art italien

Depuis l’Antiquité, les Grecs , les Étrusques et les Celtes ont habité respectivement le sud, le centre et le nord de la péninsule italienne. Les très nombreux dessins rupestres de Valcamonica remontent à 8 000 avant JC, et il existe de riches vestiges d’ art étrusque provenant de milliers de tombes, ainsi que de riches vestiges des colonies grecques de Paestum , Agrigente et ailleurs. La Rome antique est finalement devenue la puissance italienne et européenne dominante. Les vestiges romains en Italie sont d’une richesse extraordinaire, des grands monuments impériaux de Rome même à la survivance de bâtiments ordinaires exceptionnellement conservés dansPompéi et sites voisins. Après la Chute de l’empire romain , l’ Italie du Moyen Âge , en particulier le nord, est restée un centre important, non seulement de l’ art carolingien et de l’art ottonien des empereurs romains , mais aussi de l’ art byzantin de Ravenne et d’autres sites.

Le sarcophage étrusque des époux , terre cuite , Cerveteri , 520 av. Le panneau principal de la Maestà de Duccio , 1308-1311 Fresque de la Villa des Mystères . Pompéi , 80 av. Benvenuto Cellini , Persée avec la tête de Méduse , 1545-1554

L’Italie a été le principal centre de développements artistiques tout au long de la Renaissance (1300-1600), en commençant par la Proto-Renaissance de Giotto et atteignant un sommet particulier dans la Haute Renaissance de Léonard de Vinci , Michel- Ange et Raphaël , dont les œuvres ont inspiré la phase ultérieure de la Renaissance, connue sous le nom de maniérisme . L’ Italie a conservé sa domination artistique au XVIIe siècle avec le baroque (1600-1750) et au XVIIIe siècle avec le néoclassicisme (1750-1850). A cette époque, le tourisme culturelest devenu un pilier majeur de l’économie italienne. Le baroque et le néoclassicisme sont tous deux originaires de Rome ^{[1] [2]} et se sont répandus dans tout l’art occidental . L’Italie a maintenu une présence sur la scène artistique internationale à partir du milieu du XIXe siècle, avec des mouvements tels que les Macchiaioli , le Futurisme , la Métaphysique , le Novecento Italiano , le Spatialisme , l’ Arte Povera et la Transavantgarde .

L’art italien a influencé plusieurs mouvements majeurs au cours des siècles et a produit plusieurs grands artistes, dont des peintres, des architectes et des sculpteurs. Aujourd’hui, l’Italie occupe une place importante sur la scène artistique internationale, avec plusieurs grandes galeries d’art, musées et expositions ; les principaux centres artistiques du pays sont Rome, Florence, Venise, Milan, Turin, Gênes, Naples, Palerme, Lecce et d’autres villes. L’ Italie abrite 58 Sites du patrimoine mondial , le plus grand nombre de tous les pays du monde.

Art étrusque

Chimère d’Arezzo

Les figures de bronze Étrusques et les reliefs funéraires en terre cuite comprennent des exemples d’une tradition italienne centrale vigoureuse qui s’était affaiblie au moment où Rome a commencé à construire son empire sur la péninsule.

Les peintures Étrusques qui ont survécu jusqu’aux temps modernes sont pour la plupart des fresques murales de tombes, et principalement de Tarquinia . Il s’agit de l’exemple le plus important d’art figuratif pré-romain en Italie connu des savants.

Les fresques consistent à peindre sur du plâtre frais, de sorte que lorsque le plâtre est séché, la peinture devient une partie du plâtre et une partie intégrante du mur, ce qui l’aide si bien à survivre (en effet, presque toute la peinture étrusque et romaine survivante est à fresque). Les couleurs étaient fabriquées à partir de pierres et de minéraux de différentes couleurs qui étaient broyés et mélangés dans un médium, et les pinceaux fins étaient faits de poils d’animaux (même les meilleurs pinceaux sont fabriqués avec des poils de bœuf). Du milieu du IVe siècle avant J.-C. clair-obscura commencé à être utilisé pour représenter la profondeur et le volume. Parfois, des scènes de la vie quotidienne sont représentées, mais plus souvent des scènes mythologiques traditionnelles. Le concept de proportion n’apparaît dans aucune des fresques survivantes et nous trouvons fréquemment des représentations d’animaux ou d’hommes avec certaines parties du corps hors de proportion. L’une des fresques Étrusques les plus connues est celle du Tombeau de la Lionne à Tarquinia.

Art romain

Rome sous l’empereur Constantin .

Les Étrusques étaient responsables de la construction des premiers édifices monumentaux de Rome. Les temples et maisons romains étaient étroitement basés sur des modèles Étrusques. Les éléments d’influence étrusque dans les temples romains comprenaient le podium et l’accent mis sur le devant au détriment des trois côtés restants. Les grandes maisons Étrusques étaient regroupées autour d’un hall central à la manière des villes romaines. Les grandes maisons furent ensuite construites autour d’un atrium . L’influence de l’architecture étrusque décline progressivement sous la république face aux influences (notamment grecques) d’ailleurs. L’architecture étrusque a elle-même été influencée par les Grecs de sorte que lorsque les Romains ont adopté les styles grecs, ce n’était pas une culture totalement étrangère. Pendant la république, il y a probablement eu une absorption constante d’influences architecturales, principalement du monde hellénistique, mais après la chute de Syracuse en 211 avant JC, des œuvres d’art grecques ont afflué à Rome. Au cours du IIe siècle av. J.-C., le flux de ces travaux, et plus important encore, des artisans grecs, se poursuivit, influençant ainsi de manière décisive le développement de l’Architecture romaine . À la fin de la république, lorsque Vitruvea écrit son traité d’architecture, la théorie architecturale grecque et l’exemple étaient dominants. Avec l’expansion de l’empire, l’Architecture romaine s’est répandue sur un vaste territoire, utilisé à la fois pour les édifices publics et certains plus grands privés. Dans de nombreux domaines, les éléments de style ont été influencés par les goûts locaux, en particulier la décoration, mais l’architecture est restée manifestement romaine. Les styles d’architecture vernaculaire ont été influencés à des degrés divers par l’Architecture romaine et, dans de nombreuses régions, des éléments romains et indigènes se retrouvent combinés dans le même bâtiment.

La statue connue sous le nom d’ Auguste de Prima Porta .

Au 1er siècle de notre ère, Rome était devenue la ville la plus grande et la plus avancée du monde. Les anciens Romains ont proposé de nouvelles technologies pour améliorer les systèmes d’assainissement, les routes et les bâtiments de la ville. Ils ont développé un système d’aqueducs qui acheminaient l’eau douce dans la ville, et ils ont construit des égouts qui éliminaient les déchets de la ville. Les Romains les plus riches vivaient dans de grandes maisons avec des jardins. La plupart de la population, cependant, vivait dans des immeubles d’habitation en pierre, en béton ou en calcaire. Les Romains développèrent de nouvelles techniques et utilisèrent des matériaux tels que le sol volcanique de Pozzuoli, un village près de Naples, pour rendre leur ciment plus dur et plus résistant. Ce béton leur a permis de construire de grands immeubles d’appartements appelés insulae .

Des peintures murales décoraient les maisons des riches. Les peintures montraient souvent des paysages de jardins, des événements de la mythologie grecque et romaine, des scènes historiques ou des scènes de la vie quotidienne. Les Romains décoraient les sols de mosaïques – des images ou des dessins créés avec de petits carreaux colorés. Les peintures et les mosaïques richement colorées contribuaient à rendre les pièces des maisons romaines plus grandes et plus lumineuses et montraient la richesse du propriétaire. ^[3]

À l’ère chrétienne de la fin de l’Empire, de 350 à 500 après JC, la peinture murale, les plafonds et les sols en mosaïque et la sculpture funéraire ont prospéré, tandis que la sculpture grandeur nature en rond et en panneau s’est éteinte, probablement pour des raisons religieuses. ^[4] Lorsque Constantin a déplacé la capitale de l’empire à Byzance (rebaptisée Constantinople ), l’art romain a incorporé des influences orientales pour produire le style byzantin de l’empire tardif. Lorsque Rome a été saccagée au Ve siècle, des artisans se sont installés et ont trouvé du travail dans la capitale orientale. L’église Sainte-Sophie de Constantinople employa près de 10 000 ouvriers et artisans, dans un dernier élan de l’art roman sous l’empereur Justinien Ier , qui ordonna également la création des célèbres mosaïques deRavenne . ^[5]

Art Médiéval

Tout au long du Moyen Âge , l’art italien se compose essentiellement de décors architecturaux (fresques et mosaïques). L’art byzantin en Italie était une décoration très formelle et raffinée avec une calligraphie standardisée et une utilisation admirable de la couleur et de l’or. Jusqu’au XIIIe siècle, l’art en Italie était presque entièrement régional, influencé par des courants extérieurs européens et orientaux. Après env. 1250 l’art des diverses régions a développé des caractéristiques communes, de sorte qu’une certaine unité, ainsi qu’une grande originalité, est observable.

Art byzantin

Avec la chute de sa capitale occidentale, l’Empire romain a continué pendant encore 1000 ans sous la direction de Constantinople . ^[6] Les artisans byzantins ont été utilisés dans d’importants projets dans toute l’Italie, et les styles de peinture byzantins peuvent être trouvés jusqu’au 14ème siècle.

Art gothique

La période gothique marque une transition du Médiéval à la Renaissance et se caractérise par des styles et des attitudes nourris par l’influence de l’ordre des moines dominicains et franciscains, fondés respectivement par saint Dominique et saint François d’Assise .

C’était une époque de conflits religieux au sein de l’église. Les franciscains et les dominicains ont été fondés dans le but de résoudre ces différends et de ramener l’ Église catholique à l’essentiel. Les premiers jours des franciscains sont surtout connus pour la compassion de saint François, tandis que les dominicains sont dans les mémoires comme l’ordre le plus responsable des débuts de l’ Inquisition .

L’architecture gothique a commencé dans le nord de l’Europe et s’est propagée vers le sud jusqu’en Italie.

Art de la Renaissance

Mona Lisa de Léonard de Vinci

Au Moyen Âge, peintres et sculpteurs ont essayé de donner à leurs œuvres une qualité spirituelle. Ils voulaient que les spectateurs se concentrent sur la signification religieuse profonde de leurs peintures et sculptures. Mais les peintres et sculpteurs de la Renaissance, comme les écrivains de la Renaissance, voulaient représenter les gens et la nature de manière réaliste. Les architectes médiévaux ont conçu d’immenses cathédrales pour souligner la grandeur de Dieu et humilier l’esprit humain. Les architectes de la Renaissance ont conçu des bâtiments dont les proportions étaient basées sur celles du corps humain et dont l’ornementation imitait les conceptions antiques.

Arts du XIVe siècle et du début du XVe siècle

La Naissance de Vénus de Sandro Botticelli , 1484-85

Au début du XIVe siècle, le peintre florentin Giotto est devenu le premier artiste à représenter la nature de manière réaliste depuis la Chute de l’empire romain. Il réalise de magnifiques fresques (peintures sur plâtre humide) pour les églises d’Assise, de Florence, de Padoue et de Rome. Giotto a tenté de créer des personnages réalistes montrant de vraies émotions. Il a dépeint plusieurs de ses personnages dans des décors réalistes.

Un groupe remarquable d’architectes, de peintres et de sculpteurs florentins a travaillé au début du XVe siècle. Parmi eux figuraient le peintre Masaccio , le sculpteur Donatello et l’ architecte Filippo Brunelleschi .

Le plus beau travail de Masaccio était une série de fresques qu’il a peintes vers 1427 dans la chapelle Brancacci de l’église Santa Maria del Carmine à Florence. Les fresques montrent de manière réaliste des scènes bibliques d’intensité émotionnelle. Dans ces peintures, Masaccio a utilisé le système de Brunelleschi pour obtenir une perspective linéaire.

Dans ses sculptures, Donatello a tenté de représenter la dignité du corps humain avec des détails réalistes et souvent dramatiques. Ses chefs-d’œuvre comprennent trois statues du héros biblique David. Dans une version achevée dans les années 1430, Donatello dépeint David comme un jeune gracieux et nu, quelques instants après avoir tué le géant Goliath. L’œuvre, qui mesure environ 1,5 mètre de haut, était le premier grand nu autoportant créé dans l’art occidental depuis l’Antiquité classique.

Brunelleschi a été le premier architecte de la Renaissance à faire revivre le style architectural romain antique. Il a utilisé des arcs, des colonnes et d’autres éléments de l’architecture classique dans ses créations. L’un de ses édifices les plus connus est la chapelle Pazzi, magnifiquement et harmonieusement proportionnée , à Florence. La chapelle, commencée en 1442 et achevée vers 1465, fut l’un des premiers édifices conçus dans le nouveau style Renaissance. Brunelleschi a également été le premier artiste de la Renaissance à maîtriser la perspective linéaire , un système mathématique avec lequel les peintres pouvaient montrer l’espace et la profondeur sur une surface plane.

Arts de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle

Les arts de la fin du XVe siècle et du début du XVIe siècle étaient dominés par trois hommes. Ils étaient Michel- Ange , Raphaël et Léonard de Vinci .

Michel-Ange excellait en tant que peintre, architecte et poète. De plus, il a été qualifié de plus grand sculpteur de l’histoire. ^[7] Michel-Ange était un maître de la représentation de la figure humaine. Par exemple, sa célèbre statue du chef israélite Moïse (1516) donne une impression écrasante de puissance physique et spirituelle. Ces qualités apparaissent également dans les fresques de sujets bibliques et classiques que Michel-Ange a peintes sur le plafond de la chapelle Sixtine du Vatican . Les fresques, peintes de 1508 à 1512, comptent parmi les plus grandes œuvres de l’art de la Renaissance.

David de Michel- Ange , 1501-1504

Les peintures de Raphaël sont plus douces dans leurs contours et plus poétiques que celles de Michel-Ange. Raphaël était habile dans la création de perspective et dans l’utilisation délicate de la couleur. Il a peint un certain nombre de belles images de la Madone (Vierge Marie) et de nombreux portraits exceptionnels. L’une de ses plus grandes œuvres est la fresque L’École d’Athènes . La peinture a été influencée par les modèles classiques grecs et romains. Il dépeint les grands philosophes et scientifiques de la Grèce antique dans un décor d’arcs classiques. Raphaël faisait ainsi le lien entre la culture de l’antiquité classique et la culture italienne de son temps.

Léonard de Vinci a peint deux des œuvres les plus célèbres de l’art de la Renaissance, la peinture murale La Cène et le portrait de Mona Lisa . Léonard avait l’un des esprits les plus curieux de toute l’histoire. Il voulait savoir comment fonctionnait tout ce qu’il voyait dans la nature. Dans plus de 4 000 pages de cahiers, il a dessiné des schémas détaillés et écrit ses observations. Leonardo a fait des dessins minutieux de squelettes et de muscles humains, essayant d’apprendre comment le corps fonctionnait. En raison de son esprit curieux, Léonard est devenu un symbole de l’esprit d’apprentissage et de curiosité intellectuelle de la Renaissance. ^[8]

Le créateur de l’architecture de la Haute Renaissance était Donato Bramante , qui est venu à Rome en 1499, alors qu’il avait 55 ans. Son premier chef-d’œuvre romain, le Tempietto (1502) à San Pietro in Montorio, est une structure de dôme centralisée qui rappelle l’architecture classique des temples. Le pape Jules II a choisi Bramante comme architecte papal et, ensemble, ils ont conçu un plan pour remplacer l’ancien Saint-Pierre du IVe siècle par une nouvelle église aux dimensions gigantesques. Le projet n’a cependant été achevé que longtemps après la mort de Bramante.

Les études humanistes se poursuivent sous les puissants papes de la Haute Renaissance, Jules II et Léon X , tout comme le développement de la musique polyphonique. Le Chœur Sixtine , qui pd, a attiré des musiciens et des chanteurs de toute l’Italie et de l’Europe du Nord. Parmi les compositeurs les plus célèbres qui sont devenus membres figuraient Josquin des Prez et Giovanni Pierluigi da Palestrina .

Maniérisme

Le maniérisme était un style élégant et courtois. Il a prospéré à Florence, en Italie, où ses principaux représentants étaient Giorgio Vasari et Bronzino . Le style a été introduit à la cour française par Rosso Fiorentino et par Francesco Primaticcio . Le peintre vénitien Tintoretto a été influencé par le style.

L’approche maniériste de la peinture a également influencé d’autres arts.

En architecture, l’œuvre de l’architecte italien Giulio Romano en est un exemple notable. L’Italien Benvenuto Cellini et le Flamand Giambologna étaient les principaux représentants du style en sculpture. ^[9]

Certains historiens considèrent cette période comme une dégénérescence du classicisme de la Haute Renaissance ou même comme un intermède entre la Haute Renaissance et le baroque, auquel cas les dates sont généralement de c. 1520 à 1600, et il est considéré comme un style positif complet en soi.

Art baroque et rococo

L’appel de saint Matthieu du Caravage , 1599-1600

Au début du XVIIe siècle, Rome est devenue le centre d’un renouveau de la domination italienne dans les arts. À Parme, Antonio da Correggio a décoré les voûtes des églises avec des personnages animés flottant doucement sur des nuages ​​- un schéma qui devait avoir une profonde influence sur les peintures de plafond baroques. Les peintures orageuses en clair-obscur du Caravage et les peintures robustes et illusionnistes de la famille bolognaise des Carracci ont donné naissance à la période baroque de l’art italien. Domenichino , Francesco Albani , et plus tard Andrea Sacchi ont été parmi ceux qui ont réalisé les implications classiques dans l’art des Carracci.

D’autre part, Guido Reni , Guercino , Orazio Gentileschi , Giovanni Lanfranco , et plus tard Pietro da Cortona et Andrea Pozzo , bien que formés à fond dans un mode classique-allégorique, ont d’abord été enclins à peindre des compositions dynamiques pleines de figures gesticulantes d’une manière plus proche de celle du Caravage. L’imposant virtuose de l’exubérance baroque et de la grandeur de la sculpture et de l’architecture était Gian Lorenzo Bernini . Vers 1640, de nombreux peintres se sont penchés vers le style classique qui avait été mis en avant à Rome par l’expatrié français Nicolas Poussin . Les sculpteurs Alessandro Algardi etFrançois Duquesnoy penchait lui aussi vers le classique. Parmi les artistes baroques tardifs notables figurent le Génois Giovanni Battista Gaulli et les Napolitains Luca Giordano et Francesco Solimena .

Les vedettes du XVIIIe siècle sont venues de Venise. Parmi eux se trouvaient le brillant représentant du style rococo, Giovanni Battista Tiepolo ; les peintres architecturaux Francesco Guardi , Canaletto , Giovanni Battista Piazzetta et Bernardo Bellotto ; et le graveur d’antiquités romaines, Giovanni Battista Piranesi .

Art italien néoclassique et du XIXe siècle

Le Baiser de Francesco Hayez (1859) en est venu à représenter l’esprit du Risorgimento italien

Comme dans d’autres parties de l’Europe, l’art néoclassique italien était principalement basé sur les principes de l’art et de l’architecture de la Rome antique et de la Grèce antique , mais aussi sur l’architecture de la Renaissance italienne et ses bases, comme dans la Villa Capra “La Rotonda” .

Le classicisme et le néoclassicisme dans l’art et l’architecture italiens se sont développés pendant la Renaissance italienne , notamment dans les écrits et les dessins de Leon Battista Alberti et le travail de Filippo Brunelleschi . Il met l’accent sur la symétrie, la proportion, la géométrie et la régularité des pièces telles qu’elles sont démontrées dans l’architecture de l’Antiquité classique et en particulier dans l’architecture de la Rome antique ., dont de nombreux exemples subsistent. Des arrangements ordonnés de colonnes, de pilastres et de linteaux, ainsi que l’utilisation d’arcs en plein cintre, de dômes hémisphériques, de niches et d’édicules ont remplacé les systèmes proportionnels plus complexes et les profils irréguliers des bâtiments médiévaux. Ce style s’est rapidement répandu dans d’autres villes italiennes et plus tard dans le reste de l’Europe continentale.

Le sculpteur Antonio Canova était l’un des principaux représentants du style néoclassique. De renommée internationale, il était considéré comme le sculpteur le plus brillant d’Europe. ^[dix]

Francesco Hayez est le plus grand représentant du romantisme en Italie : nombre de ses œuvres, généralement de décor Médiéval , contiennent un message patriotique crypté du Risorgimento .

Les Macchiaioli

L’ Italie a produit sa propre forme d’ impressionnisme , les artistes Macchiaioli , qui étaient en fait là les premiers, avant les impressionnistes plus célèbres : Giovanni Fattori , Silvestro Lega , Telemaco Signorini , Giuseppe Abbati . Les artistes Macchiaioli ont été les précurseurs de l’impressionnisme en France. Ils croyaient que les zones de lumière et d’ombre, ou macchie (littéralement des taches ou des taches) étaient les principaux composants d’une œuvre d’art. Le mot macchia était couramment utilisé par les artistes et critiques italiens du XIXe siècle pour décrire la qualité étincelante d’un dessin ou d’une peinture, que ce soit en raison d’une exécution sommaire et spontanée ou de l’ampleur harmonieuse de son effet global.

Une revue hostile publiée le 3 novembre 1862 dans la revue Gazzetta del Popolo marque la première apparition imprimée du terme Macchiaioli. ^[11] Le terme avait plusieurs connotations : il impliquait de manière moqueuse que les œuvres finies des artistes n’étaient rien de plus que des esquisses, et rappelait l’expression « darsi alla macchia », signifiant, idiomatiquement, se cacher dans les buissons ou la garrigue. Les artistes ont en effet peint une grande partie de leur travail dans ces zones sauvages. Ce sens du nom identifiait également les artistes avec des hors-la-loi, reflétant la vision des traditionalistes selon laquelle la nouvelle école d’artistes travaillait en dehors des règles de l’art, selon les lois strictes définissant l’expression artistique à l’époque.

Art moderne et contemporain italien

Au début du XXe siècle, les tenants du futurisme développent une vision dynamique du monde moderne tandis que Giorgio de Chirico exprime une étrange quiétude métaphysique et qu’Amedeo Modigliani rejoint l’école de Paris. Parmi les artistes modernes plus doués figurent les sculpteurs Giacomo Manzù , Marino Marini , le peintre de natures mortes Giorgio Morandi et le peintre iconoclaste Lucio Fontana . Dans la seconde moitié du XXe siècle, les designers italiens, en particulier ceux de Milan, ont profondément influencé les styles internationaux avec leurs œuvres fonctionnelles imaginatives et ingénieuses.

Futurisme

La rue entre dans la maison d’Umberto Boccioni (1912).

Le futurisme était un mouvement artistique italien qui a prospéré de 1909 à 1916 environ. C’était le premier de nombreux mouvements artistiques qui ont tenté de rompre avec le passé dans tous les domaines de la vie. Le futurisme glorifiait la puissance, la vitesse et l’excitation qui caractérisaient l’ère de la machine. Des peintres cubistes français et de la photographie à expositions multiples, les futuristes ont appris à décomposer des formes réalistes en images multiples et en fragments de couleur qui se chevauchent. Par de tels moyens, ils ont tenté de dépeindre l’énergie et la rapidité de la vie moderne. En littérature, le futurisme exigeait l’abolition des structures de phrases et des formes de vers traditionnelles. ^[12]

Le futurisme a été annoncé pour la première fois le 20 février 1909, lorsque le journal parisien Le Figaro a publié un manifeste du poète et éditeur italien Filippo Tommaso Marinetti . (Voir le Manifeste du futurisme .) Marinetti a inventé le mot futurisme pour refléter son objectif de rejeter l’art du passé et de célébrer le changement, l’originalité et l’innovation dans la culture et la société. Le manifeste de Marinetti a glorifié la nouvelle technologie de l’ automobileet la beauté de sa vitesse, de sa puissance et de son mouvement. Exaltant la violence et les conflits, il a appelé à la répudiation radicale des valeurs traditionnelles et à la destruction des institutions culturelles telles que les musées et les bibliothèques. La rhétorique du manifeste était passionnément ampoulée ; son ton agressif était délibérément destiné à inspirer la colère du public et à susciter la controverse.

Formes uniques de continuité dans l’espace par Umberto Boccioni (1913).

Le manifeste de Marinetti a inspiré un groupe de jeunes peintres milanais à appliquer les idées futuristes aux arts visuels. Umberto Boccioni , Carlo Carrà , Luigi Russolo , Giacomo Balla et Gino Severini publient plusieurs manifestes sur la peinture en 1910. Comme Marinetti, ils glorifient l’originalité et expriment leur mépris pour les traditions artistiques héritées.

Boccioni s’est également intéressé à la sculpture , publiant un manifeste sur le sujet au printemps 1912. Il est considéré comme ayant le plus pleinement réalisé ses théories dans deux sculptures, Développement d’une bouteille dans l’espace (1912), dans lesquelles il représentait à la fois l’intérieur et les contours extérieurs d’une bouteille, et Unique Forms of Continuity in Space (1913), dans lequel une figure humaine n’est pas représentée comme une forme solide mais est plutôt composée des multiples plans dans l’espace à travers lesquels la figure se déplace. Des principes réalistes étendus à l’architecture également. Antonio Sant’Eliaa formulé un manifeste futuriste sur l’architecture en 1914. Ses dessins visionnaires de villes hautement mécanisées et de gratte-ciel audacieusement modernes préfigurent certaines des planifications architecturales les plus imaginatives du XXe siècle.

Boccioni, qui avait été l’artiste le plus talentueux du groupe, ^[13] et Sant’Elia sont tous deux morts pendant le service militaire en 1916. La mort de Boccioni, combinée à l’expansion du personnel du groupe et aux réalités qui donnent à réfléchir de la dévastation causée par la Première Guerre mondiale , a effectivement mis fin au mouvement futuriste en tant que force historique importante dans les arts visuels.

Art métaphysique

La peinture métaphysique est un mouvement artistique italien, né en 1917 avec le travail de Carlo Carrà et Giorgio de Chirico à Ferrare. Le mot métaphysique, adopté par De Chirico lui-même, est au cœur de la poétique du mouvement.

Sphère dans la sphère par Arnaldo Pomodoro . Pesaro

Ils ont représenté une imagerie onirique, avec des personnages et des objets apparemment figés dans le temps. Les artistes de la peinture métaphysique acceptent la représentation du monde visible dans un espace de perspective traditionnel, mais l’agencement inhabituel des êtres humains en tant que modèles factices, des objets dans des contextes étranges et illogiques, les lumières et les couleurs irréelles, la statique non naturelle des figures immobiles.

Novecento Italiano

Mouvement Novecento, groupe d’artistes italiens, formé en 1922 à Milan, qui prônait un retour au grand art figuratif italien du passé.

Les membres fondateurs du mouvement Novecento ( italien : XXe siècle) étaient la critique Margherita Sarfatti et sept artistes : Anselmo Bucci , Leonardo Dudreville , Achille Funi , Gian Emilio Malerba, Piero Marussig, Ubaldo Oppi et Mario Sironi. Sous la direction de Sarfatti, le groupe a cherché à renouveler l’art italien en rejetant les mouvements d’avant-garde européens et en embrassant les traditions artistiques italiennes.

Parmi les autres artistes associés au Novecento figuraient les sculpteurs Marino Marini et Arturo Martini et les peintres Ottone Rosai , Massimo Campigli , Carlo Carrà et Felice Casorati .

spatialisme

Mouvement fondé par l’artiste italien Lucio Fontana sous le nom de movimento spaziale , ses principes ont été repris dans des manifestes entre 1947 et 1954.

Combinant des éléments d’art concret, de dada et de tachisme, les adhérents du mouvement ont rejeté la peinture de chevalet et adopté de nouveaux développements technologiques, cherchant à incorporer le temps et le mouvement dans leurs œuvres. Les peintures lacérées et percées de Fontana illustrent ses thèses.

Arte Povera

Arte Povera un mouvement artistique né en Italie dans les années 1960, combinant des aspects de l’art conceptuel, minimaliste et de la performance, et utilisant des matériaux sans valeur ou communs tels que la terre ou le journal, dans l’espoir de renverser la commercialisation de l’art. L’expression est italienne et signifie littéralement “art appauvri”.

Transavantgarde

Le terme Transavantgarde est l’invention du critique italien Achille Bonito Oliva . Il a défini l’art transavant-gardiste comme un format traditionnel (c’est-à-dire principalement la peinture ou la sculpture); apolitique; et surtout éclectique.

Liste des principaux musées et galeries d’Italie Plaidoyer et restrictions

Selon les amendements de 2017 au Codice dei beni culturali e del paesaggio , ^{[14] [15]} une œuvre d’art peut être légalement définie d’intérêt public et culturel si elle a été achevée au moins 70 ans auparavant. La limite précédente était de 50 ans. Pour faciliter les exportations et le commerce international des biens d’art en tant que réserve de valeur , il a été pour la première fois donné aux propriétaires privés et à leurs marchands la faculté d’auto-certifier une valeur commerciale inférieure à 13.500 euros, afin d’être autorisé à transporter des marchandises hors des frontières du pays et dans l’Union européenne, sans avoir besoin d’une autorisation administrative publique. ^{[16] [17]} Le projet de loi a été adopté et est entré en vigueur le 29 août, 2017. ^[15] Une autorisation publique est prévue pour les vestiges archéologiques découverts sous terre ou sous le niveau de la mer. ^[14]

Voir également

• Portail Italie
• Portail des arts visuels

• Littérature italienne
• Histoire de l’Italie
• Culture de l’Italie

Références

1. ^ Stevenson, Angus (19 août 2010). Dictionnaire d’Oxford de l’anglais . ISBN 978-0-19-957112-3.
2. ↑ La route de Rome à Paris. La naissance d’un néoclassicisme moderne
3. ^ Alex T. Nice, Ph.D., ancien professeur agrégé invité de classiques, programme d’études classiques, Université Willamette.
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4. ^ Piper, p. 261.
5. ^ Piper, p. 266.
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   “ Michel-Ange a été le premier artiste de l’histoire à être reconnu par ses contemporains comme un génie au sens moderne du terme. Canonisé avant sa mort, il est resté magnifique, redoutable et distant. Quelques-uns des obstacles à l’établissement d’un contact étroit avec son esprit est inhérent à son propre caractère intransigeant ; il était le plus grand sculpteur qui ait jamais vécu, et le plus grand sculpteur n’est pas nécessairement le plus accessible. »
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   Hankins, James. “Renaissance.” Livre mondial avancé. Livre mondial, 2011. Web. 1er octobre 2011.
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10. ^ Rosenblum, Robert; Janson, Horst Woldemar. Art du XIXe siècle. Abrams, 1984. p. 104. Internet. 5 oct. 2011.
    “ Antonio Canova (1757–1822) n’était pas seulement le plus grand sculpteur de sa génération ; il était l’artiste le plus célèbre du monde occidental des années 1790 jusqu’à longtemps après sa mort. ”
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    Hyland, Douglas KS “Futurisme”. Livre mondial avancé. Livre mondial, 2011. Web. 4 octobre 2011.
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17. ^ “Compte rendu abrégé de la session parlementaire tenue le 28 juin 2017” . Chambre des députés (Italie) (en italien).

Liens externes

• [2] Art italien. kdfineart-italia.com. La toile. 5 octobre 2011.
• [3] Beaux-Arts de style italien et toscan. italianartstudio.com. La toile. 5 octobre 2011.
• [4] Notes d’art italien