Animation

L’animation est une méthode dans laquelle les figures sont manipulées pour apparaître comme des images en mouvement . Dans l’animation traditionnelle , les images sont dessinées ou peintes à la main sur des feuilles de celluloïd transparentes pour être photographiées et exposées sur Film . Aujourd’hui, la plupart des animations sont réalisées avec des images générées par ordinateur (CGI). L’animation par ordinateur peut être une animation 3D très détaillée , tandis que l’animation par ordinateur 2D (qui peut avoir l’apparence d’une animation traditionnelle) peut être utilisée pour des raisons stylistiques, une faible bande passante ou des rendus en temps réel plus rapides . D’autres méthodes d’animation courantes appliquent un stop motiontechnique aux objets en deux et trois dimensions comme les papiers découpés , les marionnettes ou les figurines en argile .

L’ animation de la balle qui rebondit (ci-dessous) se compose de ces six images, répétées indéfiniment. Cette animation se déplace à 10 images par seconde.

Un dessin animé est un Film d’animation, généralement un court métrage , présentant un style visuel exagéré . Le style s’inspire des Bandes dessinées , mettant souvent en scène des animaux anthropomorphes , des super -héros , ou les aventures de protagonistes humains (enfants ou adultes). Surtout avec les animaux qui forment une relation prédateur/proie naturelle (par exemple les chats et les souris, les coyotes et les oiseaux), l’action se concentre souvent autour de chutes violentes telles que des chutes, des collisions et des explosions qui seraient mortelles dans la vie réelle.

L’illusion d’animation – comme dans les films en général – a traditionnellement été attribuée à la persistance de la vision et plus tard au phénomène phi et/ou au mouvement bêta , mais les causes neurologiques exactes sont encore incertaines. L’illusion de mouvement provoquée par une succession rapide d’images qui diffèrent peu les unes des autres, avec des interruptions imperceptibles, est un effet stroboscopique . Alors que les animateurs dessinaient traditionnellement chaque partie des mouvements et des changements de figures sur des cellulos transparents pouvant être déplacés sur un arrière-plan séparé, l’animation par ordinateur est généralement basée sur la programmation de chemins entre des images clés.manœuvrer des figures créées numériquement dans un environnement créé numériquement.

Les supports d’animation mécaniques analogiques qui reposent sur l’affichage rapide d’images séquentielles incluent le phénakisticope , le zootrope , le flip book , le praxinoscope et le Film . La télévision et la vidéo sont des supports d’animation électroniques populaires qui étaient à l’origine analogiques et fonctionnent maintenant en numérique . Pour l’affichage sur les ordinateurs, des technologies telles que le GIF animé et l’ animation Flash ont été développées.

En plus des Courts métrages , des Longs métrages , des séries télévisées , des GIF animés et d’autres médias dédiés à l’affichage d’images animées, l’animation est également répandue dans les jeux vidéo , les animations graphiques , les interfaces utilisateur et les effets visuels . ^[1]

Le mouvement physique des parties de l’image par le biais de mécanismes simples – par exemple des images en mouvement dans des spectacles de lanternes magiques – peut également être considéré comme une animation. La manipulation mécanique de marionnettes et d’objets tridimensionnels pour imiter des êtres vivants a une très longue histoire dans les automates . Les automates électroniques ont été popularisés par Disney sous le nom d’ animatroniques .

Étymologie

Le mot “animation” vient du latin “animātiōn”, racine de “animātiō”, signifiant “un don de vie”. ^[2] Le sens principal du mot anglais est “vivacité” et est utilisé depuis bien plus longtemps que le sens de “support d’image en mouvement”.

Histoire

Avant la cinématographie

Nr. 10 dans la deuxième série retravaillée des disques stroboscopiques de Stampfer publiée par Trentsensky & Vieweg en 1833.

Des centaines d’années avant l’introduction de la véritable animation, les gens du monde entier appréciaient des spectacles avec des personnages en mouvement créés et manipulés manuellement dans des marionnettes , des automates , des jeux d’ombres et la lanterne magique . Les spectacles de fantasmagorie multimédia qui étaient très populaires dans les théâtres européens de la fin du XVIIIe siècle à la première moitié du XIXe siècle, présentaient des projections réalistes de fantômes en mouvement et d’autres images effrayantes en mouvement.

Un praxinoscope à projection , de 1882, ici représenté superposant une figure animée sur une scène d’arrière-plan projetée séparément

En 1833, le disque stroboscopique (mieux connu sous le nom de phénakisticope ) introduit le principe de l’animation moderne avec des images séquentielles qui sont montrées une à une en succession rapide pour former une illusion d’optique de films cinématographiques. Des séries d’images séquentielles avaient parfois été réalisées sur des milliers d’années, mais le disque stroboscopique a fourni la première méthode pour représenter de telles images en mouvement fluide et, pour la première fois, les artistes ont créé des séries avec une décomposition systématique appropriée des mouvements. Le principe d’animation stroboscopique a également été appliqué dans le zootrope (1866), le flip book (1868) et le praxinoscope(1877). Une animation typique du XIXe siècle contenait environ 12 images qui étaient affichées en boucle continue en faisant tourner manuellement un appareil. Le flip book contenait souvent plus d’images et avait un début et une fin, mais son animation ne durait pas plus de quelques secondes. Le premier à créer des séquences beaucoup plus longues semble avoir été Charles-Émile Reynaud , qui entre 1892 et 1900 eut beaucoup de succès avec ses Pantomimes Lumineuses de 10 à 15 minutes .

L’ère du silence

Lorsque la cinématographie a finalement fait son apparition en 1895 après que les images animées aient été connues pendant des décennies, l’émerveillement des détails réalistes dans le nouveau médium était considéré comme sa plus grande réussite. L’animation sur Film n’a été commercialisée que quelques années plus tard par les fabricants de jouets optiques, avec des boucles de Film de chromolithographie (souvent tracées à partir d’images en direct) pour des lanternes magiques jouets adaptées destinées aux enfants à utiliser à la maison. Il faudra encore quelques années avant que l’animation n’atteigne les salles de cinéma.

Après des expériences antérieures des pionniers du cinéma J. Stuart Blackton , Arthur Melbourne-Cooper , Segundo de Chomón et Edwin S. Porter (entre autres), The Haunted Hotel (1907) de Blackton a été le premier énorme succès en stop motion , déconcertant le public en montrant des objets. qui se sont apparemment déplacés d’eux-mêmes dans tous les détails photographiques, sans aucun signe de trucage de scène connu.

Fantasmagorie (1908) d’ Émile Cohl

La Fantasmagorie d’ Émile Cohl (1908) est le plus ancien exemple connu de ce que l’on appelle l’animation traditionnelle (dessinée à la main) . D’autres grands Courts métrages artistiques et très influents ont été créés par Ladislas Starevich avec ses animations de marionnettes depuis 1910 et par Winsor McCay avec des animations dessinées détaillées dans des films tels que Little Nemo (1911) et Gertie the Dinosaur (1914).

Au cours des années 1910, la production de « dessins animés » est devenue une industrie aux États-Unis. ^[3] Le producteur à succès John Randolph Bray et l’animateur Earl Hurd ont breveté le processus d’animation cel qui a dominé l’industrie de l’animation pendant le reste du siècle. ^{[4] [5]} Félix le chat , qui a fait ses débuts en 1919, est devenu la première superstar animée.

4:15CC Feline Follies with Felix the Cat , muet, 1919

L’âge d’or américain

En 1928, Steamboat Willie , mettant en vedette Mickey Mouse et Minnie Mouse , popularise le cinéma avec son synchronisé et place le studio de Walt Disney à la pointe de l’industrie de l’animation.

L’énorme succès de Mickey Mouse est considéré comme le début de l’ âge d’or de l’animation américaine qui durera jusqu’aux années 1960. Les États-Unis ont dominé le marché mondial de l’animation avec une pléthore de Courts métrages de théâtre animés par cel. Plusieurs studios introduiraient des personnages qui deviendraient très populaires et auraient des carrières durables, notamment Walt Disney Productions ‘ Goofy (1932) et Donald Duck (1934), Warner Bros. Cartoons ‘ Looney Tunes personnages comme Porky Pig (1935), Daffy Canard (1937), Bugs Bunny (1938-1940), Titi (1941-1942), Sylvester le chat(1945), Wile E. Coyote et Road Runner (1949), Fleischer Studios / Paramount Cartoon Studios ‘ Betty Boop (1930), Popeye (1933), Superman (1941) et Casper (1945), Tom and Jerry (1940) et Droopy , Walter Lantz Productions / Universal Studio Cartoons ‘ Woody Woodpecker (1940), Terrytoons / 20th Century Fox ‘s Gandy Goose (1938), Dinky Duck (1939), Mighty Mouse(1942) et Heckle and Jeckle (1946) et Pink Panther des United Artists (1963).

Fonctionnalités avant CGI

Le dessinateur italo-argentin Quirino Cristiani montrant la figure coupée et articulée de son personnage satirique El Peludo (basé sur le président Yrigoyen ) breveté en 1916 pour la réalisation de ses films, dont le premier long métrage d’animation au monde El Apóstol . ^[6]

En 1917, le réalisateur italo-argentin Quirino Cristiani réalise le premier long métrage El Apóstol (aujourd’hui perdu ), qui devient un succès critique et commercial. Il a été suivi par Sin dejar rastros de Cristiani en 1918, mais un jour après sa première, le Film a été confisqué par le gouvernement.

Après avoir travaillé dessus pendant trois ans, Lotte Reiniger a sorti le long métrage d’animation allemand Die Abenteuer des Prinzen Achmed en 1926, le plus ancien long métrage d’animation existant.

En 1937, Walt Disney Studios a créé son premier long métrage d’animation, Blanche-Neige et les Sept Nains , l’un des Longs métrages d’animation traditionnels les plus rentables en mai 2020 ^[update]. ^{[7] [8]} Les studios Fleischer ont suivi cet exemple en 1939 avec Les Voyages de Gulliver avec un certain succès. En partie à cause de la fermeture des marchés étrangers par la Seconde Guerre mondiale, les prochains Longs métrages de Disney, Pinocchio , Fantasia (tous deux de 1940) et le deuxième long métrage d’animation de Fleischer Studios, Mr. Bug Goes to Town (1941-1942), ont échoué au box-office. Pendant des décennies, Disney sera le seul studio américain à produire régulièrement des Longs métrages d’animation, jusqu’à ce queRalph Bakshi est devenu le premier à publier également plus d’une poignée de fonctionnalités. Sullivan-Bluth Studios a commencé à produire régulièrement des Longs métrages d’animation à partir de An American Tail en 1986.

Bien que relativement peu de titres aient connu autant de succès que les Longs métrages de Disney, d’autres pays ont développé leurs propres industries de l’animation qui ont produit à la fois des animations théâtrales courtes et de Longs métrages dans une grande variété de styles, incluant relativement souvent des techniques d’animation en stop motion et en découpe . Le studio d’animation russe Soyuzmultfilm , fondé en 1936, produisait en moyenne 20 films (y compris des Courts métrages) par an et atteignait 1 582 titres en 2018. La Chine, la Tchécoslovaquie/République tchèque, l’Italie, la France et la Belgique étaient d’autres pays qui sortaient plus qu’occasionnellement des Longs métrages. , tandis que le Japon est devenu une véritable centrale de production d’animation, avec son propre style d’ anime reconnaissable et influent d’ animation limitée efficace.

Télévision

L’animation est devenue très populaire à la télévision depuis les années 1950, lorsque les téléviseurs ont commencé à devenir courants dans la plupart des pays développés. Les dessins animés étaient principalement programmés pour les enfants, sur des plages horaires pratiques, et en particulier les jeunes américains passaient de nombreuses heures à regarder Les dessins animés du samedi matin . De nombreux dessins animés classiques ont trouvé une nouvelle vie sur le petit écran et à la fin des années 1950, la production de nouveaux dessins animés a commencé à passer des sorties en salles aux séries télévisées. Hanna-Barbera Productions était particulièrement prolifique et avait d’énormes séries à succès, telles que Les Pierrafeu (1960-1966) (la première série animée aux heures de grande écoute), Scooby-Doo (depuis 1969) et la coproduction belge Les Schtroumpfs(1981-1989). Les contraintes de la programmation télévisée américaine et la demande d’une quantité énorme ont entraîné des méthodes d’animation limitées moins chères et plus rapides et des scripts beaucoup plus stéréotypés. La qualité a diminué jusqu’à ce que des animations plus audacieuses fassent surface à la fin des années 1980 et au début des années 1990 avec des séries à succès telles que Les Simpsons (depuis 1989) dans le cadre d’une «renaissance» de l’animation américaine.

Alors que les séries animées américaines ont également engendré des succès à l’échelle internationale, de nombreux autres pays ont produit leur propre programmation axée sur les enfants, préférant relativement souvent le stop motion et les marionnettes à l’animation cel. Les séries télévisées animées japonaises ont connu un grand succès à l’échelle internationale depuis les années 1960, et les producteurs européens à la recherche d’animateurs cel abordables ont relativement souvent lancé des coproductions avec des studios japonais, ce qui a donné lieu à des séries à succès telles que Barbapapa (Pays-Bas/Japon/France 1973-1977), Wickie und die starken Männer/小さなバイキング ビッケ (Vicky le Viking) (Autriche/Allemagne/Japon 1974) et The Jungle Book (Italie/Japon 1989).

Passer des cellulos aux ordinateurs

L’animation par ordinateur s’est progressivement développée depuis les années 1940. L’animation filaire 3D a commencé à apparaître dans le courant dominant dans les années 1970, avec une première (courte) apparition dans le thriller de science-fiction Futureworld (1976).

The Rescuers Down Under a été le premier long métrage à être entièrement créé numériquement sans caméra. ^[9] Il a été produit dans un style très similaire à l’Animation cellulo traditionnelle sur le système de production d’animation par ordinateur (CAPS), développé par The Walt Disney Company en collaboration avec Pixar à la fin des années 1980.

Le style dit 3D, plus souvent associé à l’animation par ordinateur, est devenu extrêmement populaire depuis Toy Story de Pixar (1995), le premier long métrage animé par ordinateur dans ce style.

La plupart des studios d’animation cel sont passés à la production de films d’animation principalement par ordinateur vers les années 1990, car cela s’est avéré moins cher et plus rentable. Non seulement le style d’animation 3D très populaire a été généré avec des ordinateurs, mais aussi la plupart des films et des séries avec une apparence artisanale plus traditionnelle, dans laquelle les caractéristiques charmantes de l’animation cel pouvaient être émulées avec un logiciel, tandis que de nouveaux outils numériques aidaient à développer nouveaux styles et effets. ^{[10] [11] [12] [13] [14] [15]}

Statut économique

En 2010, le marché de l’animation était estimé à environ 80 milliards de dollars américains. ^[16] En 2020, la valeur était passée à environ 270 milliards de dollars américains. ^[17] Les Longs métrages d’animation ont généré les marges brutes les plus élevées (environ 52 %) de tous les genres cinématographiques entre 2004 et 2013. ^[18] L’animation en tant qu’art et industrie continue de prospérer au début des années 2020.

Éducation, propagande et publicités

La clarté de l’animation en fait un puissant outil d’enseignement, tandis que sa totale malléabilité permet également une exagération qui peut être employée pour transmettre des émotions fortes et déjouer la réalité. Il a donc été largement utilisé à d’autres fins que le simple divertissement.

Pendant la Seconde Guerre mondiale, l’animation a été largement exploitée à des fins de propagande. De nombreux studios américains , dont Warner Bros. et Disney, ont prêté leurs talents et leurs personnages de dessins animés pour transmettre au public certaines valeurs guerrières. Certains pays, dont la Chine, le Japon et le Royaume-Uni, ont produit leur premier long métrage d’animation pour leurs efforts de guerre.

L’animation a été très populaire dans les publicités télévisées, à la fois en raison de son attrait graphique et de l’humour qu’elle peut apporter. Certains personnages animés dans les publicités ont survécu pendant des décennies, comme Snap, Crackle et Pop dans les publicités pour les céréales de Kellogg. ^[19] Le légendaire réalisateur d’animation Tex Avery a été le producteur des premières publicités Raid ” Kills Bugs Dead ” en 1966, qui ont eu beaucoup de succès pour l’entreprise. ^[20]

Autres médias, marchandises et parcs à thème

Outre leur succès dans les salles de cinéma et les séries télévisées, de nombreux personnages de dessins animés se révéleraient également extrêmement lucratifs lorsqu’ils étaient autorisés pour toutes sortes de marchandises et pour d’autres médias.

L’animation a traditionnellement été très étroitement liée aux Bandes dessinées . Alors que de nombreux personnages de Bandes dessinées ont trouvé leur chemin vers l’écran (ce qui est souvent le cas au Japon, où de nombreux mangas sont adaptés en anime ), des personnages animés originaux apparaissent également couramment dans les Bandes dessinées et les magazines. De manière quelque peu similaire, les personnages et les intrigues des jeux vidéo (un support d’animation interactif) ont été dérivés de films et vice versa.

Une partie du contenu original produit pour l’écran peut être utilisé et commercialisé dans d’autres médias. Les histoires et les images peuvent facilement être adaptées dans des livres pour enfants et d’autres médias imprimés. Des chansons et de la musique sont apparues sur des disques et sous forme de médias en continu.

Alors que de très nombreuses sociétés d’animation exploitent commercialement leurs créations en dehors des supports d’images animées, The Walt Disney Company en est l’exemple le plus connu et le plus extrême. Depuis sa première licence pour une tablette d’écriture pour enfants en 1929, leur mascotte Mickey Mouse a été représentée sur une énorme quantité de produits , tout comme de nombreux autres personnages Disney. Cela a peut-être influencé une certaine utilisation péjorative du nom de Mickey , mais les produits Disney sous licence se vendent bien, et le soi-disant Disneyana compte de nombreux collectionneurs passionnés, et même un fanclub dédié à Disneyana (depuis 1984).

Disneyland a ouvert ses portes en 1955 et propose de nombreuses attractions basées sur les personnages de dessins animés de Disney. Son énorme succès a donné naissance à plusieurs autres parcs à thème et centres de villégiature Disney . Les revenus de Disney provenant des parcs à thème ont été relativement souvent plus élevés que ceux de leurs films.

Critique

La critique de l’animation est courante dans les médias et le cinéma depuis sa création. Avec sa popularité, de nombreuses critiques ont émergé, notamment les Longs métrages d’animation. ^[21] De nombreuses préoccupations concernant la représentation culturelle et les effets psychologiques sur les enfants ont été soulevées autour de l’industrie de l’animation, qui est restée plutôt politiquement inchangée et stagnante depuis son introduction dans la culture dominante. ^[22]

Récompenses

Comme pour toute autre forme de média, l’animation a institué des prix d’excellence dans le domaine. Beaucoup font partie de programmes de récompenses cinématographiques généraux ou régionaux, comme le Golden Rooster Award de la meilleure animation de Chine (depuis 1981). Les programmes de récompenses dédiés à l’animation, avec de nombreuses catégories, incluent les Annie Awards de l’ ASIFA-Hollywood , les Emile Awards en Europe et les Anima Mundi Awards au Brésil.

Oscars

Outre les Oscars du meilleur court métrage d’animation (depuis 1932) et du meilleur long métrage d’animation (depuis 2002), les films d’animation ont été nominés et récompensés dans d’autres catégories, relativement souvent pour la meilleure chanson originale et la meilleure musique originale .

La Belle et la Bête a été le premier Film d’animation nominé pour le meilleur Film , en 1991. Up (2009) et Toy Story 3 (2010) ont également reçu des nominations pour le meilleur Film, après que l’Académie a augmenté le nombre de nominés de cinq à dix.

Production

Joie & Héron

La création d’œuvres d’animation non triviales (c’est-à-dire plus longues que quelques secondes) s’est développée comme une forme de cinéma , avec certains aspects uniques. ^[23] Les traits communs aux Longs métrages d’action et d’animation sont l’intensité de la main-d’œuvre et les coûts de production élevés. ^[24]

La différence la plus importante est qu’une fois qu’un Film est en phase de production, le coût marginal d’un plan supplémentaire est plus élevé pour les films d’animation que pour les films d’action réelle. ^[25] Il est relativement facile pour un réalisateur de demander une prise de plus pendant la prise de vue principale d’un Film d’action réelle, mais chaque prise d’un Film d’animation doit être rendue manuellement par des animateurs (bien que la tâche de rendre des prises légèrement différentes ait été rendue moins fastidieuse par l’animation informatique moderne). ^[26] Il est inutile pour un studio de payer les salaires de dizaines d’animateurs pour passer des semaines à créer une scène visuellement éblouissante de cinq minutes si cette scène ne parvient pas à faire avancer efficacement l’intrigue du Film. ^[27]Ainsi, les studios d’animation à commencer par Disney ont commencé dans les années 1930 à maintenir des départements d’histoire où les artistes du storyboard développent chaque scène à travers des storyboards , puis ne remettent le Film aux animateurs qu’après que l’équipe de production est convaincue que toutes les scènes ont un sens en tant que entier. ^[28] Alors que les films d’action en direct sont désormais également scénarisés, ils bénéficient de plus de latitude pour s’écarter des scénarimages (c’est-à-dire l’improvisation en temps réel). ^[29]

Un autre problème propre à l’animation est l’exigence de maintenir la cohérence d’un Film du début à la fin, même si les films se sont allongés et les équipes se sont agrandies. Les animateurs, comme tous les artistes, ont nécessairement des styles individuels, mais doivent subordonner leur individualité de manière cohérente au style employé sur un Film particulier. ^[30] Depuis le début des années 1980, des équipes d’environ 500 à 600 personnes, dont 50 à 70 sont des animateurs, ont généralement créé des Longs métrages d’animation. Il est relativement facile pour deux ou trois artistes d’assortir leurs styles ; synchroniser celles de dizaines d’artistes est plus difficile. ^[31]

Ce problème est généralement résolu en demandant à un groupe distinct d’artistes de développement visuel de développer une apparence et une palette globales pour chaque Film avant le début de l’animation. Les concepteurs de personnages de l’équipe de développement visuel dessinent des feuilles de modèle pour montrer à quoi chaque personnage devrait ressembler avec différentes expressions faciales, posés dans différentes positions et vus sous différents angles. ^{[32] [33]} Sur les projets traditionnellement animés, les maquettes étaient souvent sculptées pour aider davantage les animateurs à voir à quoi ressembleraient les personnages sous différents angles. ^{[34] [32]}

Contrairement aux films d’action réelle, les films d’animation étaient traditionnellement développés au-delà du stade du synopsis via le format du storyboard ; les artistes du storyboard recevraient alors un crédit pour l’écriture du Film. ^[35] Au début des années 1960, les studios d’animation ont commencé à embaucher des scénaristes professionnels pour écrire des scénarios (tout en continuant à utiliser des départements d’histoire) et les scénarios étaient devenus monnaie courante pour les films d’animation à la fin des années 1980.

Techniques

Traditionnel

Un exemple d’animation traditionnelle, un cheval animé par rotoscopie à partir des photos du XIXe siècle d’ Eadweard Muybridge .

L’animation traditionnelle (également appelée animation cel ou animation dessinée à la main) était le processus utilisé pour la plupart des films d’animation du XXe siècle. ^[36] Les images individuelles d’un Film d’animation traditionnel sont des photographies de dessins, d’abord dessinées sur papier. ^[37] Pour créer l’illusion du mouvement, chaque dessin diffère légèrement du précédent. Les dessins des animateurs sont tracés ou photocopiés sur des feuilles d’acétate transparentes appelées cels , ^[38] qui sont remplies de peintures dans des couleurs ou des tons attribués sur le côté opposé aux dessins au trait. ^[39] Les cellulos de personnages terminés sont photographiés un par un sur un fond peint par une caméra à tribune sur un Film cinématographique.^[40]

Le processus traditionnel d’animation cel est devenu obsolète au début du 21e siècle. Aujourd’hui, les dessins des animateurs et les arrière-plans sont soit numérisés, soit dessinés directement dans un système informatique. ^{[1] [41]} Divers logiciels sont utilisés pour colorer les dessins et simuler le mouvement et les effets de la caméra. ^[42] La pièce animée finale est sortie sur l’un des nombreux supports de diffusion, y compris le Film 35 mm traditionnel et les nouveaux supports avec vidéo numérique . ^{[43] [1]} Le “look” de l’Animation cellulo traditionnelle est toujours préservé, et le travail des animateurs de personnages est resté essentiellement le même au cours des 70 dernières années. ^[34]Certains producteurs d’animation ont utilisé le terme « tradigital » (un jeu sur les mots «traditionnel» et «numérique») pour décrire l’Animation cellulo qui utilise une technologie informatique importante.

Des exemples de Longs métrages d’animation traditionnels incluent Pinocchio (États-Unis, 1940), ^[44] Animal Farm (Royaume-Uni, 1954), Lucky and Zorba (Italie, 1998) et The Illusionist (britannique-français, 2010). Les films d’animation traditionnels produits à l’aide de la technologie informatique incluent Le Roi Lion (États-Unis, 1994), Le Prince d’Égypte (États-Unis, 1998), Akira (Japon, 1988), ^[45] Spirited Away (Japon, 2001), The Triplets de Belleville (France, 2003) et The Secret of Kells (irlando-français-belge, 2009).

Plein

L’animation complète fait référence au processus de production de films d’animation traditionnellement de haute qualité qui utilisent régulièrement des dessins détaillés et des mouvements plausibles, ^[46] ayant une animation fluide. ^[47] Des films entièrement animés peuvent être réalisés dans une variété de styles, allant d’œuvres animées plus réalistes comme celles produites par le studio Walt Disney ( La Petite Sirène , La Belle et la Bête , Aladdin , Le Roi Lion ) à des œuvres plus « dessinées » styles du studio d’animation Warner Bros. De nombreuses fonctionnalités animées de Disney sont des exemples d’animation complète, tout comme les œuvres non Disney, The Secret of NIMH(États-Unis, 1982), The Iron Giant (États-Unis, 1999) et Nocturna (Espagne, 2007). Les films entièrement animés sont animés à 24 images par seconde, avec une combinaison d’animation sur un et deux, ce qui signifie que les dessins peuvent être conservés pendant une image sur 24 ou deux images sur 24. ^[48]

Limité

Une animation limitée implique l’utilisation de dessins et de méthodes de mouvement moins détaillés ou plus stylisés, généralement une animation de mouvement saccadée ou “skippy”. ^[49] L’animation limitée utilise moins de dessins par seconde, limitant ainsi la fluidité de l’animation. C’est une technique plus économique. Lancée par les artistes du studio américain United Productions of America ^[50] ,l’animation limitée peut être utilisée comme méthode d’expression artistique stylisée, comme dans Gerald McBoing-Boing (États-Unis, 1951), Yellow Submarine (Royaume-Uni, 1968) et certains anime produits au Japon. ^[51]Son utilisation principale, cependant, a été la production de contenu animé rentable pour les médias pour la télévision (le travail de Hanna-Barbera, ^[52] Filmation , ^[53] et d’autres studios d’animation télévisée ^[54] ) et plus tard Internet ( web dessins animés ).

Rotoscopie

La rotoscopie est une technique brevetée par Max Fleischer en 1917 où les animateurs tracent le mouvement en direct, image par image. ^[55] Le Film source peut être directement copié des contours des acteurs dans des dessins animés, ^[56] comme dans Le Seigneur des anneaux (US, 1978), ou utilisé de manière stylisée et expressive, comme dans Waking Life (US, 2001) et A Scanner Darkly (États-Unis, 2006). D’autres exemples sont Fire and Ice (États-Unis, 1983), Heavy Metal (1981) et Aku no Hana (Japon, 2013).

Mélange d’action en direct

L’action / animation en direct est une technique combinant des personnages dessinés à la main en plans d’action en direct ou des acteurs en action en direct en plans animés. ^[57] L’une des utilisations antérieures était dans Koko le clown lorsque Koko a été dessiné sur des images en direct. ^[58] Walt Disney et Ub Iwerks ont créé une série d’ Alice Comedies (1923–1927), dans lesquelles une fille d’action réelle entre dans un monde animé. D’autres exemples incluent Allegro Non Troppo (Italie, 1976), Qui a encadré Roger Rabbit (États-Unis, 1988), Volere volare (Italie 1991), Space Jam (États-Unis, 1996) et Osmosis Jones (États-Unis, 2001).

Stop motion

L’animation image par image est utilisée pour décrire une animation créée en manipulant physiquement des objets du monde réel et en les photographiant une image de Film à la fois pour créer l’illusion de mouvement. ^[59] Il existe de nombreux types d’animation image par image, généralement nommés d’après le support utilisé pour créer l’animation. ^[60] Les logiciels informatiques sont largement disponibles pour créer ce type d’animation ; L’animation stop-motion traditionnelle est généralement moins chère mais plus longue à produire que l’animation par ordinateur actuelle. ^[60]

Animation de marionnettes Implique généralement des figures de marionnettes en stop-motion interagissant dans un environnement construit, contrairement à l’interaction du monde réel dans l’animation de modèles. ^[61] Les marionnettes ont généralement une armature à l’intérieur d’elles pour les maintenir immobiles et stables afin de contraindre leur mouvement à des articulations particulières. ^[62] Les exemples incluent The Tale of the Fox (France, 1937), The Nightmare Before Christmas (États-Unis, 1993), Corpse Bride (États-Unis, 2005), Coraline (États-Unis, 2009), les films de Jiří Trnka et l’animation pour adultes série télévisée sketch-comédie Robot Chicken (États-Unis, 2005-présent). Marionnette Créés à l’aide de techniques développées par George Pal , ^[63] sont des films d’animation de marionnettes qui utilisent généralement une version différente d’une marionnette pour différentes images, plutôt que de simplement manipuler une marionnette existante. ^[64] Une scène d’animation en argile d’une publicité télévisée finlandaise Animation d’argile ou animation de pâte à modeler (Souvent appelé claymation , qui est cependant un nom de marque ). Il utilise des figures faites d’argile ou d’un matériau malléable similaire pour créer une animation en stop-motion. ^{[59] [65]} Les figures peuvent avoir une armature ou un fil de fer à l’intérieur, similaire à l’animation de marionnettes associée (ci-dessous), qui peut être manipulée pour poser les figures. ^[66] Alternativement, les figures peuvent être entièrement faites d’argile, dans les films de Bruce Bickford , où les créatures d’argile se transforment en une variété de formes différentes. Des exemples d’œuvres animées d’argile incluent The Gumby Show(États-Unis, 1957-1967), Mio Mao (Italie, 1974-2005), les Courts métrages Morph (Royaume-Uni, 1977-2000), les Courts métrages Wallace et Gromit (Royaume-Uni, à partir de 1989), Dimensions of Dialogue de Jan Švankmajer ( Tchécoslovaquie , 1982), The Trap Door (Royaume-Uni, 1984). Les films incluent Wallace & Gromit : La malédiction du lapin-garou , Chicken Run et Les aventures de Mark Twain . ^[67] Animation découpée en strates Le plus souvent, une forme d’animation d’argile dans laquelle un long “pain” d’argile ressemblant à du pain, serré à l’intérieur et chargé d’images variées, est découpé en fines feuilles, la caméra d’animation prenant une image de l’extrémité du pain pour chaque coupé, révélant finalement le mouvement des images internes à l’intérieur. ^[68] Animation de découpe Type d’animation image par image produite en déplaçant des morceaux de papier ou de tissu en deux dimensions. ^[69] Les exemples incluent les séquences animées de Terry Gilliam du Flying Circus de Monty Python (Royaume-Uni, 1969–1974); Fantastic Planet (France/Tchécoslovaquie, 1973) ; Tale of Tales (Russie, 1979), L’épisode pilote de la série télévisée pour adultes (et parfois en épisodes) de South Park (États-Unis, 1997) et le clip Live for the moment, du groupe Verona Riots (produit par Alberto Serrano et Nívola Uyá, Espagne 2014). Animations de silhouettes Une variante d’animation découpée dans laquelle les personnages sont rétro-éclairés et uniquement visibles sous forme de silhouettes. ^[70] Citons par exemple Les Aventures du Prince Ahmed ( République de Weimar , 1926) et Princes et Princesses (France, 2000). Animation du modèle Fait référence à une animation en stop-motion créée pour interagir avec et exister dans le cadre d’un monde d’action réelle. ^[71] Les effets de matte et les écrans divisés entrecoupés sont souvent utilisés pour mélanger des personnages ou des objets en stop-motion avec des acteurs et des décors en direct. ^[72] Les exemples incluent le travail de Ray Harryhausen , comme on le voit dans les films, Jason and the Argonauts (1963), ^[73] et le travail de Willis H. O’Brien sur les films, King Kong (1933). Allez mouvement Une variante de l’animation de modèle qui utilise diverses techniques pour créer un flou de mouvement entre les images du Film, qui n’est pas présent dans le stop motion traditionnel. ^[74] La technique a été inventée par Industrial Light & Magic et Phil Tippett pour créer des scènes d’ effets spéciaux pour le Film The Empire Strikes Back (1980). ^[75] Un autre exemple est le dragon nommé “Vermithrax” du Film de 1981 Dragonslayer . ^[76] Animation d’objet Fait référence à l’utilisation d’objets inanimés réguliers dans l’animation image par image, par opposition à des éléments spécialement créés. ^[77] Animation graphique Utilise du matériel graphique visuel plat non dessiné (photographies, coupures de journaux, magazines, etc.), qui est parfois manipulé image par image pour créer du mouvement. ^[78] À d’autres moments, les graphiques restent immobiles, tandis que la caméra en stop-motion est déplacée pour créer une action à l’écran. Film de brique Un sous-genre d’animation d’objets impliquant l’utilisation de Lego ou d’autres jouets en briques similaires pour créer une animation. ^{[79] [80]} Ceux-ci ont récemment gagné en popularité avec l’avènement des sites de partage de vidéos, YouTube et la disponibilité de caméras bon marché et de logiciels d’animation . ^[81] Pixilisation Implique l’utilisation d’humains vivants comme personnages en stop-motion. ^[82] Cela permet un certain nombre d’effets surréalistes, y compris des disparitions et des réapparitions, permettant aux gens de sembler glisser sur le sol, et d’autres effets. ^[82] Des exemples de pixilation incluent les Courts métrages The Secret Adventures of Tom Thumb et Angry Kid , et les Voisins primés aux Oscars de Norman McLaren .

Ordinateur

L’animation par ordinateur englobe une variété de techniques, le facteur unificateur étant que l’animation est créée numériquement sur un ordinateur. ^{[42] [83]} Les techniques d’animation 2D ont tendance à se concentrer sur la manipulation d’images tandis que les techniques 3D construisent généralement des mondes virtuels dans lesquels les personnages et les objets se déplacent et interagissent. ^[84] L’animation 3D peut créer des images qui semblent réelles au spectateur. ^[85]

2D Une animation 2D de deux cercles reliés par une chaîne

Les figures d’animation 2D sont créées ou modifiées sur l’ordinateur à l’aide de graphiques bitmap 2D et de graphiques vectoriels 2D . ^[86] Cela inclut les versions informatisées automatisées des techniques d’animation traditionnelles, le morphing interpolé , ^[87] la pelure d’oignon ^[88] et la rotoscopie interpolée. L’animation 2D a de nombreuses applications, notamment l’animation informatique analogique , l’animation Flash et l’animation PowerPoint . Les cinémagraphes sont des photographies fixes sous la forme d’un fichier GIF animé dont une partie est animée. ^[89]

L’animation par advection de ligne finale est une technique utilisée dans l’animation 2D ^[90] pour donner aux artistes et aux animateurs plus d’influence et de contrôle sur le produit final car tout est fait dans le même département. ^[91] Parlant de l’utilisation de cette approche dans Paperman , John Kahrs a déclaré que “Nos animateurs peuvent changer les choses, effacer la sous-couche CG s’ils le souhaitent et modifier le profil du bras.” ^[92]

3D

L’animation 3D est modélisée numériquement et manipulée par un animateur. Le créateur de modèles 3D commence généralement par créer un maillage de polygones 3D que l’animateur doit manipuler. ^[93] Un maillage comprend généralement de nombreux sommets reliés par des arêtes et des faces, qui donnent l’apparence visuelle de la forme à un objet 3D ou à un environnement 3D. ^[93] Parfois, le maillage reçoit une structure squelettique numérique interne appelée armature qui peut être utilisée pour contrôler le maillage en pondérant les sommets. ^{[94] [95]} Ce processus est appelé truquage et peut être utilisé en conjonction avec des images clés pour créer du mouvement. ^[96]

D’autres techniques peuvent être appliquées, les fonctions mathématiques (par exemple, la gravité, les simulations de particules), la fourrure ou les cheveux simulés, et les effets, les simulations de feu et d’eau . ^[97] Ces techniques entrent dans la catégorie de la dynamique 3D. ^[98]

termes

• L’animation Cel-shaded est utilisée pour imiter l’animation traditionnelle à l’aide d’un logiciel informatique. ^[99] L’ombrage semble austère, avec moins de mélange de couleurs. Les exemples incluent Skyland (2007, France), The Iron Giant (1999, États-Unis), Futurama (1999, États-Unis) Appleseed Ex Machina (2007, Japon), The Legend of Zelda: The Wind Waker (2002, Japon), The Legend of Zelda : Breath of the Wild (2017, Japon)
• Machinima – Films créés par capture d’écran dans les jeux vidéo et les mondes virtuels. Le terme provient de l’introduction du logiciel dans la démoscene des années 1980 , ainsi que des enregistrements des années 1990 duvidéo de tir à la première personne Quake .
• La capture de mouvement est utilisée lorsque les acteurs d’action réelle portent des combinaisons spéciales qui permettent aux ordinateurs de copier leurs mouvements en caractères CG. ^{[100] [101]} Les exemples incluent Polar Express (2004, États-Unis), Beowulf (2007, États-Unis), A Christmas Carol (2009, États-Unis), Les Aventures de Tintin (2011, États-Unis) kochadiiyan (2014, Inde)
• L’animation par ordinateur est principalement utilisée pour l’animation qui tente de ressembler à la vie réelle, en utilisant un rendu avancé qui imite en détail la peau, les plantes, l’eau, le feu, les nuages, etc. ^[102] Les exemples incluent Up (2009, US), How to Train Your Dragon (2010, États-Unis)
• L’animation physique est une animation utilisant des simulations informatiques . ^[103]

Mécanique

• L’ animatronique est l’utilisation de la mécatronique pour créer des machines qui semblent animées plutôt que robotiques.
  • Audio-Animatronics et Autonomatronics est une forme d’ animation robotique , combinée à une animation 3D, créée par Walt Disney Imagineering pour que les spectacles et les attractions des parcs à thème Disney bougent et fassent du bruit (généralement un discours ou une chanson enregistré). ^[104] Ils sont fixés à tout ce qui les supporte. Ils peuvent s’asseoir et se tenir debout, et ils ne peuvent pas marcher. Un Audio-Animatron est différent d’un robot de type androïde en ce qu’il utilise des mouvements et des sons préenregistrés, plutôt que de répondre à des stimuli externes. En 2009, Disney a créé une version interactive de la technologie appelée Autonomatronics. ^[105]
  • Le générateur d’animation linéaire est une forme d’animation utilisant des cadres d’images statiques installés dans un tunnel ou un puits. L’illusion d’animation est créée en mettant le spectateur dans un mouvement linéaire, parallèle aux cadres d’image installés. ^[106] Le concept et la solution technique ont été inventés en 2007 par Mihai Girlovan en Roumanie.
• Chuckimation est un type d’animation créé par les créateurs de la série télévisée Action League Now! dans lequel des personnages / accessoires sont lancés, ou jetés hors caméra ou agités pour simuler une conversation par des mains invisibles. ^[107]
• La lanterne magique utilisait des diapositives mécaniques pour projeter des images en mouvement, probablement depuis que Christiaan Huygens a inventé ce premier projecteur d’images en 1659.

Autre

L’ hydrotechnique World of Color à Disney California Adventure crée l’illusion de mouvement à l’aide de 1 200 fontaines avec des projections haute définition sur des écrans de brume.

• Hydrotechnique : une technique qui intègre la lumière, l’eau, le feu, le brouillard et les lasers, avec des projections haute définition sur des écrans de brume.
• Dessiné sur Film d’animation : une technique où le métrage est produit en créant les images directement sur la pellicule ; par exemple, par Norman McLaren , ^[108] Len Lye et Stan Brakhage .
• Animation peinture sur verre : une technique de réalisation de films d’animation en manipulant des peintures à l’huile à séchage lent sur des feuilles de verre, ^[109] par exemple par Aleksandr Petrov .
• Animation d’effacement : une technique utilisant des médias 2D traditionnels, photographiée au fil du temps au fur et à mesure que l’artiste manipule l’image. Par exemple, William Kentridge est célèbre pour ses films d’effacement au fusain ^[110] et Piotr Dumała pour sa technique d’auteur d’animation de rayures sur du plâtre.
• Animation d’écran d’épingles : utilise un écran rempli d’épingles mobiles qui peuvent être déplacées vers l’intérieur ou l’extérieur en appuyant sur un objet sur l’écran. ^[111] L’écran est éclairé sur le côté afin que les épingles projettent des ombres. La technique a été utilisée pour créer des films d’animation avec une gamme d’effets de texture difficiles à obtenir avec l’Animation cellulo traditionnelle. ^[112]
• Animation de sable : du sable est déplacé sur une vitre rétro- éclairée ou frontale pour créer chaque image d’un Film d’animation. ^[113] Cela crée un effet intéressant lorsqu’il est animé en raison du contraste de lumière . ^[114]
• Flip book : un flip book (parfois, surtout en anglais britannique, appelé flick book) est un livre avec une série d’images qui varient progressivement d’une page à l’autre, de sorte que lorsque les pages sont tournées rapidement, les images semblent animer en simulant un mouvement ou un autre changement. ^{[115] [116]} Les flip books sont souvent des livres illustrés pour enfants, ^[117] ils sont également destinés aux adultes et emploient une série de photographies plutôt que des dessins. Les flip books ne sont pas toujours des livres séparés, ils apparaissent comme une fonctionnalité supplémentaire dans les livres ou magazines ordinaires, souvent dans les coins de page. ^[115] Des progiciels et des sites Web sont également disponibles pour convertir des fichiers vidéo numériques en flip books personnalisés. ^[118]
• Animation de personnage
• Multi-croquis
• Animations d’ effets spéciaux

Voir également

• Portail des animations

• Douze principes de base de l’animation
• Film de guerre d’animation
• Département Animations
• Série animée
• Animation architecturale
• Avar
• Animation indépendante
• Journée internationale de l’animation
• Association internationale du Film d’animation
• Tournée Internationale d’Animation
• Liste des sujets liés au cinéma
• Conception graphique animée
• Société d’études d’animation
• Modèle filaire

Références

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Liens externes

• Réalisation d’un court métrage d’animation de 8 minutes
• “Animando” , un Film de 12 minutes démontrant 10 techniques d’animation différentes (et enseignant comment les utiliser).
• Bibliographie sur l’animation – Site “Histoire de la télévision”
• Animation à Curlie

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