Théâtre musical

Le théâtre musical est une forme de performance théâtrale qui combine des chansons, des dialogues parlés , du jeu d’acteur et de la danse. L’histoire et le contenu émotionnel d’une comédie musicale – humour, pathétique , amour, colère – sont communiqués à travers les mots, la musique, le mouvement et les aspects techniques du divertissement comme un tout intégré. Bien que le théâtre musical chevauche d’autres formes théâtrales comme l’opéra et la danse, il se distingue par l’importance égale accordée à la musique par rapport au dialogue, au mouvement et à d’autres éléments. Depuis le début du XXe siècle, les œuvres de théâtre musical sont généralement appelées, simplement, comédies musicales .

The Black Crook était une comédie musicale à succès en 1866. ^[1]

Bien que la musique fasse partie des présentations dramatiques depuis l’Antiquité, le théâtre musical occidental moderne a émergé au XIXe siècle, avec de nombreux éléments structurels établis par les œuvres de Gilbert et Sullivan en Grande-Bretagne et celles de Harrigan et Hart en Amérique. Viennent ensuite les nombreuses comédies musicales édouardiennes et les œuvres de théâtre musical de créateurs américains comme George M. Cohan au tournant du XXe siècle. Les comédies musicales du Princess Theatre (1915-1918) ont été des avancées artistiques au-delà des revues et autres divertissements mousseux du début du XXe siècle et ont conduit à des œuvres révolutionnaires telles que Show Boat(1927), De toi je chante (1931) et Oklahoma ! (1943). Certaines des comédies musicales les plus célèbres des décennies suivantes incluent My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1985), The Phantom of the Opera (1986 ), Rent (1996), The Producers (2001), Wicked (2003) et Hamilton (2015). En 2020-2021, de nombreuses productions de théâtre musical ont été fermées en raison de la pandémie de COVID-19 .

Les comédies musicales sont jouées dans le monde entier. Ils peuvent être présentés dans de grandes salles, telles que des productions à gros budget de Broadway ou du West End à New York ou à Londres. Alternativement, les comédies musicales peuvent être mises en scène dans des salles plus petites, telles que des théâtres marginaux , off-Broadway , off-off-Broadway , des théâtres régionaux ou des productions de théâtre communautaire , ou en tournée . Les comédies musicales sont souvent présentées par des groupes amateurs et scolaires dans des églises, des écoles et d’autres lieux de représentation. Outre les États-Unis et la Grande-Bretagne, il existe des scènes de théâtre musical dynamiques en Europe continentale, en Asie, en Australasie, au Canada et en Amérique latine.

Définitions et champ d’application

Livre comédies musicales

A Gaiety Girl (1893) a été l’une des premières comédies musicales à succès

Depuis le 20ème siècle, le “livre musical” a été défini comme une pièce musicale où les chansons et les danses sont pleinement intégrées dans une histoire bien faite avec des objectifs dramatiques sérieux capables d’évoquer de véritables émotions autres que le rire. ^{[2] [3]} Les trois composants principaux d’un livre musical sont sa musique , ses paroles et son livre . Le livre ou le scénario d’une comédie musicale fait référence à l’histoire, au développement du personnage et à la structure dramatique, y compris le dialogue parlé et les indications scéniques, mais il peut également faire référence au dialogue et aux paroles ensemble, parfois appelés livret (en italien pour ” petit livre”). La musique et les paroles forment ensemble la partitiond’une comédie musicale et comprennent des chansons, de la musique accessoire et des scènes musicales, qui sont «des séquences théâtrales mises en musique, combinant souvent une chanson avec un dialogue parlé». ^[4] L’interprétation d’une comédie musicale relève de la responsabilité de son équipe de création, qui comprend un metteur en scène , un directeur musical , généralement un chorégraphe et parfois un orchestrateur . La production d’une comédie musicale est également caractérisée de manière créative par des aspects techniques, tels que la scénographie , les costumes , les propriétés scéniques (accessoires) , l’éclairage et le son .. L’équipe créative, les conceptions et les interprétations changent généralement de la production originale aux productions suivantes. Certains éléments de production, cependant, peuvent être retenus de la production originale, par exemple, la chorégraphie de Bob Fosse à Chicago .

Il n’y a pas de durée fixe pour une comédie musicale. Bien que cela puisse aller d’un court divertissement en un acte à plusieurs actes et plusieurs heures (ou même une présentation de plusieurs soirées), la plupart des comédies musicales durent entre une heure et demie et trois heures. Les comédies musicales sont généralement présentées en deux actes, avec un court entracte, et le premier acte est souvent plus long que le second. Le premier acte présente généralement presque tous les personnages et la plupart de la musique et se termine souvent par l’introduction d’un conflit dramatique ou d’une complication de l’intrigue tandis que le deuxième acte peut introduire quelques nouvelles chansons mais contient généralement des reprises de thèmes musicaux importants et résout le conflit. ou complications. Un livre musical est généralement construit autour de quatre à six thèmes principaux qui sont repris plus tard dans le spectacle, bien qu’il se compose parfois d’une série de chansons sans rapport musical direct. Le dialogue parlé est généralement entrecoupé de numéros musicaux, bien que le “dialogue chanté” ou le récitatif puisse être utilisé, en particulier dans les comédies musicales dites ” chantées ” telles que Jesus Christ Superstar ,Falsettos , Les Misérables , Evita et Hamilton . Plusieurs comédies musicales plus courtes à Broadway et dans le West End ont été présentées en un seul acte au cours des dernières décennies.

Les moments de plus grande intensité dramatique dans un livre musical sont souvent interprétés en chanson. Proverbialement, “quand l’émotion devient trop forte pour parler, tu chantes; quand elle devient trop forte pour chanter, tu danses.” ^[5] Dans un livre musical, une chanson est idéalement conçue pour convenir au personnage (ou aux personnages) et à leur situation dans l’histoire; bien qu’il y ait eu des moments dans l’histoire de la comédie musicale (par exemple des années 1890 aux années 1920) où cette intégration entre la musique et l’histoire a été ténue. Comme le critique du New York Times , Ben Brantley , a décrit l’idéal de la chanson au théâtre lors de l’examen de la reprise de Gypsy en 2008.: “Il n’y a aucune séparation entre la chanson et le personnage, c’est ce qui se passe dans ces moments rares où les comédies musicales s’élèvent pour atteindre leurs raisons d’être idéales.” ^[6] En règle générale, beaucoup moins de mots sont chantés dans une chanson de cinq minutes que dans un bloc de dialogue de cinq minutes. Par conséquent, il y a moins de temps pour développer le drame dans une comédie musicale que dans une pièce de théâtre droite de durée équivalente, car une comédie musicale consacre généralement plus de temps à la musique qu’au dialogue. Dans la nature compressée d’une comédie musicale, les auteurs doivent développer les personnages et l’intrigue.

Le matériel présenté dans une comédie musicale peut être original ou adapté de romans ( Wicked et Man of La Mancha ), de pièces de théâtre ( Hello, Dolly! et Carousel ), de légendes classiques ( Camelot ), d’événements historiques ( Evita ) ou de films ( Les Producteurs et Billy Elliot ). D’autre part, de nombreuses œuvres de théâtre musical à succès ont été adaptées pour des films musicaux , tels que West Side Story , My Fair Lady , The Sound of Music , Oliver ! et Chicago .

Comparaisons avec l’opéra

Georges Gershwin

Le théâtre musical est étroitement lié à la forme théâtrale de l’ opéra , mais les deux se distinguent généralement en pesant un certain nombre de facteurs. Premièrement, les comédies musicales mettent généralement davantage l’accent sur le dialogue parlé. ^[7] Certaines comédies musicales, cependant, sont entièrement accompagnées et chantées, tandis que certains opéras, tels que Die Zauberflöte , et la plupart des opérettes , ont des dialogues non accompagnés. ^[7] Deuxièmement, les comédies musicales incluent généralement plus de danse comme partie essentielle de la narration, en particulier par les interprètes principaux ainsi que par le chœur. Troisièmement, les comédies musicales utilisent souvent divers genres de musique populaire ou au moins des styles de chant et de musique populaires. ^[8]

Enfin, les comédies musicales évitent généralement certaines conventions d’opéra. En particulier, une comédie musicale est presque toujours interprétée dans la langue de son public. Les comédies musicales produites à Broadway ou dans le West End, par exemple, sont invariablement chantées en anglais, même si elles ont été écrites à l’origine dans une autre langue. Alors qu’un chanteur d’opéra est avant tout un chanteur et seulement secondairement un acteur (et a rarement besoin de danser), un interprète de théâtre musical est souvent un acteur d’abord mais doit également être un chanteur et un danseur. Quelqu’un qui est également accompli dans les trois cas est qualifié de “triple menace”. Les compositeurs de musique pour comédies musicales considèrent souvent les exigences vocales des rôles en pensant aux interprètes de théâtre musical. Aujourd’hui, les grands théâtres qui mettent en scène des comédies musicales utilisent généralement des microphones et une amplificationdes voix chantées des acteurs d’une manière qui serait généralement désapprouvée dans un contexte d’opéra. ^[9]

Certaines œuvres (par exemple de George Gershwin , Leonard Bernstein et Stephen Sondheim ) ont été transformées en productions de “théâtre musical” et “d’opéra”. ^{[10] [11]} De même, certaines opérettes ou opéras légers plus anciens (tels que Les Pirates de Penzance de Gilbert et Sullivan ) ont été produits dans des adaptations modernes qui les traitent comme des comédies musicales. Pour certaines œuvres, les styles de production sont presque aussi importants que le contenu musical ou dramatique de l’œuvre pour définir à quelle forme d’art appartient la pièce. ^[12]Sondheim a déclaré: “Je pense vraiment que quand quelque chose joue à Broadway, c’est une comédie musicale, et quand ça joue dans un opéra, c’est de l’opéra. C’est tout. C’est le terrain, la campagne, les attentes du public qui en font une chose ou une autre. ” ^[13] Il reste un chevauchement de forme entre des formes d’opéra plus légères et des comédies musicales plus complexes ou ambitieuses sur le plan musical. Dans la pratique, il est souvent difficile de faire la distinction entre les différents types de théâtre musical, y compris la “pièce musicale”, la “comédie musicale”, l'”Opérette” et l'”opéra léger”. ^[14]

Comme l’opéra, le chant dans le théâtre musical est généralement accompagné d’un ensemble instrumental appelé orchestre de fosse , situé dans une zone surbaissée devant la scène. Alors que l’opéra utilise généralement un orchestre symphonique conventionnel , les comédies musicales sont généralement orchestrées pour des ensembles allant de 27 musiciens à quelques musiciens seulement . Les comédies musicales rock emploient généralement un petit groupe d’ instruments principalement rock , ^[15] et certaines comédies musicales peuvent ne nécessiter qu’un piano ou deux instruments. ^[16] La musique dans les comédies musicales utilise une gamme de “styles et d’influences, y compris l’ Opérette , les techniques classiques, la musique folklorique, le jazz [et] les styles locaux ou historiques [qui] sont appropriés au cadre.” ^[4] Les comédies musicales peuvent commencer par une ouverture jouée par l’orchestre qui “tisse [es] ensemble des extraits des mélodies célèbres de la partition.” ^[17]

Traditions orientales et autres formes

Interprètes d’opéra chinois

Il existe diverses traditions théâtrales orientales qui incluent la musique, telles que l’opéra chinois , l’opéra taïwanais , le nô japonais et le théâtre musical indien , y compris le théâtre sanskrit , la danse classique indienne , le théâtre Parsi et le Yakshagana . ^[18] L’Inde a, depuis le 20e siècle, produit de nombreux films musicaux, appelés comédies musicales ” Bollywood “, et au Japon, une série de comédies musicales 2.5D basées sur des dessins animés et des mangas populaires s’est développée au cours des dernières décennies.

Des versions “junior” plus courtes ou simplifiées de nombreuses comédies musicales sont disponibles pour les écoles et les groupes de jeunes, et les œuvres très courtes créées ou adaptées pour être interprétées par des enfants sont parfois appelées minimusicals . ^{[19] [20]}

Histoire

Antécédents précoces

Les antécédents du théâtre musical en Europe remontent au théâtre de la Grèce antique , où la musique et la danse étaient incluses dans les comédies et les tragédies au cours du Ve siècle avant notre ère. ^{[21] [22]} La musique des formes anciennes est perdue, cependant, et elles ont eu peu d’influence sur le développement ultérieur du théâtre musical. ^[23] Aux XIIe et XIIIe siècles, des drames religieux enseignent la liturgie . Des groupes d’acteurs utilisaient des wagons extérieurs Pageant (scènes sur roues) pour raconter chaque partie de l’histoire. Les formes poétiques alternaient parfois avec les dialogues en prose, et les chants liturgiques faisaient place à de nouvelles mélodies. ^[24]

Une vue de Rhodes par John Webb , à peindre sur un backshutter pour la première représentation de The Siege of Rhodes (1656)

La Renaissance européenne a vu des formes plus anciennes évoluer vers deux ancêtres du théâtre musical : la commedia dell’arte , où des clowns bruyants improvisent des histoires familières, et plus tard, l’opéra buffa . En Angleterre, les pièces élisabéthaines et jacobines incluaient fréquemment de la musique ^[25] et de courtes pièces musicales ont commencé à être incluses dans les divertissements dramatiques des soirées. ^[26] Les masques de cour se sont développés pendant la période Tudor qui impliquaient de la musique, de la danse, du chant et du théâtre, souvent avec des costumes coûteux et une scénographie complexe . ^{[27] [28]}Ceux-ci se sont développés en pièces chantées qui sont reconnaissables comme des opéras anglais, le premier étant généralement considéré comme Le siège de Rhodes (1656). ^[29] En France, pendant ce temps, Molière a transformé plusieurs de ses comédies farfelues en divertissements musicaux avec des chansons (musique fournie par Jean-Baptiste Lully ) et de la danse à la fin du XVIIe siècle. Ceux-ci ont influencé une brève période d’ opéra anglais ^[30] par des compositeurs tels que John Blow ^[31] et Henry Purcell . ^[29]

À partir du XVIIIe siècle, les formes les plus populaires de théâtre musical en Grande-Bretagne étaient les opéras-ballades , comme The Beggar ‘s Opera de John Gay , qui comprenait des paroles écrites sur des airs de chansons populaires de l’époque (souvent des opéras parodiant), et plus tard la pantomime , qui s’est développé à partir de la commedia dell’arte et de l’opéra comique avec des intrigues principalement romantiques, comme The Bohemian Girl (1845) de Michael Balfe . Pendant ce temps, sur le continent, le singspiel , la Comédie en vaudeville , l’ opéra-comique , la zarzuela et d’autres formes de divertissement musical léger voient le jour.The Beggar’s Opera a été la première pièce de théâtre enregistrée de longue date, avec 62 représentations successives en 1728. Il a fallu près d’un siècle plus tard avant qu’une pièce ne dépasse les 100 représentations, mais le record a rapidement atteint 150 à la fin des années 1820. ^[32] D’autres formes de théâtre musical se sont développées en Angleterre au 19ème siècle, telles que le music-hall , le mélodrame et la burletta , qui ont été popularisées en partie parce que la plupart des théâtres londoniens n’étaient autorisés qu’en tant que music-halls et n’étaient pas autorisés à présenter des pièces sans musique.

L’Amérique coloniale n’a pas eu une présence théâtrale significative jusqu’en 1752, lorsque l’entrepreneur londonien William Hallam a envoyé une compagnie d’acteurs dans les colonies dirigées par son frère Lewis . ^[33] À New York en été 1753, ils ont exécuté des opéras de ballade, tels que l’Opéra du Mendiant et des farces de ballade. ^[33] Dans les années 1840, PT Barnum exploitait un complexe de divertissement dans le bas de Manhattan. ^[34] D’autres premiers théâtres musicaux en Amérique se composaient de formes britanniques, telles que la burletta et la pantomime, ^[23] mais le nom d’une pièce ne définissait pas nécessairement ce qu’elle était. L’ extravagance de Broadway de 1852 The Magic Deers’est annoncé comme “A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment”. ^[35] Le théâtre de New York s’est déplacé progressivement du centre-ville vers le centre-ville à partir de 1850 environ et n’est arrivé dans le quartier de Times Square que dans les années 1920 et 1930. Les tournées new-yorkaises étaient loin derrière celles de Londres, mais la “burletta musicale” Seven Sisters (1860) de Laura Keene a battu le précédent record de théâtre musical new-yorkais, avec une série de 253 représentations. ^[36]

1850 à 1880

Affiche, ch. 1879

Vers 1850, le compositeur français Hervé expérimente une forme de théâtre musical comique qu’il appelle Opérette . ^[37] Les compositeurs d’ Opérette les plus connus sont Jacques Offenbach des années 1850 aux années 1870 et Johann Strauss II dans les années 1870 et 1880. ^[23] Les mélodies fertiles d’Offenbach, combinées à la satire pleine d’esprit de ses librettistes, ont formé un modèle pour le théâtre musical qui a suivi. ^[37] Les adaptations des opérettes françaises (jouées dans des traductions pour la plupart mauvaises et risquées), les burlesques musicaux , le music-hall, la pantomime et la burletta ont dominé la scène musicale londonienne jusque dans les années 1870. ^[38]

En Amérique, les divertissements de théâtre musical du milieu du XIXe siècle comprenaient une revue de variétés brutes , qui s’est finalement transformée en vaudeville , des spectacles de ménestrels , qui ont rapidement traversé l’Atlantique jusqu’en Grande-Bretagne, et du burlesque victorien, d’abord popularisé aux États-Unis par des troupes britanniques. ^[23] Une comédie musicale extrêmement réussie qui a été créée à New York en 1866, The Black Crook , était une pièce de théâtre musical originale qui se conformait à de nombreuses définitions modernes d’une comédie musicale, y compris la danse et la musique originale qui a aidé à raconter l’histoire. La production spectaculaire, célèbre pour ses costumes étriqués, a duré 474 représentations, un record. ^[39] La même année,The Black Domino/Between You, Me and the Post a été le premier spectacle à s’appeler une “comédie musicale”. Les comédiens Edward Harrigan et Tony Hart ont produit et joué dans des comédies musicales à Broadway entre 1878 ( The Mulligan Guard Picnic ) et 1885. Ces comédies musicales présentaient des personnages et des situations tirés de la vie quotidienne des classes inférieures de New York et représentaient un pas en avant significatif vers une plus forme théâtrale légitime . Ils ont joué des chanteurs de grande qualité ( Lillian Russell , Vivienne Segal et Fay Templeton ) au lieu des dames de réputation douteuse qui avaient joué dans des formes musicales antérieures.

Au fur et à mesure que les transports s’amélioraient, que la pauvreté à Londres et à New York diminuait et que l’éclairage des rues rendait les déplacements plus sûrs la nuit, le nombre de clients pour le nombre croissant de théâtres augmenta énormément. Les pièces ont duré plus longtemps, ce qui a entraîné de meilleurs profits et de meilleures valeurs de production, et les hommes ont commencé à amener leur famille au théâtre. La première pièce de théâtre musical à dépasser 500 représentations consécutives fut l’Opérette française The Chimes of Normandy en 1878 ^. diriger les opéras comiques de Gilbert et Sullivan , dont HMS Pinafore (1878) et The Mikado(1885). ^[37] C’étaient des sensations des deux côtés de l’Atlantique et en Australie et ont aidé à élever la norme pour ce qui a été considéré un spectacle réussi. ^[40] Ces spectacles ont été conçus pour un public familial, un contraste marqué avec les burlesques risqués, les spectacles de music-hall de débauche et les opérettes françaises qui attiraient parfois une foule à la recherche de divertissements moins sains. ^[38] Seules quelques pièces musicales du 19ème siècle ont dépassé la série de The Mikado , comme Dorothy , qui a ouvert ses portes en 1886 et a établi un nouveau record avec une série de 931 représentations. L’influence de Gilbert et Sullivan sur le théâtre musical ultérieur a été profonde, créant des exemples de la façon «d’intégrer» des comédies musicales afin que les paroles et le dialogue fassent avancer une histoire cohérente.^{[41] [42]} Leurs œuvres ont été admirées et copiées par les premiers auteurs et compositeurs de comédies musicales en Grande-Bretagne ^{[43] [44]} et en Amérique. ^{[40] [45]}

Des années 1890 au nouveau siècle

Couverture de la partition vocale de Sidney Jones ‘ The Geisha

A Trip to Chinatown (1891) était le champion à long terme de Broadway (jusqu’à Irene en 1919), avec 657 représentations, mais les courses à New York ont ​​continué à être relativement courtes, à quelques exceptions près, par rapport aux courses à Londres, jusqu’aux années 1920. ^[32] Gilbert et Sullivan ont été largement piratés et ont également été imités à New York par des productions telles que Robin Hood de Reginald De Koven (1891) et El Capitan de John Philip Sousa (1896). A Trip to Coontown (1898) fut la première comédie musicale entièrement produite et interprétée par des Afro-Américains à Broadway (largement inspirée des routines des spectacles de ménestrel), suivis de shows teintés de ragtime . Des centaines de comédies musicales ont été mises en scène à Broadway dans les années 1890 et au début du XXe siècle, composées de chansons écrites dans la Tin Pan Alley de New York , dont celles de George M. Cohan , qui a travaillé à créer un style américain distinct des œuvres de Gilbert et Sullivan. Les spectacles new-yorkais les plus réussis étaient souvent suivis de vastes tournées nationales. ^[46]

Pendant ce temps, les comédies musicales ont envahi la scène londonienne dans les années 90 gaies , dirigées par le producteur George Edwardes , qui a perçu que le public voulait une nouvelle alternative aux opéras comiques de style savoyard et à leur satire intellectuelle, politique et absurde. Il a expérimenté un style de théâtre musical moderne et familial, avec des chansons populaires et enjouées, des plaisanteries accrocheuses et romantiques et un spectacle élégant au Gaiety et dans ses autres théâtres. Ceux-ci s’inspiraient des traditions de l’opéra comique et utilisaient des éléments de burlesque et des pièces de Harrigan et Hart. Il a remplacé les femmes paillardes du burlesque par son corps “respectable” de Gaiety Girls pour compléter le plaisir musical et visuel. Le succès du premier d’entre eux,In Town (1892) et A Gaiety Girl (1893) définissent le style des trois décennies suivantes. Les intrigues étaient généralement des spectacles légers et romantiques “la pauvre jeune fille aime l’aristocrate et le gagne contre toute attente”, avec des musiques d’ Ivan Caryll , de Sidney Jones et de Lionel Monckton . Ces spectacles ont été immédiatement largement copiés en Amérique et la comédie musicale édouardienne a balayé les formes musicales antérieures de l’opéra comique et de l’Opérette. La Geisha (1896) a été l’une des plus réussies des années 1890, fonctionnant pendant plus de deux ans et obtenant un grand succès international.

La Belle de New York (1898) est devenue la première comédie musicale américaine à se dérouler pendant plus d’un an à Londres. La comédie musicale britannique Florodora (1899) a été un succès populaire des deux côtés de l’Atlantique, tout comme A Chinese Honeymoon (1901), qui a atteint un record de 1 074 représentations à Londres et 376 à New York. Après le tournant du 20e siècle, Seymour Hicks s’est associé à Edwardes et au producteur américain Charles Frohman pour créer une autre décennie de spectacles populaires. Parmi les autres succès de comédie musicale édouardienne durables, citons The Arcadians (1909) et The Quaker Girl (1910). ^[47]

Début du 20ème siècle

Victor Herbert

Pratiquement éliminées de la scène anglophone par la concurrence des comédies musicales édouardiennes omniprésentes, les opérettes reviennent à Londres et à Broadway en 1907 avec The Merry Widow , et les adaptations d’opérettes continentales deviennent des concurrents directs des comédies musicales. Franz Lehár et Oscar Straus ont composé de nouvelles opérettes qui étaient populaires en anglais jusqu’à la Première Guerre mondiale ^[48] En Amérique, Victor Herbert a produit une série d’opérettes durables, notamment The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Mlle. Modiste (1905), Le Moulin Rouge (1906) et Naughty Marietta (1910).

Dans les années 1910, l’équipe de PG Wodehouse , Guy Bolton et Jerome Kern , suivant les traces de Gilbert et Sullivan , crée les ” Princess Theatre shows” et ouvre la voie aux travaux ultérieurs de Kern en montrant qu’une comédie musicale peut allier légèreté, popularité divertissement avec une continuité entre son histoire et ses chansons. ^[41] L’historien Gerald Bordman a écrit :

Ces spectacles ont construit et poli le moule à partir duquel presque toutes les grandes comédies musicales ultérieures ont évolué. … Les personnages et les situations étaient, dans les limites de la licence de comédie musicale, crédibles et l’humour venait des situations ou de la nature des personnages. Les mélodies délicieusement fluides de Kern ont été utilisées pour faire avancer l’action ou développer la caractérisation. … La comédie musicale [édouardienne] était souvent coupable d’insérer des chansons de manière aléatoire. Les comédies musicales du Princess Theatre ont provoqué un changement d’approche. PG Wodehouse, le parolier le plus observateur, le plus instruit et le plus spirituel de son époque, et l’équipe de Bolton, Wodehouse et Kern ont eu une influence ressentie à ce jour. ^[49]

Le public du théâtre avait besoin de divertissements d’évasion pendant les temps sombres de la Première Guerre mondiale , et ils ont afflué vers le théâtre. La comédie musicale à succès Irene de 1919 a duré 670 représentations, un record de Broadway qui a duré jusqu’en 1938. ^[50] Le public du théâtre britannique a soutenu des séries beaucoup plus longues comme celle de The Maid of the Mountains (1 352 représentations) et surtout Chu Chin Chow . Sa série de 2 238 représentations était plus de deux fois plus longue que n’importe quelle comédie musicale précédente, établissant un record qui a duré près de quarante ans. ^[51] Des revues comme The Bing Boys Are Here in Britain, et celles de Florenz Ziegfeldet ses imitateurs en Amérique, étaient aussi extraordinairement populaires. ^[35]

Partition de Sally , 1920

Les comédies musicales des années folles , empruntant au vaudeville, au music-hall et à d’autres divertissements légers, avaient tendance à mettre l’accent sur les grandes routines de danse et les chansons populaires au détriment de l’intrigue. Typique de la décennie étaient des productions légères comme Sally ; Madame, soyez bonne ; Non, non, Nanette ; Ah Kay ! ; et drôle de tête . Malgré des histoires inoubliables, ces comédies musicales mettaient en vedette des stars telles que Marilyn Miller et Fred Astaire et produisaient des dizaines de chansons populaires durables de Kern, George et Ira Gershwin , Irving Berlin , Cole Porteret Rodgers et Hart . La musique populaire était dominée par les standards du théâtre musical, tels que ” Fascinating Rhythm “, ” Tea for Two ” et ” Someone to Watch Over Me “. De nombreux spectacles étaient des revues , des séries de sketches et des chansons avec peu ou pas de lien entre eux. Les plus connus d’entre eux étaient les Ziegfeld Follies annuelles , des revues spectaculaires de chants et de danses à Broadway avec des décors extravagants, des costumes élaborés et de belles choristes. ^[23] Ces spectacles ont également augmenté les valeurs de production et le montage d’une comédie musicale est généralement devenu plus coûteux. ^[35] Shuffle Along (1921), un tout -afro-américainLe spectacle a été un succès à Broadway. ^[52] Une nouvelle génération de compositeurs d’opérettes a également émergé dans les années 1920, comme Rudolf Friml et Sigmund Romberg , pour créer une série de succès populaires de Broadway. ^[53]

À Londres, des écrivains vedettes comme Ivor Novello et Noël Coward sont devenus populaires, mais la primauté du théâtre musical britannique du XIXe siècle à 1920 a été progressivement remplacée par l’innovation américaine, en particulier après la Première Guerre mondiale, alors que Kern et d’autres compositeurs de Tin Pan Alley ont commencé à introduire de nouveaux styles musicaux tels que le ragtime et le jazz dans les théâtres, et les frères Shubert ont pris le contrôle des théâtres de Broadway. Auteur de théâtre musical Andrew Lambnote: “Les styles lyriques et théâtraux des structures sociales du XIXe siècle ont été remplacés par un style musical plus adapté à la société du XXe siècle et à son idiome vernaculaire. C’est d’Amérique qu’est apparu le style le plus direct, et en Amérique qu’il a été capable de s’épanouir dans une société en voie de développement moins engluée dans la tradition du XIXe siècle.” ^[54] En France, la comédie musicale a été écrite entre dans les premières décennies du siècle pour des étoiles telles qu’Yvonne Printemps . ^[55]

Show Boat et la Grande Dépression

Progressant bien au-delà des comédies musicales relativement frivoles et des opérettes sentimentales de la décennie, Broadway’s Show Boat (1927), représentait une intégration encore plus complète du livre et de la partition que les comédies musicales du Princess Theatre, avec des thèmes dramatiques racontés à travers la musique, le dialogue, le décor et le mouvement. . Cela a été accompli en combinant le lyrisme de la musique de Kern avec le livret habile d’ Oscar Hammerstein II . Un historien a écrit: “Nous arrivons ici à un genre complètement nouveau – la pièce musicale par opposition à la comédie musicale. Maintenant … tout le reste était subordonné à cette pièce. Maintenant … est venue l’intégration complète de la chanson, de l’humour et des numéros de production dans une entité artistique unique et indissociable.” ^[56]

Rodgers et Hart

Lorsque la Grande Dépression s’est installée lors de la tournée nationale post-Broadway de Show Boat , le public s’est tourné vers des divertissements de chant et de danse principalement légers et d’évasion. ^[49] Le public des deux côtés de l’Atlantique avait peu d’argent à dépenser pour le divertissement, et seuls quelques spectacles sur scène n’importe où ont dépassé une série de 500 représentations au cours de la décennie. La revue The Band Wagon (1931) mettait en vedette les partenaires de danse Fred Astaire et sa sœur Adele , tandis que Anything Goes de Porter (1934) confirmait la position d’ Ethel Merman en tant que première dame du théâtre musical, titre qu’elle conserva pendant de nombreuses années. Coward et Novello ont continué à livrer des comédies musicales sentimentales à l’ancienne, telles queThe Dancing Years , tandis que Rodgers et Hart revenaient d’Hollywood pour créer une série de spectacles à succès à Broadway, dont On Your Toes (1936, avec Ray Bolger , la première comédie musicale de Broadway à faire un usage dramatique de la danse classique), Babes in Arms (1937) et Les garçons de Syracuse (1938). Porter a ajouté Du Barry Was a Lady (1939). La pièce de théâtre musical la plus ancienne des années 1930 était Hellzapoppin (1938), une revue avec participation du public, qui a joué pour 1 404 représentations, établissant un nouveau record à Broadway. ^[50]

Pourtant, quelques équipes créatives ont commencé à s’appuyer sur les innovations de Show Boat . Of Thee I Sing (1931), une satire politique des Gershwin, est la première comédie musicale à recevoir le prix Pulitzer . ^{[23] [57]} As Thousands Cheer (1933), une revue d’ Irving Berlin et Moss Hart dans laquelle chaque chanson ou sketch était basé sur un titre de journal, a marqué le premier spectacle de Broadway dans lequel une Afro-Américaine, Ethel Waters , a joué le rôle principal. aux côtés d’acteurs blancs. Les numéros de Waters comprenaient ” Supper Time “, la complainte d’une femme pour son mari qui a été lynché. ^[58] Porgy and Bess des Gershwin (1935) mettait en vedette une distribution entièrement afro-américaine et mélangeait des idiomes d’opéra, de folk et de jazz. The Cradle Will Rock (1937), mis en scène par Orson Welles , était une pièce pro- syndicale hautement politique qui, malgré la controverse qui l’entourait, dura 108 représentations. ^[35] J’aurais plutôt raison (1937) de Rodgers et Hart était une satire politique avec George M. Cohan dans le rôle du président Franklin D. Roosevelt , et Knickerbocker Holiday de Kurt Weill décrivait les débuts de l’histoire de New York tout en faisant la satire avec bonhomie de Roosevelt. bonnes intentions.

Le film a lancé un défi à la scène. Les films muets n’avaient présenté qu’une concurrence limitée, mais à la fin des années 1920, des films comme The Jazz Singer pouvaient être présentés avec un son synchronisé. Les films “talkie” à bas prix ont effectivement tué le vaudeville au début des années 1930. ^[59] Malgré les difficultés économiques des années 1930 et la concurrence du film, la comédie musicale a survécu. En fait, il a continué d’évoluer thématiquement au-delà des comédies musicales gags et showgirls des Gay Nineties et Roaring Twenties et de la romance sentimentale de l’Opérette, ajoutant une expertise technique et la mise en scène rapide et le style de dialogue naturaliste dirigé par le réalisateur George Abbott .. ^[23]

L’âge d’or (des années 1940 aux années 1960)

Rodgers et Hammerstein (gauche et droite) et Irving Berlin (centre) au St.James Theatre en 1948 années 1940

Les années 1940 commenceraient avec plus de succès de Porter, Irving Berlin , Rodgers et Hart, Weill et Gershwin, certains avec plus de 500 représentations alors que l’économie rebondissait, mais un changement artistique était dans l’air.

L’ Oklahoma de Rodgers et Hammerstein ! (1943) a achevé la révolution commencée par Show Boat , en intégrant étroitement tous les aspects du théâtre musical, avec une intrigue cohérente, des chansons qui ont fait avancer l’action de l’histoire, et présenté des ballets de rêve et d’autres danses qui ont fait avancer l’intrigue et développé les personnages , plutôt que d’utiliser la danse comme excuse pour faire défiler des femmes légèrement vêtues sur la scène. ^[3] Rodgers et Hammerstein ont embauché la chorégraphe de ballet Agnes de Mille , qui a utilisé des mouvements quotidiens pour aider les personnages à exprimer leurs idées. Il a défié les conventions musicales en levant le rideau de son premier acte non pas sur une multitude de chorus girls, mais plutôt sur une femme barattant du beurre, avec une voix hors scène chantant les premières lignes deOh, quel beau matin non accompagné. Il a attiré des critiques élogieuses, a déclenché une frénésie au box-office et a reçu un prix Pulitzer . ^[60] Brooks Atkinson a écrit dans le New York Times que le numéro d’ouverture du spectacle a changé l’histoire du théâtre musical : “Après un couplet comme celui-là, chanté sur une mélodie entraînante, les banalités de l’ancienne scène musicale sont devenues intolérables.” ^[61] C’était le premier spectacle “à succès” de Broadway, avec un total de 2 212 représentations, et a été transformé en un film à succès. Il reste l’un des projets les plus fréquemment produits par l’équipe. William A. Everett et Paul R. Laird ont écrit qu’il s’agissait d’un “spectacle, qui, comme Show Boat, est devenu une étape importante, de sorte que les historiens ultérieurs écrivant sur des moments importants du théâtre du XXe siècle commenceraient à identifier les époques en fonction de leur relation avec l’Oklahoma ! “. ^[62]

Mary Martin a joué dans plusieurs succès de Broadway de cette époque

“Après l’Oklahoma ! , Rodgers et Hammerstein ont été les contributeurs les plus importants à la forme de jeu musical … Les exemples qu’ils ont donnés dans la création de pièces vitales, souvent riches en pensée sociale, ont fourni l’encouragement nécessaire à d’autres écrivains doués pour créer des pièces musicales de les leurs”. ^[56] Les deux collaborateurs ont créé une collection extraordinaire de certains des classiques les plus appréciés et les plus durables du théâtre musical, notamment Carousel (1945), South Pacific (1949), The King and I (1951) et The Sound of Music (1959). Certaines de ces comédies musicales traitent de sujets plus sérieux que la plupart des émissions précédentes : le méchant dans l’Oklahoma !est un meurtrier présumé et psychopathe avec un penchant pour les cartes postales obscènes; Carousel traite de la violence conjugale, du vol, du suicide et de l’au-delà; South Pacific explore le métissage encore plus en profondeur que Show Boat ; et le héros de The King and I meurt sur scène.

La créativité du spectacle a stimulé les contemporains de Rodgers et Hammerstein et a inauguré «l’âge d’or» du théâtre musical américain. ^[61] Americana a été montré sur Broadway pendant ” l’Âge d’or “, puisque le cycle de spectacles de temps de guerre a commencé à arriver. Un exemple en est On the Town (1944), écrit par Betty Comden et Adolph Green , composé par Leonard Bernstein et chorégraphié par Jerome Robbins . L’histoire se déroule en temps de guerre et concerne trois marins qui sont en permission à terre de 24 heures à New York, au cours de laquelle chacun tombe amoureux. Le spectacle donne aussi l’impression d’un pays à l’avenir incertain, comme les marins et leurs femmes aussi. IrvingBerlina utilisé la carrière de la tireuse d’élite Annie Oakley comme base pour son Annie Get Your Gun (1946, 1 147 représentations); Burton Lane , EY Harburg et Fred Saidy ont combiné la satire politique avec la fantaisie irlandaise pour leur fantastique Finian’s Rainbow (1947, 725 représentations) ; et Cole Porter a trouvé l’inspiration dans The Taming of the Shrew de William Shakespeare pour Kiss Me, Kate (1948, 1 077 représentations). Les comédies musicales américaines ont submergé les spectacles à l’ancienne de style britannique Coward / Novello, dont l’un des derniers grands succès a été Perchance to Dream de Novello.(1945, 1021 représentations). La formule des comédies musicales de l’âge d’or reflétait une ou plusieurs des quatre perceptions largement répandues du «rêve américain»: cette stabilité et cette valeur découlent d’une relation amoureuse sanctionnée et restreinte par les idéaux protestants du mariage; qu’un couple marié doit faire un foyer moral avec des enfants loin de la ville dans une banlieue ou une petite ville; que la fonction de la femme était celle de femme au foyer et de mère; et que les Américains incorporent un esprit indépendant et pionnier ou que leur succès est autodidacte. ^[63]

années 1950 Julie Andrews avec Richard Burton dans Camelot (1960)

Les années 1950 ont été cruciales pour le développement de la comédie musicale américaine. ^[64] Les personnages éclectiques de Damon Runyon étaient au cœur de Guys and Dolls de Frank Loesser et Abe Burrows (1950, 1 200 représentations) ; et la ruée vers l’or a servi de décor à Paint Your Wagon (1951) d’ Alan Jay Lerner et Frederick Loewe . La durée relativement brève de sept mois de cette émission n’a pas découragé Lerner et Loewe de collaborer à nouveau, cette fois sur My Fair Lady (1956), une adaptation de Pygmalion de George Bernard Shaw avecRex Harrison et Julie Andrews , qui, avec 2 717 représentations, ont détenu le record à long terme pendant de nombreuses années. Des films hollywoodiens populaires ont été réalisés à partir de toutes ces comédies musicales. Deux succès de créateurs britanniques au cours de cette décennie étaient The Boy Friend (1954), qui a duré 2 078 représentations à Londres et a marqué les débuts américains d’Andrews, et Salad Days (1954), avec une série de 2 283 représentations. ^[51]

Un autre record a été établi par The Threepenny Opera , qui a duré 2 707 représentations, devenant la comédie musicale off-Broadway la plus ancienne jusqu’à The Fantasticks . La production a également innové en montrant que les comédies musicales pouvaient être rentables hors de Broadway dans un format à petite échelle et à petit orchestre. Cela a été confirmé en 1959 lorsqu’une reprise de Leave It to Jane de Jerome Kern et PG Wodehouse a duré plus de deux ans. La saison 1959-1960 off-Broadway comprenait une douzaine de comédies musicales et revues dont Little Mary Sunshine , The Fantasticks et Ernest in Love , une adaptation musicale d’ Oscar Wilde .Le succès de 1895 de The Importance of Being Earnest . ^[65]

Léonard Bernstein , 1971

West Side Story (1957) a transporté Roméo et Juliette dans la ville de New York d’aujourd’hui et a converti les familles rivales Montague et Capulet en gangs ethniques opposés, les Jets et les Sharks. Le livre a été adapté par Arthur Laurents , avec la musique de Leonard Bernstein et les paroles du nouveau venu Stephen Sondheim . Il a été adopté par les critiques, mais n’a pas été un choix populaire pour les “dames de la matinée aux cheveux bleus”, qui ont préféré la petite ville de River City, Iowa de The Music Man (1957) de Meredith Willson aux ruelles de Manhattan ‘s Upper West Side. Apparemment Tony Awardles électeurs étaient du même avis, puisqu’ils préféraient les premiers aux seconds. West Side Story a eu une série respectable de 732 représentations (1 040 dans le West End), tandis que The Music Man a duré près de deux fois plus longtemps, avec 1 375 représentations. Cependant, le film de 1961 de West Side Story a été extrêmement réussi. ^[66] Laurents et Sondheim se sont à nouveau associés pour Gypsy (1959, 702 représentations), Jule Styne fournissant la musique d’une histoire en coulisses sur la mère de scène la plus motivée de tous les temps, la mère de la strip-teaseuse Gypsy Rose Lee , Rose. La production originale a duré 702 représentations et a reçu quatre reprises ultérieures, avecAngela Lansbury , Tyne Daly , Bernadette Peters et Patti LuPone s’attaqueront plus tard au rôle rendu célèbre par Ethel Merman.

Bien que les metteurs en scène et les chorégraphes aient eu une influence majeure sur le style de théâtre musical depuis au moins le 19e siècle, ^[67] George Abbott et ses collaborateurs et successeurs ont joué un rôle central dans l’intégration complète du mouvement et de la danse dans les productions de théâtre musical de l’âge d’or. ^[68] Abbott a introduit le ballet comme dispositif de narration dans On Your Toes en 1936, qui a été suivi par le ballet et la chorégraphie d’ Agnes de Mille dans l’Oklahoma! . ^[69] Après qu’Abbott ait collaboré avec Jerome Robbins dans On the Town et d’autres spectacles, Robbins a combiné les rôles de metteur en scène et de chorégraphe, soulignant le pouvoir narratif de la danse dans West Side Story, Une drôle de chose est arrivée sur le chemin du forum (1962) et Un violon sur le toit (1964). Bob Fosse a chorégraphié pour Abbott dans The Pajama Game (1956) et Damn Yankees (1957), injectant une sexualité ludique dans ces tubes. Il a ensuite été directeur-chorégraphe pour Sweet Charity (1968), Pippin (1972) et Chicago (1975). D’autres réalisateurs-chorégraphes notables ont inclus Gower Champion , Tommy Tune , Michael Bennett , Gillian Lynne et Susan Stroman . D’éminents réalisateurs ont inclus Hal Prince, qui a également fait ses débuts avec Abbott, ^[68] et Trevor Nunn . ^[70]

Au cours de l’âge d’or, les constructeurs automobiles et d’autres grandes entreprises ont commencé à embaucher des talents de Broadway pour écrire des comédies musicales d’entreprise , des spectacles privés vus uniquement par leurs employés ou leurs clients. ^{[71] [72]} Les années 1950 se sont terminées avec le dernier succès de Rodgers et Hammerstein , The Sound of Music , qui est également devenu un autre succès pour Mary Martin. Il a duré 1 443 représentations et a partagé le Tony Award de la meilleure comédie musicale. Avec sa version cinématographique extrêmement réussie de 1965 , il est devenu l’une des comédies musicales les plus populaires de l’histoire.

années 1960

En 1960, The Fantasticks a été produit pour la première fois hors de Broadway. Ce spectacle allégorique intime se déroulera tranquillement pendant plus de 40 ans au Sullivan Street Theatre de Greenwich Village , devenant de loin la comédie musicale la plus ancienne de l’histoire. Ses auteurs ont produit d’autres œuvres novatrices dans les années 1960, comme Celebration et I Do! Je fais! , la première comédie musicale à deux personnages de Broadway. Les années 1960 verront un certain nombre de blockbusters, comme Fiddler on the Roof (1964 ; 3 242 représentations), Hello, Dolly ! (1964 ; 2 844 représentations), Funny Girl (1964 ; 1 348 représentations) et Man of La Mancha (1965 ; 2 328 représentations), et quelques pièces plus osées commeCabaret , avant de s’achever avec l’émergence de la comédie musicale rock . Deux hommes ont eu un impact considérable sur l’histoire du théâtre musical à partir de cette décennie : Stephen Sondheim et Jerry Herman .

Bernadette Peters (présentée en 2008) a joué dans cinq comédies musicales de Sondheim

Le premier projet pour lequel Sondheim a écrit à la fois la musique et les paroles était A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 représentations), avec un livre basé sur les œuvres de Plautus de Burt Shevelove et Larry Gelbart , avec Zero Mostel . Sondheim a déplacé la comédie musicale au-delà de sa concentration sur les intrigues romantiques typiques des époques antérieures; son travail avait tendance à être plus sombre, explorant les côtés les plus granuleux de la vie à la fois présente et passée. Parmi les autres premières œuvres de Sondheim, citons N’importe qui peut siffler (1964, qui n’a donné que neuf représentations, malgré les stars Lee Remick et Angela Lansbury ), et la société à succès Company(1970), Folies (1971) et Une petite musique de nuit (1973). Plus tard, Sondheim s’est inspiré de sources improbables : l’ouverture du Japon au commerce occidental pour Pacific Overtures (1976), un légendaire barbier meurtrier cherchant à se venger à l’ ère industrielle de Londres pour Sweeney Todd (1979), les peintures de Georges Seurat pour Sunday in the Park with George (1984), des contes de fées pour Into the Woods (1987) et une collection d’ assassins présidentiels dans Assassins (1990).

Alors que certains critiques ont fait valoir que certaines des comédies musicales de Sondheim manquaient d’attrait commercial, d’autres ont loué leur sophistication lyrique et leur complexité musicale, ainsi que l’interaction des paroles et de la musique dans ses spectacles. Certaines des innovations notables de Sondheim incluent un spectacle présenté à l’envers ( Merrily We Roll Along ) et le mentionné ci-dessus N’importe qui peut siffler , dans lequel le premier acte se termine avec le casting informant le public qu’il est fou.

Jerry Herman a joué un rôle important dans le théâtre musical américain, en commençant par sa première production de Broadway, Milk and Honey (1961, 563 représentations), sur la fondation de l’État d’ Israël , et en continuant avec les succès à succès Hello, Dolly ! (1964, 2 844 représentations), Mame (1966, 1 508 représentations) et La Cage aux Folles (1983, 1 761 représentations). Même ses émissions moins réussies comme Dear World (1969) et Mack and Mabel (1974) ont eu des partitions mémorables ( Mack and Mabel a ensuite été retravaillé en un hit londonien). Écrivant à la fois des mots et de la musique, de nombreux airs de spectacle d’Hermansont devenus des standards populaires, dont « Hello, Dolly ! », « We Need a Little Christmas », « I Am What I Am », « Mame », « The Best of Times », « Before the Parade Passes By », « Put On Your Sunday Clothes”, “It Only Takes a Moment”, “Bosom Buddies” et “I Won’t Send Roses”, enregistrés par des artistes tels que Louis Armstrong , Eydie Gormé , Barbra Streisand , Petula Clark et Bernadette Peters. Le recueil de chansons d’Herman a fait l’objet de deux revues musicales populaires, Jerry’s Girls (Broadway, 1985) et Showtune (off-Broadway, 2003).

La comédie musicale a commencé à s’écarter des limites relativement étroites des années 1950. La musique rock serait utilisée dans plusieurs comédies musicales de Broadway, à commencer par Hair , qui présentait non seulement de la musique rock, mais aussi de la nudité et des opinions controversées sur la guerre du Vietnam , les relations raciales et d’autres problèmes sociaux. ^[73]

Thèmes sociaux

Après Show Boat et Porgy and Bess , et alors que la lutte en Amérique et ailleurs pour les droits civils des minorités progressait, Hammerstein, Harold Arlen , Yip Harburg et d’autres ont été encouragés à écrire plus de comédies musicales et d’opéras visant à normaliser la tolérance sociétale des minorités et ont exhorté harmonie raciale. Les œuvres du début de l’âge d’or axées sur la tolérance raciale comprenaient Finian’s Rainbow et South Pacific . Vers la fin de l’âge d’or, plusieurs émissions abordent des sujets et des enjeux juifs, comme Un violon sur le toit , Lait et miel , Blitz ! et plus tard Rags. Le concept original qui est devenu West Side Story s’est déroulé dans le Lower East Side lors des célébrations de Pâques et de la Pâque ; les gangs rivaux devaient être juifs et catholiques italiens . L’équipe créative a ensuite décidé que le conflit polonais (blanc) contre portoricain était plus frais. ^[74]

La tolérance en tant que thème important des comédies musicales s’est poursuivie au cours des dernières décennies. L’expression finale de West Side Story a laissé un message de tolérance raciale. À la fin des années 1960, les comédies musicales sont devenues racialement intégrées, les acteurs noirs et blancs se couvrant même les rôles les uns des autres, comme ils l’ont fait dans Hair . ^[75] L’homosexualité a également été explorée dans les comédies musicales, à commencer par Hair , et encore plus ouvertement dans La Cage aux Folles , Falsettos , Rent , Hedwig and the Angry Inch et d’autres spectacles au cours des dernières décennies. Parade est une exploration sensible à la fois de l’antisémitisme et de l’histoire américaineracisme , et Ragtime explore de la même manière l’expérience des immigrants et des minorités en Amérique.

années 1970 à aujourd’hui

années 1970

Après le succès de Hair , les comédies musicales rock fleurissent dans les années 1970, avec Jesus Christ Superstar , Godspell , The Rocky Horror Show , Evita et Two Gentlemen of Verona . Certains d’entre eux ont commencé comme des ” albums conceptuels ” qui ont ensuite été adaptés à la scène, notamment Jesus Christ Superstar et Evita . D’autres n’avaient pas de dialogue ou rappelaient autrement l’opéra, avec des thèmes dramatiques et émotionnels; ceux-ci ont parfois commencé comme des albums conceptuels et étaient appelés opéras rock . Des émissions comme Raisin , Dreamgirls ,Purlie et The Wiz ont apporté une importante influence afro-américaine à Broadway. Des genres et des styles musicaux plus variés ont été incorporés dans les comédies musicales à la fois sur et surtout hors de Broadway. Dans le même temps, Stephen Sondheim a rencontré le succès avec certaines de ses comédies musicales, comme mentionné ci-dessus.

A Chorus Line était l’une des 55 productions que le Public Theatre de Joseph Papp a apportées à Broadway

En 1975, la comédie musicale de danse A Chorus Line est née de sessions enregistrées de style thérapie de groupe que Michael Bennett a dirigées avec des «gitans» – ceux qui chantent et dansent pour soutenir les principaux acteurs – de la communauté de Broadway. À partir de centaines d’heures de bandes, James Kirkwood Jr. et Nick Dante ont créé un livre sur une audition pour une comédie musicale, incorporant de nombreuses histoires réelles des sessions; certains qui ont assisté aux sessions ont finalement joué des variations d’eux-mêmes ou les uns des autres dans le spectacle. Avec la musique de Marvin Hamlisch et les paroles d’ Edward Kleban , A Chorus Line a été inauguré au Joseph Papp ‘s Public Theatre .dans le bas de Manhattan. Ce qui avait initialement été prévu comme un engagement limité a finalement été transféré au Shubert Theatre de Broadway ^[76] pour une série de 6 137 représentations, devenant la production la plus ancienne de l’histoire de Broadway jusqu’à cette époque. Le spectacle a balayé les Tony Awards et remporté le prix Pulitzer , et sa chanson à succès, What I Did for Love , est devenue un standard. ^[77]

Le public de Broadway a accueilli des comédies musicales qui variaient du style et de la substance de l’âge d’or. John Kander et Fred Ebb ont exploré la montée du nazisme en Allemagne dans Cabaret , et le meurtre et les médias à Chicago à l’ époque de la prohibition , qui s’appuyaient sur d’anciennes techniques de vaudeville . Pippin , de Stephen Schwartz , se déroule à l’ époque de Charlemagne . Le film autobiographique 81⁄2 de Federico Fellini est devenu Nine de Maury Yeston . A la fin de la décennie, Evita etSweeney Todd étaient les précurseurs des comédies musicales plus sombres et à gros budget des années 1980 qui reposaient sur des histoires dramatiques, des partitions radicales et des effets spectaculaires. Dans le même temps, les valeurs démodées étaient encore adoptées dans des succès tels que Annie , 42nd Street , My One and Only et les reprises populaires de No, No, Nanette et Irene . Bien que de nombreuses versions cinématographiques de comédies musicales aient été réalisées dans les années 1970, peu ont été des succès critiques ou au box-office, à l’exception notable de Fiddler on the Roof , Cabaret et Grease . ^[78]

années 1980 Cameron Mackintosh

Les années 1980 voient l’influence des « mégamusicals » européens à Broadway, dans le West End et ailleurs. Ceux-ci présentent généralement une partition influencée par la pop, de grands castings et des décors spectaculaires et des effets spéciaux – un lustre qui tombe (dans Le Fantôme de l’Opéra ); un hélicoptère atterrissant sur scène (en Miss Saigon ) – et des gros budgets. Certains étaient basés sur des romans ou d’autres œuvres littéraires. L’équipe britannique du compositeur Andrew Lloyd Webber et du producteur Cameron Mackintosh a lancé le phénomène mégamusical avec leur comédie musicale Cats de 1981 , basée sur les poèmes de TS Eliot , qui a dépassé A Chorus Linepour devenir le spectacle de Broadway le plus ancien. Lloyd Webber a enchaîné avec Starlight Express (1984), joué sur des patins à roulettes; Le Fantôme de l’Opéra (1986 ; également avec Mackintosh), dérivé du roman du même nom ; et Sunset Boulevard (1993), du film de 1950 du même nom . Phantom surpasserait Cats pour devenir le spectacle le plus ancien de l’histoire de Broadway, un record qu’il détient toujours. ^{[79] [80]} L’équipe française de Claude-Michel Schönberg et Alain Boublil a écrit Les Misérables , d’après le roman du même nom, dont la production londonienne de 1985 a été produite par Mackintosh et est devenue, et est toujours, la comédie musicale la plus ancienne de l’histoire du West End et de Broadway . L’équipe a produit un autre succès avec Miss Saigon (1989), inspiré de l’opéra de Puccini Madama Butterfly . ^{[79] [80]}

Les énormes budgets des mégamusicaux ont redéfini les attentes en matière de réussite financière à Broadway et dans le West End. Au cours des années précédentes, il était possible qu’un spectacle soit considéré comme un succès après plusieurs centaines de représentations, mais avec des coûts de production de plusieurs millions de dollars, un spectacle doit durer des années simplement pour générer des bénéfices. Les mégamusicaux ont également été reproduits dans des productions du monde entier, multipliant leur potentiel de profit tout en élargissant l’audience mondiale du théâtre musical. ^[80]

années 1990 Audra McDonald

Dans les années 1990, une nouvelle génération de compositeurs théâtraux a émergé, dont Jason Robert Brown et Michael John LaChiusa , qui ont commencé par des productions off-Broadway. Le succès le plus remarquable de ces artistes a été le spectacle Rent (1996) de Jonathan Larson , une comédie musicale rock (basée sur l’opéra La bohème ) sur une communauté d’artistes en difficulté à Manhattan. Alors que le coût des billets pour les comédies musicales de Broadway et du West End dépassait le budget de nombreux spectateurs, Renta été commercialisé pour accroître la popularité des comédies musicales auprès d’un public plus jeune. Il comportait une jeune distribution et une partition fortement influencée par le rock; la comédie musicale est devenue un succès. Ses jeunes fans, dont beaucoup d’étudiants, se faisant appeler RENTheads], ont campé au Nederlander Theatre dans l’espoir de gagner à la loterie pour 20 $ de billets au premier rang, et certains ont vu le spectacle des dizaines de fois. D’autres spectacles à Broadway ont suivi l’exemple de Rent en offrant des billets pour le jour du spectacle ou des places debout à prix très réduits, bien que souvent les rabais ne soient offerts qu’aux étudiants. ^[81]

Les années 1990 ont également vu l’influence des grandes entreprises sur la production de comédies musicales. Le plus important a été Disney Theatrical Productions , qui a commencé à adapter certaines comédies musicales de films d’animation de Disney pour la scène, à commencer par La Belle et la Bête (1994), Le Roi Lion (1997) et Aida (2000), les deux derniers avec la musique de Elton John . Le Roi Lion est la comédie musicale la plus rentable de l’ histoire de Broadway. ^[82] The Who’s Tommy (1993), une adaptation théâtrale de l’opéra rock Tommy, a réalisé une bonne série de 899 représentations mais a été critiqué pour avoir aseptisé l’histoire et “théâtralisé musicalement” la musique rock. ^[83]

Malgré le nombre croissant de comédies musicales à grande échelle dans les années 1980 et 1990, un certain nombre de comédies musicales à petit budget et à plus petite échelle ont réussi à trouver un succès critique et financier, telles que Falsettoland et Little Shop of Horrors , Bat Boy: The Musical et Blood . Frères . Les sujets de ces pièces varient considérablement et la musique va du rock à la pop, mais elles sont souvent produites hors de Broadway ou pour de plus petits théâtres londoniens, et certaines de ces mises en scène ont été considérées comme imaginatives et innovantes. ^[84]

Années 2000 à aujourd’hui Les tendances

Au nouveau siècle, la familiarité a été adoptée par les producteurs et les investisseurs soucieux de garantir qu’ils récupèrent leurs investissements considérables. Certains ont pris des risques (généralement à budget modeste) sur du matériel nouveau et créatif, comme Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Spring Awakening (2006), In the Heights (2008), À côté de Normal (2009), American Idiot (2010) et Le Livre de Mormon (2011). Hamilton (2015), a transformé “l’histoire américaine sous-dramatisée” en un hit insolite inspiré du hip-hop. ^[85]En 2011, Sondheim a fait valoir que de toutes les formes de «musique pop contemporaine», le rap était «la plus proche du théâtre musical traditionnel» et était «une voie vers l’avenir». ^[86]

Cependant, la plupart des productions du 21e siècle des grands marchés ont emprunté une voie sûre, avec des reprises de plats familiers, tels que Fiddler on the Roof , A Chorus Line , South Pacific , Gypsy , Hair , West Side Story et Grease , ou avec des adaptations de d’autres matériaux éprouvés, tels que la littérature ( The Scarlet Pimpernel , Wicked and Fun Home ), en espérant que les émissions auraient ainsi un public intégré. Cette tendance est particulièrement persistante avec les adaptations cinématographiques, notamment ( Les Producteurs , Spamalot , Hairspray ,Legally Blonde , The Color Purple , Xanadu , Billy Elliot , Shrek , Waitress et Groundhog Day ). ^[87] Certains critiques ont fait valoir que la réutilisation des intrigues cinématographiques, en particulier celles de Disney (comme Mary Poppins et La Petite Sirène ), assimilent la comédie musicale de Broadway et du West End à une attraction touristique plutôt qu’à un exutoire créatif. ^[35]

Le casting de Hamilton rencontre le président Obama en 2015

Aujourd’hui, il est moins probable qu’un seul producteur, comme David Merrick ou Cameron Mackintosh , soutienne une production. Les entreprises commanditaires dominent Broadway, et souvent des alliances sont formées pour mettre en scène des comédies musicales, qui nécessitent un investissement de 10 millions de dollars ou plus. En 2002, le générique de Thoroughly Modern Millie énumérait dix producteurs, et parmi ces noms figuraient des entités composées de plusieurs individus. ^[88] En règle générale, les théâtres hors de Broadway et régionaux ont tendance à produire des comédies musicales plus petites et donc moins chères, et le développement de nouvelles comédies musicales a de plus en plus eu lieu en dehors de New York et de Londres ou dans des salles plus petites. Par exemple, Spring Awakening , Fun Home et Hamiltonont été développés hors de Broadway avant d’être lancés à Broadway.

Plusieurs comédies musicales sont revenues au format spectacle qui avait tant de succès dans les années 1980, rappelant des extravagances qui ont été présentées à certains moments, tout au long de l’histoire du théâtre, depuis que les anciens Romains ont organisé des simulations de batailles navales. Les exemples incluent les adaptations musicales du Seigneur des anneaux (2007), Gone with the Wind (2008) et Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). Ces comédies musicales impliquaient des auteurs-compositeurs ayant peu d’expérience théâtrale et les productions coûteuses perdaient généralement de l’argent. Inversement, The Drowsy Chaperone , Avenue Q , The 25th Annual Putnam County Spelling Bee , Xanadu et Fun Home, entre autres, ont été présentés dans des productions à plus petite échelle, pour la plupart ininterrompues par un entracte, avec des durées de diffusion courtes, et ont connu un succès financier. En 2013, le magazine Time rapportait qu’une tendance off-Broadway était le théâtre “immersif”, citant des spectacles tels que Natasha, Pierre & The Great Comet of 1812 (2012) et Here Lies Love (2013) dans lesquels la mise en scène se déroule autour et au sein du public. ^[89] Les spectacles ont établi un record commun, chacun recevant 11 nominations pour les Lucille Lortel Awards , ^[90] et présentent des partitions contemporaines. ^{[91] [92]}

En 2013, Cyndi Lauper a été la “première compositrice à remporter le [Tony for] Best Score without a male collaborateur” pour avoir écrit la musique et les paroles de Kinky Boots . En 2015, pour la première fois, une équipe de rédaction entièrement féminine , Lisa Kron et Jeanine Tesori , a remporté le Tony Award de la meilleure musique originale (et du meilleur livre pour Kron) pour Fun Home , ^[93] bien que le travail des auteurs-compositeurs masculins continue de être produit plus souvent. ^[94]

Comédies musicales Jukebox

Une autre tendance a été de créer une intrigue minimale pour s’adapter à une collection de chansons qui ont déjà été des succès. Après le succès antérieur de Buddy – The Buddy Holly Story , il s’agit notamment de Movin’ Out (2002, basé sur les airs de Billy Joel ), Jersey Boys (2006, The Four Seasons ), Rock of Ages (2009, mettant en vedette le rock classique de les années 1980) et bien d’autres. Ce style est souvent appelé le « jukebox musical ». ^[95] Des comédies musicales similaires mais plus axées sur l’intrigue ont été construites autour du canon d’un groupe pop particulier, dont Mamma Mia! (1999, d’après les chansons d’ ABBA ),Our House (2002, basé sur les chansons de Madness ) et We Will Rock You (2002, basé sur les chansons de Queen ).

Comédies musicales de cinéma et de télévision Zac Efron et Zendaya (photo), ainsi que Hugh Jackman , ont apporté le pouvoir des stars à The Greatest Showman

Les comédies musicales de films d’action réelle étaient presque mortes dans les années 1980 et au début des années 1990, à l’exception de Victor/Victoria , Little Shop of Horrors et le film de 1996 d’ Evita . ^[96] Au nouveau siècle, Baz Luhrmann entame une renaissance de la comédie musicale avec Moulin Rouge ! (2001). Cela a été suivi par Chicago (2002); Le Fantôme de l’Opéra (2004) ; Loyer (2005); Dreamgirls (2006); Hairspray , Enchanted et Sweeney Todd (tous en 2007); Maman Mia ! (2008); Neuf (2009);Les Misérables et Pitch Perfect (tous deux en 2012), Into The Woods , The Last Five Years (2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), A Star Is Born et Mary Poppins Returns (tous deux en 2018), Rocketman (2019) et In the Heights etla version de West Side Story de Steven Spielberg (tous deux en 2021), entre autres. Comment le Grinch a volé Noël du Dr Seuss ! (2000) et Le chat au chapeau(2003), a transformé les livres pour enfants en comédies musicales en direct. Après l’immense succès de Disney et d’autres maisons avec des comédies musicales de films d’animation commençant par La Petite Sirène en 1989 et se poursuivant tout au long des années 1990 (y compris quelques films sur le thème des adultes, comme South Park : Bigger, Longer & Uncut (1999)), moins d’animations les comédies musicales de films sont sorties dans la première décennie du 21e siècle. ^[96] Le genre a fait un retour à partir de 2010 avec Tangled (2010), Rio (2011) et Frozen (2013). En Asie, l’Inde continue de produire de nombreuses comédies musicales de films “Bollywood“, et le Japon produit des comédies musicales de films “Anime” et “Manga”.

Les films musicaux conçus pour la télévision étaient populaires dans les années 1990, comme Gypsy (1993), Cendrillon (1997) et Annie (1999). Plusieurs comédies musicales réalisées pour la télévision dans la première décennie du 21e siècle étaient des adaptations de la version scénique, telles que South Pacific (2001), The Music Man (2003) et Once Upon a Mattress (2005), et une version télévisée de la scène. comédie musicale Legally Blonde en 2007. De plus, plusieurs comédies musicales ont été filmées sur scène et diffusées à la télévision publique, par exemple Contact en 2002 et Kiss Me, Kate et Oklahoma! en 2003. La comédie musicale faite pour la télévisionHigh School Musical (2006) et ses nombreuses suites ont connu un succès particulier et ont été adaptés pour des comédies musicales et d’autres médias.

Dove Cameron a joué dans des comédies musicales telles que Descendants , Hairspray Live! et Schmigadon !

En 2013, NBC a lancé une série d’émissions télévisées en direct de comédies musicales avec The Sound of Music Live! ^[97] Bien que la production ait reçu des critiques mitigées, ce fut un succès d’audience. ^[98] D’autres émissions ont inclus Peter Pan Live! (NBC 2014), Le Wiz Live! (NBC 2015), ^[99] une émission britannique, The Sound of Music Live ( ITV 2015) ^[100] Grease: Live ( Fox 2016), ^{[101] [102]} Hairspray Live! (NBC, 2016), Une histoire de Noël en direct ! (Fox, 2017), ^[103] etLocation : En direct (Fox 2019). ^[104]

Certaines émissions de télévision ont défini des épisodes comme une comédie musicale. Les exemples incluent des épisodes d’ Ally McBeal , Xena: Warrior Princess (“The Bitter Suite” et “Lyre, Lyre, Heart’s On Fire”), Psych (” Psych: The Musical “), Buffy the Vampire Slayer (” Once More, with Feeling “), That’s So Raven , Daria , Dexter’s Laboratory , The Powerpuff Girls , The Flash , Once Upon a Time , Oz , Scrubs (un épisode a été écrit par les créateurs d’ Avenue Q ),Batman : The Brave and the Bold ( « Mayhem of the Music Meister » ) et That ’70s Show (le 100e épisode, « That ’70s Musical »). D’autres ont inclus des scènes où des personnages commencent soudainement à chanter et à danser dans un style de comédie musicale au cours d’un épisode, comme dans plusieurs épisodes de The Simpsons , 30 Rock , Hannah Montana , South Park , Bob’s Burgers et Family Guy . ^[105] Les séries télévisées qui ont largement utilisé le format musical ont inclus Cop Rock , Flight of the Conchords , Glee ,Smash et ex-petite amie folle .

Il y a également eu des comédies musicales faites pour Internet, y compris Dr. Horrible’s Sing-Along Blog , sur un super-méchant à bas prix joué par Neil Patrick Harris . Il a été écrit pendant la grève des écrivains de la WGA . ^[106] Depuis 2006, les émissions de télé-réalité ont été utilisées pour aider à commercialiser des reprises musicales en organisant un concours de talents pour lancer des pistes (généralement féminines). Des exemples de ceux-ci sont Comment résolvez-vous un problème comme Maria ? , Grease : c’est toi que je veux ! , Any Dream Will Do , Legally Blonde: The Musical – The Search for Elle Woods , Je ferais n’importe quoi et Over the Rainbow .En 2021, Schmigadon ! était une parodie et un hommage aux comédies musicales de l’âge d’or des années 1940 et 1950. ^[107]

Fermeture du théâtre 2020-2021 Chapiteau du théâtre In the Heart of the Beast à Minneapolis, Minnesota, pendant la pandémie de COVID-19

La pandémie de COVID-19 a provoqué la fermeture de théâtres et de festivals de théâtre dans le monde au début de 2020, y compris tous les théâtres de Broadway ^[108] et du West End. ^[109] De nombreuses institutions des arts du spectacle ont tenté de s’adapter ou de réduire leurs pertes en offrant de nouveaux services numériques (ou élargis). En particulier, cela a abouti à la diffusion en ligne de performances précédemment enregistrées de nombreuses entreprises, ^{[110] [111] [112]} ainsi que des projets de crowdsourcing sur mesure. ^{[113] [114]} Par exemple, The Sydney Theatre Companya chargé des acteurs de se filmer chez eux en train de discuter, puis d’interpréter, un monologue d’un des personnages qu’ils avaient précédemment interprétés sur scène. ^[115] Les moulages de comédies musicales, comme Hamilton et Mamma Mia! unis sur les appels Zoom pour divertir les particuliers et le public. ^{[116] [117]} Certaines performances ont été diffusées en direct, ou présentées à l’extérieur ou d’autres manières “socialement éloignées”, permettant parfois aux membres du public d’interagir avec les acteurs. ^[118] Des festivals de théâtre radiophonique ont été diffusés. ^[119] Des comédies musicales virtuelles et même participatives ont été créées, telles que Ratatouille the Musical . ^{[120] [121]}Des versions filmées de grandes comédies musicales, comme Hamilton , ont été diffusées sur des plateformes de streaming. ^[122] Andrew Lloyd Webber a publié des enregistrements de ses comédies musicales sur YouTube. ^[123]

En raison des fermetures et de la perte des ventes de billets, de nombreuses compagnies de théâtre ont été placées en péril financier. Certains gouvernements ont offert une aide d’urgence aux arts. ^{[124] [125] [126]} Certains marchés de théâtre musical ont commencé à rouvrir par à-coups au début de 2021, ^[127] les théâtres du West End reportant leur réouverture de juin à juillet, ^[128] et Broadway à partir de septembre. ^[129] Tout au long de 2021, cependant, des pics de la pandémie ont provoqué des fermetures même après la réouverture des marchés. ^{[130] [131]}

Comédies musicales internationales

Les États-Unis et la Grande-Bretagne ont été les sources les plus actives de comédies musicales du XIXe siècle à une grande partie du XXe siècle (bien que l’Europe ait produit diverses formes d’ opéra léger et d’Opérette populaires, par exemple la Zarzuela espagnole , pendant cette période et même avant). Cependant, la scène musicale légère dans d’autres pays est devenue plus active au cours des dernières décennies.

Les comédies musicales d’autres pays anglophones (notamment l’Australie et le Canada) réussissent souvent bien localement et atteignent parfois même Broadway ou le West End (par exemple, The Boy from Oz et The Drowsy Chaperone ). L’Afrique du Sud a une scène de théâtre musical active, avec des revues comme African Footprint et Umoja et des comédies musicales comme Kat and the Kings et Sarafina ! en tournée internationale. Localement, des comédies musicales comme Vere , Love and Green Onions , Over the Rainbow: the all-new all-gay… extravaganza et Bangbroek Mountain andIn Briefs – a queer little Musical ont été produits avec succès.

Takarazuka Revue entièrement féminine au Japon dans une représentation de “Parisette” en 1930

Les comédies musicales à succès d’Europe continentale comprennent des spectacles de (entre autres) Allemagne ( Elixier et Ludwig II ), Autriche ( Tanz der Vampire , Elisabeth , Mozart ! et Rebecca ), République tchèque ( Dracula ), France ( Starmania , Notre-Dame de Paris , Les Misérables , Roméo et Juliette et Mozart, l’opéra rock ) et l’Espagne ( Hoy no me puedo levantar et The Musical Sancho Panza ).

Le Japon a récemment connu la croissance d’une forme indigène de théâtre musical, à la fois animé et en direct, principalement basé sur l’ anime et le manga , comme Kiki’s Delivery Service et Tenimyu . La populaire métasérie Sailor Moon compte vingt-neuf comédies musicales Sailor Moon , réparties sur treize ans. À partir de 1914, une série de revues populaires a été jouée par la Takarazuka Revue entièrement féminine , qui compte actuellement cinq troupes d’interprètes. Ailleurs en Asie, la comédie musicale indienne de Bollywood , principalement sous forme de films cinématographiques, connaît un énorme succès. ^[132]

À partir d’une tournée des Misérables en 2002 , diverses comédies musicales occidentales ont été importées en Chine continentale et mises en scène en anglais. ^[133] Les tentatives de localisation des productions occidentales en Chine ont commencé en 2008 lorsque Fame a été produit en mandarin avec une distribution chinoise complète à la Central Academy of Drama de Pékin. ^[134] Depuis lors, d’autres productions occidentales ont été mises en scène en Chine en mandarin avec une distribution chinoise. La première production chinoise dans le style du théâtre musical occidental a été The Gold Sand en 2005. ^[133] De plus, Li Dun, un producteur chinois bien connu, a produit Butterflies, basé sur une tragédie d’amour chinoise classique, en 2007 ainsi que Love U Teresa en 2011. ^[133]

Productions amateurs et scolaires

L’adolescente des joueurs de Naples Millie complètement moderne , 2009

Les comédies musicales sont souvent présentées par des groupes amateurs et scolaires dans des églises, des écoles et d’autres lieux de représentation. ^{[135] [136]} Bien que le théâtre amateur existe depuis des siècles, même dans le Nouveau Monde, ^[137] François Cellier et Cunningham Bridgeman écrivaient, en 1914, qu’avant la fin du XIXe siècle, les acteurs amateurs étaient traités avec mépris par les professionnels. Après la formation des compagnies amateurs Gilbert et Sullivan autorisées à interpréter les opéras de Savoie, les professionnels ont reconnu que les sociétés d’amateurs “soutenaient la culture de la musique et du théâtre. Elles sont désormais acceptées comme des écoles de formation utiles pour la scène légitime, et des rangs des bénévoles ont surgi de nombreux favoris actuels”. ^[138] La National Operatic and Dramatic Association a été fondée au Royaume-Uni en 1899. Elle a rapporté, en 1914, que près de 200 sociétés dramatiques amateurs produisaient des œuvres de Gilbert et Sullivan en Grande-Bretagne cette année-là. ^[138] De même, plus de 100 théâtres communautaires ont été fondés aux États-Unis au début du 20e siècle. Ce nombre est passé à environ 18 000 aux États-Unis. ^[137] L’Educational Theatre Association aux États-Unis compte près de 5 000 écoles membres. ^[139]

Pertinence

Le Roi Lion à Broadway

La Broadway League a annoncé qu’au cours de la saison 2007-2008, 12,27 millions de billets avaient été achetés pour des spectacles de Broadway pour un montant de vente brut de près d’un milliard de dollars. ^[140] La Ligue a rapporté en outre qu’au cours de la saison 2006–07, environ 65 % des billets de Broadway ont été achetés par des touristes et que les touristes étrangers représentaient 16 % des participants. ^[141] La Society of London Theatre a rapporté que 2007 a établi un record de fréquentation à Londres. Le nombre total de spectateurs dans les principaux théâtres commerciaux et subventionnés du centre de Londres était de 13,6 millions, et les revenus totaux des billets étaient de 469,7 millions de livres sterling. ^[142] La scène musicale internationale a été de plus en plus active au cours des dernières décennies. Néanmoins, Stephen Sondheim a commenté en l’an 2000 :

Vous avez deux types de spectacles à Broadway – des reprises et le même genre de comédies musicales encore et encore, tous des spectacles. Vous obtenez vos billets pour Le Roi Lion un an à l’avance, et essentiellement une famille… transmettent à leurs enfants l’idée que c’est ce qu’est le théâtre – une comédie musicale spectaculaire que vous voyez une fois par an, une version scénique d’un film. Cela n’a absolument rien à voir avec le théâtre. Il s’agit de voir ce qui est familier. … Je ne pense pas que le théâtre mourra en soi , mais il ne sera jamais ce qu’il était. … C’est une attraction touristique.” ^[143]

Cependant, notant le succès au cours des dernières décennies du matériel original et des réinventions créatives du cinéma, des pièces de théâtre et de la littérature, l’historien du théâtre John Kenrick a répliqué:

La comédie musicale est-elle morte ? … Absolument pas! En changeant? Toujours! La comédie musicale a changé depuis qu’Offenbach a fait sa première réécriture dans les années 1850. Et le changement est le signe le plus clair que la comédie musicale est toujours un genre vivant et en pleine croissance. Reviendrons-nous un jour au soi-disant « âge d’or », avec des comédies musicales au centre de la culture populaire ? Probablement pas. Le goût du public a subi des changements fondamentaux et les arts commerciaux ne peuvent circuler que là où le public payant le permet. ^[35]

Voir également

• Portail musical
• Portail du théâtre

• Enregistrement de distribution
• Listes de comédies musicales
• Productions de théâtre musical de longue date
• Théâtre musical
• Théâtre parsi
• comédie musicale 2.5D

Notes et références

1. ^ Morley, p. 15
2. ^ Everett et Laird, p. 137
3. ^ ^{un b} Rubin et Solórzano, p. 438
4. ^ ^{un berger b} , John; Corne, David (2012). Encyclopédie Continuum de la musique populaire du monde Volume 8 : Genres : Amérique du Nord . A&C Noir. p. 104. ISBN 978-1-4411-4874-2.
5. ^ Wattenberg, Ben. The American Musical, Part 2 , PBS.org, 24 mai 2007, consulté le 7 février 2017
6. ^ Brantley, Ben . “Curtain Up! It’s Patti’s Turn at Gypsy ” , The New York Times , 28 mars 2008, consulté le 26 mai 2009
7. ^ ^{un b} Cohen et Sherman, p. 233
8. ^ Tommasini, Antoine . “Opera? Musical? Please Respect the Difference” , The New York Times , 7 juillet 2011, consulté le 13 décembre 2017
9. ^ Gamerman, Ellen. “Broadway Turns Up the Volume” , The Wall Street Journal , Ellen, 23 octobre 2009, consulté le 13 décembre 2017
10. ↑ « Porgy and Bess : That old black magic » The Independent , 27 octobre 2006, consulté le 27 décembre 2018
11. ^ Lister, David. “L’Opéra Royal ouvre une fenêtre sur Sondheim” , The Independent , 5 avril 2003, consulté le 27 décembre 2018
12. ^ Enseignement, Terry . “Sweeney Todd” Archivé le 18/04/2008 à la Wayback Machine , National Endowment for the Arts , consulté le 1er novembre 2009
13. ^ Blanc, Michel. « Quelque chose pour le week-end, monsieur ? , The Independent , Londres, 15 décembre 2003, consulté le 26 mai 2009
14. ^ Kowalke, Kim H. “Théoriser la comédie musicale de l’âge d’or: genre, structure, syntaxe” dans A MusicTheoretical Matrix: Essais en l’honneur d’Allen Forte (Partie V), éd. David Carson Berry, Gamut 6/2 (2013), p. 163-169
15. ^ Il peut s’agir d’une guitare électrique ,synthétiseur de basse électrique et d’ un kit de batterie .
16. ^ Afficher l’index avec des liens vers des informations d’orchestration Archivé le 13/02/2010 sur la Wayback Machine , MTIshows.com, consulté le 4 octobre 2015
17. ^ Elliot, Susan (17 août 2008). “Hors de la scène, qu’y a-t-il derrière la musique” . Le New York Times . Consulté le 6 octobre 2015 .
18. ^ Gokulsing, 2004, p. 98.
19. ^ “Mini Musicals” , labyrinth.net.au, Cenarth Fox, 2001, consulté le 22 janvier 2010
20. ^ “Theatre Latte Da prend une incursion dans une forme mini-musicale” , Star Tribune , 30 mars 2002, consulté le 15 janvier 2010 (inscription requise)
21. ^ Thornton, Shay (2007). “Une vie merveilleuse” (PDF) . Houston, Texas : Théâtre sous les étoiles . p. 2. Archivé de l’original (PDF) le 2007-11-27 . Récupéré le 26 mai 2009 .
22. ^ Goodwin, Noël. « L’histoire de la musique théâtrale » , Brittanica.com, consulté le 4 août 2021 ; et Blakeley, Sasha et Jenna Conan. « History of Musical Theatre : Leçon pour les enfants – Early Musicals » , Study.com, consulté le 4 août 2021
23. ^ ^{un bcdefg Kenrick} , ^John . ^{_ _ _} “A Capsule History” , Musicals101.com, 2003, consulté le 12 octobre 2015
24. ^ Hoppin, pp. 180–181
25. ^ Seigneur, p. 41
26. ^ Seigneur, p. 42
27. ^ Bulow 2004, p. 26
28. ^ Shakespeare 1998, p. 44
29. ^ ^{un b} Buelow, p. 328
30. ^ Carter et Butt 2005, p. 280
31. ^ Parker 2001, p. 42
32. ^ ^{un bc Gillan} , Don. “Longest Running Plays in London and New York” , Stage Beauty (2007), consulté le 26 mai 2009
33. ^ ^{un b} Wilmeth et Miller, p. 182
34. ^ Wilmeth et Miller, p. 56
35. ^ ^{un bcdef Kenrick , John} . ^_ « History of Stage Musicals » , Musicals101.com, 2003, consulté le 26 mai 2009
36. ^ Allen, p. 106
37. ^ ^{un bc Lubbock} , Mark . “La musique des ‘musicaux'” . Les Temps musicaux , vol. 98, non. 1375 (septembre 1957), pp. 483–485, consulté le 17 août 2010
38. ^ ^{un lien b} , Jessie . Introduction to The Life and Reminiscences of Jessie Bond Archivé le 21/04/2012 à la Wayback Machine , réimprimé à The Gilbert and Sullivan Archive , consulté le 4 mars 2011
39. ^ Résidez, Doug. “Musical of the Month: The Black Crook ” , New York Public Library for the Performing Arts , 2 juin 2011, consulté le 21 juin 2018
40. ^ ^{un b} Kenrick, John. “G&S aux États-Unis” sur le site Web musicals101 The Cyber ​​Encyclopedia of Musical Theatre, TV and Film (2008). Consulté le 4 mai 2012.
41. ^ ^{un b} Jones, 2003, pp. 10-11
42. ^ Bargainnier, Earl F. “WS Gilbert and American Musical Theatre”, pp. 120–133, American Popular Music: Readings from the Popular Press par Timothy E. Scheurer, Popular Press, 1989 ISBN 0-87972-466-8
43. ^ PG Wodehouse (1881-1975) , guardian.co.uk, récupéré le 21 mai 2007
44. ^ “Liste des allusions à G&S dans Wodehouse” , Home.lagrange.edu, consulté le 27 mai 2009
45. ^ Meyerson, Harold et Ernest Harburg qui ont mis l’arc-en-ciel dans le magicien d’Oz ? : Yip Harburg, parolier , pp. 15-17 (Ann Arbor : University of Michigan Press, 1993) ; et Bradley, p. 9
46. ↑ Oz Before the Rainbow de Mark Evan Swartzdécrit les énormes trajets en train nécessaires aux acteurs du hit de 1903, The Wizard of Oz , dont la tournée a duré neuf ans, y compris sur la route. “Oz avant l’arc-en-ciel: Le merveilleux magicien d’Oz de L. Frank Baum sur scène et à l’écran jusqu’en 1939″ . Presse universitaire Johns Hopkins, 2000 ISBN 0-8018-6477-1
47. ↑ Voir, en général, Index to The Gaiety , une publication de théâtre musical britannique sur le théâtre musical victorien et édouardien.
48. ^ Kenrick, John. Basil Hood , Who’s Who in Musicals: Additional Bios XII , Musicals101.com, 2004, consulté le 7 mai 2012
49. ^ ^{un b} Bordman, Gérald. “Jerome David Kern : Innovateur/Traditionaliste”, The Musical Quarterly , 1985, Vol. 71, n° 4, p. 468–473
50. ^ ^{un b} Kenrick, John. Hellzapoppin – History of The Musical Stage 1930s: Part III – Revues , Musicals101.com, consulté le 8 octobre 2015
51. ^ ^{un b} “L’histoire, l’histoire, les rôles et les numéros musicaux de Salad Days” guidetomusicaltheatre.com, consulté le 16 mars 2012
52. ^ Krasner, David. A Beautiful Pageant: African American Theatre, Drama and Performance in the Harlem Renaissance, 1910–1927 , Palgrave MacMillan, 2002, pp. 263–267
53. ^ Midgette, Anne . “Operetta Review: Much Silliness In a Gilt Frame” , The New York Times , 29 mars 2003, consulté le 1er décembre 2012
54. ^ Lamb, Andrew (printemps 1986). “De Pinafore à Porter: Interactions États-Unis-Royaume-Uni dans le théâtre musical, 1879–1929”. Musique américaine . Chicago : Presse de l’Université de l’Illinois. 4 (Interactions musicales anglo-américaines) : 47. doi : 10.2307/3052183 . ISSN 0734-4392 . JSTOR 3052183 .
55. ^ Wagstaff, John et Andrew Lamb . “Messager, André” . Grove Music Online , Oxford Music Online, consulté le 15 mars 2018 (abonnement requis)
56. ^ ^{un b} Lubbock (2002)
57. ^ 1944 Prix Pulitzer, Pulitzer.org, consulté le 7 juillet 2012
58. ^ Connema, Richard. « San Francisco : As Thousands Cheer and Dear World » , TalkinBroadway.org (2000), consulté le 26 mai 2009
59. ^ Kenrick, John. « History of Musical Film, 1927–30: Part II » , Musicals101.com, 2004, consulté le 17 mai 2010
60. ^ Special Awards and Citations – 1944 , The Pulitzer Prizes, consulté le 7 janvier 2018
61. ^ ^{un b} Gordon, John Steele . Oklahoma’!’ Archivé le 04/08/2010 à la Wayback Machine . Récupéré le 13 juin 2010
62. ^ Everett et Laird, p. 124
63. ^ Rubin et Solórzano, pp. 439–440
64. ^ Marques, Pierre. “Opening Nights” , The New York Times , 27 septembre 1998, consulté le 14 juillet 2019
65. ^ Suskin, Steven. “On the Record: Ernest In Love , Marco Polo , Puppets and Maury Yeston” , Playbill , 10 août 2003, consulté le 26 mai 2009
66. ^ Rich, Frank (12 mars 2000). “Conversations avec Sondheim” . La revue du New York Times . Récupéré le 26 mai 2009 .
67. ^ WS Gilbert et son chorégraphe John D’Auban ont contribué à transformer les styles de production de théâtre musical victorien. Voir Vorder Bruegge, Andrew (professeur associé, directeur du département, département de théâtre et de danse, Winthrop University). “WS Gilbert: Authenticité antiquaire et autocratie artistique” Archivé le 10/05/2011 à la Wayback Machine . Conférence annuelle de la Victorian Interdisciplinary Studies Association of the Western United States, octobre 2002. Récupéré le 26 mars 2008 ; et “Les sauts ‘Startrap’ de M. D’Auban”. The Times , 17 avril 1922, p. 17
68. ^ ^{un b} Kenrick, John. “Dance in Stage Musicals – Part III” , Musicals101.com, 2003, consulté le 14 août 2012
69. ^ Block, Geoffrey (éd.) Le lecteur de Richard Rodgers . New York: Oxford University Press US, 2006. ISBN 978-0-19-531343-7 , pp. 194–195
70. ^ Dickson, Andrew. “A life in theatre: Trevor Nunn” , The Guardian , 18 novembre 2011, consulté le 15 août 2012
71. ^ John Kander (7 avril 2010). “Passer à travers les rideaux” . NewMusicBox (Interview). Interviewé par Frank J. Oteri (publié le 1er mai 2010).
72. ^ Salle, Jonathan. “Recruter, former et motiver: l’histoire de la comédie musicale industrielle” Archivé le 03/08/2004 à la Wayback Machine , mars 2002, Perfect Sound Forever
73. ^ Wolman, p. 12.
74. ^ Laurents, Arthur (4 août 1957). “La croissance d’une idée” . New-York Herald Tribune . Primat, LLC. Archivé de l’original le 12 décembre 2007 . Récupéré le 26 mai 2009 .
75. ^ Corne 1991, p. 134.
76. ^ Barnes, Clive. “Theatre Review”: A Chorus Line ” . Le New York Times , 22 mai 1975
77. ^ “Recherche de chanson : ce que j’ai fait pour l’amour “, AllMusic , consulté le 11 octobre 2016
78. ^ Kenrick, John. “Les années 1970 : grands noms, résultats mitigés” , Histoire du film musical, musicals101.com, consulté le 11 juillet 2014
79. ^ ^{un b} Everett et Laird, pp. 250-256
80. ^ ^{un bc Allain} et Harvie, pp. 206-207
81. ^ Blanc, Matthew (1er mars 2011). “Politiques de Broadway Rush, loterie et places debout uniquement” . PlayBill . Consulté le 1er mars 2011 .
82. ^ “Grosses cumulées de Broadway par spectacle” . BroadwayWorld.com . Archivé de l’original le 11 janvier 2014 . Consulté le 9 février 2014 .
83. ^ Pareles, John (27 avril 1993). “Cahier du critique; Amortir le feu des années 60 de ‘Tommy’ pour Broadway des années 90” . Le New York Times . Consulté le 28 juin 2012 .
84. ^ Shaw, Pete (2006). “Une glorieuse gambade musicale – avec du mordant !” . Bébé de Broadway. Archivé de l’original le 28 septembre 2007 . Récupéré le 26 mai 2009 .
85. ^ Côté, David . « Theater Review. Hamilton » , Time Out New York , 6 août 2015
86. ^ Sondheim, Stephen (2011). Regardez, j’ai fait un chapeau: paroles collectées (1981–2011) avec commentaires, amplifications, dogmes, harangues, digressions, anecdotes et mélanges . New York : Alfred P. Knopf. p. xxi. ISBN 978-0-307-59341-2.
87. ^ Berman, Eliza. “On Broadway, It’s Déjà Vu All Over – and Not Just for Groundhog Day , Time magazine, numéro du 15 mai 2017, pp. 51–52
88. ^ ” Millie complètement moderne ” . BIDB .
89. ^ Zoglin, Richard. « Natasha, Imelda and the Great Immersion of 2013 » , Time magazine, 20 mai 2013, consulté le 6 avril 2014
90. ^ Cox, Gordon. “Here Lies Love, Great Comet Shatter Records in Lortel Nominations , Variety, 1er avril 2014, consulté le 7 avril 2014
91. ^ Clarke, David. “Natasha, Pierre and the Great Comet of 1812 (Original Cast Recording) is Astonishingly Complex” , Broadway World, 22 décembre 2013, consulté le 7 avril 2014
92. ^ Brantley, Ben . “A Rise to Power, Disco Round Included” , The New York Times , 23 avril 2013, consulté le 7 avril 2014
93. ^ Gioia, Michael. “It’s Revving Up” – La prochaine génération d’auteurs-compositeurs féminins partage leurs espoirs pour l’avenir ” , Playbill , 2 août 2015
94. ^ Purcell, Carey. « Fun Home Duo Make History as First All-Female Writing Team to Win the Tony » , Playbill, 7 juin 2015, consulté le 7 novembre 2015
95. ^ Kaye, Kimberley. « Broadway.com à 10 : les 10 plus grandes tendances de Broadway de la décennie » , Broadway.com, 10 mai 2010, consulté le 14 août 2012
96. ^ ^{un b} Kenrick, John. “The 1980s” , History of Musical Film, musicals101.com, consulté le 11 juillet 2014 ; et Kenrick, John. « Les années 1990 : Disney et au-delà » , Histoire du film musical, musicals101.com, consulté le 11 juillet 2014
97. ^ Robert Bianco (6 décembre 2013). ” ‘Sound of Music’ était un peu décalé” . USA TODAY .
98. ^ Bill Carter (9 décembre 2013). “NBC dit qu’il mettra un spectacle, encore une fois” . Le New York Times .
99. ^ ” Le Wiz Live Ratings Strong: NBC Musical attire 11,5 millions de téléspectateurs” . Variété . Récupéré le 4 décembre 2015 .
100. ^ Jane Martinson (15 décembre 2015). “Alors qu’ITV se prépare pour The Sound of Music Live, regardons-nous l’avenir de la télévision?” . Le Gardien .
101. ^ Sophie Gilbert (1er février 2016). “Grease: Live fait le meilleur cas à ce jour pour la comédie musicale télévisée” . L’Atlantique .
102. ^ Michael O’Connell (1er février 2016). “Les cotes d’écoute : ‘Grease Live’ augmentent sur Fox, attirent 12,2 millions de téléspectateurs” . Le journaliste hollywoodien .
103. ^ Fierberg, Ruthie (1er novembre 2017). “Regardez en direct ce premier aperçu de Fox’s A Christmas Story !” . Playbill . Consulté le 1er novembre 2017 .
104. ^ Turchiano, Danielle (29 octobre 2018). “Tinashe et Kiersey Clemons parmi les acteurs de la version live de ‘Rent’ de Fox ” . Variété .
105. ^ Cubillas, Sean. « Family Guy : 10 meilleurs numéros musicaux » , CBR.com, 9 mars 2020
106. ^ Roush, Matt (30 juin 2008). “Exclusif : premier regard sur “Dr. Horrible” ” . TVGuide.com . Récupéré le 26 mai 2009 .
107. ^ Edwards, Belén. “Les chansons originales de Schmigadoon ! Capturent parfaitement la joie des comédies musicales” , Mashable, 22 juillet 2021
108. ^ “La Ligue de Broadway prolonge l’arrêt jusqu’en juin 2021” . www.ny1.com . Récupéré le 18 janvier 2021 .
109. ^ “West End confirme la fermeture jusqu’au moins août” . WhatsOnStage . 3 juin 2020.
110. ^ “Le meilleur théâtre à regarder en ligne en ce moment” . Time Out dans le monde . Archivé de l’original le 2020-04-06 . Récupéré le 07/04/2020 .
111. ^ Convery, Stéphanie; Rawson, Sharnee (2020-03-20). “Calendrier de diffusion en direct : musique, art, littérature et événements d’Australie et d’ailleurs” . Le Gardien . ISSN 0261-3077 . Archivé de l’original le 2020-03-26 . Récupéré le 26/03/2020 .
112. ^ “Des spectacles, des comédies musicales et des opéras que vous pouvez regarder en ligne maintenant gratuitement | WhatsOnStage” . whatsonstage.com . Archivé de l’original le 2020-04-09 . Récupéré le 09/04/2020 .
113. ^ Unitt, Chris. “Numérique Culturel : Flux” . streams.culturaldigital.com . Récupéré le 10/04/2020 .
114. ^ “Séances de théâtre gratuites – Google Drive” . docs.google.com . Récupéré le 10/04/2020 .
115. ^ “STC virtuel” . Compagnie de théâtre de Sydney . Archivé de l’original le 2020-04-17 . Récupéré le 15/04/2020 .
116. ^ Haylock, Zoé (6 avril 2020). “La réunion de Hamilton Cast se produit dans des pièces séparées” . Vautour . Archivé de l’original le 13 avril 2020 . Consulté le 13 avril 2020 .
117. ^ “Mamma Mia! Le casting original de West End chante un hommage isolé au NHS et un membre de la distribution avec un coronavirus” . Norme du soir . 7 avril 2020. Archivé de l’original le 14 avril 2020 . Récupéré le 14 avril 2020 .
118. ^ “Revue: Twelfth Night Live du Maltings Theatre – Theatre Weekly” . 12 juin 2020 . Récupéré le 15 juin 2020 .
119. ^ “BBC Radio 3 – Libre Pensée, L’avenir du débat théâtral” . Récupéré le 13 juin 2020 .
120. ^ Meyer, Dan (17 décembre 2020). “Des créateurs de vidéos originaux ont été sollicités pour fournir de la musique à Ratatouille : la comédie musicale TikTok ; Lucy Moss pour diriger” . Playbill . Consulté le 24 décembre 2020 .
121. ^ Evans, Greg (28 décembre 2020). ” ‘Ratatouille: The TikTok Musical’ All-Star Cast Inclure Wayne Brady, Tituss Burgess & Adam Lambert” . Récupéré le 18 janvier 2021 .
122. ^ “Le salon où ça se passe: le film Hamilton sera présenté en première sur Disney +” . Le Gardien . 12 mai 2020.
123. ^ “La série The Show Must Go On d’Andrew Lloyd Webber: des comédies musicales dont Joseph seront diffusées en ligne gratuitement” . Norme du soir . 3 avril 2020. Archivé de l’original le 4 avril 2020 . Récupéré le 10 avril 2020 .
124. ^ “Le Conseil des arts d’Angleterre a lancé un programme de secours d’urgence de 190 millions de dollars pour les organisations créatives et les artistes” . Actualités artnet . 2020-03-25. Archivé de l’original le 2020-03-27 . Récupéré le 27/03/2020 .
125. ^ Cooper, Nathanaël (2020-04-08). “27 millions de dollars pour les organismes artistiques dans un nouveau programme de soutien ciblé” . Le Sydney Morning Herald . Archivé de l’original le 2020-04-10 . Récupéré le 09/04/2020 .
126. ^ Jacobs, Julia (2020-03-24). “Les groupes artistiques, face à leur propre crise virale, obtiennent une part du stimulus” . Le New York Times . ISSN 0362-4331 . Archivé de l’original le 2020-03-27 . Récupéré le 27/03/2020 .
127. ^ Cave, Damien et Michael Paulson. “Broadway Is Dark. London Is Quiet. But in Australia, It’s Showtime” , The New York Times , 27 février 2021
128. ^ McPhee, Ryan. “Le Royaume-Uni reporte la feuille de route de la réouverture ; les théâtres du West End ne rouvriront plus complètement en juin” , Playbill , 14 juin 2021
129. ^ Garvey, Marianne. “Pas de rappel ni d’entracte. Broadway est de retour, mais cet acte est différent d’avant” , CNN, 2 septembre 2021
130. ^ Blake, Elissa. ” Hamilton, Come From Away parmi les émissions à clôturer pendant le verrouillage instantané de Covid à Sydney” , The Guardian , 25 juin 2021
131. ^ “Les émissions de Broadway, récemment rouvertes après COVID, font face à de nouvelles annulations” , NPR, 16 décembre 2021
132. ^ Jha, p. 1970
133. ^ ^{un bc} Zhou, Xiaoyan ^. Entrer en scène , Beijing Review , 2011, p. 42
134. ^ Jalons: 2005–2009 , Town Square Productions, consulté le 30 septembre 2013
135. ^ Les principales organisations représentant des groupes de théâtre amateur comprennent la National Operatic and Dramatic Association au Royaume-Uni, l’American Association of Community Theatre aux États-Unis et l’International Amateur Theatre Association. Les groupes scolaires comprennent l’Educational Theatre Association, qui compte 5 000 groupes scolaires membres aux États-Unis. Voir Nadworny, Elissa. « The Most Popular High School Plays and Musicals » , NPR , 13 novembre 2015, consulté le 14 mars 2016
136. ^ Filichia, Peter . (2004) Mettons une comédie musicale ! : Comment choisir le bon spectacle pour votre théâtre scolaire, communautaire ou professionnel , Publications Watson-Guptill, ISBN 0823088170
137. ^ ^{un b} Lynch, Minet. « Community Theatre History » , American Association of Community Theatre, consulté le 14 mars 2016
138. ^ ^{un b} Cellier, François ; Cunningham, Bridgeman (1914). Gilbert et Sullivan et leurs opéras . Londres : Sir Isaac Pitman & Sons. p. 393–394.
139. ^ Nadworny, Elissa. « The Most Popular High School Plays and Musicals » , NPR.org, 13 novembre 2015, consulté le 14 mars 2016
140. ^ “La Ligue de Broadway annonce les résultats de la saison de théâtre de Broadway 2007–2008” (communiqué de presse). Ligue de Broadway. 28 mai 2008. Archivé de l’original le 22 février 2010 . Récupéré le 26 mai 2009 .
141. ^ “La ligue publie les” données démographiques annuelles du rapport d’audience de Broadway “pour 06-07” (communiqué de presse). Ligue de Broadway. 5 novembre 2007. Archivé de l’original le 22 février 2010 . Récupéré le 26 mai 2009 .
142. ^ “Record Attendances alors que Theatreland célèbre 100 ans” (PDF) (Communiqué de presse). Société du théâtre de Londres. 18 janvier 2008. Archivé de l’original (PDF) le 29 octobre 2008 . Récupéré le 26 mai 2009 .
143. ^ Riche, Franc. “Conversations avec Sondheim” . Magazine du New York Times , 12 mars 2000

Livres cités

• Alain, Paul; Harvie, Jen (2014). Le compagnon Routledge du théâtre et de la performance . Routledge . ISBN 978-0-4156-3631-5.
• Allen, Robert C. (vers 1991). Horrible Joaillerie: Burlesque et Culture Américaine . Université de Caroline du Nord. ISBN 978-0-8078-1960-9.
• Bradley, Ian (2005). Oh joie! Ô Ravissement ! Le phénomène durable de Gilbert et Sullivan . Presse universitaire d’Oxford. ISBN 0-19-516700-7.
• Buelow, George J. (2004). Une histoire de la musique baroque . Bloomington, Indiana : Indiana University Press. ISBN 978-0-253-34365-9.
• Carter, Tim ; Butt, John , éd. (2005). L’histoire de Cambridge de la musique du dix-septième siècle . L’histoire de la musique de Cambridge . Vol. 1. Presse universitaire de Cambridge. p. 591. ISBN 978-0-521-79273-8. Archivé de l’original le 12/01/2013 . Récupéré le 26/05/2009 .
• Cohen, Robert; Sherman, Donovan (2020). Théâtre: Bref (douzième éd.). New York : McGraw-Hill Education. ISBN 978-1-260-05738-6. OCLC 1073038874 .
• Everett, William A.; Laird, Paul R. , éds. (2002). Le Compagnon de Cambridge à la comédie musicale . Compagnons de Cambridge pour la musique . La presse de l’Universite de Cambridge. ISBN 978-0-521-79189-2.
• Gokulsing, K. Moti; Dissanayake, Wimal (2004) [1998]. Cinéma populaire indien: un récit du changement culturel (éd. révisée et mise à jour). Stoke on Trent : Trentham. p. 161. ISBN 978-1-85856-329-9.
• Hoppin, Richard H. , éd. (1978). Anthologie de la musique médiévale . Introduction de Norton à l’histoire de la musique. New York : Norton. ISBN 978-0-393-09080-2.
• Corne, Barbara Lee (1991). L’âge des cheveux : évolution et impact de la première comédie musicale rock de Broadway . New York : Greenwood Press. p. 166 . ISBN 978-0-313-27564-7.
• En ligneJha, Subhash K. (2005). Le guide essentiel de Bollywood . Livres Roli. ISBN 81-7436-378-5.
• En ligneJones, John B. (2003). Nos comédies musicales, nous-mêmes . Hanovre : University Press of New England. ISBN 978-0-87451-904-4.
• Seigneur, Suzanne (2003). Brinkman, David (éd.). Musique de l’âge de Shakespeare : Une histoire culturelle . Westport, Connecticut : Greenwood Press. ISBN 978-0-313-31713-2.
• Lubbock, Mark (2002) [1962]. “Théâtre musical américain: une introduction” . Le livre complet de l’opéra léger (1ère éd.). Londres : Putnam. pp. 753–756.
• Morley, Sheridan (1987). Répandre un peu de bonheur : les cent premières années de la comédie musicale britannique . Londres : Tamise et Hudson. ISBN 978-0-500-01398-4.
• Parker, Roger , éd. (2001). L’histoire illustrée d’Oxford de l’opéra . Oxford Illustrated Histories (éd. illustré). Presse universitaire d’Oxford. p. 541.ISBN _ 978-0-19-285445-2.
• Rubin, Don; Solórzano, Carlos , éd. (2000). L’Encyclopédie mondiale du théâtre contemporain : les Amériques . New York : Routledge. ISBN 0-415-05929-1.
• Shakespeare, William (1998) [Première publication 1623]. Orgel, Stephen (éd.). La Tempête . L’Oxford Shakespeare. Presse universitaire d’Oxford. p. 248 . ISBN 978-0-19-283414-0.
• Wilmeth, Don B.; Miller, Tice L., éd. (1996). Guide de Cambridge sur le théâtre américain (2e éd.). La presse de l’Universite de Cambridge. ISBN 978-0-521-56444-1.
• Wollman, EL (2006). The Theatre Will Rock: une histoire de la comédie musicale rock: de Hair à Hedwig . Michigan : presse de l’Université du Michigan. ISBN 0-472-11576-6.

Lectures complémentaires

• Bauche, Marc. La comédie musicale américaine . Marbourg, Allemagne: Tectum Verlag, 2003. ISBN 3-8288-8458-X
• Bloom, Ken ; Vlastnik, Frank (2004-10-01). Comédies Musicales De Broadway : Les 101 Plus Grands Spectacles De Tous Les Temps . New York : Éditeurs Black Dog et Leventhal. ISBN 1-57912-390-2.
• Bordman, Gérald (1978). Théâtre musical américain : une chronique . New York : presse universitaire d’Oxford. viii, 749 p. ISBN 0-19-502356-0
• Botto, Louis; Mitchell, Brian Stokes (2002). Dans ce théâtre : 100 ans de spectacles, d’histoires et d’étoiles de Broadway . New York; Milwaukee, WI: Applause Theatre & Cinema Books / Playbill. ISBN 978-1-55783-566-6.
• Bryant, Jye (2018). Écriture et mise en scène d’une nouvelle comédie musicale : un manuel . Édition directe Kindle . ISBN 9781730897412.
• Citron, Stephen (1991). La comédie musicale, de l’intérieur vers l’extérieur . Chicago, Illinois : IR Dee. 336 p. ISBN 0-929587-79-0
• Ewen, David (1961). L’histoire du théâtre musical américain . Première éd. Philadelphie : Chilton. v, 208 p.
• Ganzl, Kurt . L’Encyclopédie du théâtre musical (3 volumes). New York : Schirmer Books, 2001.
• Kantor, Michael; Maslon, Laurence (2004). Broadway : La comédie musicale américaine . New York : Bulfinch Press. ISBN 0-8212-2905-2.
• Morden, Ethan (1999). Beautiful Mornin’ : La comédie musicale de Broadway dans les années 1940 . New York : presse universitaire d’Oxford. ISBN 0-19-512851-6.
• Stempel, Larry. Showtime: Une histoire du théâtre musical de Broadway (WW Norton, 2010) 826 pages; histoire complète depuis le milieu du XIXe siècle.
• Traubner, Richard . Opérette : une histoire théâtrale . Garden City, New York: Doubleday & Company, 1983

Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés au théâtre musical .

• Base de données Internet Broadway – Listes de distribution et de production, listes de chansons et listes de récompenses
• Guidetomusicaltheatre.com – synopsis, listes de distribution, listes de chansons, etc.
• La maison musicale de Broadway
• Histoire des comédies musicales (site Web du musée V&A)
• Castalbumdb – Base de données d’albums de distribution musicale
• Synopsis et descriptions des personnages de la plupart des grandes comédies musicales (StageAgent.com)

Au sous-sol, il y avait beaucoup de gens qui aimaient le théâtre qu’ils jouaient et faisaient.