Gioachino Rossini

Gioachino ^{[n 1]} Antonio Rossini ^{[n 2]} (29 février 1792 – 13 novembre 1868) était un compositeur italien qui s’est fait connaître pour ses 39 opéras , bien qu’il ait également écrit de nombreuses chansons, de la musique de chambre et des pièces pour piano, et de la Musique sacrée . . Il a établi de nouvelles normes pour l’opéra comique et sérieux avant de se retirer de la composition à grande échelle alors qu’il était encore dans la trentaine, au sommet de sa popularité.

Rossini jeune homme, vers 1810-1815

Né à Pesaro de parents musiciens (son père trompettiste, sa mère chanteuse), Rossini commence à composer dès l’âge de 12 ans et fait ses études à l’école de musique de Bologne . Son premier opéra a été joué à Venise en 1810 alors qu’il avait 18 ans. En 1815, il est engagé pour écrire des opéras et diriger des théâtres à Naples. Dans la période 1810-1823, il écrivit 34 opéras pour la scène italienne qui furent joués à Venise, Milan, Ferrare , Naples et ailleurs ; cette productivité a nécessité une approche presque stéréotypée pour certains composants (comme les ouvertures) et une certaine quantité d’auto-emprunts. Au cours de cette période, il produit ses œuvres les plus populaires, dont les opéras-comiques L’italiana in Algeri , Il barbiere di Siviglia(connu en anglais sous le nom de The Barbier de Séville ) et La Cenerentola , qui a porté à son apogée la tradition de l’ opéra buffa qu’il a héritée de maîtres tels que Domenico Cimarosa et Giovanni Paisiello . Il a également composé des opéras seria comme Otello , Tancredi et Semiramide . Tous ont suscité l’admiration pour leur innovation dans la mélodie, la couleur harmonique et instrumentale et la forme dramatique. En 1824, il est engagé par l’ Opéra de Paris, pour lequel il monte un opéra pour célébrer le sacre de Charles X , Il viaggio a Reims .(plus tard cannibalisé pour son premier opéra en français, Le comte Ory ), révisions de deux de ses opéras italiens, Le siège de Corinthe et Moïse , et en 1829 son dernier opéra, Guillaume Tell .

Le retrait de Rossini de l’opéra pendant les 40 dernières années de sa vie n’a jamais été complètement expliqué ; les facteurs contributifs peuvent avoir été une mauvaise santé, la richesse que son succès lui avait apportée et l’essor d’un grand opéra spectaculaire sous la direction de compositeurs tels que Giacomo Meyerbeer . Du début des années 1830 à 1855, date à laquelle il quitte Paris et s’installe à Bologne, Rossini écrit relativement peu. A son retour à Paris en 1855, il devient célèbre pour ses salons musicaux du samedi, régulièrement fréquentés par les musiciens et les milieux artistiques et mondains de Paris, pour lesquels il écrit les pièces divertissantes Péchés de vieillesse . Invités inclus Franz Liszt , Anton Rubinstein , Giuseppe Verdi, Meyerbeer et Joseph Joachim . La dernière grande composition de Rossini est sa Petite messe solennelle (1863). Il meurt à Paris en 1868.

vie et carrière

Jeunesse

Les parents de Rossini Giuseppe Rossini
(1758–1839) Anna Rossini
(1771-1827)

Rossini est né en 1792 à Pesaro , une ville sur la côte adriatique de l’ Italie qui faisait alors partie des États pontificaux . ^[2] Il était le seul enfant de Giuseppe Rossini, trompettiste et corniste, et de sa femme Anna, née Guidarini, couturière de métier, fille d’un boulanger. ^[12] Giuseppe Rossini était charmant mais impétueux et irresponsable ; la charge de subvenir aux besoins de la famille et d’élever l’enfant incombait principalement à Anna, avec l’aide de sa mère et de sa belle-mère. ^{[13] [14]} Stendhal , qui a publié une biographie colorée de Rossini en 1824, ^[15] a écrit :

La part de Rossini de son père, était le véritable héritage indigène d’un Italien : un peu de musique, un peu de religion, et un volume de l’ Arioste . Le reste de son éducation fut confié à l’école légitime de la jeunesse méridionale, à la société de sa mère, aux jeunes chanteuses de la compagnie, à ces prima donna en germe, et aux commères de tous les villages qu’elles traversaient. Cela a été aidé et affiné par le barbier musical et le gardien de café amateur de nouvelles du village papal. ^{[16] [n 3]}

Giuseppe a été emprisonné au moins deux fois: d’abord en 1790 pour insubordination aux autorités locales dans un différend au sujet de son emploi comme trompettiste de la ville; et en 1799 et 1800 pour l’activisme républicain et le soutien des troupes de Napoléon contre les partisans autrichiens du pape. ^[17] En 1798, alors que Rossini avait six ans, sa mère commença une carrière de chanteuse professionnelle dans l’opéra comique et, pendant un peu plus d’une décennie, connut un succès considérable dans des villes comme Trieste et Bologne , avant que sa voix non entraînée ne commence à décliner. . ^[18]

En 1802, la famille s’installe à Lugo , près de Ravenne , où Rossini reçoit une bonne éducation de base en italien, latin et arithmétique ainsi qu’en musique. ^[18] Il a étudié le cor avec son père et d’autres musiques avec un prêtre, Giuseppe Malerbe, dont la vaste bibliothèque contenait des œuvres de Haydn et de Mozart , tous deux peu connus en Italie à l’époque, mais inspirants pour le jeune Rossini. Il apprenait vite et, à l’âge de douze ans, il avait composé un ensemble de six sonates pour quatre instruments à cordes, qui furent exécutées sous l’égide d’un riche mécène en 1804. ^{[n 4]} Deux ans plus tard, il fut admis au récemment ouvert Liceo Musicale, Bologne, étudie d’abord le chant, le violoncelle et le piano, et rejoint peu après la classe de composition. ^[20] Il a écrit quelques travaux substantiels pendant qu’un étudiant, en incluant une messe et une cantate et après deux ans il a été invité à continuer ses études. Il a décliné l’offre: le régime académique strict du Liceo lui avait donné une solide technique de composition, mais comme le dit son biographe Richard Osborne, “son instinct de poursuivre son éducation dans le monde réel s’est finalement affirmé”. ^[21]

Alors qu’il était encore au Liceo, Rossini s’était produit en public en tant que chanteur et avait travaillé dans des théâtres en tant que répétiteur et soliste au clavier. ^[22] En 1810, à la demande du ténor populaire Domenico Mombelli , il écrivit sa première partition d’opéra, un dramma serio d’opéra en deux actes , Demetrio e Polibio , sur un livret de la femme de Mombelli. Elle fut mise en scène publiquement en 1812, après les premiers succès du compositeur. ^[20] Rossini et ses parents ont conclu que son avenir résidait dans la composition d’opéras. Le principal centre lyrique du nord-est de l’Italie était Venise ; sous la tutelle du compositeur Giovanni Morandi, ami de la famille, Rossini s’y installe fin 1810, alors qu’il a dix-huit ans. ^[23]

Premiers opéras : 1810-1815

Le premier opéra de Rossini à être mis en scène fut La cambiale di matrimonio , ^{[n 5]} comédie en un acte, donnée au petit Teatro San Moisè en novembre 1810. La pièce remporta un grand succès et Rossini reçut ce qui lui sembla alors un prix considérable. somme: “quarante scudi – un montant que je n’avais jamais vu réuni”. ^[24] Il décrivit plus tard le San Moisè comme un théâtre idéal pour un jeune compositeur apprenant son métier – « tout tendait à faciliter les débuts d’un compositeur novice » : ^[25] il n’avait pas de chœur et une petite compagnie de directeurs ; son répertoire principal se composait d’opéras comiques en un acte ( farse ), mis en scène avec des décors modestes et une répétition minimale. ^[26]Rossini a suivi le succès de sa première pièce avec trois autres fars pour la maison: L’inganno felice (1812), ^{[n 6]} La scala di seta (1812), ^{[n 7]} et Il signor Bruschino (1813). ^[27]

Rossini a maintenu ses liens avec Bologne, où en 1811 il avait un succès dirigeant Les Saisons de Haydn ^[28] et un échec avec son premier opéra complet, L’equivoco stravagante . ^{[n 8] [29] [30]} Il a également travaillé pour des opéras à Ferrare et à Rome. ^[31] Au milieu de 1812, il reçut une commande de La Scala , Milan , où sa comédie en deux actes La pietra del paragone ^{[n 9]} dura cinquante-trois représentations, une course considérable pour l’époque, qui lui apporta non seulement des avantages financiers, mais l’exemption du service militaire et le titre de maestro di cartello– un compositeur dont le nom sur les affiches publicitaires garantissait une salle comble. ^[26] L’année suivante, son premier opéra seria , Tancredi , réussit bien à La Fenice à Venise, et encore mieux à Ferrare, avec une fin tragique réécrite. ^[31] Le succès de Tancredi a fait connaître le nom de Rossini internationalement; les productions de l’opéra suivirent à Londres (1820) et à New York (1825). ^[32] Quelques semaines après Tancredi , Rossini remporte un autre succès au box-office avec sa comédie L’italiana in Algeri , ^{[n 10]} composée à la hâte et créée en mai 1813. ^[33]

1814 fut une année moins remarquable pour le compositeur montant, ni Il turco in Italia ^{[n 11]} ni Sigismondo ne plaisant au public milanais ou vénitien, respectivement. ^{[34] [35]} 1815 a marqué une étape importante dans la carrière de Rossini. En mai, il s’installe à Naples , pour occuper le poste de directeur de la musique des théâtres royaux. Ceux-ci comprenaient le Teatro di San Carlo , ^[31] le principal opéra de la ville; son manager Domenico Barbaia devait y exercer une influence importante sur la carrière du compositeur. ^[36]

Naples et Il barbiere : 1815–1820

La scène d’orage d’ Il barbiere dans une lithographie de 1830 d’ Alexandre Fragonard

L’établissement musical de Naples n’était pas immédiatement accueillant pour Rossini, considéré comme un intrus dans ses chères traditions lyriques. La ville avait été autrefois la capitale de l’opéra en Europe ; ^[37] la mémoire de Cimarosa était vénérée et Paisiello vivait toujours, mais il n’y avait pas de compositeurs locaux d’aucune stature pour les suivre, et Rossini a rapidement conquis le public et les critiques. ^[38] La première œuvre de Rossini pour le San Carlo, Elisabetta, regina d’Inghilterra ^{[n 12]} était un dramma per musica en deux actes, dans lequel il réutilisait des sections substantielles de ses œuvres antérieures, inconnues du public local. Les savants Rossini Philip Gossettet Patricia Brauner écrivent: “C’est comme si Rossini souhaitait se présenter au public napolitain en proposant une sélection des meilleures musiques d’opéras peu susceptibles d’être relancées à Naples.” ^[39] Le nouvel opéra a été reçu avec l’enthousiasme énorme, de même que la première napolitaine de L’italiana dans Algeri et la position de Rossini à Naples a été assurée. ^[40]

Pour la première fois, Rossini a pu écrire régulièrement pour une compagnie résidente de chanteurs de premier ordre et un bel orchestre, avec des répétitions adéquates et des horaires qui rendaient inutile de composer dans la précipitation pour respecter les délais. ^[38] Entre 1815 et 1822 il a composé plus de dix-huit opéras : neuf pour Naples et neuf pour les maisons d’opéra dans d’autres villes. En 1816, pour le Teatro Argentina de Rome, il compose l’opéra qui deviendra son plus connu : Il barbiere di Siviglia ( Le Barbier de Séville ). Il existait déjà un opéra populaire de ce titre de Paisiello , et la version de Rossini portait à l’origine le même titre que son héros, Almaviva . ^{[n 13]}Malgré une soirée d’ouverture infructueuse, avec des mésaventures sur scène et de nombreux spectateurs pro-Paisiello et anti-Rossini, l’opéra est rapidement devenu un succès, et au moment de sa première reprise, à Bologne quelques mois plus tard, il était facturé par son titre italien actuel, et a rapidement éclipsé le décor de Paisiello. ^{[39] [n 14]}

Isabella Colbran , prima donna du Teatro San Carlo , qui a épousé Rossini en 1822

Les opéras de Rossini pour le Teatro San Carlo étaient des pièces substantielles, principalement sérieuses. Son Otello (1816) a poussé Lord Byron à écrire: “Ils ont crucifié Othello en un opéra: musique bonne, mais lugubre – mais quant aux paroles!” ^[42] Néanmoins, la pièce s’est avérée généralement populaire et a tenu la scène dans de fréquentes reprises jusqu’à ce qu’elle soit éclipsée par la version de Verdi , sept décennies plus tard. ^[43] Parmi ses autres œuvres pour la maison figuraient Mosè in Egitto , basé sur l’histoire biblique de Moïse et de l’ Exode d’Égypte (1818), et La donna del lago , de Sir Walter ScottLe poème de La Dame du lac (1819). Pour La Scala, il écrivit l’ opéra semiseria La gazza ladra (1817), ^{[n 15]} et pour Rome sa version de l’ histoire de Cendrillon , La Cenerentola (1817). ^[44] En 1817 vint la première représentation d’un de ses opéras ( L’Italiana ) au Théâtre-Italien à Paris; son succès a conduit à la mise en scène d’autres de ses opéras là-bas, et finalement à son contrat à Paris de 1824 à 1830. ^[45]

Rossini a gardé sa vie personnelle aussi privée que possible, mais il était connu pour sa sensibilité aux chanteurs des entreprises avec lesquelles il travaillait. Parmi ses amants dans ses premières années figuraient Ester Mombelli (la fille de Domenico) et Maria Marcolini de la compagnie de Bologne. ^[46] De loin la plus importante de ces relations – à la fois personnelles et professionnelles – était avec Isabella Colbran , prima donna du Teatro San Carlo (et ancienne maîtresse de Barbaia). Rossini l’avait entendue chanter à Bologne en 1807, et lorsqu’il s’installa à Naples, il lui écrivit une succession de rôles importants dans la série d’opéras . ^{[47] [48]}

Vienne et Londres : 1820–1824

Au début des années 1820, Rossini commençait à se lasser de Naples. L’échec de sa tragédie lyrique Ermione l’année précédente l’a convaincu que lui et le public napolitain en avaient assez l’un de l’autre. ^[49] Une insurrection à Naples contre la monarchie, quoique rapidement écrasée , déstabilise Rossini ; ^[50] quand Barbaia a signé un contrat pour prendre la compagnie à Vienne, Rossini était heureux de les joindre, mais n’a pas indiqué à Barbaia qu’il n’a eu aucune intention de retourner à Naples ensuite. ^[51] Il voyagea avec Colbran, en mars 1822, interrompant leur voyage à Bologne, où ils se marièrent en présence de ses parents dans une petite église de Castenaso à quelques kilomètres de la ville.^[52] La mariée avait trente-sept ans, le marié trente. ^{[n 16]}

A Vienne, Rossini est accueilli en héros ; ses biographes le décrivent comme “un enthousiasme fébrile sans précédent”, ^[54] “la fièvre de Rossini”, ^[55] et “une hystérie proche”. ^[56] Le chancelier autoritaire de l’ Empire autrichien , Metternich , aimait la musique de Rossini et la pensait libre de toute association révolutionnaire ou républicaine potentielle. Il est donc heureux d’autoriser la compagnie San Carlo à interpréter les opéras du compositeur. ^[57] En une saison de trois mois, ils en ont joué six, devant un public si enthousiaste que l’assistant de Beethoven , Anton Schindler , l’a décrit comme “une orgie idolâtre”. ^[55]

George IV (à gauche) saluant Rossini au Brighton Pavilion , 1823

Pendant son séjour à Vienne, Rossini a entendu la symphonie héroïque de Beethoven et a été tellement ému qu’il a décidé de rencontrer le compositeur reclus. Il a finalement réussi à le faire et a décrit plus tard la rencontre à de nombreuses personnes, dont Eduard Hanslick et Richard Wagner . Il a rappelé que bien que la conversation ait été entravée par la surdité de Beethoven et l’ignorance de l’allemand de Rossini, Beethoven a clairement indiqué qu’il pensait que les talents de Rossini n’étaient pas pour l’opéra sérieux, ^[58] et que “surtout” il devrait “faire plus Barbiere ” (Barbiers) . ^{[59] [n 17]}

Après la saison viennoise, Rossini retourna à Castenaso pour travailler avec son librettiste, Gaetano Rossi , sur Semiramide , commandé par La Fenice. Il a été créé en février 1823, sa dernière œuvre pour le théâtre italien. Colbran a joué, mais il était clair pour tout le monde que sa voix était en grave déclin, et Semiramide a mis fin à sa carrière en Italie. ^[61] L’œuvre a survécu à cet inconvénient majeur et est entrée dans le répertoire lyrique international, restant populaire tout au long du 19e siècle; ^[62] dans les mots de Richard Osborne, il a apporté « la carrière italienne [de Rossini] à une fin spectaculaire. ^[63]

En novembre 1823, Rossini et Colbran partent pour Londres, où un contrat lucratif leur est proposé. Ils se sont arrêtés pendant quatre semaines en route à Paris. S’il n’est pas aussi fébrilement acclamé par les Parisiens qu’il l’a été à Vienne, il n’en reçoit pas moins un accueil exceptionnel de la part de l’establishment musical et du public. Lorsqu’il assiste à une représentation d’ Il barbiere au Théâtre-Italien, il est applaudi, entraîné sur scène et sérénadé par les musiciens. Un banquet a été donné pour lui et sa femme, en présence de grands compositeurs et artistes français, et il a trouvé le climat culturel de Paris agréable. ^[64]

Une fois en Angleterre, Rossini a été reçu et apprécié par le roi George IV , bien que le compositeur n’ait plus été impressionné par la royauté et l’aristocratie. ^[65] Rossini et Colbran avaient signé des contrats pour une saison d’opéra au King’s Theatre de Haymarket . Ses défauts vocaux étaient un sérieux handicap et elle s’est retirée à contrecœur de la scène. L’opinion publique n’a pas été améliorée par l’échec de Rossini à fournir un nouvel opéra, comme promis. ^[66] L’impresario, Vincenzo Benelli, a manqué à son contrat avec le compositeur, mais cela n’était pas connu de la presse et du public londoniens, qui ont blâmé Rossini. ^{[66] [67]}

Dans une biographie du compositeur de 2003, Gaia Servadio commente que Rossini et England n’étaient pas faits l’un pour l’autre. Il était prostré par la traversée de la Manche et il était peu probable qu’il soit enthousiasmé par le temps anglais ou la cuisine anglaise. ^[68] Bien que son séjour à Londres ait été financièrement gratifiant – la presse britannique rapporta avec désapprobation qu’il avait gagné plus de 30 000 £ ^{[n 18]} – il était heureux de signer un contrat à l’ambassade de France à Londres pour retourner à Paris, où il avait senti beaucoup plus à la maison. ^{[69] [70]}

Paris et les derniers opéras : 1824-1829

Le nouveau contrat très rémunérateur de Rossini avec le gouvernement français fut négocié sous Louis XVIII , qui mourut en septembre 1824, peu après l’arrivée de Rossini à Paris. Il avait été convenu que le compositeur produirait un grand opéra pour l’Académie Royale de Musique et soit un opéra buffa , soit un opéra semiseria pour le Théâtre-Italien. ^[71] Il devait également aider à diriger ce dernier théâtre et à réviser l’une de ses œuvres antérieures pour la relancer là-bas. ^[72] La mort du roi et l’avènement de Charles X changèrent les plans de Rossini, et son premier nouvel ouvrage pour Paris fut Il viaggio a Reims , ^{[n 19]}un divertissement lyrique donné en juin 1825 pour célébrer le couronnement de Charles. C’était le dernier opéra de Rossini avec un livret italien. ^[73] Il n’a autorisé que quatre représentations de la pièce, ^{[74] [n 20]} avec l’intention de réutiliser le meilleur de la musique dans un opéra moins éphémère. ^[76] Environ la moitié de la partition de Le comte Ory (1828) provient de l’œuvre antérieure. ^[77]

Isolier, Ory, Adèle et Ragonde, dans Le comte Ory

La retraite forcée de Colbran a mis à rude épreuve le mariage des Rossini, la laissant inoccupée alors qu’il continuait d’être le centre de l’attention musicale et constamment en demande. ^[61] Elle s’est consolée avec ce que Servadio décrit comme “un nouveau plaisir de faire du shopping”; ^[78] pour Rossini, Paris offrait des délices gastronomiques continus, alors que sa forme de plus en plus ronde commençait à se refléter. ^{[78] [n 21]}

Le premier des quatre opéras que Rossini écrivit sur des livrets français fut Le siège de Corinthe ^{[n 22]} (1826) et Moïse et Pharaon ^{[n 23]} (1827). Tous deux étaient des remaniements substantiels de pièces écrites pour Naples : Maometto II et Mosè in Egitto . Rossini a pris grand soin avant de commencer à travailler sur le premier, apprenant à parler français et se familiarisant avec les manières traditionnelles d’opéra français de déclamer la langue. En plus d’abandonner une partie de la musique originale qui était dans un style orné démodé à Paris, Rossini s’est adapté aux préférences locales en ajoutant des danses, des numéros ressemblant à des hymnes et un rôle plus important pour le chœur. ^[80]

La mère de Rossini, Anna, est décédée en 1827; il lui avait été dévoué et il ressentait profondément sa perte. Elle et Colbran ne s’étaient jamais bien entendus, et Servadio suggère qu’après la mort d’Anna, Rossini en est venu à en vouloir à la femme survivante de sa vie. ^[81]

En 1828, Rossini écrit Le comte Ory , son seul opéra-comique de langue française. Sa détermination à réutiliser la musique d ‘ Il viaggio a Reims a causé des problèmes à ses librettistes, qui ont dû adapter leur intrigue originale et écrire des mots français pour s’adapter aux numéros italiens existants, mais l’opéra a été un succès et a été vu à Londres dans les six mois suivant le Première parisienne et à New York en 1831. ^[77] L’année suivante, Rossini écrivit son grand opéra français tant attendu, Guillaume Tell , basé sur la pièce de 1804 de Friedrich Schiller qui s’inspirait de la légende de Guillaume Tell . ^[82]

Retraite anticipée : 1830–1855

Guillaume Tell est bien accueilli. L’orchestre et les chanteurs se sont réunis devant la maison de Rossini après la première et ont interprété le finale entraînant du deuxième acte en son honneur. Le journal Le Globe a commenté qu’une nouvelle ère de la musique avait commencé. ^[83] Gaetano Donizetti a fait remarquer que les premiers et derniers actes de l’opéra ont été écrits par Rossini, mais l’acte du milieu a été écrit par Dieu. ^[84] Le travail était un succès incontestable, sans être un succès retentissant; le public a mis du temps à s’y faire et certains chanteurs l’ont trouvé trop exigeant. ^[85] Il a été néanmoins produit à l’étranger dans les mois de la première, ^{[n 24]} et il n’y avait aucun soupçon que ce serait le dernier opéra du compositeur.^[87]

Olympe Pélissier en 1830 Rossini, vers 1850

Conjointement avec Semiramide , Guillaume Tell est le plus long opéra de Rossini, à trois heures et quarante-cinq minutes, ^[88] et l’effort de le composer l’a laissé épuisé. Bien qu’en moins d’un an, il planifie un traitement lyrique de l’ histoire de Faust , ^[83] les événements et la mauvaise santé le rattrapent. Après l’ouverture de Guillaume Tell , les Rossini avaient quitté Paris et s’étaient installés à Castenaso. En moins d’un an, les événements parisiens firent revenir Rossini en hâte. Charles X a été renversé par une révolution en juillet 1830, et la nouvelle administration, dirigée par Louis Philippe I, a annoncé des coupes radicales dans les dépenses publiques. Parmi les coupes figurait la rente viagère de Rossini, gagnée après d’âpres négociations avec le régime précédent. ^[89] Essayer de restituer l’annuité était l’une des raisons de retour de Rossini. L’autre devait être avec sa nouvelle maîtresse, Olympe Pélissier . Il a laissé Colbran à Castenaso ; elle n’est jamais revenue à Paris et ils n’ont plus jamais vécu ensemble. ^[90]

Les raisons du retrait de Rossini de l’opéra ont été continuellement discutées pendant et depuis sa vie. ^{[91] [92]} Certains ont supposé qu’âgé de trente-sept ans et de santé variable, ayant négocié une rente importante du gouvernement français et ayant écrit trente-neuf opéras, il avait simplement prévu de prendre sa retraite et de s’en tenir à ce plan. Dans une étude de 1934 sur le compositeur, le critique Francis Toye a inventé l’expression “La grande renonciation” et a qualifié la retraite de Rossini de “phénomène unique dans l’histoire de la musique et difficile à mettre en parallèle dans toute l’histoire de l’art”:

Y a-t-il un autre artiste qui ait ainsi délibérément, dans la force de l’âge, renoncé à cette forme de production artistique qui l’avait rendu célèbre dans le monde civilisé ? ^[93]

Le poète Heine a comparé la retraite de Rossini au retrait de l’écriture de Shakespeare : deux génies reconnaissant quand ils avaient accompli l’indépassable et ne cherchant pas à le suivre. ^{[n 25]} D’autres, alors et plus tard, ont suggéré que Rossini avait pris sa retraite en raison du dépit des succès de Giacomo Meyerbeer et de Fromental Halévy dans le genre du grand opéra. ^{[n 26]} L’érudition moderne de Rossini a généralement écarté ces théories, soutenant que Rossini n’avait pas l’intention de renoncer à la composition d’opéra et que les circonstances plutôt que le choix personnel ont fait de Guillaume Tell son dernier opéra. ^{[99] [100]}Gossett et Richard Osborne suggèrent que la maladie pourrait avoir été un facteur majeur dans la retraite de Rossini. À peu près à cette époque, Rossini avait une mauvaise santé intermittente, à la fois physique et mentale. Il avait contracté la gonorrhée dans les années précédentes, ce qui a entraîné plus tard des effets secondaires douloureux, allant de l’urétrite à l’ arthrite ; ^[101] il souffrait d’épisodes de dépression débilitante, que les commentateurs ont liés à plusieurs causes possibles : cyclothymie , ^[102] ou trouble bipolaire , ^[103] ou réaction à la mort de sa mère. ^{[n 27]}

Au cours des vingt-cinq années suivantes, Guillaume Tell Rossini a peu composé, bien que Gossett commente que ses compositions relativement peu nombreuses des années 1830 et 1840 ne montrent aucune baisse d’inspiration musicale. ^[91] Parmi elles, les Soirées musicales (1830-1835 : ensemble de douze mélodies pour voix seule ou en duo et piano) et son Stabat Mater (commencé en 1831 et achevé en 1841). ^{[n 28]} Après avoir gagné son combat avec le gouvernement au sujet de sa rente en 1835, Rossini quitte Paris et s’installe à Bologne. Son retour à Paris en 1843 pour un traitement médical par Jean Civiale a suscité l’espoir qu’il pourrait produire un nouveau grand opéra – on disait qu’Eugène Scribelui préparait un livret sur Jeanne d’Arc . L’Opéra a été déplacé pour présenter une version française d’ Otello en 1844 qui comprenait également des éléments de certains des opéras antérieurs du compositeur. On ne sait pas dans quelle mesure – le cas échéant – Rossini a été impliqué dans cette production, qui a finalement été mal accueillie. ^[106] Plus controversé était l’ opéra pasticcio de Robert Bruce (1846), dans lequel Rossini, alors revenu à Bologne, a étroitement coopéré en sélectionnant la musique de ses opéras passés qui n’avaient pas encore été joués à Paris, notamment La donna del lago. L’Opéra a cherché à présenter Robert comme un nouvel opéra de Rossini. Mais bien qu’Othellopouvait au moins prétendre être authentique, canonique, Rossini, l’historien Mark Everist note que les détracteurs ont soutenu que Robert était simplement “des produits contrefaits, et d’une époque révolue en plus”; il cite Théophile Gautier regrettant que “le manque d’unité ait pu être masqué par une interprétation supérieure ; malheureusement la tradition de la musique de Rossini s’est perdue à l’Opéra depuis longtemps”. ^[107]

La période qui suit 1835 voit la séparation formelle de Rossini d’avec sa femme, restée à Castenaso (1837), et la mort de son père à l’âge de quatre-vingts ans (1839). ^[108] En 1845, Colbran tomba gravement malade et, en septembre, Rossini voyagea pour lui rendre visite ; un mois plus tard, elle mourut. ^[109] L’année suivante Rossini et Pélissier se sont mariés à Bologne. ^[108] Les événements de l’ Année de la Révolution en 1848 conduisent Rossini à s’éloigner de la région de Bologne, où il se sent menacé par l’insurrection, et à faire de Florence sa base, qu’elle restera jusqu’en 1855. ^[110]

Au début des années 1850, la santé mentale et physique de Rossini s’était détériorée au point que sa femme et ses amis craignaient pour sa santé mentale ou sa vie. Au milieu de la décennie, il était clair qu’il devait retourner à Paris pour les soins médicaux les plus avancés alors disponibles. En avril 1855, les Rossini entreprirent leur dernier voyage d’Italie en France. ^[111] Rossini est revenu à Paris âgé de soixante-trois ans et en a fait sa maison pour le reste de sa vie. ^[112]

Péchés de vieillesse : 1855-1868

J’offre ces modestes chansons à ma chère épouse Olympe comme un simple témoignage de gratitude pour les soins affectueux et intelligents qu’elle m’a prodigués pendant ma trop longue et terrible maladie.

Dédicace de Musique anodine , 1857 ^[113]

Gossett observe que bien qu’un récit de la vie de Rossini entre 1830 et 1855 soit une lecture déprimante, il n’est “pas exagéré de dire qu’à Paris, Rossini est revenu à la vie”. Il a retrouvé la santé et la joie de vivre . Une fois installé à Paris, il entretient deux logements : un appartement rue de la Chaussée-d’Antin , un quartier central chic, et une villa néo-classique construite pour lui à Passy , ​​commune aujourd’hui absorbée par la ville, mais alors semi -rural. ^[114] Lui et sa femme ont établi un salon qui est devenu internationalement célèbre. ^{[91] [115]} Le premier de leurs rassemblements du samedi soir – les samedis soirs– a eu lieu en décembre 1858, et le dernier, deux mois avant sa mort en 1868. ²⁰⁰⁷

Rossini en 1865, par Étienne Carjat

Rossini a recommencé à composer. Sa musique de sa dernière décennie n’était généralement pas destinée à être interprétée en public et il n’indiquait généralement pas de dates de composition sur les manuscrits. Par conséquent, les musicologues ont eu du mal à donner des dates précises pour ses œuvres tardives, mais la première, ou parmi les premières, est le cycle de mélodies Musique anodine , dédié à sa femme et présenté à celle-ci en avril 1857. ^[116] Pour leur hebdomadaire salons, il a produit plus de 150 pièces, dont des chansons, des pièces pour piano solo et des œuvres de chambre pour de nombreuses combinaisons d’instruments différentes. Il les appelait ses Péchés de vieillesse – “les péchés de la vieillesse”. ^[91]Les salons se tenaient à la fois à Beau Séjour – la villa Passy – et, l’hiver, à l’appartement de Paris. De tels rassemblements faisaient régulièrement partie de la vie parisienne – l’écrivain James Penrose a observé que les gens bien connectés pouvaient facilement se rendre dans différents salons presque tous les soirs de la semaine – mais les samedis soirs des Rossini devinrent rapidement les plus recherchés : « une invitation était le prix social le plus élevé de la ville.” ^[117] La ​​musique, soigneusement choisie par Rossini, n’était pas seulement la sienne, mais comprenait des œuvres de Pergolesi , Haydn et Mozart et des pièces modernes de certains de ses invités. Parmi les compositeurs qui fréquentaient les salons, et parfois se produisaient, figuraient Auber , Gounod , Liszt , Rubinstein, Meyerbeer et Verdi . Rossini aimait se qualifier de pianiste de quatrième classe, mais les nombreux pianistes célèbres qui assistaient aux samedis soirs étaient éblouis par son jeu. ^[118] Des violonistes tels que Pablo Sarasate et Joseph Joachim , ainsi que les principaux chanteurs de l’époque étaient des invités réguliers. ^[119] En 1860, Wagner a rendu visite à Rossini via une introduction de l’ami de Rossini, Edmond Michotte , qui quelque quarante-cinq ans plus tard a écrit son récit de la conversation géniale entre les deux compositeurs. ^{[120] [n 29]}

L’une des rares œuvres tardives de Rossini destinées à être données en public était sa Petite messe solennelle , créée pour la première fois en 1864. ^[122] La même année, Rossini fut nommé grand officier de la Légion d’honneur par Napoléon III. ^[123]

Après une courte maladie et une opération infructueuse pour soigner un cancer colorectal , Rossini meurt à Passy le 13 novembre 1868 à l’âge de soixante-seize ans. ^[124] Il laissa à Olympe un intérêt viager dans son domaine, qui après sa mort, dix ans plus tard, passa à la Commune de Pesaro pour la création d’un Liceo Musicale et fonda une maison pour chanteurs d’opéra à la retraite à Paris. ^[125] Après un service funèbre suivi par plus de quatre mille personnes à l’église de Sainte-Trinité , Paris, le corps de Rossini a été inhumé au cimetière du Père Lachaise . ^[126] En 1887 ses restes ont été déplacés à l’église de Santa Croce , Florence. ^[127]

Musique

“Le code Rossini”

“Tous les genres sont bons, hors le genre ennuyeux”. ^{[n 30]}

Rossini, dans une lettre de 1868 (citant Voltaire ) ^[128]

L’écrivain Julian Budden , notant les formules adoptées par Rossini au début de sa carrière et constamment suivies par lui par la suite en ce qui concerne les ouvertures, les arias , les structures et les ensembles, les a appelées “le Code Rossini” en référence au Code Napoléon , la loi système mis en place par l’Empereur des Français. ^[129] Le style général de Rossini peut en effet avoir été influencé plus directement par les Français : l’historien John Rosselli suggère que la domination française en Italie au début du XIXe siècle signifiait que « la musique avait acquis de nouvelles qualités militaires d’attaque, de bruit et de vitesse – pour être entendu dans Rossini.” ^[130]L’approche de Rossini envers l’opéra était inévitablement tempérée par l’évolution des goûts et des demandes du public. Les livrets “classiques” formels de Metastasio qui avaient sous-tendu l’ opéra seria de la fin du XVIIIe siècle ont été remplacés par des sujets plus au goût de l’âge du romantisme , avec des histoires exigeant une caractérisation plus forte et une action plus rapide; un compositeur de travail devait répondre à ces exigences ou échouer. ^[131] Les stratégies de Rossini répondaient à cette réalité. Une approche stéréotypée était logistiquement indispensable pour la carrière de Rossini, au moins au début : dans les sept années 1812–1819, il a écrit 27 opéras, ^[132] souvent à la notification extrêmement courte. Pour La Cenerentola(1817), par exemple, il avait un peu plus de trois semaines pour écrire la musique avant la première. ^[133]

De telles pressions ont conduit à un autre élément important des procédures de composition de Rossini, non inclus dans le “Code” de Budden, à savoir le recyclage. Le compositeur a souvent transféré une ouverture réussie aux opéras suivants: ainsi l’ouverture de La pietra del paragone a ensuite été utilisée pour l’ opéra seria Tancredi (1813), et (dans l’autre sens) l’ouverture d’ Aureliano in Palmira (1813) s’est terminée par ( et est aujourd’hui connu comme) l’ouverture de la comédie Il barbiere di Siviglia (Le Barbier de Séville) . ^{[131] [134]} Il a réemployé aussi généreusement des airs et d’autres séquences dans les travaux derniers. Spike Hughes note que sur les vingt-six numéros deEduardo e Cristina , réalisé à Venise en 1817, dix-neuf ont été extraits d’œuvres antérieures. “Le public … était d’une remarquable bonne humeur … et demanda sournoisement pourquoi le livret avait été modifié depuis la dernière représentation”. ^[135] Rossini exprima son dégoût lorsque l’éditeur Giovanni Ricordi publia une édition complète de ses œuvres dans les années 1850 : « On retrouvera plusieurs fois les mêmes pièces, car je croyais avoir le droit de retirer de mes fiascos les pièces qui me semblaient les meilleures , pour les sauver du naufrage … Un fiasco semblait être bon et mort, et maintenant regardez, ils les ont tous ressuscités !” ^[44]

Ouvertures

Philip Gossett note que Rossini “était dès le départ un compositeur consommé d’ ouvertures “. Sa formule de base pour ceux-ci est restée constante tout au long de sa carrière: Gossett les caractérise comme des « mouvements de sonate sans sections de développement , généralement précédés d’une introduction lente» avec «des mélodies claires, des rythmes exubérants [et] une structure harmonique simple» et un point culminant Crescendo . ^[131] Richard Taruskin note également que le deuxième thème est toujours annoncé dans un boissoliste, dont le « caractère accrocheur » « grave [s] un profil distinct dans la mémoire auditive », et que la richesse et l’inventivité de son maniement de l’orchestre, même dans ces premières œuvres, marquent le début de « [l]e grand XIXe floraison de l’ orchestration au siècle dernier .” ^[136]

Airs Extrait de “Di tanti palpiti” ( Tancredi )

Le traitement par Rossini des airs (et des duos) dans le style cavatine a marqué un développement par rapport au lieu commun du dix-huitième siècle du récitatif et de l’air. Selon les mots de Rosselli, entre les mains de Rossini “l’air est devenu un moteur pour libérer l’émotion”. ^[137] La ​​structure d’aria typique de Rossini impliquait une introduction lyrique ( “cantabile” ) et une conclusion plus intense et brillante ( “cabaletta” ). Ce modèle pouvait être adapté de diverses manières afin de faire avancer l’intrigue (par opposition à la manipulation typique du XVIIIe siècle qui entraînait l’arrêt de l’action alors que les répétitions requises du da capo ariaont été entrepris). Par exemple, elles peuvent être ponctuées de commentaires d’autres personnages (convention dite “pertichini” ), ou le chœur peut intervenir entre le cantabile et la cabalette pour enflammer le soliste. Si de tels développements n’étaient pas nécessairement l’invention de Rossini, il les a néanmoins fait siens par son maniement expert. ^[138] Un point de repère dans ce contexte est la cavatine “Di tanti palpiti” de Tancredi , que Taruskin et Gossett (entre autres) désignent comme transformatrice, “la plus célèbre aria que Rossini ait jamais écrite”, ^[139]avec une “mélodie qui semble capturer la beauté mélodique et l’innocence caractéristiques de l’opéra italien”. ^{[44] [n 31]} Les deux auteurs soulignent la touche rossinienne typique d’éviter une cadence “attendue” dans l’air par un changement soudain de la tonalité d’origine de F à celle de A flat (voir exemple); Taruskin note le jeu de mots implicite, car les mots parlent de retour, mais la musique évolue dans une nouvelle direction. ^[140] L’influence était durable; Gossett note comment le style cabaletta rossinien a continué à informer l’opéra italien jusqu’à Aida de Giuseppe Verdi (1871). ^[44]

Structure Affiche pour une représentation de Tancredi à Ferrare , 1813

Une telle intégration structurelle des formes de la musique vocale avec le développement dramatique de l’opéra signifiait un changement radical par rapport à la primauté métastasienne de l’air; dans les œuvres de Rossini, les airs en solo occupent progressivement une plus petite proportion des opéras, au profit des duos (également généralement au format cantabile-caballetta ) et des ensembles. ^[44]

À la fin du XVIIIe siècle, les créateurs d’ opéra buffa avaient de plus en plus développé l’intégration dramatique des finales de chaque acte. Les finales commencèrent à “se propager à l’envers”, prenant une proportion toujours plus grande de l’acte, prenant la structure d’une chaîne musicalement continue, accompagnée tout au long de l’orchestre, d’une série de sections, chacune avec ses propres caractéristiques de vitesse et de style, montant à un scène finale bruyante et vigoureuse. ^[141] Dans ses opéras comiques, Rossini a porté cette technique à son apogée et a étendu sa portée bien au-delà de ses prédécesseurs. De la finale du premier acte de L’italiana in Algeri , Taruskin écrit que “[r] parcourant près d’une centaine de pages de partition vocale en un temps record, c’est la dose unique de Rossini la plus concentrée qui soit.^[142]

La capacité de Rossini à faire progresser cette technique dans le genre de l’ opéra seria a eu une plus grande conséquence pour l’histoire de l’opéra . Gossett, dans une analyse très détaillée de la finale du premier acte de Tancredi , identifie plusieurs éléments dans la pratique de Rossini. Celles-ci incluent le contraste des séquences d’action “cinétiques”, souvent caractérisées par des motifs orchestraux, avec des expressions “statiques” d’émotion, la section finale “statique” sous la forme d’une cabaletta, avec tous les personnages se rejoignant dans les cadences finales. Gossett affirme que c’est “à partir de l’époque de Tancredi que la cabaletta … devient la section de clôture obligatoire de chaque unité musicale dans les opéras de Rossini et de ses contemporains”. ^[143]

Premières œuvres

À de très rares exceptions près, toutes les compositions de Rossini avant les Péchés de vieillesse de sa retraite impliquent la voix humaine. Sa toute première œuvre survivante (hormis une seule mélodie) est cependant un ensemble de sonates pour cordes pour deux violons, violoncelle et contrebasse, écrites à l’âge de 12 ans, alors qu’il venait à peine de commencer l’enseignement de la composition. Mélodies et engageantes, elles indiquent à quel point l’enfant talentueux était éloigné de l’influence des progrès de la forme musicale développés par Mozart, Haydn et Beethoven ; l’accent est mis sur la mélodie cantabile , la couleur, la variation et la virtuosité plutôt que sur le développement transformationnel . ^[144] Ces qualités sont également évidentes dans les premiers opéras de Rossini, en particulier sa farse(farces en un acte), plutôt que sa série d’opéras plus formelle . Gossett note que ces premières œuvres ont été écrites à une époque où “[l] es manteaux déposés de Cimarosa et Paisiello n’étaient pas remplis” – ce furent les premières étapes de Rossini, et de plus en plus appréciées, pour les essayer. Le Teatro San Moisè de Venise, où sa farce a été jouée pour la première fois, et le Théâtre La Scala de Milan, qui a créé son opéra en deux actes La pietra del paragone(1812), cherchaient des œuvres dans cette tradition; Gossett note que dans ces opéras “la personnalité musicale de Rossini a commencé à prendre forme … de nombreux éléments émergent qui restent tout au long de sa carrière” dont “[un] amour du son pur, des rythmes vifs et efficaces”. L’effet inhabituel employé dans l’ouverture de Il signor Bruschino , (1813) déployant des archets de violon tapant des rythmes sur des pupitres , est un exemple d’une telle originalité pleine d’esprit. ^{[131] [n 32]}

Italie, 1813–1823

Domenico Barbaja à Naples dans les années 1820

Le grand succès à Venise des créations de Tancredi et de l’opéra-comique L’italiana in Alger à quelques semaines d’intervalle (6 février 1813 et 22 mai 1813 respectivement) scelle la réputation de Rossini en tant que compositeur d’opéra montant de sa génération. De la fin de 1813 au milieu de 1814, il est à Milan pour créer deux nouveaux opéras pour La Scala, Aureliano in Palmira et Il Turco in Italia . Arsace in Aureliano était chanté par le castrat Giambattista Velluti ; c’était le dernier rôle d’opéra que Rossini a écrit pour un chanteur castrat alors que la norme est devenue d’utiliser le contraltovoix – un autre signe de changement dans le goût de l’opéra. La rumeur disait que Rossini était mécontent de l’ ornementation de sa musique par Velluti; mais en fait, tout au long de sa période italienne, jusqu’à Semiramide (1823), les lignes vocales écrites de Rossini deviennent de plus en plus fleuries, et cela est plus justement attribué au style changeant du compositeur. ^{[44] [n 33]}

Le travail de Rossini à Naples a contribué à cette évolution stylistique. La ville, berceau des opéras de Cimarosa et Paisiello, avait tardé à reconnaître le compositeur de Pesaro, mais Domenico Barbaia l’invita en 1815 pour un contrat de sept ans à gérer ses théâtres et à composer des opéras. Pour la première fois, Rossini a pu travailler sur une longue période avec une compagnie de musiciens et de chanteurs, parmi lesquels Isabella Colbran , Andrea Nozzari , Giovanni David et d’autres, qui, comme le note Gossett, “tous spécialisés dans le chant fleuri” et ” dont les talents vocaux ont laissé une marque indélébile et pas tout à fait positive sur le style de Rossini”. Les premiers opéras de Rossini pour Naples, Elisabetta, regina d’et La gazzetta étaient tous deux largement recyclés d’œuvres antérieures, mais Otello (1816) se distingue non seulement par ses lignes vocales virtuoses, mais aussi par son dernier acte magistralement intégré, avec son drame souligné par la mélodie, l’orchestration et la couleur tonale ; ici, de l’avis de Gossett, “Rossini est devenu un artiste dramatique.” ^[38] Il commente en outre :

La croissance du style de Rossini d’ Elisabetta, regina d’Inghilterra à Zelmira et, finalement, Semiramide , est une conséquence directe de la [e] continuité [qu’il a vécue à Naples]. Non seulement Rossini a composé certains de ses plus beaux opéras pour Naples, mais ces opéras ont profondément marqué la composition lyrique en Italie et rendu possibles les développements qui devaient conduire à Verdi. ^[38]

“Il signor Tambourossini, ou la nouvelle mélodie” (1821). Combinant le nom du compositeur avec tambour (français pour “tambour”), cette lithographie de l’artiste français Paul Delaroche met en évidence la réputation européenne du début de Rossini en tant que créateur de bruit, y compris une trompette et un tambour accompagnés d’une pie, plusieurs références à ses débuts opéras, ^{[n 34]} et le montrant lui et Le roi Midas piétinant littéralement des partitions et des violons, tandis qu’Apollon (le dieu de la musique) s’échappe en arrière-plan. ^[146]

À ce moment-là, la carrière de Rossini suscitait l’intérêt à travers l’Europe. D’autres sont venus en Italie pour étudier le renouveau de l’opéra italien et ont utilisé ses leçons pour progresser ; parmi eux se trouvait le Berlinois Giacomo Meyerbeer qui arriva en Italie en 1816, un an après l’établissement de Rossini à Naples, et y vécut et y travailla jusqu’à ce qu’il le suive à Paris en 1825 ; il a fait appel à l’un des librettistes de Rossini, Gaetano Rossi , pour cinq de ses sept opéras italiens, qui ont été produits à Turin, Venise et Milan. ^[147] Dans une lettre à son frère de septembre 1818, il inclut une critique détaillée d’ Otellodu point de vue d’un observateur averti non italien. Il est cinglant pour les emprunts à soi-même dans les deux premiers actes, mais concède que le troisième acte “a si bien établi la réputation de Rossini à Venise que même mille folies ne pourraient le lui ravir. Mais cet acte est divinement beau, et ce qui est si étrange est que [ses] beautés … sont manifestement non rossiniennes : des récitatifs exceptionnels, voire passionnés, des accompagnements mystérieux, beaucoup de couleur locale.” ^[148] Le contrat de Rossini ne l’empêcha pas d’entreprendre d’autres commandes, et avant Otello, Il barbiere di Siviglia , grand aboutissement de la tradition de l’ opéra buffa , avait été créé à Rome (février 1816). Richard Osborne répertorie ses excellences :

Au-delà de l’impact physique du… ” Largo al factotum ” de Figaro, il y a l’oreille de Rossini pour les timbres vocaux et instrumentaux d’une astringence et d’un éclat particuliers, sa vivacité d’esprit et sa maîtrise des grandes formes musicales aux accents souvent brillants. et des variations internes explosives. Ajoutez à cela ce que Verdi a appelé “l’abondance d’idées musicales vraies” de l’opéra, et les raisons de l’émergence à plus long terme de l’œuvre en tant qu’opéra buffa le plus populaire de Rossini ne sont pas difficiles à trouver. ^[134]

Hormis La Cenerentola (Rome, 1817) et le “croquis à la plume” farsa Adina (1818, non exécuté avant 1826), ^[149] les autres œuvres de Rossini pendant son contrat avec Naples étaient toutes dans la tradition de l’ opéra seria . Parmi les plus remarquables d’entre eux, tous contenant des rôles de chant virtuoses, figuraient Mosè in Egitto (1818), La donna del lago (1819), Maometto II (1820) tous mis en scène à Naples, et Semiramide , son dernier opéra écrit pour l’Italie, mis en scène à La Fenice à Venise en 1823. Les trois versions de l’ opéra semiseria Matilde di Shabranont été écrits en 1821/1822. Mosè et Maometto II devaient plus tard subir une reconstruction importante à Paris (voir ci-dessous). ^[38]

France, 1824-1829

Extrait du Moïse de Rossini publié dans Le Globe , 31 mars 1827, dans un article de Ludovic Vitet . ^{[n 35]}

Déjà en 1818, Meyerbeer avait entendu des rumeurs selon lesquelles Rossini cherchait un poste lucratif à l’ Opéra de Paris – “Si [ses propositions] sont acceptées, il ira dans la capitale française, et nous vivrons peut-être des choses curieuses.” ^[151] Quelque six ans devaient s’écouler avant que cette prophétie ne se réalise.

En 1824, Rossini, sous contrat avec le gouvernement français, devient directeur du Théâtre-Italien à Paris, où il présente l’opéra de Meyerbeer Il crociato in Egitto , et pour lequel il écrit Il viaggio a Reims pour célébrer le couronnement de Charles X (1825 ). Ce fut son dernier opéra sur un livret italien, et fut plus tard cannibalisé pour créer son premier opéra français, Le comte Ory (1828). Un nouveau contrat en 1826 lui permet de se concentrer sur les productions à l’Opéra et à cette fin il revoit substantiellement Maometto II comme Le siège de Corinthe (1826) et Mosé comme Moïse et Pharaon(1827). Conformément au goût français, les œuvres sont allongées (chacune d’un acte), les lignes vocales dans les révisions sont moins fleuries et la structure dramatique est renforcée, avec une proportion d’arias réduite. ^[152] L’un des ajouts les plus marquants est le chœur à la fin de l’acte III de Moïse , avec une répétition Crescendo d’une ligne de basse ascendante diatonique , montant d’abord d’une tierce mineure , puis d’une tierce majeure , à chaque apparition, et une ligne supérieure chromatique descendante , qui a suscité l’enthousiasme du public. ^[153]

Le contrat gouvernemental de Rossini l’obligeait à créer au moins un nouveau “grand opéra” , et Rossini s’est installé sur l’histoire de Guillaume Tell , en étroite collaboration avec le librettiste Étienne de Jouy . L’histoire lui a notamment permis de se livrer “un intérêt sous-jacent pour les genres connexes de la musique folklorique, pastorale et pittoresque”. Cela ressort clairement de l’ouverture, qui est explicitement programmatique en décrivant le temps, le décor et l’action, et présente une version du ranz des vaches , l’appel du vacher suisse, qui « subit un certain nombre de transformations au cours de l’opéra » et le donne dans Richard L’opinion d’Osborne “quelque chose du caractère d’un leitmotiv “.De l’avis de l’historien de la musique Benjamin Walton, Rossini « sature [s] l’œuvre de couleur locale à un tel degré qu’il n’y a plus de place pour rien d’autre ». Ainsi, le rôle des solistes est considérablement réduit par rapport aux autres opéras de Rossini, le héros n’ayant même pas d’air propre, tandis que le chœur du peuple suisse est systématiquement au premier plan musical et dramatique. ^{[156] [157]}

Créations de costumes pour Guillaume Tell , avec Laure Cinti-Damoreau en Mathilde, Adolphe Nourrit en Arnold Melchtal et Nicolas Levasseur en Walter Furst

Guillaume Tell a été créé en août 1829. Rossini a également fourni à l’Opéra une version plus courte en trois actes, qui incorporait la section finale pas redoublé (marche rapide) de l’ouverture dans son finale; il fut créé en 1831 et devint la base des futures productions de l’Opéra. ^[154] Tell a eu beaucoup de succès dès le début et a été fréquemment relancé – en 1868, le compositeur était présent à sa 500e représentation à l’Opéra. Le Globe avait rapporté avec enthousiasme à son ouverture qu'”une nouvelle époque s’est ouverte non seulement pour l’opéra français, mais pour la musique dramatique d’ailleurs”. ^[158] C’était une époque, il s’est avéré, à laquelle Rossini ne devait pas participer.

Retrait, 1830–1868

Scénographie pour la production originale de Robert Bruce (1846)

Le contrat de Rossini l’obligeait à fournir cinq nouvelles œuvres à l’Opéra en 10 ans. Après la création de Tell , il réfléchissait déjà à certains sujets d’opéra, dont le Faust de Goethe , mais les seules œuvres significatives qu’il termina avant d’abandonner Paris en 1836 furent le Stabat Mater , écrit pour une commande privée en 1831 (plus tard achevé et publié en 1841). ), et le recueil de musique vocale de salon Soirées musicales publié en 1835. Vivant à Bologne, il s’occupa d’enseigner le chant au Liceo Musicale, et créa également un pasticcio de Tell , Rodolfo di Sterlinga , au profit du chanteurNicola Ivanoff [ it ] , pour lequel Giuseppe Verdi a fourni de nouveaux airs. ^[91] La demande continue à Paris a abouti à la production d’une “nouvelle” version française d’ Otello en 1844 (avec laquelle Rossini n’était pas impliqué) et d’un “nouvel” opéra Robert Bruce pour lequel Rossini a coopéré avec Louis Niedermeyer et d’autres pour refondre la musique pour La donna del lago et d’autres de ses œuvres peu connues à Paris pour s’adapter à un nouveau livret. Le succès des deux a été mitigé, c’est le moins qu’on puisse dire. ^[159]

Ce n’est que lorsque Rossini revient à Paris en 1855 qu’il y a des signes d’un renouveau de son esprit musical. Un flot de pièces, pour voix, chœur, piano et ensembles de chambre, écrites pour ses soirées, les Péchés de vieillesse ont été publiés en treize volumes de 1857 à 1868 ; de ces volumes 4 à 8 comprennent “56 pièces semi-comiques pour piano… dédiées aux pianistes de la quatrième classe, à laquelle j’ai l’honneur d’appartenir”. ^[160] Il s’agit notamment d’une marche funèbre simulée , Marche et réminiscences pour mon dernier voyage (March and reminiscences for my last journey). ^[161] Gossett écrit sur les Péchés“Leur position historique reste à évaluer mais il semble probable que leur effet, direct ou indirect, sur des compositeurs comme Camille Saint-Saëns et Erik Satie ait été significatif.” ^{[162] [n 37]}

L’œuvre la plus importante de la dernière décennie de Rossini, la Petite messe solennelle (1863), a été écrite pour de petites forces (à l’origine des voix, deux pianos et un harmonium ), et donc inadaptée à l’interprétation en salle de concert ; et comme il comprenait des voix de femmes, il était inacceptable pour les représentations à l’église à l’époque. Pour ces raisons, suggère Richard Osborne, la pièce a été quelque peu négligée parmi les compositions de Rossini. ^[122] Ce n’est ni particulièrement petite (peu) ni entièrement solennelle (solennel), mais se distingue par sa grâce, son contrepoint et sa mélodie. ^[164] A la fin du manuscrit, le compositeur écrit

Mon Dieu, la voilà finie, cette pauvre petite messe. Est-ce de la Musique sacrée que j’ai écrite, ou de la maudite musique ? Je suis né pour l’opéra buffa, comme vous le savez bien. Un peu de technique, un peu de cœur, c’est tout. Soyez donc bénis et accordez-moi le Paradis. ^[165]

Influence et héritage

La dernière demeure de Rossini, dans la Basilique de Santa Croce , Florence; sculpture de Giuseppe Cassioli (1900)

La popularité des mélodies de Rossini a conduit de nombreux virtuoses contemporains à créer des transcriptions pour piano ou des fantasmes basés sur celles-ci. Les exemples incluent la fantaisie de Sigismond Thalberg sur des thèmes de Moïse , ^[166] les séries de variations sur « Non più mesta » de La Cenerentola d’ Henri Herz , Frédéric Chopin , Franz Hünten , Anton Diabelli et Friedrich Burgmüller , ^[167] et les transcriptions de Liszt de l’ ouverture de Guillaume Tell (1838) et des Soirées musicales . ^{[168] [n 38]}

La popularité continue de ses opéras comiques (et le déclin de la mise en scène de sa série d’opéras ) , le renversement des styles de chant et de mise en scène de son époque et le concept émergent du compositeur en tant qu ‘«artiste créateur» plutôt qu’artisan, ont diminué et déformé l’œuvre de Rossini. place dans l’histoire de la musique même si les formes de l’opéra italien ont continué jusqu’à la période du vérisme à être redevables à ses innovations. ^[170] Le statut de Rossini parmi ses compositeurs italiens contemporains est indiqué par la Messa per Rossini , un projet initié par Verdi quelques jours après la mort de Rossini, que lui et une douzaine d’autres compositeurs ont créé en collaboration. ^{[n 39]}

Si le principal héritage de Rossini à l’opéra italien était dans les formes vocales et la structure dramatique de l’opéra sérieux, son héritage à l’opéra français était de fournir un pont de l’opéra buffa au développement de l’ opéra comique (et de là, via les opéras bouffes de Jacques Offenbach au genre d’ opérette ). Parmi les opéras comiques redevables au style de Rossini figurent La dame blanche de François-Adrien Boieldieu (1825) et Fra Diavolo de Daniel Auber (1830), ainsi que des œuvres de Ferdinand Hérold , Adolphe Adam et Fromental Halévy . ^[172][173] Le critique du style de Rossini était Hector Berlioz , qui a écrit sur son “cynisme mélodique, son mépris pour le sens dramatique et le bon sens, sa répétition sans fin d’une seule forme de cadence, son Crescendo puéril éternel et sa grosse caisse brutale”. ^[174]

Il était peut-être inévitable que la formidable réputation que Rossini s’était bâtie de son vivant s’estompe par la suite. En 1886, moins de vingt ans après la mort du compositeur, Bernard Shaw écrivait: “Le Rossini autrefois universel, dont le Semiramide apparaissait à nos grands-pères plus verts comme une merveille de Ninevesque , en vint enfin à ne plus être considéré comme un musicien sérieux.” ^[175] Dans une critique de 1877 d’ Il barbiere , il note qu’Adelina Patti a chanté en bis dans la scène de leçon ” Home, Sweet Home ” ^{[n 40]}mais que «l’opéra s’est avéré si intolérablement ennuyeux qu’une partie de son public avait déjà montré son appréciation du sentiment de la ballade de la manière la plus pratique». ^[176]

Au début du XXe siècle, Rossini reçut les hommages d’ Ottorino Respighi , qui avait orchestré des extraits des Péchés de viellesse à la fois dans son ballet la boutique fantasque (1918) et dans sa suite de 1925 Rossiniana , ^[177] et de Benjamin Britten , qui adapta la musique de Rossini pour deux suites, Soirées musicales (Op. 9) en 1937 et Matinées musicales (Op. 24) en 1941. ^[178] Richard Osborne cite la biographie en trois volumes de Rossini par Giuseppe Radiciotti (1927-1929) comme tournant important vers une appréciation positive, qui peut également avoir été favorisée par la tendance ànéoclassicisme en musique. ^[179] Une réévaluation ferme de l’importance de Rossini n’a commencé que plus tard au XXe siècle à la lumière de l’étude et de la création d’éditions critiques de ses œuvres. L’un des principaux moteurs de ces développements a été la “Fondazione G. Rossini”, créée par la ville de Pesaro en 1940 avec les fonds légués à la ville par le compositeur. ^{[4] [170]} Depuis 1980, la “Fondazione” soutient le festival annuel d’ opéra Rossini à Pesaro. ^{[4] [180]}

Au XXIe siècle, le répertoire Rossini des opéras du monde entier reste dominé par Il barbiere , La Cenerentola étant le deuxième plus populaire. ^[181] Plusieurs autres opéras sont régulièrement produits, dont Le comte Ory , La donna del lago , La gazza ladra , Guillaume Tell , L’italiana in Algeri , La scala di seta , Il turco in Italia et Il viaggio a Reims . ^[181] D’autres pièces de Rossini dans le répertoire international actuel, données de temps à autre, incluent Adina , Armida ,Elisabetta regina d’Inghilterra , Hermione , Mosé in Egitto et Tancredi . ^[181] Le festival Rossini in Wildbad se spécialise dans la production des œuvres les plus rares. ^{[n 41]} Le site Web de liste de performances Operabase enregistre 2 319 représentations de 532 productions d’opéras de Rossini dans 255 salles à travers le monde au cours des trois années 2017-2019. ^[181] Tous les opéras de Rossini ont été enregistrés. ^{[n 42]}

Notes, références et sources

Remarques

1. ↑ Selon son certificat de baptême, le prénom de Rossini était à l’origine Giovacchino , ^[1] et il est ainsi mentionné dans au moins un document ultérieur de ses premières années. ^[2] Dans le Cambridge Companion to Rossini , l’éditeur, Emanuele Senici, écrit que Rossini a orthographié le nom de différentes manières comme Gioachino ou Gioacchino dans ses premières années, avant de finalement s’installer sur le premier dans les années 1830. Cette dernière orthographe est désormais plus courante parmi les porteurs du prénom, mais les experts de Rossini considèrent généralement Gioachino comme la forme appropriée en ce qui concerne le compositeur. ^[3]Parmi les autorités favorables à cette orthographe figurent la Fondazione G. Rossini à Pise, ^[4] le Dictionnaire Grove de la musique et des musiciens , ^[5] et le Centro Italo-Americano per l’Opera (CIAO). ^[6]
2. ^ Prononciation : UK : / ˌ dʒ oʊ ə ˈ k iː n oʊ r ɒ ˈ s iː n i / , ^{[7] [8] [9]} US : /- r oʊ ˈ – , r ə ˈ – r ɔː ˈ – / , ^{[8] [9] [10] [11]} Italien : [dʒoaˈkiːno anˈtɔːnjo rosˈsiːni] ( écoute ).
3. ↑ Les Mémoires de Rossini de Stendhal, cités ici, ne sont pas les mêmes que sa Vie de Rossini , et on pense qu’ils ont été compilés à partir du premier brouillon de l’auteur. Le musicologue Henry Prunières commentait au XXe siècle : « Du point de vue historique, ceci [c’est-à-dire les Mémoires ] est le premier et, sans aucun doute, le meilleur livre écrit sur Rossini dans la première moitié du XIXe siècle. Pour les stendhaliens, cependant , il est loin de posséder le même intérêt que La Vie de Rossini , qui est une improvisation de génie, exubérante de vie, bouillonnante d’idées.” ^[15]
4. ↑ Les quatuors ont été écrits pour la combinaison inhabituelle de deux violons, un violoncelle et une contrebasse. Ils ont acquis une certaine popularité en 1825 et 1826 lorsque cinq des six ont été publiés dans un arrangement pour la combinaison traditionnelle du quatuor à cordes de deux violons, un alto et un violoncelle. La sonate restante n’a été publiée qu’en 1954. ^[19]
5. ^ “Le contrat de mariage”
6. ^ “La tromperie chanceuse”
7. ^ “L’échelle de soie”
8. ^ “Le malentendu extravagant”
9. ^ “La pierre de touche”
10. ^ “La fille italienne à Alger”
11. ^ “Le Turc en Italie”
12. ^ “Elizabeth, reine d’Angleterre”
13. ↑ Au complet, Almaviva, ossia L’inutile precauzione – Almaviva, ou la Précaution inutile. ^[39]
14. ↑ La version de Paisiello avait disparu du répertoire lyrique dans les années 1820, ainsi que ses autres opéras autrefois populaires, comme Nina . ^[41]
15. ^ “La pie voleuse”
16. ↑ Stendhal , dont l’aversion pour Colbran n’est pas déguisée dans sa biographie de Rossini de 1824, mit l’âge de la mariée entre 40 et 50 ans et suggéra que Rossini l’épousa pour son argent (considérable). ^[53]
17. ^ “Vor allem machen Sie noch viele Barbiere”. ^[60]
18. ^ L’équivalent de près de 3,5 millions de livres sterling. en valeurs de 2018 – voir UK CPI Inflation Calculator , consulté le 15 juillet 2018
19. ^ “Le voyage à Reims”
20. ↑ La partition a été reconstituée à partir de manuscrits redécouverts dans les années 1970, et a depuis été mise en scène et enregistrée. ^[75]
21. ^ Plusieurs plats de haute cuisine ont été nommés d’après Rossini; certains d’entre eux figuraient plus tard sur les menus de sa maison après son retour vivre à Paris dans les années 1850. Ils comprenaient la Crema alla Rossini , la Frittata alla Rossini , les Tournedos Rossini , et étaient des plats riches qui impliquaient généralement l’utilisation de truffes et de foie gras . ^[79]
22. ^ “Le siège de Corinthe”
23. ^ “Moïse et Pharaon”
24. ↑ La production londonienne fut “sélectionnée et adaptée à la scène anglaise” par Henry Bishop et JR Planché , “avec goût et talent” selon The Times , et fut donnée à Drury Lane en mai 1830 sous le titre Hofer, the Tell of the Tyrol . ^[86]
25. ↑ Heine ajouta que le titre « Le Cygne de Pesaro », parfois appliqué à Rossini, était manifestement faux : « Les cygnes chantent à la fin de leur vie, mais Rossini s’est tu au milieu de la sienne. ^[94]
26. ↑ Ces suggestions prenaient souvent une teinte de haine des juifs – par exemple l’affirmation selon laquelle Rossini s’était retiré « jusqu’à ce que les juifs aient fini leur sabbat » (une boutade parfois, sans fondement, attribuée à Rossini lui-même), ^[95] ou Richard Wagner ‘ s crack, (dans son Opera and Drama de 1851 ), se référant aux amitiés de la famille Rothschild avec Rossini et Meyerbeer (issus d’une famille de banquiers): “[Rossini] n’aurait jamais pu rêver que cela arriverait un jour aux banquiers , pour qui il avait toujours fait leur musique, pour la faire eux-mêmes.” ^{[96] [97]}De telles allégations étaient loin de la vérité; Rossini était en bons termes avec Meyerbeer, lui rendait visite régulièrement, et écrivit une élégie commémorative pour chœur d’hommes à la mort de Meyerbeer en 1864, Pleure, muse sublime ! (Pleurez, muse sublime !) ^[98]
27. ↑ Daniel W. Schwartz émet l’hypothèse que l’échec de Rossini à écrire d’autres opéras après 1829 était dû à “un retrait narcissique et à une dépression” après la mort de sa mère deux ans plus tôt. ^[104] Richard Osborne rejette cela comme une “spéculation oisive”, “moins bien documentée” que d’autres théories psychologiques. ^[105]
28. ↑ La première version du Stabat Mater comprenait six sections de Rossini et six de son ami Giovanni Tadolini . Sous la pression de son éditeur à Paris, Rossini remplaça plus tard les contributions de Tadolini et la version entièrement Rossini fut publiée en 1841. ^[91]
29. ↑ Michotte léguera plus tard une importante collection de partitions, documents et autres Rossiniana à la Bibliothèque du Conservatoire Royal de Bruxelles . ^[121]
30. ^ “Tous les genres sont bons sauf les ennuyeux”.
31. ↑ Sur sa notoriété, Rossini écrit de lui-même de façon autodérision dans une lettre de 1865 à son éditeur Ricordi comme « l’auteur de la trop célèbre cavatine « Di tanti palpiti ». ” Un autre indice de sa familiarité avec le public du XIXe siècle est que Richard Wagner s’est moqué de l’air en le citant délibérément dans le Chœur du tailleur dans Die Meistersinger (1868). ^[139]
32. ↑ Bien que cela n’ait pas toujours semblé aussi attrayant pour son public ou ses musiciens contemporains : une critique de la première de Bruschino a commenté « il est tout à fait incompréhensible qu’un maestro puisse écrire une ouverture aussi dénuée de sens, dans laquelle les membres de l’orchestre battent leurs pupitres ; cela tombait si bas que le premier soir, les musiciens ont refusé de coopérer.” ^[145]
33. ^ Mais il y avait des limites. Lorsqu’Adelina Patti a interprété lors d’une des soirées de Rossini le samedi, pendant sa retraite, une version exagérée de ” Una voce poco fa “ du Barbier , le compositeur a gentiment demandé ” Très bien, mon cher, et qui a écrit la pièce que tu venez de jouer ?” ^[134]
34. ↑ La pie est aussi une référence à La gazza ladra , la robe orientale fait référence à Otello ou peut-être à Il Turco en Italie ^[146]
35. ↑ Apparemment la première citation musicale jamais imprimée dans un quotidien parisien, l’extrait décrit la musique chorale qui a enthousiasmé le public à la fin du troisième acte de l’opéra. ^[150]
36. ↑ Le ranz des vaches avait déjà été utilisé pour caractériser la Suisse dans1791 d’ André Grétry sur le Tell . ^[155]
37. ↑ Le populaire duo du Chat , fréquemment attribué à Rossini, n’est pas de lui mais est une confection de la “Katte-Cavatine” du compositeur danois CEF Weyse avec la musique d’ Otello de Rossini. ^[163]
38. ↑ Liszt a écrit des fantaisies et des variations (certaines aujourd’hui perdues) basées sur de nombreux opéras de Rossini, dont Ermione (1824), La donna del lago (1825), Le siège de Corinthe (1830, également pour piano et orchestre), Otello (1834 et 1859 ), Maometto II (1839) et Moïse (1841) ^[169]
39. ↑ La messe devait être créée à Bologne en 1869, mais la représentation fut abandonnée au milieu d’intrigues acrimonieuses. Verdi retravailla plus tard sa propre contribution, “Libera me”, dans sa propre Messa da Requiem de 1874. Les manuscrits restèrent négligés jusqu’en 1970, et la première représentation de la Messa eut lieu en 1988. ^[171]
40. ↑ Ballade composée par Henry Bishop , 1823.
41. ^ En 2018, les productions récentes et prévues de la compagnie comprenaient Eduardo e Cristina , Giovanna d’Arco , L’equivoco stravagante , Maometto II , Zelmira et Moïse et Pharaon . ^[181]
42. ^ Pour les enregistrements en 2005, voir l’enquête de Richard Farr. ^[182]

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Liens externes

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• Fondazione Gioachino Rossini , Pesaro (en italien)
• Le Centre d’études italiennes sur l’opéra : Rossini édition critique

Partition

• Partitions gratuites de Rossini à l’ International Music Score Library Project (IMSLP)
• Partitions gratuites de Gioachino Rossini dans la bibliothèque du domaine public choral (ChoralWiki)

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