Cinéma hollywoodien classique

Le cinéma hollywoodien classique est un terme utilisé dans la critique cinématographique pour décrire à la fois un style de réalisation narratif et visuel qui est devenu caractéristique du cinéma américain entre les années 1910 (rapidement après la Première Guerre mondiale ) et les années 1960. ^[4] Il est finalement devenu le style de cinéma le plus puissant et le plus répandu au monde. ^[5] Les termes similaires ou associés incluent le récit hollywoodien classique , l’âge d’or d’Hollywood , le vieil Hollywood et la continuité classique . ^[6]

Cinéma hollywoodien classique

Le classique du cinéma Casablanca (1942) avec Humphrey Bogart et Ingrid Bergman
Années actives	1910-1960
Pays	États-Unis
influence	La Renaissance Réalisme théâtral Mélodrame [1] Vaudville [2] Expressionnisme allemand [3]
Influencé	Nouvel Hollywood Nouvelle Vague française

Développement du style classique

Premier film narratif (1894-1913)

Pendant des siècles, la seule norme visuelle de l’art de la narration narrative était le théâtre . Depuis les premiers films narratifs au milieu des années 1890, les cinéastes ont cherché à capturer la puissance du théâtre en direct sur l’écran de cinéma. La plupart de ces cinéastes ont commencé comme réalisateurs sur la scène de la fin du 19ème siècle, et de même la plupart des acteurs de cinéma avaient des racines dans le vaudeville (par exemple The Marx Brothers ^[7]) ou des mélodrames théâtraux. Visuellement, les premiers films narratifs s’étaient peu adaptés de la scène, et leurs récits s’étaient très peu adaptés du vaudeville et du mélodrame. Avant le style visuel qui deviendrait connu sous le nom de “continuité classique”, les scènes étaient filmées en plein plan et utilisaient une mise en scène soigneusement chorégraphiée pour dépeindre les relations entre l’intrigue et les personnages. La technique d’édition était extrêmement limitée et consistait principalement en des gros plans d’écriture sur des objets pour leur lisibilité.

La maturation des films muets (1913 – fin des années 1920)

Capture d’ écran du cœur maternel Affiche de sortie en salles pour Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925)

Bien que dépourvu de la réalité inhérente à la scène, le film (contrairement à la scène) offre la liberté de manipuler le temps et l’espace apparents, et ainsi de créer l’illusion de réalisme – c’est-à-dire la linéarité temporelle et la continuité spatiale. Au début des années 1910, alors que les générations perdues devenaient majeures, le cinéma commençait à réaliser son potentiel artistique. En Suède et au Danemark, cette période sera plus tard connue sous le nom de «l’âge d’or» du film; en Amérique, ce changement artistique est attribué à des cinéastes comme DW Griffith qui ont finalement brisé l’emprise de l’ Edison Trustréaliser des films indépendamment du monopole de fabrication. Les films du monde entier ont commencé à adopter sensiblement des éléments visuels et narratifs que l’on retrouverait dans le cinéma hollywoodien classique. 1913 a été une année particulièrement fructueuse pour le médium, car des réalisateurs pionniers de plusieurs pays ont produit des chefs-d’œuvre tels que The Mothering Heart (DW Griffith), Ingeborg Holm ( Victor Sjöström ) et L’enfant de Paris ( Léonce Perret ) qui ont établi de nouvelles normes pour le film comme forme de narration. C’est aussi l’année où Yevgeni Bauer (le premier véritable cinéaste, selon Georges Sadoul ^[8] ) débute sa courte mais prolifique carrière. ^[9]

Dans le monde en général et en Amérique en particulier, l’influence de Griffith sur le cinéma était inégalée. Tout aussi influents étaient ses acteurs dans l’adaptation de leurs performances au nouveau médium. Lillian Gish , la star de The Mothering Heart , est particulièrement connue pour son influence sur les techniques de performance à l’écran. L’épopée de 1915 de Griffith, La naissance d’une nation , a été révolutionnaire pour le cinéma en tant que moyen de narration – un chef-d’œuvre de la narration littéraire avec de nombreuses techniques visuelles innovantes ^{[ citation nécessaire ]} . Le film a initié tant d’avancées dans le cinéma américain qu’il est devenu obsolète en quelques années. ^[dix]Bien que 1913 ait été un jalon mondial pour le cinéma, 1917 était principalement américain; l’ère du “cinéma hollywoodien classique” se distingue par un style narratif et visuel qui a commencé à dominer le médium cinématographique en Amérique en 1917. ^[11]

Le cinéma hollywoodien classique à l’ère du son (fin des années 1920 – années 1960)

Le style narratif et visuel du style hollywoodien classique s’est développé après la transition vers la production de films sonores. Les principaux changements dans le cinéma américain sont venus de l’industrie cinématographique elle-même, avec l’apogée du système des studios . Ce mode de production, avec son star système régnant promu par plusieurs studios clés, ^[12] avait précédé le son de plusieurs années. Au milieu des années 1920, la plupart des réalisateurs et acteurs américains de premier plan, qui travaillaient indépendamment depuis le début des années 1910, devaient faire partie du nouveau système de studios pour continuer à travailler.

Le début de l’ère du son lui-même est défini de manière ambiguë. Pour certains, cela a commencé avec The Jazz Singer , sorti en 1927, lorsque les Interbellum Generationers sont devenus majeurs et ont augmenté les bénéfices au box-office des films à mesure que le son était introduit dans les longs métrages. ^[13] Pour d’autres, l’ère a commencé en 1929, lorsque l’âge du silence a définitivement pris fin. ^[14] La plupart des images hollywoodiennes de la fin des années 1920 aux années 1960 adhéraient étroitement à un genre – western, comédie burlesque , comédie musicale, dessin animé et biopic (image biographique) – et les mêmes équipes créatives travaillaient souvent sur des films réalisés par le même studio. Par exemple, Cedric Gibbons et Herbert Stotharttoujours travaillé sur des Films MGM ; Alfred Newman a travaillé à la 20th Century Fox pendant vingt ans ; Les films de Cecil B. DeMille ont presque tous été réalisés à Paramount Pictures ; ^[15] et les films du réalisateur Henry King ont été principalement réalisés pour la Twentieth Century Fox. De même, les acteurs étaient pour la plupart des joueurs sous contrat. Les historiens et les critiques du cinéma notent qu’il a fallu environ une décennie pour que les films s’adaptent au son et reviennent au niveau de qualité artistique des muets, ce qu’ils ont fait à la fin des années 1930 lorsque les plus grands générations sont devenues majeures. ^{[ citation nécessaire ]} .

De nombreuses grandes œuvres cinématographiques qui ont émergé de cette période étaient des réalisations cinématographiques très réglementées. L’une des raisons pour lesquelles cela a été possible est qu’avec tant de films en cours de réalisation, tous ne devaient pas forcément être un grand succès. Un studio pourrait parier sur un long métrage à budget moyen avec un bon scénario et des acteurs relativement inconnus. Ce fut le cas avec Citizen Kane (1941), réalisé par Orson Welles et considéré par certains comme le plus grand film de tous les temps. ^{[ citation nécessaire ]} D’autres réalisateurs déterminés, comme Howard Hawks , Alfred Hitchcock et Frank Capra, ont combattu les studios afin de réaliser leurs visions artistiques. L’apogée du système de studio a peut-être été l’année 1939, qui a vu la sortie de classiques tels que Le Magicien d’Oz ; Autant en emporte le vent ; Le Bossu de Notre-Dame ; diligence ; M. Smith va à Washington ; Destry chevauche à nouveau ; le jeune M. Lincoln ; Hauteurs de Wuthering ; Seuls les anges ont des ailes ; Ninotchka ; Beau Geste ; Bébés dans les bras ; Gunga Din ; Les Femmes ; Au revoir, M. Chips ; etLes années folles . ^[16]

Style

Le style visuel-narratif du cinéma hollywoodien classique, tel qu’élaboré par David Bordwell , ^[17] a été fortement influencé par les idées de la Renaissance et sa résurgence de l’humanité comme point central. Elle se distingue à trois niveaux généraux : les dispositifs, les systèmes et les relations de systèmes.

Dispositifs

Les dispositifs les plus inhérents au cinéma hollywoodien classique sont ceux du montage en continuité . Cela inclut la règle des 180 degrés , l’un des principaux éléments visuels et spatiaux de l’édition de continuité. La règle des 180 degrés reste fidèle au style de “jeu photographié” en créant un axe imaginaire à 180 degrés entre le spectateur et la prise de vue, permettant aux spectateurs de s’orienter clairement dans la position et la direction de l’action dans une scène. Selon la règle des 30 degrés , les coupes dans l’angle sous lequel la scène est vue doivent être suffisamment importantes pour que le spectateur comprenne le but d’un changement de perspective. Coupes qui ne respectent pas la règle des 30 degrés, appelées coupes sautées, perturbent l’illusion de continuité temporelle entre les plans. Les règles des 180 degrés et des 30 degrés sont des lignes directrices élémentaires dans le cinéma qui ont précédé le début officiel de l’ère classique de plus d’une décennie, comme on le voit dans le film français pionnier de 1902 Un voyage sur la lune . Les techniques de coupe dans l’édition de continuité classique servent à établir ou à maintenir la continuité, comme dans la coupe croisée , qui établit la concurrence de l’action à différents endroits. Les coupes sautées sont autorisées sous la forme de la coupe axiale , qui ne modifie en rien l’angle de prise de vue, mais a pour objectif clair de montrer une perspective plus proche ou plus éloignée du sujet, et n’interfère donc pas avec la continuité temporelle. ^[18]

Systèmes

Logique narrative

La narration classique progresse toujours par motivation psychologique, c’est-à-dire par la volonté d’un personnage humain et sa lutte avec des obstacles vers un but défini. Cet élément narratif est généralement composé d’un récit primaire (par exemple une romance) entrelacé avec un ou plusieurs récits secondaires. Ce récit est structuré avec un début, un milieu et une fin sans équivoque, et généralement il y a une résolution distincte. L’utilisation d’acteurs, d’événements, d’effets de causalité, de points principaux et de points secondaires sont les caractéristiques de base de ce type de récit. Les personnages du cinéma hollywoodien classique ont des traits clairement définissables, sont actifs et très axés sur les objectifs. Ce sont des agents causaux motivés par des préoccupations psychologiques plutôt que sociales. ^[5]Le récit est une chaîne de cause à effet avec des agents causaux – dans le style classique, les événements ne se produisent pas au hasard.

Temps cinématographique

Le temps dans Hollywood classique est continu, linéaire et uniforme, puisque la non-linéarité attire l’attention sur le fonctionnement illusoire du médium. La seule manipulation autorisée de l’heure dans ce format est le flashback . Il est principalement utilisé pour introduire une séquence de mémoire d’un caractère, par exemple , Casablanca . ^[19]

Espace cinématographique

La plus grande règle de la continuité classique concernant l’espace est la permanence de l’objet : le spectateur doit croire que la scène existe en dehors du plan du cadre cinématographique pour maintenir le réalisme de l’image. Le traitement de l’espace dans l’Hollywood classique s’efforce de dépasser ou de dissimuler la bidimensionnalité du film (« style invisible ») et est fortement centré sur le corps humain. La majorité des plans d’un film classique se concentrent sur les gestes ou les expressions faciales ( plans moyens-longs et moyens ). André Bazin a un jour comparé le film classique à une pièce photographiée en ce sens que les événements semblent exister objectivement et que les caméras ne nous donnent que la meilleure vue de toute la pièce. ^[20]

Ce traitement de l’espace comporte quatre aspects principaux : le centrage, l’équilibre, la frontalité et la profondeur. Les personnes ou les objets d’importance sont pour la plupart dans la partie centrale du cadre de l’image et ne sont jamais flous. L’équilibrage fait référence à la composition visuelle, c’est-à-dire que les personnages sont répartis uniformément dans le cadre. L’action est subtilement tournée vers le spectateur (frontalité) et le décor , l’éclairage (surtout trois points , surtout l’éclairage high-key ) et les costumes sont conçus pour séparer le premier plan de l’arrière-plan (profondeur).

Relations de systèmes

Les aspects d’espace et de temps sont subordonnés à l’élément narratif.

Critique

Ce style de cinéma n’est pas sans critiques, allant des stéréotypes raciaux (en particulier des Afro-Américains ) ^{[21] [22]} au manque de réalisme qui a abouti à un cinéma post-WWII plus réaliste . ^{[23] [24] [25]}

Héritage

Le Nouvel Hollywood des années 1960-70 a été influencé par le romantisme de l’ère classique ^[26] , tout comme la Nouvelle Vague française . ^[27]

Voir également

• New Hollywood – âge qui se chevauche / se succède de 1965 à 1983
• Âge d’or de la télévision – âge qui se chevauche de 1947 à 1957
• Âge d’or de l’animation américaine – âge qui se chevauche de 1928 à 1969
• Poverty Row – Films B à cette époque
• Cinéma maximaliste et minimaliste
• Film moderniste

Références

1. ^ “Essai de cinéma hollywoodien classique et post-classique – Histoire Hollywo” . www.123helpme.com . Archivé de l’original le 9 novembre 2018 . Consulté le 9 novembre 2018 .
2. ^ “L’art ancien du cinéma Falling DownVaudeville entre Hollywood et la Chine” . Centre de ressources MCLC . 29 août 2017. Archivé de l’original le 15 décembre 2017 . Consulté le 14 décembre 2017 .
3. ^ [1] Archivé le 2 mai 2019 au Wayback Machine German Expressionist Cinema – The World of Light and Shadow-Columbia University Press
4. ^ “Musique et cinéma, Hollywood classique” . Bibliographies d’Oxford en ligne . Presse universitaire d’Oxford. Archivé de l’original le 11 avril 2020 . Consulté le 4 décembre 2019 .
5. ^ ^{un b} Goldburg, Michael. “Cinéma hollywoodien classique (archives Internet)” . Archivé de l’original le 31 mai 2007 . Récupéré le 31 mai 2007 .
6. ^ Le style narratif classique d’Hollywood au département d’histoire de l’ Université de San Diego .
7. ^ “Les Marx Brothers – Spectacles de Vaudeville” . Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
8. ↑ Georges Sadoul. Всеобщая история кино. Moscou, Iskustvo, 1958. Т. 3. p. 178
9. ^ [2] Archivé le 29 août 2017 à la Wayback Machine Evgenii Bauer (1865–1917)
10. ^ Brownlow, Kevin (1968). Le défilé est passé… , University of California Press, p. 78. ISBN 0-520-03068-0 .
11. ^ “1917: L’année qui a changé les films – Le Festival du film muet de San Francisco” . Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
12. ^ “L’Étoile – Annenberg Learner” . Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
13. ^ “L’âge d’or d’Hollywood : Films, Acteurs et Actrices ***” . www.american-historama.org . Archivé de l’original le 26 juillet 2018 . Consulté le 26 juillet 2018 .
14. ^ “Expérimentalisme expressif dans le cinéma muet 1926–1929-Lucia Maria Pier” . Archivé de l’original le 26 juillet 2018 . Consulté le 26 juillet 2018 .
15. ^ “Le système de studio – Annenberg Learner” . Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
16. ^ “Les 25 meilleurs films de 1939 : un retour sur “La plus grande année dans les films” | Enquête sur les films” . 3 juin 2019. Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
17. ^ Bordwell, David; Staiger, Janet; Thompson, Kristin (1985): Le cinéma hollywoodien classique. Style de film et mode de production jusqu’en 1960. New York : Columbia University Press. 1–59
18. ^ “Édition de continuité dans la fenêtre arrière d’Hitchcock” . slideshare.net. Archivé de l’original le 11 juin 2010 . Consulté le 7 avril 2010 .
19. ^ “Le Style Hollywood – Apprenti Annenberg” . Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
20. ^ Bordwell : 24
21. ^ “Le chanteur de jazz (1927) | Bibliothèque UC Berkeley” . Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
22. ^ “Pourquoi vous ne devriez pas regarder La naissance d’une nation (ET POURQUOI VOUS DEVRIEZ) | Les sourcils tenus haut sur YouTube” . Youtube . Archivé de l’original le 24 juin 2021 . Consulté le 18 juin 2021 .
23. ^ “Le modèle narratif classique contre le modèle de film d’art (moderniste)” (PDF) . Archivé (PDF) de l’original le 19 août 2019 . Consulté le 30 juin 2021 .
24. ^ Kokonis, Michalis. “La crise majeure d’Hollywood et le film américain “Renaissance” ” (PDF) . Archivé (PDF) de l’original le 12 avril 2019 . Récupéré le 27 mai 2019 .
25. ^ “L’idée de” narration hollywoodienne classique “dérive de The Classical Hollywood Cinema (1985), de David Bordwell, Janet Staiger et Kristin Thompson” . Archivé de l’original le 27 mai 2019 . Consulté le 27 mai 2019 .
26. ^ “Nouveau Hollywood -JT Esterkamp – Moyen” . Archivé de l’original le 17 juillet 2018 . Consulté le 29 janvier 2020 .
27. ^ “La Nouvelle Vague française: L’Influence des Influenceurs – La Scène du Film” . 28 mai 2010. Archivé de l’original le 29 janvier 2020 . Consulté le 29 janvier 2020 .

Lectures complémentaires

• Bordwell, David ; Staiger, Janet ; Thompson, Kristin (1985). Le cinéma hollywoodien classique . New York : presse universitaire de Columbia. ISBN 0-231-06055-6.
• Davis, Blair (2012). La bataille pour les B: Hollywood des années 1950 et la renaissance du cinéma à petit budget . New Jersey : Presse universitaire Rutgers. ISBN 978-0813552538.
• Fawell, John. (2008) L’art caché d’Hollywood . Westport Conn. : Presse Praeger.
• McGilligan, Patrick (1985). Backstory 1: Entretiens avec des scénaristes de l’âge d’or d’Hollywood (n ° 1) . Presse de l’Université de Californie. ISBN 978-0520056893.
• Sel, Barry . Style de film et technologie : histoire et analyse .
• Dixon, Wheeler Winston (2013). Cinéma en marge . Hymne presse. ISBN 978-0-85728-186-9.

Liens externes

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• portail des années 1960

• David Bordwell et Kristin Thompson, “Joyeux anniversaire, cinéma classique !” , 28 décembre 2007. Analyse de la continuité classique dans le cinéma narratif de 1917 à nos jours.
• Les films-L’âge d’or d’Hollywood.com
• L’âge d’or d’Hollywood: Crash Course Film History # 11 par Crash Course sur YouTube