Baroque

Dans les arts décoratifs , le style emploie une ornementation abondante et complexe. Le départ du classicisme de la Renaissance a ses propres voies dans chaque pays. Mais une caractéristique générale est que partout le point de départ est les éléments ornementaux introduits par la Renaissance . Le répertoire classique est encombré, dense, imbriqué, chargé, afin de provoquer des effets de choc. Les nouveaux motifs introduits par le baroque sont : le cartouche , les trophées et les armes, les corbeilles de fruits ou de fleurs, et autres, réalisés en marqueterie , en stuc , ou sculptés. ^[2]

Origine du mot

Pendentif en forme de sirène , formé d’une perle baroque (le torse) avec des montures en or émaillé serties de rubis, probablement vers 1860, au Metropolitan Museum of Art (New York City)

Le mot anglais baroque vient directement du français (comme le suggère l’orthographe standard de la langue anglaise moderne). Certains chercheurs affirment que le mot français provient du terme portugais barroco (“une perle imparfaite”), pointant vers ^{[ clarification nécessaire ]} le latin verruca , ^[3] (“verrue”), ou vers un mot avec le suffixe -ǒccu ( commun dans la péninsule ibérique pré-romaine). ^{[4] [5] [6]} D’autres sources suggèrent un terme latin médiéval utilisé dans la logique, baroco , comme source la plus probable. ^[7]

Au XVIe siècle, le mot latin médiéval baroco a dépassé la logique scolastique et est entré en usage pour caractériser tout ce qui semblait absurdement complexe. Le philosophe français Michel de Montaigne (1533-1592) a associé le terme baroco à “Bizarre et inutilement compliqué”. ^[8] D’autres premières sources associent le baroco à la magie, à la complexité, à la confusion et à l’excès. ^[7]

Le mot baroque était également associé aux perles irrégulières avant le XVIIIe siècle. Le baroque français et le barroco portugais étaient des termes souvent associés aux bijoux. Un exemple de 1531 utilise le terme pour décrire les perles dans un inventaire des trésors de Charles V de France . ^[9] Plus tard, le mot apparaît dans une édition de 1694 du Dictionnaire de l’Académie française, qui décrit le baroque comme “uniquement utilisé pour les perles imparfaitement rondes”. ^[10] Un dictionnaire portugais de 1728 décrit de manière similaire le barroco comme se rapportant à une “perle grossière et inégale”. ^[11]

Une autre dérivation du mot baroque renvoie au nom du peintre italien Federico Barocci (1528-1612). ^[12]

Au XVIIIe siècle, le terme a commencé à être utilisé pour décrire la musique, et non de manière flatteuse. Dans une critique satirique anonyme de la création d’Hippolyte et Aricie de Jean – Philippe Rameau en octobre 1733, qui fut imprimée au Mercure de France en mai 1734, le critique écrivit que la nouveauté de cet opéra était « du baroque », se plaignant que la musique manquait de mélodie cohérente, n’épargnait pas les dissonances, changeait constamment de tonalité et de mètre, et parcourait rapidement tous les dispositifs de composition. ^[13]

En 1762 , Le Dictionnaire de l’Académie française enregistrait que le terme pouvait décrire au sens figuré quelque chose “d’irrégulier, de bizarre ou d’inégal”. ^[14]

Jean-Jacques Rousseau , qui était musicien et compositeur aussi bien que philosophe, écrivait en 1768 dans l’ Encyclopédie : « La musique baroque est celle où l’harmonie est confuse, et chargée de modulations et de dissonances. Le chant est dur et contre nature, l’intonation difficile et le mouvement limité. Il semble que ce terme provienne du mot “baroco” utilisé par les logiciens.” ^{[8] [15]}

En 1788 , Quatremère de Quincy définit le terme dans l’ Encyclopédie Méthodique comme “un style architectural hautement orné et tourmenté”. ^[16]

Les termes français style baroque et musique baroque sont apparus dans Le Dictionnaire de l’Académie française en 1835 . ^[17] Au milieu du 19e siècle, les critiques d’art et les historiens avaient adopté le terme « baroque » comme moyen de ridiculiser l’art post-Renaissance. C’était le sens du mot tel qu’il était utilisé en 1855 par le célèbre historien de l’art Jacob Burckhardt , qui écrivait que les artistes baroques “méprisaient et abusaient des détails” parce qu’ils manquaient de “respect de la tradition”. ^[18]

En 1888, l’historien de l’art Heinrich Wölfflin publie le premier ouvrage académique sérieux sur le style, Renaissance und Barock , qui décrit les différences entre la peinture, la sculpture et l’architecture de la Renaissance et du baroque. ^[19]

Architecture : origines et caractéristiques

Quadratura ou plafond en trompe-l’œil de l’ église du Gesù de Rome, par Giovanni Battista Gaulli , de 1673 à 1678 ^[20]

Le style baroque de l’architecture est le résultat des doctrines adoptées par l’ Église catholique au Concile de Trente en 1545-1563, en réponse à la Réforme protestante . La première phase de la Contre-Réforme avait imposé un style académique sévère à l’architecture religieuse, qui avait séduit les intellectuels mais pas la masse des fidèles. Le Concile de Trente a plutôt décidé de faire appel à un public plus populaire et a déclaré que les arts devaient communiquer des thèmes religieux avec une implication directe et émotionnelle. ^{[21] [22]} De même, l’art baroque luthérien s’est développé comme marqueur confessionnel d’identité, en réponse au Grand Iconoclasme des calvinistes. ^[23]

Les églises baroques ont été conçues avec un grand espace central, où les fidèles pouvaient être proches de l’autel, avec un dôme ou une coupole au-dessus de la tête, permettant à la lumière d’éclairer l’église en dessous. Le dôme était l’un des éléments symboliques centraux de l’architecture baroque illustrant l’union entre les cieux et la terre. L’intérieur de la coupole était richement décoré de peintures d’anges et de saints, et de statuettes d’anges en stuc, donnant l’impression à ceux d’en bas. de regarder le ciel. ^[24] Une autre caractéristique des églises baroques est la quadratura ; peintures en trompe-l’œil au plafond dans des cadres en stuc, réels ou peints, encombrés de peintures de saints et d’anges et reliés par des détails architecturaux aux balustrades et aux consoles.Des peintures quadratura d’ Atlantes sous les corniches semblent soutenir le plafond de l’église. Contrairement aux plafonds peints de Michel-Ange dans la chapelle Sixtine, qui combinaient différentes scènes, chacune avec sa propre perspective, à regarder une à la fois, les peintures baroques du plafond ont été soigneusement créées pour que le spectateur sur le sol de l’église puisse voir le plafond entier dans une perspective correcte, comme si les chiffres étaient réels.

Les intérieurs des églises baroques sont devenus de plus en plus ornés dans le haut baroque et se sont concentrés autour de l’autel, généralement placé sous le dôme. Les œuvres décoratives baroques les plus célèbres du haut baroque sont la chaire de Saint-Pierre (1647-1653) et le baldaquin de Saint-Pierre (1623-1634), tous deux de Gian Lorenzo Bernini , dans la basilique Saint-Pierre de Rome. Le Baldequin de Saint-Pierre est un exemple de l’équilibre des contraires dans l’art baroque ; les proportions gigantesques de la pièce, avec la légèreté apparente de la verrière ; et le contraste entre les solides colonnes torsadées, le bronze, l’or et le marbre de la pièce avec les draperies fluides des anges sur le dais. ^[25] La Frauenkirche de Dresdesert d’exemple éminent de l’art baroque luthérien, qui a été achevé en 1743 après avoir été commandé par le conseil municipal luthérien de Dresde et a été “comparé par les observateurs du XVIIIe siècle à Saint-Pierre de Rome”. ^[1]

La colonne torsadée à l’intérieur des églises est l’une des caractéristiques caractéristiques du baroque. Il donne à la fois une sensation de mouvement et une nouvelle façon spectaculaire de refléter la lumière. Le cartouche était un autre élément caractéristique de la décoration baroque. Il s’agissait de grandes plaques sculptées en marbre ou en pierre, généralement ovales et à surface arrondie, qui portaient des images ou du texte en lettres dorées, et étaient placées comme décoration intérieure ou au-dessus des portes des bâtiments, délivrant des messages à ceux en dessous. Ils montraient une grande variété d’inventions et se trouvaient dans tous les types de bâtiments, des cathédrales et des palais aux petites chapelles. ^[26]

Les architectes baroques utilisaient parfois la perspective forcée pour créer des illusions. Pour le Palazzo Spada à Rome, Borromini a utilisé des colonnes de taille décroissante, un sol rétréci et une statue miniature dans le jardin au-delà pour créer l’illusion qu’un passage mesurait trente mètres de long, alors qu’il ne faisait en réalité que sept mètres de long. Une statue au bout du passage semble grandeur nature, bien qu’elle ne mesure que soixante centimètres de haut. Borromini a conçu l’illusion avec l’aide d’un mathématicien.

Baroque italien

Basilique Saint-Pierre (Rome), achevée en 1615, par Donato Bramante , Michel- Ange , Carlo Maderno et autres ^[27]

Le premier bâtiment de Rome à avoir une façade baroque fut l’ église du Gesù en 1584 ; il était simple selon les normes baroques ultérieures, mais marquait une rupture avec les façades traditionnelles de la Renaissance qui l’ont précédé. L’intérieur de cette église est resté très austère jusqu’au haut baroque, où il a été richement orné.

À Rome en 1605, Paul V est devenu le premier d’une série de papes qui ont commandé des basiliques et des bâtiments d’église conçus pour inspirer l’émotion et la crainte à travers une prolifération de formes, une richesse de couleurs et des effets dramatiques. ^[28] Parmi les monuments les plus influents du premier baroque figuraient la façade de la basilique Saint-Pierre (1606–1619) et la nouvelle nef et la loggia qui reliaient la façade au dôme de Michel-Ange dans l’église antérieure. La nouvelle conception a créé un contraste dramatique entre le dôme en flèche et la façade disproportionnellement large, et le contraste sur la façade elle-même entre les colonnes doriques et la grande masse du portique. ^[29]

Du milieu à la fin du XVIIe siècle, le style a atteint son apogée, appelé plus tard le haut baroque. De nombreuses œuvres monumentales ont été commandées par les papes Urbain VIII et Alexandre VII . Le sculpteur et architecte Gian Lorenzo Bernini conçoit une nouvelle quadruple colonnade autour de la place Saint-Pierre (1656 à 1667). Les trois galeries de colonnes dans une ellipse géante équilibrent le dôme surdimensionné et donnent à l’église et à la place une unité et le sentiment d’un théâtre géant. ^[30]

Un autre innovateur majeur du haut baroque italien était Francesco Borromini , dont l’œuvre majeure était l’église de San Carlo alle Quattro Fontane ou Saint Charles des Quatre Fontaines (1634-1646). Le sens du mouvement n’est pas donné par la décoration, mais par les murs eux-mêmes, qui ondulent et par des éléments concaves et convexes, dont une tour ovale et un balcon insérés dans une traverse concave. L’intérieur était tout aussi révolutionnaire; l’espace principal de l’église était ovale, sous un dôme ovale. ^[30]

Les plafonds peints, bondés d’anges et de saints et d’effets architecturaux en trompe-l’œil , étaient une caractéristique importante du haut baroque italien. Les œuvres majeures comprenaient L’entrée de saint Ignace au paradis d’ Andrea Pozzo (1685–1695) dans l’ église Saint-Ignace à Rome et Le triomphe du nom de Jésus de Giovanni Battista Gaulli dans l’ église du Gesù à Rome (1669– 1683), qui présentait des personnages sortant du cadre de l’image et un éclairage oblique dramatique et des contrastes clair-obscur. ^[31] Le style s’est répandu rapidement de Rome dans d’autres régions d’Italie : il est apparu à Venise dans l’église deSanta Maria della Salute (1631-1687) de Baldassare Longhena , une forme octogonale très originale couronnée d’une énorme coupole. Il apparaît également à Turin, notamment dans la Chapelle du Saint Suaire (1668-1694) de Guarino Guarini . Le style a également commencé à être utilisé dans les palais; Guarini a conçu le Palazzo Carignano à Turin, tandis que Longhena a conçu la Ca ‘Rezzonico sur le Grand Canal , (1657), achevée par Giorgio Massari et décorée de peintures de Giovanni Battista Tiepolo . ^[32] Une série de tremblements de terre massifs en Sicileont nécessité la reconstruction de la plupart d’entre eux et plusieurs ont été construits dans l’exubérant style baroque tardif ou rococo.

• Santa Maria della Salute ( Venise ), 1631-1687, par Baldassare Longhena ^[33]

• San Carlo alle Quattro Fontane ( Rome ), 1638-1677, par Francesco Borromini ^[34]

• Fontana dei Quattro Fiumi (Rome), 1648-1651, par Gian Lorenzo Bernini ^[35]

• Place Saint-Pierre (Rome), 1656-1667, par Gian Lorenzo Bernini ^[27]

• Santa Maria della Pace (Rome), 1656-1667, par Pietro da Cortona ^[36]

Baroque espagnol

L’Église catholique en Espagne, et en particulier les jésuites, ont été le moteur de l’architecture baroque espagnole. La première grande œuvre de ce style fut la chapelle San Isidro à Madrid , commencée en 1643 par Pedro de la Torre . Il oppose une extrême richesse ornementale à l’extérieur à la simplicité à l’intérieur, divisée en plusieurs espaces et utilisant des effets de lumière pour créer un sentiment de mystère. ^[37] La ​​cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle a été modernisée avec une série d’ajouts baroques à partir de la fin du XVIIe siècle, en commençant par un clocher très orné (1680), puis flanqué de deux tours encore plus hautes et plus ornées, appelées le Obradorio , ajouté entre 1738 et 1750 parFernand de Casas Novoa . Un autre point de repère du baroque espagnol est la tour de la chapelle du Palais de San Telmo à Séville de Leonardo de Figueroa . ^[38]

Grenade n’avait été conquise par les Maures qu’au XVe siècle et possédait sa propre variété distincte de baroque. Le peintre, sculpteur et architecte Alonso Cano a conçu l’intérieur baroque de la cathédrale de Grenade entre 1652 et sa mort en 1657. Il présente des contrastes spectaculaires entre les colonnes blanches massives et le décor doré.

L’architecture la plus ornementale et la plus richement décorée du baroque espagnol est appelée style churrigueresque , du nom des frères Churriguera , qui travaillaient principalement à Salamanque et à Madrid. Leurs travaux comprennent les bâtiments de la place principale de la ville, la Plaza Mayor de Salamanque (1729). ^[38] Ce style baroque hautement ornemental était très influent dans de nombreuses églises et cathédrales construites par les Espagnols dans les Amériques.

Parmi les autres architectes baroques espagnols notables du baroque tardif, citons Pedro de Ribera , élève de Churriguera , qui a conçu l’ Hospice royal de San Fernando à Madrid , et Narciso Tomé , qui a conçu le célèbre retable El Transparente de la cathédrale de Tolède (1729-1732) qui donne l’illusion, dans une certaine lumière, de flotter vers le haut. ^[38]

Les architectes du baroque espagnol ont eu un effet bien au-delà de l’Espagne; leur travail a été très influent dans les églises construites dans les colonies espagnoles d’Amérique latine et des Philippines. L’église construite par les jésuites pour un collège à Tepotzotlán , avec sa façade et sa tour baroques ornées, en est un bon exemple. ^[39]

• Palacio de San Telmo ( Séville , Espagne), 1682–1796, par Leonardo de Figueroa

• Sacristie de la Chartreuse de Grenade ( Grenade , Espagne), 1727-1764, par Narciso Tomé ^[40]

• Façade de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle (Espagne), 1738, par Fernando de Casas Novoa ^[41]

Europe centrale

Karlskirche ( Vienne , Autriche ), 1715-1737, par Johann Bernhard Fischer von Erlach ^[42]

De 1680 à 1750, de nombreuses cathédrales, abbayes et églises de pèlerinage très ornées ont été construites en Europe centrale, en Bavière, en Autriche, en Bohême et dans le sud-ouest de la Pologne. Certaines sont de style rococo , un style distinct, plus flamboyant et asymétrique qui émerge du baroque, puis le remplace en Europe centrale dans la première moitié du XVIIIe siècle, jusqu’à ce qu’il soit remplacé à son tour par le classicisme. ^[43]

Les princes de la multitude d’États de cette région ont également choisi le baroque ou le rococo pour leurs palais et résidences, et ont souvent fait appel à des architectes formés en Italie pour les construire. ^[44] Les architectes notables ont inclus Johann Fischer von Erlach, Lukas von Hildebrandt et Dominikus Zimmermann en Bavière, Balthasar Neumann dans Bruhl et Matthäus Daniel Pöppelmann à Dresde. En Prusse, Frédéric II de Prusse s’inspire du Grand Trianon du château de Versailles , et l’utilise comme modèle pour sa résidence d’été, Sanssouci , à Potsdam , conçue pour lui parGeorg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1745–1747). Une autre œuvre de l’architecture palatiale baroque est le Zwinger à Dresde , l’ancienne orangerie du palais des ducs de Saxe au XVIIIe siècle.

L’un des meilleurs exemples d’église rococo est la Basilika Vierzehnheiligen, ou Basilique des Quatorze Saints Auxiliaires , une église de pèlerinage située près de la ville de Bad Staffelstein près de Bamberg, en Bavière , dans le sud de l’Allemagne. La basilique a été conçue par Balthasar Neumann et a été construite entre 1743 et 1772, son plan une série de cercles imbriqués autour d’un ovale central avec l’autel placé au centre exact de l’église. L’intérieur de cette église illustre le sommet de la décoration rococo. ^[45] Un autre exemple notable du style est l’église de pèlerinage de Wies ( allemand : Wieskirche ). Il a été conçu par les frères JBet Dominikus Zimmermann . Il est situé dans les contreforts des Alpes , dans la commune de Steingaden dans le district de Weilheim-Schongau , Bavière , Allemagne . La construction eut lieu entre 1745 et 1754, et l’intérieur fut décoré de fresques et de stucs dans la tradition de l’ école de Wessobrunner . C’est maintenant un site du patrimoine mondial de l’UNESCO.

Un autre exemple notable est l’ église Saint-Nicolas (Malá Strana) à Prague (1704-1755), construite par Christoph Dientzenhofer et son fils Kilian Ignaz Dientzenhofer . La décoration couvre tous les murs de l’intérieur de l’église. L’autel est placé dans la nef sous le dôme central, et entouré de chapelles, la lumière descend du dôme au-dessus et des chapelles environnantes. L’autel est entièrement entouré d’arcs, de colonnes, de balustrades courbes et de pilastres de pierre colorée, richement décorés de statues, créant une confusion délibérée entre l’architecture réelle et la décoration. L’architecture se transforme en un théâtre de lumière, de couleur et de mouvement. ^[25]

En Pologne, le baroque polonais d’inspiration italienne a duré du début du XVIIe au milieu du XVIIIe siècle et a mis l’accent sur la richesse des détails et des couleurs. Le premier édifice baroque de la Pologne actuelle et probablement l’un des plus reconnaissables est l’ église Saint-Pierre et Paul de Cracovie , conçue par Giovanni Battista Trevano . La colonne de Sigismond à Varsovie , érigée en 1644, fut le premier monument baroque séculaire au monde construit sous la forme d’une colonne. ^[46] Le style de résidence palatiale a été illustré par le palais de Wilanów , construit entre 1677 et 1696. ^[47]L’architecte baroque le plus renommé actif en Pologne était le Néerlandais Tylman van Gameren et ses œuvres remarquables incluent l’ église Saint-Kazimierz de Varsovie et le palais Krasiński , Sainte-Anne à Cracovie et le palais Branicki à Bialystok . ^[48] ​​Cependant, l’œuvre la plus célèbre du baroque polonais est l’ église Fara à Poznań , avec des détails de Pompeo Ferrari .

• Poznań Fara ( Poznań , Pologne ) 1651–1732, par Bartłomiej Nataniel Wąsowski, Giovanni Catenazzi, Pompeo Ferrari

• Colonne de la peste ( Vienne , Autriche ), 1682 et 1694, par Matthias Rauchmiller et Johann Bernhard Fischer von Erlach ^[49]

• Église Saint-Nicolas ( Prague , République tchèque ), 1703-1711, par Christoph Dientzenhofer ^[50]

• Belvédère supérieur (Vienne), 1717-1723, par Johann Lukas von Hildebrandt ^[51]

• Palais de Rogalin ( Rogalin , Pologne), 1768-1774 ^[52]

Baroque français

Divers ornements baroques français et éléments architecturaux

Le baroque en France s’est développé assez différemment des versions locales ornées et dramatiques du baroque d’Italie, d’Espagne et du reste de l’Europe. Il apparaît sévère, plus détaché et retenu par comparaison, devançant le néoclassicisme et l’architecture des Lumières . Contrairement aux bâtiments italiens, les bâtiments baroques français n’ont pas de frontons brisés ni de façades curvilignes. Même les édifices religieux évitaient le drame spatial intense que l’on retrouve dans l’œuvre de Borromini . Le style est étroitement associé aux ouvrages construits pour Louis XIV (règne 1643-1715), et pour cette raison, il est également connu sous le nom de style Louis XIV.. Louis XIV a invité le maître du baroque, le Bernin, à soumettre un projet pour la nouvelle aile du Louvre, mais l’a rejeté au profit d’un projet plus classique de Claude Perrault et Louis Le Vau . ^{[53] [54]}

Les principaux architectes du style sont François Mansart (1598-1666), Pierre Le Muet (Église du Val-de-Grâce , 1645-1665) et Louis Le Vau ( Vaux-le-Vicomte , 1657-1661). Mansart a été le premier architecte à introduire le style baroque, principalement l’utilisation fréquente d’un ordre appliqué et d’une forte rustication , dans le vocabulaire architectural français. Le toit mansardé n’a pas été inventé par Mansart, mais il lui est devenu associé, car il l’utilisait fréquemment. ^[55]

Le grand projet royal de l’époque est l’agrandissement du château de Versailles , commencé en 1661 par Le Vau avec une décoration par le peintre Charles Le Brun . Les jardins ont été conçus par André Le Nôtre spécifiquement pour compléter et amplifier l’architecture. La Galerie des Glaces, pièce maîtresse du château, avec des peintures de Le Brun, est construite entre 1678 et 1686. Mansart achève le Grand Trianon en 1687. La chapelle, dessinée par de Cotte, est achevée en 1710. Après la mort de Louis XIV, Louis XV a ajouté le Petit Trianon plus intimeet le théâtre très orné. Les fontaines des jardins ont été conçues pour être vues de l’intérieur et pour ajouter à l’effet dramatique. Le palais a été admiré et copié par d’autres monarques d’Europe, en particulier Pierre le Grand de Russie, qui a visité Versailles au début du règne de Louis XV, et a construit sa propre version au palais de Peterhof près de Saint-Pétersbourg, entre 1705 et 1725. ^[56]

• Château de Maisons (France), par François Mansart , 1630-1651 ^[57]

• Façade est du Louvre (Paris), 1665-1680, par Claude Perrault et Louis Le Vau ^[58]

• Chapelle du château de Versailles ( Versailles , France), 1696-1710 ^[59]

• Porte Saint-Denis (Paris), 1672, par François Blondel ^[60]

• Dôme des Invalides (Paris), 1677-1706, par Jules Hardouin-Mansart ^[61]

• Galerie des glaces du château de Versailles, 1678-1684 ^[62]

• Façade jardin du château de Versailles, 1678-1688, par Jules Hardouin-Mansart ^[63]

• La cour de marbre du château de Versailles, 1680 ^[64]

• Place Vendôme (Paris), 1699-1706, par Jules Hardouin-Mansart ^[65]

• Hôtel de Rothelin-Charolais (Paris), 1700-1704, par Pierre Cailleteau ^[66]

Baroque portugais

L’architecture baroque au Portugal a duré environ deux siècles (la fin du XVIIe siècle et le XVIIIe siècle). Les règnes de Jean V et de Joseph I avaient augmenté les importations d’or et de diamants, dans une période appelée l’absolutisme royal, qui a permis au baroque portugais de s’épanouir.

L’architecture baroque au Portugal jouit d’une situation particulière et d’une chronologie différente du reste de l’Europe.

Il est conditionné par plusieurs facteurs politiques, artistiques et économiques, qui sont à l’origine de plusieurs phases, et différents types d’influences extérieures, résultant en un mélange unique, ^[67] souvent mal compris par ceux qui recherchent l’art italien, trouvent à la place des formes et des caractères spécifiques qui lui donner une variété portugaise unique. Un autre facteur clé est l’existence de l’architecture jésuitique, également appelée “style simple” (Estilo Chão ou Estilo Plano) ^[68] qui, comme son nom l’évoque, est plus simple et semble quelque peu austère.

Les bâtiments sont des basiliques à pièce unique, chapelle principale profonde, chapelles latérales (avec de petites portes pour la communication), sans décoration intérieure et extérieure, portail et fenêtres très simples. C’est un bâtiment très pratique, lui permettant d’être construit dans tout l’empire avec des ajustements mineurs, et prêt à être décoré plus tard ou lorsque les ressources économiques seront disponibles.

En fait, le premier baroque portugais ne manque pas de construction car le “style simple” est facile à transformer, au moyen de la décoration (peinture, carrelage, etc.), transformant les espaces vides en scénarios baroques pompeux et élaborés. La même chose pourrait être appliquée à l’extérieur. Par la suite, il est facile d’adapter le bâtiment au goût de l’époque et du lieu et d’ajouter de nouvelles fonctionnalités et détails. Pratique et économique.

Avec plus d’habitants et de meilleures ressources économiques, le nord, en particulier les régions de Porto et de Braga , ^{[69] [70] [71]} a connu un renouveau architectural, visible dans la longue liste d’églises, de couvents et de palais construits par l’aristocratie.

Porto est la ville du baroque au Portugal. Son centre historique fait partie de la liste du patrimoine mondial de l’UNESCO . ^[72]

De nombreuses œuvres baroques dans le quartier historique de la ville et au-delà appartiennent à Nicolau Nasoni , un architecte italien vivant au Portugal, dessinant des bâtiments originaux avec un emplacement scénographique comme l’ église et la tour des Clérigos , ^[73] la logia de la cathédrale de Porto , l’église de Misericórdia, le Palais de São João Novo , ^[74] le palais de Freixo , ^[75] le palais épiscopal ( portugais : Paço Episcopal do Porto ) ^[76] ainsi que beaucoup d’autres.

• Bibliothèque universitaire ( Université de Coimbra , Coimbra , Portugal ), 1716-1728, par Gaspar Ferreira ^[77]

• Palais de Mafra ( Mafra , Portugal), 1717-1755, par João Frederico Ludovice ^[78]

• Grand escalier de l’ église de pèlerinage de Bom Jesus do Monte ( Braga , Portugal), ch. 1784, par Carlos Luís Ferreira Amarante et autres ^[79]

Baroque russe

Les débuts du baroque russe, ou baroque pétrinien , ont suivi une longue visite de Pierre le Grand en Europe occidentale en 1697-1698, où il a visité les châteaux de Fontainebleau et de Versailles ainsi que d’autres monuments architecturaux. Il décida, à son retour en Russie, de construire des monuments similaires à Saint-Pétersbourg , qui devint la nouvelle capitale de la Russie en 1712. Les premiers monuments majeurs du baroque pétrinien incluent la cathédrale Pierre et Paul et le palais Menchikov .

Sous le règne de l’ impératrice Anna et d’ Elizaveta Petrovna , l’architecture russe était dominée par le luxueux style baroque de Bartolomeo Rastrelli , d’origine italienne, qui s’est transformé en baroque élisabéthain . Les bâtiments emblématiques de Rastrelli comprennent le palais d’hiver , le palais Catherine et la cathédrale Smolny . D’autres monuments distinctifs du baroque élisabéthain sont le clocher de la laure Troitse-Sergiyeva et la porte rouge . ^[80]

À Moscou , le baroque narychkine s’est répandu, notamment dans l’architecture des églises orthodoxes orientales à la fin du XVIIe siècle. C’était une combinaison de baroque d’Europe occidentale avec des styles folkloriques russes traditionnels.

• Jardins de Peterhof ( Saint-Pétersbourg , Russie ), 1746–1758 ^[81]

• Couvent Smolny (Saint-Pétersbourg), 1748, par Francesco Bartolomeo Rastrelli ^[82]

• Tsarskoïe Selo ( Pouchkine , Russie), 1749-1756, par Francesco Bartolomeo Rastrelli ^[83]

Baroque dans les Amériques coloniales espagnoles et portugaises

Façade de l’ église des Jésuites d’ Arequipa ( Pérou ), 1698-1699, par Diego de Adrián et autres ^[84]

Du fait de la colonisation des Amériques par les pays européens, le baroque s’est naturellement déplacé vers le Nouveau Monde , trouvant un terrain particulièrement favorable dans les régions dominées par l’Espagne et le Portugal, les deux pays étant des monarchies centralisées et irréductiblement catholiques, par extension soumises à Rome et adhérentes de le contre-réformiste baroque le plus typique. Les artistes européens ont émigré en Amérique et ont fait école, et avec la pénétration généralisée des missionnaires catholiques , dont beaucoup étaient des artistes qualifiés, ont créé un baroque multiforme souvent influencé par le goût populaire. Le Criollo et les Indiensles artisans ont beaucoup fait pour donner à ce baroque des caractéristiques uniques. Les principaux centres de culture baroque américaine, encore debout, sont (dans cet ordre) le Mexique , le Pérou , le Brésil , l’Équateur , Cuba , la Colombie , la Bolivie , le Guatemala , le Panama et Porto Rico .

Il convient de noter en particulier le soi-disant “baroque missionnaire”, développé dans le cadre des réductions espagnoles dans des zones s’étendant du Mexique et des parties sud-ouest des États-Unis actuels jusqu’au sud de l’Argentine et du Chili, des colonies indigènes organisées par l’Église catholique espagnole. missionnaires afin de les convertir à la foi chrétienne et de les acculturer à la vie occidentale, formant un baroque hybride influencé par la culture autochtone, où s’épanouirent les Criolloset de nombreux artisans et musiciens indiens, même alphabétisés, certains d’une grande capacité et d’un talent qui leur sont propres. Les récits des missionnaires répètent souvent que l’art occidental, en particulier la musique, avait un effet hypnotique sur les forestiers et que les images de saints étaient considérées comme ayant de grands pouvoirs. Beaucoup d’Indiens se convertissent et une nouvelle forme de dévotion se crée, d’une intensité passionnée, chargée de mysticisme, de superstition et de théâtralité, qui se complaît dans les messes festives, les concerts sacrés et les mystères. ^{[85] [86]}

L’architecture baroque coloniale en Amérique espagnole se caractérise par une décoration abondante (portail de l’église La Profesa , Mexico ; façades couvertes d’ azulejos de style Puebla , comme dans l’ église de San Francisco Acatepec à San Andrés Cholula et l’ église conventuelle de San Francisco de Puebla ), qui sera exacerbée dans le style dit churrigueresque (Façade du Tabernacle de la Cathédrale de Mexico , de Lorenzo Rodríguez ; Église de San Francisco Javier , Tepotzotlán ; Église de Santa Priscade Taxco ). Au Pérou , les constructions principalement développées dans les villes de Lima , Cusco , Arequipa et Trujillo , depuis 1650 présentent des caractéristiques originales qui sont avancées même au baroque européen, comme dans l’utilisation de murs coussinés et de colonnes solomoniques ( église de la Compañía de Jesús , Cusco ; Basilique et couvent de San Francisco , Lima ). ^[87] D’autres pays incluent : la Cathédrale Métropolitaine de Sucre en Bolivie ;Basilique Cathédrale d’Esquipulas au Guatemala ; Cathédrale de Tegucigalpa au Honduras ; Cathédrale de León au Nicaragua ; l’ église de la Compañía de Jesús à Quito , Équateur ; l’ église de San Ignacio à Bogotá , Colombie ; la cathédrale de Caracas au Venezuela ; le Cabildo de Buenos Aires en Argentine ; l’ église de Santo Domingo à Santiago , Chili ; etCathédrale de La Havane à Cuba . Il convient également de rappeler la qualité des églises des missions jésuites espagnoles en Bolivie , des missions jésuites espagnoles au Paraguay , des missions espagnoles au Mexique et des missions franciscaines espagnoles en Californie . ^[88]

Au Brésil , comme dans la métropole, le Portugal , l’architecture a une certaine influence italienne , généralement de type borrominesque , comme on peut le voir dans la co-cathédrale de Recife (1784) et l’église de Nossa Senhora da Glória do Outeiro à Rio de Janeiro . Janeiro (1739). Dans la région de Minas Gerais , a mis en évidence le travail d’ Aleijadinho , auteur d’un groupe d’églises qui se distinguent par leur planimétrie courbe, des façades à effets dynamiques concaves-convexes et un traitement plastique de tous les éléments architecturaux ( Église de São Francisco de Assis à Ouro Preto , 1765-1788).

• Cathédrale de Cusco ( Cusco , Pérou ), 1559–1654 ^[89]

• Église de San Francisco Acatepec ( San Andrés Cholula , Mexique ), XVIIe-XVIIIe siècles

• Église de San Lorenzo de Carangas ( Potosí , Bolivie ), milieu du XVIe siècle – c. 1744 ^{[90] [91]}

• Église de Santo Domingo ( Santiago , Chili ), 1747–1808 ^[92]

• Église de Santa Prisca de Taxco ( Taxco , Mexique ), 1751–1758, par Diego Durán et Cayetano Sigüenza ^[93]

Le baroque dans l’Asie coloniale espagnole et portugaise

Dans les colonies portugaises de l’Inde ( Goa , Daman et Diu ), un style architectural de formes baroques mélangées à des éléments hindous a prospéré, comme la cathédrale de Goa et la basilique de Bom Jesus de Goa, qui abrite le tombeau de saint François Xavier . L’ensemble des églises et des couvents de Goa a été déclaré site du patrimoine mondial en 1986.

Aux Philippines , qui ont longtemps fait partie de l’Empire espagnol, un grand nombre de constructions baroques sont conservées, dont les églises baroques des Philippines dont quatre, et la ville baroque et néoclassique de Vigan , sont toutes deux classées au patrimoine mondial de l’UNESCO. Sites patrimoniaux . C’était aussi très remarquable la ville fortifiée de Manille (Intramuros). Tayabas est une autre ville avec un baroque de l’époque espagnole remarquablement préservé .

• São Paulo ( Macao , Chine ), 1601 ^[94]

• São Paulo ( Diu , Inde ), 1601 ^[95]

• Église Saint-Augustin ( Paoay , Luzon , Philippines ), commencée en 1694 ^[96]

• Chaire ( Basilique du Bon Jésus , Goa , Inde), XVIIIe siècle ^[97]

Peinture

Las Ménines ; de Diego Velázquez ; 1656 ; huile sur toile; 3,18 cm × 2,76 m; Musée du Prado ( Madrid , Espagne) ^[98]

Les peintres baroques ont travaillé délibérément pour se démarquer des peintres de la Renaissance et de la période maniériste qui l’a suivi. Dans leur palette, ils utilisaient des couleurs intenses et chaudes, et utilisaient particulièrement les couleurs primaires rouge, bleu et jaune, mettant fréquemment les trois à proximité. ^[99]Ils évitaient l’éclairage uniforme de la peinture de la Renaissance et utilisaient de forts contrastes de lumière et d’obscurité sur certaines parties de l’image pour attirer l’attention sur les actions ou les personnages centraux. Dans leur composition, ils évitaient les scènes tranquilles des peintures de la Renaissance et choisissaient les moments du plus grand mouvement et du plus grand drame. Contrairement aux visages tranquilles des peintures de la Renaissance, les visages des peintures baroques expriment clairement leurs émotions. Ils utilisaient souvent l’asymétrie, l’action se produisant loin du centre de l’image, et créaient des axes qui n’étaient ni verticaux ni horizontaux, mais inclinés vers la gauche ou la droite, donnant une impression d’instabilité et de mouvement. Ils rehaussaient cette impression de mouvement en faisant souffler par le vent les costumes des personnages ou les mouvoir par leurs propres gestes. Les impressions générales étaient le mouvement,^[100] Un autre élément essentiel de la peinture baroque était l’allégorie ; chaque tableau racontait une histoire et avait un message, souvent crypté dans des symboles et des caractères allégoriques, qu’un spectateur instruit était censé connaître et lire. ^[101]

Les premières preuves des idées baroques italiennes dans la peinture se sont produites à Bologne, où Annibale Carracci , Agostino Carracci et Ludovico Carracci ont cherché à ramener les arts visuels au classicisme ordonné de la Renaissance. Leur art, cependant, incorporait également des idées centrales de la Contre-Réforme ; ceux-ci comprenaient des émotions intenses et des images religieuses qui faisaient plus appel au cœur qu’à l’intellect. ^[102]

Un autre peintre influent de l’époque baroque était Michelangelo Merisi da Caravaggio . Son approche réaliste de la figure humaine, peinte directement d’après nature et éclairée de manière spectaculaire sur un fond sombre, a choqué ses contemporains et ouvert un nouveau chapitre dans l’histoire de la peinture. Parmi les autres grands peintres étroitement associés au style baroque, citons Artemisia Gentileschi , Elisabetta Sirani , Giovanna Garzoni , Guido Reni , Domenichino , Andrea Pozzo et Paolo de Matteis en Italie ; Francisco de Zurbarán et Diego Velázquez en Espagne ; Adam Elsheimeren Allemagne; et Nicolas Poussin et Georges de La Tour en France (bien que Poussin ait passé la majeure partie de sa vie professionnelle en Italie). Poussin et La Tour ont adopté un style baroque “classique” avec moins d’accent sur l’émotion et une plus grande attention à la ligne des personnages du tableau qu’à la couleur.

Peter Paul Rubens était le peintre le plus important du style baroque flamand . Les compositions très chargées de Rubens font référence à des aspects érudits de l’histoire classique et chrétienne. Son style baroque unique et immensément populaire mettait l’accent sur le mouvement, la couleur et la sensualité, qui suivait le style artistique immédiat et dramatique promu par la Contre-Réforme . Rubens s’est spécialisé dans la réalisation de retables, de portraits, de paysages et de peintures d’histoire de sujets mythologiques et allégoriques.

Un domaine important de la peinture baroque était la Quadratura , ou les peintures en trompe-l’œil , qui littéralement “trompaient l’œil”. Celles-ci étaient généralement peintes sur le stuc des plafonds ou des murs supérieurs et des balustrades, et donnaient l’impression à ceux qui regardaient au sol qu’ils voyaient les cieux peuplés de foules d’anges, de saints et d’autres figures célestes, contre des cieux peints et architecture imaginaire. ^[43]

En Italie, les artistes ont souvent collaboré avec des architectes sur la décoration intérieure ; Pietro da Cortona était l’un des peintres du XVIIe siècle qui a utilisé cette manière illusionniste de peindre. Parmi ses commandes les plus importantes figuraient les fresques qu’il a peintes pour le palais de la famille Barberini (1633-1639), pour glorifier le règne du pape Urbain VIII . Les compositions de Pietro da Cortona étaient les plus grandes fresques décoratives exécutées à Rome depuis les travaux de Michel-Ange à la Chapelle Sixtine . ^[103]

François Boucher était une figure importante du style rococo français plus délicat, apparu à la fin de la période baroque. Il a conçu des tapisseries, des tapis et des décorations de théâtre ainsi que de la peinture. Son travail était extrêmement populaire auprès de Madame Pompadour , la maîtresse du roi Louis XV . Ses peintures comportaient des thèmes romantiques mythologiques et légèrement érotiques. ^[104]

• Résurrection du Christ ; par Annibale Carrache ; 1593 ; huile sur toile; 217 x 160 cm; Louvre ^[105]

• Triomphe de Bacchus et d’Adriane (partie des Amours des Dieux ) ; par Annibale Carrache ; c. 1597-1600 ; fresque; longueur (galerie) : 20,2 m ; Palais Farnèse (Rome) ^[106]

• L’appel de St Matthieu ; par Caravage ; c. 1602–1604 ; huile sur toile; 3 x 2 mètres ; San Luigi dei Francesi (Rome) ^[107]

• Autoportrait avec Isabella Brant; par Pierre Paul Rubens ; c. 1609-1610 ; huile sur toile; 1,78 x 1,37 m; Alte Pinakothek ( Munich , Allemagne) ^[108]

• Les Quatre Continents ; par Pierre Paul Rubens ; c. 1615 ; huile sur toile; 209 × 284 cm; Kunsthistorisches Museum ( Vienne , Autriche)

• L’Enlèvement des Sabines ; par Nicolas Poussin ; 1634–1635 ; huile sur toile; 1,55 × 2,1 m ; Musée métropolitain d’art (New York) ^[109]

• La Ronde de Nuit ; de Rembrandt ; 1642 ; huile sur toile; 3,63 × 4,37 m; Rijksmuseum ( Amsterdam , Pays- Bas ) ^[110]

• L’embarquement de la reine de Saba ; de Claude Lorrain ; 1648 ; huile sur toile; 149,1 × 196,7 cm; Galerie nationale (Londres)

• Le Triomphe de Bacchus ; de Michaëlina Wautier ; avant 1659; huile sur toile; 270 x 354 cm; Kunsthistorisches Museum ^[111]

• Vanité nature morte ; par Maria van Oosterwijck ; 1668 ; huile sur toile; 73 × 88,5 cm; Kunsthistorisches Museum ^[112]

Amériques hispaniques

Exemple de peinture bolivienne (partie de l’ école de Cusco ) : un ange arquebusier ; par Maître de Calamarca ; 17ème siècle

Dans les Amériques hispaniques, les premières influences provenaient du ténébrisme sévillan , principalement de Zurbarán — dont certaines œuvres sont encore conservées au Mexique et au Pérou — comme on peut le voir dans l’œuvre des Mexicains José Juárez et Sebastián López de Arteaga , et de la Bolivienne. Melchor Pérez de Holguín . L’ école de peinture de Cusco est née après l’arrivée du peintre italien Bernardo Bitti en 1583, qui a introduit le maniérisme dans les Amériques. Il a mis en lumière le travail de Luis de Riaño , disciple de l’italien Angelino Medoro, auteur des peintures murales de l’ Église de Saint Pierre d ‘ Andahuaylillas . Il a également mis en lumière les peintres indiens ( quechua ) Diego Quispe Tito et Basilio Santa Cruz Pumacallao , ainsi que Marcos Zapata , auteur des cinquante grandes toiles qui couvrent les hautes arches de la cathédrale de Cusco . En Équateur , l’ école de Quito a été formée, principalement représentée par le métis Miguel de Santiago et le criollo Nicolás Javier de Goríbar .

Au XVIIIe siècle, les retables sculpturaux commencent à être remplacés par des peintures, développant notamment la peinture baroque aux Amériques. De même, la demande d’œuvres civiles, principalement des portraits des classes aristocratiques et de la hiérarchie ecclésiastique, a augmenté. L’influence principale était le Murillesque , et dans certains cas – comme dans le criollo Cristóbal de Villalpando – celle de Valdés Leal . La peinture de cette époque a un ton plus sentimental, avec des formes douces et plus douces. Il met en lumière Gregorio Vásquez de Arce en Colombie , et Juan Rodríguez Juárez et Miguel Cabrera au Mexique .

Sculpture

La figure dominante de la sculpture baroque était Gian Lorenzo Bernini . Sous le patronage du pape Urbain VIII , il réalisa une remarquable série de statues monumentales de saints et de personnages dont les visages et les gestes exprimaient vivement leurs émotions, ainsi que des portraits en buste d’un réalisme exceptionnel, et des œuvres hautement décoratives pour le Vatican comme l’imposante Chaire de Saint-Pierre sous le dôme de la Basilique Saint-Pierre . En outre, il a conçu des fontaines avec des groupes monumentaux de sculptures pour décorer les principales places de Rome. ^[113]

La sculpture baroque s’inspire de la statuaire romaine antique, en particulier de la célèbre statue de Laocoön du premier siècle de notre ère , qui a été déterrée en 1506 et exposée dans la galerie du Vatican. Lors de sa visite à Paris en 1665, le Bernin s’adresse aux élèves de l’académie de peinture et de sculpture. Il a conseillé aux étudiants de travailler à partir de modèles classiques plutôt qu’à partir de la nature. Il a dit aux élèves : “Quand j’ai eu des problèmes avec ma première statue, j’ai consulté l’ Antinoüs comme un oracle.” ^[114] Cette statue d’ Antinoüs est aujourd’hui connue sous le nom d’Hermès du Museo Pio-Clementino .

Parmi les sculpteurs baroques français tardifs notables figuraient Étienne Maurice Falconet et Jean Baptiste Pigalle . Pigalle a été chargé par Frédéric le Grand de fabriquer des statues pour la propre version de Frédéric de Versailles à Sanssouci à Potsdam , en Allemagne. Falconet reçut également une importante commande étrangère, créant la célèbre statue de Pierre le Grand à cheval retrouvée à Saint-Pétersbourg .

En Espagne, le sculpteur Francisco Salzillo travaillait exclusivement sur des thèmes religieux, utilisant du bois polychromé. Certains des plus beaux savoir-faire sculpturaux baroques ont été trouvés dans les autels en stuc doré des églises des colonies espagnoles du Nouveau Monde, fabriqués par des artisans locaux; les exemples incluent la chapelle du Rosaire de l’église de Santo Domingo à Oaxaca (Mexique), 1724–1731.

• Sainte Véronique ; de Francesco Mochi ; 1629-1639 ; marbre de Carrare ; hauteur : 5 m ; Basilique Saint-Pierre ( Cité du Vatican )

• Extase de sainte Thérèse ; par Gian Lorenzo Bernini ; 1647–1652 ; marbre; hauteur : 3,5 m ; Santa Maria della Vittoria (Rome) ^[115]

• La renommée du roi chevauchant Pégase ; par Antoine Coysevox ; 1698-1702 ; marbre de Carrare ; hauteur : 3,15 m ; Louvre ^[116]

• Vénus donnant les armes à Enée ; par Jean Cornu ; 1704 ; terre cuite et bois peint; hauteur : 108 cm ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• La Mort d’Adonis ; de Giuseppe Mazzuoli ; années 1710 ; marbre; hauteur : 193 cm ; Musée de l’Ermitage ( Saint-Pétersbourg , Russie )

Meubles

Les principaux motifs utilisés sont : les cornes d’abondance , les festons , les bébés anges , les têtes de lion tenant un anneau de métal dans la gueule, les visages féminins entourés de guirlandes, les cartouches ovales , les feuilles d’acanthe , les colonnes classiques , les cariatides , les frontons et autres éléments de l’architecture classique . sculptées sur certaines parties de meubles, ^[117] corbeilles à fruits ou à fleurs, coquillages, armures et trophées, têtes d’ Apollon ou de Bacchus , et volutes en forme de C. ^[118]

Durant la première période du règne de Louis XIV, les meubles suivent le style précédent de Louis XIII, massifs et abondamment décorés de sculptures et de dorures. Après 1680, grâce en grande partie au dessinateur de meubles André Charles Boulle , un style plus original et délicat apparaît, parfois appelé travail de Boulle . Il était basé sur l’incrustation d’ ébène et d’autres bois rares, une technique utilisée pour la première fois à Florence au XVe siècle, qui a été raffinée et développée par Boulle et d’autres travaillant pour Louis XIV. Les meubles étaient incrustés de plaques d’ébène, de cuivre et de bois exotiques de différentes couleurs. ^[119]

Des types de meubles nouveaux et souvent durables sont apparus; la commode , de deux à quatre tiroirs, a remplacé l’ancien coffre . Le canapé , ou sofa, apparaît, sous la forme d’une combinaison de deux ou trois fauteuils. De nouveaux types de fauteuils sont apparus, dont le fauteuil en confessionnale ou “fauteuil confessionnel”, qui avait des coussins rembourrés ions de chaque côté du dossier de la chaise. La table console fait également sa première apparition ; il a été conçu pour être placé contre un mur. Un autre nouveau type de mobilier était la table à gibier , une table à plateau de marbre pour contenir les plats. Les premières variétés du bureau sont apparues; le bureau Mazarinavait une partie centrale en retrait, placée entre deux colonnes de tiroirs, avec quatre pieds sur chaque colonne. ^[119]

• Lit à baldaquin du Château d’Effiat ; c. 1650 ; noyer naturel, velours de soie de Gênes ciselé et soieries brodées ; 295 cm; Louvre ^[120]

• Table de quai ; 1685–1690 ; bois sculpté, recouvert de gesso et doré, avec un dessus en marbre; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Institut d’art de Chicago (États-Unis) ^[121]

• Armoire; par André Charles Boulle ; c. 1700 ; placage d’ébène et d’amarante, bois polychromes, marqueterie de laiton, d’étain, de coquillage et de corne sur une monture en chêne, bronze doré ; 255,5 × 157,5 cm; Louvre ^[122]

• Commode; par André Charles Boulle ; c. 1710-1732 ; placage de noyer d’ébène et marqueterie de laiton gravé et d’écaille, montures de bronze doré, dessus de marbre ancien ; 87,6 x 128,3 x 62,9 cm; Musée métropolitain d’art (New York) ^[123]

• Réception inclinée allemande ; par Heinrich Ludwig Rohde ou Ferdinand Plitzner ; c. 1715–1725 ; marqueterie d’érable, d’amarante, d’acajou et de noyer sur épicéa et chêne; 90 × 84 × 44,5 cm; Institut d’art de Chicago ^[124]

Musique

Antonio Vivaldi , (1678-1741)

Le terme baroque est également utilisé pour désigner le style de musique composé au cours d’une période qui chevauche celle de l’art baroque. Les premières utilisations du terme «baroque» pour la musique étaient des critiques. Dans une critique anonyme et satirique de la création en octobre 1733 d’ Hippolyte et Aricie de Rameau , imprimée au Mercure de France en mai 1734, le critique laisse entendre que la nouveauté de cet opéra est « du baroque », se plaignant que la musique manque de cohérence. , était rempli de dissonances incessantes, changeait constamment de tonalité et de mesure, et parcourait rapidement tous les dispositifs de composition. ^[125] Jean Jacques Rousseau, qui fut musicien et compositeur reconnu autant que philosophe, fit une observation très semblable en 1768 dans la célèbre Encyclopédie de Denis Diderot : « La musique baroque est celle où l’harmonie est confuse, et chargée de modulations et de dissonances. Le chant est dur et contre nature, l’intonation difficile et le mouvement limité. Il semble que ce terme provienne du mot ‘baroco’ utilisé par les logiciens.” ^[15]

L’utilisation courante du terme pour la musique de l’époque n’a commencé qu’en 1919, par Curt Sachs , ^[126] et ce n’est qu’en 1940 qu’il a été utilisé pour la première fois en anglais dans un article publié par Manfred Bukofzer . ^[125]

Le baroque a été une période d’expérimentation et d’innovation musicales. De nouvelles formes sont inventées, dont le concerto et la sinfonia . L’ opéra est né en Italie à la fin du XVIe siècle (avec la Dafne en grande partie perdue de Jacopo Peri , réalisée à Florence en 1598) et s’est rapidement répandu dans le reste de l’Europe : Louis XIV crée la première Académie royale de musique, En 1669, le poète Pierre Perrin a ouvert une académie d’opéra à Paris, le premier théâtre d’opéra de France ouvert au public, et a créé Pomone , le premier grand opéra en français, sur une musique de Robert Cambert, avec cinq actes, une machinerie scénique élaborée et un ballet. ^[127] Heinrich Schütz en Allemagne, Jean-Baptiste Lully en France et Henry Purcell en Angleterre ont tous contribué à établir leurs traditions nationales au XVIIe siècle.

Plusieurs instruments nouveaux, dont le piano , sont introduits durant cette période. L’invention du piano est attribuée à Bartolomeo Cristofori (1655-1731) de Padoue , en Italie, qui était employé par Ferdinando de’ Medici, Grand Prince de Toscane , en tant que gardien des instruments. ^{[128] [129]} Cristofori a nommé l’instrument un cimbalo di cipresso di piano e forte (“un clavier de cyprès avec doux et fort”), abrégé au fil du temps en pianoforte , pianoforte , et plus tard, simplement, piano. ^[130]

Compositeurs et exemples

• Giovanni Gabrieli (vers 1554/1557-1612) Sonata pian’ e forte (1597), In Ecclesiis (de Symphoniae sacrae livre 2, 1615)
• Giovanni Girolamo Kapsperger (vers 1580–1651) Livre primo de villanelle, 20 (1610)
• Claudio Monteverdi (1567-1643), L’Orfeo, favola in musica (1610)
• Heinrich Schütz (1585-1672), Musikalische Exequien (1629, 1647, 1650)
• Francesco Cavalli (1602-1676), L’Egisto (1643), Ercole amante (1662), Scipione affricano (1664) JS Bach (1685–1750)
• Jean-Baptiste Lully (1632-1687), Armide (1686)
• Marc-Antoine Charpentier (1643-1704), Te Deum (1688-1698)
• Heinrich Ignaz Franz Biber (1644-1704), Sonates mystérieuses (1681)
• John Blow (1649-1708), Vénus et Adonis (1680-1687)
• Johann Pachelbel (1653-1706), chanoine en ré (1680)
• Arcangelo Corelli (1653-1713), 12 concerti grossi, op. 6 (1714)
• Marin Marais (1656-1728), Sonnerie de Ste-Geneviève du Mont-de-Paris (1723)
• Henry Purcell (1659-1695), Didon et Enée (1688)
• Alessandro Scarlatti (1660-1725), L’honestà negli amori (1680), Il Pompeo (1683), Mitridate Eupatore (1707)
• François Couperin (1668-1733), Les barricades mystérieuses (1717)
• Tomaso Albinoni (1671–1751), Didone abbandonata (1724)
• Antonio Vivaldi (1678-1741), Les Quatre Saisons (1725)
• Jan Dismas Zelenka (1679-1745), Il Serpente di Bronzo (1730), Missa Sanctissimae Trinitatis (1736)
• Georg Philipp Telemann (1681–1767), Der Tag des Gerichts (1762)
• Johann David Heinichen (1683–1729)
• Jean-Philippe Rameau (1683-1764), Dardanus (1739)
• George Frideric Haendel (1685–1759), Water Music (1717), Messiah (1741)
• Domenico Scarlatti (1685-1757), Sonates pour clavecin
• Johann Sebastian Bach (1685–1750), Toccata et Fugue en ré mineur (1703–1707), Concertos brandebourgeois (1721), Passion selon saint Matthieu (1727)
• Nicola Porpora (1686–1768), Semiramide riconosciuta (1729)
• Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736), Stabat Mater (1736)

Danse

Le ballet classique est également né à l’époque baroque. Le style de la danse de cour a été introduit en France par Marie de Médicis , et au début les membres de la cour eux-mêmes étaient les danseurs. Louis XIV lui-même se produit en public dans plusieurs ballets. En mars 1662, l’ Académie Royale de Danse , est fondée par le Roi. C’était la première école et compagnie de danse professionnelle et a établi les normes et le vocabulaire du ballet dans toute l’Europe au cours de la période. ^[127]

Théâtre

Scénographie pour Andromède par Pierre Corneille , (1650) Conception d’un décor de théâtre créé par Giacomo Torelli pour le ballet Les Noces de Thétis , de Décorations et machines aprestées aux nopces de Tétis, Ballet Royal

La période baroque a été un âge d’or pour le théâtre en France et en Espagne ; les dramaturges comprenaient Corneille , Racine et Molière en France; et Lope de Vega et Pedro Calderón de la Barca en Espagne.

Pendant la période baroque, l’art et le style du théâtre ont évolué rapidement, parallèlement au développement de l’opéra et du ballet. La conception de théâtres plus récents et plus grands, l’invention de l’utilisation de machines plus élaborées, l’utilisation plus large de l ‘ arc de scène , qui encadrait la scène et cachait les machines du public, encourageaient davantage d’effets scéniques et de spectacle. ^[131]

Le baroque avait un caractère catholique et conservateur en Espagne, suivant un modèle littéraire italien à la Renaissance. ^[132] Le théâtre baroque hispanique visait un contenu public avec une réalité idéale qui manifestait trois sentiments fondamentaux: religion catholique, monarchiste et fierté nationale et honneur provenant du monde chevaleresque et chevaleresque. ^[133]

Deux périodes sont connues dans le théâtre baroque espagnol, la division se produisant en 1630. La première période est représentée principalement par Lope de Vega , mais aussi par Tirso de Molina , Gaspar Aguilar , Guillén de Castro , Antonio Mira de Amescua , Luis Vélez de Guevara , Juan Ruiz de Alarcón , Diego Jiménez de Enciso , Luis Belmonte Bermúdez , Felipe Godínez , Luis Quiñones de Benavente ou Juan Pérez de Montalbán . La deuxième période est représentée par Pedro Calderón de la Barca et d’autres dramaturgesAntonio Hurtado de Mendoza , Álvaro Cubillo de Aragón , Jerónimo de Cáncer , Francisco de Rojas Zorrilla , Juan de Matos Fragoso , Antonio Coello y Ochoa , Agustín Moreto et Francisco Bances Candamo . ^[134] Ces classifications sont lâches car chaque auteur avait sa propre voie et pouvait parfois s’en tenir à la formule établie par Lope. Il se peut même que la “manière” de Lope ait été plus libérale et structurée que celle de Calderón. ^[135]

Lope de Vega introduit à travers son Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609) la nouvelle comédie . Il a établi une nouvelle formule dramatique qui a brisé les trois unités d’ Aristote de l’école italienne de poésie (action, temps et lieu) et une quatrième unité d’Aristote qui concerne le style, mélange d’éléments tragiques et comiques montrant différents types de vers et de strophes. sur ce qui est représenté. ^[136] Bien que Lope ait une grande connaissance des arts plastiques, il ne l’a pas utilisée pendant la majeure partie de sa carrière ni dans le théâtre ou la scénographie. La comédie de Lope a accordé un second rôle aux aspects visuels de la représentation théâtrale. ^[137]

Tirso de Molina, Lope de Vega et Calderón étaient les auteurs de pièces de théâtre les plus importants de l’âge d’or espagnol. Leurs œuvres, connues pour leur intelligence subtile et leur compréhension profonde de l’humanité d’une personne, pourraient être considérées comme un pont entre la comédie primitive de Lope et la comédie plus élaborée de Calderón. Tirso de Molina est surtout connu pour deux œuvres, Les soupçons condamnés et Le Trickster de Séville , l’une des premières versions du mythe de Don Juan . ^[138]

Dès son arrivée à Madrid, Cosimo Lotti apporta à la cour espagnole les techniques théâtrales les plus avancées d’Europe. Ses techniques et ses connaissances mécaniques ont été appliquées dans des expositions de palais appelées “Fiestas” et dans de somptueuses expositions de rivières ou de fontaines artificielles appelées “Naumaquias”. Il était chargé de styliser les jardins du Buen Retiro , de la Zarzuela et d’ Aranjuez et de la construction du bâtiment théâtral du Coliseo del Buen Retiro. ^[139]Les formules de Lope commencent par un vers qui ne convient pas à la fondation du théâtre du palais et la naissance de nouveaux concepts qui ont commencé la carrière de certains auteurs de pièces comme Calderón de la Barca. Marquant les principales innovations de la Nouvelle Comédie Lopesienne, le style de Calderón a marqué de nombreuses différences, avec beaucoup de soin constructif et d’attention à sa structure interne. L’œuvre de Calderón est d’une perfection formelle et d’un langage très lyrique et symbolique. La liberté, la vitalité et l’ouverture de Lope ont donné un pas à la réflexion intellectuelle et à la précision formelle de Calderón. Dans sa comédie reflétait ses intentions idéologiques et doctrinales en dessus de la passion et de l’action, l’oeuvre d’ Autos sacramentales a atteint des rangs élevés. ^[140]Le genre de la Comedia est politique, multi-artistique et en un sens hybride. Le texte poétique entrelacé de médias et de ressources provenant de l’architecture, de la musique et de la peinture libérant la tromperie qui est dans la comédie lopesienne a été constitué du manque de décor et engageant le dialogue de l’action. ^[141]

Le dramaturge allemand le plus connu était Andreas Gryphius , qui utilisait le modèle jésuite des Hollandais Joost van den Vondel et Pierre Corneille . Il y avait aussi Johannes Velten qui combinait les traditions des comédiens anglais et de la commedia dell’arte avec le théâtre classique de Corneille et Molière . Sa compagnie de tournée était peut-être la plus significative et la plus importante du XVIIe siècle.

Le plus grand tragédien baroque italien était Federico Della Valle . Son activité littéraire se résume par les quatre pièces qu’il écrit pour le théâtre de cour : la tragi -comédie Adelonda di Frigia (1595) et surtout ses trois tragédies, Judith (1627), Esther (1627) et La reina di Scotia (1628). Della Valle a eu de nombreux imitateurs et adeptes qui ont combiné dans leurs œuvres le goût baroque et les objectifs didactiques des jésuites ( Pallavicino , Graziani , etc.)

Amériques coloniales espagnoles

Suite à l’évolution marquée depuis l’Espagne, à la fin du XVIe siècle, les compagnies de comédiens, essentiellement transhumants, commencèrent à se professionnaliser. Avec la professionnalisation viennent la réglementation et la censure : comme en Europe, le théâtre oscille entre la tolérance voire la protection gouvernementale et le rejet (sauf exception) ou la persécution par l’Église. Le théâtre était utile aux autorités comme instrument de diffusion des comportements et modèles souhaités, respect de l’ordre social et de la monarchie, école du dogme religieux. ^[142]

Les corrales étaient administrées au profit des hôpitaux qui se partageaient les bénéfices des représentations. Les compagnies itinérantes (ou “de la ligue “), qui portaient le théâtre dans des scènes improvisées en plein air par les régions qui n’avaient pas de locaux fixes, exigeaient une licence vice-royale pour travailler, dont le prix ou pinción était destiné à l’aumône et aux œuvres pieuses . ^[142] Pour les entreprises qui travaillaient de manière stable dans les capitales et les grandes villes, l’une de leurs principales sources de revenus était la participation aux festivités du Corpus Christi, ce qui leur procurait non seulement des avantages économiques, mais aussi une reconnaissance et un prestige social. Les représentations dans le palais vice-royal et les demeures de l’aristocratie, où ils représentaient à la fois les comédies de leur répertoire et des productions spéciales avec de grands effets d’éclairage, des décors et une scène, étaient également une source importante de travail bien rémunéré et prestigieux. ^[142]

Né dans la vice-royauté de la Nouvelle-Espagne ^[143] mais installé plus tard en Espagne, Juan Ruiz de Alarcón est la figure la plus marquante du théâtre baroque de la Nouvelle-Espagne. Malgré son accommodement à la nouvelle comédie de Lope de Vega , sa “laïcité marquée”, sa discrétion et sa retenue, et une vive capacité de “pénétration psychologique” comme traits distinctifs d’Alarcón contre ses contemporains espagnols ont été notées. Remarquable parmi ses œuvres La verdad sospechosa , une comédie de personnages qui reflète son objectif moralisateur constant. ^[142] La production dramatique de Sor Juana Inés de la Cruzla place comme la deuxième figure du théâtre baroque hispano-américain. Il convient de mentionner parmi ses œuvres l’ auto sacramentel El divino Narciso et la comédie Los empeños de una casa .

Jardins

Le jardin baroque , également connu sous le nom de jardin à la française ou jardin à la française , est apparu pour la première fois à Rome au XVIe siècle, puis plus célèbre en France au XVIIe siècle dans les jardins de Vaux le Vicomte et du château de Versailles . Les jardins baroques ont été construits par des rois et des princes en Allemagne, aux Pays-Bas, en Autriche, en Espagne, en Pologne, en Italie et en Russie jusqu’au milieu du XVIIIe siècle, date à laquelle ils ont commencé à être transformés en jardins paysagers anglais plus naturels .

Le but du jardin baroque était d’illustrer le pouvoir de l’homme sur la nature et la gloire de son bâtisseur, les jardins baroques étaient disposés en motifs géométriques, comme les pièces d’une maison. Ils étaient généralement mieux vus de l’extérieur et regardant vers le bas, soit d’un château ou d’une terrasse. Les éléments d’un jardin baroque comprenaient des parterres de parterres de fleurs ou de haies basses taillées dans des motifs baroques ornés, ainsi que des ruelles droites et des allées de gravier qui divisaient et sillonnaient le jardin. Des terrasses, des rampes, des escaliers et des cascades ont été placés là où il y avait des différences d’élévation et ont fourni des points de vue. Des étangs circulaires ou rectangulaires ou des bassins d’eau servaient d’écrins à des fontaines et des statues. Bosquetsou des bosquets soigneusement taillés ou des rangées d’arbres identiques, donnaient l’apparence de murs de verdure et servaient de décors aux statues. Sur les bords, les jardins avaient généralement des pavillons, des orangeries et d’autres structures où les visiteurs pouvaient s’abriter du soleil ou de la pluie. ^[144]

Les jardins baroques nécessitaient un nombre énorme de jardiniers, une taille continue et une eau abondante. Dans la dernière partie de la période baroque, les éléments formels ont commencé à être remplacés par des caractéristiques plus naturelles, notamment des sentiers sinueux, des bosquets d’arbres variés laissés à pousser sans être taillés; une architecture rustique et des structures pittoresques, telles que des temples romains ou des pagodes chinoises, ainsi que des “jardins secrets” sur les bords du jardin principal, remplis de verdure, où les visiteurs pouvaient lire ou avoir des conversations tranquilles. Au milieu du XVIIIe siècle, la plupart des jardins baroques ont été partiellement ou entièrement transformés en variations du jardin paysager anglais . ^[144]

Outre Versailles et Vaux-le-Vicomte, les célèbres jardins baroques qui conservent encore une grande partie de leur apparence d’origine comprennent le Palais Royal de Caserte près de Naples ; Palais Nymphenburg et Palais Augustusburg et Falkenlust, Brühl en Allemagne; Het Loo Palace aux Pays-Bas; le Palais du Belvédère à Vienne ; le Palais Royal de La Granja de San Ildefonso en Espagne ; et le palais de Peterhof à Saint-Pétersbourg, en Russie. ^[144]

• Jardins de Vaux-le-Vicomte (France), 1657-1661, par André Le Nôtre ^[145]

• Jardins de Versailles , commencés en 1661, par André Le Nôtre ^[146]

• Jardins du Palais Het Loo ( Pays-Bas ), 1689 ^[147]

• Jardin du palais du Tessin ( Stockholm , Suède ), 1692-1700, par Nicodemus Tessin le Jeune ^[148]

Différences entre rococo et baroque

Voici les caractéristiques que le rococo a et que le baroque n’a pas : ^{[ clarification nécessaire ]}

• L’abandon partiel de la symétrie, le tout étant composé de lignes et de courbes gracieuses, semblables à celles de l’ Art Nouveau
• L’énorme quantité de courbes asymétriques et de volutes en forme de C
• L’utilisation très large des fleurs dans l’ornementation, un exemple étant les festons faits de fleurs
• Motifs chinois et japonais
• Couleurs pastel chaudes ^[149] (jaune blanchâtre, crème, gris perle, bleus très clairs) ^[150]

Fin du style, condamnation et redécouverte académique

Madame de Pompadour, la maîtresse de Louis XV, a contribué au déclin du style baroque et rococo. En 1750, elle envoie son neveu, Abel-François Poisson de Vandières , en mission de deux ans pour étudier les développements artistiques et archéologiques en Italie. Il était accompagné de plusieurs artistes, dont le graveur Nicolas Cochin et l’architecte Soufflot . Ils reviennent à Paris avec une passion pour l’art classique. Vandiéres devient Marquis de Marigny, et est nommé Directeur Royal des Bâtiments en 1754. Il oriente l’architecture française officielle vers le néoclassique. Cochin est devenu un critique d’art important; il a dénoncé le petit stylede Boucher, et appelle à un grand style avec un nouvel accent sur l’antiquité et la noblesse dans les académies de peinture d’architecture. ^[151]

L’historien de l’art et archéologue allemand pionnier Johann Joachim Winckelmann a également condamné le style baroque et a loué les valeurs supérieures de l’art et de l’architecture classiques. Au 19e siècle, le baroque était la cible de moqueries et de critiques. Le critique néoclassique Francesco Milizia a écrit: “Borrominini en architecture, Bernini en sculpture, Pietro da Cortona en peinture … sont un fléau pour le bon goût, qui a infecté un grand nombre d’artistes.” ^[152] Au XIXe siècle, la critique va encore plus loin ; le critique britannique John Ruskin a déclaré que la sculpture baroque était non seulement mauvaise, mais aussi moralement corrompue. ^[152]

L’historien de l’art d’origine suisse Heinrich Wölfflin (1864–1945) a commencé la réhabilitation du mot baroque dans son Renaissance und Barock (1888); Wölfflin a identifié le baroque comme un “mouvement importé dans la masse”, un art antithétique à l’art de la Renaissance. Il n’a pas fait les distinctions entre le maniérisme et le baroque que font les écrivains modernes, et il a ignoré la phase ultérieure, le baroque académique qui a duré jusqu’au XVIIIe siècle. L’art et l’architecture baroques sont devenus à la mode dans l’ entre-deux-guerres et sont restés largement en faveur. Le terme «baroque» peut encore être utilisé, généralement de manière péjorative, décrivant des œuvres d’art, d’artisanat ou de design dont on pense qu’elles ont une ornementation excessive ou une complexité de ligne. ^{[ citation nécessaire ]}

Voir également

• Portail des arts
• Portail du christianisme
• Portail du catholicisme

• Liste de l’architecture baroque
• Baroque au Brésil
• Architecture baroque tchèque
• Architecture baroque néerlandaise
• Baroque de tremblement de terre
• Baroque anglais
• Architecture baroque française
• Baroque italien
• Baroque sicilien
• Nouveau baroque espagnol
• Baroque mexicain
• Néoclassicisme (musique)
• Baroque andin
• Baroque en Pologne
• L’architecture baroque au Portugal
• Narychkine baroque
• Baroque sibérien
• Littérature baroque espagnole
• Baroque ukrainien
• Pasquale Bellonio

Remarques

1. ^ ^{un b} Heal, Bridget (1er décembre 2011). “‘Mieux papiste que calviniste’: art et identité dans l’Allemagne luthérienne ultérieure ” . Histoire allemande . Société d’histoire allemande. 29 (4): 584–609. doi : 10.1093/gerhis/ghr066 .
2. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en roumain). Cerces. pages 153, 154 et 156.
3. ^ “Origem da palavra BARROCO – Etimologie” . Dicionário Etimológico .
4. ^ “BAROQUE : Etymologie de BAROQUE” . www.cnrtl.fr . empr. au port. barroco « rocher granitique » et « perle irrégulière », attesté dep. le xiiie s. sous la forme baroque ( Inquisitiones , p. 99, Portugaliae Monumenta Historica , 1856 sqq. dans Mach.), d’orig. obsc., prob. préromane en raison du suff. -ǒccu très utilisé sur le territoire ibérique
5. ^ “Baroque” . Encyclopædia Britannica . Vol. 3 (11e éd.). 1911.
6. ^ Wiktionnaire. “Baroque – Etymologie” . Récupéré le 17 juin 2019 .
7. ^ ^{un b} Robert Hudson Vincent, Vincent, Robert Hudson (2019). “Baroco: La logique de la poétique baroque anglaise” . Trimestriel de langue moderne . 80 (3): 233-259. doi : 10.1215/00267929-7569598 . S2CID 202373825 . Modern Language Quarterly , Volume 80, Numéro 3 (Septembre 2019)
8. ^ ^{un b} “BAROQUE : Étymologie de BAROQUE” . www.cnrtl.fr . Récupéré le 4 janvier 2019 .
9. ^ Michael Meere, Drame de la Renaissance française et baroque: texte, performance, théorie , Rowman & Littlefield, 2015, ISBN 1-61149-549-0
10. ^ “se dit seulement des perles qui sont d’une rondeur fort imparfaite”. Le Dictionnaire de l’Académie française (1694)
11. ^ Bluteau, Raphaël (1728). Vocabulaire Portugais & Latino . Vol. 2. p. 58. Archivé de l’original le 2 janvier 2019 . Récupéré le 1er janvier 2019 .
12. ^ “Baroque” . Dictionnaire étymologique en ligne . Récupéré le 31 décembre 2018 . : “Mais Klein suggère que le nom pourrait provenir du peintre italien Federico Barocci (1528–1612), dont le travail a influencé le style.”
13. ^ Claude V. Palisca, “Baroque”. The New Grove Dictionary of Music and Musicians , deuxième édition, édité par Stanley Sadie et John Tyrrell (Londres : Macmillan Publishers, 2001).
14. ↑ “se dit aussi au figuré, pour irrégulier, bizarre, inégale.” Le Dictionnaire de l’Académie française (1762)
15. ^ ^une Encyclopédie ^b ; Lettre sur la Musique Française sous la direction de Denis Diderot
16. ↑ Quatremère de Quincy, Encyclopédie Méthodique , Architecture , tome 1, cité par B. Migliorini, Manierismo, baròcco, rococò , Rome, 1962, p. 46
17. ^ “collection d’accès public dictionnaires d’autrefois” . artflsrv03.uchicago.edu . Récupéré le 2 janvier 2019 .
18. ^ Burckhardt, Jacob (1855). Der Cicerone : eine Anleitung zum Genuss der Kunstwerke Italiens . Schweighauser. p. 356 . OCLC 315796790 .
19. ^ Hopkins, Owen, Les Styles en Architecture (2014), p. 70.
20. ^ Denizeau, Gérard (2018). Zapping Prin Istoria Artelor (en roumain). rao. p. 117. ISBN 978-606-006-149-6.
21. ^ Hughes, J. Quentin (1953). L’influence du maniérisme italien sur l’architecture maltaise Archivé le 14 mars 2017 à la Wayback Machine . Mélitensiawath . Consulté le 8 juillet 2016. pp. 104–110.
22. ^ Helen Gardner, Fred S. Kleiner et Christin J. Mamiya, L’art de Gardner à travers les âges (Belmont, Californie : Thomson/Wadsworth , 2005), p. 516.
23. ^ Guérissez, Bridget (20 février 2018). « La Réforme et le baroque luthérien » . Presse universitaire d’Oxford . Récupéré le 1er mai 2018 . Cependant, les écrits des théologiens ne peuvent aller jusqu’à expliquer l’évolution de la conscience confessionnelle et la formation de l’identité religieuse. L’attachement luthérien aux images religieuses était le résultat non seulement de l’approbation prudente de Luther quant à leur utilisation, mais aussi du contexte religieux et politique particulier dans lequel sa Réforme s’est déroulée. Après la mort du réformateur en 1546, la question de l’image est à nouveau âprement contestée. Mais alors que le calvinisme, avec ses tendances iconoclastes, se répandait, les luthériens allemands ont réagi en réaffirmant leur attachement au bon usage des images religieuses. En 1615, les citoyens luthériens de Berlin se sont même révoltés lorsque leurs dirigeants calvinistes ont retiré des images de la cathédrale de la ville.
24. ^ Ducher, p. 102
25. ^ ^{un b} Ducher (1988) p. 106-107
26. ^ Ducher (1988), p. 102
27. ^ ^{un b} Bailey 2012 , pp. 211.
28. ^ Cabanne (1988) page 12
29. ^ Ducher (1988)
30. ^ ^{un b} Ducher (1988) p. 104.
31. ^ Cabanne (1988) page 15
32. ^ Cabanne (1988), pages 18-19.
33. ^ Hodge 2019 , p. 29.
34. ^ Jones 2014 , p. 226. sfn error: no target: CITEREFJones2014 (help)
35. ^ Bailey 2012 , p. 213.
36. ^ Hopkins 2014 , p. 73.
37. ^ Cabanne (1988) page 48-49
38. ^ ^{un bc Cabanne} (1988) pages. 48–51
39. ^ Cabanne (1988) p. 63
40. ^ Hopkins 2014 , p. 82.
41. ^ Bailey 2012 , p. 12.
42. ^ Jones 2014 , p. 230. sfn error: no target: CITEREFJones2014 (help)
43. ^ ^{un b} Ducher (2014) , p. 92.
44. ^ Cabanne (1988), p. 89–94.
45. ^ Ducher (1988) pp. 104–105.
46. ^ “Kolumna Zygmunta III Wazy w Warszawie” . Culture.pl . Récupéré le 24 juin 2019 .
47. ^ “PALAIS DE WILANÓW” . www.unautreguidedevoyage.com . Récupéré le 24 juin 2019 .
48. ^ “Tylman z Gameren – architekt Warszawy: Polak z wyboru, Holender z pochodzenia -” . CODART . Récupéré le 24 juin 2019 .
49. ^ Bailey 2012 , p. 216.
50. ^ Bailey 2012 , p. 188.
51. ^ Hopkins 2014 , p. 77.
52. ^ Bailey 2012 , p. 231.
53. ^ Cabanne (1988) pages 25–32.
54. ^ Jones 2014 , p. 223. sfn error: no target: CITEREFJones2014 (help)
55. ^ Hopkins 2014 , p. 84, 85.
56. ^ Cabanne (1988), pages. 28–33.
57. ^ Hopkins 2014 , p. 85.
58. ^ Hopkins 2014 , p. 86.
59. ^ Martin, Henri (1927). Le Style Louis XIV (en français). Flamarion. p. 39.
60. ^ Larbodière, Jean-Marc (2015). L’Architecture de Paris des Origines à Aujourd’hui (en français). Massin. p. 73. ISBN 978-2-7072-0915-3.
61. ^ Bailey 2012 , p. 238.
62. ^ Martin, Henri (1927). Le Style Louis XIV (en français). Flamarion. p. 31.
63. ^ Martin, Henri (1927). Le Style Louis XIV (en français). Flamarion. p. 21.
64. ^ Martin, Henri (1927). Le Style Louis XIV (en français). Flamarion. p. 18.
65. ^ Martin, Henri (1927). Le Style Louis XIV (en français). Flamarion. p. 15.
66. ^ Martin, Henri (1927). Le Style Louis XIV (en français). Flamarion. p. 37.
67. ^ “L’âge du baroque au Portugal” . www.nga.gov .
68. ^ “Copie archivée” . Archivé de l’original le 8 août 2014 . Récupéré le 3 février 2020 . {{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link)
69. ^ Bury, JB (1956). “Baroque tardif et rococo au nord du Portugal”. Journal de la Société des historiens de l’architecture . 15 (3): 7–15. doi : 10.2307/987760 . JSTOR 987760 .
70. ^ “Um Roteiro pelo Barroco bracarense” . Goûtez Braga . 30 août 2017.
71. ^ “Notícias – Direção Regional de Cultura do Norte” . culturanorte.gov.pt . Archivé de l’original le 3 février 2020 . Récupéré le 3 février 2020 .
72. ^ Centre, patrimoine mondial de l’UNESCO. “Centre historique de Porto, Pont Luiz I et Monastère de Serra do Pilar” . Centre du patrimoine mondial de l’UNESCO .
73. ^ “L’architecture et le baroque” . www.torredosclerigos.pt .
74. ^ “Église de S. João Novo” . www.upt.pt .
75. ^ “DGPC | Pesquisa Geral” . www.patrimoniocultural.gov.pt .
76. ^ “DGPC | Pesquisa Geral” . www.patrimoniocultural.gov.pt .
77. ^ Bailey 2012 , p. 269.
78. ^ Bailey 2012 , p. 245.
79. ^ Bailey 2012 , p. 246.
80. ^ William Craft Brumfield (1993). “Chapitre huit: Les fondements du baroque à Saint-Pétersbourg”. Une histoire de l’architecture russe . Cambridge : Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-40333-7.
81. ^ Bailey 2012 , p. 360.
82. ^ Bailey 2012 , p. 354.
83. ^ Bailey 2012 , p. 358.
84. ^ Bailey 2012 , p. 366.
85. ^ Thomas da Costa Kaufmann (1999). “12/ Orient et Occident : Art et Artistes Jésuites en Europe Centrale, et Art d’Europe Centrale dans les Amériques” . Dans John W. O’Malley; Gauvin Alexander Bailey; Steven J. Harris; T. Frank Kennedy (éd.). Les Jésuites : Cultures, Sciences et Arts, 1540–1773, Volume 1 . Presse de l’Université de Toronto. p. 274–304. ISBN 978-0-8020-4287-3.
86. ^ Gauvin Alexandre Bailey (1999). Art sur les missions jésuites en Asie et en Amérique latine, 1542–1773 . Presse de l’Université de Toronto. p. 4–10. ISBN 978-0-8020-8507-8.
87. ^ José Maria Azcarate Ristori; Alfonso Emilio Perez Sanchez; Juan Antonio Ramírez Dominguez (1983). “Histoire de l’Art” .
88. ^ Larousse (1990). DICCIONARIO ENCICLOPEDICO LAROUSSE. 12 TOMOS . Barcelone : Éditorial Planeta.
89. ^ Hopkins 2014 , p. 81.
90. ^ Sara Castro-Klaren (2013). Un compagnon de la littérature et de la culture latino-américaines . New Jersey : John Wiley & Fils . p. 169. ISBN 978-1118492147.
91. ^ Guides approximatifs (2018). The Rough Guide to Bolivia (Guide de voyage eBook) (Cinquième éd.). Londres : Apa Publications . ISBN 978-1786719980.
92. ^ “Iglesia de Saint-Domingue” . Site Web du ministère du Tourisme du Chili (en espagnol). Archivé de l’original le 21 janvier 2016.
93. ^ Hopkins 2014 , p. 83.
94. ^ Bailey 2012 , p. 226.
95. ^ Bailey 2012 , p. 378.
96. ^ Bailey 2012 , p. 387.
97. ^ Bailey 2012 , p. 380.
98. ^ Fortenberry 2017 , p. 262. sfn error: no target: CITEREFFortenberry2017 (help)
99. ↑ Prater et Bauer, La Peinture du baroque (1997), p. 11
100. ↑ Prater et Bauer, La Peinture du baroque (1997), p. 3–15
101. ↑ Prater et Bauer, La Peinture du baroque (1997), p. 12
102. ^ “Éléments du style baroque”. Dans Arts and Humanities Through the Eras , édité par Edward I. Bleiberg, James Allan Evans, Kristen Mossler Figg, Philip M. Soergel et John Block Friedman, 466–470. Vol. 5, L’âge du baroque et des Lumières 1600–1800. Détroit, Michigan : Gale, 2005.
103. ^ Ducher (1988) pages 108-109
104. ^ Cabanne (1988) p. 102-104
105. ^ Hodge 2017 , p. 23.
106. ^ Fortenberry 2017 , p. 246. sfn error: no target: CITEREFFortenberry2017 (help)
107. ^ Fortenberry 2017 , p. 244. sfn error: no target: CITEREFFortenberry2017 (help)
108. ^ Fortenberry 2017 , p. 251. sfn error: no target: CITEREFFortenberry2017 (help)
109. ^ Fortenberry 2017 , p. 243. sfn error: no target: CITEREFFortenberry2017 (help)
110. ^ Fortenberry 2017 , p. 256. sfn error: no target: CITEREFFortenberry2017 (help)
111. ^ Morrill, Rebecca (2019). De grandes femmes artistes . Phaidon. p. 425.ISBN _ 978-0-7148-7877-5.
112. ^ Morrill, Rebecca (2019). De grandes femmes artistes . Phaidon. p. 304.ISBN _ 978-0-7148-7877-5.
113. ^ Boucher (1998) , p. 146.
114. ^ Boucher (1998) , p. 16.
115. ^ Fortenberry 2017 , p. 252. sfn error: no target: CITEREFFortenberry2017 (help)
116. ^ “La Renommée à cheval sur Pégase” . collections.louvre.fr . 1698 . Récupéré le 14 avril 2022 .
117. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en roumain). Cerces. p. 168.
118. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en roumain). Cerces. p. 176 & 177.
119. ^ ^{a b} Renault et Lazé, Les Styles de l’architecture et du mobilier (2006), p. 59
120. ^ Jacquemart, Albert (2012). Arts décoratifs . Parkstone. p. 44. ISBN 978-1-84484-899-7.
121. ^ “Tableau de la jetée” . L’Institut d’art de Chicago .
122. ^ Jacquemart, Albert (2012). Arts décoratifs . Parkstone. p. 70. ISBN 978-1-84484-899-7.
123. ^ Bailey 2012 , p. 287.
124. ^ “Slant-Front Desk” . L’Institut d’art de Chicago .
125. ^ ^{un b} Palisca 2001 . sfn error: no target: CITEREFPalisca2001 (help)
126. ^ Sachs, Curt (1919). Barockmusik [ Musique baroque ]. Jahrbuch der Musikbibliothek Peters (en allemand). Vol. 26. Leipzig : édition Peters. p. 7–15.
127. ^ ^{un b} Bély (2005) , pp. 152–54.
128. ^ Erlich, Cyrille (1990). Le piano : une histoire . Oxford University Press , États-Unis ; Édition révisée. ISBN 0-19-816171-9.
129. ^ Pouvoirs, Wendy (octobre 2003). “Le Piano: Les Pianofortes de Bartolomeo Cristofori (1655–1731)” . Chronologie de l’histoire de l’art de Heilbrunn . New York : Le Metropolitan Museum of Art . Récupéré le 27 janvier 2014 .
130. ^ Isaacoff (2012) , p. 23.
131. ^ “Théâtres baroques et mise en scène” . Encyclopædia Britannica . Récupéré le 14 novembre 2019 .
132. ^ González Mas (1980) , p. 1–2.
133. ^ González Mas (1980) , p. 8.
134. ^ González Mas (1980) , p. 13.
135. ^ González Mas (1980) , p. 91.
136. ^ Lope de Vega, 2010, Comedias: El Remedio en la Desdicha. El Mejor Alcalde El Rey, p. 446-447
137. ^ Amadei-Pulice (1990) , p. 6.
138. ^ Wilson, Edward M.; Moir, Duncan (1992). Historia de la literatura española : Siglo De Oro : Teatro (1492–1700). Éditorial Ariel, p. 155–158
139. ^ Amadei-Pulice (1990) , pp. 26-27.
140. ^ Molina Jiménez, María Belén (2008). El teatro musical de Calderón de la Barca : Analyse textuelle. EDITUM, p. 56
141. ^ Amadei-Pulice (1990) , p. 6–9.
142. ^ ^{un bcd Maya Ramos} Smith; Concepción Reverte Bernal; Mercedes de los Reyes Peña (1996). América y el teatro español del Siglo de Oro. II Congreso Iberoamericano del Teatro – Tercera ponencia: Actores y compañías de América durante la época virreinal . Cadix : Service des Publications de l’Université de Cadix. pp. 79–80, 85–86, 133–134, 141. ISBN 84-7786-536-1.
143. ↑ Selon les propres déclarations du dramaturge, il est né à Mexico en 1580 ou 1581. Cependant, un certificat de baptême daté du 30 décembre 1572 a été retrouvé à Taxco, appartenant à un garçon nommé Juan, fils de Pedro Ruiz de Alarcón et Leonor de Mendoza, les parents du poète. Malgré les déclarations d’Alarcón, la plupart des critiques considèrent Taxco comme son lieu de naissance. Voir Lola Josa, Juan Ruiz de Alarcón y su nuevo arte de entendre la comedia , Madrid, Association internationale des hispanistes, 2008, pp. 7-14.
144. ^ ^{un bc Kluckert} , Ehrenfried (2015). “Les Jardins Baroques”. L’Art Baroque – Architecture- Sculpture- Peinture . Cologne : HF Ulmann. pp. 152–160. ISBN 978-3-8480-0856-8.(traduction française de l’allemand)
145. ^ Bailey 2012 , p. 328.
146. ^ Bailey 2012 , p. 332.
147. ^ Bailey 2012 , p. 334.
148. ^ Bailey 2012 , p. 336.
149. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en roumain). Bucarest : Cerces. p. 160 & 163.
150. ^ Graur, Neaga (1970). Stiluri în arta decorativă (en roumain). Bucarest : Cerces. p. 192.
151. ^ Cabanne (1988) , p. 106.
152. ^ ^{un b} Boucher (1998) , p. 9.

Sources

• Amadei-Pulice, Maria Alicia (1990). Calderón y el barroco : exaltación y engaño de los sentidos . Monographies de l’Université Purdue en langues romanes (en italien). Vol. 31.Amsterdam; Philadelphie : John Benjamins Publishing Company. ISBN 978-9-02-721747-9.
• Bailey, Gauvin Alexandre (2012). Baroque & Rococo . Phaidon. ISBN 978-0-7148-5742-8.
• Bély, Lucien (2005). Louis XIV – Le Plus Grand Roi du Monde (en français). Éditions Jean-Paul Gisserot. ISBN 978-2-87-747772-7.
• Boucher, Bruce (1998). Sculpture baroque italienne . Monde des Arts. Tamise et Hudson. ISBN 0-500-20307-5.
• Cabanne, Pierre (1988). L’Art Classique et le Baroque (en français). Paris : Larousse. ISBN 978-2-03-583324-2.
• Causa, Raffaello, L’Art au XVIII siècle du rococo à Goya (1963), (en français) Hachcette, Paris ISBN 2-86535-036-3
• Ducher, Robert (1988). Caractéristique des Styles . Paris : Flamarion. ISBN 2-08-011539-1.
• Ducher, Robert (2014). La Caractéristique des Styles .
• Gardner, Helen, Fred S. Kleiner et Christin J. Mamiya. 2005. L’art de Gardner à travers les âges , 12e édition. Belmont, Californie : Thomson/Wadsworth . ISBN 978-0-15-505090-7 (relié)
• González Mas, Ezequiel (1980). Historia de la literatura española: (Siglo XVII). Barroco , Tome 3. La Rédaction, UPR.
• Hodge, Susie (2017). La petite histoire de l’art . Éditions Laurence King. ISBN 978-1-78067-968-6.
• Hodge, Susie (2019). La petite histoire de l’architecture . Éditions Laurence King. ISBN 978-1-7862-7370-3.
• Hopkins, Owen (2014). Styles architecturaux : un guide visuel . Laurence King. ISBN 978-178067-163-5.
• Isaacoff, Stuart (2012). Une histoire naturelle du piano : l’instrument, la musique, les musiciens – de Mozart au jazz moderne et tout le reste . Éditions Knopf Doubleday.
• Prater, Andreas et Bauer, Hermann, La Peinture du baroque (1997), (en français), Taschen, Paris ISBN 3-8228-8365-4
• Tazartes, Maurizia, Fontaines de Rome , (2004), (en français) Citadelles, Paris ISBN 2-85088-200-3

Lectures complémentaires

• Andersen, Liselotte. 1969. Art baroque et rococo , New York : HN Abrams. ISBN 978-0-8109-8027-3
• Bailey, Gauvin Alexandre . 2012. Baroque & Rococo , Londres : Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-5742-8
• Bazin, Germain , 1964. Baroque et rococo . Série Praeger World of Art. New York : Praeger. (Initialement publié en français, sous le titre Classique, baroque et rococo . Paris : Larousse. Édition anglaise réimprimée sous le titre Baroque and Rococo Art , New York : Praeger, 1974)
• Buci-Glucksmann, Christine . 1994. Raison baroque : l’esthétique de la modernité . Sage.
• Bailey, Gauvin; Lanthier, Lillian, “Baroque” (2003), Grove Art Online , Oxford Art Online, Oxford University Press, Web. Récupéré le 30 mars 2021. (abonnement requis)
• Collines, Helen (éd.). 2011. Repenser le baroque . Farnham, Surrey; Burlington, Vermont : Ashgate. ISBN 978-0-7546-6685-1 .
• Hofer, Philippe. 1951. Illustration de livre baroque : une courte enquête. Harvard University Press, Cambridge.
• Hortolà, Policarp, 2013, L’esthétique de l’hémotaphonie : parallèles stylistiques entre une science et une littérature et les arts visuels . Sant Vicent del Raspeig : ECU. ISBN 978-84-9948-991-9 .
• Kitson, Michel . 1966. L’âge du baroque . Monuments de l’art mondial. Londres : Hamlyn ; New York : McGraw Hill.
• Lambert, Gregg , 2004. Retour du baroque dans la culture moderne . Continuum. ISBN 978-0-8264-6648-8 .
• Martin, John Rupert . 1977. Baroque . Éditions Icônes. New York : Harper et Rowe. ISBN 0-06-435332-X (tissu); ISBN 0-06-430077-3 (pbk.)
• Palisca, Claude V. (1991) [1961]. Musique baroque . Prentice Hall History of Music (3e éd.). Falaises d’Englewood, New Jersey : Prentice Hall. ISBN 0-13-058496-7. OCLC 318382784 .
• Riegl, Aloïs (2010). Hopkins, Andrew (éd.). Les origines de l’art baroque à Rome (textes et documents) . Institut de recherche Getty. ISBN 978-1-6060-6041-4.
• Wölfflin, Heinrich (1964) [Publié à l’origine en allemand, 1888]. Renaissance et baroque . Traduit par Simon, Kathrin. ISBN 0-00-217349-2.
• Vuillemin, Jean-Claude , 2013. Épistéme baroque : le mot et la chose . Herman. ISBN 978-2-7056-8448-8 .
• Wakefield, Steve. 2004. Fiction baroque de Carpentier: retour du regard de Méduse . Collection Tamesis. Série A, Monografías 208. Rochester, NY : Tamesis. ISBN 1-85566-107-1 .

Liens externes

• La culture baroque et rococo
• Webmuseum Paris
• baroque dans le Val di Noto – Sizilien
• Le baroque dans “l’histoire de l’art”
• Le style baroque et l’influence de Luis XIV
• L’émission In Our Time : The Baroque de Melvyn Bragg sur BBC Radio 4
• “Guide du style baroque” . Galeries britanniques. Musée Victoria et Albert . Archivé de l’original le 19 août 2007 . Récupéré le 16 juillet 2007 .