Arts d’Europe

L’ art d’Europe , ou art occidental , englobe l’ histoire des arts visuels en Europe . L’ art préhistorique européen a commencé comme la peinture rupestre et rupestre mobile du Paléolithique supérieur et l’art des pétroglyphes et était caractéristique de la période entre le Paléolithique et l’ âge du fer . ^[1] Les histoires écrites de l’art européen commencent souvent par l’art de L’ancien Israël et des anciennes civilisations égéennes, datant du 3e millénaire av. Parallèlement à ces cultures importantes, l’art d’une forme ou d’une autre existait dans toute l’Europe, partout où il y avait des gens, laissant des signes tels que des sculptures, des artefacts décorés et d’énormes pierres dressées. Cependant, un modèle cohérent de développement artistique au sein de l’Europe ne devient clair qu’avec l’ art de la Grèce antique , adopté et transformé par Rome et porté; avec l’ Empire romain , dans une grande partie de l’Europe, de l’Afrique du Nord et de l’Asie occidentale . ^[2]

Apelles peignant Campaspe , une œuvre d’art qui montre des gens entourés de beaux-arts; par Willem van Haecht ; c. 1630 ; huile sur panneau; hauteur : 104,9 cm, largeur : 148,7 cm ; Mauritshuis ( La Haye , Pays- Bas ) L’art de la peinture ; de Johannes Vermeer ; 1666–1668 ; huile sur toile; 1,3 × 1,1 m; Kunsthistorisches Museum ( Vienne , Autriche )

L’influence de l’art de la période classique a augmenté et diminué tout au long des deux mille années suivantes, semblant se glisser dans une mémoire lointaine dans certaines parties de la période médiévale , pour réapparaître à la Renaissance , subir une période de ce que certains historiens de l’art au début considéré comme “décomposé” pendant la période baroque , ^[3] pour réapparaître sous une forme raffinée dans le Néo-classicisme ^[4] et renaître dans le Post-modernisme . ^[5]

Avant les années 1800, l’église chrétienne avait une influence majeure sur l’art européen, les commandes de l’Église, architecturales, picturales et sculpturales, fournissant la principale source de travail pour les artistes. L’histoire de l’Église s’est beaucoup reflétée dans l’histoire de l’art, durant cette période. Au cours de la même période, il y a eu un regain d’intérêt pour les héros et les héroïnes, les contes de dieux et de déesses mythologiques, les grandes guerres et les créatures bizarres qui n’étaient pas liées à la religion. ^[6] La plupart des œuvres d’art des 200 dernières années ont été produites sans référence à la religion et souvent sans aucune idéologie particulière , mais l’art a souvent été influencé par des questions politiques, qu’elles reflètent les préoccupations des mécènes ou de l’artiste.

L’art européen est organisé en un certain nombre de périodes stylistiques qui, historiquement, se chevauchent à mesure que différents styles fleurissent dans différents domaines. En gros, les périodes sont la peinture classique , byzantine , médiévale , gothique , Renaissance , baroque , rococo , néoclassique , moderne , Postmoderne et nouvelle européenne . ^[6]

Art préhistorique

L’art préhistorique européen est une partie importante du patrimoine culturel européen. ^[7] L’histoire de l’art préhistorique est généralement divisée en quatre périodes principales : l’âge de pierre , le néolithique , l’âge du bronze et l’âge du fer . La plupart des artefacts restants de cette période sont de petites sculptures et des Peintures rupestres.

Vénus de Willendorf ; c. 26 000 av. J.-C. (période gravettienne) ; calcaire à coloration ocre; Naturhistorisches Museum ( Vienne , Autriche)

Une grande partie de l’art préhistorique survivant est constituée de petites sculptures portables, avec un petit groupe de figurines féminines de Vénus telles que la Vénus de Willendorf (24 000–22 000 avant JC) trouvées dans toute l’Europe centrale; ^[8] la Figurine Löwenmensch de 30 cm de haut d’environ 30 000 avant notre ère n’a pratiquement aucune pièce qui puisse lui être liée. Le renne nageur d’environ 11 000 avant notre ère est l’une des plus belles sculptures magdaléniennes en os ou en bois d’animaux dans l’ art du Paléolithique supérieur , bien qu’elles soient plus nombreuses que les pièces gravées, parfois classées comme sculptures. ^[9] Avec le début du Mésolithiqueen Europe, la sculpture figurative s’est considérablement réduite ^[10] et est restée un élément moins courant dans l’art que la décoration en relief d’objets pratiques jusqu’à l’époque romaine, malgré certaines œuvres comme le chaudron de Gundestrup de l’ Âge du fer européen et le char solaire de l’âge du bronze de Trundholm . ^[11]

L’art rupestre européen le plus ancien remonte à 40 800 ans et se trouve dans la grotte d’El Castillo en Espagne. ^[12] D’autres sites de Peintures rupestres incluent Lascaux , Grotte d’Altamira , Grotte de Cussac , Pech Merle , Grotte de Niaux , Grotte Chauvet , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, Angleterre (gravures rupestres et bas-reliefs découverts en 2003), la grotte Coliboaia de Roumanie (considérée comme la plus ancienne peinture rupestre d’ Europe centrale ) ^[13] et Magura, ^[1] Belogradchik, Bulgarie. ^[14]La peinture rupestre a également été réalisée sur les parois des falaises, mais moins d’entre elles ont survécu à cause de l’érosion. Un exemple bien connu est celui des Peintures rupestres d’Astuvansalmi dans la région de Saimaa en Finlande. Lorsque Marcelino Sanz de Sautuola a rencontré pour la première fois les peintures magdaléniennes de la grotte d’Altamira, Cantabrie, Espagne en 1879, les universitaires de l’époque les considéraient comme des canulars. De récentes réévaluations et de nombreuses découvertes supplémentaires ont depuis démontré leur authenticité, tout en stimulant l’intérêt pour l’art des peuples du Paléolithique supérieur. Les Peintures rupestres, réalisées avec les outils les plus rudimentaires, peuvent également fournir un aperçu précieux de la culture et des croyances de cette époque.

L’ art rupestre du bassin méditerranéen ibérique représente un style très différent, avec la figure humaine au centre de l’attention, souvent vue en grands groupes, avec des batailles, des danses et des chasses toutes représentées, ainsi que d’autres activités et détails tels que les vêtements. Les personnages sont généralement représentés de manière assez sommaire dans une peinture fine, les relations entre les groupes d’humains et d’animaux étant plus soigneusement représentées que les personnages individuels. D’autres groupes d’art rupestre moins nombreux, dont beaucoup sont gravés plutôt que peints, présentent des caractéristiques similaires. On pense que les exemples ibériques datent d’une longue période couvrant peut-être le Paléolithique supérieur, le Mésolithique et le Néolithique ancien.

L’ art celtique préhistorique provient d’une grande partie de l’Europe de l’âge du fer et survit principalement sous la forme de ferronnerie de haut niveau habilement décorée de motifs complexes, élégants et principalement abstraits, utilisant souvent des formes courbes et en spirale. Il y a des têtes humaines et des animaux entièrement représentés, mais les figures humaines de toute taille sont si rares que leur absence peut représenter un tabou religieux. Au fur et à mesure que les Romains ont conquis les territoires celtiques, il disparaît presque entièrement, mais le style a continué à être utilisé de manière limitée dans les îles britanniques et, avec l’avènement du christianisme, il y a été relancé dans le Style insulaire du haut Moyen Âge.

• Peintures rupestres des grottes de Lascaux ( Montignac, Dordogne , France)

• Piqûre d’insecte léchage de bison ; 15 000 à 13 000 avant JC; bois de cerf ; Musée National de la Préhistoire ( Les ​​Eyzies-de-Tayac-Sireuil , France)

• Le Penseur ; par la culture Hamangia de Roumanie; c. 5000 avant JC; terre cuite; hauteur : 11,5 cm (4 1 ⁄ 2 po .) ; Musée national d’histoire roumaine ( Bucarest )

• Figure féminine ; par la culture Vinča de Serbie ; 4500-3500 avant JC ; argile cuite avec peinture; hors tout : 16,1 cm ; Cleveland Museum of Art ( Ohio , États-Unis)

Ancien

Minoen

La civilisation minoenne de Crète est considérée comme la plus ancienne civilisation d’Europe. ^[15] L’art minoen est marqué par des images imaginatives et un travail exceptionnel. Sinclair Hood a décrit une “qualité essentielle du meilleur art minoen, la capacité de créer une atmosphère de mouvement et de vie tout en suivant un ensemble de conventions très formelles”. ^[16] Il fait partie du groupe plus large de l’ art égéen et, dans les périodes ultérieures, il a exercé pendant un certain temps une influence dominante sur l’ art cycladique . Le bois et les textiles se sont décomposés, de sorte que la plupart des exemples survivants de l’art minoen sont des poteries , des sceaux minoens finement sculptés., .fresques de palais qui comprennent des paysages), petites sculptures en divers matériaux, bijoux et ferronnerie.

La relation de l’art minoen avec celle d’autres cultures contemporaines et plus tard avec l’art grec ancien a été beaucoup discutée. Il a clairement dominé l’Art mycénien et l’art cycladique des mêmes périodes, ^[17] même après l’occupation de la Crète par les Mycéniens, mais seuls certains aspects de la tradition ont survécu à l’ âge des ténèbres grec après l’effondrement de la Grèce mycénienne . ^[18]

L’art minoen a une variété de sujets, dont la plupart apparaissent sur différents supports, bien que seuls certains styles de poterie incluent des scènes figuratives. Le saut de taureau apparaît dans la peinture et plusieurs types de sculpture, et on pense qu’il avait une signification religieuse; les têtes de taureau sont également un sujet populaire en terre cuite et autres matériaux sculpturaux. Il n’y a pas de personnages qui semblent être des portraits d’individus, ou qui sont clairement royaux, et l’identité des personnages religieux est souvent provisoire, ^[19] les érudits ne sachant pas s’ils sont des divinités, des membres du clergé ou des dévots. ^[20] De même, si les pièces peintes étaient des “sanctuaires” ou laïques est loin d’être clair; une pièce à Akrotiri a été considérée comme une chambre à coucher, avec les restes d’un lit ou d’un sanctuaire. ^[21]

Les animaux, y compris une variété inhabituelle de faune marine, sont souvent représentés; le ” Style marin ” est un type de poterie de palais peinte de MM III et LM IA qui peint des créatures marines, y compris des pieuvres se répandant sur tout le navire, et provient probablement de scènes de fresques similaires ; ^[22] parfois ceux-ci apparaissent dans d’autres médias. Les scènes de chasse et de guerre, ainsi que les chevaux et les cavaliers, se trouvent principalement dans les périodes ultérieures, dans des œuvres peut-être réalisées par des Crétois pour un marché mycénien ou des seigneurs mycéniens de Crète.

Si les figures minoennes, qu’elles soient humaines ou animales, ont un grand sens de la vie et du mouvement, elles sont souvent peu précises, et l’espèce est parfois impossible à identifier ; par rapport à l’art égyptien antique, ils sont souvent plus vifs, mais moins naturalistes. ^[23] En comparaison avec l’art d’autres cultures anciennes, il y a une forte proportion de figures féminines, bien que l’idée que les Minoens n’avaient que des déesses et pas de dieux est maintenant écartée. La plupart des figures humaines sont de profil ou dans une version de la convention égyptienne avec la tête et les jambes de profil, et le torse vu de face ; mais les figures minoennes exagèrent des caractéristiques telles que la taille mince des hommes et les gros seins féminins. ^[24]

• Cruche à bec en porcelaine de Kamares ; 1850-1675 avant JC ; céramique; hauteur : 27 cm ; de Phaistos ( Crète , Grèce) ; Musée archéologique d’Héraklion (Grèce)

• Le Pendentif Malia ; 1800-1700 avant JC ; or; hauteur : 4,6 cm, largeur : 4,9 cm ; Musée archéologique d’Héraklion

• La fresque nommée Bull-Leaping Fresco ; 1675-1460 avant JC ; enduit à la chaux; hauteur : 0,8 m, largeur : 1 m ; du palais de Knossos (Crète) ; Musée archéologique d’Héraklion

• Figurine “Déesse Serpent” ; 1460-1410 avant JC (de la période néo-palatiale minoenne); faïence ; hauteur : 29,5 cm ; du dépôt du temple de Knossos ; Musée archéologique d’Héraklion

Grec classique et hellénistique

La Grèce antique avait de grands peintres, de grands sculpteurs et de grands architectes. Le Parthénon est un exemple de leur architecture qui a duré jusqu’à nos jours. La sculpture grecque en marbre est souvent décrite comme la forme la plus élevée de l’art classique . La peinture sur la poterie de la Grèce antique et la céramique donne un aperçu particulièrement instructif du fonctionnement de la société de la Grèce antique. La peinture de vase à figures noires et la peinture de vase à figures rouges donnent de nombreux exemples survivants de ce qu’était la peinture grecque. Certains peintres grecs célèbres sur panneaux de bois mentionnés dans les textes sont Apelle , Zeuxis et Parrhasius., cependant aucun exemple de peinture sur panneau de la Grèce antique ne survit, seulement des descriptions écrites par leurs contemporains ou par des Romains ultérieurs. Zeuxis a vécu entre 5 et 6 avant JC et aurait été le premier à utiliser le sfumato . Selon Pline l’Ancien , le réalisme de ses peintures était tel que les oiseaux tentaient de manger les raisins peints. Apelle est décrit comme le plus grand peintre de l’ Antiquité pour sa technique parfaite du dessin, sa couleur brillante et son modelage.

• L’ amphore du prix Panathénaïque Peintre Euphiletos ; 530 avant JC; terre cuite peinte; hauteur : 62,2 cm ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Le Bronze de l’Artémision ; 460-450 avant JC ; bronze; hauteur : 2,1 m ; Musée Archéologique National ( Athènes )

• Le Parthénon sur l’ Acropole d’Athènes, le temple grec dorique le plus emblématique construit en marbre et calcaire entre 460 et 406 av. J.-C., dédié à la déesse Athéna ^[25]

• Miroir avec un support en forme de femme drapée ; milieu du Ve siècle avant J.-C. ; bronze; hauteur : 40,41 cm ; Musée d’art métropolitain

• Calice- cratère ; 400-375 avant JC ; céramique; hauteur : 27,9 cm, diamètre : 28,6 cm ; de Thèbes (Grèce); Persienne

• Le relief grave de Thraseas et Euandria ; 375-350 avant JC ; marbre pentélique ; hauteur : 160 cm, largeur : 91 cm ; Musée de Pergame ( Berlin )

• Cratère à volutes ; 320-310 avant JC ; céramique; hauteur : 1,1 m ; Musée d’art Walters ( Baltimore , États-Unis)

• Statuette de femme drapée ; 2ème siècle avant JC; terre cuite; hauteur : 29,2 cm ; Musée d’art métropolitain

• Vénus de Milo ; 130–100 avant JC; marbre; hauteur : 203 cm (80 po) ; Persienne

• Laocoon et ses fils ; début du premier siècle avant JC; marbre; hauteur : 2,4 m ; Musées du Vatican ( Cité du Vatican )

• Mosaïque qui représente l’Épiphanie de Dionysos ; 2ème siècle après JC; de la Villa de Dionysos ( Dion, Grèce ) ; Musée Archéologique de Dion

• Illustrations d’exemples d’ornements et de motifs grecs anciens, dessinés en 1874

romain

L’art romain a été influencé par la Grèce et peut en partie être considéré comme un descendant de la peinture et de la sculpture grecques anciennes, mais a également été fortement influencé par l’ art étrusque plus local d’Italie. La sculpture romaine est principalement un portrait dérivé des classes supérieures de la société ainsi que des représentations des dieux. Cependant, la peinture romaine a des caractéristiques uniques importantes. Parmi les peintures romaines qui subsistent, il y a des peintures murales, dont beaucoup proviennent de villas de Campanie , dans le sud de l’Italie, en particulier à Pompéi et à Herculanum . Une telle peinture peut être regroupée en quatre “styles” principaux ou périodes ^[26] et peut contenir les premiers exemples de trompe-l’œil, pseudo-perspective et paysage pur. ^[27]

Presque tous les portraits peints survivants du monde antique sont un grand nombre de portraits de cercueils en forme de buste trouvés dans le cimetière de l’Antiquité tardive d’ Al-Fayum . Ils donnent une idée de la qualité que devait avoir le plus bel ouvrage ancien. Un très petit nombre de miniatures de livres illustrés de l’Antiquité tardive survivent également, et un nombre assez important de copies d’entre elles du haut Moyen Âge. L’art paléochrétien est né de l’art populaire romain, puis impérial, et a adapté son iconographie à partir de ces sources.

• Statuette en bronze d’un philosophe sur un pied de lampe ; fin du 1er siècle avant JC; bronze; hors tout : 27,3 cm ; poids : 2,9 kg ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Auguste de Prima Porta ; vers 20 avant JC; marbre blanc; hauteur : 2,06 m ; Musées du Vatican ( Cité du Vatican )

• Restauration d’une fresque d’une ancienne chambre de villa ; 50-40 avant JC ; dimensions de la chambre : 265,4 x 334 x 583,9 cm ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Autel à festons ; vers 50 après JC; marbre; hauteur : 99,5 cm, largeur : 61,5 cm, profondeur : 47 cm ; Persienne

• Calice – cratère avec des reliefs de jeunes filles et de ménades dansantes; 1er siècle après JC; marbre pentélique ; hauteur : 80,7 cm ; Musée d’art métropolitain

• Vue panoramique du Panthéon (Rome), construit entre 113 et 125

• Tête de déesse coiffée d’un diadème ; 1er-2e siècle; marbre; hauteur : 23 cm ; Musée d’art métropolitain

• Canapé et repose-pieds ; 1er-2ème siècle après JC; bois, os et verre; canapé : 105,4 × 76,2 × 214,6 cm ; Musée d’art métropolitain

• Sarcophage avec Apollon , Minerve et les Muses ; vers 200 après JC; de Via Appia ; Antikensammlung Berlin (Berlin)

• Sarcophage à festons ; 200–225 ; marbre; 134,6 × 223,5 cm; Musée d’art métropolitain

• Triomphe de Neptune debout sur un char tiré par deux hippocampes ; milieu du IIIe siècle; Musée Archéologique de Sousse (Tunisie)

• La mosaïque de Thésée ; 300-400 après JC ; galets de marbre et de calcaire; 4,1 × 4,2 m; Kunsthistorisches Museum ( Vienne , Autriche)

Médiéval

La plupart des œuvres d’art survivantes de la période médiévale étaient axées sur la religion, souvent financées par l’ Église , de puissants individus ecclésiastiques tels que des évêques , des groupes communautaires tels que des abbayes ou de riches mécènes séculiers . Beaucoup avaient des fonctions liturgiques spécifiques – croix de procession et retables , par exemple.

L’une des questions centrales de l’art Médiéval concerne son manque de réalisme. Une grande partie de la connaissance de la perspective dans l’art et de la compréhension de la figure humaine a été perdue avec la chute de Rome . Mais le réalisme n’était pas la préoccupation première des artistes médiévaux. Ils essayaient simplement d’envoyer un message religieux, une tâche qui exige des images iconiques claires au lieu de celles rendues avec précision.

Epoque : 6e siècle au 15e siècle

Début de l’art Médiéval

L’ art de la période de migration est un terme général désignant l’art des peuples “barbares” qui se sont installés dans les territoires autrefois romains. L’art celtique des VIIe et VIIIe siècles vit une fusion avec les traditions germaniques au contact des Anglo-Saxons créant ce qu’on appelle le style hiberno-saxon ou art insulaire , qui devait avoir une grande influence sur le reste du Moyen Âge. L’ art mérovingien décrit l’art des Francs avant environ 800, lorsque l’art carolingien combinait des influences insulaires avec un renouveau classique conscient de soi, se développant en art ottonien . L’art anglo-saxon est l’art de l’Angleterre après la période insulaire.Les manuscrits enluminés contiennent presque toute la peinture survivante de l’époque, mais l’architecture, la ferronnerie et les petits travaux sculptés dans le bois ou l’ivoire étaient également des médias importants.

• Boucle de Sutton Hoo ; 580–620 ; or et nielle; longueur : 13,1 cm ; British Museum (Londres)

• Le casque de Sutton Hoo ; début du 7ème siècle après JC; alliage cuivreux, fer, or et grenat ; hauteur : 31,8 cm ; Musée anglais

• Fermoirs d’épaule de Sutton Hoo ; début 7e siècle; or, verre & grenat ; longueur : 12,7 cm ; Musée anglais

• L’ Incipit à Matthieu du Livre de Lindisfarne ; fin 7ème siècle; encre et pigments sur vélin; 34 x 25 cm; Bibliothèque britannique (Londres)

byzantin

L’art byzantin chevauche ou fusionne avec ce que nous appelons l’art paléochrétien jusqu’à la période iconoclasme de 730-843, lorsque la grande majorité des œuvres d’art à personnages ont été détruites ; il en reste si peu qu’aujourd’hui toute découverte apporte une nouvelle compréhension. Après 843 jusqu’en 1453, il existe une tradition artistique byzantine claire. C’est souvent le plus bel art du Moyen Âge en termes de qualité des matériaux et de fabrication, avec une production centrée sur Constantinople. Le couronnement de l’art byzantin était les fresques monumentales et les mosaïques à l’intérieur des églises à coupole, dont la plupart n’ont pas survécu en raison des catastrophes naturelles et de l’appropriation des églises par les mosquées.

• Dalle avec un relief représentant la Nativité de Jésus ; 4ème-début 5ème siècle ; marbre; Musée byzantin et chrétien ( Athènes )

• Abside de l’ église Santa Maria Maggiore à Rome , décorée au 5ème siècle avec cette mosaïque glamour

• Mosaïques sur un plafond et certains murs de la Basilique de San Vitale à Ravenne (Italie), vers 547 après JC

• La Petite Métropole d’ Athènes , construite à des dates inconnues, entre le IXe siècle et le XIIIe siècle

• Camée; 10e-11e siècles; jaspe , almandine , émeraude et chrysoprase ; de Constantinopol ; Musées du Kremlin de Moscou (Russie)

• lectionnaire évangélique; vers 1100 ; tempera, or et encre sur parchemin et reliure en cuir; hors tout : 36,8 x 29,6 x 12,4 cm, folio : 35 x 26,2 cm ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Icône de la Trinité du Nouveau Testament ; vers 1450 ; détrempe et or sur panneau de bois (peuplier); Musée d’art de Cleveland ( Cleveland , Ohio , États-Unis)

• Page d’un manuscrit arménien enluminé ; 1637–1638 ; couleurs de détrempe, peinture dorée et feuille d’or sur parchemin ; hauteur : 25,2 cm ; Centre Getty (Los Angeles)

roman

L’art roman fait référence à la période allant d’environ 1000 à l’essor de l’art gothique au XIIe siècle. Ce fut une période de prospérité croissante, et la première à voir un style cohérent utilisé à travers l’Europe, de la Scandinavie à la Sicile. L’art roman est vigoureux et direct, aux couleurs vives à l’origine et souvent très sophistiqué. Le vitrail et l’émail sur ferronnerie sont devenus des supports importants, et de plus grandes sculptures rondes se sont développées, bien que le haut-relief soit la technique principale. Son architecture est dominée par des murs épais, des fenêtres et des arcs en plein cintre, avec beaucoup de décoration sculptée.

• Abbaye Maria Laach (près d’ Andernach , Allemagne), l’une des églises romanes les plus emblématiques

• Bas-relief en pierre de Jésus , de l’ abbaye de Vézelay ( Bourgogne , France)

• Miniature de Saint Jean l’Évangéliste ; avant 1147 ; enluminure sur parchemin ; 35,5 cm; Avesnes-sur-Helpe (France)

• La lapidation de saint Étienne ; 1160 ; fresque; hauteur : 1,3 m ; Abbaye Saint-Jean ( Val Müstair , Canton des Grisons , Suisse)

gothique

L’art gothique est un terme variable selon l’artisanat, le lieu et l’époque. Le terme est né avec l’architecture gothique en 1140, mais la peinture gothique n’est apparue que vers 1200 (cette date a de nombreuses qualifications), lorsqu’elle a divergé du style roman. La sculpture gothique est née en France en 1144 avec la rénovation de l’église abbatiale de S. Denis et s’est répandue dans toute l’Europe, au XIIIe siècle, elle était devenue le style international, remplaçant le roman. Le gothique international décrit l’art gothique d’environ 1360 à 1430, après quoi l’art gothique se fond dans l’art de la Renaissance à différentes époques et à différents endroits. Au cours de cette période, des formes telles que la peinture, à fresque et sur panneau, prennent une nouvelle importance, et la fin de la période comprend de nouveaux médias tels que les estampes.

• Une partie du portail royal ; 1145–1155 ; calcaire; Cathédrale de Chartres ( Chartres , France)

• Fenêtres du transept nord ; vers 1230-1235 ; vitrail; diamètre (rosace) : 10,2 m ; Cathédrale de Chartres

• Scènes de la Légende de Saint Vincent de Saragosse ; 1245-1247 ; pot-métal verre, peinture vitreuse et plomb; hors tout : 373,4 x 110,5 cm ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• Diptyque français avec le couronnement de la Vierge et le Jugement Dernier ; 1260-1270 ; ivoire d’éléphant avec montures en métal; hors tout : 12,7 x 13 x 1,9 cm ; Musée d’art métropolitain

• Vierge intronisée à l’enfant ; 1260-1280 ; ivoire d’éléphant avec des traces de peinture et de dorure ; hors tout : 18,4 x 7,6 x 7,3 cm ; Musée d’art métropolitain

• Bifolium aux décrétales de gratian ; vers 1290 ; détrempe et or sur parchemin, encre brune et reliure en cuir moderne ; hors tout : 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, ouvert : 47,2 cm ; Musée d’art métropolitain

• Diptyque allemand avec des scènes religieuses ; 1300–1325 ; vermeil aux émaux translucides et opaques; hors tout (ouvert) : 6,1 x 8,6 x 0,8 cm ; Musée d’art métropolitain

• Page des Très Riches Heures du Duc de Berry illustrant les funérailles de Raymond Diocrès ; 1411-1416 et 1485-1486 ; détrempe sur vélin ; hauteur : 29 cm, largeur : 21 cm ; Musée Condé ( Chantilly, France )

• La Dame et la Licorne , titre donné à une série de six tapisseries tissées en Flandre , celle-ci s’intitulant À Mon Seul Désir ; fin du XVe siècle ; laine et soie; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)

• Statue autrichienne de la Vierge intronisée ; 1490-1500 ; calcaire avec gesso , peint et doré; 80,3 x 59,1 x 23,5 cm ; Musée d’art métropolitain

• Entrée à Jérusalem ; vers 1500 ; La peinture; Musée des Beaux-Arts de Lyon ( Lyon , France)

• Croisillons gothiques flamboyants de l’ Hôtel de Sens (Paris)

Renaissance

L’ Homme de Vitruve de Léonard de Vinci ( Uomo Vitruviano ) (vers 1490), une œuvre phare de la Renaissance. Le dessin est inspiré et nommé par la suite d’après l’ architecte-auteur romain du 1er siècle av. J.-C. Vitruve et ses notions sur les proportions « idéales » du corps humain , trouvées dans son De architectura . ^{[28] [29]} Le dessin met en évidence la fascination du mouvement pour les civilisations gréco-romaines et l’appropriation de l’art classique, ainsi que sa recherche de la corrélation entre la structure corporelle et la nature. ^[29]

La Renaissance se caractérise par une focalisation sur les arts de la Grèce antique et de Rome , ce qui a conduit à de nombreux changements dans les aspects techniques de la peinture et de la sculpture, ainsi que dans leur sujet. Tout a commencé en Italie , pays riche en héritage romain ainsi qu’en prospérité matérielle pour financer des artistes. Au cours de la Renaissance, les peintres ont commencé à améliorer le réalisme de leur travail en utilisant de nouvelles techniques en perspective , représentant ainsi les trois dimensions de manière plus authentique. Les artistes ont également commencé à utiliser de nouvelles techniques dans la manipulation de la lumière et de l’obscurité, telles que le contraste de tons évident dans de nombreux portraits de Titien et le développement du sfumato .et clair- obscur de Léonard de Vinci . Les sculpteurs , eux aussi, ont commencé à redécouvrir de nombreuses techniques anciennes telles que le contrapposto . Suivant l’ esprit humaniste de l’époque, l’art est devenu plus séculier dans ses sujets, dépeignant la mythologie antique en plus des thèmes chrétiens. Ce genre d’art est souvent appelé le classicisme de la Renaissance . Dans le Nord, l’innovation la plus importante de la Renaissance était l’utilisation généralisée des peintures à l’huile , qui permettaient une plus grande couleur et intensité.

Du gothique à la Renaissance

À la fin du XIIIe siècle et au début du XIVe siècle, une grande partie de la peinture en Italie était de caractère byzantin , notamment celle de Duccio de Sienne et de Cimabue de Florence, tandis que Pietro Cavallini à Rome était de style plus gothique . Au cours du XIIIe siècle , les sculpteurs italiens commencent à s’inspirer non seulement des prototypes médiévaux, mais aussi des œuvres antiques. ^[30]

En 1290, Giotto commence à peindre d’une manière moins traditionnelle et plus basée sur l’observation de la nature. Son célèbre cycle à la Chapelle des Scrovegni , à Padoue , est considéré comme le début d’ un style Renaissance .

D’autres peintres du 14ème siècle ont porté le style gothique à une grande élaboration et détail. Parmi ces peintres, notons Simone Martini et Gentile da Fabriano .

Aux Pays- Bas , la technique de la peinture à l’ huile plutôt qu’à la détrempe a conduit à une forme d’élaboration qui ne dépendait pas de l’application de feuilles d’or et de gaufrage, mais de la représentation minutieuse du monde naturel. L’art de peindre des textures avec un grand réalisme évolue à cette époque. Des peintres hollandais tels que Jan van Eyck et Hugo van der Goes devaient avoir une grande influence sur la peinture du gothique tardif et du début de la Renaissance.

Début de la Renaissance

Les idées de la Renaissance sont apparues pour la première fois dans la cité-état de Florence , en Italie . Le sculpteur Donatello est revenu aux techniques classiques telles que le contrapposto et à des sujets classiques comme le nu sans support – sa deuxième sculpture de David était le premier nu en bronze autoportant créé en Europe depuis l’Empire romain. Le sculpteur et architecte Brunelleschi a étudié les idées architecturales des anciens bâtiments romains pour s’en inspirer. Masaccio a perfectionné des éléments tels que la composition, l’expression individuelle et la forme humaine pour peindre des fresques, en particulier celles de la chapelle Brancacci , d’une élégance, d’un drame et d’une émotion surprenants.

Un nombre remarquable de ces artistes majeurs ont travaillé sur différentes parties de la cathédrale de Florence . Le dôme de Brunelleschi pour la cathédrale a été l’une des premières innovations architecturales véritablement révolutionnaires depuis l’arc-boutant gothique. Donatello a créé plusieurs de ses sculptures. Giotto et Lorenzo Ghiberti ont également contribué à la cathédrale.

• Chaire; de Nicola Pisano ; 1265-1268 ; marbre; hauteur : 4,6 m ; Baptistère de Pise (Italie) ^[31]

• Crucifix ; par Cimabue ; vers 1285 ; détrempe sur panneau; 4,29 x 3,83 m ; San Domenico ( Arezzo , Italie) ^[32]

• Crucifix; Giotto ; vers 1300 ; détrempe sur panneau; 5,78 x 4,06 m ; Santa Maria Novella ( Florence , Italie) ^[33]

• Le Retable de la Maestà ; par Duccio ; 1308-1311 ; détrempe sur panneau; 2,46 x 4,67 m ; Museo dell’Opera del Duomo ( Sienne , Italie)

Haute Renaissance

Les artistes de la haute Renaissance comprennent des personnalités telles que Léonard de Vinci , Michel-Ange Buonarroti et Raffaello Sanzio .

Les développements artistiques du XVe siècle en Italie (par exemple, l’intérêt pour les systèmes de perspective, la représentation de l’anatomie et les cultures classiques) ont mûri au XVIe siècle, expliquant les désignations « Début de la Renaissance » pour le XVe siècle et « Haute Renaissance » pour le XVIe siècle. Bien qu’aucun style singulier ne caractérise la Haute Renaissance, l’art de ceux qui sont le plus étroitement associés à cette période – Léonard de Vinci, Raphaël, Michel-Ange et Titien – fait preuve d’une maîtrise étonnante, à la fois technique et esthétique. Les artistes de la Haute Renaissance ont créé des œuvres d’une telle autorité que des générations d’artistes ultérieurs se sont appuyés sur ces œuvres pour s’instruire. Ces créations artistiques exemplaires rehaussent encore le prestige des artistes. Les artistes pouvaient revendiquer l’inspiration divine, élevant ainsi L’art visuel à un statut autrefois réservé à la poésie. Ainsi, peintres, sculpteurs et architectes se sont imposés, revendiquant avec succès pour leur travail une position élevée parmi les beaux-arts. En un sens, les maîtres du XVIe siècle ont créé une nouvelle profession avec ses propres droits d’expression et son propre caractère vénérable.

• Le Tempietto (vers 1502-1510) dans une cour étroite du San Pietro in Montorio de Rome

• David ; de Michel- Ange ; 1501-1504 ; marbre; 517 cm × 199 cm; Galleria dell’Accademia (Florence)

• Mona Lisa ; par Léonard de Vinci ; c. 1503–1506, se poursuivant peut-être jusqu’à c. 1517 ; huile sur panneau de peuplier ; 77 cm × 53 cm; Persienne

• L’école d’Athènes ; par Raphaël ; 1509-1510 ; fresque; 5,8 x 8,2 m ; Palais apostolique ( Cité du Vatican )

L’art du Nord jusqu’à la Renaissance

La peinture néerlandaise ancienne a développé (mais n’a pas strictement inventé) la technique de la peinture à l’ huile pour permettre un plus grand contrôle dans la peinture des moindres détails avec réalisme – Jan van Eyck (1366-1441) était une figure du mouvement des manuscrits enluminés aux peintures sur panneaux .

Hieronymus Bosch (1450?–1516), peintre hollandais , est une autre figure importante de la Renaissance du Nord . Dans ses peintures, il a utilisé des thèmes religieux, mais les a combinés avec des fantasmes grotesques, des images colorées et des légendes folkloriques paysannes. Ses peintures reflètent souvent la confusion et l’angoisse associées à la fin du Moyen Âge.

Albrecht Dürer a introduit le style de la Renaissance italienne en Allemagne à la fin du XVe siècle et a dominé l’art de la Renaissance allemande .

Période :

• Renaissance italienne : fin du XIVe siècle au début du XVIe siècle
• Renaissance septentrionale : XVIe siècle

• Le Retable de Gand ; par Jan et Hubert van Eyck ; 1432 ; huile sur bois de chêne; 3,4 m × 4,6 m (ouvert comme sur cette image) ; Cathédrale Saint-Bavon ( Gand , Belgique )

• Le Portrait d’Arnolfini ; de Jan van Eyck ; 1434 ; huile sur panneau; 82,2 x 60 cm; Galerie nationale (Londres)

• La Descente de Croix ; par Rogier van der Weyden ; vers 1442 ; huile sur panneau de chêne; 220 × 262 cm; Musée du Prado ( Madrid , Espagne)

• Le Jardin des Délices ; par Jérôme Bosch ; c. 1504 ; huile sur panneau; 2,2 × 1,95 m – le panneau central ; Musée du Prado

• Le Rhinocéros ; par Albrecht Dürer ; 1515 ; gravure sur bois; 23,5 cm × 29,8 cm; Galerie nationale d’art ( Washington, DC )

• Les Ambassadeurs ; par Hans Holbein le Jeune ; 1533 ; huile sur panneau; 2,07 × 2,09 ; Galerie nationale (Londres)

• L’ armure de parade d’Henri II de France ; par Étienne Delaune ; vers 1555 ; acier ciselé; taille : 187,96 cm, poids : 24,2 kg ; Metropolitan Museum of Art (New York)

• La Tour de Babel ; par Pieter Bruegel l’Ancien ; 1563 ; huile sur panneau : 1,14 × 1,55 cm ; Kunsthistorisches Museum ( Vienne , Autriche)

Maniérisme, baroque et rococo

Différences entre l’art baroque et rococo L’art baroque était caractérisé par des thèmes fortement religieux et politiques; les caractéristiques communes comprenaient des couleurs riches avec un fort contraste clair et foncé. Les peintures étaient élaborées, émotionnelles et dramatiques. Dans l’image Le Christ du Caravage à la Colonne ( Cristo alla colonna ) L’art rococo était caractérisé par des thèmes plus légers, souvent plaisants; les caractéristiques communes comprenaient des couleurs pâles et crémeuses, des décorations fleuries et un penchant pour les paysages bucoliques. Les peintures étaient plus ornées que leur homologue baroque, et généralement de nature gracieuse, ludique et légère.

Dans l’art européen, le classicisme de la Renaissance a engendré deux mouvements différents : le maniérisme et le baroque . Le maniérisme, une réaction contre la perfection idéaliste du classicisme, a employé la distorsion de la lumière et des cadres spatiaux afin de souligner le contenu émotionnel d’une peinture et les émotions du peintre. L’œuvre d’ El Greco est un exemple particulièrement clair du maniérisme dans la peinture de la fin du XVIe et du début du XVIIe siècle. Maniérisme du Norda pris plus de temps à se développer et était en grande partie un mouvement de la dernière moitié du XVIe siècle. L’art baroque a porté le représentationnalisme de la Renaissance à de nouveaux sommets, mettant l’accent sur le détail, le mouvement, l’éclairage et le drame dans leur recherche de la beauté. Les peintres baroques les plus connus sont peut-être Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens et Diego Velázquez .

Un art plutôt différent s’est développé à partir des traditions réalistes du Nord dans la peinture hollandaise de l’âge d’or du XVIIe siècle , qui avait très peu d’art religieux et peu de peinture d’histoire , jouant plutôt un rôle crucial dans le développement de genres profanes tels que la nature morte , les peintures de genre de scènes quotidiennes . , et peinture de paysage . Alors que la nature baroque de l’art de Rembrandt est claire, l’étiquette est moins utilisée pour Vermeer et de nombreux autres artistes néerlandais. La peinture baroque flamande participe à cette tendance, tout en continuant à produire les catégories traditionnelles.

L’art baroque est souvent considéré comme faisant partie de la Contre-Réforme – l’élément artistique du renouveau de la vie spirituelle dans l’ Église catholique romaine . De plus, l’accent mis par l’art baroque sur la grandeur est considéré comme de nature absolutiste . Les thèmes religieux et politiques ont été largement explorés dans le contexte artistique baroque, et les peintures et les sculptures étaient caractérisées par un fort élément de drame, d’émotion et de théâtralité. Les artistes baroques célèbres incluent Caravaggio ou Rubens . ^[34] Artemisia Gentileschiétait un autre artiste remarquable, qui s’est inspiré du style du Caravage. L’art baroque était particulièrement orné et élaboré dans la nature, utilisant souvent des couleurs riches et chaudes avec des nuances sombres. Le faste et la grandeur étaient des éléments importants du mouvement artistique baroque en général, comme on peut le voir lorsque Louis XIV a dit : « Je suis la grandeur incarnée » ; de nombreux artistes baroques ont servi des rois qui ont essayé de réaliser cet objectif. L’art baroque était à bien des égards similaire à l’art de la Renaissance; en fait, le terme a d’abord été utilisé de manière péjorative pour décrire l’art et l’architecture post-Renaissance trop élaborés. ^[34] L’art baroque peut être vu comme une réadaptation plus élaborée et dramatique de l’art de la fin de la Renaissance.

Au 18ème siècle, cependant, l’art baroque tombait en désuétude car beaucoup le jugeaient trop mélodramatique et aussi sombre, et il s’est développé dans le rococo , qui a émergé en France. L’art rococo était encore plus élaboré que le baroque, mais il était moins sérieux et plus ludique. ^[35] Alors que le baroque utilisait des couleurs riches et fortes, le rococo utilisait des nuances pâles et plus crémeuses. Le mouvement artistique ne mettait plus l’accent sur la politique et la religion, se concentrant plutôt sur des thèmes plus légers tels que la romance, la célébration et l’appréciation de la nature. L’art rococo contrastait également avec le baroque car il refusait souvent la symétrie au profit de conceptions asymétriques. En outre, il s’est inspiré des formes artistiques et de l’ornementation de l’Extrême-Orient , ce qui a entraîné la montée en faveur defigurines en porcelaine et chinoiseries en général. ^[36] Le style du XVIIIe siècle a prospéré pendant une courte période; néanmoins, le style rococo est rapidement tombé en disgrâce, étant considéré par beaucoup comme un mouvement criard et superficiel mettant l’accent sur l’esthétique plutôt que sur le sens. Le néoclassicisme s’est développé à bien des égards comme un contre-mouvement du rococo, l’impulsion étant un sentiment de dégoût dirigé vers les qualités fleuries de ce dernier.

Maniérisme (XVIe siècle)

• mise au tombeau ; par Jacopo da Pontormo ; 1525-1528 ; huile sur panneau; 3,12 x 1,9 m ; Santa Felicita ( Florence , Italie)

• Madone au Long Cou ; par Parmigianino ; 1534-1540 ; huile sur panneau; 2,19 x 1,32 m ; Galerie des Offices (Florence)

• Vénus, Cupidon, Folie et Temps ; par Bronzino ; milieu des années 1540 ; huile sur panneau; 1,46 x 1,16 m ; Galerie nationale (Londres)

• été ; par Giuseppe Arcimboldo ; 1563 ; huile sur panneau; 67 × 50,8 cm; Kunsthistorisches Museum ( Vienne , Autriche)

Baroque (du début du XVIIe siècle au milieu du début du XVIIIe siècle)

• Les Quatre Continents ; par Pierre Paul Rubens ; vers 1615 ; huile sur toile; 209 × 284 cm; Kunsthistorisches Museum ( Vienne , Autriche)

• garde-robe hollandaise; 1625–1650 ; chêne avec placages d’ébène et de palissandre; hors tout : 244,5 x 224,3 x 85,2 cm ; Musée d’art de Cleveland ( Cleveland , Ohio , États-Unis)

• La Ronde de Nuit ; de Rembrandt ; 1642 ; huile sur toile; 363 × 437 cm; Rijksmuseum ( Amsterdam , Pays- Bas )

• L’ extase de sainte Thérèse ; par Gian Lorenzo Bernini ; 1647–1652 ; marbre; hauteur : 3,5 m ; Santa Maria della Vittoria (Rome)

• Las Ménines ; de Diego Velázquez ; 1656–1657 ; huile sur toile; 318 cm × 276 cm; Musée du Prado ( Madrid , Espagne)

• L’entrée du château de Versailles ( Versailles , France), le bâtiment baroque le plus emblématique

• Le Buste de Louis XIV ; de Gian Lorenzo Bernini ; 1665 ; marbre; 105 × 99 × 46 cm; château de Versailles

• L’art de la peinture ; de Johannes Vermeer ; 1666–1668 ; huile sur toile; 1,3 × 1,1 m; Kunsthistorisches Museum

• Tapis avec renommée et courage; 1668-1685 ; velours de laine noué et coupé, tissé avec environ 90 nœuds par pouce carré; 909,3 × 459,7 cm; Musée d’art métropolitain

• Dôme de l’ église du Gesù (Rome), réalisé en 1674 par Giovanni Battista Gaulli

• Le Portrait de Louis XIV ; par Hyacinthe Rigaud ; 1701 ; huile sur toile; 277 × 194 cm; Persienne

• La Karlskirche de Vienne (Autriche), construite entre 1716 et 1737

Rococo (début au milieu du XVIIIe siècle)

• The Chinese House , un pavillon de jardin chinoiserie dans le parc de Sanssouci , de Potsdam (Allemagne)

• L’incroyable intérieur de l’ abbaye de Wilhering ( Wilhering , Autriche ). Cet intérieur a un trompe-l’œil sur son plafond, entouré de stucs très décorés

• Boiserie de l’Hôtel de Varengeville ; vers 1736–1752; divers matériaux, dont le chêne sculpté, peint et doré; hauteur : 5,58 m, largeur : 7,07 m, longueur : 12,36 m ; au Metropolitan Museum of Art (New York)

• Impression du titre ; par Juste Meissonnier ; 1738–1749 ; gravure sur papier; 51,6 × 34,9 cm; Rijksmuseum

• Paire de candélabres ; 18ème siècle; porcelaine tendre; hauteurs (celui de gauche) : 26,8 cm, (celui de droite) : 26,4 cm ; par la fabrique de porcelaine de Chelsea ; Musée d’art métropolitain

• M. et Mme Andrews ; par Thomas Gainsborough ; vers 1750; huile sur toile; 69,8 × 119,4 cm; Galerie nationale (Londres)

• Mme de Pompadour ; par François Boucher ; 1756 ; huile sur toile; 2,01 x 1,57 m ; Alte Pinakothek ( Munich , Allemagne)

• La balançoire ; par Jean-Honoré Fragonard ; 1767-1768 ; huile sur toile; hauteur : 81 cm, largeur : 64 cm ; Collection Wallace (Londres)

Néoclassicisme, romantisme, académisme et réalisme

L’art néoclassique, inspiré de différents thèmes classiques, se caractérise par l’accent mis sur la simplicité, l’ordre et l’idéalisme. Dans l’image Psyché d’ Antonio Canova ravivée par le baiser de Cupidon (1787-1793)

Tout au long du XVIIIe siècle, un contre-mouvement opposé au rococo a surgi dans différentes parties de l’Europe, communément appelé néoclassicisme . Il méprisait la superficialité et la frivolité perçues de l’art rococo et souhaitait un retour à la simplicité, à l’ordre et au «purisme» de l’antiquité classique, en particulier de la Grèce et de la Rome antiques. Le mouvement a également été en partie influencé par la Renaissance, elle-même fortement influencée par l’art classique. Le néoclassicisme était la composante artistique du mouvement intellectuel connu sous le nom des Lumières ; les Lumières étaient idéalistes et mettaient l’accent sur l’objectivité, la raison et la vérité empirique. Le néoclassicisme s’était répandu en Europe tout au long du XVIIIe siècle, en particulier au Royaume-Uni, qui a vu naître de grandes œuvres d’architecture néoclassique à cette époque ; La fascination du néoclassicisme pour l’antiquité classique peut être vue dans la popularité du Grand Tour au cours de cette décennie, où de riches aristocrates se sont rendus dans les ruines antiques d’Italie et de Grèce. Néanmoins, un moment déterminant pour le néoclassicisme est survenu lors de la Révolution française à la fin du XVIIIe siècle; en France, l’art rococo a été remplacé par l’art néoclassique préféré, considéré comme plus sérieux que l’ancien mouvement. À bien des égards, le néoclassicisme peut être considéré comme un mouvement politique ainsi qu’un mouvement artistique et culturel. ^[37]L’art néoclassique met l’accent sur l’ordre, la symétrie et la simplicité classique ; les thèmes communs dans l’art néoclassique incluent le courage et la guerre, comme cela était couramment exploré dans l’art grec et romain antique. Ingres , Canova et Jacques-Louis David comptent parmi les néoclassiques les plus connus. ^[38]

Eugène Delacroix , La Liberté guidant le peuple 1830, Art romantique .

Tout comme le maniérisme a rejeté le classicisme, le romantisme a rejeté les idées des Lumières et l’esthétique des néoclassiques. Le romantisme a rejeté la nature hautement objective et ordonnée du néoclassicisme et a opté pour une approche plus individuelle et émotionnelle des arts. ^[39] Le romantisme a mis l’accent sur la nature, en particulier lorsqu’il visait à dépeindre la puissance et la beauté du monde naturel et des émotions, et a recherché une approche très personnelle de l’art. L’art romantique concernait des sentiments individuels, pas des thèmes communs, comme dans le néoclassicisme ; de cette manière, l’art romantique utilisait souvent des couleurs pour exprimer des sentiments et des émotions. ^[39]À l’instar du néoclassicisme, l’art romantique s’est largement inspiré de l’art et de la mythologie grecs et romains antiques, mais contrairement au néoclassique, cette inspiration a été principalement utilisée comme moyen de créer du symbolisme et des images. L’art romantique tire également une grande partie de ses qualités esthétiques du médiévalisme et du gothique , ainsi que de la mythologie et du folklore . Parmi les plus grands artistes romantiques figuraient Eugène Delacroix , Francisco Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole et William Blake . ^[38]

La plupart des artistes ont tenté d’adopter une approche centriste qui a adopté différentes caractéristiques des styles néoclassique et romantique, afin de les synthétiser. Les différentes tentatives ont eu lieu au sein de l’Académie française, et sont collectivement appelées Art académique . Adolphe William Bouguereau est considéré comme un exemple majeur de ce courant d’art.

Au début du XIXe siècle, le visage de l’Europe a toutefois été radicalement modifié par l’industrialisation . Pauvreté, misère et désespoir devaient être le sort de la nouvelle classe ouvrière créée par la « révolution ». En réponse à ces changements en cours dans la société, le mouvement du réalisme a émergé. Le réalisme a cherché à décrire avec précision les conditions et les difficultés des pauvres dans l’espoir de changer la société. Contrairement au romantisme, qui était essentiellement optimiste à propos de l’humanité, le réalisme offrait une vision crue de la pauvreté et du désespoir. De même, alors que le Romantisme glorifiait la nature, le Réalisme dépeint la vie au fond d’une friche urbaine. Comme le romantisme, le réalisme était un mouvement littéraire et artistique. Le grandParmi les peintres réalistes figurent Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (tous deux considérés comme des impressionnistes ) et Thomas Eakins , entre autres.

La réponse de l’architecture à l’industrialisation, à l’opposé des autres arts, a été de virer à l’historicisme. Bien que les gares construites au cours de cette période soient souvent considérées comme les reflets les plus fidèles de son esprit – elles sont parfois appelées “les cathédrales de l’époque” – les principaux mouvements architecturaux de l’ère industrielle ont été des renaissances de styles d’un passé lointain, tels que le renouveau gothique . Les mouvements apparentés étaient la Confrérie préraphaélite , qui a tenté de ramener l’art à son état de “pureté” avant Raphaël , et le Mouvement des arts et métiers , qui a réagi contre l’impersonnalité des biens produits en série et a préconisé un retour à l’artisanat Médiéval.

Période :

• Néoclassicisme : milieu du début du XVIIIe siècle au début du XIXe siècle
• Romantisme : fin du XVIIIe siècle au milieu du XIXe siècle
• Réalisme : 19ème siècle

Art moderne

L’ impressionnisme était connu pour son utilisation de la lumière et du mouvement dans ses peintures, comme dans les Chambres du Parlement de Claude Monet en 1902 , le coucher du soleil Art & Language sont connus pour leur contribution majeure à l’art conceptuel.

De l’éthique naturaliste du réalisme est né un mouvement artistique majeur, l’ impressionnisme . Les impressionnistes ont été les pionniers de l’utilisation de la lumière dans la peinture alors qu’ils tentaient de capturer la lumière vue par l’œil humain. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro et Pierre-Auguste Renoir , ont tous été impliqués dans le mouvement impressionniste. Comme une conséquence directe de l’impressionnisme est venu le développement du post-impressionnisme . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin , Georges Seurat sont les postimpressionnistes les plus connus.

Après les impressionnistes et les postimpressionnistes est venu le fauvisme , souvent considéré comme le premier genre d’art “moderne”. Tout comme les impressionnistes ont révolutionné la lumière, les fauvistes ont repensé la couleur en peignant leurs toiles dans des teintes vives et sauvages. Après les fauvistes, l’art moderne a commencé à se développer sous toutes ses formes, allant de l’expressionnisme , soucieux d’évoquer l’émotion à travers des œuvres d’art objectives, au cubisme , l’art de transposer une réalité en quatre dimensions sur une toile plane, à l’art abstrait.. Ces nouvelles formes d’art ont repoussé les limites des notions traditionnelles d ‘«art» et correspondaient aux changements rapides similaires qui se produisaient dans la société humaine, la technologie et la pensée.

Le surréalisme est souvent classé comme une forme d’art moderne. Cependant, les surréalistes eux-mêmes se sont opposés à l’étude du surréalisme en tant qu’ère de l’histoire de l’art, affirmant qu’il simplifie à outrance la complexité du mouvement (qui, selon eux, n’est pas un mouvement artistique), déforme la relation du surréalisme à l’esthétique et caractérise à tort le surréalisme en cours comme une ère finie, historiquement encapsulée. D’autres formes d’art moderne (dont certaines frôlent l’art contemporain ) comprennent :

• Expressionisme abstrait
• Art Déco
• Art Nouveau
• Bauhaus
• Peinture de champ de couleur
• Art conceptuel
• Constructivisme
• Cubisme
• Dada
• Der Blaue Reiter
• De Stijl
• Die Brücke
• Art corporel
• Expressionnisme
• Fauvisme
• Fluxus
• Futurisme
• Événement
• Surréalisme
• Lettrisme
• Abstraction lyrique
• Land Art
• Minimalisme
• Art naïf
• Op art
• Art de la performance
• Photoréalisme
• Pop Art
• Suprématisme
• Art vidéo
• Vorticisme

Période :

• Impressionnisme : fin du XIXe siècle
• Autres : Première moitié du XXe siècle

Art contemporain et art Postmoderne

Charles Thompson . Sir Nicholas Serota prend une décision d’acquisition , 2000, Stuckism .

L’art moderne préfigure plusieurs caractéristiques de ce qui sera plus tard défini comme l’art Postmoderne ; en fait, plusieurs mouvements artistiques modernes peuvent souvent être classés à la fois comme modernes et postmodernes, comme le pop art . L’art Postmoderne, par exemple, met fortement l’accent sur l’ironie, la parodie et l’humour en général ; l’art moderne a commencé à développer une approche plus ironique de l’art qui avancera plus tard dans un contexte Postmoderne. L’art Postmoderne voit le flou entre le haut et les beaux-arts avec l’art bas de gamme et commercial; l’art moderne a commencé à expérimenter ce flou. ^[39] Les développements récents de l’art ont été caractérisés par une expansion significative de ce qui peut maintenant être considéré comme de l’art, en termes de matériaux, de médias, d’activité et de concept. Art conceptuelen particulier a eu une grande influence. Cela a commencé littéralement par le remplacement du concept par un objet fabriqué, dont l’une des intentions était de réfuter la marchandisation de l’art. Cependant, il se réfère maintenant généralement à une œuvre d’art où il y a un objet, mais la revendication principale de l’œuvre est faite pour le processus de pensée qui l’a informée. L’aspect commercial est revenu à l’œuvre.

Il y a également eu une augmentation de l’art faisant référence à des mouvements et des artistes antérieurs, et gagnant en validité à partir de cette référence.

Le postmodernisme dans l’art, qui s’est développé depuis les années 1960, diffère du modernisme dans la mesure où les mouvements artistiques modernes étaient principalement axés sur leurs propres activités et valeurs, tandis que le postmodernisme utilise l’ensemble des mouvements précédents comme point de référence. Cela a par définition généré une vision relativiste, accompagnée d’ironie et d’une certaine incrédulité envers les valeurs, chacune pouvant être vue comme remplacée par une autre. Un autre résultat de cela a été la croissance du mercantilisme et de la célébrité. L’art Postmoderne a remis en question les règles et les lignes directrices communes de ce qui est considéré comme des « beaux-arts », fusionnant l’art bas avec les beaux-arts jusqu’à ce qu’aucun ne soit complètement distinguable. ^{[40] [41]}Avant l’avènement du postmodernisme, les beaux-arts se caractérisaient par une forme de qualité esthétique, d’élégance, de savoir-faire, de finesse et de stimulation intellectuelle destinée à séduire les classes supérieures ou éduquées ; cela distinguait le grand art du petit art, qui, à son tour, était considéré comme collant, kitsch , facile à faire et manquant de beaucoup ou de toute stimulation intellectuelle, un art destiné à plaire aux masses. L’art Postmoderne a brouillé ces distinctions, apportant un fort élément de kitsch, de commercialisme et de campement dans les beaux-arts contemporains; ^[39] ce qui est aujourd’hui considéré comme des beaux-arts a peut-être été considéré comme du petit art avant que le postmodernisme ne révolutionne le concept de ce qu’est vraiment le grand art ou les beaux-arts. ^[39]De plus, la nature Postmoderne de l’art contemporain laisse beaucoup de place à l’individualisme au sein de la scène artistique ; par exemple, l’art Postmoderne s’inspire souvent de mouvements artistiques passés, tels que l’art gothique ou baroque, et à la fois juxtapose et recycle les styles de ces périodes passées dans un contexte différent. ^[39]

Certains surréalistes en particulier Joan Miró , qui appelle au “meurtre de la peinture” (Dans de nombreuses interviews datant des années 1930, Miró exprime son mépris pour les méthodes de peinture conventionnelles et son désir de les “tuer”, “assassiner” ou “violer” au profit de moyens d’expression plus contemporains). ^[42] ont dénoncé ou tenté de “supprimer” la peinture, et il y a aussi eu d’autres tendances anti-peinture parmi les mouvements artistiques, comme celui de Dada et de l’art conceptuel . La tendance à s’éloigner de la peinture à la fin du XXe siècle a été contrée par divers mouvements, par exemple la poursuite de l’art minimal , de l’abstraction lyrique ,, Op Art , Nouveau réalisme , Photoréalisme , Neo Geo , Néo-expressionnisme , Nouvelle peinture européenne , Stuckisme , Excessivisme et diverses autres directions picturales importantes et influentes.

Voir également

• Histoire des arts
• Histoire de la peinture
• Vies des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes (livre du XVIe siècle)
• Modernisme
• Peindre dans les Amériques avant la colonisation européenne
• Peintures d’Europe occidentale dans les musées ukrainiens
• Liste des périodes

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Bibliographie

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Liens externes

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