Film indépendant

Un film indépendant , un film indépendant , un film indépendant ou un film indépendant est un long métrage ou un court métrage produit en dehors du système des grands studios de cinéma , en plus d’être produit et distribué par des sociétés de divertissement indépendantes (ou, dans certains cas, distribué par grandes entreprises). Les films indépendants se distinguent parfois par leur contenu et leur style et la manière dont la vision artistique personnelle des cinéastes est réalisée. Habituellement, mais pas toujours, les films indépendants sont réalisés avec des budgets considérablement inférieurs à ceux des grands films de studio. ^[1]En fait, il n’est pas rare que des acteurs bien connus qui jouent dans des longs métrages indépendants acceptent des réductions de salaire substantielles s’ils croient vraiment au message du film ou s’ils rendent une faveur à un cinéaste (par exemple, si ledit cinéaste était la personne qui a donné à cet acteur sa grande percée dans l’industrie), ou simplement parce qu’il veut travailler avec un réalisateur particulier qu’il admire. Il existe de nombreux exemples de ces derniers, comme John Travolta et Bruce Willis prenant moins de salaire pour travailler avec Quentin Tarantino sur Pulp Fiction . ^[2]

Les cinéastes Stéphane Brizé (deuxième à droite) et Rodrigo Moreno (deuxième à gauche) lors d’une projection de La mesure d’un homme à Buenos Aires en 2019.

Généralement, la commercialisation des films indépendants se caractérise par une sortie limitée , souvent dans les salles de cinéma indépendantes , mais ils peuvent aussi avoir des campagnes marketing importantes et une large diffusion . Les films indépendants sont souvent projetés dans des festivals de films locaux, nationaux ou internationaux avant leur distribution (sortie en salle ou au détail). Une production cinématographique indépendante peut rivaliser avec une production cinématographique grand public si elle dispose du financement et de la distribution nécessaires.

Histoire

Fiducie Edison

En 1908, la Motion Picture Patents Company ou “Edison Trust” a été créée en tant que fiducie . Le Trust était un cartel qui détenait le monopole de la production et de la distribution cinématographique comprenant toutes les grandes sociétés cinématographiques de l’époque ( Edison , Biograph , Vitagraph , Essanay , Selig , Lubin , Kalem , American Star , American Pathé ), le premier distributeur ( George Kleine ) et le plus grand fournisseur de film brut, Eastman Kodak. Un certain nombre de cinéastes ont refusé ou se sont vu refuser l’adhésion à la fiducie et ont fini par être décrits comme «indépendants».

Au moment de la formation du MPPC, Thomas Edison possédait la plupart des principaux brevets relatifs aux films cinématographiques, y compris celui des films bruts . Le MPPC a vigoureusement appliqué ses brevets, intentant constamment des poursuites et recevant des injonctions contre les cinéastes indépendants. Pour cette raison, un certain nombre de cinéastes ont réagi en construisant leurs propres caméras et en déplaçant leurs opérations à Hollywood, en Californie , où la distance par rapport au siège d’Edison dans le New Jersey a rendu plus difficile pour le MPPC de faire respecter ses brevets. ^[3]

L’Edison Trust fut bientôt aboli par deux décisions de la Cour suprême des États-Unis : une en 1912, qui annula le brevet sur le film brut, et une seconde en 1915, qui annula tous les brevets MPPC. Bien que ces décisions aient réussi à légaliser le cinéma indépendant, elles ne feraient pas grand-chose pour remédier à l’ interdiction de facto des petites productions ; les cinéastes indépendants qui s’étaient enfuis en Californie du Sud lors de l’application de la fiducie avaient déjà jeté les bases du système de studios du cinéma hollywoodien classique .

Système de studio

Au début de 1910, le réalisateur DW Griffith est envoyé par la Biograph Company sur la côte ouest avec sa troupe d’acteurs, composée des interprètes Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore et d’autres. Ils ont commencé à tourner sur un terrain vacant près de Georgia Street au centre-ville de Los Angeles . Là-bas, la société a décidé d’explorer de nouveaux territoires, parcourant plusieurs kilomètres au nord jusqu’à Hollywood , un petit village sympathique et positif à l’égard de la société de cinéma qui y tournait. Griffith a ensuite tourné le premier film jamais tourné à Hollywood, In Old California , un mélodrame biographique surLa Californie dans les années 1800, alors qu’elle appartenait au Mexique. Griffith y resta des mois et tourna plusieurs films avant de retourner à New York.

Pendant l’ère Edison du début des années 1900, de nombreux immigrants juifs avaient trouvé des emplois dans l’industrie cinématographique américaine. Dans le cadre de l’Edison Trust, ils ont pu s’imposer dans un tout nouveau secteur : la projection de films dans des salles de cinéma appelées nickelodéons . En quelques années, des hommes ambitieux comme Samuel Goldwyn , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer et les Warner Brothers(Harry, Albert, Samuel et Jack) étaient passés au côté production de l’entreprise. Après avoir entendu parler du succès de Biograph à Hollywood, en 1913, de nombreux cinéastes potentiels se sont dirigés vers l’ouest pour éviter les frais imposés par Edison. Bientôt, ils sont à la tête d’un nouveau type d’entreprise : le Studio de cinéma .

En mettant en place un nouveau système de production, de distribution et d’exploitation indépendant de The Edison Trust à New York, ces studios ont ouvert de nouveaux horizons au cinéma aux États-Unis . L’oligopole d’Hollywood a remplacé le monopole d’Edison. Au sein de ce nouveau système, un Ordre hiérarchique s’est rapidement établi qui laissait peu de place aux nouveaux venus. Au milieu des années 1930, au sommet se trouvaient les cinq grands studios, 20th Century Fox , Metro-Goldwyn-Mayer , Paramount Pictures , RKO Pictures et Warner Bros. Viennent ensuite trois petites entreprises, Columbia Pictures , United Artists et Universal Studios .. Enfin, il y avait ” Poverty Row “, un terme fourre-tout utilisé pour englober tout autre petit studio qui a réussi à se frayer un chemin dans l’industrie cinématographique de plus en plus exclusive.

Alors que les petits studios qui composaient Poverty Row pouvaient être caractérisés comme existant “indépendamment” de tout grand studio, ils utilisaient le même type de systèmes commerciaux intégrés verticalement et horizontalement que les plus grands acteurs du jeu. Bien que l’éclatement éventuel du système de studios et de son réseau de distribution de chaînes de cinéma restrictif laisserait les cinémas indépendants avides du genre de produit populiste et plein de sièges des studios Poverty Row, ce même changement de paradigme conduirait également au déclin et à l’ultime disparition de “Poverty Row” en tant que phénomène hollywoodien. Alors que les types de films produits par les studios Poverty Row n’ont fait que gagner en popularité,

Ce tableau répertoriant les sociétés actives à la fin de 1935 illustre les catégories couramment utilisées pour caractériser le système hollywoodien.

Big Five majors	Petits trois majors	Poverty Row (quatre parmi tant d’autres)
Metro-Goldwyn-Mayer	Artistes unis	Grand National
Paramount Pictures	Photos de Colombie	Photos de la République
Renard du 20e siècle	Universal Studios	Images de monogramme
Warner Bros.	Producers Releasing Corporation (alias PRC)
Photos de RKO

United Artists et la résistance au système des studios

Le système des studios est rapidement devenu si puissant que certains cinéastes ont de nouveau recherché l’indépendance. Le 5 février 1919, quatre des figures de proue du cinéma muet américain ( Mary Pickford , Charles Chaplin , Douglas Fairbanks et DW Griffith ) fondent United Artists, le premier studio indépendant en Amérique. Chacun détenait une participation de 20 %, les 20 % restants étant détenus par l’avocat William Gibbs McAdoo . ^[4] L’idée de l’entreprise est née avec Fairbanks, Chaplin, Pickford et la star du cow-boy William S. Hart un an plus tôt alors qu’ils voyageaient à travers les États-Unis en vendant des obligations Liberty pour aider la Première Guerre mondiale.effort. Déjà vétérans d’Hollywood, les quatre stars du cinéma ont commencé à parler de créer leur propre entreprise pour mieux contrôler leur propre travail ainsi que leur avenir. Ils ont été stimulés par les actions de producteurs et distributeurs hollywoodiens établis, qui tentaient de renforcer leur contrôle sur les salaires et la licence créative de leurs stars. Avec l’ajout de Griffith, la planification a commencé, mais Hart s’est retiré avant que les choses ne se soient officialisées. Lorsqu’il a entendu parler de leur stratagème, Richard A. Rowland , directeur de Metro Pictures , aurait observé : « Les détenus prennent le contrôle de l’asile ».

Les quatre partenaires, avec les conseils de McAdoo (gendre et ancien secrétaire au Trésor de l’ancien président Woodrow Wilson ), ont formé leur société de distribution, avec Hiram Abrams comme premier directeur général. Les termes originaux prévoyaient que Pickford, Fairbanks, Griffith et Chaplin produisaient indépendamment cinq images chaque année, mais au moment où la société a démarré en 1920-1921, les longs métragesdevenaient de plus en plus chers et raffinés, et les durées de fonctionnement s’étaient établies à environ quatre-vingt-dix minutes (ou huit rouleaux). On croyait que personne, quelle que soit sa popularité, ne pouvait produire et jouer dans cinq longs métrages de qualité par an. En 1924, Griffith avait abandonné et l’entreprise était confrontée à une crise : soit faire venir d’autres personnes pour aider à soutenir un système de distribution coûteux, soit concéder la défaite. Le producteur vétéran Joseph Schenck a été embauché comme président. Non seulement il produisait des images depuis une décennie, mais il s’était engagé dans des films mettant en vedette sa femme, Norma Talmadge , sa belle-sœur, Constance Talmadge , et son beau-frère, Buster Keaton . Des contrats ont été signés avec un certain nombre de producteurs indépendants, notammentSamuel Goldwyn , Howard Hughes et plus tard Alexander Korda . Schenck a également formé un partenariat distinct avec Pickford et Chaplin pour acheter et construire des théâtres sous le nom de United Artists.

Pourtant, même avec un élargissement de l’entreprise, UA a eu du mal. L’ avènement du son a mis fin aux carrières de Pickford et de Fairbanks. Chaplin, assez riche pour faire ce qu’il voulait, ne travaillait qu’occasionnellement. Schenck a démissionné en 1933 pour organiser une nouvelle société avec Darryl F. Zanuck , Twentieth Century Pictures , qui a rapidement fourni quatre images par an au programme d’UA. Il a été remplacé en tant que président par le directeur des ventes Al Lichtman qui a lui-même démissionné après seulement quelques mois. Pickford a produit quelques films, et à plusieurs reprises Goldwyn, Korda, Walt Disney , Walter Wanger et David O. Selznickétaient devenus des “partenaires producteurs” (c’est-à-dire partageant les bénéfices), mais la propriété appartenait toujours aux fondateurs. Au fur et à mesure que les années passent et que la dynamique de l’entreprise change, ces “partenaires producteurs” s’éloignent. Goldwyn et Disney sont partis pour RKO , Wanger pour Universal Pictures , Selznick et Korda pour la retraite . À la fin des années 1940, United Artists avait pratiquement cessé d’exister en tant que producteur ou distributeur.

Société des producteurs de films indépendants

En 1941, Mary Pickford , Charles Chaplin , Walt Disney , Orson Welles , Samuel Goldwyn , David O. Selznick , Alexander Korda et Walter Wanger – beaucoup des mêmes personnes qui étaient membres de United Artists – ont fondé la Society of Independent Motion Picture Producers. . Les membres ultérieurs comprenaient William Cagney , Sol Lesser et Hal Roach . La Société visait à préserver les droits des producteurs indépendants dans une industrie largement contrôlée par le système des studios. SIMPP s’est battu pour mettre fin au monopolepratiques des cinq grands studios hollywoodiens qui contrôlaient la production, la distribution et l’exploitation des films. En 1942, le SIMPP a déposé une plainte antitrust contre les United Detroit Theatres de Paramount. La plainte accusait Paramount de complot en vue de contrôler les théâtres de première diffusion et de diffusion ultérieure à Detroit. Il s’agissait de la première poursuite antitrust intentée par des producteurs contre des exposants alléguant un monopole et une restriction du commerce. En 1948, la décision suprême de la Cour suprême des États-Unis a ordonné aux studios de cinéma hollywoodiens de vendre leurs chaînes de cinéma et d’éliminer certaines pratiques anticoncurrentielles. Cela a effectivement mis fin au système de studio de l’âge d’or d’Hollywood.. En 1958, bon nombre des raisons de la création du SIMPP avaient été corrigées et le SIMPP ferma ses bureaux.

Films à petit budget

Les efforts du SIMPP et l’avènement des caméras portables bon marché pendant la Seconde Guerre mondiale ont effectivement permis à toute personne en Amérique intéressée par la réalisation de films d’écrire, de produire et de réaliser un film sans l’aide d’un Grand studio de cinéma . Ces circonstances ont rapidement donné lieu à un certain nombre d’œuvres acclamées par la critique et très influentes, notamment Meshes of the Afternoon de Maya Deren en 1943, Fireworks de Kenneth Anger en 1947 et Little Fugitive de Morris Engel, Ruth Orkin et Ray Abrashkin en 1953. Des cinéastes tels que Ken Jacobs , avec peu ou pas de formation formelle, a commencé à expérimenter de nouvelles façons de faire et de tourner des films.

Little Fugitive est devenu le premier film indépendant à être nominé pour l’Oscar du meilleur scénario original aux American Academy Awards . ^[5] Il a également reçu le Lion d’Argent à Venise . Les films d’Engel et d’Anger ont tous deux été acclamés à l’étranger par la nouvelle vague française en plein essor , avec des éloges inspirants de Fireworks et une invitation à étudier avec lui en Europe de la part de Jean Cocteau , et François Truffaut citant Little Fugitive comme une source d’inspiration essentielle pour son œuvre phare, The 400 Blows.. Au fur et à mesure que les années 1950 avançaient, le nouveau paradigme du cinéma à petit budget gagnait en reconnaissance internationale, avec des films tels que Satyajit Ray acclamé par la critique ^{[6] [7] [8] [9]} Apu Trilogy (1955–1959).

Contrairement aux films réalisés dans le système des studios, ces nouveaux films à petit budget pouvaient se permettre de prendre des risques et d’explorer de nouveaux territoires artistiques en dehors du récit hollywoodien classique. Maya Deren a rapidement été rejointe à New York par une foule de cinéastes d’avant-garde partageant les mêmes idées qui souhaitaient créer des films en tant qu’œuvres d’art plutôt qu’en tant que divertissement. Basé sur une croyance commune que le “cinéma officiel” était “à bout de souffle” et était devenu “moralement corrompu, esthétiquement obsolète, thématiquement superficiel, [et] tempérament ennuyeux”, ^[10] cette nouvelle génération d’indépendants a formé The Film- Coopérative de créateurs, une organisation à but non lucratif gérée par des artistes qu’ils utiliseraient pour distribuer leurs films via une archive centralisée. Fondée en 1962 par Jonas Mekas , Stan Brakhage , Shirley Clarke , Gregory Markopoulos et d’autres, la Coopérative a fourni un débouché important à de nombreuses sommités créatives du cinéma dans les années 1960, dont Jack Smith et Andy Warhol . À son retour en Amérique, Ken Anger y débutera nombre de ses œuvres les plus importantes. Mekas et Brakhage fonderont ensuite les Anthology Film Archives en 1970, qui s’avéreront également essentielles au développement et à la préservation des films indépendants, même à ce jour.

Le boom de l’exploitation et le système de notation MPAA

Tous les films à petit budget n’existaient pas en tant qu’entreprises artistiques non commerciales. Le succès de films comme Little Fugitive , qui avaient été réalisés avec des budgets faibles (ou parfois inexistants ), a encouragé un énorme boom de popularité pour les films hors studio. La réalisation de films à petit budget promettait des rendements exponentiellement plus élevés (en termes de pourcentages) si le film pouvait avoir un succès dans les salles. Pendant ce temps, le producteur/réalisateur indépendant Roger Cormana commencé un vaste travail qui deviendra légendaire pour sa frugalité et son calendrier de tournage exténuant. Jusqu’à sa soi-disant “retraite” en tant que réalisateur en 1971 (il a continué à produire des films même après cette date), il produisait jusqu’à sept films par an, égalant et dépassant souvent le calendrier de cinq par an que les dirigeants de United Les artistes avaient autrefois pensé impossible.

Comme ceux de l’avant-garde, les films de Roger Corman ont profité du fait que contrairement au système des studios, les films indépendants n’avaient jamais été liés par son code de production auto-imposé . L’exemple de Corman (et celui d’autres comme lui) contribuera à amorcer un boom des films B indépendants dans les années 1960, dont l’objectif principal était d’attirer le marché des jeunes avec lequel les grands studios avaient perdu le contact. En promettant le sexe , la violence gratuite , la consommation de drogue et la nudité , ces films espéraient attirer le public vers les cinémas indépendants en leur proposant de leur montrer ce que les grands studios ne pouvaient pas. Horreur etles films de science-fiction ont connu une période de croissance phénoménale pendant cette période. Alors que ces minuscules producteurs, cinémas et distributeurs continuaient à tenter de se saper les uns les autres, le film shlock de qualité B est rapidement tombé au niveau du film Z , une catégorie de niche de films avec des valeurs de production si faibles qu’ils sont devenus un spectacle dans leur propre droit. Le public culte que ces images ont rapidement attiré en a fait des candidats idéaux pour les projections de films de minuit autour de la participation du public et du cosplay .

En 1968, un jeune cinéaste du nom de George A. Romero choque le public avec La Nuit des morts -vivants , un nouveau genre de film d’horreur indépendant intense et impitoyable. Ce film est sorti juste après l’abandon du code de production, mais avant l’adoption du système de notation MPAA . En tant que tel, il s’agissait du premier et du dernier film du genre à bénéficier d’une projection totalement illimitée, dans laquelle de jeunes enfants ont pu assister à la nouvelle marque de gore hautement réaliste de Romero. Ce film contribuerait à établir le climat d’horreur indépendant pour les décennies à venir, alors que des films comme The Texas Chain Saw Massacre (1974) et Cannibal Holocaust (1980) continuaient à repousser les limites.

Avec le code de production abandonné et des films violents et dérangeants comme celui de Romero qui gagne en popularité, Hollywood a choisi d’apaiser le public mal à l’aise avec le système de classification MPAA, qui imposerait des restrictions sur la vente de billets aux jeunes. Contrairement au code de production, ce système de classement constituait une menace pour les films indépendants en ce sens qu’il affecterait le nombre de billets qu’ils pourraient vendre et réduirait la part du cinéma grindhouse sur le marché des jeunes. Ce changement creuserait encore le fossé entre les films commerciaux et non commerciaux.

Cependant, avoir un public de films classé est strictement volontaire pour les indépendants et il n’y a aucun obstacle légal à la sortie de films sur une base non classée. Cependant, les films non classés sont confrontés à des obstacles en matière de marketing, car les médias tels que les chaînes de télévision, les journaux et les sites Web imposent souvent leurs propres restrictions sur les films qui ne sont pas accompagnés d’une classification nationale intégrée afin d’éviter de présenter des films à un public indûment jeune. ^[11]

Nouvel Hollywood et cinéma indépendant

Suite à l’avènement de la télévision et de l’ affaire Paramount , les grands studios ont tenté d’attirer le public avec le spectacle. Les processus d’ écran large et les améliorations techniques, tels que le cinémascope , le son stéréo , la 3D et autres, ont été développés dans le but de fidéliser le public en diminution en lui offrant une expérience plus grande que nature. Les années 1950 et le début des années 1960 ont vu un Hollywood dominé par les comédies musicales, les épopées historiques et d’autres films qui ont bénéficié de ces avancées. Cela s’est avéré commercialement viable pendant la majeure partie des années 1950. Cependant, à la fin des années 1960, la part d’audience diminuait à un rythme alarmant. Plusieurs flops coûteux, dont Cléopâtre (1963) etBonjour Dolly! (1969) met à rude épreuve les studios. Pendant ce temps, en 1951, les avocats devenus producteurs Arthur Krim et Robert Benjamin avaient conclu un accord avec les actionnaires restants de United Artists qui leur permettrait de tenter de relancer l’entreprise et, si la tentative réussissait, de l’acheter après cinq ans. années.

La tentative fut un succès et, en 1955, United Artists devint le premier “studio” sans véritable studio. UA a loué un espace au studio Pickford / Fairbanks, mais ne possédait pas de terrain de studio en tant que tel. Pour cette raison, beaucoup de leurs films seraient tournés sur place. Agissant principalement comme banquiers, ils offraient de l’argent aux producteurs indépendants. Ainsi, UA n’avait pas les frais généraux, la maintenance ou le personnel de production coûteux qui augmentaient les coûts dans d’autres studios. UA est devenu public en 1956, et alors que les autres studios grand public tombaient en déclin, UA a prospéré, ajoutant des relations avec les frères Mirisch , Billy Wilder , Joseph E. Levine et d’autres.

À la fin des années 1950, RKO avait cessé la production de films et les quatre autres des cinq grands avaient reconnu qu’ils ne savaient pas comment atteindre le jeune public. Pour tenter de capter ce public, les studios ont embauché une foule de jeunes cinéastes (dont beaucoup ont été encadrés par Roger Corman ) et leur ont permis de faire leurs films avec relativement peu de contrôle en studio. Warner Brothers a offert au premier producteur Warren Beatty 40% du produit brut de son film Bonnie and Clyde (1967) au lieu d’une redevance minimale. Le film avait rapporté plus de 70 millions de dollars dans le monde en 1973. Ces premiers succès ont ouvert la voie au studio pour abandonner le contrôle presque complet à la génération des écoles de cinéma et ont commencé ce que les médias ont surnommé ” New Hollywood “..”

Dennis Hopper , l’acteur américain, a fait ses débuts dans l’écriture et la réalisation avec Easy Rider (1969). Avec son producteur/co-star/co-scénariste Peter Fonda , Hopper était responsable de l’un des premiers films complètement indépendants de New Hollywood. Easy Rider a fait ses débuts à Cannes et a remporté le “First Film Award” ( français : Prix de la première œuvre ) après quoi il a reçu deux nominations aux Oscars, une pour le meilleur scénario original et une pour la performance révolutionnaire de Corman-alun Jack Nicholson dans le second rôle. rôle de George Hanson, un avocat alcoolique de l’ American Civil Liberties Union . ^[12]Dans la foulée d’ Easy Rider peu de temps après, le Midnight Cowboy des United Artists (également en 1969), qui, comme Easy Rider , s’inspire de nombreux éléments de Kenneth Anger et de ses influences dans la Nouvelle Vague française. Il est devenu le premier et le seul film classé X à remporter l’Oscar du meilleur film. Midnight Cowboy a également eu la distinction de présenter des rôles de camée par de nombreuses superstars de Warhol , qui étaient déjà devenues des symboles du climat militant anti-hollywoodien de la communauté cinématographique indépendante de New York.

En moins d’un mois, un autre jeune stagiaire de Corman, Francis Ford Coppola , fait ses débuts en Espagne au Festival international du film de Donostia-San Sebastian avec The Rain People (1969), un film qu’il a produit avec sa propre société, American Zoetrope . Bien que les gens de la pluieétait largement négligé par le public américain, Zoetrope deviendrait une force puissante du Nouvel Hollywood. Grâce à Zoetrope, Coppola a conclu un accord de distribution avec le géant des studios Warner Bros., qu’il exploiterait pour réaliser de larges sorties pour ses films sans se soumettre à leur contrôle. Ces trois films ont fourni aux grands studios hollywoodiens à la fois un exemple à suivre et une nouvelle génération de talents dans lesquels puiser. Le co-fondateur de Zoetrope, George Lucas , a fait ses débuts au cinéma avec THX 1138 (1971), également publié par Zoetrope dans le cadre de leur accord avec Warner Bros., s’annonçant comme un autre talent majeur de New Hollywood. L’année suivante, deux réalisateurs de New Hollywood étaient devenus suffisamment établis pour que Coppola se voit offrir la supervision de Paramount’s.Le Parrain (1972) et Lucas avaient obtenu un financement de studio pour American Graffiti (1973) d’Universal. Au milieu des années 1970, les grands studios hollywoodiens ont continué à faire appel à ces nouveaux cinéastes pour les idées et le personnel, produisant des films tels que Paper Moon (1973) et Taxi Driver (1976), qui ont tous rencontré un succès critique et commercial. Ces succès remportés par les membres de New Hollywood conduisent chacun d’eux, tour à tour, à imposer des exigences de plus en plus extravagantes, tant au studio qu’éventuellement au public.

Alors que la plupart des membres de la génération New Hollywood étaient ou ont commencé comme cinéastes indépendants, un certain nombre de leurs projets ont été produits et diffusés par de grands studios. La génération New Hollywood s’est rapidement fermement ancrée dans une incarnation renouvelée du système des studios, qui a financé le développement, la production et la distribution de leurs films. Très peu de ces cinéastes ont jamais financé ou sorti indépendamment un film de leur propre chef, ou jamais travaillé sur une production financée de manière indépendante au plus fort de l’influence de la génération. Des films apparemment indépendants tels que Taxi Driver , The Last Picture Showet d’autres étaient des films de studio: les scénarios étaient basés sur des pitchs de studio et ensuite payés par les studios, le financement de la production provenait du studio et la commercialisation et la distribution des films étaient conçues et contrôlées par l’agence de publicité du studio. Bien que Coppola ait fait des efforts considérables pour résister à l’influence des studios, choisissant de financer lui-même son film risqué de 1979 Apocalypse Now plutôt que de faire des compromis avec des dirigeants de studio sceptiques, lui et des cinéastes comme lui avaient sauvé les anciens studios de la ruine financière en leur fournissant une nouvelle formule pour réussir.

En effet, c’est durant cette période que la définition même d’un film indépendant s’est estompée. Bien que Midnight Cowboy ait été financé par United Artists, la société était certainement un studio. De même, Zoetrope était un autre “studio indépendant” qui travaillait au sein du système pour créer un espace pour les réalisateurs indépendants qui avaient besoin de financement. George Lucas quittera Zoetrope en 1971 pour créer son propre studio indépendant, Lucasfilm , qui produira les franchises à succès Star Wars et Indiana Jones . En fait, les deux seuls films du mouvement que l’on puisse qualifier d’indépendants sans concession sont Easy Rider au début, et Peter BogdanovichIls ont tous ri , à la fin. Peter Bogdanovich a racheté les droits du studio sur son film de 1980 et a payé sa distribution de sa propre poche, convaincu que l’image était meilleure que ce que le studio croyait – il a finalement fait faillite à cause de cela.

Rétrospectivement, on peut voir que Jaws (1975) de Steven Spielberg et Star Wars (1977) de George Lucas ont marqué le début de la fin pour le Nouvel Hollywood. Avec leurs succès sans précédent au box-office, ces films ont relancé la mentalité de superproduction hollywoodienne, donnant aux studios un nouveau paradigme sur la façon de gagner de l’argent dans ce paysage commercial en mutation. L’accent mis sur les locaux à haut concept , avec une plus grande concentration sur les marchandises liées (comme les jouets), les retombées dans d’autres médias (comme les bandes sonores) et l’utilisation de suites (qui avaient été rendues plus respectables par Le Parrain de Coppola Partie II ), tous ont montré aux studios comment gagner de l’argent dans le nouvel environnement.

En réalisant combien d’argent pouvait potentiellement être gagné dans les films, les grandes entreprises ont commencé à racheter les studios hollywoodiens restants, les sauvant de l’oubli qui a frappé RKO dans les années 50. Finalement, même RKO a été relancé, la mentalité d’entreprise que ces sociétés ont apportée à l’industrie cinématographique évincerait lentement les plus idiosyncratiques de ces jeunes cinéastes, tout en englobant les plus malléables et commercialement prospères d’entre eux. ^[13]

Learn more.

Centre Lincoln

Jul 14, 2022

Cinéma de l’Inde

Jul 14, 2022

Fiction mormone

Jul 14, 2022

Cinéma Kannada

Jul 14, 2022

La critique de cinéma Manohla Dargis a décrit cette époque comme «l’âge de rêve» du cinéma de la décennie qui «était moins une révolution que le statu quo, avec un battage médiatique rebelle». ^[14] Elle a également souligné dans son article du NY Times que ses enthousiastes insistent sur le fait que c’était “quand les films américains ont grandi (ou du moins ont joué des actrices sous-habillées); quand les réalisateurs ont fait ce qu’ils voulaient (ou du moins ont été transformés en marques); quand la créativité a régné (ou du moins s’est glorieusement déchaînée, bien que souvent aux frais du studio).” ^[15]

En dehors d’Hollywood

Au cours des années 1970, des changements dans les représentations thématiques de la sexualité et de la violence se sont produits dans le cinéma américain, mettant en évidence des représentations accrues du sexe et de la violence réalistes. Les réalisateurs qui souhaitaient atteindre le grand public du vieil Hollywood ont rapidement appris à styliser ces thèmes pour rendre leurs films attrayants et attrayants plutôt que répulsifs ou obscènes. Cependant, en même temps que les étudiants en cinéma non-conformistes de la nouvelle vague américaine développaient les compétences qu’ils utiliseraient pour conquérir Hollywood, nombre de leurs pairs avaient commencé à développer leur style de cinéma dans une direction différente. Influencé par des réalisateurs étrangers et d’art et d’essai tels qu’Ingmar Bergman et Federico Fellini, les shockers d’exploitation (c’est-à-dire Joseph P. Mawra , Michael Findlay et Henri Pachard ) et le cinéma d’avant-garde ( Kenneth Anger , Maya Deren et Bruce Conner ^{[16] [17]} ) un certain nombre de jeunes cinéastes ont commencé à expérimenter la transgression pas comme un tirage au box-office, mais comme un acte artistique . Des réalisateurs tels que John Waters et David Lynch se feront un nom au début des années 1970 pour les images bizarres et souvent dérangeantes qui caractérisent leurs films.

Lorsque le premier long métrage de Lynch, Eraserhead (1977), a attiré l’attention du producteur Mel Brooks sur Lynch , il s’est rapidement retrouvé en charge du film de 5 millions de dollars The Elephant Man (1980) pour Paramount. Bien qu’Eraserhead soit strictement un film indépendant à petit budget et à petit budget, Lynch a fait la transition avec une grâce sans précédent. Le film a été un énorme succès commercial et a remporté huit nominations aux Oscars, dont celles du meilleur réalisateur et du meilleur scénario adapté pour Lynch. ^[18] Il a également établi sa place en tant que Hollywood commercialement viable, quoique quelque peu sombre et non conventionnel.réalisateur. Voyant Lynch comme un compagnon de studio converti, George Lucas , un fan d’ Eraserhead et maintenant le chouchou des studios, a offert à Lynch l’opportunité de réaliser sa prochaine suite de Star Wars , Return of the Jedi (1983). Cependant, Lynch avait vu ce qui était arrivé à Lucas et à ses compagnons d’armes après leur tentative infructueuse de supprimer le système de studio. Il a refusé l’opportunité, déclarant qu’il préférait travailler sur ses propres projets. ^[19]

Lynch a plutôt choisi de réaliser une adaptation à gros budget du roman de science-fiction Dune de Frank Herbert pour le groupe De Laurentiis Entertainment du producteur italien Dino De Laurentiis , à condition que la société publie un deuxième projet Lynch, sur lequel le réalisateur aurait une vision complète. contrôle créatif. Bien que De Laurentiis espérait que ce serait le prochain Star Wars , Lynch’s Dune (1984) a été un flop critique et commercial, ne rapportant que 27,4 millions de dollars sur le marché intérieur contre un budget de 45 millions de dollars. De Laurentiis, furieux que le film ait été un désastre commercial, a alors été contraint de produire n’importe quel film que Lynch souhaitait. Il n’a offert à Lynch que 6 millions de dollars afin de minimiser le risque si le film n’avait pas récupéré ses coûts; cependant, le film, Blue Velvet (1986) a été un succès retentissant qui lui a valu un autre Oscar du meilleur réalisateur . ^[20] Lynch est revenu par la suite au cinéma indépendant et n’a pas travaillé avec un autre grand studio depuis plus d’une décennie.

Contrairement au premier, John Waters a sorti la plupart de ses films au cours de sa jeunesse par le biais de sa propre société de production, Dreamland Productions . Au début des années 1980, New Line Cinema accepte de travailler avec lui sur Polyester (1981). Au cours des années 1980, Waters deviendrait un pilier du mouvement cinématographique indépendant basé à New York connu sous le nom de ” Cinema of Transgression “, un terme inventé par Nick Zedd en 1985 pour décrire un groupe lâche d’artistes new-yorkais partageant les mêmes idées utilisant valeur de choc et humour dans leurs films Super 8 mm et art vidéo . Parmi les autres acteurs clés de ce mouvement figuraient Kembra Pfahler ,Casandra Stark , Beth B , Tommy Turner, Richard Kern et Lydia Lunch . Se rassemblant autour d’institutions telles que la Film-Makers’ Cooperative et Anthology Film Archives, cette nouvelle génération d’indépendants s’est consacrée au défi du New Hollywood désormais établi, proposant que “toutes les écoles de cinéma soient détruites et que tous les films ennuyeux ne soient jamais réalisés”. de nouveau.” ^[21]

Mouvement du cinéma indépendant

En 1978, Sterling Van Wagenen et Charles Gary Allison , avec le président Robert Redford , (vétéran de New Hollywood et star de Butch Cassidy and the Sundance Kid ) ont fondé le Utah/US Film Festival dans le but d’attirer plus de cinéastes dans l’Utah et de montrer ce que le potentiel du film indépendant pourrait être. À l’époque, l’objectif principal de l’événement était de présenter une série de films rétrospectifs et de tables rondes de cinéastes; cependant, il comprenait également un petit programme de nouveaux films indépendants. Le jury du festival de 1978 était dirigé par Gary Allison , et comprenait Verna Fields , Linwood Gale Dunn , Katherine Ross, Charles E. Sellier Jr. , Mark Rydell et Anthea Sylbert . En 1981, l’année même où United Artists, racheté par la MGM après l’échec financier de Heaven’s Gate (1980) de Michael Cimino [ 22 ^] , cesse d’exister en tant que lieu de rendez-vous pour les cinéastes indépendants, Sterling Van Wagenen quitte le festival du film pour aider à fonder le Sundance Institute avec Robert Redford. En 1985, le Sundance Institute, désormais bien établi, dirigé par Sterling Van Wagenen, prend la direction du Festival du film américain, qui connaît des difficultés financières. Gary Bièreet Sterling Van Wagenen ont dirigé la production du premier festival du film de Sundance, qui comprenait le directeur du programme Tony Safford et la directrice administrative Jenny Walz Selby.

En 1991, le festival a été officiellement rebaptisé Sundance Film Festival , d’après le célèbre rôle de Redford dans le rôle de Sundance Kid . ^[23] Grâce à ce festival, le mouvement du cinéma indépendant a été lancé. Des personnalités telles que Kevin Smith , Robert Rodriguez , Quentin Tarantino , David O. Russell , Paul Thomas Anderson , Steven Soderbergh , James Wan , Hal Hartley , Joel et Ethan Coen et Jim Jarmuscha été acclamé par la critique et a généré des ventes au box-office sans précédent. En 2005, environ 15% des revenus du box-office américain provenaient de studios indépendants. ^[24]

Wes Anderson , un auteur de films indépendants de grande renommée . Cooptation

Les années 1990 ont vu la montée et le succès des films indépendants non seulement à travers le circuit des festivals de films, mais également au box-office, tandis que des acteurs établis, tels que Bruce Willis , John Travolta et Tim Robbins , ont eux-mêmes rencontré le succès à la fois dans les films indépendants et dans les studios hollywoodiens. films. ^[25] Teenage Mutant Ninja Turtles en 1990 de New Line Cinema a rapporté plus de 100 millions de dollars aux États-Unis, ce qui en fait le film indépendant le plus réussi de l’histoire du box-office à ce stade. ^[26] Miramax Films a eu une série de succès avec Sex, Lies, and Videotape , My Left Foot et Clerks, mettant Miramax et New Line Cinema dans le collimateur des grosses entreprises qui cherchent à tirer profit du succès des studios indépendants. En 1993, Disney a acheté Miramax pour 60 millions de dollars. Turner Broadcasting , dans le cadre d’un contrat d’un milliard de dollars, a acquis New Line Cinema, Fine Line Features et Castle Rock Entertainment en 1994. Les acquisitions se sont avérées être une bonne décision pour Turner Broadcasting puisque New Line a sorti The Mask and Dumb & Dumber , Castle Rock. a publié The Shawshank Redemption et Miramax a publié Pulp Fiction , le tout en 1994. ^[26]

Les acquisitions des plus petits studios par le conglomérat Hollywood étaient en partie un plan pour reprendre l’industrie cinématographique indépendante et en même temps créer leurs propres studios «indépendants». Voici tous les studios “indépendants” appartenant au conglomérat Hollywood :

Sony Pictures Classics (1992-présent)
Images de projecteur (1994-présent)
Avantage primordial (1998–2013)
Caractéristiques de mise au point (2002-présent)
Images indépendantes de Warner (2003–2008) ^[27]
- Castle Rock Entertainment (depuis 1987)

Au début des années 2000, Hollywood produisait trois catégories différentes de films : 1) des superproductions à gros budget , 2) des films d’art , des films spécialisés et des films de niche produits par les “indies” appartenant au conglomérat et 3) des films de genre et spécialisés à venir. de vrais studios et producteurs indépendants. La troisième catégorie comprenait plus de la moitié des fonctionnalités publiées aux États-Unis et coûtait généralement entre 5 et 10 millions de dollars à produire. ^[28]

Hollywood produisait ces trois catégories différentes de longs métrages au moyen de trois types de producteurs différents. Les produits supérieurs étaient les gros blockbusters à petit budget et les véhicules phares à coût élevé commercialisés par les six principaux producteurs-distributeurs de studios. Les budgets des images des grands studios s’élevaient en moyenne à 100 millions de dollars, dont environ un tiers était consacré au marketing en raison des grandes campagnes de diffusion. Une autre classe de longs métrages hollywoodiens comprenait des films d’art, des films spécialisés et d’autres tarifs de marché de niche contrôlés par les filiales indépendantes des conglomérats. Les budgets de ces films indépendants s’élevaient en moyenne à 40 millions de dollars par sortie au début des années 2000, avec 10 à 15 millions de dollars dépensés en marketing (MPA, 2006 : 12). La dernière classe de films était composée de films de genre et de spécialité dont les campagnes de sortie étaient administrées par des producteurs-distributeurs indépendants avec seulement quelques dizaines ou peut-être quelques centaines d’écrans dans certains marchés urbains. Des films comme ceux-ci coûtent généralement moins de 10 millions de dollars, mais souvent moins de 5 millions de dollars, avec de petits budgets marketing qui augmentent si et quand un film particulier se produit.^[29]

Internationalement

L’industrie cinématographique indépendante existe à l’échelle mondiale. Bon nombre des Festivals de cinéma les plus prestigieux ^[30] sont organisés dans diverses villes du monde. Le Festival international du film de Berlin attire plus de 130 pays, ce qui en fait le plus grand festival du film au monde. ^[31] D’autres grands événements incluent le Festival international du film de Toronto , le Festival international du film de Hong Kong et le Festival panafricain du film et de la télévision de Ouagadougou . ^[30]

L’ Union européenne , notamment par le biais de l’Initiative européenne pour le cinéma et la VOD (ECVI), a mis en place des programmes qui tentent d’adapter l’industrie cinématographique à une demande numérique croissante de services de films sur vidéo à la demande, en dehors des projections en salles. Avec ce programme, les offres de VOD sont couplées à des projections de films traditionnels. ^[32] Il y a aussi plus d’une poussée des gouvernements nationaux de l’UE pour financer tous les aspects des arts, y compris le cinéma. ^[33] La Commission européenne pour la culture dispose par exemple d’un secteur Audiovisuel, dont le rôle est notamment d’aider à la distribution et à la promotion des films et des festivals à travers l’Europe. De plus, la Commission organise l’élaboration des politiques, la recherche et les rapports sur « l’éducation aux médias » et la « distribution numérique ». ^[33]

Technologie et démocratisation

Comme pour les autres médias, la disponibilité des nouvelles technologies a alimenté la démocratisation du cinéma et la croissance du cinéma indépendant. À la fin des années 1940 et 1950, de nouvelles caméras portables peu coûteuses ont permis aux cinéastes indépendants de produire plus facilement du contenu sans l’aide d’un studio. L’émergence des caméscopes dans les années 80 a élargi le bassin de cinéastes expérimentant la nouvelle technologie disponible. Plus récemment, le passage du film aux appareils photo numériques, le montage non linéaire peu coûteux et le passage à la distribution via Internet ont permis à davantage de personnes de réaliser et d’exposer leurs propres films, y compris des jeunes et des personnes issues de communautés marginalisées. Ces personnes peuvent avoir peu ou pas de formation technique ou académique formelle, mais sont plutôt des cinéastes autodidactes, utilisant des sources en ligne pour apprendre le métier.crowdsourcing et autres financements pour que leurs films soient produits par des professionnels. Souvent, les cinéastes en herbe ont d’autres emplois quotidiens pour subvenir à leurs besoins financiers pendant qu’ils présentent leurs scénarios et leurs idées à des sociétés de production de films indépendantes, à des agents de talent et à de riches investisseurs. Cette récente renaissance alimentée par la technologie a contribué à alimenter d’autres industries de soutien telles que le segment de la caméra “prosommateur” et les écoles de cinéma pour ceux qui sont moins autodidactes. Les programmes de cinéma dans des universités telles que NYU à New York et USC à Los Angeles ont bénéficié de cette croissance transitoire. ^[34]

Financement participatif

L’aspect économique du cinéma est également moins un obstacle qu’auparavant, car le soutien d’un grand studio n’est plus nécessaire pour accéder au financement nécessaire au cinéma. Les services de financement participatif comme Kickstarter, Pozible et Tubestart ont aidé les gens à collecter des milliers de dollars ; assez pour financer leurs propres productions à petit budget. ^[35] En raison de la baisse du coût de la technologie pour réaliser, éditer et distribuer numériquement des films, la réalisation de films est plus largement accessible que jamais.

Les longs métrages sont souvent présentés dans des Festivals de cinéma tels que le Sundance Film Festival, le Slamdance Film Festival, le festival du film South By Southwest (SXSW), le Raindance Film Festival, le Telluride Film Festival et le Palm Springs Film Festival. ^[36] Les lauréats de ces expositions sont plus susceptibles d’être choisis pour être distribués par les principaux distributeurs de films. Les festivals de films et les projections comme ceux-ci ne sont qu’une des options dans lesquelles les films peuvent être produits/sortis indépendamment.

Analogique vers numérique

Le développement du cinéma indépendant dans les années 1990 et au XXIe siècle a été stimulé par une série d’innovations techniques, notamment le développement de caméras de cinéma numérique abordables pouvant dépasser la qualité du film et de logiciels de montage informatiques faciles à utiliser. Jusqu’à ce que des alternatives numériques soient disponibles, le coût de l’équipement et du stock de films professionnels était un obstacle majeur pour les cinéastes indépendants qui souhaitaient réaliser leurs propres films. Des films à succès tels que le projet Blair Witch (qui a rapporté plus de 248,6 millions de dollars américains tout en ne dépensant que 60 000 dollars américains) ont émergé de cette nouvelle accessibilité aux outils de réalisation de films. En 2002, le coût des pellicules 35 mm a augmenté de 23 %, selon Variety . ^[37]L’avènement des caméscopes grand public en 1985 et, plus important encore, l’arrivée de la vidéo numérique au début des années 1990, ont abaissé la barrière technologique à la production de films. L’ ordinateur personnel et le système de montage non linéaire ont supprimé l’utilisation de supports de montage tels que le KEM, réduisant considérablement les coûts de post-production, tandis que des technologies telles que le DVD , le disque Blu-ray et les services vidéo en ligne ont simplifié la distribution ; les services de streaming vidéo ont permis de distribuer une version numérique d’un film dans tout un pays ou même dans le monde, sans impliquer l’expédition ou l’entreposage de DVD physiques ou de bobines de film. 3-Dla technologie est disponible pour les cinéastes indépendants à petit budget. Au cours de la deuxième décennie du 21e siècle, les appareils photo de haute qualité pour téléphones portables permettaient aux gens de réaliser, de monter et de distribuer des films sur un seul appareil peu coûteux.

L’un des exemples d’une telle nouvelle approche indépendante du cinéma est le film documentaire nominé aux Oscars de 1999 Gengis Blues qui a été tourné par les frères Belic sur deux caméscopes grand public Hi8 et a remporté le prix du public du festival du film de Sundance pour un documentaire cette année-là. ^[38] À l’époque, la distribution était encore cinématographique, de sorte que le film devait être “filmé” du format vidéo numérique entrelacé au film fonctionnant à la fréquence traditionnelle de 24 images par seconde, de sorte que les artefacts d’entrelacement sont parfois perceptibles. En 2004, Panasonic a lancé le caméscope DVX100, qui présentait une cadence de prise de vue de 24 images par seconde semblable à celle d’un film. Cela a donné aux cinéastes indépendants la possibilité de filmer des vidéos à une fréquence d’images considérée comme la norme pour les films à l’époque ^[39]et a ouvert la possibilité d’une image numérique propre à la conversion d’images de film. Plusieurs films acclamés ont été réalisés avec cette caméra, par exemple Iraq in Fragments . ^[40] Des appareils plus récents permettent de “filmer” à des fréquences d’images très élevées pour faciliter la distribution dans un certain nombre de fréquences d’images sans artefacts.

Même si les nouvelles caméras de cinéma telles que l’ Arri Alexa , la RED Epic et les nombreux nouveaux reflex numériques coûtent des milliers de dollars à l’achat, les films indépendants sont toujours moins chers que jamais, créant des images qui ressemblent à des films 35 mm sans le même coût élevé. Ces caméras fonctionnent également mieux que les films traditionnels en raison de leur capacité à fonctionner dans des situations extrêmement sombres/faibles lumières par rapport au film. En 2008, Nikon a lancé le premier appareil photo reflex numérique capable également de filmer des vidéos, le Nikon D90 .. Avec le capteur plus grand que sur un caméscope traditionnel, ces reflex numériques permettent un meilleur contrôle de la profondeur de champ, de grandes capacités de faible luminosité et une grande variété d’objectifs interchangeables, y compris des objectifs d’anciens appareils photo argentiques – des choses que les cinéastes indépendants attendaient avec impatience. pendant des années. Avec la création de nouvelles caméras de cinéma légères et accessibles, les documentaires en ont également grandement profité. Il était auparavant impossible de capturer l’extrême sauvage de mère nature en raison du manque de maniabilité avec les caméras argentiques ; cependant, avec la création des reflex numériques, les réalisateurs de documentaires ont pu atteindre des endroits difficiles d’accès afin de capturer ce qu’ils ne pouvaient pas avoir avec des caméras argentiques. ^[41] Des caméras ont même été attachées aux animaux pour leur permettre d’aider à filmer des scènes inédites.

Les nouvelles technologies ont également permis le développement de nouvelles techniques cinématographiques issues des films indépendants, comme le développement du zoom au début du XXe siècle. L’utilisation de la prise de vue à main levée (controversée) rendue populaire dans le projet révolutionnaire The Blair Witch Project a également conduit à un tout nouveau sous-genre : le film à images trouvées .

Le cinéma indépendant a également bénéficié du nouveau logiciel de montage. Au lieu d’avoir besoin d’une maison de poste pour faire le montage, les cinéastes indépendants utilisent un ordinateur personnel ou même simplement un téléphone portable avec un logiciel de montage pour monter leurs films. Les logiciels de montage disponibles incluent Avid Media Composer , Adobe Premiere Pro , Final Cut Pro , (logiciel d’étalonnage des couleurs) DaVinci Resolve et bien d’autres . Il existe également de nombreux didacticiels et cours gratuits disponibles en ligne pour enseigner différentes compétences de post-production nécessaires à l’utilisation de ces programmes. Ces nouvelles technologies permettent aux cinéastes indépendants de créer des films comparables à des films à gros budget. Imagerie générée par ordinateur(CGI) est également devenu plus accessible, passant d’un processus hautement spécialisé effectué par des sociétés de post-production à une tâche pouvant être effectuée par des artistes indépendants.

Francis Ford Coppola , longtemps partisan des nouvelles technologies comme le montage non linéaire et les appareils photo numériques , a déclaré en 2007 que « le cinéma échappe au contrôle du financier, et c’est une chose merveilleuse. tendez la main à un distributeur de films et dites : ‘Voulez-vous me laisser faire un film s’il vous plaît ?'” ^[42]

Films indépendants 2010-présent

Ces dernières années, avec à la fois l’augmentation de la production et l’intérêt décroissant des grandes suites de studio, de plus en plus de films indépendants ont été à l’avant-garde des grandes récompenses avec des victoires bouleversées aux Oscars du meilleur film pour Spotlight ^[43] aux prix 2016 , Moonlight ^{[44 ]} aux prix 2017 , Nomadland aux prix 2021 , ^[45] et CODA aux prix 2022 ont eu, et continuent d’avoir, un impact majeur sur la consommation au box-office des grands films de studio de l’ère actuelle. ^{[ citation nécessaire ]}

Voir également

Portail du cinéma

Prix du film indépendant britannique
Prix de l’esprit indépendant
Liste des Festivals de cinéma
Aperçu du film
Animation indépendante
Cinéma excentrique américain

Références

^ “Ne le perdez pas au cinéma Les frères McMullen et Blair Witch – oui. Waterworld II – non” . Archivé de l’original le 2013-12-02 . Récupéré le 10/12/2012 .par Peter Callahan. 2001
^ Comment “Pulp Fiction” a détruit le cinéma indépendant | Décideur
^ “La-La Land : Les Origines” Peter Edidin. New York Times . New York, NY : 21 août 2005. p. 4.2. “L’éloignement de Los Angeles de New York était également réconfortant pour les producteurs de films indépendants, leur permettant d’éviter plus facilement d’être harcelés ou poursuivis par la Motion Picture Patents Company, AKA the Trust, que Thomas Edison a aidé à créer en 1909.”
^ Siklos, Richard (4 mars 2007). Mission improbable : Tom Cruise en Mogul. New York Times
^ “1954|Oscars.org” . Archivé de l’original le 2019-05-02 . Récupéré le 15/04/2020 .
^ “Le Sondage Top Ten Sight & Sound: 1992” . Vue et son . Institut britannique du cinéma . Archivé de l’original le 2012-03-09 . Récupéré le 20/05/2008 .
^ “Take One: Le premier sondage annuel des critiques de films de Village Voice” . La Voix du Village . 1999. Archivé de l’original le 2007-08-26 . Récupéré le 27/07/2006 .
^ Les 1 000 meilleurs films jamais réalisés archivés le 29/03/2005 à la Wayback Machine , New York Times , 2002.
^ “100 films de tous les temps” . Temps . 2005-02-12. Archivé de l’original le 14/03/2007 . Récupéré le 19/05/2008 .
^ “La coopérative du cinéaste: une brève histoire” . Archivé de l’original le 27 avril 2011 . Récupéré le 02/05/2008 . , La coopérative des cinéastes
^ Marich, Robert. Marketing aux cinéphiles : troisième édition (2013). Livres de presse de l’UES. page 350
^ 1970|Oscars.org
^ “Qu’est-ce que le film indépendant ? – Raindance” . Danse de la pluie . 2014-01-19 . Récupéré le 18/08/2017 .
^ Dargis, Dargis (17 août 2003). “Les années 70 : Los Angeles Times . Consulté le 12 mars 2018 .
^ Dargis, Manohla (12 novembre 2010). ” ’60s Hollywood, the Rebels and the Studios: Power Shifted (or Did It?) ” . Le New York Times . Récupéré le 19 juillet 2018 .
^ L’œil de Bruce Conner pour les images, avec des liens invisibles – Le New York Times
^ Bruce Conner: L’artiste qui a façonné notre monde | Esprits dangereux
^ 1981|Oscars.org
^ “Interview de David Lynch 1985” . Davidlynch.de. Archivé de l’original le 2010-10-11 . Récupéré le 29/09/2013 .
^ 1987|Oscars.org
^ “UbuWeb Film & Video : Le cinéma de la transgression” . Ubu.com. Archivé de l’original le 2018-07-03 . Récupéré le 29/09/2013 .
^ Mon année de flops Case File # 81 Heaven’s Gate | AV Club
^ Lauren David Peden (décembre 2005). “Sundance Subdued” . Informations sur le comté d’Orange Freedom (coastmagazine.com). Archivé de l’original le 2007-09-27 . Récupéré le 11/11/2007 .
^ Données MPAA de janvier à mars 2005
^ Levy, Emmanuel. Cif Outsiders : L’Ascension du Film Indépendant Américain. New York, NY, États-Unis : NYU Press, 1999. pages 13-14.
^ ^un ^b McDonald, Paul et Wasco, Janet. L’industrie cinématographique hollywoodienne contemporaine . Malden, MA, États-Unis : Blackwell Publishing, 2008. p 29
^ McDonald, Paul et Wasco, Janet. L’industrie cinématographique hollywoodienne contemporaine . Malden, MA, États-Unis : Blackwell Publishing, 2008. p 29-30
^ McDonald, Paul et Wasco, Janet. L’industrie cinématographique hollywoodienne contemporaine . Malden, MA, États-Unis : Blackwell Publishing, 2008. p 30-31
^ McDonald, Paul et Wasco, Janet. L’industrie cinématographique hollywoodienne contemporaine . Malden, MA, États-Unis : Blackwell Publishing, 2008. p.31
^ ^un ^b “Quels sont les Festivals de cinéma les plus prestigieux du monde?” . 2013-11-26. Archivé de l’original le 2021-03-20 . Récupéré le 27/10/2017 .
^ Faits et chiffres de la Berlinale , berlinale.com
^ Caranicas, Peter (2017-07-04). “Les initiatives numériques européennes offrent de nouvelles voies pour la distribution de films indépendants” . Variété . Archivé de l’original le 2021-03-20 . Récupéré le 27/10/2017 .
^ ^un ^b “Soutien au secteur audiovisuel – Culture – Commission européenne” . Culture . Récupéré le 07/11/2017 .
^ “Université de New York – Les 25 meilleures écoles de cinéma américaines 2017” . Le journaliste hollywoodien . Archivé de l’original le 2021-03-20 . Récupéré le 08/11/2017 .
^ “Statistiques et analyses de financement participatif pour le film et la vidéo en 2014” . insights.wired.com . Récupéré le 08/11/2017 .
^ Clemons, Audra. “10 festivals de films américains que vous devriez connaître” . Voyage culturel . Archivé de l’original le 2021-03-20 . Récupéré le 08/11/2017 .
^ Partager Pix est une entreprise risquée Archivé le 15/09/2007 sur Wayback Machine Variété.com. Consulté le 23 juin 2007.
^ Elijah Wald · Archives d’écriture de films
^ “FAQ du cinéaste Internet” . filmmaking.net. Archivé de l’original le 2021-03-20 . Récupéré le 29/09/2013 .
^ L’ASC – Directeur de la photographie américain : Sundance 2006 : Moments gelés
^ Eric Escobar de NAB, nous sommes tous des geeks maintenant
^ Kirsner, Scott (2008). Inventer les films : la bataille épique d’Hollywood entre l’innovation et le statu quo, de Thomas Edison à Steve Jobs . Boston, MA : Livres de CinemaTech. p. 199. ISBN 978-1-4382-0999-9.
^ “2016|Oscars.org” . Archivé de l’original le 2019-11-08 . Récupéré le 15/04/2020 .
^ “2017|Oscars.org” . Archivé de l’original le 2017-03-03 . Récupéré le 15/04/2020 .
^ “2020|Oscars.org” . Archivé de l’original le 2020-01-13 . Récupéré le 15/04/2020 .

Lectures complémentaires

Lyon, Donald (1994). Visions indépendantes : Une introduction critique au film américain indépendant récent . Livres Ballantins. ISBN 0-345-38249-8.
Vachon, Christine (1996). A Killer Life: Comment un producteur de films indépendant survit aux accords et aux catastrophes à Hollywood et au-delà . Simon & Schuster. ISBN 0-7432-5630-1.
Redding, Judith; Brownworth, Victoria (1997). Film Fatales : réalisatrices indépendantes . Appuyez sur le sceau. ISBN 1-878067-97-4.
Lévy, Emmanuel (1999). Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film . Presse universitaire de New York. ISBN 0-8147-5123-7.
Merritt, Greg (2000). Celluloid Mavericks: L’histoire du film indépendant américain . Presse de la bouche du tonnerre. ISBN 1-56025-232-4.
Biskind, Peter (2004). Down and Dirty Pictures: Miramax, Sundance et la montée du cinéma indépendant . Simon & Schuster. ISBN 0-684-86259-X.
Pierson, John (2004). Spike Mike Reloaded . Livres Miramax. ISBN 1-4013-5950-7.
Lévy, Emmanuel (2001). Cinema of Outsiders: The Rise of American Independent Film . Presse NYU. ISBN 978-0-8147-5124-4.
Hall, Phil (2009). L’histoire du cinéma indépendant . Bear Manor Media. ISBN 978-1-59393-335-7.
Roi, Geoff (2005). Cinéma indépendant américain . Presse universitaire de l’Indiana. ISBN 9780253218261.
Richard Dyer Maccann (été 1962). “L’Indépendance, avec une Vengeance”. Film Trimestriel . Presse de l’Université de Californie. 15 (4) : 14-21. doi : 10.1525/fq.1962.15.4.04a00060 . JSTOR 1211185 .

Liens externes

Aux confins d’Hollywood – Annenberg Learner