosquée de Samarra ( Samarra , Irak ), ch. 851 ^[97]

• Tombe de Shah Rukn-e-Alam ( Multan , Pakistan ), 1320-1324 ^[98]

• Cour des Lions ( Alhambra , Grenade , Espagne ), 1362-1391 ^[99]

• Taj Mahal ( Agra , Inde ), ch. 1649, par Ustad Ahmad Lahori ^[100]

européen

Médiéval

Les exemples survivants de l’architecture laïque médiévale ont principalement servi à la défense dans diverses parties de l’Europe. Châteaux et les murs fortifiés fournissent les exemples non religieux les plus remarquables de l’architecture médiévale. De nouveaux types de bâtiments civiques, militaires et religieux de nouveaux styles commencent à apparaître dans cette région au cours de cette période.

byzantin La basilique Sainte-Sophie ( Istanbul , Turquie ), 537, par Anthemius de Tralles et Isidore de Milet ^[101]

Les architectes byzantins ont construit des remparts, des palais, des hippodromes, des ponts, des aqueducs , mais surtout des églises. Ils nous ont laissé de nombreux types d’églises, dont la basilique (le type le plus répandu, et celui qui a atteint le plus grand développement). De la basilique dérivent deux autres types, le circulaire et l’octogonal. Un autre type d’église monumentale est celle en forme de croix orthodoxe et à cinq coupoles. En Grèce continentale , le type d’église le plus répandu était celui cruciforme, avec un ou plusieurs dômes. Aussi, un grand nombre d’églises de ces formes existent à Moscou , Novgorod ou Kiev , ainsi qu’en Roumanie , Bulgarie,Serbie , Macédoine du Nord et Albanie . Par des modifications et des adaptations d’inspiration locale, le style byzantin sera utilisé comme principale source d’inspiration pour les styles architecturaux des pays orthodoxes orientaux . ^[102] Par exemple, en Roumanie, le style Brâncovenesc est fortement basé sur l’architecture byzantine, mais possède également des caractéristiques roumaines individuelles.

Tout comme le Parthénon est le monument le plus célèbre de la religion grecque antique , Sainte-Sophie est restée une église emblématique du christianisme . Les temples des deux religions diffèrent considérablement en termes d’aspect extérieur et intérieur. Dans l’Antiquité, l’extérieur était la partie la plus importante du temple, car à l’intérieur, où était conservée la statue cultuelle de la divinité à laquelle le temple était édifié, seul le prêtre avait accès. Les cérémonies se déroulaient à l’extérieur, et ce que les fidèles voyaient était la façade du temple, composée de colonnes, avec un entablementet deux frontons. Pendant ce temps, des liturgies chrétiennes avaient lieu à l’intérieur des églises, l’extérieur n’ayant généralement que peu ou pas d’ornementation. ^[103]

L’architecture byzantine comportait souvent des colonnes de marbre, des plafonds à caissons et une décoration somptueuse, y compris l’utilisation intensive de mosaïques à fond doré. ^[104] Le matériau de construction utilisé par les architectes byzantins n’était plus le marbre, très apprécié des Grecs de l’Antiquité. Ils utilisaient principalement de la pierre et de la brique, ainsi que de fines feuilles d’ albâtre pour les fenêtres. ^[105] Les mosaïques étaient utilisées pour recouvrir les murs de briques et toute autre surface où la fresque ne résisterait pas. De bons exemples de mosaïques de l’époque proto-byzantine se trouvent à Hagios Demetrios à Thessalonique (Grèce), la basilique de Sant’Apollinare Nuovoet la Basilique de San Vitale , toutes deux à Ravenne (Italie), et Sainte-Sophie à Istanbul .

• Basilique de Sainte Sabine ( Colline de l’Aventin , Rome), 422-432 ^[106]

• Sainte-Irène ( Istanbul , Turquie ), VIe siècle ^[106]

• Basilique de San Vitale ( Ravenne , Italie ), 527-548 ^[107]

• Basilique de Sant’Apollinare in Classe (Ravenne), 549 ^[108]

• Kapnikarea (Athènes), 1050 ^[109]

roman

Le terme « roman » trouve ses racines au XIXe siècle, lorsqu’il a été inventé pour décrire les églises médiévales construites du Xe au XIIe siècle, avant l’apparition d’arcs en ogive, d’arcs -boutants et d’autres éléments gothiques. Pour les critiques du XIXe siècle, le roman reflétait l’architecture des tailleurs de pierre qui admiraient évidemment les lourdes voûtes en berceau et les chapiteaux sculptés complexes des anciens Romains , mais dont la propre architecture était considérée comme dérivée et dégénérée, dépourvue de la sophistication de leurs modèles classiques.

Les chercheurs du 21e siècle sont moins enclins à comprendre l’architecture de cette période comme un «échec» à reproduire les réalisations du passé, et sont beaucoup plus susceptibles de reconnaître sa profusion de formes expérimentales, comme une série de nouvelles inventions créatives. À l’époque, cependant, la recherche a remis en question la valeur du roman en tant que terme stylistique. En surface, il fournit une désignation pratique pour les bâtiments qui partagent un vocabulaire commun d’ arcs arrondis et de maçonnerie en pierre épaisse , et apparaissent entre le renouveau carolingien de l’antiquité classiqueau IXe siècle et l’évolution rapide de l’architecture gothique après la seconde moitié du XIIe siècle. Un problème, cependant, est que le terme englobe un large éventail de variations régionales, certaines ayant des liens plus étroits avec Rome que d’autres. Il convient également de noter que la distinction entre l’architecture romane et ses prédécesseurs et successeurs immédiats n’est pas du tout claire. Il y a peu de preuves que les téléspectateurs médiévaux étaient préoccupés par les distinctions stylistiques que nous observons aujourd’hui, rendant la lente évolution de l’architecture médiévale difficile à séparer en catégories chronologiques nettes. Néanmoins, le roman reste un mot utile malgré ses limites, car il reflète une période d’activité constructive intensive qui a maintenu une certaine continuité avec le passé classique,^[3]

Les cathédrales romanes peuvent être différenciées assez facilement des cathédrales gothiques et byzantines, car elles se caractérisent par la large utilisation de piliers et de colonnes épais, d’arcs en plein cintre et de sévérité. Ici, les possibilités de l’arcade en plein cintre dans un sens structurel et spatial ont été une fois de plus pleinement exploitées. Contrairement à l’arc pointu du gothique ultérieur, l’arc en plein cintre roman nécessitait le support de piliers et de colonnes massifs. Par rapport aux églises byzantines, les églises romanes ont tendance à manquer d’ornementation complexe à la fois à l’extérieur et à l’intérieur. Un exemple en est la cathédrale de Périgueux ( Périgueux , France), construite au début du XIIe siècle et conçue sur le modèle de la basilique Saint-Marc de Venise ., mais sans mosaïques, laissant son intérieur très austère et minimaliste. ^[110]

• Église Saint-Michel ( Hildesheim , Allemagne), 1010-1031 ^[111]

• Église abbatiale Sainte-Foy ( Conques , France), 1087-1107 ^[112]

• Intérieur de la cathédrale de Durham ( Durham , Royaume- Uni ), 1093-1133 ^[113]

• Abbaye Maria Laach (Allemagne), 1093-1230 ^[114]

• Cathédrale de Périgueux ( Périgueux , France), début XIIe siècle ^[115]

gothique La Sainte-Chapelle (Paris) et quelques détails, 1243-1248, par Pierre de Montreuil ^[116]

L’architecture gothique a commencé par une série d’expériences, qui ont été menées pour répondre aux demandes spécifiques des mécènes et pour accueillir le nombre toujours croissant de pèlerins visitant les sites qui abritaient de précieuses reliques. Les pèlerins du haut Moyen Âge (vers 1000 à 1250 après JC) se rendaient de plus en plus vers des lieux de pèlerinage bien connus, mais aussi vers des sites locaux où des saints locaux et nationaux étaient réputés pour avoir accompli des miracles. Les églises et monastères abritant d’importantes reliquesvoulaient donc accroître la popularité de leurs saints respectifs et leur construire des sanctuaires appropriés. Ces sanctuaires n’étaient pas simplement des reliquaires incrustés de pierres précieuses, mais plus important encore, ils prenaient la forme de puissants décors architecturaux caractérisés par une lumière colorée émise par les grandes surfaces de vitraux . L’utilisation du vitrail n’est cependant pas le seul élément déterminant de l’architecture gothique, pas plus que l’ arc en ogive , la voûte d’ogives , la rosace ou l’ arc-boutant ., car nombre de ces éléments ont été utilisés d’une manière ou d’une autre dans les traditions architecturales précédentes. C’est plutôt la combinaison et le raffinement constant de ces éléments, ainsi que la réponse rapide aux techniques de construction en évolution rapide de l’époque, qui ont alimenté le mouvement gothique en architecture.

Par conséquent, il est difficile de désigner un élément ou l’endroit exact où le gothique est apparu pour la première fois; cependant, il est de tradition d’engager une discussion sur l’architecture gothique avec la basilique Saint-Denis (vers 1135-1344) et ses mécènes, l’ abbé Suger , qui entreprit de reconstruire la façade ouest et le chœur de l’église. Comme il l’écrit dans son De Administratione , l’ancien bâtiment ne pouvait plus accueillir les grands volumes de pèlerins qui venaient vénérer les reliques de St Denis, et la solution à ce double : une façade ouest avec trois grands portails et le nouveau chœur innovant , qui associait un déambulatoire à des chapelles rayonnantesqui étaient uniques car ils n’étaient pas séparés par des murs. Au lieu de cela, une rangée de colonnes minces a été insérée entre les chapelles et l’arcade du chœur pour soutenir les voûtes en croisée d’ogives. Le résultat a permis aux visiteurs de circuler autour de l’autel et d’approcher les reliques sans perturber l’espace de l’autel, tout en découvrant les grands vitraux des chapelles. Comme l’a confirmé Suger, le désir de plus de vitraux n’était pas nécessairement d’apporter plus de lumière du jour dans le bâtiment mais plutôt de remplir l’espace d’un rayon continu de lumière colorée, un peu comme des mosaïques ou des pierres précieuses, qui ferait disparaître le mur. La demande de vitraux toujours plus nombreux et la recherche de techniques qui les soutiendraient sont constantes tout au long du développement de l’architecture gothique, comme en témoignent les écrits de Suger, fasciné par la qualité mystique d’un tel éclairage. ^[3]

• Cathédrale Notre-Dame (Paris), commencée en 1163, par divers architectes ^[117]

• Cathédrale de Canterbury ( Canterbury , Kent , Royaume- Uni ), ch. 1174-1184, par Guillaume de Sens ^[117]

• Cathédrale de Chartres ( Chartres , France), 1194-1250 ^[118]

• Hôtel de ville ( Bruges , Belgique ), 1376-1420 ^[119]

• Hôtel de Sens (Paris), fin du XVe siècle

Renaissance

Divers ornements et éléments architecturaux de la Renaissance

Au cours de la Renaissance , l’Italie n’était pas un grand pays comme aujourd’hui, mais se composait de nombreux États, et une rivalité intense entre eux a généré une augmentation des développements techniques et artistiques. La famille Médicis , famille de banquiers et dynastie politique italienne , est connue pour son soutien financier à l’art, à la science et à l’architecture de la Renaissance, notamment pour la construction de la basilique Saint-Pierre et de Santa Maria del Fiore , entre autres choses.

La période commence vers 1452, lorsque l’architecte et humaniste Leon Battista Alberti (1404-1472) achève son traité De Re Aedificatoria ( Sur l’art de bâtir ) après avoir étudié les ruines antiques de Rome et le De Architectura de Vitruve . Ses écrits couvrent de nombreux sujets, dont l’histoire, l’urbanisme, l’ingénierie, la géométrie sacrée, l’ humanisme et les philosophies de la beauté, et exposent les éléments clés de l’architecture et ses proportions idéales. Dans les dernières décennies du XVe siècle, des artistes et des architectes ont commencé à visiter Rome pour étudier les ruines, en particulier le Colisée et le Panthéon .. Ils ont laissé de précieuses traces de leurs études sous forme de dessins. Alors que l’intérêt humaniste pour Rome s’était développé pendant plus d’un siècle (remontant au moins à Pétrarque au XIVe siècle), les considérations antiquaires des monuments s’étaient concentrées sur les informations littéraires, épigraphiques et historiques plutôt que sur les vestiges physiques. Bien que certains artistes et architectes, tels que Filippo Brunelleschi (1377-1446), Donatello (vers 1386-1466) et Leon Battista Alberti, aient fait des études sur la sculpture et les ruines romaines, presque aucune preuve directe de ce travail ne survit. Dans les années 1480, d’éminents architectes, tels que Francesco di Giorgio (1439-1502) et Giuliano da Sabgallo(vers 1445-1516), réalisaient de nombreuses études de monuments antiques, entreprises de manière à démontrer que le processus de transformation du modèle en un nouveau dessin avait déjà commencé. Dans de nombreux cas, dessiner des ruines dans leur état fragmentaire a nécessité un saut d’imagination, comme Francesco lui-même l’a volontiers admis dans son annotation à sa reconstruction du Campidoglio , notant «largement imaginé par moi, car très peu de choses peuvent être comprises à partir des ruines. ^[120]

Bientôt, de grands bâtiments ont été construits à Florence en utilisant le nouveau style, comme la chapelle Pazzi (1441-1478) ou le Palazzo Pitti (1458-1464). La Renaissance a commencé en Italie, mais s’est lentement propagée à d’autres parties de l’Europe, avec des interprétations variées. ^[121]

Puisque l’art de la Renaissance est une tentative de faire revivre la culture de la Rome antique , il utilise à peu près les mêmes ornements que le grec et le romain antiques. Cependant, comme la plupart sinon toutes les ressources dont disposaient les artistes de la Renaissance étaient romaines , l’architecture et les arts appliqués de la Renaissance utilisent largement certains motifs et ornements spécifiques à la Rome antique. Le plus emblématique est le margent , un arrangement vertical de fleurs, de feuilles ou de vignes suspendues, utilisé aux pilastres . Un autre ornement associé à la Renaissance est le médaillon rond , contenant un profil de personne, semblable aux camées antiques . La Renaissance, le baroque, le rococo et d’autres styles post-médiévaux utilisent des putti(angles de bébé potelés) beaucoup plus souvent comparés à l’art et à l’architecture gréco-romains. Un ornement réintroduit à la Renaissance, qui était d’origine romaine antique, qui sera également utilisé dans les styles ultérieurs, est le cartouche , un dessin ovale ou oblong avec une surface légèrement convexe , généralement bordée de volutes ornementales .

• Début de la Renaissance – Cathédrale de Florence ( Florence , Italie ), 1294-1436, par Arnolfo di Cambio , Filippo Brunelleschi et Emilio De Fabris ^[122]

• Début de la Renaissance – Basilique de Sant’Andrea ( Mantoue , Italie), commencée en 1470, par Leon Battista Alberti ^[123]

• Haute Renaissance – Le Tempietto ( San Pietro in Montorio , Rome), 1502, par Donato Bramante ^[121]

• Haute Renaissance – Villa Madama (hors de Rome), 1518-1525, commencée par Raphaël ^[124]

• Renaissance nordique – Château d’Azay-le-Rideau ( Loire , France), 1518-1527 ^[125]

• Renaissance nordique – Château de Chambord (Loire, France), 1519-1547, par Domenico da Cortona ^[126]

• Haute Renaissance – Palais Farnèse (Rome), 1534-1546, par Antonio da Sangallo le Jeune ^[127]

• Maniérisme – Palazzo Massimo alle Colonne (Rome), commencé 1535, par Baldassare Peruzzi ^[128]

• Maniérisme – El Escorial (hors de Madrid , Espagne ), 1559-1584, par Juan Bautista de Toledo et Juan de Herrera ^[129]

• Renaissance nordique – Hôtel de ville ( Anvers , Belgique ), 1561-1565, par Cornelis Floris de Vriendt ^[130]

Mondial

Baroque

Le château de Versailles ( Versailles , France), l’un des édifices baroques les plus emblématiques, c. 1660 – 1715, par Louis Le Vau et Jules Hardouin-Mansart ^[131] La cour de marbre Le Salon d’Hercule La Chapelle Royale La galerie des glaces Les jardins

Le baroque a émergé de la Contre-Réforme comme une tentative de l’ Église catholique de Rome de transmettre sa puissance et de souligner la magnificence de Dieu. Le baroque et sa variante tardive, le rococo , ont été les premiers styles véritablement mondiaux dans les arts. Dominant plus de deux siècles d’art et d’architecture en Europe, en Amérique latine et au-delà d’environ 1580 à environ 1800. Né dans les ateliers de peinture de Bologne et de Rome dans les années 1580 et 1590, et dans les ateliers romains de sculpture et d’architecture aux deuxième et troisième décennies du XVIIe siècle, le baroque se répandit rapidement dans toute l’Italie , l’ Espagne et le Portugal , la Flandre,La France , les Pays-Bas, l’Angleterre, la Scandinavie et la Russie, ainsi que vers les centres d’Europe centrale et orientale de Munich (Allemagne) à Vilnius ( Lituanie ). Les empires portugais , espagnol et français et le réseau de foulage néerlandais ont joué un rôle de premier plan dans la diffusion des deux styles dans les Amériques et l’Afrique et l’Asie coloniales, dans des endroits tels que Lima , le Mozambique , Goa et les Philippines . ^[132]En raison de sa propagation dans des régions aux traditions architecturales différentes, plusieurs types de baroque sont apparus en fonction de l’emplacement, différents à certains égards, mais similaires dans l’ensemble. Par exemple, le baroque français est apparu sévère et détaché par comparaison, devançant le néoclassicisme et l’architecture du siècle des Lumières . ^[133] L’architecture baroque amérindienne/européenne hybride est apparue pour la première fois en Amérique du Sud (par opposition au Mexique) à la fin du XVIIe siècle, après que les symboles et les styles indigènes qui caractérisent cette variante inhabituelle du baroque aient été maintenus en vie au cours du siècle précédent dans d’autres médias, un très bon exemple étant l’ église des Jésuites à Arequipa (Pérou). ^[134]

Les premiers édifices baroques étaient des cathédrales, des églises et des monastères, bientôt rejoints par des édifices municipaux, des manoirs et des palais. Caractérisé par le dynamisme, pour la première fois murs, façades et intérieurs courbés, ^[135] un bon exemple étant San Carlo alle Quattro Fontane à Rome. Les architectes baroques ont pris les éléments de base de l’architecture de la Renaissance , y compris les dômes et les colonnades, et les ont rendus plus hauts, plus grands, plus décorés et plus spectaculaires. Les effets intérieurs étaient souvent obtenus avec l’utilisation de quadratura , ou trompe-l’œilpeinture associée à la sculpture : l’œil est attiré vers le haut, donnant l’illusion que l’on regarde vers le ciel. Des grappes d’anges sculptés et de personnages peints envahissent le plafond. La lumière était également utilisée pour un effet dramatique; elle ruisselait des coupoles et se reflétait dans une abondance de dorures. Des colonnes salomoniques étaient souvent utilisées pour donner une illusion de mouvement vers le haut et d’autres éléments décoratifs occupaient tous les espaces disponibles. Dans les palais baroques, les grands escaliers sont devenus un élément central. ^[136] Outre l’architecture, la peinture et la sculpture baroques se caractérisent également par leur dynamisme. Cela contraste avec le caractère statique et paisible de l’art de la Renaissance .

Outre le bâtiment lui-même, l’espace où il était placé avait également un rôle. Les bâtiments baroques et rococo tentent d’attirer l’attention des spectateurs et de dominer leur environnement, que ce soit à petite échelle comme le San Carlo alle Quattro Fontane à Rome, ou à grande échelle, comme la nouvelle façade de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle , conçu pour dominer la ville. Manifestation de pouvoir et d’autorité à grande échelle, l’urbanisme et le renouveau baroques ont été encouragés par l’Église et l’État. C’était la première époque depuis l’Antiquité à connaître une migration massive vers les villes, et les urbanistes ont pris des mesures idéalistes pour les réguler. Le premier exemple le plus notable est la restructuration par Domenico Fontana du plan des rues de Rome.Pape Sixte V. Les architectes avaient expérimenté des plans de ville idéalisés depuis le début de la Renaissance, par exemple Leon Battista Alberti (1404-1472) planifiant une ville modèle centralisée, avec des rues menant à une place centrale, ou Filarete (Antonio di Pietro Aver(u)lino, c. 1400 – vers 1469 ) concevant une ville ronde nommée Sforzinda(1451-1456) qu’il s’appuyait sur des parties du corps humain dans l’idée qu’une ville saine devait refléter la physionomie de ses habitants. Cependant, aucune de ces villes idéalistes n’a jamais été construite. En fait, peu de projets de ce type ont été mis en pratique en Europe car les nouvelles villes étaient d’un coût prohibitif et les zones urbaines existantes, avec les églises et les palais existants, ne pouvaient pas être démolies. Ce n’est qu’en Amérique, où les architectes disposaient souvent d’un espace propre pour travailler, que de telles villes étaient possibles, comme à Lima ( Pérou ) ou à Buenos Aires ( Argentine ). La première cité baroque idéale est Zamość , construite au nord-est de Cracovie ( Pologne ) par l’architecte italienBernardo Morando ( vers 1540 -1600), étant une ville centralisée se concentrant sur une place avec des rues rayonnantes. Là où des villes entières ne pouvaient pas être reconstruites, les mécènes et les architectes ont compensé en créant des places spacieuses et symétriques, souvent avec des avenues et rayonnant à angles perpendiculaires et se concentrant sur une fontaine, une statue ou un obélisque . Un bon exemple en est la Place des Vosges (anciennement Place Royale), commandée par Henri IV probablement d’après les plans de Baptiste du Cerceau (1545-1590). L’espace baroque le plus célèbre au monde est la place Saint-Pierre de Gianlorenzo Bernini à Rome. ^[137]Semblables à l’urbanisme idéal, les jardins baroques se caractérisent par des avenues droites et réadaptatives, aux espaces géométriques.

• Temple du Marais (Paris), v. 1632 , par François Mansart ^[133]

• San Carlo alle Quattro Fontane (Rome), 1638-1677, par Francesco Borromini ^[138]

• Place Saint-Pierre (Rome), 1656-1667, par Gian Lorenzo Bernini ^[139]

• Jardins de Vaux-le-Vicomte (France), 1657-1661, par André Le Nôtre ^[140]

• Dôme des Invalides (Paris), 1677-1706, par Jules Hardouin-Mansart ^[141]

• Colonne de la peste (Vienne), 1682 et 1694, par Matthias Rauchmiller et Johann Bernhard Fischer von Erlach ^[142]

• Jardins du palais Het Loo ( Pays-Bas ), 1689 ^[143]

• Royal Naval Hospital ( Greenwich , Londres), 1695-1715, par Christopher Wren ^[144]

• Église Saint-Nicolas ( Prague , République tchèque ), 1703-1711, par Christoph Dientzenhofer ^[145]

• Karlskirche ( Vienne , Autriche ), 1715-1737, par Johann Bernhard Fischer von Erlach ^[146]

Rococo

Le nom Rococo dérive du mot français rocaille , qui décrit un travail de roche recouvert de coquillages, et coquille , qui signifie coquillage. L’architecture rococo est fantaisiste et fluide, accentuant l’asymétrie, avec une utilisation abondante de courbes, de volutes, de dorures et d’ornements. Le style a connu une grande popularité auprès de l’élite dirigeante de l’Europe au cours de la première moitié du XVIIIe siècle. Il s’est développé en France à partir d’une nouvelle mode de la décoration d’intérieur et s’est répandu dans toute l’Europe. ^[147]Le rococo domestique a abandonné le ton moral élevé du baroque, ses allégories lourdes et son obsession de la légitimité : en fait, ses formes abstraites et ses sujets insouciants et pastoraux se rapportaient davantage aux notions de refuge et de joie qui créaient une atmosphère plus indulgente pour les conversations polies. Les chambres rococo sont généralement plus petites que leurs homologues baroques, reflétant un mouvement vers l’intimité domestique. Même les grands salons utilisés pour les réceptions étaient de taille plus modeste, car les événements sociaux impliquaient un plus petit nombre d’invités.

Les motifs rocailles dérivés des coquillages, des glaçons et de la roche ou de la décoration des grottes étaient caractéristiques du style. Les arabesques rocailles étaient pour la plupart des formes abstraites, disposées symétriquement sur et autour des cadres architecturaux. Un motif préféré était la coquille Saint-Jacques, dont les volutes supérieures faisaient écho aux volutes de base en S et C des arabesques et dont les arêtes sinueuses faisaient écho à la curvilinéarité générale de la décoration de la pièce. Alors que peu d’extérieurs rococo ont été construits en France, un certain nombre d’églises rococo se trouvent dans le sud de l’Allemagne. ^[148] D’autres motifs très répandus dans les arts décoratifs et l’architecture d’intérieur comprennent : les acanthes et autres feuilles, les oiseaux, les bouquets de fleurs, les fruits, les éléments associés à l’amour ( putti, carquois avec flèches et coeurs fléchés) trophées d’armes , putti , médaillons avec visages, de nombreuses fleurs et éléments d’Extrême-Orient ( pagodes , dragons, singes, fleurs bizarres, bambous et peuple chinois). ^[149] Les couleurs pastel étaient largement utilisées, comme le bleu clair, le vert menthe ou le rose. Les designers rococo aimaient aussi les miroirs (plus il y en avait, mieux c’était), un exemple étant la galerie des glaces de l’ Amalienburg ( Munich , Allemagne), de Johann Baptist Zimmermann . Généralement, les miroirs sont également présentés au-dessus des cheminées.

• Zwinger ( Dresde , Allemagne), 1719, par Matthäus Daniel Pöppelmann ^[150]

• Hôtel d’Albret (Paris), 1740, par JB Vautrin ^[151]

• Le plafond du Salon ovale de la Princesse à l’ Hôtel de Soubise (Paris), 1740, par Germain Boffrand ^[152]

• Palais de Queluz ( Lisbonne , Portugal ), 1752, par Mateus Vicente de Oliveira ^[153]

• Église de pèlerinage de Wies ( Steingaden , Allemagne), 1754, par Dominikus et Johann Baptist Zimmermann ^[153]

Exotisme

Les interactions entre l’Orient et l’Occident suscitées par l’exploration coloniale ont longtemps marqué l’architecture. Parce qu’ils étaient rares et nouveaux pour les Occidentaux, certains styles non européens étaient vraiment appréciés au cours des 17e, 18e et 19e siècles. Certains nobles et rois ont construit de petites structures inspirées de ces styles dans les jardins de leurs palais, ou ont entièrement décoré une poignée de pièces de palais dans ces styles. Faute de comprendre pleinement les origines et les principes qui régissent ces modes de construction exotiques, les Européens ont parfois créé des hybrides du style qu’ils ont essayé de reproduire et quelles étaient les tendances à l’époque. Un bon exemple de ceci est la chinoiserie , une décoration occidentalestyle, en vogue au 18ème siècle, fortement inspiré par les arts chinois, mais aussi par le rococo à la même époque. En raison du fait que voyager en Chine ou dans d’autres pays d’ Extrême-Orient était quelque chose de difficile à cette époque et restait donc mystérieux pour la plupart des Occidentaux, les imaginations européennes étaient alimentées par la perception de l’Asie comme un lieu de richesse et de luxe, et par conséquent des patrons des empereurs aux marchands. rivalisaient pour décorer leurs quartiers d’habitation avec des produits asiatiques et les décorer dans des styles asiatiques. Là où les objets asiatiques étaient difficiles à obtenir, les artisans et peintres européens ont comblé la brèche, créant un mélange de formes rococo et de figures, motifs et techniques asiatiques authentiques.

L’art chinois n’était pas le seul style étranger avec lequel les Européens expérimentaient. Un autre était celui de l’ Islam . Des exemples de ceci incluent la mosquée de jardin du palais de Schwetzingen en Allemagne (le seul exemple survivant d’une mosquée de jardin européenne du XVIIIe siècle), le pavillon royal de Brighton ou les bâtiments néo-mauresques du XIXe et du début du XXe siècle, avec des arcs en fer à cheval et motifs de briques. En ce qui concerne l’Orient, les Européens s’intéressaient également à la culture de l’Égypte ancienne. Comparé à d’autres cas d’exotisme, celui avec la terre des pharaons est le plus ancien, puisque les Grecs et les Romains de l’Antiquitéavait cet intérêt durant l’Antiquité. Les principales périodes d’érection de monuments néo-égyptiens sont le début du XIXe siècle, avec les campagnes militaires de Napoléon en Égypte, et les années 1920, lorsque le tombeau de Toutankhamon est découvert en 1922, ce qui provoque une égyptomanie qui conduit à l’ Art Déco utilisant parfois des motifs inspirés de L’Egypte ancienne. À la fin du XVIIIe et au début du XIXe siècle, le néoclassicisme mélangeait parfois des éléments gréco-romains avec des éléments égyptiens. En raison de son association avec les pharaons , la mort et l’éternité, plusieurs tombes néo-égyptiennes ou portes d’entrée de cimetière ont été construites dans ce style. Outre les structures mortuaires, d’autres édifices de ce style comprennent certaines synagogues , comme la Synagogue de Karlsruhe ou certains monuments Empire construits sous le règne de Népoléon , comme le portique égyptien de l’ Hôtel Beauharnais ou la Fontaine du Fellah . Au cours des années 1920 et 1930, l’architecture précolombienne mésoaméricaine a suscité un grand intérêt pour certains architectes américains, en particulier ce que les Mayas ont construit. Plusieurs de Frank Lloyd WrightLes maisons californiennes de ont été érigées dans un style néo-maya, tandis que d’autres architectes ont associé des motifs mayas à des motifs Art déco. ^[154]

• Inspiration chinoise/ Chinoiserie – Maison chinoise , ( Parc Sanssouci , Potsdam , Allemagne), 1755-1764, par Johann Gottfried Büring ^[155]

• Inspiration chinoise/Chinoiserie – Pavillon chinois ( municipalité d’Ekerö , Suède ), 1763–1769, par Carl Fredrik Adelcrantz ^[156]

• Inspiration islamique – Mosquée-jardin du Palais de Schwetzingen (Allemagne), 1779-1795, par Nicolas de Pigage ^[157]

• Inspiration islamique – Tente turque ( Hagaparken , Stockholm , Suède ), 1787, par Louis Jean Desprez ^[158]

• Inspiration islamique – Royal Pavilion ( Brighton , Royaume-Uni), 1787-1823, par John Nash ^[159]

• Inspiration égyptienne/ renouveau égyptien – portique de l’ Hôtel Beauharnais (Paris), ch. 1804, LEN Bataille ^[160]

• Inspiration égyptienne/Renaissance égyptienne – Édifice égyptien , faisant partie de la Virginia Commonwealth University ( Richmond , Virginie , États-Unis), 1845, par Thomas Stewart ^[161]

• Inspiration précolombienne/ Mayan Revival – détail de la façade du Mayan Theatre ( Los Angeles , USA), 1927, par Stiles O. Clements

• Inspiration égyptienne/mélange de néo-égyptien et d’art déco – Cinéma Le Louxor (Paris), 1919-1921, par Henri Zipcy ^[162]

• Inspiration précolombienne/mélange de renaissance maya et d’art déco – détail intérieur du 450 Sutter Street ( San Francisco , Californie), 1929, par Timothy L. Pflueger

Néoclassicisme

Le Petit Trianon ( Versailles , France), 1764, par Ange-Jacques Gabriel ^[163] Le cénotaphe de Newton, v. 1784 (jamais construit), par Étienne-Louis Boullée ^[164] Projet d’une rue idéale, par Pierre Patte , 1769. Dans ce plan, les maisons et la rue sont des éléments d’un système, celui qui traiterait les déchets, déplacerait la circulation et fournirait de la lumière et de l’air.

L’architecture néoclassique s’est concentrée sur les détails de la Grèce antique et de la Rome antique , les murs blancs et la grandeur de l’échelle. Par rapport aux styles précédents, baroque et rococo, les extérieurs néoclassiques avaient tendance à être plus minimalistes, avec des lignes droites et anguleuses, mais toujours ornés. Les lignes épurées du style et le sens de l’équilibre et des proportions fonctionnaient bien pour les grands bâtiments (comme le Panthéon à Paris) et pour les petites structures (comme le Petit Trianon ).

Les fouilles du XVIIIe siècle à Pompéi et à Herculanum , qui avaient toutes deux été ensevelies sous les cendres volcaniques lors de l’éruption du Vésuve en 79 après JC , ont inspiré un retour à l’ordre et à la rationalité. ^[165] Au milieu du 18ème siècle, l’ antiquité a été confirmée comme une norme pour l’architecture comme jamais auparavant. Le néoclassicisme était une enquête fondamentale sur les bases mêmes de la forme et de la signification architecturales. Dans les années 1750, s’amorce une alliance entre l’exploration archéologique et la théorie architecturale, qui se poursuivra au XIXe siècle. Marc-Antoine Laugier écrivait en 1753 que « L’architecture doit tout ce qui est parfait aux Grecs ». ^[166]

Le style a été adopté par les cercles progressistes d’autres pays comme la Suède et la Russie. L’architecture de style fédéral est le nom de l’architecture classique construite en Amérique du Nord entre c. 1780 et 1830, et particulièrement de 1785 à 1815. Ce style partage son nom avec son époque, la période fédérale . Le terme est également utilisé en association avec la conception de meubles aux États-Unis de la même période. Le style correspond globalement au classicisme bourgeois du style Biedermeier dans les pays germanophones, du style Régence en Grande-Bretagne et du style Empire français . En Europe centrale et orientale, le style est généralement appelé classicisme (Allemand : Klassizismus , Russe : Классицизм ), tandis que les nouveaux styles Revival du 19ème siècle jusqu’à aujourd’hui sont appelés néoclassiques.

Étienne-Louis Boullée (1728–1799) was a visionary architect of the period. His utopian projects, never built, included a monument to Isaac Newton (1784) in the form of an immense dome, with an oculus allowing the light to enter, giving the impression of a sky full of stars. His project for an enlargement of the Royal Library (1785) was even more dramatic, with a gigantic arch sheltering the collection of books. While none of his projects were ever built, the images were widely published and inspired architects of the period to look outside the traditional forms.^[167]

De même avec les périodes de la Renaissance et du baroque, pendant le néoclassique, des théories urbaines sur la façon dont une bonne ville devrait être apparues aussi. Les écrivains des Lumières du XVIIIe siècle ont décrié les problèmes de Paris à cette époque, le plus important étant le grand nombre de rues médiévales étroites encombrées de maisons modestes. Voltaire openly criticized the failure of the French Royal administration to initiate public works, improve the quality of life in towns, and stimulate the economy. ‘It is time for those who rule the most opulent capital in Europe to make it the most comfortable and the most magnificent of cities. There must be public markets, fountains which actually provide water and regular pavements. The narrow and infected streets must be widened, monuments that cannot be seen must be revealed and new ones built for all to see’, Voltaire insisted in a polemical eassay on ‘The Embellishments of Paris’ in 1749. In the same year, La Font de Saint-Yenne, criticized how Louis XIV’s great east façade of the Louvre, was all but hidden from views by a dense quarter of modest houses. Voltaire also said that in order to transform Paris into a city that could rival ancient Rome, it was necessary to demolish more than it was to built. ‘Our towns are still what they were, a mass of houses crowded together haphazardly without system, planning or design’, Marc-Antoine Laugier complained in 1753. Writing a decade later, Pierre Patte promoted an urban reform in quest of health, social order, and security, launching at the same time a medical and organic metaphor which compared the operations of urban design to those of the surgeons. With bad air and lack of fresh water its current state was pathological, Patte asserted, calling for fountains to be placed at principal intersections and markets. Squares are recommended promote the circulation of air, and for the same reason houses on the city’s bridges should be demolished. He also criticized the location of hospitals next to markets and protested continued burials in overcrowded city churchyards.^[168] Besides cities, new ideas of how a garden should be appeared in 18th century England, making place for the English landscape garden (aka jardin à l’anglaise), characterized by an idealized view of nature, and the use of Greco-Roman or Gothic ruins, bridges, and other picturesque architecture, designed to recreate an idyllic pastoral landscape. It was the opposite of the symmetrical and geometrically planned Baroque garden (aka jardin à la française).

• English landscape garden at Stourhead (the UK), the 1740s, by Henry Hoare^[169]

• Panthéon (Paris), 1758–1790, by Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) and Jean-Baptiste Rondelet (1743-1829)^[170]

• Hôtel de la Marine (Paris), 1761-1770, by Ange-Jacques Gabriel^[171]

• The Hall (Osterley Park, London), 1767, by Robert Adam^[172]

• Stairway of the Grand Theater of Bordeaux (Bordeaux, France), 1777-1780, by Victor Louis^[173]

• The Cabinet Doré of Marie-Antoinette at the Palace of Versailles (Versailles, France), 1783, by the Rousseau brothers^[174]

• Empress Joséphine’s Bedroom in Château de Malmaison (Rueil-Malmaison, France), 1800-1802, by Charles Percier and Pierre-François-Léonard Fontaine^[164]

• Napoleon’s bath of the Château de Rambouillet (Rambouillet, France), 1806, painted by Godard and Jean Vasserot

• Neue Wache (Berlin), 1816, by Karl Friedrich Schinkel and Salomo Sachs^[175]

• Burns Monument (Edinburgh, the UK) 1820-1831, by Thomas Hamilton^[176]

Revivalism and Eclecticism

View of Devonpart, near Plymouth (the UK), by John Foulston, 1820s, including an ‘ Egyptian’ library, a ‘Hindoo’ nonconformist chapel, a ‘primitive Doric’ town hall, and a street of houses with a Roman Corinthian order

The 19th century was dominated by a wide variety of stylistic revivals, variations, and interpretations. Revivalism in architecture is the use of visual styles that consciously echo the style of a previous architectural era. Modern-day Revival styles can be summarized within New Classical architecture, and sometimes under the umbrella term traditional architecture.

The idea that architecture might represent the glory of kingdoms can be traced to the dawn of civilisation, but the notion that architecture can bear the stamp of national character is a modern idea, that appeared in the 18th century historical thinking and given political currency in the wake of the French Revolution. As the map of Europe was repeatedly changing, architecture was used to grant the aura of a glorious past to even the most recent nations. In addition to the credo of universal Classicism, two new, and often contradictory, attitudes on historical styles existed in the early 19th century. Pluralism promoted the simultaneous use of the expanded range of style, while Revivalism held that a single historical model was appropriate for modern architecture. Associations between styles and building types appeared, for example: Egyptian for prisons, Gothic for churches, or Renaissance Revival for banks and exchanges. These choices were the result of other associations: the pharaohs with death and eternity, the Middle Ages with Christianity, or the Medici family with the rise of banking and modern commerce.

Whether their choice was Classical, medieval, or Renaissance, all revivalists shared the strategy of advocating a particular style based on national history, one of the great enterprises of historians in the early 19th century. Only one historic period was claimed to be the only one capable of providing models grounded in national traditions, institutions, or values. Issues of style became matters of state.^[177]

The most well-known Revivalist style is the Gothic Revival one, that appeared in the mid-18th century in the houses of a number of wealthy antiquarians in England, a notable example being the Strawberry Hill House. German Romantic writers and architects were the first to promote Gothic as a powerful expression of national character, and in turn use it as a symbol of national identity in territories still divided. Johann Gottfried Herder posed the question ‘Why should we always imitate foreigners, as if we were Greeks or Romans?’.^[178]

In art and architecture history, the term Orientalism refers to the works of the Western artists who specialized in Oriental subjects, produced from their travels in Western Asia, during the 19th century. In that time, artists and scholars were described as Orientalists, especially in France.

In India, during the British Raj, a new style, Indo-Saracenic, (also known as Indo-Gothic, Mughal-Gothic, Neo-Mughal, or Hindoo style) was getting developed, which incorporated varying degrees of Indian elements into the Western European style. The Churches and convents of Goa are another example of the blending of traditional Indian styles with western European architectural styles. Most Indo-Saracenic public buildings were constructed between 1858 and 1947, with the peaking at 1880.^[179] The style has been described as “part of a 19th-century movement to project themselves as the natural successors of the Mughals”.^[180] They were often built for modern functions such as transport stations, government offices, and law courts. It is much more evident in British power centres in the subcontinent like Mumbai, Chennai, and Kolkata.^[181]

• Gothic Revival – Interior of the All Saints (London), 1850–1859, by William Butterfield

• Eclectic – The Église Saint-Augustin de Paris, 1860–1868, by Victor Baltard

• Indo-Saracenic – The Chhatrapati Shivaji Maharaj Terminus, previously Victoria Terminus (Mumbai, India), 1878–88, a mixture of Romanesque, Gothic and Indian elements

• Byzantine Revival – The Alexander Nevsky Cathedral (Sofia, Bulgaria), 1882–1912, by Alexander Pomerantsev

• Renaissance Revival – Apartment building no. 9 on Rue Galilée (Paris), 1883, by F. Jovrdain and H. Fivaz

• Russian Revival – The Igumnov House (Moscow), 1883–1893, by Nikolay Pozdeyev

• Tudor Revival architecture – The Beaney House of Art and Knowledge (Canterbury, England), 1899, by A.H. Campbell

• Rococo Revival – Apartment building no. 8 on Rue de Miromesnil (Paris), 1900, by P. Lobrot

• Louis XVI Revival – Hôtel Camondo, 1911, by René Sergent^[182]

• Romanian Revival – The Cihoski House on Bulevardul Dacia (Bucharest, Romania), c. 1925, unknown architect

Beaux-Arts

Palais Garnier (Paris), 1860–1875, by Charles Garnier ^[183]

The Beaux-Arts style takes its name from the École des Beaux-Arts in Paris, where it developed and where many of the main exponents of the style studied. Due to the fact that international students studied here, there are buildings from the second half of the 19th century and the early 20th century of this type all over the world, designed by architects like Charles Girault, Thomas Hastings, Ion D. Berindey or Petre Antonescu. Today, from Bucharest to Buenos Aires and from San Francisco to Brussels, the Beaux-Arts style survives in opera houses, civic structures, university campuses commemorative monuments, luxury hotels and townhouses. The style was heavily influenced by the Paris Opéra House (1860-1875), designed by Charles Garnier, the masterpiece of the 19th century renovation of Paris, dominating its entire neighbourhood and continuing to astonish visitors with its majestic staircase and reception halls. The Opéra was an aesthetic and societal turning point in French architecture. Here, Garnier showed what he called a style actuel, which was influenced by the spirit of the time, aka Zeitgeist, and reflected the designer’s personal taste.

Beaux-Arts façades were usually imbricated, or layered with overlapping classical elements or sculpture. Often façades consisted of a high rusticated basement level, after it a few floors high level, usually decorated with pilasters or columns, and at the top an attic level and/or the roof. Beaux-Arts architects were often commissioned to design monumental civic buildings symbolic of the self-confidence of the town or city. The style aimed for a Baroque opulence through lavishly decorated monumental structures that evoked Louis XIV’s Versailles. However, it wasn’t just a revival of the Baroque, being more of a synthesis of Classicist styles, like Renaissance, Baroque, Rococo, Neoclassicism etc.^{[184][185][186]}

• The CEC Palace on Victory Avenue (Bucharest, Romania), 1897-1900, by Paul Gottereau^[187]

• Cantacuzino Palace (Bucharest, Romania), 1898-1906, by Ion D. Berindey^[188]

• Petit Palais (Paris), 1900, by Charles Giraud^[189]

• Grand Central Terminal (New York City), 1903, by Reed and Stem and Warren and Wetmore^[190]

• Beaux-Arts villa (Antwerp, Belgium), 1913, by Michel de Braey^[191]

Industry and new technologies

Because of the Industrial Revolution and the new technologies it brought, new types of buildings have appeared. By 1850 iron was quite present in dailylife at every scale, from mass-produced decorative architectural details and objects of apartment buildings and commercial buildings to train sheds. A well-known 19th century glass and iron building is the Crystal Palace from Hyde Park (London), built in 1851 to house the Great Exhibition, having an appearance similar with a greenhouse. Its scale was daunting.

The marketplace pioneered novel uses of iron and glass to create an architecture of display and consumption that made the temporary display of the world fairs a permanent feature of modern urban life. Just after a year after the Crystal Palace was dismantaled, Aristide Boucicaut opened what historians of mass consumption have labelled the first department store, Le Bon Marché in Paris. As the store expanded, its exterior took on the form of a public monument, being highly decorated with French Renaissance Revival motifs. The entrances advanced subtly onto the pavemenet, hoping to captivate the attention of potential customers. Between 1872 and 1874, the interior was remodelled by Louis-Charles Boileau, in collaboration with the young engineering firm of Gustave Eiffel. In place of the open courtyard required to permit more daylight into the interior, the new building focused around three skylight atria.^[192]

• Palm house (London), 1848, by Richard Turner and Decimus Burton^[193]

• Les Halles (Paris), 1852-1855, by Victor Baltard^[194]

• Plan and elevation for the Crystal Palace (London), 1854, by Joseph Paxton^[193]

• Le Bon Marché (Paris), 1872, by Louis-Charles Boileau in collaboration with the engineering firm of Gustave Eiffel^[195]

• Antwerpen-Centraal railway station, 1895–1905, by Louis Delacenserie^[196]

Art Nouveau

Les Chardons Building (Paris), 1903, by Charles Klein ^[197]

Popular in many countries from the early 1890s until the outbreak of World War I in 1914, Art Nouveau was an influential although relatively brief art and design movement and philosophy. Despite being a short-lived fashion, it paved the way for the modern architecture of the 20th century. Between c. 1870 and 1900, a crisis of historicism occurred, during which the historicist culture was critiqued, one of the voices being Friedrich Nietzsche in 1874, who diagnosed ‘a malignant historical fervour’ as one of the crippling symptoms of a modern culture burdened by archaeological study and faith in the laws of historical progression.

Focusing on natural forms, asymmetry, sinuous lines and whiplash curves, architects and designers aimed to escape the excessively ornamental styles and historical replications, popular during the 19th century. However, the style wasn’t completely new, since Art Nouveau artists drew on a huge range of influences, particularly Beaux-Arts architecture, the Arts and Crafts movement, aestheticism and Japanese art. Buildings used materials associated in the 19th century with modernity, such as cast-iron and glass. A good example of this is the Paris Metro entrance at Porte Dauphine by Hector Guimard (1900). Its cast-iron and glass canopy is as much sculpture as it is architeure. In Paris, Art Nouveau was even called Le Style Métro by some. The interest for stylized organic forms of ornamentation originated in the mid 19th century, when it was promoted in The Grammar of Ornament (1854), a pattern book by British architect Owen Jones (architect) (1809-1874).

Whiplash curves and sinuous organic lines are its most familiar hallmarks, however the style can not be summarized only to them, since its forms are much more varied and complex. The movement displayed many national interpretations. Depending on where it manifested, it was inspired by Celtic art, Gothic Revival, Rococo Revival, and Baroque Revival. In Hungary, Romania and Poland, for example, Art Nouveau incorporated folkloric elements. This is true especially in Romania, because it facilitated the appearance of the Romanian Revival style, which draws inspiration from Brâncovenesc architecture and traditional peasant houses and objects. The style also had different names, depending on countries. In Britain it was known as Modern Style, in the Netherlands as Nieuwe Kunst, in Germany and Austria as Jugendstil, in Italy as Liberty style, in Romania as Arta 1900, and in Japan as Shiro-Uma. It would be wrong to credit any particular place as the only one where the movement appeared, since it seems to have arisen in multiple locations.^{[198][199][200][201]}

• Hôtel Tassel (Brussels, Belgium), 1894, by Victor Horta^[202]

• Entrance of the Castel Béranger (Paris), 1895–1898, by Hector Guimard^[203]

• Secession Building (Vienna, Austria), 1897, by Joseph Maria Olbrich^[204]

• La Fermette Marbeuf (Paris), 1898, by Émile Hurtré^[205]

• Leonardo da Vinci Highschool (Paris), 1899, by Jules Lavirotte^[206]

• Bijouterie Fouquet (Musée Carnavalet, Paris), c. 1900, by Alphonse Mucha^[207]

• The Porte Dauphine Métro Station (Paris), by Hector Guimard, 1900^[208]

• Maison Huot (Nancy, France), 1903, by Émile André^[209]

• Casa Batlló (Barcelona, Spain), 1904–1906, by Antoni Gaudí^[210]

• Mița the Cyclist House (Bucharest, Romania), 1910, by Nicolae C. Mihăescu^[211]

Modern

Rejecting ornament and embracing minimalism and modern materials, Modernist architecture appeared across the world from the early 20th century. Art Nouveau paved the way for it, promoting the idea of non-historicist styles. It developed initially in Europe, focusing on functionalism and the avoidance of decoration. Modernism reached its peak during the 1920s and 1930s with the Bauhaus and the International Style, both characterised by asymmetry, flat roofs, large windows, metal, glass, white rendering and open-plan interiors.^[212]

• Fagus Factory (Alfeld, Germany), 1911, by Walter Gropius^[213]

• Zonnestraal (Hilversum, the Netherlands), 1927, by Jan Duiker and Bernard Bijvoet^[213]

• Villa Tugendhat (Brno, the Czech Republic), 1930, by Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich^[214]

• Bergpolderflat (Rotterdam, the Netherlands), 1935, by Willem van Tijen, Johannes Brinkman and Leendert van der Vlugt^[214]

• Stuyvesant Town–Peter Cooper Village (New York City), 1947, by Irwin Clavan and Gilmore David Clarke^[214]

Art Deco

Art Deco, named retrospectively after an exhibition held in Paris in 1925, originated in France as a luxurious, highly decorated style. It then spread quickly throughout the world – most dramatically in the United States – becoming more streamlined and modernistic through the 1930s. The style was pervasive and popular, finding its way into the design of everything from jewellery to film sets, from the interiors of ordinary homes to cinemas, luxury streamliners and hotels. Its exuberance and fantasy captured the spirit of the ‘roaring 20s’ and provided an escape from the realities of the Great Depression during the 1930s.^[215]

Although it ended with the start of World War II, its appeal has endured. Despite that it is an example of modern architecture, elements of the style drew on ancient Egyptian, Greek, Roman, African, Aztec and Japanese influences, but also on Futurism, Cubism and the Bauhaus. Bold colours were often applied on low-reliefs. Predominant materials include chrome plating, brass, polished steel and aluminium, inlaid wood, stone and stained glass.

• The Théâtre des Champs-Élysées (Paris), 1911–1913, by Auguste Perret^[216]

• The boudoir of fashion designer Jeanne Lanvin (now in the Museum of Decorative Arts, Paris), before 1925, by Armand-Albert Rateau

• La Samaritaine (Paris), 1926–1928, by Henri Sauvage^[217]

• Chrysler Building (New York City), 1930, by William Van Allen^[218]

• Musée de la Mer (Biarritz, France), 1933, by Joseph Hiriart^[219]

International Style

The International Style emerged in Europe after World War I, influenced by recent movements, including De Stijl and Streamline Moderne, and had a close relationship to the Bauhaus. The antithesis of nearly every other architectural movement that preceded it, the International Style eliminated extraneous ornament and used modern industrial materials such as steel, glass, reinforced concrete and chrome plating. Rectilinear, flat-roofed, asymmetrical and white, it became a symbol of modernity across the world. It seemed to offer a crisp, clean, rational future after the horrors of war. Named by the architect Philip Johnson and historian Henry-Russell Hitchcock (1903-1987) in 1932, the movement was epitomized by Charles-Edouard Jeanneret, or Le Corbusier and was clearly expressed in his statement that ‘a house is a machine for living in’.^[220]

• Barcelona Pavilion (Barcelona, Spain), 1929, by Ludwig Mies van der Rohe^[221]

• Villa Savoye (Poissy, France), 1929-1930, by Le Corbusier^[222]

• Lever House (New York City), 1952, by Skidmore, Owings & Merrill^[223]

• Seagram Building (New York City), 1958, by Ludwig Mies van der Rohe^[224]

• United States Air Force Academy Cadet Chapel (near Colorado Springs, Colorado, USA), 1963, by Walter Netsch^[225]

Brutalist

Based on social equality, Brutalism was inspired by Le Corbusier’s 1947-1952 Unité d’habitation in Marseilles. It seems the term was originally coined by Swedish architect Hans Asplund (1921-1994), but Le Corbusier’s use of the description béton brut, meaning raw concrete, for his choice of material for the Unité d’habitation was particularly influential. The style flourished from the 1950s to the mid-1970s, mainly using concrete, which although new in itself, was unconventional when exposed on facades. Before Brutalism, concrete was usually hidden beneath other materials.^[226]

• Rudolph Hall (New Haven, Connecticut, USA), 1963, by Paul Rudolph^[227]

• Habitat 67 (Montreal, Canada), 1966–1967, by Moshe Safdie^[228]

• Geisel Library (San Diego, California, USA), 1970, by William Pereira^[229]

• Robarts Library (Toronto, Canada), 1973, by Mathers & Halden Architects^[230]

• Freeway Park Fountain (Seattle, Washington, USA), 1976, by Lawrence Halprin^[231]

Postmodern

No one definable style, Postmodernism is an eclectic mix of approaches that appeared in the late 20th century in reaction against Modernism, which was increasingly perceived as monotonous and conservative. As with many movements, a complete antithesis to Modernism developed. In 1966, the architect Robert Venturi (1925-2018) had published his book, Complexity and Contradiction in Architecture, which praised the originality and creativity of Mannerist and Baroque architecture of Rome, and encouraged more ambiguity and complexity in contemporary design. Complaining about the austerity and tedium of so many smooth steel and glass Modernist buildings, and in deliberate denunciation of the famous Modernist ‘Less is more’, Venturi stated ‘Less is a bore’. His theories became a majore influence on the development of Postmodernism.^[232]

• Piazza d’Italia (New Orleans, USA), 1978, by Charles Moore^[232]

• Neue Staatsgalerie (Stuttgart, Germany), 1984, by James Stirling^[233]

• AT&T Headquarters (New York City), 1984, by Philip Johnson and John Burgee^[234]

• Team Disney Building (Los Angeles, USA), 1990, by Michael Graves^[235]

• Multicolour interior of the Cambridge Judge Business School (Cambridge, the UK), 1995, by John Outram

• Bundeskanzleramt (Berlin, Germany), 1997-2001, by Axel Schultes and Charlotte Frank

Deconstructivist

Deconstructivism in architecture is a development of postmodern architecture that began in the late 1980s. It is characterized by ideas of fragmentation, non-linear processes of design, an interest in manipulating ideas of a structure’s surface or skin, and apparent non-Euclidean geometry,^[236] (i.e., non-rectilinear shapes) which serve to distort and dislocate some of the elements of architecture, such as structure and envelope. The finished visual appearance of buildings that exhibit the many deconstructivist “styles” is characterised by a stimulating unpredictability and a controlled chaos.

Important events in the history of the Deconstructivist movement include the 1982 Parc de la Villette architectural design competition (especially the entry from the French philosopher Jacques Derrida and the American architect Peter Eisenman^[237] and Bernard Tschumi’s winning entry), the Museum of Modern Art’s 1988 Deconstructivist Architecture exhibition in New York, organized by Philip Johnson and Mark Wigley, and the 1989 opening of the Wexner Center for the Arts in Columbus, designed by Peter Eisenman. The New York exhibition featured works by Frank Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Coop Himmelblau, and Bernard Tschumi. Since the exhibition, many of the architects who were associated with Deconstructivism have distanced themselves from the term. Nonetheless, the term has stuck and has now, in fact, come to embrace a general trend within contemporary architecture.

• Wexner Center for the Arts (Ohio State University, Columbus, Ohio, US), 1989, by Peter Eisenman^[238]

• Vitra Fire Station (Weil am Rhein, Germany), 1989–1993, by Zaha Hadid^[239]

• Jewish Museum (Berlin, Germany), 1992–1999, by Daniel Libeskind^[240]

• Guggenheim Museum (Bilbao, Spain), opened in 1997, by Frank Gehry^[241]

• Phaeno Science Center (Wolfsburg, Germany), 2005, by Zaha Hadid^[242]

See also

• Architecture portal

• History of art
• Outline of architecture
• Timeline of architecture
• Timeline of architectural styles
• History of architectural engineering

Notes

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Further reading

• Sir Banister Fletcher’s a History of Architecture Fletcher, Banister; Cruickshank, Dan, Architectural Press, 20th edition, 1996. ISBN 0-7506-2267-9

External links

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• History of architecture at Curlie
• The Society of Architectural Historians web site
• Site Web de la Société des historiens de l’architecture de Grande-Bretagne
• Site Web de la Society of Architectural Historians, Australie et Nouvelle-Zélande
• Site web du Réseau européen d’histoire de l’architecture
• Chronologie de l’architecture occidentale
• Vaste collection de documents sources sur l’histoire, la théorie et la critique de l’architecture du XXe siècle