Art Déco

L’Art Déco , parfois appelé Déco , est un style d’arts visuels, d’architecture et de design qui est apparu pour la première fois en France juste avant la Première Guerre mondiale . ^[1] Il a influencé la conception des bâtiments, des meubles, des bijoux, de la mode, des voitures, des cinémas, des trains, des paquebots et des objets du quotidien tels que les radios et les aspirateurs. ^[2] Il tire son nom, abréviation d’ Arts Décoratifs , de l’ Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) qui s’est tenue à Paris en 1925. ^[3]

Art Déco

De haut en bas : Chrysler Building à New York (1930) ; Affiche pour l’ exposition universelle de Chicago par Weimer Pursell (1933) ; et ornement de capot Victoire de René Lalique (1928)
Années actives	c. 1910-1939
Pays	Mondial

L’art déco combinait des styles modernes avec un savoir-faire raffiné et des matériaux riches. À son apogée, il représentait le luxe, le glamour, l’exubérance et la foi dans le progrès social et technologique.

Dès ses débuts, l’Art déco est influencé par les formes géométriques audacieuses du cubisme et de la Sécession viennoise ; les couleurs vives du fauvisme et des Ballets russes ; la facture actualisée du mobilier des époques Louis Philippe Ier et Louis XVI ; et les styles exotiques de la Chine et du Japon , de l’Inde , de la Perse , de l’Égypte ancienne et de l’art maya . Il comportait des matériaux rares et coûteux, tels que l’ébène et l’ivoire, et un savoir-faire exquis. L’ Empire State Building , le Chrysler Building, et d’autres gratte-ciel de New York construits dans les années 1920 et 1930 sont des monuments du style.

Dans les années 1930, pendant la Grande Dépression , l’Art Déco s’estompe. De nouveaux matériaux sont arrivés, notamment le chromage , l’acier inoxydable et le plastique. Une forme plus élégante du style, appelée Streamline Moderne , est apparue dans les années 1930, avec des formes courbes et des surfaces lisses et polies. ^[4] L’Art Déco est l’un des premiers styles véritablement internationaux, mais sa domination a pris fin avec le début de la Seconde Guerre mondiale et la montée des styles strictement fonctionnels et sans fioritures de l’architecture moderne et du style international d’architecture qui a suivi. ^[5]

Étymologie

L’Art Déco tire son nom, abréviation d’ arts décoratifs , de l’ Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes qui s’est tenue à Paris en 1925, ^[3] bien que les divers styles qui le caractérisent soient déjà apparus à Paris et à Bruxelles avant la Première Guerre mondiale .

Les arts décoratifs ont été utilisés pour la première fois en France en 1858 dans le Bulletin de la Société française de photographie . ^[6] En 1868, le journal Le Figaro utilise le terme d’objets d’art décoratifs pour désigner des objets de décor de scène créés pour le Théâtre de l’Opéra . ^{[7] [8] [9]} En 1875, les créateurs de meubles, le textile, les bijoutiers, les verriers et d’autres artisans ont reçu officiellement le statut d’artistes par le gouvernement français. En réponse, l’ École royale gratuite de dessin , fondée en 1766 sous le roi Louis XVIdestinée à former des artistes et artisans aux métiers d’art liés aux beaux-arts, est rebaptisée École nationale des arts décoratifs . Elle prend son nom actuel, ENSAD ( École nationale supérieure des arts décoratifs ), en 1927.

Lors de l’Exposition de 1925, l’architecte Le Corbusier rédige une série d’articles sur l’exposition pour son magazine L’Esprit Nouveau , sous le titre “1925 EXPO. ARTS. DÉCO.”, qui sont regroupés dans un livre, L’art décoratif d’ aujourd’hui (Art Décoratif Aujourd’hui). Le livre était une attaque fougueuse contre les excès des objets colorés et somptueux de l’Exposition, et contre l’idée que les objets pratiques tels que les meubles ne devraient avoir aucune décoration du tout; sa conclusion était que “la décoration moderne n’a pas de décoration”. ^[dix]

Le terme proprement dit d’art déco n’apparut dans la presse qu’en 1966, dans le titre de la première exposition moderne sur le sujet, organisée par le Musée des Arts décoratifs de Paris, Les Années 25 : Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau , qui couvert la variété des grands styles dans les années 1920 et 1930. ^[11] Le terme a ensuite été utilisé dans un article de journal de 1966 par Hillary Gelson dans The Times (Londres, 12 novembre), décrivant les différents styles de l’exposition. ^{[12] [13]}

L’art déco s’est imposé comme une étiquette stylistique largement appliquée en 1968 lorsque l’historien Bevis Hillier a publié le premier grand livre universitaire à ce sujet, Art déco des années 20 et 30 . ^[2] Il a noté que le terme était déjà utilisé par les marchands d’art et cite The Times (2 novembre 1966) et un essai nommé Les Arts Déco dans le magazine Elle (novembre 1967) comme exemples. ^[14] En 1971, il organise une exposition au Minneapolis Institute of Arts , qu’il détaille dans son livre The World of Art Deco . ^{[15] [16]}

Origines

Société des artistes décorateurs (1901-1913)

L’émergence de l’Art Déco est étroitement liée à la montée en puissance des artistes décorateurs, qui jusqu’à la fin du XIXe siècle étaient considérés comme de simples artisans. Le terme arts décoratifs avait été inventé en 1875, donnant aux créateurs de meubles, textiles et autres décorations un statut officiel. La Société des artistes décorateurs (SAD) a été fondée en 1901 et les artistes décorateurs ont reçu les mêmes droits d’auteur que les peintres et les sculpteurs. Un mouvement similaire s’est développé en Italie. La première exposition internationale entièrement consacrée aux arts décoratifs, l’ Esposizione Internazionale d’Arte Decorativa Moderna , s’est tenue à Turinen 1902. Plusieurs nouvelles revues consacrées aux arts décoratifs voient le jour à Paris, dont Arts et décoration et L’Art décoratif moderne . Des sections d’arts décoratifs ont été introduites dans les salons annuels de la Société des artistes français , puis plus tard dans le Salon d’Automne . Le nationalisme français a également joué un rôle dans la résurgence des arts décoratifs, les designers français se sentant mis au défi par les exportations croissantes de meubles allemands moins chers. En 1911, SAD propose une nouvelle grande exposition internationale des arts décoratifs en 1912. Aucune copie de styles anciens ne sera autorisée, seules les œuvres modernes. L’exposition a été reportée à 1914; puis, à cause de la guerre, jusqu’en 1925, où elle donna son nom à toute la famille des styles dits « Déco ». ^[17]

Table et chaises de Maurice Dufrêne et tapis de Paul Follot au Salon des artistes décorateurs de 1912
Dame à la panthère par George Barbier pour Louis Cartier , 1914. Carte-présentoir commandée par Cartier montre une femme en robe Paul Poiret (1914)
Fauteuil d’ Émile-Jacques Ruhlmann (1914) (Musée d’Orsay)

Les grands magasins parisiens et les créateurs de mode ont également joué un rôle important dans l’essor de l’Art Déco. Des entreprises de premier plan telles que l’entreprise d’argenterie Christofle , le créateur de verre René Lalique et les joailliers Louis Cartier et Boucheron ont commencé à concevoir des produits dans des styles plus modernes. ^{[18] [19]} À partir de 1900, les grands magasins ont recruté des artistes décoratifs pour travailler dans leurs studios de design. La décoration du Salon d’Automne de 1912 est confiée au grand magasin Printemps , ^{[20] [21]} et cette année-là il crée son propre atelier, Primavera . ^[21] Vers 1920Primavera a employé plus de 300 artistes, dont les styles allaient des versions actualisées des meubles Louis XIV , Louis XVI , et surtout Louis Philippe réalisés par Louis Süe et l’ atelier Primavera , aux formes plus modernes de l’atelier du grand magasin Au Louvre . D’autres designers, dont Émile-Jacques Ruhlmann et Paul Follot, ont refusé d’utiliser la production de masse, insistant pour que chaque pièce soit fabriquée individuellement. Le premier style Art Déco comportait des matériaux luxueux et exotiques tels que l’ ébène , l’ivoire et la soie, des couleurs très vives et des motifs stylisés., notamment des corbeilles et des bouquets de fleurs de toutes les couleurs, donnant une allure moderniste. ^[22]

Sécession viennoise et Wiener Werkstätte (1905-1911)

Les architectes de la Sécession viennoise (formée en 1897), en particulier Josef Hoffmann , ont eu une influence notable sur l’Art déco. Son palais Stoclet , à Bruxelles (1905-1911), était un prototype du style Art déco, avec des volumes géométriques, une symétrie, des lignes droites, du béton recouvert de plaques de marbre, des ornements finement sculptés et des intérieurs somptueux, notamment des frises en mosaïque de Gustav Klimt . Hoffmann a également été l’un des fondateurs de la Wiener Werkstätte (1903-1932), une association d’artisans et d’architectes d’intérieur travaillant dans le nouveau style. Celui-ci devint le modèle de la Compagnie des arts français , créée en 1919, qui réunissait André Mare , et Louis Süe, premiers grands créateurs et décorateurs Art Déco français. ^[23]

Palais Stoclet , Bruxelles, Belgique, par Josef Hoffmann (1905–11)
Détail de la façade, en béton armé recouvert de plaques de marbre

Nouveaux matériaux et technologies

Les nouveaux matériaux et technologies, en particulier le béton armé , ont joué un rôle clé dans le développement et l’apparition de l’Art Déco. La première maison en béton est construite en 1853 en banlieue parisienne par François Coignet . En 1877 , Joseph Monier a introduit l’idée de renforcer le béton avec un treillis de tiges de fer en forme de grille. En 1893 , Auguste Perret construit le premier garage en béton de Paris, puis un immeuble à appartements, une maison, puis, en 1913, le Théâtre des Champs-Élysées . Le théâtre a été dénoncé par un critique comme le “Zeppelin de l’avenue Montaigne”, une prétendue influence germanique, copiée de la Sécession viennoise. Par la suite, la majorité des bâtiments Art Déco ont été construits en béton armé, ce qui a donné une plus grande liberté de forme et moins besoin de renforcer les piliers et les colonnes. Perret a également été un pionnier dans le revêtement du béton avec des carreaux de céramique, à la fois pour la protection et la décoration. L’architecte Le Corbusier a d’abord appris les usages du béton armé en travaillant comme dessinateur dans l’atelier de Perret. ^[24]

D’autres nouvelles technologies qui étaient importantes pour l’Art Déco étaient de nouvelles méthodes de production de verre plat, qui étaient moins chères et permettaient des fenêtres beaucoup plus grandes et plus solides, et pour la production en série d’aluminium, qui était utilisé pour la construction et les cadres de fenêtres et plus tard, par Corbusier, Warren McArthur , et d’autres, pour les meubles légers.

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)

Théâtre des Champs-Élysées , d’ Auguste Perret , 15 avenue Montaigne, Paris (1910-13). Le béton armé a donné aux architectes la possibilité de créer de nouvelles formes et de plus grands espaces
Antoine Bourdelle , La Danse , sur la façade du Théâtre des Champs-Élysées (1912)
Intérieur du Théâtre des Champs-Élysées, avec les bas-reliefs de Bourdelle sur la scène
Dôme du Théâtre, avec rosace Art Déco par Maurice Denis

Antoine Bourdelle , 1910-12, Apollon et sa méditation accompagnée des 9 muses , Bas-relief, au Théâtre des Champs-Élysées. Cette œuvre représente l’un des premiers exemples de ce qui est devenu connu sous le nom de sculpture Art Déco

Le Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), d’ Auguste Perret , est le premier édifice Art déco achevé à Paris. Auparavant, le béton armé n’était utilisé que pour les immeubles industriels et d’appartements, Perret avait construit le premier immeuble d’appartements moderne en béton armé à Paris rue Benjamin Franklin en 1903–04. Henri Sauvage, autre grand futur architecte Art Déco, en construit un autre en 1904 au 7, rue Trétaigne (1904). De 1908 à 1910, Le Corbusier, 21 ans, travaille comme dessinateur dans le bureau de Perret, apprenant les techniques de la construction en béton. Le bâtiment de Perret avait une forme rectangulaire épurée, une décoration géométrique et des lignes droites, les futures marques de fabrique de l’Art Déco. Le décor du théâtre était également révolutionnaire; la façade était ornée de hauts-reliefs d’ Antoine Bourdelle , d’une coupole de Maurice Denis , de peintures d’ Édouard Vuillard et d’un rideau Art Déco de Ker-Xavier Roussel . Le théâtre est devenu célèbre en tant que lieu de nombreuses premières représentations des Ballets russes . ^[25]Perret et Sauvage sont devenus les principaux architectes Art déco à Paris dans les années 1920. ^{[26] [27]}

Salon d’Automne (1912-1913)

Scénographie pour Shéhérazade (1910) de Léon Bakst
Fauteuil Art Déco réalisé pour le collectionneur d’art Jacques Doucet (1912-13)
Exposition de mobilier Art Déco ancien de l’Atelier français au Salon d’Automne de 1913 du magazine Art et décoration (1914)

À sa naissance entre 1910 et 1914, l’Art Déco était une explosion de couleurs, aux teintes vives et souvent contrastées, souvent dans des motifs floraux, présentés dans les meubles rembourrés , les tapis, les paravents, les papiers peints et les tissus. De nombreuses œuvres colorées, dont des chaises et une table de Maurice Dufrêne et un lumineux tapis Gobelin de Paul Follot sont présentées au Salon des artistes décorateurs de 1912 . En 1912-1913, le designer Adrien Karbowsky a fabriqué une chaise florale avec un motif de perroquet pour le pavillon de chasse du collectionneur d’art Jacques Doucet . ^[28] Les designers de meubles Louis Süe et André Marefont leur première apparition à l’exposition de 1912, sous le nom de l’ Atelier français , associant des tissus polychromes à des matières exotiques et chères, dont l’ébène et l’ivoire. Après la Première Guerre mondiale, ils sont devenus l’une des plus importantes firmes françaises de design d’intérieur, produisant le mobilier des salons et cabines de première classe des paquebots transatlantiques français . ^[29]

Les teintes vives de l’Art déco provenaient de nombreuses sources, y compris les scénographies exotiques de Léon Bakst pour les Ballets russes , qui ont fait sensation à Paris juste avant la Première Guerre mondiale. Certaines des couleurs ont été inspirées par le mouvement fauviste antérieur dirigé par Henri Matisse ; d’autres par l’ orphisme de peintres comme Sonia Delaunay ; ^[30] d’autres par le mouvement dit des Nabis , et dans l’œuvre du peintre symboliste Odilon Redon, qui a conçu des écrans de cheminée et autres objets décoratifs. Les nuances vives étaient une caractéristique du travail du créateur de mode Paul Poiret, dont le travail a influencé à la fois la mode Art Déco et le design d’intérieur. ^{[29] [31] [32]}

Cubisme

Conception pour la façade de La Maison Cubiste ( Maison Cubiste ) par Raymond Duchamp-Villon (1912)
Raymond Duchamp-Villon , 1912, La Maison Cubiste au Salon d’Automne , 1912, détail de l’entrée
Le Salon Bourgeois , conçu par André Mare à l’intérieur de La Maison Cubiste , dans la section des arts décoratifs du Salon d’Automne, 1912, Paris. Femme à l’Éventail de Metzinger sur le mur de gauche
Escalier de l’ hôtel particulier du couturier et collectionneur d’art Jacques Doucet (1927). Conception par Joseph Csaky . Les formes géométriques du cubisme ont eu une influence importante sur l’Art Déco
Hôtel particulier de Jacques Doucet , 1927. Les Demoiselles d’Avignon de Picasso sont visibles en arrière-plan

Joseph Csaky , 1912, Danseuse (Femme à l’éventail, Femme à la cruche) , plâtre original, exposé au Salon d’Automne de 1912 et au Salon des Indépendants de 1914 , sculpture Proto-Art Déco

Le mouvement artistique connu sous le nom de cubisme est apparu en France entre 1907 et 1912, influençant le développement de l’Art déco. ^{[25] [30] [31]} Dans Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920s and 1930s Alastair Duncan écrit “Le cubisme, sous une forme bâtarde ou autre, est devenu la lingua franca des artistes décoratifs de l’époque.” ^{[31] [33]} Les cubistes, eux-mêmes sous l’influence de Paul Cézanne , s’intéressaient à la simplification des formes à leur essentiel géométrique : le cylindre, la sphère, le cône. ^{[34] [35]}

En 1912, les artistes de la Section d’Or exposent des œuvres nettement plus accessibles au grand public que le cubisme analytique de Picasso et de Braque. Le vocabulaire cubiste était en passe d’attirer les créateurs de mode, de mobilier et d’intérieur. ^{[30] [32] [35] [36]}

Les écrits de 1912 d’ André Vera , style Le Nouveau , publiés dans la revue L’Art décoratif , expriment le rejet des formes Art nouveau (asymétriques, polychromes et pittoresques) et appellent à la simplicité volontaire, la symétrie manifeste, l’ordre et l’harmonie , thèmes qui finiront par devenir communs au sein de l’Art Déco; ^[19] même si le style déco était souvent extrêmement coloré et souvent complexe. ^[37]

Dans la section Art Décoratif du Salon d’Automne de 1912, une installation architecturale a été exposée sous le nom de La Maison Cubiste . ^{[38] [39]} La façade a été conçue par Raymond Duchamp-Villon . Le décor de la maison est d’ André Mare . ^{[40] [41]} La Maison Cubiste était une installation meublée avec une façade, un escalier, des rampes en fer forgé, une chambre, un salon — le Salon Bourgeois , où se trouvaient des tableaux d’ Albert Gleizes , Jean Metzinger , Marie Laurencin , Marcel Duchamp , Fernand Léger etRoger de La Fresnaye sont pendus. ^{[42] [43] [44]} Des milliers de spectateurs au salon sont passés par le modèle grandeur nature. ^[45]

La façade de la maison, conçue par Duchamp-Villon, n’était pas très radicale selon les normes modernes; les linteaux et les frontons avaient des formes prismatiques, mais sinon la façade ressemblait à une maison ordinaire de l’époque. Pour les deux chambres, Mare a conçu le papier peint, qui comportait des roses stylisées et des motifs floraux, ainsi que des tissus d’ameublement, des meubles et des tapis, le tout avec des motifs flamboyants et colorés. C’était une rupture distincte avec la décoration traditionnelle. Le critique Emile Sedeyn décrit le travail de Mare dans la revue Art et Décoration : “Il ne s’embarrasse pas de simplicité, car il multiplie les fleurs partout où elles peuvent être posées. L’effet qu’il recherche est évidemment celui du pittoresque et de la gaieté. Il y parvient.” ^[46]L’élément cubiste a été fourni par les peintures. L’installation a été attaquée par certains critiques comme extrêmement radicale, ce qui a contribué à son succès. ^[47] Cette installation architecturale a ensuite été exposée à l’ Armory Show de 1913 , à New York, à Chicago et à Boston. ^{[30] [35] [48] [49] [50]} Grâce en grande partie à l’exposition, le terme « cubiste » a commencé à être appliqué à tout ce qui est moderne, des coupes de cheveux des femmes aux vêtements en passant par les représentations théâtrales. » ^[47]

L’influence cubiste s’est poursuivie au sein de l’Art Déco, même si Deco s’est diversifié dans de nombreuses autres directions. ^{[30] [31]} En 1927, les cubistes Joseph Csaky , Jacques Lipchitz , Louis Marcoussis , Henri Laurens , le sculpteur Gustave Miklos , et d’autres collaborent à la décoration d’une Maison-Atelier, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine , conçue par l’architecte Paul Ruaud et propriété du couturier français Jacques Doucet, également collectionneur d’ art postimpressionniste d’Henri Matisse et de peintures cubistes (dont Les Demoiselles d’Avignon, qu’il a acheté directement à l’atelier de Picasso). Laurens a conçu la fontaine, Csaky a conçu l’escalier de Doucet, ^[51] Lipchitz a fait le manteau de la cheminée et Marcoussis a fait un tapis cubiste. ^{[30] [52] [53] [54]}

Outre les artistes cubistes, Doucet a fait appel à d’autres designers d’intérieur Déco pour aider à la décoration de la maison, dont Pierre Legrain, qui était chargé d’organiser la décoration, et Paul Iribe , Marcel Coard, André Groult , Eileen Gray et Rose Adler pour fournir des meubles. . Le décor comprenait des pièces massives en ébène de macassar, inspirées de l’art africain, et des meubles recouverts de cuir du Maroc, de peau de crocodile et de peau de serpent, et de motifs empruntés aux dessins africains. ^[55]

La géométrie esquissée du cubisme est devenue monnaie courante dans les années 1920. Le développement par l’Art déco de la géométrie sélective du cubisme dans un plus large éventail de formes a porté le cubisme en tant que taxonomie picturale à un public beaucoup plus large et à un attrait plus large. (Richard Harrison Martin, Metropolitan Museum of Art) ^[56]

influence

L’exotisme des Ballets russes a eu une forte influence sur les débuts de Deco. Un dessin du danseur Vaslav Nijinsky par l’artiste de mode parisien Georges Barbier (1913)
Illustration par Georges Barbier d’une robe de Paquin (1914). Les motifs floraux stylisés et les couleurs vives étaient une caractéristique du début de l’Art Déco.
Hall du 450 Sutter Street , San Francisco, Californie, par Timothy Pflueger (1929), inspiré de l’art maya ancien
Le Prométhée en bronze doré au Rockefeller Center , New York City, NY , par Paul Manship (1934), une mise à jour stylisée Art Déco de la sculpture classique (1936)
Un vase en céramique inspiré des motifs de la sculpture traditionnelle africaine en bois sculpté, par Emile Lenoble (1937), Musée des Arts Décoratifs, Paris

L’Art Déco n’était pas un style unique, mais un ensemble de styles différents et parfois contradictoires. En architecture, l’Art Déco est le successeur et la réaction contre l’Art Nouveau, un style qui fleurit en Europe entre 1895 et 1900, et remplace aussi progressivement les Beaux-Arts et le néoclassique qui prédominent dans l’architecture européenne et américaine. En 1905 , Eugène Grasset écrit et publie Méthode de composition ornementale, Éléments rectilignes, ^[57] dans laquelle il explore systématiquement les aspects décoratifs (ornementaux) des éléments géométriques, des formes, des motifs et leurs variations, en contraste avec (et en s’écartant de) le style Art Nouveau ondulant d’ Hector Guimard, si populaire à Paris quelques années plus tôt. Grasset a souligné le principe selon lequel diverses formes géométriques simples comme les triangles et les carrés sont à la base de tous les arrangements de composition. Les bâtiments en béton armé d’Auguste Perret et d’Henri Sauvage, et particulièrement le Théâtre des Champs-Élysées , offraient une nouvelle forme de construction et de décoration copiée dans le monde entier. ^[58]

En décoration, de nombreux styles différents ont été empruntés et utilisés par l’Art Déco. Ils comprenaient de l’art pré-moderne du monde entier et observable au Musée du Louvre , au musée de l’Homme et au musée national des Arts d’Afrique et d’Océanie . Il y avait aussi un intérêt populaire pour l’archéologie en raison des fouilles à Pompéi , à Troie et au tombeau du pharaon Toutankhamon de la 18e dynastie . Des artistes et des designers ont intégré des motifs de l’Égypte ancienne , de l’ Afrique , de la Mésopotamie , de la Grèce , de Rome , de l’Asie, de la Mésoamérique et de l’Océanie avec Machine Ageéléments. ^{[59] [60] [61] [62] [63] [64]}

D’autres styles empruntés comprenaient le constructivisme russe et le futurisme italien , ainsi que l’orphisme, le fonctionnalisme et le modernisme en général. ^{[35] [59] [65] [66]} L’Art déco a également utilisé les couleurs et les dessins opposés du fauvisme, notamment dans le travail d’Henri Matisse et d’ André Derain , a inspiré les dessins de textiles art déco, de papiers peints et de céramiques peintes. ^[35] Il a pris des idées du vocabulaire de la haute couture de l’époque, qui comportait des motifs géométriques, des chevrons, des zigzags et des bouquets de fleurs stylisés. Il a été influencé par les découvertes en égyptologie, et un intérêt croissant pour l’Orient et l’art africain. À partir de 1925, il a souvent été inspiré par une passion pour les nouvelles machines, telles que les dirigeables, les automobiles et les paquebots, et en 1930, cette influence a abouti au style appelé Streamline Moderne . ^[67]

Style de luxe et de modernité

Le boudoir de la créatrice de mode Jeanne Lanvin (1922-1925) maintenant au Musée des Arts Décoratifs, Paris, France
Bain de Jeanne Lanvin, en marbre de Sienne, à décor de stuc sculpté et de bronze (1922-1925)
Une étude Art Déco de la firme de design parisienne Alavoine, maintenant au Brooklyn Museum , New York City, NY (1928–30)
Glass Salon (Le salon de verre) conçu par Paul Ruaud avec des meubles d’ Eileen Gray , pour Madame Mathieu-Levy (modiste de la boutique J. Suzanne Talbot), 9, rue de Lota, Paris, 1922 (publié dans L’Illustration , 27 mai 1933)

L’Art déco était associé à la fois au luxe et à la modernité ; il combinait des matériaux très coûteux et un savoir-faire exquis mis en formes modernistes. Rien n’était bon marché dans l’Art Déco: les meubles comprenaient des incrustations d’ivoire et d’argent, et les bijoux Art Déco combinaient des diamants avec du platine, du jade, du corail et d’autres matériaux précieux. Le style a été utilisé pour décorer les salons de première classe des paquebots, des trains de luxe et des gratte-ciel. Il a été utilisé dans le monde entier pour décorer les grands palais du cinéma de la fin des années 1920 et des années 1930. Plus tard, après la Grande Dépression , le style change et devient plus sobre.

Un bon exemple du style de luxe de l’Art Déco est le boudoir de la créatrice de mode Jeanne Lanvin , conçu par Armand-Albert Rateau (1882-1938) réalisé entre 1922 et 1925. Il était situé dans sa maison au 16 rue Barbet de Jouy, à Paris, qui a été démolie en 1965. La salle a été reconstituée au Musée des Arts Décoratifs de Paris. Les murs sont couverts de lambris moulurés sous des bas-reliefs sculptés en stuc. L’alcôve est encadrée de colonnes de marbre sur socles et d’un socle de bois sculpté. Le sol est en marbre blanc et noir, et dans les armoires des objets décoratifs sont disposés sur un fond de soie bleue. Sa salle de bain avait une baignoire et un lavabo en marbre de sienne, avec un mur de stuc sculpté et des accessoires en bronze. ^[68]

En 1928, le style était devenu plus confortable, avec des fauteuils club en cuir profond. L’étude conçue par la firme parisienne d’Alavoine pour un homme d’affaires américain en 1928-1930 se trouve maintenant au Brooklyn Museum .

Dans les années 1930, le style avait été quelque peu simplifié, mais il était encore extravagant. En 1932, le décorateur Paul Ruaud réalise le Salon du Verre pour Suzanne Talbot. Il comportait un fauteuil serpentin et deux fauteuils tubulaires d’Eileen Gray, un sol en dalles de verre argenté mat, un panneau de motifs abstraits en laque argentée et noire et un assortiment de peaux d’animaux. ^[69]

Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (1925)

Carte postale de l’ Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris, France (1925)
Entrée à l’Exposition de 1925 depuis la place de la Concorde par Pierre Patout
Pavillon polonais (1925)
Pavillon du grand magasin Galeries Lafayette à l’exposition de 1925
L’Hôtel du Collectionneur, pavillon du fabricant de meubles Émile-Jacques Ruhlmann , conçu par Pierre Patout .
Salon de l’Hôtel du Collectionneur de l’Exposition internationale des Arts décoratifs de 1925, meublé par Émile-Jacques Ruhlmann , tableau de Jean Dupas , dessin de Pierre Patout

L’événement qui marqua l’apogée du style et lui donna son nom fut l’ Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes qui eut lieu à Paris d’avril à octobre 1925. Celle-ci était officiellement parrainée par le gouvernement français, et couvrait un site en Paris de 25 hectares, allant du Grand Palais sur la rive droite aux Invalides sur la rive gauche, et le long des quais de Seine. Le Grand Palais, la plus grande salle de la ville, était rempli d’expositions d’arts décoratifs des pays participants. Il y avait 15 000 exposants de vingt pays différents, dont l’Autriche, la Belgique, la Tchécoslovaquie, le Danemark, la Grande-Bretagne, l’Italie, le Japon, les Pays-Bas, la Pologne, l’Espagne, la Suède et la nouvelle Union soviétique .. L’Allemagne n’a pas été invitée en raison des tensions après la guerre ; Les États-Unis, comprenant mal le but de l’exposition, ont refusé d’y participer. L’événement a été visité par seize millions de personnes au cours de ses sept mois. Le règlement de l’exposition exigeait que toute œuvre soit moderne ; aucun style historique n’était autorisé. Le but principal de l’exposition était de promouvoir les fabricants français de meubles de luxe, de porcelaine, de verre, de métal ouvré, de textile et d’autres produits de décoration. Pour promouvoir davantage les produits, tous les grands magasins parisiens et les grands créateurs avaient leurs propres pavillons. L’exposition avait un but secondaire dans la promotion des produits des colonies françaises d’Afrique et d’Asie, notamment l’ivoire et les bois exotiques.

L’Hôtel du Collectionneur était une attraction populaire à l’Exposition; il présentait les nouveaux modèles de mobilier d’Emile-Jacques Ruhlmann, ainsi que des tissus Art déco, des tapis et un tableau de Jean Dupas . Le design intérieur a suivi les mêmes principes de symétrie et de formes géométriques qui le distinguent de l’Art nouveau, et des couleurs vives, un savoir-faire raffiné, des matériaux rares et coûteux qui le distinguent de la stricte fonctionnalité du style moderniste. Alors que la plupart des pavillons étaient richement décorés et remplis de meubles de luxe fabriqués à la main, deux pavillons, ceux de l’Union soviétique et le Pavillon de L’Esprit Nouveau, construits par la revue éponyme dirigée par Le Corbusier, ont été construits dans un style austère avec des murs blancs et sans décoration ; ils étaient parmi les premiers exemples d’ Architecture moderniste . ^[70]

Grattes ciels

L’ American Radiator Building , New York City, NY , par Raymond Hood (1924)
Chrysler Building , New York, par William Van Alen (1930)
La ligne d’horizon de New York ( vers 1931-1933 )
Couronne du General Electric Building (également connu sous le nom de 570 Lexington Avenue), New York, par Cross & Cross (1933)
30 Rockefeller Plaza , New York, par Raymond Hood (1933)
Empire State Building , New York, par Shreve, Lamb & Harmon (1931)

Les gratte-ciel américains ont marqué le sommet du style Art déco ; ils sont devenus les bâtiments modernes les plus hauts et les plus reconnaissables au monde. Ils ont été conçus pour montrer le prestige de leurs constructeurs par leur hauteur, leur forme, leur couleur et leur éclairage dramatique la nuit. ^[71] L’ American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combinait des éléments gothiques et déco modernes dans la conception du bâtiment. La brique noire sur la façade du bâtiment (symbolisant le charbon) a été choisie pour donner une idée de solidité et donner au bâtiment une masse solide. D’autres parties de la façade étaient recouvertes de briques dorées (symbolisant le feu) et l’entrée était décorée de marbre et de miroirs noirs. Un autre des premiers gratte-ciel Art déco était celui de DetroitGuardian Building , qui a ouvert ses portes en 1929. Conçu par le moderniste Wirt C. Rowland , le bâtiment a été le premier à utiliser l’acier inoxydable comme élément décoratif et à utiliser largement des motifs colorés à la place des ornements traditionnels.

La ligne d’horizon de New York a été radicalement modifiée par le Chrysler Building à Manhattan (achevé en 1930), conçu par William Van Alen . C’était une publicité géante de soixante-dix-sept étages pour les automobiles Chrysler. Le sommet était couronné par une flèche en acier inoxydable et était orné de “gargouilles” déco en forme de décorations de bouchons de radiateur en acier inoxydable. La base de la tour, trente-trois étages au-dessus de la rue, était décorée de frises art déco colorées, et le hall était décoré de symboles art déco et d’images exprimant la modernité. ^[72]

Le Chrysler Building fut bientôt dépassé en hauteur par l’ Empire State Building de William F. Lamb (1931), dans un style Déco un peu moins somptueux et le RCA Building(maintenant 30 Rockefeller Plaza) de Raymond Hood (1933) qui, ensemble, ont complètement changé l’horizon de New York. Les sommets des bâtiments étaient décorés de couronnes et de flèches Art Déco recouvertes d’acier inoxydable et, dans le cas du bâtiment Chrysler, de gargouilles Art Déco inspirées des ornements de radiateurs, tandis que les entrées et les halls étaient richement décorés de sculptures Art Déco. céramique et design. Des bâtiments similaires, bien que moins hauts, sont rapidement apparus à Chicago et dans d’autres grandes villes américaines. Le Rockefeller Center a ajouté un nouvel élément de design : plusieurs immeubles de grande hauteur regroupés autour d’une place ouverte, avec une fontaine au milieu. ^[73]

Art déco tardif

Lincoln Theatre à Miami Beach, Floride , de Thomas W. Lamb (1936)
Le Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu et Léon Azéma de l’ Exposition internationale de Paris de 1937
Escalier du Conseil économique et social de Paris, à l’origine Musée des travaux publics, construit pour l’ Exposition internationale de Paris de 1937 , par Auguste Perret (1937)
Lycée de King City, Californie , construit par Robert Stanton pour la Works Progress Administration (1939)

En 1925, deux écoles concurrentes différentes coexistaient au sein de l’Art Déco : les traditionalistes, qui avaient fondé la Société des artistes décorateurs ; inclus le designer de meubles Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunand , le sculpteur Antoine Bourdelle, et le designer Paul Poiret ; ils combinaient des formes modernes avec un savoir-faire traditionnel et des matériaux coûteux. De l’autre côté se trouvaient les modernistes, qui rejetaient de plus en plus le passé et voulaient un style basé sur les progrès des nouvelles technologies, la simplicité, l’absence de décoration, les matériaux bon marché et la production de masse. Les modernistes ont fondé leur propre organisation, l’Union française des artistes modernes , en 1929. Ses membres comprenaient les architectes Pierre Chareau , Francis Jourdain ,Robert Mallet-Stevens , Le Corbusier, et, en Union soviétique, Konstantin Melnikov ; la créatrice irlandaise Eileen Gray, et la créatrice française Sonia Delaunay, les joailliers Jean Fouquet et Jean Puiforcat . Ils ont violemment attaqué le style art déco traditionnel, qui, selon eux, n’avait été créé que pour les riches, et ont insisté sur le fait que des bâtiments bien construits devaient être accessibles à tous et que la forme devait suivre la fonction. La beauté d’un objet ou d’un bâtiment résidait dans sa parfaite aptitude à remplir sa fonction. Les méthodes industrielles modernes signifiaient que les meubles et les bâtiments pouvaient être produits en série, et non fabriqués à la main. ^{[74] [75] [ pages nécessaires ]}

L’architecte d’intérieur Art Déco Paul Follot a ainsi défendu l’Art Déco : “Nous savons que l’homme ne se contente jamais de l’indispensable et que le superflu est toujours nécessaire… Sinon, il faudrait se débarrasser de la musique, des fleurs et parfums..!” ^[76]Cependant, Le Corbusier était un brillant publiciste de l’Architecture moderniste ; il a déclaré qu’une maison était simplement “une machine à vivre” et a promu sans relâche l’idée que l’Art Déco était le passé et le modernisme était l’avenir. Les idées de Le Corbusier sont peu à peu adoptées par les écoles d’architecture, et l’esthétique de l’Art Déco est abandonnée. Les mêmes caractéristiques qui ont rendu l’Art Déco populaire au début, son savoir-faire, ses matériaux riches et ses ornements, ont conduit à son déclin. La Grande Dépression qui a commencé aux États-Unis en 1929 et a atteint l’Europe peu de temps après, a considérablement réduit le nombre de clients fortunés qui pouvaient payer les meubles et les objets d’art. Dans le climat économique de la dépression, peu d’entreprises étaient prêtes à construire de nouveaux gratte-ciel. ^[35]Même l’entreprise Ruhlmann a eu recours à la production de meubles en série plutôt qu’à des pièces individuelles fabriquées à la main. Les derniers bâtiments construits à Paris dans le nouveau style étaient le Musée des travaux publics d’Auguste Perret (aujourd’hui Conseil économique, social et environnemental français ), le Palais de Chaillot de Louis-Hippolyte Boileau , Jacques Carlu et Léon Azéma , et le Palais de Tokyo de l’ Exposition internationale de Paris de 1937 ; ils regardaient le pavillon grandiose de l’Allemagne nazie, conçu par Albert Speer , qui faisait face au pavillon tout aussi grandiose socialiste-réaliste de l’Union soviétique de Staline.

Après la Seconde Guerre mondiale, le style architectural dominant est devenu le style international lancé par Le Corbusier et Mies van der Rohe . Une poignée d’hôtels Art déco ont été construits à Miami Beach après la Seconde Guerre mondiale, mais ailleurs, le style a largement disparu, sauf dans le design industriel, où il a continué à être utilisé dans le style automobile et des produits tels que les juke-box. Dans les années 1960, elle connaît un modeste renouveau académique, en partie grâce aux écrits d’historiens de l’architecture comme Bevis Hillier. Dans les années 1970, des efforts ont été déployés aux États-Unis et en Europe pour préserver les meilleurs exemples d’architecture Art déco, et de nombreux bâtiments ont été restaurés et réaménagés. Architecture postmoderne, apparu dans les années 1980, comme l’Art Déco, comporte souvent des éléments purement décoratifs. ^{[35] [59] [77] [78]} Deco continue d’inspirer les créateurs et est souvent utilisé dans la mode contemporaine, les bijoux et les articles de toilette. ^[79]

Peinture

Détail du temps , fresque au plafond dans le hall du Rockefeller Center (New York City, NY ), par le peintre espagnol Josep Maria Sert (1941)
Travailleurs triant le courrier , une peinture murale dans le bâtiment fédéral Ariel Rios, Washington, DC, par Reginald Marsh (1936)
Art in the Tropics , peinture murale dans le William Jefferson Clinton Federal Building , Washington, DC, par Rockwell Kent (1938)

Il n’y avait pas de section réservée à la peinture à l’exposition de 1925. La peinture Art Déco était par définition décorative, destinée à décorer une pièce ou une œuvre d’architecture, si peu de peintres travaillaient exclusivement dans le style, mais deux peintres sont étroitement associés à l’Art Déco. Jean Dupas a peint des peintures murales Art déco pour le pavillon de Bordeaux à l’Exposition des arts décoratifs de 1925 à Paris, et a également peint le tableau au-dessus de la cheminée de l’exposition de la Maison du Collectionneur à l’Exposition de 1925, qui présentait des meubles de Ruhlmann et d’autres éminents designers Art Déco. Ses peintures murales occupaient également une place importante dans le décor du paquebot français SS Normandie . Son travail était purement décoratif, conçu comme un arrière-plan ou un accompagnement à d’autres éléments du décor. ^[80]

L’autre peintre étroitement associé au style est Tamara de Lempicka . Née en Pologne, elle a émigré à Paris après la Révolution russe . Elle a étudié avec Maurice Denis et André Lhote , et a emprunté de nombreux éléments à leurs styles. Elle peint des portraits dans un style Art Déco réaliste, dynamique et coloré. ^[81]

Dans les années 1930, une nouvelle forme dramatique de peinture Art Déco est apparue aux États-Unis. Pendant la Grande Dépression, le Federal Art Project de la Works Progress Administration a été créé pour donner du travail aux artistes au chômage. Beaucoup ont été chargés de décorer des édifices gouvernementaux, des hôpitaux et des écoles. Il n’y avait pas de style art déco spécifique utilisé dans les peintures murales; les artistes engagés pour peindre des peintures murales dans les bâtiments gouvernementaux venaient de nombreuses écoles différentes, du régionalisme américain au réalisme social ; ils comprenaient Reginald Marsh , Rockwell Kent et le peintre mexicain Diego Rivera. Les peintures murales étaient Art déco parce qu’elles étaient toutes décoratives et liées aux activités du bâtiment ou de la ville où elles étaient peintes : Reginald Marsh et Rockwell Kent décoraient tous deux des bâtiments postaux américains et montraient des employés des postes au travail tandis que Diego Rivera représentait des ouvriers d’usine automobile pour l’ Institut des Arts de Détroit . La peinture murale Man at the Crossroads (1933) de Diego Rivera pour le Rockefeller Center présentait un portrait non autorisé de Lénine . ^{[82] [83]} Quand Rivera a refusé d’enlever Lénine, la peinture a été détruite et une nouvelle peinture murale a été peinte par l’artiste espagnol Josep Maria Sert . ^{[84] [85] [86]}

Sculpture

Sculpture monumentale et publique

Statue en aluminium de Cérès par John Storrs au sommet du Chicago Board of Trade Building, Chicago, Illinois (1930)
Le Prométhée en bronze doré au Rockefeller Center (New York City, NY ), par Paul Manship (1934), une mise à jour Art déco stylisée de la sculpture classique (1936)
Décoration de portail Wisdom par Lee Lawrie au Rockefeller Center (1933)
Lee Lawrie , 1936–37, statue d’ Atlas , devant le Rockefeller Center (installé en 1937)
Man Controlling Trade par Michael Lantz au bâtiment de la Federal Trade Commission , Washington, DC (1942)
Mail Delivery East , par Edmond Amateis , l’une des quatre sculptures en Bas-relief du Nix Federal Building , Philadelphie , Pennsylvanie (1937)
Groupe de sculptures de Ralph Stackpole au-dessus de la porte de la Bourse de San Francisco, San Francisco, Californie (1930)
Antenne entre sagesse et gaieté par Eric Gill , façade de BBC Broadcasting House , Londres, Royaume-Uni (1932)
Christ Rédempteur de Paul Landowski (1931), stéatite ,Mont Corcovado , Rio de Janeiro , Brésil
Tête de taureau et daim bondissant, par Paul Jouve Jardin du Trocadéro, Palais de Chaillot Paris ^[87]

La sculpture était une caractéristique très courante et intégrale de l’architecture Art Déco. En France, des bas-reliefs allégoriques représentant la danse et la musique d’ Antoine Bourdelle ont décoré le premier monument Art Déco de Paris, le Théâtre des Champs-Élysées , en 1912. L’exposition de 1925 avait d’importantes œuvres sculpturales placées autour du site, des pavillons étaient décorés de sculptures sculpturales. frises et plusieurs pavillons consacrés à la sculpture en atelier plus petit. Dans les années 1930, un groupe important de sculpteurs éminents réalisent des œuvres pour l’ Exposition internationale des arts et techniques dans la vie moderne de 1937 à Chaillot. Alfred Janniot réalise les sculptures en relief de la façade du Palais de Tokyo. Le Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, et l’esplanade devant le Palais de Chaillot, face à la Tour Eiffel, était encombrée de nouvelles statuaires de Charles Malfray , Henry Arnold et bien d’autres. ^[88]

La sculpture art déco publique était presque toujours représentative, généralement de figures héroïques ou allégoriques liées au but du bâtiment ou de la pièce. Les thèmes étaient généralement choisis par les mécènes et non par l’artiste. La sculpture abstraite pour la décoration était extrêmement rare. ^{[89] [90]}

Aux États-Unis, le sculpteur Art déco le plus en vue pour l’art public était Paul Manship , qui a mis à jour des sujets et des thèmes classiques et mythologiques dans un style Art déco. Son œuvre la plus célèbre est la statue de Prométhée au Rockefeller Center de New York, une adaptation au XXe siècle d’un sujet classique. D’autres œuvres importantes pour le Rockefeller Center ont été réalisées par Lee Lawrie , notamment la façade sculpturale et la statue de l’Atlas .

Pendant la Grande Dépression aux États-Unis, de nombreux sculpteurs ont été chargés de réaliser des œuvres pour la décoration des bâtiments du gouvernement fédéral, avec des fonds fournis par la WPA, ou Works Progress Administration . Parmi eux, le sculpteur Sidney Biehler Waugh, qui a créé des images stylisées et idéalisées de travailleurs et de leurs tâches pour les immeubles de bureaux du gouvernement fédéral. ^[91] À San Francisco, Ralph Stackpole a fourni la sculpture pour la façade du nouveau bâtiment de Bourse de San Francisco . À Washington DC, Michael Lantz a réalisé des travaux pour le bâtiment de la Federal Trade Commission .

En Grande-Bretagne, la déco statuaire publique a été réalisée par Eric Gill pour la BBC Broadcasting House , tandis que Ronald Atkinson a décoré le hall de l’ancien Daily Express Building à Londres (1932).

L’une des plus connues et certainement la plus grande sculpture publique Art Déco est le Christ Rédempteur du sculpteur français Paul Landowski , achevé entre 1922 et 1931, situé au sommet d’une montagne surplombant Rio de Janeiro , au Brésil.

Sculpture d’atelier

Tête (vue de face et de côté), calcaire, par Joseph Csaky ( vers 1920 ) ( Kröller-Müller Museum , Otterlo , Pays-Bas)
Le Chasseur de Pierre Le Faguays (années 1920)
Nu en bronze d’une danseuse sur un socle en onyx par Josef Lorenzl ( vers 1925 )
Speed , une conception pour un ornement de radiateur par Harriet Whitney Frishmuth (1925)
Le Vol d’Europe , bronze à la feuille d’or, de Paul Manship (1925) ( Whitney Museum of American Art , New York City, NY )
Tânără (Fille), bronze, ivoire et onyx, par Demétre Chiparus ( vers 1925 )
Dansatoare (Danseuse), bronze et ivoire, par Chiparus ( vers 1925 )

De nombreuses premières sculptures Art déco étaient petites, conçues pour décorer les salons. Un genre de cette sculpture s’appelait la statuette Chryséléphantine , du nom d’un style de statues de temples grecs anciens en or et en ivoire. Ils étaient tantôt en bronze, tantôt avec des matériaux beaucoup plus somptueux, comme l’ivoire, l’ onyx , l’albâtre et la feuille d’or.

L’un des sculpteurs de salon Art déco les plus connus était Demétre Chiparus , d’origine roumaine, qui a produit de petites sculptures colorées de danseurs. Parmi les autres sculpteurs de salon notables figuraient Ferdinand Preiss , Josef Lorenzl , Alexander Kelety, Dorothea Charol et Gustav Schmidtcassel. ^[92] Un autre sculpteur américain important dans le format de studio était Harriet Whitney Frishmuth , qui avait étudié avec Auguste Rodin à Paris.

Pierre Le Paguays était un éminent sculpteur d’atelier Art Déco, dont le travail a été présenté à l’Exposition de 1925. Il a travaillé le bronze, le marbre, l’ivoire, l’onyx, l’or, l’ albâtre et d’autres matériaux précieux. ^[93]

François Pompon est un pionnier de la sculpture animalière stylisée moderne. Il n’a été pleinement reconnu pour ses réalisations artistiques qu’à l’âge de 67 ans au Salon d’Automne de 1922 avec l’œuvre Ours blanc , également connue sous le nom de L’Ours blanc , aujourd’hui au musée d’Orsay à Paris. ^[94]

Parallèlement à ces sculpteurs Art déco, des sculpteurs modernistes plus avant-gardistes et abstraits travaillaient à Paris et à New York. Les plus éminents étaient Constantin Brâncuși , Joseph Csaky , Alexander Archipenko , Henri Laurens , Jacques Lipchitz , Gustave Miklos , Jean Lambert-Rucki , Jan et Joël Martel , Chana Orloff et Pablo Gargallo . ^[95]

Arts graphiques

Programme des Ballets Russes de Léon Bakst (1912)
Peter Behrens , Affiche de l’exposition Deutscher Werkbund (1914)
Une couverture de Vanity Fair de Georges Lepape (1919)
Interprétation de Harlem Jazz I par Winold Reiss (vers 1920)
Couverture de Harper’s Bazaar par Erté (1922)
Affiche du métro de Londres par Horace Taylor (1924)
Affiche du Moulin Rouge par Charles Gesmar (1925)
Couverture du Jester of Columbia , non attribuée (1931)

Le style Art Déco apparaît très tôt dans les arts graphiques, dans les années précédant la Première Guerre mondiale. Il apparaît à Paris dans les affiches et les créations de costumes de Léon Bakst pour les Ballets Russes, et dans les catalogues des couturiers Paul Poiret. ^[96] Les illustrations de Georges Barbier , de Georges Lepape et les images du magazine de mode La Gazette du bon ton ont parfaitement rendu l’élégance et la sensualité du style. Dans les années 1920, le look a changé; les modes soulignées étaient plus décontractées, sportives et audacieuses, les modèles féminins fumant généralement des cigarettes. Magazines de mode américains tels que Vogue , Vanity Fair et Harper’s Bazaara rapidement adopté le nouveau style et l’a popularisé aux États-Unis. Il a également influencé le travail d’illustrateurs de livres américains tels que Rockwell Kent. En Allemagne, l’affichiste le plus célèbre de l’époque était Ludwig Hohlwein , qui a créé des affiches colorées et dramatiques pour des festivals de musique, des bières et, à la fin de sa carrière, pour le parti nazi. ^[97]

Pendant la période Art nouveau, les affiches annonçaient généralement des produits théâtraux ou des cabarets. Dans les années 1920, les affiches de voyage, conçues pour les lignes de bateaux à vapeur et les compagnies aériennes, sont devenues extrêmement populaires. Le style a changé notamment dans les années 1920, pour attirer l’attention sur le produit annoncé. Les images sont devenues plus simples, précises, plus linéaires, plus dynamiques et souvent placées sur un fond unicolore. En France, les designers Art déco populaires comprenaient Charles Loupot et Paul Colin , devenus célèbres pour ses affiches de la chanteuse et danseuse américaine Joséphine Baker.. Jean Carlu a conçu des affiches pour les films, les feuilletons et les théâtres de Charlie Chaplin ; à la fin des années 1930, il émigre aux États-Unis où, pendant la guerre mondiale, il conçoit des affiches pour encourager la production de guerre. Le dessinateur Charles Gesmar est devenu célèbre en réalisant des affiches pour le chanteur Mistinguett et pour Air France . Parmi les affichistes français Art déco les plus connus figure Cassandre , qui réalisa la célèbre affiche du paquebot SS Normandie en 1935. ^[97]

Dans les années 1930, un nouveau genre d’affiches fait son apparition aux États-Unis pendant la Grande Dépression. Le Federal Art Project a embauché des artistes américains pour créer des affiches pour promouvoir le tourisme et les événements culturels.

Architecture

Grand magasin La Samaritaine à Paris, France, par Henri Sauvage (1925-1928)
Hôtel de ville de Los Angeles par John Parkinson , John C. Austin et Albert C. Martin Sr. (1928)
Hôtel Lido sur Bulevardul Gheorghe Magheru à Bucarest , Roumanie, par Ernest Doneaud (1930)
Le bâtiment ASIROM sur Bulevardul Carol I à Bucarest, par Ion Ionescu, avec quelques petits ornements néo-égyptiens (années 1930)
Intérieur du Palacio de Bellas Artes (Palais des Beaux-Arts) à Mexico , Mexique (1934)
Entrée de la Villa Empain à Bruxelles, Belgique (1930-1934)
Bâtiment de la Diète nationale à Tokyo, Japon (1936)
Station de métro Mayakovskaya à Moscou, Russie (1936)

Le style architectural de l’art déco fait son apparition à Paris en 1903-1904, avec la construction de deux immeubles à appartements à Paris, l’un par Auguste Perret rue Benjamin Franklin et l’autre rue Trétaigne par Henri Sauvage. Les deux jeunes architectes utilisent pour la première fois le béton armé dans les immeubles résidentiels parisiens ; les nouveaux bâtiments avaient des lignes épurées, des formes rectangulaires et aucune décoration sur les façades; ils marquaient une rupture nette avec le style art nouveau . ^[98] Entre 1910 et 1913, Perret utilise son expérience dans les immeubles d’habitation en béton pour construire le Théâtre des Champs-Élysées, 15 avenue Montaigne . Entre 1925 et 1928, Sauvage construit la nouvelle façade art déco du grand magasin La Samaritaine à Paris.^[99]

Après la Première Guerre mondiale, des bâtiments art déco en acier et en béton armé ont commencé à apparaître dans les grandes villes d’Europe et des États-Unis. Aux États-Unis, le style était le plus couramment utilisé pour les immeubles de bureaux, les bâtiments gouvernementaux, les cinémas et les gares. Il était parfois combiné avec d’autres styles; L’hôtel de ville de Los Angeles a combiné l’art déco avec un toit basé sur l’ancien mausolée grec d’Halicarnasse , tandis que la gare ferroviaire de Los Angeles a combiné déco avec l’architecture de la mission espagnole. Des éléments Art déco sont également apparus dans des projets d’ingénierie, notamment les tours du Golden Gate Bridge et les tours d’admission du barrage Hoover.. Dans les années 1920 et 1930, il est devenu un style véritablement international, avec des exemples tels que le Palacio de Bellas Artes (Palais des Beaux-Arts) à Mexico par Federico Mariscal [ es ] , la station de métro Mayakovskaya à Moscou et le bâtiment de la Diète nationale à Tokyo par Watanabe Fukuzo. ^{[ citation nécessaire ]}

Le style Art Déco ne se limitait pas aux bâtiments sur terre; le paquebot SS Normandie , dont le premier voyage remonte à 1935, présente un design Art déco, notamment une salle à manger dont le plafond et la décoration sont en verre de Lalique . ^[100]

“Cathédrales du Commerce”

Le Fisher Building à Detroit, Michigan, par Joseph Nathaniel French (1928)
Hall inférieur du Guardian Building à Detroit par Wirt Rowland (1929)
Hall du 450 Sutter Street à San Francisco, Californie, par Timothy Pflueger (1929)
Hall du Chrysler Building à New York, NY , par William Van Alen (1930)
Ascenseur du Chrysler Building (1930)
Détail du plafond et du lustre du hall de la Carew Tower à Cincinnati , Ohio, par Walter W. Ahlschlager (1930)
Salon d’Afrique du Palais de la Porte Dorée avec des meubles de Jacques-Emile Ruhlmann et des fresques de Louis Bouquet (1931)

Les grandes vitrines du design d’intérieur Art déco américain étaient les halls des bâtiments gouvernementaux, des théâtres et en particulier des immeubles de bureaux. Les intérieurs étaient extrêmement colorés et dynamiques, combinant sculptures, peintures murales et motifs géométriques ornés de marbre, de verre, de céramique et d’acier inoxydable. Un des premiers exemples était le Fisher Building à Detroit, par Joseph Nathaniel French ; le hall était très décoré de sculptures et de céramiques. Le Guardian Building (à l’origine l’Union Trust Building) à Detroit, par Wirt Rowland(1929), décoré de marbre rouge et noir et de céramiques aux couleurs vives, mis en valeur par des portes et des comptoirs d’ascenseur en acier très poli. La décoration sculpturale installée dans les murs illustrait les vertus de l’industrie et de l’épargne ; le bâtiment a été immédiatement appelé la “Cathédrale du Commerce”. Le bâtiment médical et dentaire appelé 450 Sutter Street à San Francisco par Timothy Pflueger s’inspire de l’architecture maya , sous une forme très stylisée ; il utilisait des formes pyramidales et les murs intérieurs étaient couverts de rangées de hiéroglyphes très stylisés. ^[101]

En France, le meilleur exemple d’intérieur Art Déco de cette période est le Palais de la Porte Dorée (1931) d’ Albert Laprade , Léon Jaussely et Léon Bazin . Le bâtiment (aujourd’hui le Musée national de l’immigration, avec un aquarium au sous-sol) a été construit pour l’ Exposition coloniale de Paris de 1931, pour célébrer les habitants et les produits des colonies françaises. La façade extérieure est entièrement recouverte de sculptures, et le hall crée une harmonie Art déco avec un parquet en bois au motif géométrique, une peinture murale représentant les habitants des colonies françaises ; et une composition harmonieuse de portes verticales et de balcons horizontaux. ^[101]

Palais du cinéma

Théâtre égyptien de Grauman à Hollywood (Los Angeles), Californie (1922)
Grand hall de quatre étages du Paramount Theatre à Oakland , Californie (1932)
Auditorium et scène du Radio City Music Hall à New York, NY (1932)
Grand Rex à Paris, France (1932)
Gaumont State Cinema à Londres, Royaume-Uni (1937)
La Paramount à Shanghai, Chine (1933)

Bon nombre des meilleurs exemples survivants de l’Art déco sont des cinémas construits dans les années 1920 et 1930. La période Art déco a coïncidé avec la conversion des films muets en sons, et les sociétés cinématographiques ont construit de grandes destinations d’affichage dans les grandes villes pour capter l’énorme public qui venait voir des films. Les palais de cinéma des années 1920 combinaient souvent des thèmes exotiques avec un style art déco; Le Grauman’s Egyptian Theatre à Hollywood (1922) s’inspire des anciennes tombes et pyramides égyptiennes , tandis que le Fox Theatre à Bakersfield, en Californie, associe une tour de style California Mission à une salle Art déco. Le plus grand de tous est le Radio City Music Hallà New York, qui a ouvert ses portes en 1932. Conçu à l’origine comme un espace de représentation théâtrale, il s’est rapidement transformé en un cinéma pouvant accueillir 6 015 clients. Le design intérieur de Donald Deskey a utilisé du verre, de l’aluminium, du chrome et du cuir pour créer une évasion visuelle de la réalité. Le Paramount Theatre à Oakland, en Californie , de Timothy Pflueger , avait une façade en céramique colorée, un hall de quatre étages et des fumoirs Art déco séparés pour les hommes et les femmes. De grands palais similaires sont apparus en Europe. Le Grand Rex à Paris (1932), avec sa tour imposante, était le plus grand cinéma d’Europe après les 6 000 places du Gaumont-Palace (1931-1973). Le cinéma d’État Gaumontà Londres (1937) avait une tour sur le modèle de l’Empire State Building, recouverte de carreaux de céramique crème et un intérieur de style Art déco-Renaissance italienne. Le Paramount Theatre de Shanghai, Chine (1933) a été construit à l’origine comme une salle de danse appelée La porte des 100 plaisirs ; il a été converti en cinéma après la révolution communiste en 1949, et est maintenant une salle de bal et une discothèque. Dans les années 1930, des architectes italiens ont construit un petit palais du cinéma, le Cinema Impero, à Asmara dans l’actuelle Érythrée. Aujourd’hui, de nombreux cinémas ont été subdivisés en multiplexes, mais d’autres ont été restaurés et sont utilisés comme centres culturels dans leurs communautés. ^[102]

Streamline Moderne

Le coin arrondi de style nautique de BBC Broadcasting House à Londres, Royaume-Uni (1931)
Immeuble parisien de style Paquebot ou paquebot, 3 boulevard Victor, par Pierre Patout (1935)
Auditorium Pan-Pacific à Los Angeles, Californie (1936)
Le Marine Air Terminal de l’aéroport La Guardia (1937) était le terminal de New York pour les vols des hydravions Pan Am Clipper vers l’Europe
La cantine du Hoover Building à Perivale dans la banlieue de Londres, par Wallis, Gilbert and Partners (1938)
Ancien Institut national belge de radiodiffusion à Ixelles ( Bruxelles ), Belgique (1938)
Le bâtiment de la station de métro East Finchley à Londres (1939)
Le pavillon Ford à l’ exposition universelle de New York de 1939
Église Streamline Moderne, First Church of Deliverance à Chicago, Illinois, par Walter T. Bailey (1939). Tours ajoutées en 1948.

À la fin des années 1930, une nouvelle variété d’architecture Art déco est devenue courante; il s’appelait Streamline Moderne ou simplement Streamline, ou, en France, le Style Paquebot , ou style Ocean Liner. Les bâtiments de ce style avaient des coins arrondis et de longues lignes horizontales; ils étaient construits en béton armé, et étaient presque toujours blancs ; et ils avaient parfois des caractéristiques nautiques, telles que des balustrades et des hublots qui ressemblaient à ceux d’un navire. Le coin arrondi n’était pas entièrement nouveau; il était apparu à Berlin en 1923 dans le Mossehaus d ‘ Erich Mendelsohn , et plus tard dans le Hoover Building , un complexe industriel de la banlieue londonienne de Perivale. Aux États-Unis, il est devenu le plus étroitement associé au transport; Le Streamline moderne était rare dans les immeubles de bureaux, mais était souvent utilisé pour les gares routières et les terminaux d’aéroport, comme le terminal de l’aéroport La Guardia de New York qui gérait les premiers vols transatlantiques, via les hydravions PanAm Clipper ; et dans l’architecture en bord de route, comme les stations-service et les restaurants. À la fin des années 1930, une série de restaurants, inspirés de wagons de chemin de fer profilés, ont été produits et installés dans des villes de la Nouvelle-Angleterre; au moins deux exemples subsistent et sont désormais classés monuments historiques. ^[103]

Décoration et motifs

Écran de cheminée en fer, Rose Iron Works ( Cleveland , Ohio) (1930)
Portes d’ascenseur du Chrysler Building (New York City, NY ), par William Van Alen (1927-1930)
Motif du lever du soleil du Wisconsin Gas Building ( Milwaukee , Wisconsin ) (1930)
Détail de la façade en mosaïque du Paramount Theatre (Oakland, Californie) (1931)

La décoration de la période Art déco est passée par plusieurs phases distinctes. Entre 1910 et 1920, alors que l’Art nouveau s’épuise, les styles de design voient un retour à la tradition, notamment dans l’œuvre de Paul Iribe. En 1912, André Vera publie un essai dans la revue L’Art Décoratif appelant à un retour à l’artisanat et aux matériaux des siècles précédents, et utilisant un nouveau répertoire de formes empruntées à la nature, notamment des paniers et des guirlandes de fruits et de fleurs. Une deuxième tendance de l’Art Déco, également de 1910 à 1920, s’inspire des couleurs vives du mouvement artistique connu sous le nom de Fauveset par les costumes et décors colorés des Ballets Russes. Ce style s’exprime souvent avec des matériaux exotiques tels que la peau de requin, la nacre, l’ivoire, le cuir teinté, le bois laqué et peint, et des incrustations décoratives sur des meubles qui soulignent sa géométrie. Cette période du style atteint son apogée lors de l’exposition des arts décoratifs de Paris en 1925. À la fin des années 1920 et dans les années 1930, le style décoratif change, inspiré par de nouveaux matériaux et technologies. Il est devenu plus élégant et moins ornemental. Les meubles, comme l’architecture, ont commencé à avoir des bords arrondis et à prendre un aspect poli et épuré, inspiré du style moderne épuré. De nouveaux matériaux, tels que l’acier nickelé ou chromé, l’aluminium et la bakélite , une forme précoce de plastique, font leur apparition dans l’ameublement et la décoration. ^[104]

Tout au long de la période Art Déco, et particulièrement dans les années 1930, les motifs du décor expriment la fonction du bâtiment. Les théâtres étaient décorés de sculptures illustrant la musique, la danse et l’excitation ; les compagnies d’électricité ont montré des levers de soleil, le bâtiment Chrysler a montré des ornements de capot stylisés; Les frises du Palais de la Porte Dorée à l’Exposition coloniale de Paris de 1931 montraient les visages des différentes nationalités des colonies françaises. Le style Streamline donnait l’impression que le bâtiment lui-même était en mouvement. Les peintures murales WPA des années 1930 mettaient en vedette des gens ordinaires; des ouvriers d’usine, des postiers, des familles et des agriculteurs, à la place des héros classiques. ^[105]

Meubles

Chaise de Paul Follot (1912-14)
Fauteuil de Louis Süe (1912) et paravent peint d’ André Mare (1920)
Coiffeuse et chaise en marbre et bois incrusté, laqué et doré par Follot (1919-1920)
Meuble d’angle en acajou avec motif de panier rose en ivoire incrusté par Émile-Jacques Ruhlmann (1923)
Armoire de Ruhlmann (1926)
Conception de l’armoire par Ruhlmann
Cabinet recouvert de galuchat ou de requin par André Groult (1925)
Meubles de Gio Ponti (1927)
Bureau d’un administrateur, par Michel Roux-Spitz pour le Salon des Artistes Décorateurs de 1930
Un fauteuil club Art Déco (années 1930)
Mobilier et tapis Art déco tardif de Jules Leleu (années 1930)
Une table de buffet style cascade

Les meubles français de 1910 jusqu’au début des années 1920 étaient en grande partie une mise à jour des styles de meubles traditionnels français et des créations art nouveau de Louis Majorelle , Charles Plumet et d’autres fabricants. Les fabricants de meubles français se sont sentis menacés par la popularité croissante des fabricants et des styles allemands, en particulier le Biedermeierstyle simple et épuré. Le designer français Frantz Jourdain, président du Salon d’Automne de Paris, a invité des designers munichois à participer au Salon de 1910. Les designers français ont vu le nouveau style allemand et ont décidé de relever le défi allemand. Les designers français ont décidé de présenter de nouveaux styles français au Salon de 1912. Le règlement du Salon indiquait que seuls les styles modernes seraient autorisés. Tous les grands créateurs de meubles français ont participé au Salon : Paul Follot, Paul Iribe, Maurice Dufrêne, André Groult, André Mare et Louis Suë ont participé, présentant de nouvelles œuvres qui ont mis à jour les styles français traditionnels de Louis XVI et Louis Philippe avec des styles plus anguleux . des coins inspirés du cubisme et des couleurs plus vives inspirées du fauvisme et des Nabis. ^[106]

Le peintre André Mare et le créateur de meubles Louis Süe ont tous deux participé au Salon de 1912. Après la guerre, les deux hommes s’associent pour former leur propre compagnie, anciennement appelée la Compagnie des Arts Française ., mais généralement connu simplement sous le nom de Suë et Mare. Contrairement aux éminents designers Art nouveau comme Louis Majorelle, qui ont personnellement conçu chaque pièce, ils ont réuni une équipe d’artisans qualifiés et ont produit des aménagements intérieurs complets, y compris des meubles, de la verrerie, des tapis, de la céramique, du papier peint et de l’éclairage. Leur travail comportait des couleurs vives et des meubles et des bois précieux, tels que l’ébène incrusté de nacre, d’ormeau et de métal argenté pour créer des bouquets de fleurs. Ils ont tout conçu, des intérieurs de paquebots aux flacons de parfum pour la marque de Jean Patou . L’entreprise a prospéré au début des années 1920, mais les deux hommes étaient de meilleurs artisans que des hommes d’affaires. L’entreprise a été vendue en 1928 et les deux hommes sont partis. ^[107]

Le créateur de meubles le plus en vue de l’exposition des arts décoratifs de 1925 était Émile-Jacques Ruhlmann , d’Alsace. Il expose d’abord ses œuvres au Salon d’Automne de 1913, puis possède son propre pavillon, la “Maison du Riche Collectionneur”, à l’Exposition de 1925. Il n’utilisait que les matériaux les plus rares et les plus chers, notamment l’ ébène , l’ acajou , le palissandre , l’ambon et autres bois exotiques, décorés d’incrustations d’ivoire, d’écaille de tortue, de nacre, de petits pompons de soie ornant les poignées des tiroirs des armoires. ^[108]Ses meubles étaient basés sur des modèles du XVIIIe siècle, mais simplifiés et remodelés. Dans toutes ses œuvres, la structure intérieure du meuble était complètement dissimulée. La charpente généralement en chêne, était entièrement recouverte d’une superposition de fines lamelles de bois, puis recouverte d’une seconde couche de lamelles de bois rares et chers. Celui-ci a ensuite été recouvert d’un placage et poli, de sorte que la pièce ait l’air d’avoir été taillée dans un seul bloc de bois. Le contraste avec le bois sombre était fourni par des incrustations d’ivoire et des plaques de clés et poignées en ivoire. Selon Ruhlmann, les fauteuils devaient être conçus différemment selon les fonctions des pièces où ils apparaissaient ; les fauteuils de salon ont été conçus pour être accueillants, les fauteuils de bureau confortables et les fauteuils de salon voluptueux. Seul un petit nombre de pièces de chaque modèle de meuble a été fabriqué,^[109]

Jules Leleu était un créateur de mobilier traditionnel qui a évolué en douceur vers l’Art Déco dans les années 1920 ; il dessine le mobilier de la salle à manger du palais de l’ Élysée et des cabines de première classe du paquebot Normandie . son style se caractérise par l’utilisation de l’ébène, du bois de macassar, du noyer, avec un décor de plaques d’ivoire et de nacre. Il introduit le style des meubles art déco laqués à la fin des années 1920 et, à la fin des années 1930, des meubles en métal avec des panneaux de verre fumé. ^[110] En Italie, le designer Gio Ponti était célèbre pour ses designs épurés.

Les meubles coûteux et exotiques de Ruhlmann et d’autres traditionalistes ont exaspéré les modernistes, dont l’architecte Le Corbusier, l’amenant à écrire une célèbre série d’articles dénonçant le style des arts décoratifs . Il s’est attaqué aux meubles fabriqués uniquement pour les riches et a appelé les designers à créer des meubles fabriqués avec des matériaux bon marché et un style moderne, que les gens ordinaires pouvaient se permettre. Il a conçu ses propres chaises, créées pour être peu coûteuses et produites en série. ^[111]

Dans les années 1930, les conceptions de meubles s’adaptent à la forme, avec des surfaces plus lisses et des formes courbes. Les maîtres du style tardif comprenaient Donald Deskey, qui était l’un des designers les plus influents; il a créé l’intérieur du Radio City Music Hall. Il a utilisé un mélange de matériaux traditionnels et très modernes, notamment l’aluminium, le chrome et la bakélite, une forme précoce de plastique. ^[112] Parmi les autres maîtres du mobilier art déco des années 1930 aux États-Unis, citons Gilbert Rohde , Warren McArthur , Kem Weber et Wolfgang Hoffman .

Le style Waterfall était populaire dans les années 1930 et 1940, la forme de mobilier Art déco la plus répandue à l’époque. Les pièces étaient généralement en contreplaqué fini avec un placage blond et avec des bords arrondis, ressemblant à une cascade. ^[113]

Concevoir

Ensemble de bureau Parker Duofold ( vers 1930)
Appareil photo “Beau Brownie”, design de Walter Dorwin Teague pour Eastman Kodak (1930)
Poste de radio Philips Art Déco (1931)
Radio de table Philco ( vers 1937 )
Aspirateur Electrolux (1937)
Locomotive simplifiée Hudson 4-6-4 du 20e siècle de New York ( vers 1939 )
Berline Chrysler Airflow , conçue par Carl Breer (1934)
1937 Cord automobile modèle 812, conçu en 1935 par Gordon M. Buehrig et son personnel
Bugatti Aérolithe (1936)

Streamline était une variété d’Art Déco qui a émergé au milieu des années 1930. Il a été influencé par les principes aérodynamiques modernes développés pour l’aviation et la balistique afin de réduire la traînée aérodynamique à des vitesses élevées. Les formes de balles ont été appliquées par les concepteurs aux voitures, aux trains, aux navires et même aux objets non destinés à se déplacer, tels que les réfrigérateurs , les pompes à essence et les bâtiments. ^[61] L’un des premiers véhicules de production de ce style fut le Chrysler Airflow de 1933. Il échoua commercialement, mais la beauté et la fonctionnalité de son design créèrent un précédent ; signifiait la modernité. Il a continué à être utilisé dans la conception automobile bien après la Seconde Guerre mondiale. ^{[114] [115] [116][117]}

De nouveaux matériaux industriels ont commencé à influencer la conception des voitures et des objets ménagers. Ceux-ci comprenaient l’aluminium, le chrome et la bakélite , une première forme de plastique. La bakélite pouvait être facilement moulée sous différentes formes et fut bientôt utilisée dans les téléphones, les radios et autres appareils.

Grande salle à manger du paquebot SS Normandie de Pierre Patout (1935) ; bas-reliefs de Raymond Delamarre

Les paquebots ont également adopté un style Art Déco, connu en français sous le nom de Style Paquebot , ou “Ocean Liner Style”. L’exemple le plus célèbre est le SS Normandie , qui effectua son premier voyage transatlantique en 1935. Il était notamment conçu pour amener de riches Américains à Paris pour faire leurs achats. Les cabines et les salons présentent les derniers meubles et décorations Art Déco. Le Grand Salon du navire, qui était le restaurant des passagers de première classe, était plus grand que la Galerie des Glaces du Château de Versailles. Il était éclairé par des lumières électriques dans douze piliers de cristal Lalique; trente-six piliers assortis bordaient les murs. Ce fut l’un des premiers exemples d’éclairage directement intégré à l’architecture. Le style des navires s’est rapidement adapté aux bâtiments. Un exemple notable se trouve sur le front de mer de San Francisco, où le bâtiment du musée maritime, construit comme bain public en 1937, ressemble à un ferry, avec des balustrades de bateau et des coins arrondis. Le terminal Star Ferry de Hong Kong a également utilisé une variante du style. ^[35]

Textile et mode

Design textile Abundance par André Mare , (1911) ( Metropolitan Museum of Art , New York City, USA)
Textiles à motifs roses conçus par Mare ( vers 1919 ) (Metropolitan Museum of Art)
Motif Rose Mousse pour le rembourrage, le coton et la soie (1920) (Metropolitan Museum of Art)
Dessin d’oiseaux des Ateliers de Martine de Paul Iribe (1918)

Les textiles constituaient une partie importante du style Art déco, sous la forme de papiers peints colorés, de tissus d’ameublement et de tapis. Dans les années 1920, les designers s’inspiraient des décors des Ballets russes , des dessins de tissus et des costumes de Léon Bakst et des créations des Wiener . Werkstätte . Les premières décorations intérieures d’ André Mare comportaient des guirlandes de roses et de fleurs aux couleurs vives et très stylisées, qui décoraient les murs, les sols et les meubles. Les motifs floraux stylisés dominent également le travail de Raoul Dufy et Paul Poiret , ainsi que dans les créations de mobilier de JE Ruhlmann. Le tapis fleuri a été réinventé en style déco par Paul Poiret . ^[118]

L’utilisation du style a été grandement améliorée par l’introduction du système d’impression à base de pochoir pochoir, qui a permis aux concepteurs d’obtenir des lignes nettes et des couleurs très vives. Des formes Art déco apparaissent dans les vêtements de Paul Poiret , Charles Worth et Jean Patou . Après la Première Guerre mondiale, les exportations de vêtements et de tissus sont devenues l’une des sources de devises les plus importantes de la France. ^[119]

Les papiers peints et textiles de la fin de l’Art déco présentaient parfois des scènes industrielles stylisées, des paysages urbains, des locomotives et d’autres thèmes modernes, ainsi que des figures féminines stylisées, des finitions métalliques et des motifs géométriques. ^[119]

La mode a radicalement changé pendant la période Art Déco, grâce notamment aux créateurs Paul Poiret et plus tard Coco Chanel . Poiret a introduit une innovation importante dans le design de mode, le concept de drapé , une rupture avec la couture et la confection de modèles du passé. ^[120] Il a conçu des vêtements coupés le long de lignes droites et construits avec des motifs rectangulaires. ^[120] Ses styles offraient une simplicité structurelle ^[120] Le look corseté et les styles formels de la période précédente ont été abandonnés, et la mode est devenue plus pratique et rationalisée. avec l’utilisation de nouveaux matériaux, de couleurs plus vives et de motifs imprimés. ^[120] La créatrice Coco Chanelpoursuit la transition, popularisant le style sport-chic décontracté. ^[121]

Manteau du soir par Paul Poiret , ch. 1912 , soie et métal (Metropolitan Museum of Art)
Plongée Venus Annette Kellermann à Los Angeles, Californie, v. 1920
Cécile Sorel , à la Comédie-Française , 1920
Desiree Lubovska dans une robe de Jean Patou , ch. 1921
Natacha Rambova dans une robe dessinée par Poiret, 1926
Coco Chanel en blouse et pantalon de marin (1928)

Bijoux

Bracelet Art Déco en or, corail et jade (1925) ( Musée des Arts Décoratifs, Paris , France)
Molded glass pendants on silk cords by René Lalique (1925–30)
Mackay Emerald Necklace, emerald, diamond and platinum, by Cartier (1930) (Smithsonian National Museum of Natural History, USA)
A gold buckle set with diamonds and carved onyx, lapis lazuli, jade, and coral, by Boucheron (1925)

Dans les années 1920 et 1930, des designers tels que René Lalique et Cartier ont tenté de réduire la domination traditionnelle des diamants en introduisant des pierres précieuses plus colorées, telles que de petites émeraudes, des rubis et des saphirs. Ils mettent également davantage l’accent sur des décors très élaborés et élégants, mettant en vedette des matériaux moins coûteux tels que l’émail, le verre, la corne et l’ivoire. Les diamants eux-mêmes étaient taillés dans des formes moins traditionnelles ; l’exposition de 1925 a vu de nombreux diamants taillés sous la forme de minuscules tiges ou d’allumettes. Les paramètres des diamants ont également changé; De plus en plus souvent, les bijoutiers utilisaient le platine au lieu de l’or, car il était solide et flexible et pouvait sertir des grappes de pierres. Les bijoutiers ont également commencé à utiliser des matériaux plus sombres, tels que les émaux et l’ onyx noir., which provided a higher contrast with diamonds.^[122]

Jewellery became much more colourful and varied in style. Cartier and the firm of Boucheron combined diamonds with colourful other gemstones cut into the form of leaves, fruit or flowers, to make brooches, rings, earrings, clips and pendants. Far Eastern themes also became popular; plaques of jade and coral were combined with platinum and diamonds, and vanity cases, cigarette cases and powder boxes were decorated with Japanese and Chinese landscapes made with mother of pearl, enamel and lacquer.^[122]

Rapidly changing fashions in clothing brought new styles of jewellery. Sleeveless dresses of the 1920s meant that arms needed decoration, and designers quickly created bracelets of gold, silver and platinum encrusted with lapis-lazuli, onyx, coral, and other colourful stones; Other bracelets were intended for the upper arms, and several bracelets were often worn at the same time. The short haircuts of women in the twenties called for elaborate deco earring designs. As women began to smoke in public, designers created very ornate cigarette cases and ivory cigarette holders. The invention of the wrist-watch before World War I inspired jewelers to create extraordinary decorated watches, encrusted with diamonds and plated with enamel, gold and silver. Pendant watches, hanging from a ribbon, also became fashionable.^[123]

The established jewellery houses of Paris in the period, Cartier, Chaumet, Georges Fouquet, Mauboussin, and Van Cleef & Arpels all created jewellery and objects in the new fashion. The firm of Chaumet made highly geometric cigarette boxes, cigarette lighters, pillboxes and notebooks, made of hard stones decorated with jade, lapis lazuli, diamonds and sapphires. They were joined by many young new designers, each with his own idea of deco. Raymond Templier designed pieces with highly intricate geometric patterns, including silver earrings that looked like skyscrapers. Gerard Sandoz was only 18 when he started to design jewelry in 1921; he designed many celebrated pieces based on the smooth and polished look of modern machinery. The glass designer René Lalique also entered the field, creating pendants of fruit, flowers, frogs, fairies or mermaids made of sculpted glass in bright colors, hanging on cords of silk with tassels.^[123] The jeweller Paul Brandt contrasted rectangular and triangular patterns, and embedded pearls in lines on onyx plaques. Jean Despres made necklaces of contrasting colours by bringing together silver and black lacquer, or gold with lapis lazuli. Many of his designs looked like highly polished pieces of machines. Jean Dunand was also inspired by modern machinery, combined with bright reds and blacks contrasting with polished metal.^[123]

Glass art

The Firebird by René Lalique (1922)
Parrot vase by Lalique (1922)
Hood ornament Victoire by Lalique (1928)
A Daum vase with sculpted grapes (1925)
Window for a steel mill office by Louis Majorelle (1928)
Skyscraper Lamp designed by Arnaldo dell’Ira (1929)
Daum vase (1930–35)
Stained glass windows at Amiens Cathedral by Jean Gaudin (1932–34)

Like the Art Nouveau period before it, Art Deco was an exceptional period for fine glass and other decorative objects, designed to fit their architectural surroundings. The most famous producer of glass objects was René Lalique, whose works, from vases to hood ornaments for automobiles, became symbols of the period. He had made ventures into glass before World War I, designing bottles for the perfumes of François Coty, but he did not begin serious production of art glass until after World War I. In 1918, at the age of 58, he bought a large glass works in Combs-la-Ville and began to manufacture both artistic and practical glass objects. He treated glass as a form of sculpture, and created statuettes, vases, bowls, lamps and ornaments. He used demi-crystal rather than lead crystal, which was softer and easier to form, though not as lustrous. He sometimes used coloured glass, but more often used opalescent glass, where part or the whole of the outer surface was stained with a wash. Lalique provided the decorative glass panels, lights and illuminated glass ceilings for the ocean liners SS Île de France in 1927 and the SS Normandie in 1935, and for some of the first-class sleeping cars of the French railroads. At the 1925 Exposition of Decorative Arts, he had his own pavilion, designed a dining room with a table setting and matching glass ceiling for the Sèvres Pavilion, and designed a glass fountain for the courtyard of the Cours des Métiers, a slender glass column which spouted water from the sides and was illuminated at night.^[124]

Other notable Art Deco glass manufacturers included Marius-Ernest Sabino, who specialized in figurines, vases, bowls, and glass sculptures of fish, nudes, and animals. For these he often used an opalescent glass which could change from white to blue to amber, depending upon the light. His vases and bowls featured molded friezes of animals, nudes or busts of women with fruit or flowers. His work was less subtle but more colourful than that of Lalique.^[124]

Other notable Deco glass designers included Edmond Etling, who also used bright opalescent colours, often with geometric patterns and sculpted nudes; Albert Simonet, and Aristide Colotte and Maurice Marinot, who was known for his deeply etched sculptural bottles and vases. The firm of Daum from the city of Nancy, which had been famous for its Art Nouveau glass, produced a line of Deco vases and glass sculpture, solid, geometric and chunky in form. More delicate multi-coloured works were made by Gabriel Argy-Rousseau, who produced delicately shaded vases with sculpted butterflies and nymphs, and Francois Decorchemont, whose vases were streaked and marbled.^[124]

The Great Depression ruined a large part of the decorative glass industry, which depended upon wealthy clients. Some artists turned to designing stained glass windows for churches. In 1937, the Steuben glass company began the practice of commissioning famous artists to produce glassware.^[124] Louis Majorelle, famous for his Art Nouveau furniture, designed a remarkable Art Deco stained glass window portraying steel workers for the offices of the Aciéries de Longwy, a steel mill in Longwy, France.

Amiens Cathedral has a rare example of Art Deco stained glass windows in the Chapel of the Sacred Heart, made in 1932-34 by the Paris glass artist Jean Gaudin based on drawings by Jacques Le Breton.^[125]

Metal art

A grill with two wings called The Pheasants, made by Paul Kiss and displayed at the 1925 Exposition of Decorative and Industrial Arts
Iron and copper grill called Oasis by Edgar Brandt, displayed at the 1925 Paris Exposition
Table mirror by Franz Hagenauer of Werkstätte Hagenauer Wien (c. 1930)
Cocktail set of chrome-plated steel by Norman Bel Geddes (1937)

Art Deco artists produced a wide variety of practical objects in the Art Deco style, made of industrial materials from traditional wrought iron to chrome-plated steel. The American artist Norman Bel Geddes designed a cocktail set resembling a skyscraper made of chrome-plated steel. Raymond Subes designed an elegant metal grille for the entrance of the Palais de la Porte Dorée, the centre-piece of the 1931 Paris Colonial Exposition. The French sculptor Jean Dunand produced magnificent doors on the theme “The Hunt”, covered with gold leaf and paint on plaster (1935).^[126]

Animation

Art Deco visuals and imagery was used in multiple animated films including Batman, Night Hood, All’s Fair at the Fair, Merry Mannequins, Page Miss Glory, Fantasia and Sleeping Beauty.^[127] The architecture is featured in the fictitious underwater city of Rapture in the Bioshock video game series.

Art Deco architecture around the world

Art Deco architecture began in Europe, but by 1939 there were examples in large cities on every continent and in almost every country. This is a selection of prominent buildings on each continent.

For a comprehensive list of existing buildings by country, see: List of Art Deco architecture.

Africa

Fiat Tagliero Building in Asmara, Eritrea, by Giuseppe Pettazzi (1938)^[128]
St. Peter’s Cathedral in Rabat, Morocco (1938)
Railway Station in Ressano Garcia, Mozambique (1945)

Most Art Deco buildings in Africa were built during European colonial rule, and often designed by Italian, French and Portuguese architects.

Asia

Learn more This section does not cite any sources. Please help improve this section by adding citations to reliable sources. Unsourced material may be challenged and removed. (May 2020) (Learn how and when to remove this template message)

Kologdam Building in Bandung, Indonesia (1920)
Broadway Mansions in Shanghai, China (1934)
New India Assurance Building in Mumbai, India (1936)
National Diet Building in Tokyo, Japan (1936)
Ankara railway station in Ankara, Turkey (1937)
Dare House in Chennai, India (1940)

Many Art Deco buildings in Asia were designed by European architects. But in the Philippines, local architects such as Juan Nakpil, Juan Arellano and others were preeminent. Many Art Deco landmarks in Asia were demolished during the great economic expansion of Asia the late 20th century, but some notable enclaves of the architecture still remain, particularly in Shanghai and Mumbai.

Australia and New Zealand

The Grace Building in Sydney (1930–31)
Sound Shell in Napier, New Zealand (1931)
1931 Art Deco facade of the Castlemaine Art Museum, architect Percy Meldrum, H. Orlando Dutton frieze, photographed in 2017
Elmslea Chambers in Goulburn, Australia (1933)
Anzac Memorial in Sydney (1934)
Holyman House in Launceston, Tasmania, Australia (1936)
Century Building in Melbourne (1939)

Melbourne and Sydney, Australia, have several notable Art Deco buildings, including the Manchester Unity Building and the former Russell Street Police Headquarters in Melbourne, the Castlemaine Art Museum in Castlemaine, central Victoria and the Grace Building, AWA Tower and Anzac Memorial in Sydney.

Several towns in New Zealand, including Napier and Hastings were rebuilt in Art Deco style after the 1931 Hawke’s Bay earthquake, and many of the buildings have been protected and restored. Napier has been nominated for UNESCO World Heritage Site status, the first cultural site in New Zealand to be nominated.^[129][130] Wellington has retained a sizeable number of Art Deco buildings.^[131]

North America

The Verizon Building in New York City, N.Y., USA (1923–27)
Miami Art Deco District in South Beach, Florida, USA (1925-1940s)
KiMo Theater’s Pueblo Deco architecture in Albuquerque, New Mexico, USA (1927)
Bullocks Wilshire in Los Angeles, California (1929)
The Price Building in Quebec City, Canada (1930)
Louisiana State Capitol in Baton Rouge, Louisiana, USA (1930–32)
Buffalo City Hall in Buffalo, New York, USA (1931)
Jefferson County Courthouse in Beaumont, Texas, USA (1931)
Niagara Mohawk Building in Syracuse, N.Y., USA (1932)
Cincinnati Union Terminal in Cincinnati, Ohio, USA (1933)
Interior of the Palacio de Bellas Artes in Mexico City, Mexico (1934)
Vancouver City Hall in Vancouver, British Columbia, Canada (1935)
Edificio El Moro in Mexico City (1936)

In Canada, surviving Art Deco structures are mainly in the major cities; Montreal, Toronto, Hamilton, Ontario, and Vancouver. They range from public buildings like Vancouver City Hall to commercial buildings (College Park) to public works (R. C. Harris Water Treatment Plant).

In Mexico, the most imposing Art Deco example is interior of the Palacio de Bellas Artes (Palace of Fine Arts), finished in 1934 with its elaborate décor and murals. Examples of Art Deco residential architecture can be found in the Condesa district, many designed by Francisco J. Serrano.

In the United States, Art Deco buildings are found from coast to coast, in all the major cities. It was most widely used for office buildings, train stations, airport terminals, and cinemas; residential buildings are rare. During the 1920s and 1930s architects in the Southwestern United States, particularly in the US state of New Mexico, combined Pueblo Revival with Territorial Style and Art Deco to create Pueblo Deco, as seen in the KiMo Theater in Albuquerque. In the 1930s, the more austere streamline style became popular. Many buildings were demolished between 1945 and the late 1960s, but then efforts began to protect the best examples. The City of Miami Beach established the Miami Beach Architectural District to preserve the fine collection of Art Deco buildings found there.

Central America and the Caribbean

Art Deco buildings can be found throughout Central America. A particularly rich collection is found in Cuba, built largely for the large number of tourists who came to the island from the United States. One such building is the López Serrano built between 1929 and 1932 in the Vedado section of Havana.

The Bacardi Building in Havana, Cuba (1930)
The Hotel Nacional de Cuba in Havana (1930)
A rundown Art Deco building in Havana
The Plaza del Mercado de Ponce in Ponce, Puerto Rico (1941)
Lopez Serrano Building
Lopez Serrano Building. Typical floor plan, room distribution within apartments.

Europe

Théâtre des Champs-Élysées in Paris, France (1910–13)
Helsinki Central Station in Helsinki, Finland (1919)
National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg (Brussels), Belgium (1919–69)
The Mossehaus with Art Deco elements by Erich Mendelsohn in Berlin, Germany (1921–23)
Éden Theatre in Lisbon, Portugal (1931)
Daily Express Building in Manchester, UK (1936–39)
Palais de Tokyo, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, France (1937)
Mayakovskaya Station in Moscow, Russia (1938)
Rivoli Theater in Porto, Portugal (1937)

The architectural style first appeared in Paris with the Théâtre des Champs-Élysées (1910–13) by Auguste Perret but then spread rapidly around Europe, until examples could be found in nearly every large city, from London to Moscow. In Germany two variations of Art Deco flourished in the 1920s and 30s: The Neue Sachlichkeit style and Expressionist architecture. Notable examples include Erich Mendelsohn’s Mossehaus and Schaubühne theater in Berlin, Fritz Höger’s Chilehaus in Hamburg and his Kirche am Hohenzollernplatz in Berlin, the Anzeiger Tower in Hanover and the Borsig Tower in Berlin.^[132]

One of the largest Art Deco buildings in Western Europe is the National Basilica of the Sacred Heart in Koekelberg, Brussels. In 1925, architect Albert van Huffel won the Grand Prize for Architecture with his scale model of the basilica at the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris.^[133]

Spain and Portugal have some striking examples of Art Deco buildings, particularly movie theaters. Examples in Portugal are the Capitólio Theater (1931) and the Éden Cine-Theatre (1937) in Lisbon, the Rivoli Theater (1937) and the Coliseu (1941) in Porto and the Rosa Damasceno Theater (1937) in Santarém. An example in Spain is the Cine Rialto in Valencia (1939).

During the 1930s, Art Deco had a noticeable effect on house design in the United Kingdom,^[59] as well as the design of various public buildings.^[77] Straight, white-rendered house frontages rising to flat roofs, sharply geometric door surrounds and tall windows, as well as convex-curved metal corner windows, were all characteristic of that period.^{[78][134][135]}

The London Underground is famous for many examples of Art Deco architecture,^[136] and there are a number of buildings in the style situated along the Golden Mile in Brentford. Also in West London is the Hoover Building, which was originally built for The Hoover Company and was converted into a superstore in the early 1990s.

Bucharest, Romania

Bucharest, once known as the “Little Paris” of the 19th century, engaged in a new designs after World War I, redirected its inspiration towards New York City. The 1930s brought a new fashion which echoed in the cinema, theatre, dancing styles, art and architecture. Bucharest during the 1930s was marked by more and more art deco architecture from the bigger boulevards like Bulevardul Magheru to the private houses and smaller districts. The Telephone Palace, an early landmark of modern Bucharest, was the first skyscraper of the city. It was the tallest building between 1933 and the 1950s, with a height of 52.5 metres (172 ft). The architects were Louis Weeks and Edmond van Saanen Algi and engineer Walter Troy. The art deco monuments are a crucial part of the character of Bucharest since they describe and mark an important period from its history, the interbellic life (World War I–World War II). Most of the buildings from those years are prone to catastrophe, as Bucharest is located in an earthquake zone.^[137]

India

The Indian Institute of Architects, founded in Mumbai in 1929, played a prominent role in propagating the Art Deco movement. In November 1937, this institute organised the ‘Ideal Home Exhibition’ held in the Town Hall in Mumbai which spanned over 12 days and attracted about one hundred thousand visitors. As a result, it was declared a success by the ‘Journal of the Indian Institute of Architects’. The exhibits displayed the ‘ideal’, or better described as the most ‘modern’ arrangements for various parts of the house, paying close detail to avoid architectural blunders and present the most efficient and well-thought-out models. The exhibition focused on various elements of a home ranging from furniture, elements of interior decoration as well as radios and refrigerators using new and scientifically relevant materials and methods.^[138] Guided by their desire to emulate the west, the Indian architects were fascinated by the industrial modernity that Art Deco offered.^[138] The western elites were the first to experiment with the technologically advanced facets of Art Deco, and architects began the process of transformation by the early 1930s.^[138]

Mumbai’s expanding port commerce in the 1930s resulted in the growth of educated middle class population. It also saw an increase of people migrating to Mumbai in search of job opportunities. This led to the pressing need for new developments through Land Reclamation Schemes and construction of new public and residential buildings.^[139] Parallelly, the changing political climate in the country and the aspirational quality of the Art Deco aesthetics led to a whole-hearted acceptance of the building style in the city’s development. Most of the buildings from this period can be seen spread throughout the city neighbourhoods in areas such as Churchgate, Colaba, Fort, Mohammed Ali Road, Cumbala Hill, Dadar, Matunga, Bandra and Chembur.^[140][141]

South America

Lacerda Elevator in Salvador, Bahia, Brazil (1930)
Kavanagh building in Buenos Aires, Argentina (1934–36)
Viaduto do Chá in São Paulo, Brazil (1938)
Pacaembu Stadium in São Paulo (1940)
Central do Brasil Station in Rio de Janeiro, Brazil (1943)
Altino Arantes Building in São Paulo (1947)
Palacio Municipal and fountain in Laprida (Buenos Aires)
The Abasto Market in Buenos Aires (c. 1945)

Art Deco in South America is especially present in countries which received a great wave of immigration in the first half of the 20th century, with notable works in their richest cities, like São Paulo and Rio de Janeiro in Brazil and Buenos Aires in Argentina. The Kavanagh building in Buenos Aires (1934), by Sánchez, Lagos and de la Torre, was the tallest reinforced-concrete structure when it was completed, and is a notable example of late Art Deco style.

Preservation and Neo Art Deco

The Miami Beach Architectural District in Miami, Florida, protects historical Art Deco buildings
The Bucharest Telephone Palace on Victory Avenue in Bucharest, Romania, qualified as a monument istoric (Romanian for historic monument)
The U-Drop Inn, a roadside gas station and diner on U.S. Highway 66 in Shamrock, Texas (1936), now a historical monument
Art Deco street in Havana, Cuba
Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, a neo-Art Deco building (2012)
Taksim Mosque in Istanbul, Turkey (2021)

In many cities, efforts have been made to protect the remaining Art Deco buildings. In many U.S. cities, historic art deco cinemas have been preserved and turned into cultural centres. Even more modest art deco buildings have been preserved as part of America’s architectural heritage; an art deco café and gas station along Route 66 in Shamrock, Texas is an historic monument. The Miami Beach Architectural District protects several hundred old buildings, and requires that new buildings comply with the style. In Havana, Cuba, many Art Deco buildings have badly deteriorated. Efforts are underway to bring the buildings back to their original appearance.

In the 21st century, modern variants of Art Deco, called Neo Art Deco (or Neo-Art Deco), have appeared in some American cities, inspired by the classic Art Deco buildings of the 1920s and 1930s.^[142] Examples include the NBC Tower in Chicago, inspired by 30 Rockefeller Plaza in New York City; and Smith Center for the Performing Arts in Las Vegas, Nevada, which includes art deco features from Hoover Dam, 80 km (50 miles) away.^{[142][143][144][145]}

Gallery

Guardians of Traffic pylon on Hope Memorial Bridge in Cleveland (1932)
Municipal Auditorium of Kansas City, Missouri: Hoit Price & Barnes, and Gentry, Voskamp & Neville, 1935
Niagara Mohawk Building, Syracuse, New York. Melvin L. King and Bley & Lyman, architects, completed 1932
Palacio de Bellas Artes, Mexico City, Federico Mariscal, completed 1934
Women’s Smoking Room at the Paramount Theatre, Oakland. Timothy L. Pflueger, architect, 1931
Henryk Kuna, Rytm (“Rhythm”), in Skaryszewski Park, Warsaw, Poland, 1925
Snowdon Theatre, Montreal, Quebec, Canada. Daniel J. Crighton, architect. Opened 1937, closed 1984.
Federal Art Project poster promoting milk drinking in Cleveland, 1940
Lobby, Empire State Building, New York City. William F. Lamb, opened 1931
U.S. Works Progress Administration poster, John Wagner, artist, ca. 1940
Rotunda ceiling of Union Terminal in Cincinnati, Ohio; Paul Philippe Cret, Alfred T. Fellheimer, Steward Wagner, Roland Wank, 1933
U.S. postage stamp commemorating the 1939 New York World’s Fair, 1939
Polish coat of arms (unofficial) on the facade of the post office in Warsaw, Julian Puterman-Sadłowski, architect, 1934
The Statue of Hygieia in Art Deco style in Cracow, Poland (1932).

References

^ Texier 2012, p. 128.
^ ^a ^b Hillier 1968, p. 12.
^ ^a ^b Benton, Benton & Wood 2003, p. 16.
^ Renaut, Christophe and Lazé, Christophe, Les Styles de l’architecture et du mobilier (2006), Editions Jean-Paul Gisserot, pp. 110–116
^ Benton, Benton & Wood 2003, pp. 13–28.
^ “M. Cunny présente une Note sur un procédé vitro-héliographique applicable aux arts décoratifs”, Bulletin de la Société française de photographie, Société française de photographie. Éditeur: Société française de photographie (Paris), 1858, Bibliothèque nationale de France, département Sciences et techniques, 8-V-1012
^ “Enfin, dans les ateliers, on travaille à l’achèvement des objets d’art décoratifs, qui sont très nombreux”, Le Figaro, Éditeur: Figaro (Paris), 1869-09-18, no. 260, Bibliothèque nationale de France
^ L’Art décoratif à Limoges, La Voix de la province : Revue littéraire, artistique, agricole et commerciale, 1862, (1862/04/01 (N1)-1863/01/01 (N12)), Bibliothèque francophone multimédia de Limoges, 2013-220524, Bibliothèque nationale de France
^ Revue des arts décoratifs (Paris), 1880–1902, Bibliothèque nationale de France, département Sciences et techniques, 4-V-1113
^ Le Corbusier 1996, pp. 70–81.
^ Les années “25”: art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau (in French). Musée des arts décoratifs. 1966.
^ Raizman, David; Gorman, Carma (2009). Objects, Audiences, and Literatures: Alternative Narratives in the History of Design. Cambridge Scholars Publishing. p. 131. ISBN 978-1-4438-0946-7.
^ Poulin, Richard (2012). Graphic Design and Architecture, A 20th Century History: A Guide to Type, Image, Symbol, and Visual Storytelling in the Modern World. Rockport Publishers. p. 85. ISBN 978-1-61058-633-7.
^ Benton, Benton & Wood 2003, p. 430.
^ Hillier, Bevis (1971). The World of Art Deco: An Exhibition Organized by The Minneapolis Institute of Arts, June–September 1971. E.P. Dutton. ISBN 978-0-525-47680-1.
^ Benton, Charlotte; Benton, Tim; Wood, Ghislaine (2010). Art Déco dans le monde- 1910–39. Renaissance du Livre. pp. 16–17. ISBN 9782507003906.
^ Benton, Benton & Wood 2003, pp. 165–170.
^ “Metropolitan Review, Volume 2, Metropolitan Press Publications, 1989, p. 8″. 1989.
^ ^a ^b Campbell, Gordon, The Grove Encyclopedia of Decorative Arts, Oxford University Press, USA, 9 Nov 2006, pp. 42 (Vera), 43 (Cartier), 243 (Christofle), 15, 515, 527 (Lalique), 13, 134 (Boucheron), ISBN 0195189485
^ “Salon d’Automne 2012, exhibition catalogue” (PDF). Archived from the original (PDF) on 1 February 2018. Retrieved 10 October 2016.
^ ^a ^b Campbell, Gordon, The Grove Encyclopedia of Decorative Arts, Oxford University Press, USA, 9 Nov 2006, pp. 42-43 ISBN 0195189485
^ Laurent, Stephane, “L’artiste décorateur”, in Art Deco, 1910–1939 by Charlotte Benton, Tim Benton and Ghislain Wood (2002), Renaissance du Livre, pages 165–171
^ Texier 2019, pp. 5–7.
^ Cabanne 1986, p. 225.
^ ^a ^b Hillier, Bevis (1983). The style of the century, 1900–1980. New York: Dutton. pp. 62, 67, 70.
^ Collins, Peter (1959). Concrete: The Vision of a New Architecture. New York: Horizon Press.
^ Poisson 2009, pp. 318–319.
^ “Bergère – Adrien Karbowsky”. www.musee-orsay.fr. Musee d’Orsay. Retrieved 8 January 2022.
^ ^a ^b Arwas 1992, pp. 51–55.
^ ^a ^b ^c ^d ^e ^f Arwas, Victor; Russell, Frank (1980). Art Deco. New York: Harry N. Abrams. Inc. pp. 21, 52, 85, 171–184, 197–198. ISBN 0-8109-0691-0.
^ ^a ^b ^c ^d Duncan, Alastair (1988). The Encyclopedia of art deco, An Illustrative Guide to a Decorative Style from 1920 to 1939. New York: E. P. Dutton. pp. 46–47, 71, 73, 76, 82, 130. ISBN 9780525246138.
^ ^a ^b Mackrell, Alice (1990). Paul Poiret. New York: Holmes & Meier. pp. 16, 56.
^ Duncan, Alastair (2009). Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920s and 1930s. Abrams. ISBN 978-0-8109-8046-4.
^ Loran, Erle (1963). Cézanne’s Composition: Analysis of His Form, with Diagrams and Photographs of His Motifs. University of California Press. p. 9. ISBN 978-0-520-00768-0.
^ ^a ^b ^c ^d ^e ^f ^g ^h Goss, Jared. “French Art Deco”. Metropolitan Museum of Art. Retrieved 29 August 2016.
^ La Section d’or, 1912-1920-1925, Cécile Debray, Françoise Lucbert, Musées de Châteauroux, Musée Fabre, exhibition catalogue, Éditions Cercle d’art, Paris, 2000
^ André Vera, Le Nouveau style, published in L’Art décoratif, January 1912, pp. 21–32
^ Eve Blau, Nancy J. Troy, “The Maison Cubiste and the meaning of modernism in pre-1914 France”, in Architecture and Cubism, Montreal, Cambridge, MA, London: MIT Press−Centre Canadien d’Architecture, 1998, pp. 17–40, ISBN 0-262-52328-0
^ Nancy J. Troy, Modernism and the Decorative Arts in France: Art Nouveau to Le Corbusier, New Haven CT, and London: Yale University Press, 1991, pp. 79–102, ISBN 0-300-04554-9
^ “Portraits of Architects- André Mare” site of the Cité de l’Architecture et du Patrimoine (in French)
^ Green, Christopher (2000). “Chapter 8, Modern Spaces; Modern Objects; Modern People”. Art in France, 1900–1940. Yale University Press. p. 161. ISBN 978-0-300-09908-9.
^ André Mare, Salon Bourgeois, Salon d’Automne, The Literary Digest, Doom of the Antique, 30 November 1912, p. 1012
^ The Sun (New York, N.Y.), 10 November 1912. Chronicling America: Historic American Newspapers. Lib. of Congress
^ Ben Davis, ‘”Cubism” at the Met: Modern Art That Looks Tragically Antique’, Exhibition: “Cubism: The Leonard A. Lauder Collection”, Metropolitan Museum of Art, ArtNet News, 6 November 2014]
^ “La Maison Cubiste, 1912”. kubisme.info (in Dutch). Archived from the original on 13 March 2013.{{cite web}}: CS1 maint: unfit URL (link)
^ Arwas 1992, p. 52.
^ ^a ^b Arwas 1992, p. 54.
^ “Kubistische werken op de Armory Show”.
^ Detail of Duchamp-Villon’s Façade architecturale, catalog number 609, unidentified photographer, 1913. Walt Kuhn, Kuhn family papers, and Armory Show records, 1859–1984, bulk 1900–1949. Archives of American Art, Smithsonian Institution
^ “Catalogue of international exhibition of modern art: at the Armory of the Sixty-ninth Infantry, 1913, Duchamp-Villon, Raymond, Facade Architectural
^ Green, Christopher (2000). Joseph Csaky’s staircase in the home of Jacques Doucet. ISBN 0300099088. Retrieved 18 December 2012.
^ Aestheticus Rex (14 April 2011). “Jacques Doucet’s Studio St. James at Neuilly-sur-Seine”. Aestheticusrex.blogspot.com.es. Retrieved 18 December 2012.
^ Imbert, Dorothée (1993). The Modernist Garden in Frances. ISBN 0300047169. Retrieved 18 December 2012.
^ Balas, Edith (1998). Joseph Csáky: A Pioneer of Modern Sculpture. American Philosophical Society. p. 5. ISBN 9780871692306. Retrieved 18 December 2012.
^ Arwas 1992, p. 70.
^ Richard Harrison Martin, Cubism and Fashion, Metropolitan Museum of Art (New York, N.Y.), 1998, p. 99, ISBN 0870998889
^ Grasset, Eugène (1905). “Méthode de composition ornementale, Éléments rectilignes” (in French). Librarie Centrale des Beaux-Arts, Paris. Retrieved 18 December 2012 – via Gallica.
^ Grasset, Eugène (1905). “Méthode de composition ornementale” (in French) (published 10 March 2001). Retrieved 18 December 2012.
^ ^a ^b ^c ^d “Art Deco Style”. Museum of London. Archived from the original on 7 February 2008. Retrieved 6 November 2008.
^ Wood, Ghislaine (2003). Essential Art Deco. London: VA&A Publications. ISBN 0-8212-2833-1.
^ ^a ^b Hauffe, Thomas (1998). Design: A Concise History (1 ed.). London: Laurence King.
^ “Art Deco Study Guide”. Victoria and Albert Museum. Archived from the original on 25 October 2008. Retrieved 1 November 2008.
^ Juster, Randy. “Introduction to Art Deco”. decopix.com. Archived from the original on 29 October 2008. Retrieved 7 November 2008.
^ “How Art Deco came to be”. University Times. University of Pittsburgh. 36 (4). 9 October 2003.
^ Jirousek, Charlotte (1995). “Art, Design and Visual Thinking”. Archived from the original on 2 December 2008. Retrieved 7 November 2008.
^ Duncan 1988, p. 8-10.
^ Duncan 1988, pp. 7–8.
^ Arwas 1992, p. 82.
^ Arwas 1992, p. 77.
^ Charles 2013, pp. 35–104.
^ John Burchard and Albert Bush Brown, The Architecture of America (1966), Atlantic, Little and Brown, page 277
^ Benton, Benton & Wood 2003, pp. 249–258.
^ Morel 2012, pp. 125–30.
^ Le Corbusier, Vers une architecture, Flammarion, republished in 1995, page xix
^ Larousse Encyclopedia on-line edition (in French)^{[full citation needed]}
^ Duncan 1988, p. 8.
^ ^a ^b Fell, Charlotte; Fell, Peter (2006). Design Handbook: Concepts, Materials and Styles (1 ed.). Taschen.
^ ^a ^b Heindorf, Anne (24 July 2006). “Art Deco (1920s to 1930s)”. Archived from the original on 7 February 2008. Retrieved 6 November 2008.
^ Gaunt, Pamela (August 2005). “The Decorative in Twentieth Century Art: A Story of Decline and Resurgence” (PDF). Archived from the original (PDF) on 17 December 2008.
^ Louis René Vian, Les Arts décoratifs à bord des paquebots français, Éditions Fonmare, 1992
^ Blondel, Alain (1999). Tamara de Lempicka: a Catalogue Raisonné 1921–1980. Lausanne: Editions Acatos.
^ Balfour, Alan (1978). Rockefeller Center: Architecture as Theater. McGraw-Hill, Inc., p. 311, ISBN 978-0-070-03480-8
^ “Archibald MacLeish Criticism”. Enotes.com. Retrieved 8 December 2011.
^ “City College of San Francisco: Rivera Mural – San Francisco CA”. The Living New Deal. Department of Geography, University of California, Berkeley. Retrieved 15 June 2015.
^ Atkins, Robert (1993). ArtSpoke: A Guide to Modern Ideas, Movements, and Buzzwords, 1848–1944. Abbeville Press. ISBN 978-1-55859-388-6.
^ “Works Progress Administration (WPA) Art Recovery Project”. Office of the Inspector General, General Services Administration. Archived from the original on 19 September 2015. Retrieved 13 June 2015.
^ “Paul Jouve”. Archived from the original on 27 December 2021.
^ Arwas 1992, pp. 165–66.
^ Weber, Eva (1985). Art deco in America. Exeter Books. p. 32. ISBN 0671808044.
^ Duncan 1988, pp. 121–141.
^ Duncan 1988, p. 140.
^ Arwas 1992, pp. 141–163.
^ Brian Catley, Deco and other Bronzes, pp. 203–209, ISBN 978-1851493821
^ Kjellberg, Pierre (1994). Bronzes of the 19th Century (First ed.). Atglen, Pennsylvania: Schiffer Publishing, Ltd. p. 551. ISBN 0-88740-629-7.
^ Edith Balas, 1998, Joseph Csaky: A Pioneer of Modern Sculpture, Philadelphia: American Philosophical Society
^ “Paul Iribe, Les robes de Paul Poiret, 1908″. 1908.
^ ^a ^b Duncan 1988, pp. 148–150.
^ Poisson 2009, pp. 299, 318.
^ Plum 2014, p. 134.
^ Ardman 1985, pp. 86–87.
^ ^a ^b Duncan 1988, pp. 198–200.
^ Duncan 1988, pp. 197–199.
^ Duncan 1988, p. 197.
^ Explanatory text on Art Deco in the Museum of Decorative Arts, Paris.^{[full citation needed]}
^ Duncan 1988, p. 250.
^ Benton, Benton & Wood 2003, pp. 91–93.
^ Arwas 1992, p. 51.
^ Duncan 1988, p. 15.
^ Arwas 1992, p. 56.
^ Duncan 1988, pp. 18–19.
^ Griffith Winton, Alexandra (October 2008). “Design, 1925–50”. Heilbrunn Timeline of Art History. Metropolitan Museum of Art.
^ Duncan 1988, p. 36.
^ Cooper, Dan (November 2011). “Furniture of the Jazz Age”. Old-House Interiors. William J. O’Donnell. 7 (6): 42.
^ Gartman, David (1994). Auto Opium. Routledge. pp. 122–124. ISBN 978-0-415-10572-9.
^ “Curves of Steel: Streamlined Automobile Design”. Phoenix Art Museum. 2007. Archived from the original on 24 June 2009. Retrieved 1 September 2010.
^ Armi, C. Edson (1989). The Art of American Car Design. Pennsylvania State University Press. p. 66. ISBN 978-0-271-00479-2.
^ Hinckley, James (2005). The Big Book of Car Culture: The Armchair Guide to Automotive Americana. MotorBooks/MBI Publishing. p. 239. ISBN 978-0-7603-1965-9.
^ De Morant, Henry, Histoire des arts décoratifs (1970), pg. 448-453
^ ^a ^b Beltra, Rubio, Exploring Art Deco in Textile and Fashion Design, 20 December 2016, Site of Metropolitan Museum
^ ^a ^b ^c ^d “The Metropolitan Museum of Art – Special Exhibitions: Poiret: King of Fashion”.
^ Horton, Ros; Simmons, Sally (2007). Women Who Changed the World. Quercus. p. 103. ISBN 978-1847240262. Retrieved 8 March 2011.
^ ^a ^b Arwas 1992, pp. 121–123.
^ ^a ^b ^c Arwas 1992, pp. 125.
^ ^a ^b ^c ^d Arwas 1992, pp. 245–250.
^ Plagnieux 2003, p. 82.
^ Duncan 1988, pp. 71–81.
^ “Art Deco in Animation Presentation”. Cartoon Brew. 4 March 2008.
^ Denison, Edward (2007). Bradt Travel Guide: Eritrea. Bradt. p. 112. ISBN 978-1-84162-171-5.
^ “Napier Earthquake”. Artdeconapier.com. 3 February 1931. Archived from the original on 6 July 2010. Retrieved 8 July 2010.
^ “Home – Art Deco Trust”. Artdeconapier.com. Archived from the original on 30 June 2010. Retrieved 8 July 2010.
^ “Art Deco heritage trail” (PDF). wellington.gov.nz. Retrieved 22 February 2016.
^ James, Kathleen (1997). Erich Mendelsohn and the Architecture of German Modernism. Cambridge University Press. ISBN 9780521571685.
^ “Basilica of the Sacred Heart, Koekelberg”. Basilicakoekelberg.be. 8 March 2011. Retrieved 7 December 2012.
^ “Art Deco Buildings”. london-footprints.co.uk. 2007. Archived from the original on 11 December 2008. Retrieved 6 November 2008.
^ “Art Deco in Frinton on sea”. Art Deco Classics. 2006. Archived from the original on 1 December 2008. Retrieved 6 November 2008.
^ “Four Programmes – Art Deco Icons”. BBC. 14 November 2009. Retrieved 8 July 2010.
^ “Bucharest: Modernism Art Deco”. artdecobucharest.ro. Archived from the original on 22 October 2019. Retrieved 26 July 2021.
^ ^a ^b ^c Prakash, Gyan (2010). Mumbai Fables. Princeton University Press. p. 99. ISBN 9780691142845.
^ Sharada., Dwivedi (1995). Bombay : the cities within. Mehrotra, Rahul., Mulla-Feroze, Umaima. Mumbai: India Book House. ISBN 818502880X. OCLC 33153751.
^ Sharada., Dwivedi (2008). Bombay Deco. Mehrotra, Rahul., Gobhai, Noshir. Mumbai: Eminence Designs. ISBN 978-8190382151. OCLC 300923025.
^ “Inventory | Art Deco”. www.artdecomumbai.com. Retrieved 10 January 2018.
^ ^a ^b Barbara B. Capitman (1994). Rediscovering Art Deco U.S.A. Viking Studio Books. p. 52. ISBN 0525934421.
^ “The Smith Center for the Performing Arts”. David M. Schwarz Architects, Inc. Retrieved 24 August 2021.
^ “Overview”. The Smith Center for the Performing Arts. Archived from the original on 24 March 2010.
^ “Frequenty Asked Questions (FAQ)”. The Smith Center for the Performing Arts. Archived from the original on 2 May 2015. Retrieved 23 March 2013.

Bibliography

Ardman, Harvey (1985). Normandie, Her Life and Times. New York: Franklin Watts. ISBN 0531097846.
Arwas, Victor (1992). Art Deco. Harry N. Abrams Inc. ISBN 0-8109-1926-5.
Bayer, Patricia (1999). Art Deco Architecture: Design, Decoration and Detail from the Twenties and Thirties. Thames & Hudson. ISBN 978-0-500-28149-9.
Benton, Charlotte; Benton, Tim; Wood, Ghislaine (2003). Art Deco: 1910–1939. Bulfinch. ISBN 978-0-8212-2834-0.
Blondel, Alain (1999). Tamara de Lempicka: a Catalogue Raisonné 1921–1980. Lausanne: Editions Acatos.
Breeze, Carla (2003). American Art Deco: Modernistic Architecture and Regionalism. W. W. Norton. ISBN 978-0-393-01970-4.
Cabanne, Pierre (1986). Encyclopédie Art Deco (in French). Somogy. ISBN 2-85056-178-9.
Charles, Victoria (2013). Art Déco. Parkstone International. ISBN 978-1-84484-864-5.
De Morant, Henry (1970). Histoire des arts décoratifs (in French). Hachette.
Ducher, Rpbert (2014). La charactéristique des styles (in French). Flammarion. ISBN 978-2-0813-4383-2.
Duncan, Alastair (1988). Art déco. Thames & Hudson. ISBN 2-87811-003-X.
Duncan, Alastair (2009). Art Deco Complete: The Definitive Guide to the Decorative Arts of the 1920s and 1930s. Abrams. ISBN 978-0-8109-8046-4.
Gallagher, Fiona (2002). Christie’s Art Deco. Pavilion Books. ISBN 978-1-86205-509-4.
Hillier, Bevis (1968). Art Deco of the 20s and 30s. Studio Vista. ISBN 978-0-289-27788-1.
Le Corbusier (1996). L’Art Decoratif Aujourd’hui (in French). Flammarion. ISBN 978-2-0812-2062-1.
Long, Christopher (2007). Paul T. Frankl and Modern American Design. Yale University Press. ISBN 978-0-300-12102-5.
Lucie-Smith, Edward (1996). Art Deco Painting. Phaidon Press. ISBN 978-0-7148-3576-1.
Ray, Gordon N. (2005). Tansell, G. Thomas (ed.). The Art Deco Book in France. Bibliographical Society of The University of Virginia. ISBN 978-1-883631-12-3.
Lehmann, Niels (2012). Rauhut, Christoph (ed.). Modernism London Style. Hirmer. ISBN 978-3-7774-8031-2.
Morel, Guillaume (2012). Art Déco (in French). Éditions Place des Victoires. ISBN 978-2-8099-0701-8.
Okroyan, Mkrtich (2008–2011). Art Deco Sculpture: From Root to Flourishing (vol.1,2) (in Russian). Russian Art Institute. ISBN 978-5-905495-02-1.
Plagnieux, Philippe (2003). Cathérale Notre Dame d’Amiens (in French). Éditions du Patrimoine, Centre des Monuments Nationaux. ISBN 978-27577-0404-2.
Plum, Giles (2014). Paris architectures de la Belle Epoque (in French). Parigramme. ISBN 978-2-84096-800-9.
Poisson, Michel (2009). 1000 Immeubles et monuments de Paris (in French). Parigramme. ISBN 978-2-84096-539-8.
Savage, Rebecca Binno; Kowalski, Greg (2004). Art Deco in Detroit (Images of America). Arcadia. ISBN 978-0-7385-3228-8.
Texier, Simon (2012). Paris: Panorama de l’architecture (in French). Parigramme. ISBN 978-2-84096-667-8.
Texier, Simon (2019). Art Déco. Editions Ouest-France. ISBN 978-27373-8172-0.
Unes, Wolney (2003). Identidade Art Déco de Goiânia (in Portuguese). Ateliê. ISBN 85-7480-090-2.
Vincent, G.K. (2008). A History of Du Cane Court: Land, Architecture, People and Politics. Woodbine Press. ISBN 978-0-9541675-1-6.
Ward, Mary; Ward, Neville (1978). Home in the Twenties and Thirties. Ian Allan. ISBN 0-7110-0785-3.

External links

Wikimedia Commons has media related to Art Deco.

Wikivoyage propose un guide de voyage sur l’architecture Art déco .

Art Déco Miami Beach
Bombay art déco
Art Déco Montréal
Société Art Déco de Washington
Société Art Déco de Californie
Art Déco Rio de Janeiro
Art Déco Shanghai
Musée Art Déco de Moscou
Société Art Déco de New York
Art Deco Society of Los Angeles Archivé le 17 mai 2015 à la Wayback Machine
Promenade Art Déco à Montréal

Art Déco

Étymologie

Origines

Société des artistes décorateurs (1901-1913)

Sécession viennoise et Wiener Werkstätte (1905-1911)

Nouveaux matériaux et technologies

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)

Salon d’Automne (1912-1913)

Cubisme

influence

Style de luxe et de modernité

Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (1925)

Grattes ciels

Art déco tardif

Peinture

Sculpture

Sculpture monumentale et publique

Sculpture d’atelier

Arts graphiques

Architecture

“Cathédrales du Commerce”

Palais du cinéma

Streamline Moderne

Décoration et motifs

Meubles

Concevoir

Textile et mode

Bijoux

Glass art

Metal art

Animation

Art Deco architecture around the world

Africa

Asia

Australia and New Zealand

North America

Central America and the Caribbean

Europe

India

South America

Preservation and Neo Art Deco

Gallery

See also

References

Bibliography

External links