Dessin

Le dessin est une forme d’ art visuel dans laquelle un artiste utilise des instruments pour marquer du papier ou une autre surface bidimensionnelle . Les instruments de dessin comprennent les crayons graphite , la plume et l’encre , divers types de peintures , les pinceaux encrés , les crayons de couleur , les crayons , le fusain , la craie , les Pastels , les Gommes , les marqueurs , les stylets et les métaux (tels que la pointe d’argent ). Le dessin numérique est le fait de dessiner sur un logiciel graphiquedans un ordinateur . Les méthodes courantes de dessin numérique incluent un stylet ou un doigt sur un appareil à écran tactile , un stylet ou un doigt sur un pavé tactile ou, dans certains cas, une souris . Il existe de nombreux programmes et dispositifs d’art numérique.

Léonard de Vinci , L’ Homme de Vitruve ( vers 1485 ) Accademia, Venise Albrecht Dürer , Autoportrait à l’âge de 13 ans , 1484

Un instrument de dessin libère une petite quantité de matière sur une surface, laissant une marque visible. Le support le plus courant pour le dessin est le papier , bien que d’autres matériaux, tels que le carton , le bois , le plastique, le cuir , la toile et le carton , aient été utilisés. Des dessins temporaires peuvent être réalisés sur un tableau noir ou un tableau blanc . Le dessin a été un moyen populaire et fondamental d’expression publique tout au long de l’histoire humaine. C’est l’un des moyens les plus simples et les plus efficaces de communiquer des idées. ^[1] La grande disponibilité d’instruments de dessin fait du dessin l’une des activités artistiques les plus courantes.

En plus de ses formes plus artistiques, le dessin est fréquemment utilisé dans l’ illustration commerciale , l’animation , l’architecture , l’ ingénierie et le dessin technique . Un dessin rapide et à main levée, qui n’est généralement pas conçu comme un travail fini, est parfois appelé un croquis . Un artiste qui pratique ou travaille dans le dessin technique peut être appelé dessinateur , dessinateur ou dessinateur. ^[2]

Aperçu

Galileo Galilei , Phases de la Lune , 1609 ou 1610, encre brune et lavis sur papier. 208 × 142 mm. Bibliothèque centrale nationale (Florence) , Gal. 48, fol. 28r

Le dessin est l’une des plus anciennes formes d’expression humaine dans les arts visuels. Il s’agit généralement du marquage de lignes et de zones de ton sur du papier / autre matériau, où la représentation précise du monde visuel est exprimée sur une surface plane. ^[3] Les dessins traditionnels étaient monochromes , ou du moins avaient peu de couleur, ^[4] tandis que les dessins modernes au crayon de couleur peuvent approcher ou franchir une frontière entre le dessin et la peinture. Dans la terminologie occidentale, le dessin est distinct de la peinture, même si des médias similaires sont souvent employés dans les deux tâches. Les supports secs, normalement associés au dessin, comme la craie, peuvent être utilisés au pastelpeintures. Le dessin peut être fait avec un médium liquide, appliqué avec des pinceaux ou des stylos. Des supports similaires peuvent également servir aux deux: la peinture implique généralement l’application de peinture liquide sur des toiles ou des panneaux préparés, mais parfois un sous- dessin est d’abord dessiné sur ce même support.

Le dessin est souvent exploratoire, avec un accent considérable sur l’observation, la résolution de problèmes et la composition. Le dessin est également régulièrement utilisé en préparation d’une peinture, obscurcissant davantage leur distinction. Les dessins créés à ces fins sont appelés études.

Madame Palmyre avec son chien , 1897. Henri de Toulouse-Lautrec

Il existe plusieurs catégories de dessin, notamment le dessin de personnages , le dessin animé , le Griffonnage et le dessin à main levée . Il existe également de nombreuses méthodes de dessin, telles que le dessin au trait , le Pointillé, l’ombrage , la méthode surréaliste de la graphomanie entopique (dans laquelle des points sont faits aux sites d’impuretés dans une feuille de papier vierge, et des lignes sont ensuite faites entre les points), et traçage (dessin sur un papier translucide, tel que du papier calque , autour du contour de formes préexistantes qui apparaissent à travers le papier).

Un dessin rapide et non raffiné peut être appelé un croquis .

Dans les domaines autres que l’art, les dessins techniques ou les plans de bâtiments, de machines, de circuits et d’autres choses sont souvent appelés “dessins” même lorsqu’ils ont été transférés sur un autre support par impression.

Histoire

En communication

Le dessin est l’une des plus anciennes formes d’expression humaine, dont les preuves ont précédé celle de la communication écrite. ^[5] On pense que le dessin était utilisé comme une forme de communication spécialisée avant l’invention de la langue écrite, ^{[5] [6]} démontré par la production de peintures rupestres et rupestres il y a environ 30 000 ans ( Art du Paléolithique supérieur ) . ^[7] Ces dessins, connus sous le nom de pictogrammes, représentaient des objets et des concepts abstraits. ^[8] Les croquis et les peintures produits par les temps néolithiques ont finalement été stylisés et simplifiés en systèmes de symboles ( proto-écriture ) et finalement en premiers systèmes d’écriture.

Dans les manuscrits

Avant la généralisation du papier, Les moines du XIIe siècle des monastères européens utilisaient des dessins complexes pour préparer des manuscrits illustrés et enluminés sur vélin et parchemin. Le dessin a également été largement utilisé dans le domaine des sciences, comme méthode de découverte, de compréhension et d’explication.

Dans la science

Dessiner des diagrammes d’observations est une partie importante de l’étude scientifique.

En 1609, l’astronome Galileo Galilei a expliqué les phases changeantes de Vénus ainsi que les taches solaires à travers ses dessins télescopiques d’observation. ^[9] En 1924, le géophysicien Alfred Wegener a utilisé des illustrations pour démontrer visuellement l’origine des continents. ^[9]

Comme expression artistique

Le dessin est utilisé pour exprimer sa créativité et a donc occupé une place importante dans le monde de l’art. Pendant une grande partie de l’histoire, le dessin a été considéré comme le fondement de la pratique artistique. ^[10] Initialement, les artistes utilisaient et réutilisaient des tablettes de bois pour la réalisation de leurs dessins. ^[11] Suite à la disponibilité généralisée du papier au 14ème siècle, l’utilisation du dessin dans les arts a augmenté. À ce stade, le dessin était couramment utilisé comme outil de réflexion et d’investigation, servant de support d’étude pendant que les artistes préparaient leurs derniers travaux. ^{[12] [13]} La Renaissance a apporté une grande sophistication dans les techniques de dessin, permettant aux artistes de représenter les choses de manière plus réaliste qu’auparavant,^[14] et révélant un intérêt pour la géométrie et la philosophie. ^[15]

L’invention de la première forme de photographie largement disponible a entraîné un changement dans la hiérarchie des arts. ^[16] La photographie a offert une alternative au dessin comme méthode pour représenter avec précision les phénomènes visuels, et la pratique du dessin traditionnel a reçu moins d’importance en tant que compétence essentielle pour les artistes, en particulier dans la société occidentale. ^[9]

Artistes et dessinateurs notables

Le dessin est devenu une forme d’art importante vers la fin du XVe siècle, avec des artistes et des maîtres graveurs tels qu’Albrecht Dürer et Martin Schongauer (vers 1448-1491), le premier graveur du Nord connu par son nom. Schongauer est originaire d’Alsace et est né dans une famille d’orfèvres. Albrecht Dürer, un maître de la génération suivante, était aussi le fils d’un orfèvre. ^{[17] [18]}

Les dessins de maîtres anciens reflètent souvent l’histoire du pays dans lequel ils ont été produits et les caractéristiques fondamentales d’une nation à cette époque. Dans la Hollande du XVIIe siècle, un pays protestant, il n’y avait presque pas d’œuvres d’art religieuses et, sans roi ni cour, la plupart des œuvres d’art étaient achetées en privé. Les dessins de paysages ou de scènes de genre étaient souvent considérés non pas comme des croquis mais comme des œuvres d’art très abouties. Les dessins italiens témoignent cependant de l’influence du catholicisme et de l’Église qui joua un rôle majeur dans le mécénat artistique. Il en va souvent de même pour les dessins français, bien qu’au XVIIe siècle, les disciplines du classicisme français ^[19] signifiaient que les dessins étaient moins baroques que leurs homologues italiens plus libres, qui véhiculaient un plus grand sens du mouvement. ^[20]

Au XXe siècle, le modernisme a encouragé «l’originalité imaginative» ^[21] et l’approche du dessin de certains artistes est devenue moins littérale, plus abstraite. Des artistes de renommée mondiale tels que Pablo Picasso, Andy Warhol et Jean-Michel Basquiat ont contribué à remettre en question le statu quo, le dessin étant au centre de leur pratique et réinterprétant souvent la technique traditionnelle. ^[22]

Les dessins de Basquiat ont été produits dans de nombreux médiums différents, le plus souvent à l’encre, au crayon, au feutre ou au marqueur et au bâton d’huile, et il a dessiné sur n’importe quelle surface qui lui tombait sous la main, comme les portes, les vêtements, les réfrigérateurs, les murs et les casques de baseball. ^[23]

Les siècles ont produit un canon d’artistes et de dessinateurs notables, chacun avec son propre langage de dessin, notamment :

• 14, 15 et 16 : Léonard de Vinci ^[24] • Albrecht Dürer • Hans Holbein le Jeune • Michel-Ange • Pisanello • Raphaël
• 17e : Claude • Jacques de Gheyn II • Guerchin • Nicolas Poussin • Rembrandt • Peter Paul Rubens • Pieter Saenredam
• 18e : François Boucher • Jean-Honoré Fragonard • Giovanni Battista Tiepolo • Antoine Watteau
• 19e : Aubrey Beardsley • Paul Cézanne • Jacques-Louis David • Honoré Daumier • Edgar Degas • Théodore Géricault • Francisco Goya • Jean-Auguste-Dominique Ingres • Pierre-Paul Prud’hon • Odilon Redon • John Ruskin • Georges Seurat • Henri de Toulouse-Lautrec • Vincent van Gogh
• 20e : Max Beckmann • Jean Dubuffet • MC Escher • Arshile Gorky • George Grosz • Paul Klee • Oscar Kokoschka • Käthe Kollwitz • Alfred Kubin • André Masson • Alphonse Mucha • Jules Pascin • Pablo Picasso • Egon Schiele • Jean-Michel Basquiat • Andy Warhol

Matériaux

Le support est le moyen par lequel l’encre, le pigment ou la couleur sont déposés sur la surface de dessin. La plupart des supports de dessin sont soit secs (ex. graphite , fusain , Pastels , Conté , pointe d’argent ), soit utilisent un solvant ou un support fluide ( feutre , plume et encre ). Les crayons aquarelle peuvent être utilisés secs comme des crayons ordinaires, puis humidifiés avec un pinceau humide pour obtenir divers effets picturaux. Très rarement, les artistes ont dessiné avec de l’encre invisible (généralement décodée) . Le dessin à la pointe de métal utilise généralement l’un des deux métaux suivants : l’argent ou le plomb. ^[25] Plus rarement utilisés sont l’or, le platine, le cuivre, le laiton, le bronze et la pointe d’étain.

Le papier est disponible dans une variété de tailles et de qualités différentes, allant du papier journal au papier de haute qualité et relativement coûteux vendu en feuilles individuelles. ^[26] Les papiers varient en texture, teinte, acidité et résistance lorsqu’ils sont mouillés. Le papier lisse est bon pour le rendu des détails fins, mais un papier plus “à pleines dents” retient mieux le matériau de dessin. Ainsi, un matériau plus grossier est utile pour produire un contraste plus profond.

Le papier journal et le papier à dactylographie peuvent être utiles pour la pratique et les croquis approximatifs . Le papier calque est utilisé pour expérimenter sur un dessin à moitié terminé et pour transférer un dessin d’une feuille à l’autre. Le papier cartouche est le type de papier à dessin de base vendu en blocs. Le carton Bristol et même les cartons sans acide plus lourds, souvent avec des finitions lisses, sont utilisés pour dessiner des détails fins et ne se déforment pas lorsque des supports humides (encre, lavis) sont appliqués. Le vélin est extrêmement lisse et convient aux détails très fins. Le papier aquarelle pressé à froid peut être préféré pour le dessin à l’encre en raison de sa texture.

Le papier de qualité archivistique sans acide conserve sa couleur et sa texture beaucoup plus longtemps que le papier à base de Pâte de bois comme le papier journal , qui jaunit et devient cassant beaucoup plus tôt.

Les outils de base sont une planche ou une table à dessin, un taille- crayon et une gomme , et pour le dessin à l’encre, du papier buvard . Les autres outils utilisés sont le compas circulaire , la règle et l’ équerre . Le fixateur est utilisé pour empêcher les marques de crayon et de crayon de couler. Le ruban à dessin est utilisé pour fixer le papier à la surface de dessin, et également pour masquer une zone afin de la garder exempte de marques accidentelles, telles que des matériaux et des lavages pulvérisés ou éclaboussés. Un chevalet ou une table inclinée est utilisé pour maintenir la surface de dessin dans une position appropriée, qui est généralement plus horizontale que la position utilisée en peinture.

Technique

Raphaël , étude pour ce qui est devenu la Madone d’Alba , avec d’autres croquis Antoine Watteau , technique des trois crayons

Presque tous les dessinateurs utilisent leurs mains et leurs doigts pour appliquer les médias, à l’exception de certaines personnes handicapées qui dessinent avec leur bouche ou leurs pieds. ^[27]

Avant de travailler sur une image, l’artiste explore généralement le fonctionnement de divers médias. Ils essaient, s’il y a lieu, différents outils de dessin sur des feuilles de pratique pour déterminer la valeur et la texture, et comment appliquer l’outil pour produire divers effets.

Le choix des traits de dessin par l’artiste affecte l’apparence de l’image. Les dessins à la plume et à l’encre utilisent souvent des hachures – des groupes de lignes parallèles. ^[28] Les hachures croisées utilisent des hachures dans deux directions différentes ou plus pour créer un ton plus sombre. Des hachures brisées ou des lignes avec des pauses intermittentes forment des tons plus clairs – et le contrôle de la densité des pauses permet d’obtenir une gradation de ton. Le Pointillé utilise des points pour produire le ton, la texture et l’ombre . Différentes textures peuvent être obtenues en fonction de la méthode utilisée pour créer le ton. ^[29]

Les dessins sur support sec utilisent souvent des techniques similaires, bien que les crayons et les bâtons de dessin puissent obtenir des variations continues de ton. Généralement, un dessin est rempli en fonction de la main que l’artiste préfère. Un artiste droitier dessine de gauche à droite pour éviter de tacher l’image. Les Gommes peuvent supprimer les lignes indésirables, éclaircir les tons et nettoyer les marques parasites. Dans un croquis ou un dessin de contour, les lignes tracées suivent souvent le contour du sujet, créant de la profondeur en ressemblant à des ombres projetées par une lumière dans la position de l’artiste.

Parfois, l’artiste laisse une partie de l’image intacte tout en remplissant le reste. La forme de la zone à préserver peut être peinte avec du liquide de masquage ou découpée dans un frisket et appliquée sur la surface de dessin, protégeant la surface des marques parasites jusqu’à ce que le masque soit retiré.

Une autre méthode pour préserver une section de l’image consiste à appliquer un fixateur en spray sur la surface. Cela maintient plus fermement le matériau en vrac sur la feuille et l’empêche de maculer. Cependant, le spray fixateur utilise généralement des produits chimiques qui peuvent endommager le système respiratoire, il doit donc être utilisé dans un endroit bien ventilé comme à l’extérieur.

Une autre technique est le dessin soustractif dans lequel la surface de dessin est recouverte de graphite ou de charbon de bois puis effacée pour créer l’image. ^[30]

Ton

Un portrait au crayon par Henry Macbeth-Raeburn , avec hachures et ombres (1909)

L’ombrage est la technique consistant à faire varier les valeurs tonales sur le papier pour représenter la nuance du matériau ainsi que le placement des ombres. Une attention particulière à la lumière réfléchie, aux ombres et aux hautes lumières peut donner un rendu très réaliste de l’image.

Le mélange utilise un outil pour adoucir ou étaler les traits de dessin originaux. Le mélange se fait plus facilement avec un support qui ne se fixe pas immédiatement , comme le graphite, la craie ou le charbon de bois, bien que l’encre fraîchement appliquée puisse être tachée, humide ou sèche, pour certains effets. Pour l’ombrage et le mélange, l’artiste peut utiliser une souche de mélange , un tissu , une gomme pétrie , le bout du doigt ou toute combinaison de ceux-ci. Un morceau de peau de chamois est utile pour créer des textures lisses et pour enlever de la matière pour éclaircir le ton. Un ton continu peut être obtenu avec du graphite sur une surface lisse sans mélange, mais la technique est laborieuse, impliquant de petits traits circulaires ou ovales avec une pointe quelque peu émoussée.

Les techniques d’ombrage qui introduisent également de la texture dans le dessin comprennent les hachures et les pointillés . Un certain nombre d’autres méthodes produisent de la texture. Outre le choix du papier, le matériel et la technique de dessin affectent la texture. La texture peut être rendue plus réaliste lorsqu’elle est dessinée à côté d’une texture contrastante; une texture grossière est plus évidente lorsqu’elle est placée à côté d’une zone légèrement mélangée. Un effet similaire peut être obtenu en rapprochant différents tons. Un bord clair à côté d’un fond sombre se détache à l’œil et semble presque flotter au-dessus de la surface.

Forme et proportion

Proportions du corps humain

Mesurer les dimensions d’un sujet tout en bloquant dans le dessin est une étape importante dans la production d’un rendu réaliste du sujet. Des outils comme une boussole peuvent être utilisés pour mesurer les angles de différents côtés. Ces angles peuvent être reproduits sur la surface de dessin, puis revérifiés pour s’assurer qu’ils sont exacts. Une autre forme de mesure consiste à comparer les tailles relatives des différentes parties du sujet entre elles. Un doigt placé en un point le long de l’outil de dessin peut être utilisé pour comparer cette dimension avec d’autres parties de l’image. Une règle peut être utilisée à la fois comme règle et comme appareil pour calculer les proportions.

Variation de la proportion avec l’âge

Lorsque vous essayez de dessiner une forme compliquée telle qu’une figure humaine, il est utile dans un premier temps de représenter la forme avec un ensemble de volumes primitifs. Presque toutes les formes peuvent être représentées par une combinaison du cube, de la sphère, du cylindre et du cône. Une fois que ces volumes de base ont été assemblés en une ressemblance, le dessin peut être affiné dans une forme plus précise et polie. Les lignes des volumes primitifs sont supprimées et remplacées par la ressemblance finale. Dessiner la construction sous-jacente est une compétence fondamentale pour l’art figuratif et est enseignée dans de nombreux livres et écoles. Son application correcte résout la plupart des incertitudes concernant les petits détails et donne à l’image finale un aspect cohérent. ^[31]

Un art plus raffiné du dessin de figures repose sur l’artiste possédant une profonde compréhension de l’anatomie et des proportions humaines. Un artiste qualifié connaît la structure du squelette, l’emplacement des articulations, le placement des muscles, le mouvement des tendons et la façon dont les différentes parties fonctionnent ensemble pendant le mouvement. Cela permet à l’artiste de rendre des poses plus naturelles qui n’apparaissent pas artificiellement rigides. L’artiste sait aussi comment les proportions varient selon l’âge du sujet, notamment lorsqu’il dessine un portrait.

Dessin en perspective à deux points

Perspective

Un artiste dessinant une figure du point de vue de l’œil du ver

La perspective linéaire est une méthode de représentation d’objets sur une surface plane de sorte que les dimensions diminuent avec la distance. Chaque ensemble de bords parallèles et droits de n’importe quel objet, qu’il s’agisse d’un bâtiment ou d’une table, suit des lignes qui finissent par converger vers un point de fuite. Généralement, ce point de convergence se situe quelque part le long de l’horizon, car les bâtiments sont construits au niveau de la surface plane. Lorsque plusieurs structures sont alignées les unes avec les autres, comme des bâtiments le long d’une rue, les hauts et les bas horizontaux des structures convergent généralement en un point de fuite.

Lorsque les façades et les côtés d’un bâtiment sont dessinés, les lignes parallèles formant un côté convergent en un deuxième point le long de l’horizon (qui peut être hors du papier à dessin.) Il s’agit d’une perspective à deux points. ^[32] La convergence des lignes verticales vers un troisième point au-dessus ou au-dessous de l’horizon produit alors une perspective à trois points.

La profondeur peut également être représentée par plusieurs techniques en plus de l’approche perspective ci-dessus. Les objets de taille similaire doivent apparaître de plus en plus petits à mesure qu’ils s’éloignent du spectateur. Ainsi la roue arrière d’un chariot apparaît légèrement plus petite que la roue avant. La profondeur peut être représentée par l’utilisation de la texture . Au fur et à mesure que la texture d’un objet s’éloigne, il devient plus comprimé et occupé, prenant un caractère entièrement différent que s’il était proche. La profondeur peut également être représentée en réduisant le contraste des objets plus éloignés et en rendant leurs couleurs moins saturées. Cela reproduit l’effet de la brume atmosphérique et amène l’œil à se concentrer principalement sur les objets dessinés au premier plan.

Dessin d’ étude en clair- obscur de William-Adolphe Bouguereau

Talent artistique

La composition de l’image est un élément important dans la production d’une œuvre intéressante de valeur artistique . L’artiste planifie le placement des éléments dans l’art pour communiquer des idées et des sentiments avec le spectateur. La composition peut déterminer l’orientation de l’art et aboutir à un ensemble harmonieux qui est esthétiquement attrayant et stimulant.

L’ éclairage du sujet est également un élément clé dans la création d’une œuvre artistique, et l’interaction de la lumière et de l’ombre est une méthode précieuse dans la boîte à outils de l’artiste. Le placement des sources lumineuses peut faire une différence considérable dans le type de message qui est présenté. Plusieurs sources de lumière peuvent éliminer les rides du visage d’une personne, par exemple, et lui donner une apparence plus jeune. En revanche, une seule source de lumière, telle que la lumière du jour, peut servir à mettre en valeur n’importe quelle texture ou caractéristique intéressante.

Lorsqu’il dessine un objet ou une figure, l’artiste qualifié prête attention à la fois à la zone à l’intérieur de la silhouette et à ce qui se trouve à l’extérieur. L’extérieur est appelé l’ espace négatif et peut être aussi important dans la représentation que la figure. Les objets placés à l’arrière-plan de la figure doivent apparaître correctement placés partout où ils peuvent être vus.

Une étude est un brouillon de dessin qui est réalisé en préparation d’une image finale planifiée. Les études peuvent être utilisées pour déterminer les apparences de parties spécifiques de l’image terminée, ou pour expérimenter la meilleure approche pour atteindre l’objectif final. Cependant, une étude bien conçue peut être une œuvre d’art à part entière, et de nombreuses heures de travail minutieux peuvent être consacrées à la réalisation d’une étude.

Processus

Une personne dessinant le Faune Barberini à Munich

Les individus affichent des différences dans leur capacité à produire des dessins visuellement précis. ^[33] Un dessin visuellement précis est décrit comme étant “reconnu comme un objet particulier à un moment particulier et dans un espace particulier, rendu avec peu d’ajout de détails visuels qui ne peuvent être vus dans l’objet représenté ou avec peu de suppression de détails visuels » ^[34]

Des études d’investigation ont cherché à expliquer les raisons pour lesquelles certains individus dessinent mieux que d’autres. Une étude a postulé quatre capacités clés dans le processus de dessin: les habiletés motrices requises pour marquer, la propre perception du dessinateur de son dessin, la perception des objets dessinés et la capacité de prendre de bonnes décisions de représentation. ^[34] Suite à cette hypothèse, plusieurs études ont cherché à conclure lesquels de ces processus sont les plus significatifs pour affecter l’exactitude des dessins.

Processus de dessin dans l’ étude académique d’un torse masculin par Jean-Auguste-Dominique Ingres (1801, Musée national, Varsovie ) Contrôle moteur

Le contrôle du moteur est un élément physique important dans la « phase de production » du processus de dessin. ^[35] Il a été suggéré que le contrôle moteur joue un rôle dans la capacité de dessin, bien que ses effets ne soient pas significatifs. ^[34]

Perception

Il a été suggéré que la capacité d’un individu à percevoir un objet qu’il dessine est l’étape la plus importante du processus de dessin. ^[34] Cette suggestion est étayée par la découverte d’une relation solide entre la perception et la capacité de dessin. ^[36]

Cette preuve a servi de base au livre de dessin de Betty Edwards , Drawing on the Right Side of the Brain . ^[37] Edwards visait à enseigner à ses lecteurs comment dessiner, basé sur le développement des capacités perceptives du lecteur.

De plus, l’artiste et critique d’art influent John Ruskin a souligné l’importance de la perception dans le processus de dessin dans son livre The Elements of Drawing . ^[38] Il a déclaré que “Car je suis presque convaincu qu’une fois que nous voyons assez profondément, il est très peu difficile de dessiner ce que nous voyons”.

Mémoire visuelle

Il a également été démontré que cela influence sa capacité à créer des dessins visuellement précis. La mémoire à court terme joue un rôle important dans le dessin car le regard passe de l’objet dessiné au dessin lui-même. ^[39]

La prise de décision

Certaines études comparant des artistes à des non-artistes ont révélé que les artistes passent plus de temps à réfléchir stratégiquement lorsqu’ils dessinent. En particulier, les artistes consacrent plus de temps à des activités « métacognitives » telles que l’examen de différents plans hypothétiques sur la manière dont ils pourraient progresser avec un dessin. ^[40]

Voir également

• Figurine de l’Académie
• Dessin d’architecture
• Composition
• Dessin de contour
• Diagramme
• Illustration numérique
• Dessin technique
• Dessin de personnages
• Conception graphique
• Illustration
• Peinture de paysage
• Peinture
• Dessin Plumbago
• Esquisse (dessin)
• Dessin soustractif
• Dessin technique
• Arts visuels
• Image

Références

Remarques

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Lectures complémentaires

• Edwards, Betty. Le nouveau dessin sur le côté droit du cerveau , HarperCollins Publishers Ltd ; Édition 3Rev Ed, 2001, ISBN 978-0-00-711645-4
• Brommer, Gerald F. Explorer le dessin . Worcester, Massachussetts : Davis Publications. 1988.
• Bodley Gallery, New York, Dessins de maîtres modernes , 1971, OCLC 37498294 .
• En ligneHolcomb, M. (2009).Plume et parchemin : le dessin au Moyen Âge. New York : Le Metropolitan Museum of Art.
• Hillberry, JD dessinant des textures réalistes au crayon , North Light Books, 1999, ISBN 0-89134-868-9 .
• Landa, Robin. Prenez une ligne pour une promenade : un journal de créativité. Boston: Wadsworth, 2011. ISBN 978-1-111-83922-2
• Lohan, Franck. Pen & Ink Techniques , Livres contemporains, 1978, ISBN 0-8092-7438-8 .
• Ruskin, J. (1857). Les éléments du dessin. Mineola, NY: Dover Publications Inc. ISBN 978-1-4538-4264-5
• Lances, Heather. L’oeil créatif. Londres : Arcturus. 2007. ISBN 978-0-572-03315-6 .
• World Book, Inc. The World Book Encyclopedia Volume 5 , 1988, ISBN 0-7166-0089-7 .
• Dessiner/Penser : Confronter une ère électronique , édité par Marc Treib, 2008, ISBN 0-415-77560-4

Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés au dessin .

Recherchez le dessin dans Wiktionary, le dictionnaire gratuit.

Wikiversité a des ressources d’apprentissage sur le dessin

• Chronologie du développement du dessin chez les enfants
• On Drawing , un essai sur l’art du dessin, par l’artiste Norman Nason. Archivé de l’ original le 25 avril 2012.
• Ligne et forme (1900) de Walter Crane au projet Gutenberg
• Léonard de Vinci : dessins anatomiques de la Bibliothèque royale du château de Windsor , catalogue d’exposition entièrement en ligne au format PDF du Metropolitan Museum of Art (une excellente ressource de dessin).
• Leonardo da Vinci, Master Draftsman , catalogue d’exposition entièrement en ligne au format PDF du Metropolitan Museum of Art (une excellente ressource de dessin).
• Le dessin au Moyen Âge Un résumé de l’utilisation du dessin dans le cadre du processus artistique au Moyen Âge.