Déguisements

Le cosplay , un portemanteau du “costume play”, est une activité et un art de la performance dans lequel les participants appelés cosplayers portent des costumes et des accessoires de mode pour représenter un personnage spécifique . ^[1] Les cosplayers interagissent souvent pour créer une sous- culture , et une utilisation plus large du terme “cosplay” s’applique à tout jeu de rôle costumé dans des lieux en dehors de la scène. Toute entité qui se prête à une interprétation dramatique peut être reprise comme sujet. Les sources préférées incluent l’ anime , Les dessins animés , les Bandes dessinées , les mangas, séries télévisées et Jeux vidéo . Le terme est composé des deux homologues susmentionnés – costume et jeu de rôle.

Cosplayers à Yukicon 2014, une convention de fans en Finlande

Le cosplay est né de la pratique des costumes de fans lors des conventions de science-fiction , à commencer par les “costumes futuristes” de Morojo créés pour la 1ère convention mondiale de science-fiction qui s’est tenue à New York en 1939. Le terme japonais “cosplay” (コ ス プ レ, kosupure ) était inventé en 1984. Une croissance rapide du nombre de personnes faisant du cosplay comme passe -temps depuis les années 1990 a fait de ce phénomène un aspect important de la culture populaire au Japon, ainsi que dans d’autres parties de l’Asie de l’Est et du monde occidental. Les événements de cosplay sont des caractéristiques communes des conventions de fans, et il existe aujourd’hui de nombreuses conventions et compétitions dédiées, ainsi que des réseaux sociaux , des sites Web et d’autres formes de médias centrés sur les activités de cosplay. Le cosplay est très populaire parmi tous les genres, et il n’est pas rare de voir du crossplay , également appelé gender-bending.

Étymologie

Le terme “cosplay” est un mot- valise japonais des termes anglais costume et play. ^[1] Le terme a été inventé par Nobuyuki Takahashi de Studio Hard ^[2] après avoir assisté à la World Science Fiction Convention ( Worldcon ) de 1984 à Los Angeles ^[3] et vu des fans costumés, dont il a ensuite parlé dans un article pour le japonais magazine Mon Anime . ^[2] Takahashi a décidé d’inventer un nouveau mot plutôt que d’utiliser la traduction existante du terme anglais “mascarade” parce que cela se traduit en japonais par “un costume aristocratique”, qui ne correspondait pas à son expérience de la Worldcon. ^[4][5] La monnaie reflète une méthode d’abréviation japonaise courante dans laquelle les deux premiers moras d’une paire de mots sont utilisés pour former un composé indépendant : le « costume » devient kosu (コス) et le « jeu » devient pur (プレ).

Histoire

Pré-20ème siècle

Les bals masqués étaient une caractéristique de la saison du carnaval au XVe siècle et impliquaient des entrées royales allégoriques de plus en plus élaborées, des reconstitutions historiques et des processions triomphales célébrant les mariages et autres événements dynastiques de la vie de cour médiévale tardive. Ils ont été étendus à des festivités publiques costumées en Italie au cours de la Renaissance du XVIe siècle , des danses généralement élaborées organisées pour les membres des classes supérieures, qui étaient particulièrement populaires à Venise .

Les soirées costumées (anglais américain) ou costumées (anglais britannique) étaient populaires à partir du XIXe siècle. Les guides de costumes de l’époque, tels que Samuel Miller’s Male Character Costumes (1884) ^[6] ou Ardern Holt’s Fancy Dresses Dedicated (1887), ^[7] présentent principalement des costumes génériques, qu’il s’agisse de costumes d’époque, de costumes nationaux, d’objets ou de concepts abstraits. comme “Automne” ou “Nuit”. La plupart des costumes spécifiques qui y sont décrits sont destinés à des personnages historiques, bien que certains soient issus de la fiction, comme Les Trois Mousquetaires ou les personnages de Shakespeare .

En mars 1891, un appel littéral d’un Herbert Tibbits pour ce qui serait aujourd’hui décrit comme des “cosplayers” fut annoncé pour un événement organisé du 5 au 10 mars de cette année-là au Royal Albert Hall de Londres, pour le soi- disant Vril-Ya. Bazaar and Fete basé sur un roman de science-fiction et ses personnages, publié deux décennies plus tôt. ^[8]

Costume de fan

Un M. Skygack – une tenue de costume ou de cosplay moderne, État de Washington, 1912 ^{[9] [10] [11]}

Le personnage de bande dessinée de science-fiction d’ AD Condo , M. Skygack, de Mars (un ethnographe martien qui comprend mal de manière comique de nombreuses affaires terrestres) est sans doute le premier personnage fictif que les gens imitent en portant des costumes, comme en 1908, M. et Mme William Fell de Cincinnati, Ohio, aurait assisté à une mascarade dans une patinoire portant les costumes de M. Skygack et Miss Dillpickles. Plus tard, en 1910, une femme anonyme a remporté le premier prix au bal masqué à Tacoma, Washington portant un autre costume Skygack. ^{[12] [13]}

Les premiers à porter des costumes pour assister à une convention étaient les fans de science-fiction Forrest J Ackerman et Myrtle R. Douglas, connus dans le fandom sous le nom de Morojo . Ils ont assisté à la 1ère Convention mondiale de science-fiction de 1939 (Nycon ou 1ère Worldcon ) au Caravan Hall, New York, États-Unis, vêtus de “costumes futuristes”, y compris une cape et une culotte vertes, basés sur les illustrations du magazine pulp de Frank R. Paul et le 1936 film Things to Come , conçu et créé par Douglas. ^{[13] [14] [15]}

Forrest J Ackerman et Morojo à la 1ère convention mondiale de science-fiction dans des “futuricostumes” conçus et cousus par Morojo

Ackerman a déclaré plus tard qu’il pensait que tout le monde était censé porter un costume lors d’une convention de science-fiction, bien que seuls lui et Douglas l’aient fait. ^[16]

Cependant, les costumes des fans se sont répandus et la 2e Worldcon (1940) a organisé à la fois une mascarade non officielle dans la chambre de Douglas et une mascarade officielle dans le cadre du programme. ^{[3] [17] [18]} David Kyle a remporté la mascarade en portant un costume de Ming l’Impitoyable créé par Leslie Perri , tandis que Robert AW Lowndes a reçu la deuxième place avec un costume de Bar Senestro (du roman The Blind Spot d’ Austin Hall et Homer Eon silex ). ^[17] D’autres participants costumés comprenaient l’invité d’honneur EE Smith dans le rôle de Northwest Smith (desérie de nouvelles de CL Moore ) et Ackerman et Douglas portant à nouveau leurs costumes futuristes. ^{[16] [17] [19]} Les mascarades et les bals costumés ont continué à faire partie de la tradition de la Convention mondiale de science-fiction par la suite. ^[18] Les premiers bals masqués de la Worldcon comportaient un groupe, de la danse, de la nourriture et des boissons. Les concurrents traversaient une scène ou une zone dégagée de la piste de danse. ^[18]

Ackerman portait un costume de “Bossu de Notre-Dame” à la 3e Worldcon (1941), qui comprenait un masque conçu et créé par Ray Harryhausen , mais a rapidement cessé de porter des costumes aux conventions. ^[16] Douglas portait un costume d’Akka (du roman d’ A. Merritt , The Moon Pool ), le masque à nouveau fabriqué par Harryhausen, à la 3e Worldcon et un costume de Snake Mother (un autre costume de Merritt, de The Snake Mother ) à la 4e Worldcon (1946). ^[20] La terminologie n’était pas encore établie; l’édition de 1944 de la Fancyclopedia de Jack Speer utilisait le terme fête costumée . ^[21]

Costume au Comic-Con de San Diego en 1982 .

Les règles régissant les costumes ont été établies en réponse à des costumes spécifiques et à des tendances vestimentaires. Le premier concurrent nu à une mascarade Worldcon était en 1952; mais l’apogée de cette tendance a été dans les années 1970 et au début des années 1980, avec quelques-uns chaque année. ^[18] Cela a finalement conduit à la règle “Aucun costume n’est aucun costume”, qui interdisait la nudité complète, bien que la nudité partielle soit toujours autorisée tant qu’elle était une représentation légitime du personnage. ^[13] Mike Resnick décrit le meilleur des costumes nus comme Kris Lundi portant un costume de harpie à la 32e Worldcon (1974) (elle a reçu une mention honorable au concours). ^{[18] [22] [23]}Un autre costume qui a provoqué un changement de règle était un participant à la 20e Worldcon (1962) dont l’accessoire de blaster a tiré un jet de vraie flamme; ce qui a conduit à l’interdiction du feu. ^[18] Lors de la 30e WorldCon (1972), l’artiste Scott Shaw portait un costume composé en grande partie de beurre de cacahuète pour représenter son propre personnage de bande dessinée underground appelé “The Turd”. Le beurre de cacahuète s’est déteint, endommageant les tissus d’ameublement et les costumes des autres, puis a commencé à rancir sous la chaleur de l’éclairage. La nourriture, les substances odieuses et salissantes ont été interdites comme éléments de costume après cet événement. ^{[18] [24] [25] [26]}

Le costume s’est propagé avec les conventions de la science-fiction et l’interaction des fandoms . Le premier exemple connu de costume lors d’une convention au Royaume-Uni était à la London Science Fiction Convention (1953), mais ce n’était que dans le cadre d’une pièce de théâtre. Cependant, des membres de la Liverpool Science Fantasy Society ont assisté au 1er Cytricon (1955), à Kettering , portant des costumes et ont continué à le faire les années suivantes. ^[27] Le 15ème Worldcon (1957) a apporté la première mascarade de convention officielle au Royaume-Uni. ^[27] La ​​fête de Pâques 1960à Londres a peut-être été la première convention britannique à organiser une soirée déguisée officielle dans le cadre de son programme. ^[28] Les gagnants communs étaient Ethel Lindsay et Ina Shorrock comme deux des sorcières titulaires du roman Les Sorcières de Karres par James H. Schmitz . ^[29]

Les conventions de Star Trek ont ​​commencé en 1969 et les principales conventions ont commencé en 1972 et elles ont présenté le cosplay tout au long. ^[30]

Au Japon, les costumes lors des conventions étaient une activité de fans depuis au moins les années 1970, en particulier après le lancement de la convention Comiket en décembre 1975. ^[13] Les costumes à cette époque étaient connus sous le nom de kasō (仮装) . ^[13] Le premier cas documenté de costumes lors d’un événement de fans au Japon était à Ashinocon (1978), à Hakone , au cours duquel la future critique de science-fiction Mari Kotani portait un costume basé sur la couverture du roman d’ Edgar Rice Burroughs A Fighting Man de Mars . ^{[Remarques 1] [31] [32]}Dans une interview, Kotani déclare qu’il y avait une vingtaine de participants costumés à la soirée costumée de la convention – composée de membres de son fan club Triton of the Sea et de Kansai Entertainers (関西芸人, Kansai Geinin ) , antécédent du studio d’anime Gainax – avec la plupart participants en tenue ordinaire. ^[31] L’un des membres du groupe Kansai, un ami anonyme de Yasuhiro Takeda , portait un costume impromptu de Tusken Raider (du film Star Wars ) fabriqué à partir de l’un des rouleaux de papier toilette de l’hôtel hôte. ^[33] Les concours de costumes sont devenus une partie permanente du Nihon SF Taikaiconventions de Tokon VII en 1980.

Peut-être que le premier concours de costumes organisé lors d’une convention de Bandes dessinées a eu lieu lors de la 1ère Academy Con qui s’est tenue au Broadway Central Hotel , à New York, en août 1965. ^[34] Roy Thomas , futur rédacteur en chef de Marvel Comics, éditeur de fanzine à un auteur de bande dessinée professionnel, assisté en costume de Plastic Man . ^[34]

Le premier bal masqué organisé au Comic-Con de San Diego a eu lieu en 1974 lors du 6e événement de la convention. La comédienne de doublage June Foray était le maître de cérémonie . ^[35] La future reine du cri Brinke Stevens a remporté la première place en portant un costume de Vampirella . ^{[36] [37]} Forrest J Ackerman, le créateur de Vampirella, était présent et a posé avec Stevens pour des photographies. Ils sont devenus amis et, selon Stevens, “Forry et sa femme, Wendayne, sont rapidement devenus comme mes parents parrains”. ^[38]Le photographe Dan Golden a vu une photo de Stevens dans le costume de Vampirella alors qu’il visitait la maison d’Ackerman, ce qui l’a amené à l’embaucher pour un rôle non parlant dans son premier film étudiant, Zyzak is King (1980), et à la photographier plus tard pour la couverture du premier numéro de Femme Fatales (1992). ^[38] Stevens attribue ces événements au lancement de sa carrière d’actrice. ^[38]

Dès un an après la sortie en 1975 de The Rocky Horror Picture Show , les membres du public ont commencé à s’habiller comme des personnages du film et à jouer des rôles (bien que l’incitation initiale à se déguiser était l’entrée gratuite) dans des costumes souvent très précis. ^{[39] [40]}

Costume-Con, une conférence dédiée aux costumes, a eu lieu pour la première fois en janvier 1983. ^{[41] [42]} L’International Costumers Guild, Inc., connue à l’origine sous le nom de Greater Columbia Fantasy Costumer’s Guild, a été lancée après le 3rd Costume-Con ( 1985) en tant qu’organisation mère et pour soutenir les costumes. ^[41]

Déguisements

Madoka Kaname et Kyubey de Puella Magi Madoka Magica lors de l’événement Tracon 2013 au Tampere Hall à Tampere , Finlande

Le costume était une activité de fan au Japon depuis les années 1970, et il est devenu beaucoup plus populaire à la suite du rapport de Takahashi. Cependant, le nouveau terme n’a pas fait son chemin immédiatement. C’était un an ou deux après la publication de l’article avant qu’il ne soit couramment utilisé par les fans lors des conventions. ^[13] C’est dans les années 1990, après une exposition à la télévision et dans des magazines, que le terme et la pratique du cosplay sont devenus de notoriété publique au Japon. ^[13]

Les premiers cafés cosplay sont apparus dans le quartier d’ Akihabara à Tokyo à la fin des années 1990. ^{[3] [43]} Un café de ménage temporaire a été installé lors de l’événement Tokyo Character Collection en août 1998 pour promouvoir le jeu vidéo Welcome to Pia Carrot 2 (1997). ^[43] Un restaurant Pia Carrot occasionnel a eu lieu dans la boutique Gamers à Akihabara dans les années jusqu’en 2000. ^[43] Le fait d’être lié à des propriétés intellectuelles spécifiques a limité la durée de vie de ces cafés, ce qui a été résolu en utilisant des femmes de chambre génériques, ce qui a conduit à la premier établissement permanent, Cure Maid Café, qui a ouvert ses portes en mars 2001. ^[43]

Le premier Sommet mondial du cosplay s’est tenu le 12 octobre 2003 au Rose Court Hotel de Nagoya, au Japon, avec cinq cosplayeurs invités d’Allemagne, de France et d’Italie. Il n’y a pas eu de concours jusqu’en 2005, lorsque le championnat du monde de cosplay a commencé. Les premières gagnantes ont été l’équipe italienne de Giorgia Vecchini, Francesca Dani et Emilia Fata Livia.

La fréquentation de la mascarade de la Worldcon a culminé dans les années 1980 et a commencé à baisser par la suite. Cette tendance s’est inversée lorsque le concept de cosplay a été réimporté du Japon.

Pratique du cosplay

Les costumes de cosplay varient considérablement et peuvent aller de simples vêtements à thème à des costumes très détaillés. Il est généralement considéré comme différent des costumes d’ Halloween et du Mardi Gras , car l’intention est de reproduire un personnage spécifique, plutôt que de refléter la culture et le symbolisme d’un événement de vacances. Ainsi, lorsqu’ils sont en costume, certains cosplayers cherchent souvent à adopter l’affect, les manières et le langage corporel des personnages qu’ils représentent (avec des pauses “hors personnage”). Les personnages choisis pour être cosplayés peuvent provenir de n’importe quel film, série télévisée, livre, bande dessinée, jeu vidéo, groupe de musique, anime ou manga. Certains cosplayers choisissent même de cosplayer un personnage original de leur propre conception ou une fusion de différents genres (par exemple, un steampunkversion d’un personnage), et cela fait partie de la philosophie du cosplay que n’importe qui peut être n’importe quoi, comme avec le genderbending , le crossplay ou le drag , un cosplayer jouant un personnage d’une autre ethnie, ou un hijabi dépeignant Captain America . ^{[44] [45]}

Déguisements

Un modèle cosplayant Ciri , un personnage principal de The Witcher 3 : Wild Hunt Cosplayeurs de la série Monogatari à Nippombashi Street Festa 2014

Les cosplayers obtiennent leurs vêtements par de nombreuses méthodes différentes. Les fabricants produisent et vendent des tenues emballées à utiliser dans le cosplay, avec différents niveaux de qualité. Ces costumes sont souvent vendus en ligne, mais peuvent également être achetés auprès de revendeurs lors de conventions. Les fabricants japonais de costumes de cosplay ont déclaré un bénéfice de 35 milliards de yens en 2008. ^[46] Un certain nombre d’individus travaillent également à la commission, créant des costumes, des accessoires ou des perruques personnalisés conçus et adaptés à l’individu. D’autres cosplayers, qui préfèrent créer leurs propres costumes, fournissent toujours un marché pour des éléments individuels et diverses matières premières , telles que des perruques non coiffées , des teintures capillaires, des notions de tissu et de couture, du latex liquide , de la Peinture corporelle ., bijoux de fantaisie et armes d’accessoires.

Le cosplay représente un acte d’ incarnation . Le cosplay a été étroitement lié à la présentation de soi ^[47] , mais la capacité des cosplayers à jouer est limitée par leurs caractéristiques physiques. La précision d’un cosplay est jugée en fonction de la capacité à représenter avec précision un personnage à travers le corps, et les cosplayeurs individuels sont souvent confrontés à leurs propres “limites corporelles” ^[48] telles que le niveau d’attractivité, la taille du corps et le handicap ^[49]qui restreignent et limitent souvent la précision du cosplay. L’authenticité est mesurée par la capacité individuelle d’un cosplayeur à traduire la manifestation à l’écran en cosplay lui-même. Certains ont fait valoir que le cosplay ne peut jamais être une véritable représentation du personnage; au lieu de cela, il ne peut être lu qu’à travers le corps, et cette véritable incarnation d’un personnage est jugée en fonction de sa proximité avec la forme originale du personnage. ^[50] Le cosplay peut également aider certaines personnes ayant des problèmes d’estime de soi. ^{[51] [52]}

De nombreux cosplayers créent leurs propres tenues, faisant référence à des images des personnages dans le processus. Dans la création des tenues, beaucoup de temps est accordé aux détails et aux qualités, ainsi la compétence d’un cosplayer peut être mesurée par la difficulté des détails de la tenue et la qualité de leur reproduction. En raison de la difficulté de reproduire certains détails et matériaux, les cosplayeurs se forment souvent à des spécialités artisanales telles que les Textiles , la sculpture , la peinture faciale , la fibre de verre , le design de mode , le travail du bois et d’autres utilisations de matériaux dans le but de rendre l’apparence et la texture d’un déguisement avec précision. ^[53]Les cosplayeurs portent souvent des perruques en conjonction avec leur tenue pour améliorer encore la ressemblance avec le personnage. Ceci est particulièrement nécessaire pour les personnages d’anime et de manga ou de Jeux vidéo qui ont souvent des cheveux de couleur anormale et de style unique. Des tenues plus simples peuvent être compensées pour leur manque de complexité en prêtant attention au choix des matériaux et à la haute qualité globale.

Pour ressembler davantage aux personnages qu’ils incarnent, les cosplayeurs peuvent également se livrer à diverses formes de modification corporelle . Les cosplayeurs peuvent choisir de changer la couleur de leur peau en utilisant du maquillage pour simuler davantage la race du personnage qu’ils adoptent. ^[54] Les Lentilles de contact qui correspondent à la couleur des yeux de leur personnage en sont une forme courante, en particulier dans le cas de personnages aux yeux particulièrement uniques dans le cadre de leur apparence de marque. Des Lentilles de contact qui agrandissent la pupille pour faire écho visuellement aux grands yeux des personnages d’anime et de manga sont également utilisées. ^[55] Une autre forme de modification corporelle dans laquelle les cosplayeurs s’engagent consiste à copier les tatouages ​​ou les marques spéciales que leur personnage pourrait avoir. Tatouages ​​temporaires ,le marqueur permanent , la Peinture corporelle et, dans de rares cas, les tatouages ​​permanents, sont autant de méthodes utilisées par les cosplayeurs pour obtenir le look souhaité. Les teintures capillaires permanentes et temporaires , les colorations capillaires en spray et les produits coiffants extrêmes spécialisés sont tous utilisés par certains cosplayers dont les cheveux naturels peuvent obtenir la coiffure souhaitée. Il est également courant pour eux de se raser les sourcils pour obtenir un look plus précis.

Certains personnages d’anime et de Jeux vidéo ont des armes ou d’autres accessoires difficiles à reproduire, et les conventions ont des règles strictes concernant ces armes, mais la plupart des cosplayers s’engagent dans une combinaison de méthodes pour obtenir tous les éléments nécessaires à leurs costumes ; par exemple, ils peuvent commander une arme accessoire, coudre leurs propres vêtements, acheter des bijoux de personnage auprès d’un fabricant d’accessoires de cosplay ou acheter une paire de chaussures prêtes à l’emploi et les modifier pour correspondre au look souhaité.

Présentation

Le cosplay peut être présenté de différentes manières et à différents endroits. Un sous-ensemble de la culture cosplay est centré sur le Sex-appeal , les cosplayers choisissant spécifiquement des personnages connus pour leur attrait ou leurs costumes révélateurs. Cependant, porter un costume révélateur peut être une question sensible lors d’une apparition en public. ^{[56] [57] [58]} Les gens apparaissant nus aux conventions américaines de fandom de science-fiction au cours des années 1970 étaient si courants qu’une règle “pas de costume n’est pas de costume” a été introduite. ^[59] Certaines conventions à travers les États-Unis, telles que Phoenix Comicon ^[60] (maintenant connu sous le nom de Phoenix Fan Fusion ) et Penny Arcade Expo , ^[61]ont également émis des règles selon lesquelles ils se réservent le droit de demander aux participants de quitter ou de changer leurs costumes s’ils sont jugés inappropriés pour un environnement familial ou quelque chose de similaire.

Conventions Une foule dont de nombreux cosplayers au Comiket 84 en 2013

La forme la plus populaire de présentation publique d’un cosplay est de le porter à une convention de fans . De multiples conventions dédiées à l’anime et au manga, aux Bandes dessinées, aux émissions de télévision, aux Jeux vidéo, à la science-fiction et à la fantaisie peuvent être trouvées partout dans le monde. Les conventions centrées sur le cosplay incluent Cosplay Mania aux Philippines et EOY Cosplay Festival à Singapour.

Le plus grand événement mettant en vedette le cosplay est le marché semestriel des doujinshi , Comic Market ( Comiket ), qui se tient au Japon pendant l’été et l’hiver. Comiket attire des centaines de milliers de fans de mangas et d’animes, où des milliers de cosplayers se rassemblent sur le toit du parc des expositions. En Amérique du Nord, les conventions de fans les plus fréquentées avec des cosplayers sont le San Diego Comic-Con et le New York Comic Con tenus aux États-Unis, et l’ Anime North spécifique à l’anime à Toronto, Otakon tenu à Baltimore MD et Anime Expo tenue à Los Angeles. Le plus grand événement d’Europe est Japan Expotenue à Paris, tandis que la London MCM Expo et la London Super Comic Convention sont les plus remarquables du Royaume-Uni. Supanova Pop Culture Expo est le plus grand événement d’Australie.

Les conventions Star Trek ont ​​présenté le cosplay pendant de nombreuses décennies. Il s’agit notamment de Destination Star Trek , une convention britannique, et de Star Trek Las Vegas , une convention américaine.

Dans différents salons de la bande dessinée, des “zones thématiques” sont mises en place où les cosplayeurs peuvent prendre des photos dans un environnement qui suit celui du jeu ou du produit d’animation dont elles sont tirées. Parfois, les cosplayers font partie de la zone, jouant le rôle de personnel chargé de divertir les autres visiteurs. Quelques exemples sont les domaines thématiques dédiés à Star Wars ou à Fallout. Les zones sont mises en place par des associations de fans à but non lucratif, mais dans certaines grandes foires, il est possible de visiter des zones mises en place directement par les développeurs des Jeux vidéo ou les producteurs de l’anime.

La photographie Des photographes professionnels travaillant avec la cosplayeuse de Mileena pour une séance photo en studio chroma key au Space City Con 2014 aux États-Unis

L’apparition de cosplayers lors d’événements publics en fait un attrait populaire pour les photographes. ^[62] Comme cela est devenu évident à la fin des années 1980, une nouvelle variante du cosplay s’est développée dans laquelle les cosplayeurs assistaient à des événements principalement dans le but de modéliser leurs personnages pour la photographie plutôt que de s’engager dans un jeu de rôle continu. Des règles d’étiquette ont été élaborées pour minimiser les situations délicates impliquant des limites. Les cosplayeurs posent pour les photographes et les photographes ne les pressent pas pour obtenir des informations de contact personnelles ou des sessions privées, les suivent hors de la zone ou prennent des photos sans autorisation. Les règles permettent à la relation de collaboration entre photographes et cosplayers de se poursuivre avec le moins d’inconvénients les uns pour les autres. ^[63]

Certains cosplayers choisissent de faire appel à un photographe professionnel pour prendre des images de haute qualité d’eux dans leurs costumes se faisant passer pour le personnage. Les cosplayers et les photographes exposent fréquemment leur travail en ligne et vendent parfois leurs images. ^[62]

Compétitions

Un cosplayeur au concours Animation-Comic-Game Hong Kong 2011 déguisé en personnage de Gantz

Au fur et à mesure que la popularité du cosplay a augmenté, de nombreuses conventions en sont venues à proposer un concours autour du cosplay qui pourrait être la principale caractéristique de la convention. Les candidats présentent leur cosplay, et souvent pour être jugés pour un prix, le cosplay doit être fait par eux-mêmes. Les concurrents peuvent choisir d’interpréter un sketch, qui peut consister en un court scénario ou une danse interprétée avec de l’audio, de la vidéo ou des images d’accompagnement en option affichées sur un écran. D’autres candidats peuvent simplement choisir de se faire passer pour leurs personnages. Souvent, les candidats sont brièvement interviewés sur scène par un maître de cérémonie. Le public a la possibilité de prendre des photos des cosplayers. Les cosplayeurs peuvent concourir en solo ou en groupe. Des prix sont décernés, et ces prix peuvent varier considérablement. Généralement, un prix du meilleur cosplayeur, un prix du meilleur groupe et des prix de deuxième place sont décernés. Des récompenses peuvent également être attribuées au meilleur sketch et à un certain nombre de sous-catégories de compétences de cosplay, telles que maître tailleur, maître fabricant d’armes, maître armurier, etc.

L’événement de concours de cosplay le plus connu est le World Cosplay Summit , qui sélectionne des cosplayeurs de 40 pays pour participer au tour final à Nagoya , au Japon. Certains autres événements internationaux incluent European Cosplay Gathering (finales se déroulant à Japan Expo à Paris, France), ^[64] EuroCosplay (finales se déroulant au London MCM Comic Con), ^[65] et le Nordic Cosplay Championship (finales se déroulant à NärCon à Linköping , Suède). ^[66]

Critères communs de jugement du cosplay

Ce tableau contient une liste des critères de jugement des concours de cosplay les plus courants, tels qu’ils ressortent du World Cosplay Summit, ^[67] Cyprus Comic Con, ^[68] et ReplayFX. ^[69]

Critère	La description	Exemple
Précision	Ressemblance au personnage d’origine en termes d’apparence.	Couleur/coiffage des cheveux Se réconcilier Costume Accessoires Accessoires de scène
Artisanat	Qualité et détails du costume et des accessoires.	Comment le costume est fait Maniabilité/fonctionnalité du costume Qualité des matériaux Niveau de détail Quantité d’efforts Pourcentage de costumes faits à la main Technique
Présentation	Probabilité en termes de représentation et de performance des personnages.	Agissant Posture Mouvement Parler avec des phrases et des tons emblématiques du personnage Expressions faciales Interaction avec d’autres personnages Fidélité à l’histoire
Impact sur le public	Présence scénique et connexion avec le public.	Lentilles de contact Utiliser pleinement l’espace scénique S’engager avec le public

Questions de Genre

Représenter un personnage du sexe opposé s’appelle un jeu croisé . L’aspect pratique du jeu croisé et du travestissement découle en partie de l’abondance dans les mangas de personnages masculins aux traits délicats et quelque peu androgynes. De tels personnages, connus sous le nom de bishōnen (lit. “joli garçon”), ^[70] sont l’équivalent asiatique de l’archétype du garçon elfique représenté dans la tradition occidentale par des personnages tels que Peter Pan et Ariel . ^[71]

Aria H. Kanzaki d’ Aria the Scarlet Ammo par un joueur croisé de Nouvelle-Zélande

Les cosplayeurs homme à femme peuvent rencontrer des problèmes lorsqu’ils essaient de représenter un personnage féminin car il est difficile de maintenir la féminité sexualisée d’un personnage. Les cosplayers masculins peuvent également faire l’objet de discrimination, ^[72] y compris des commentaires homophobes et être touchés sans autorisation. Cela affecte peut-être encore plus souvent les hommes que les femmes, bien que les contacts inappropriés soient déjà un problème pour les femmes qui font du cosplay ^[73] , tout comme le ” slut-shaming “. ^[74]

Les joueurs d’ Animegao kigurumi , un groupe de niche dans le domaine du cosplay, sont souvent des cosplayeurs masculins qui utilisent des masques zentai et stylisés pour représenter des personnages féminins d’anime . Ces cosplayers cachent complètement leurs véritables caractéristiques afin que l’apparence originale de leurs personnages puisse être reproduite aussi littéralement que possible, et pour afficher toutes les abstractions et stylisations telles que les yeux surdimensionnés et les petites bouches souvent vues dans l’art du dessin animé japonais. ^[75] Cela ne signifie pas que seuls les hommes pratiquent l’animegao ou que les masques ne sont que féminins.

Problèmes de harcèlement

Panneau “Cosplay Is Not Consent” au New York Comic Con 2014.

“Cosplay Is Not Consent”, un mouvement lancé en 2013 par Rochelle Keyhan, Erin Filson et Anna Kegler, a porté au grand public la question du harcèlement sexuel dans la convention participant à la communauté cosplay. ^{[76] [77]} Le harcèlement des cosplayeurs comprend la photographie sans permission, la violence verbale, les attouchements et les tâtonnements. Le harcèlement ne se limite pas aux femmes portant des tenues provocantes, car les cosplayeurs masculins ont déclaré avoir été victimes d’intimidation parce qu’ils ne correspondaient pas à certains costumes et personnages.

À partir de 2014, le New York Comic Con a placé de grands panneaux à l’entrée indiquant que “Cosplay n’est pas un consentement”. On a rappelé aux participants de demander la permission pour les photos et de respecter le droit de la personne de dire non. ^[78] Le mouvement contre le harcèlement sexuel contre les cosplayeurs a continué de gagner du terrain et de prendre conscience depuis qu’il a été rendu public. Les médias grand public traditionnels comme Mercury News et Los Angeles Times ont fait des reportages sur le sujet, sensibilisant au harcèlement sexuel ceux qui ne font pas partie de la communauté du cosplay. ^{[79] [80]}

Problèmes d’ethnicité

Au fur et à mesure que le cosplay est entré dans les médias grand public, l’ethnicité devient un point controversé. Les cosplayeurs de couleur de peau différente de celle du personnage sont souvent ridiculisés pour ne pas être «précis» ou «fidèles». ^[81] De nombreux cosplayers ont l’impression que n’importe qui peut cosplayer n’importe quel personnage, mais cela devient compliqué lorsque les cosplayers ne respectent pas l’appartenance ethnique du personnage. ^[82] Des problèmes tels que le blackface , le brownface et le yellowface sont encore controversés car une grande partie de la communauté du cosplay les considère comme des problèmes distincts, ou simplement comme une partie acceptable du cosplay. L’ethnicité reste un sujet polarisant aujourd’hui, alors que la discussion se poursuit en personne et en ligne.

Modèles de cosplay

Le cosplay a influencé l’industrie de la publicité, dans laquelle les cosplayers sont souvent utilisés pour des travaux événementiels précédemment attribués à des modèles d’agence. ^[62] Certains cosplayeurs ont ainsi transformé leur passe-temps en carrières professionnelles lucratives. ^{[83] [84] [85]} L’industrie du divertissement du Japon a été à la maison aux cosplayers professionnels depuis l’élévation de Comiket et de Tokyo Game Show . ^[62] Le phénomène est le plus apparent au Japon, mais existe également dans une certaine mesure dans d’autres pays. Les cosplayers professionnels qui profitent de leur art peuvent rencontrer des problèmes liés à la violation du droit d’ auteur . ^[86]

Un modèle de cosplay, également connu sous le nom d’idole de cosplay, des costumes de cosplay pour les sociétés d’anime et de manga ou de Jeux vidéo. Les bons cosplayers sont considérés comme des personnages fictifs en chair et en os, de la même manière que les acteurs de cinéma finissent par être identifiés dans l’esprit du public avec des rôles spécifiques. Les cosplayers ont modelé pour des magazines imprimés comme Cosmode et un modèle de cosplay réussi peut devenir l’ ambassadeur de la marque pour des entreprises comme Cospa . Certains modèles de cosplay peuvent obtenir une reconnaissance significative. Bien qu’il existe de nombreux modèles de cosplay importants, Yaya Han a été décrit comme ayant émergé “comme une figure bien reconnue à la fois à l’intérieur et à l’extérieur des circuits de cosplay”. ^[84] Jessica Nigri, a utilisé sa reconnaissance dans le cosplay pour obtenir d’autres opportunités telles que le doublage et son propre documentaire sur Rooster Teeth . Liz Katz a utilisé sa base de fans pour faire passer son cosplay d’un passe-temps à une entreprise commerciale prospère, suscitant un débat dans la communauté du cosplay pour savoir si les cosplayers devraient être autorisés à financer et à tirer profit de leur travail. ^{[87] [88]}

Cosplay par pays ou région

Cosplay au Japon

Le Jingūbashi ( pont Jingu ) qui passe au-dessus de la ligne Yamanote au sud de la gare de Harajuku , à Tokyo , à la porte du sanctuaire Meiji est un célèbre lieu de rassemblement pour les cosplayers. Sur la photo, un groupe de personnes habillées en musiciens de style visual kei en 2006

Les cosplayeurs au Japon s’appelaient reiyā (レ イ ヤ ー) , prononcé “couche”. Actuellement au Japon, les cosplayeurs sont plus communément appelés kosupure (コスプレ) , prononcé « ko-su-pray », car reiyā est plus souvent utilisé pour décrire des couches (c’est-à-dire des cheveux, des vêtements, etc.). ^[89] Des mots comme mignon ( kawaii (可愛い)) et cool ( kakko ī (かっこ いい)) étaient souvent utilisés pour décrire ces changements, ^{[ plus d’explications nécessaires ]} des expressions liées aux notions de féminité et de masculinité. ^[90] Ceux qui photographient les joueurs sont appelés cameko, abréviation de camera kozō ou camera boy . À l’origine, le cameko offrait des tirages de leurs photos aux joueurs en cadeau. L’intérêt accru pour les événements de cosplay, à la fois de la part des photographes et des cosplayeurs désireux de modéliser pour eux, a conduit à la formalisation des procédures lors d’événements tels que Comiket. La photographie a lieu dans une zone désignée éloignée de la salle d’exposition. Au Japon, les costumes ne sont généralement pas les bienvenus en dehors des conventions ou d’autres zones désignées. ^{[4] [5]}

Depuis 1998, le quartier d’ Akihabara à Tokyo contient un certain nombre de restaurants de cosplay , destinés aux fans dévoués d’anime et de cosplay, où les serveuses de ces cafés s’habillent en personnages de Jeux vidéo ou d’anime ; les maid cafés sont particulièrement populaires. Au Japon, le quartier de Harajuku à Tokyo est le lieu de rassemblement informel préféré pour se livrer au cosplay en public. Les événements à Akihabara attirent également de nombreux cosplayers.

Ishoku-hada (異色肌) est une forme de cosplay japonais où les joueurs utilisent de la Peinture corporelle pour que leur couleur de peau corresponde à celle du personnage qu’ils jouent. Cela leur permet de représenter des personnages d’ anime ou de Jeux vidéo avec des couleurs de peau non humaines. ^[91]

Une enquête de 2014 pour la convention Comic Market au Japon a noté qu’environ 75% des cosplayers participant à l’événement sont des femmes. ^[92]

Cosplay dans d’autres pays asiatiques

Le cosplay est courant dans de nombreux pays d’Asie de l’Est. Par exemple, c’est une partie importante des conventions Comic World qui se déroulent régulièrement en Corée du Sud, à Hong Kong et à Taiwan. ^[93] Historiquement, la pratique consistant à se déguiser en personnages d’œuvres de fiction remonte à la fin du XVIIe siècle , sous la dynastie Ming en Chine. ^[94]

Le cosplay dans les pays occidentaux

Les origines du cosplay occidental sont basées principalement sur les fandoms de science-fiction et de fantasy . Il est également plus courant pour les cosplayers occidentaux de recréer des personnages de séries d’action réelle que pour les cosplayers japonais. Les clients occidentaux comprennent également des sous-cultures d’amateurs qui participent à des foires de la Renaissance , à des jeux de rôle en direct et à des reconstitutions historiques . La compétition aux conventions de science-fiction comprend généralement la mascarade (où les costumes sont présentés sur scène et jugés formellement) et les costumes de salle ^[95] (où les juges itinérants peuvent décerner des prix pour un travail ou une présentation exceptionnels). ^[96]

La popularité croissante de l’animation japonaise en dehors de l’Asie à la fin des années 2000 a entraîné une augmentation du nombre de cosplayers américains et occidentaux qui représentent des personnages de mangas et d’animes. Les conventions d’anime sont devenues plus nombreuses en Occident au cours de la décennie précédente, concurrençant désormais la science-fiction, la bande dessinée et les conférences historiques présentes. Lors de ces rassemblements, les cosplayeurs, comme leurs homologues japonais, se réunissent pour montrer leur travail, se faire photographier et participer à des concours de costumes. ^[97] Les participants à la convention se déguisent aussi souvent en personnages de Bandes dessinées ou d’animation occidentaux, ou en personnages de films et de Jeux vidéo.

Des différences de goût existent toujours selon les cultures : certains costumes portés sans hésitation par les cosplayeurs japonais ont tendance à être évités par les cosplayeurs occidentaux, comme les tenues qui évoquent les uniformes nazis . Certains cosplayers occidentaux ont également rencontré des questions de légitimité lorsqu’ils jouaient des personnages d’origines raciales canoniquement différentes, ^{[98] [99]} et les gens peuvent être insensibles aux cosplayers jouant en tant que personnages qui sont canoniquement d’une autre couleur de peau. ^{[100] [101]} Les cosplayeurs occidentaux de personnages d’anime peuvent également faire l’objet de moqueries particulières. ^[102]

Contrairement au Japon, le port de costumes en public est plus accepté aux États-Unis et dans d’autres pays occidentaux. Ces pays ont une plus longue tradition de costumes d’Halloween, de costumes d’éventail et d’autres activités similaires. En conséquence, par exemple, les participants costumés à la convention peuvent souvent être vus dans les restaurants et restaurants locaux, au-delà des limites de la convention ou de l’événement. ^{[4] [5]}

Médias

Magazines et livres

Le Japon abrite deux magazines de cosplay particulièrement populaires, Cosmode (コスモード) et ASCII Media Works ‘ Dengeki Layers (電撃Layers). ^[103] Cosmode détient la plus grande part du marché et une édition numérique en anglais. ^[104] Un autre magazine, destiné à un public mondial plus large, est CosplayGen . ^[105] Aux États-Unis, Cosplay Culture a commencé à être publié en février 2015. ^[106] D’autres magazines incluent CosplayZine avec des cosplayeurs du monde entier depuis octobre 2015, ^[107] et Cosplay Realm Magazinequi a débuté en avril 2017. ^[108] Il existe également de nombreux livres sur le thème du cosplay. ^[109]

Documentaires et émissions de télé-réalité

• Cosplay Encyclopedia , un film de 1996 sur le cosplay japonais publié par Japan Media Supply. Il est sorti en VHS sous-titré par Anime Works en 1999, ^[110] finalement sorti sur DVD en 2002. ^[111]
• Otaku unissez-vous ! , un film de 2004 sur la sous-culture otaku, présente de nombreuses images de cosplayers.
• Akihabara Geeks , un court métrage japonais de 2005. ^[112]
• Animania: The Documentary ^[113] est un film de 2007 qui explore le phénomène culturel du cosplay en Amérique du Nord, en suivant quatre cosplayers de diverses ethnies alors qu’ils se préparent à concourir à Anime North , la plus grande convention d’anime au Canada.
• Conventional Dress est un court documentaire sur le cosplay à Dragon Con réalisé par Celia Pearce et ses étudiants en 2008. ^[114]
• Cosplayers: The Movie , sorti en 2009 par Martell Brothers Studios pour une visualisation gratuite sur YouTube ^[115] et Crunchyroll , ^[116] explore la sous-culture anime en Amérique du Nord avec des images de conventions d’anime et des interviews avec des fans, des doubleurs et des artistes.
• ” I’m a Fanboy “, un épisode de 2009 de la série MTV True Life , axé sur le fandom et le cosplay. ^[117]
• Fanboy Confessional , une série Space Channel de 2011qui présentait un épisode sur le cosplay et les cosplayeurs du point de vue d’un initié.
• Comic-Con Episode IV: A Fan’s Hope , un film de 2011 sur quatre participants au San Diego Comic-Con, dont un cosplayer.
• America’s Greatest Otaku , une série télévisée de 2011 où les prétendants comprenaient des cosplayeurs. ^[118]
• Cosplayers UK: The Movie , un film de 2011 suivant une petite sélection de cosplayers à la London MCM Expo. ^[119]
• My Other Me: A Film About Cosplayers , relatant une année dans la vie de trois cosplayeurs différents : un cosplayeur vétéran qui a lancé une carrière dans le cosplay, un jeune de 14 ans débutant et un homme transgenre qui s’est retrouvé grâce au cosplay . Il est sorti en 2013 et était un segment vedette sur The Electric Playground . ^[120]
• Heroes of Cosplay , une émission de téléréalité sur le cosplay créée en 2013 sur le réseau Syfy . Il suit neuf cosplayers alors qu’ils créent leurs costumes, se rendent à des conventions et participent à des concours. ^[121]
• “24 heures avec un personnage de Comic Con”, un segment de CNNMoney suivant autour d’une cosplayeuse connue alors qu’elle se préparait et assistait au New York Comic Con . ^[122]
• WTF c’est du cosplay ? , une émission de téléréalité créée en 2015 sur le réseau Channel 4 . Il suit six cosplayers tout au long de leur vie quotidienne et ce que le cosplay signifie pour eux. ^[123]
• Call to Cosplay , une émission de télé-réalité de compétition qui a été créée en 2014 sur Myx TV . Il s’agit d’un concours de conception de cosplay où les candidats ont été chargés de créer des costumes en fonction du thème et des contraintes de temps.
• Cosplay Melee , une émission de télé-réalité de compétition sur le cosplay qui a été créée en 2017 sur le réseau Syfy .
• Cosplay Culture , un documentaire de 90 minutes qui suit des cosplayers lors de préparations et de conventions au Canada, au Japon et en Roumanie. Comprend une visite d’Akihabara (Japon), un défilé geek Mardi Gras à la Nouvelle-Orléans et un aperçu historique expliquant l’origine du cosplay.

D’autres média

• Cosplay Complex , une mini-série animée de 2002.
• Centre-ville pas Gaki pas Tsukai ya Arahende !! , une émission de variétés télévisée japonaise qui comprend le segment de la série Cosplay Bus Tour.
• Super Cosplay War Ultra , un jeu de combat gratuit de 2004.
• Un grand nombre de films érotiques et pornographiques mettant en scène des actrices cosplayeuses ; beaucoup de ces films proviennent de la société japonaise TMA . ^[124]

Groupes et organisations de cosplay

• 501e Légion
• Légion rebelle

Voir également

• Fandom d’anime et de manga
• Fête costumée
• Personnage costumé
• Évasion
• Travail du ventilateur
• Fandom poilu
• costume d’Halloween
• Iga Ueno Ninja Festa
• La culture pop japonaise aux États-Unis
• Mode de rue japonaise
• Liste des cosplayeurs
• Mode Lolita
• Se ressembler
• Super-héros de la vie réelle
• Jeu de rôle sexuel
• Fétichisme uniforme
• Marche des zombies

Remarques

1. ^ Le costume de Mari Kotani a parfois été présenté à tort comme un costume de Triton (du manga Triton of the Sea ) en raison de sa similitude visuelle et parce que Kotani était connu comme membre du fan club TRITON.

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Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés au cosplay .

• Cosplay chez Curlie

Vidéo externe
[1] Une vue cinéma vérité des participants au [[Japan Ultra}]] de 2017