Théâtre

Le théâtre ou le théâtre ^[a] est une forme collaborative d’ art de la scène qui utilise des artistes en direct, généralement des acteurs ou des actrices , pour présenter l’expérience d’un événement réel ou imaginaire devant un public en direct dans un lieu spécifique, souvent une scène. Les interprètes peuvent communiquer cette expérience au public par des combinaisons de gestes , de paroles, de chants, de musique et de danse . Des éléments d’art, tels que des décors peints et des mises en scène telles que l’éclairage , sont utilisés pour améliorer le caractère physique, la présence et l’immédiateté de l’expérience. ^[1]Le lieu spécifique de la représentation est également nommé par le mot “théâtre” dérivé du grec ancien θέατρον (théatron, “un lieu de visionnage”), lui-même issu de θεάομαι (theáomai, “voir”, “regarder”, ” observer”).

Sarah Bernhardt comme Hamlet , en 1899

Le théâtre occidental moderne provient, dans une large mesure, du théâtre de la Grèce antique , auquel il emprunte la terminologie technique, la classification en Genres , et bon nombre de ses thèmes , personnages courants et éléments de l’intrigue. L’artiste de théâtre Patrice Pavis définit la théâtralité, le langage théâtral , l’écriture scénique et la spécificité du théâtre comme des expressions synonymes qui différencient le théâtre des autres Arts de la scène , de la littérature et des arts en général. ^{[2] [b]}

Le théâtre moderne comprend des représentations de pièces de théâtre et de théâtre musical . Les formes d’art du ballet et de l’opéra sont aussi du théâtre et utilisent de nombreuses conventions telles que le jeu d’ acteur , les costumes et la mise en scène. Ils ont eu une influence sur le développement du théâtre musical ; voir ces articles pour plus d’informations.

Histoire du théâtre

Grèce classique et hellénistique

Théâtre grec de Taormina , Sicile , Italie Une représentation d’acteurs jouant les rôles d’un maître (à droite) et de son esclave (à gauche) dans une pièce grecque de phlyax , vers 350/340 avant notre ère

La cité-état d’ Athènes est à l’origine du théâtre occidental. ^{[3] [4] [5] [c]} Cela faisait partie d’une culture plus large de théâtralité et de performance dans la Grèce classique qui comprenait des festivals , des rituels religieux , de la politique , du droit , de l’athlétisme et de la gymnastique, de la musique , de la poésie , des mariages, des funérailles et colloques . ^{[6] [5] [7] [8] [d]}

La participation aux nombreux festivals de la cité-État – et la présence obligatoire à la City Dionysia en tant que spectateur (ou même en tant que participant aux productions théâtrales) en particulier – était une partie importante de la citoyenneté . ^[10] La participation civique impliquait également l’évaluation de la rhétorique des orateurs mise en évidence dans les représentations au palais de justice ou à l’assemblée politique , qui étaient toutes deux comprises comme analogues au théâtre et en venaient de plus en plus à absorber son vocabulaire dramatique. ^{[11] [12]} Les Grecs ont également développé les concepts de critique dramatique et d’architecture théâtrale. ^{[13][14] [15]} Les acteurs étaient amateurs ou au mieux semi-professionnels. ^[16] Le théâtre de la Grèce antique se composait de trois types de drames : la tragédie , la comédie et la pièce de théâtre satyre . ^[17]

Les origines du théâtre dans la Grèce antique, selon Aristote (384-322 av. J.-C.), le premier théoricien du théâtre, se trouvent dans les fêtes qui honoraient Dionysos. Les représentations ont été données dans des auditoriums semi-circulaires découpés à flanc de colline, pouvant accueillir de 10 000 à 20 000 personnes. La scène se composait d’une piste de danse (orchestre), d’une loge et d’une zone de construction de scène (skene). Étant donné que les mots étaient la partie la plus importante, une bonne acoustique et une livraison claire étaient primordiales. Les acteurs (toujours des hommes) portaient des masques adaptés aux personnages qu’ils représentaient, et chacun pouvait jouer plusieurs rôles. ^[18]

La tragédie athénienne – la plus ancienne forme de tragédie qui subsiste – est un type de danse -drame qui constituait une partie importante de la culture théâtrale de la cité-état. ^{[3] [4] [5] [19] [20] [e]} Ayant émergé au cours du 6ème siècle avant notre ère, il a fleuri au cours du 5ème siècle avant notre ère (à partir de la fin duquel il a commencé à se répandre dans le monde grec), et a continué à être populaire jusqu’au début de la période hellénistique . ^{[22] [23] [4] [f]}

Aucune tragédie du 6ème siècle avant notre ère et seulement 32 des plus d’un millier qui ont été jouées au cours du 5ème siècle avant notre ère ont survécu. ^{[25] [26] [g]} Nous avons des textes complets existants par Eschyle , Sophocle et Euripide . ^{[27] [h]} Les origines de la tragédie restent obscures, bien qu’au 5ème siècle avant notre ère, elle ait été institutionnalisée dans des compétitions ( agon ) organisées dans le cadre de festivités célébrant Dionysos (le dieu du vin et de la fertilité ). ^{[28] [29]}En tant que candidats au concours City Dionysia (le plus prestigieux des festivals de théâtre), les dramaturges devaient présenter une tétralogie de pièces (bien que les œuvres individuelles ne soient pas nécessairement liées par une histoire ou un thème), qui consistait généralement en trois tragédies et une jeu de satyre. ^{[30] [31] [i]} L’exécution de tragédies à la ville Dionysia peut avoir commencé dès 534 avant notre ère; les archives officielles ( didaskaliai ) commencent à partir de 501 avant notre ère, lorsque la pièce de théâtre satyre a été introduite. ^{[32] [30] [j]}

La plupart des tragédies athéniennes dramatisent les événements de la mythologie grecque , bien que Les Perses – qui mettent en scène la réponse perse à la nouvelle de leur défaite militaire à la bataille de Salamine en 480 avant notre ère – soient l’exception notable dans le drame survivant. ^{[30] [k]} Quand Eschyle a remporté le premier prix à la City Dionysia en 472 avant notre ère, il écrivait des tragédies depuis plus de 25 ans, mais son traitement tragique de l’histoire récente est le premier exemple de drame à survivre. ^{[30] [34]} Plus de 130 ans plus tard, le philosophe Aristote a analysé la tragédie athénienne du 5ème siècle dans le plus ancien ouvrage survivant dethéorie dramatique – sa Poétique (vers 335 avant notre ère).

La comédie athénienne est classiquement divisée en trois périodes, “Old Comedy”, “Middle Comedy” et “New Comedy”. La comédie ancienne survit aujourd’hui en grande partie sous la forme des onze pièces d’ Aristophane , tandis que la comédie moyenne est largement perdue (conservée uniquement dans des fragments relativement courts chez des auteurs tels qu’Athénée de Naucratis ). La Nouvelle Comédie est principalement connue à partir des fragments de papyrus substantiels de Ménandre . Aristote a défini la comédie comme une représentation de personnes risibles qui implique une sorte de gaffe ou de laideur qui ne cause ni douleur ni catastrophe. ^[l]

En plus des catégories de comédie et de tragédie à la City Dionysia, le festival comprenait également le Satyr Play . Trouvant ses origines dans les rituels ruraux et agricoles dédiés à Dionysos, la pièce satyre a finalement trouvé son chemin vers Athènes sous sa forme la plus connue. Les satyres eux-mêmes étaient liés au dieu Dionysos en tant que ses fidèles compagnons des bois, se livrant souvent à des réjouissances ivres et à des méfaits à ses côtés. La pièce de théâtre satyre elle-même a été classée comme tragi-comédie, se situant du côté des traditions burlesques plus modernes du début du XXe siècle. Les intrigues des pièces concernaient généralement les relations du panthéon des dieux et leur implication dans les affaires humaines, soutenues par le chœur des satyres . Cependant, selon Webster, les acteurs satyres n’exécutaient pas toujours des actions satyres typiques et rompaient avec les traditions d’acteur attribuées au type de personnage d’une créature forestière mythique. ^[35]

Théâtre romain

Mosaïque représentant des acteurs masqués dans une pièce de théâtre : deux femmes consultent une “sorcière”

Le théâtre occidental s’est développé et s’est considérablement développé sous les Romains . L’historienne romaine Tite -Live a écrit que les Romains ont fait l’expérience du théâtre pour la première fois au 4ème siècle avant notre ère, avec une représentation d’ acteurs étrusques . ^[36] Beacham soutient qu’ils étaient familiers avec les “pratiques pré-théâtrales” depuis un certain temps avant ce contact enregistré. ^[37] Le théâtre de la Rome antique était une forme d’art florissante et diversifiée, allant des spectacles de festival de théâtre de rue , de danse nue et d’ acrobaties , à la mise en scène des comédies de situation largement attrayantes de Plaute , auxtragédies de haut style et verbalement élaborées de Sénèque . Bien que Rome ait une tradition indigène de représentation, l’ hellénisation de la culture romaine au IIIe siècle avant notre ère a eu un effet profond et énergisant sur le théâtre romain et a encouragé le développement d’une littérature latine de la plus haute qualité pour la scène. Les seules pièces de théâtre survivantes de l’Empire romain sont dix drames attribués à Lucius Annaeus Seneca (4 BCE-65 CE), le philosophe stoïcien né à Cordoue et tuteur de Néron. ^[38]

Théâtre indien

Koothu est une ancienne forme d’art du spectacle originaire du début du Tamilakam .

Les fragments de drame sanskrit les plus anciens qui subsistent datent du 1er siècle de notre ère. ^{[39] [40]} La richesse des preuves archéologiques des périodes antérieures n’offre aucune indication de l’existence d’une tradition de théâtre. ^[41] Les anciens Védas ( hymnes entre 1500 et 1000 avant notre ère qui sont parmi les premiers exemples de littérature dans le monde) n’en contiennent aucune allusion (bien qu’un petit nombre soient composés sous forme de dialogue ) et les rituels des Védiques période ne semble pas s’être transformée en théâtre. ^[41] Le Mahābhāṣya de Patañjalicontient la première référence à ce qui a pu être les germes du drame sanskrit. ^[42] Ce traité de grammaire de 140 av. J.-C. fournit une date plausible pour les débuts du théâtre en Inde . ^[42]

La principale source de preuves du théâtre sanskrit est A Treatise on Theatre ( Nātyaśāstra ), un recueil dont la date de composition est incertaine (les estimations vont de 200 avant notre ère à 200 de notre ère) et dont la paternité est attribuée à Bharata Muni . Le Traité est l’ouvrage de dramaturgie le plus complet du monde antique. Il aborde le jeu d’acteur , la danse , la musique , la construction dramatique , l’ architecture , le costume , le maquillage , les accessoires , l’organisation des compagnies, le public, les concours, et propose une mise en scène mythologique .compte de l’origine du théâtre. ^[42] Ce faisant, il donne des indications sur la nature des pratiques théâtrales réelles. Le théâtre sanskrit était joué sur un terrain sacré par des prêtres qui avaient été formés aux compétences nécessaires (danse, musique et récitation) dans un [processus héréditaire]. Son but était à la fois d’éduquer et de divertir.

Interprète jouant Sugriva dans la forme Koodiyattam du théâtre sanskrit

Placés sous le patronage des cours royales, les artistes interprètes appartenaient à des compagnies professionnelles dirigées par un régisseur ( sutradhara ), qui pouvait également jouer le rôle d’acteur. ^{[39] [42]} Cette tâche était considérée comme étant analogue à celle d’un marionnettiste – le sens littéral de ” sutradhara ” est “le détenteur des cordes ou des fils”. ^[42] Les interprètes ont été formés rigoureusement à la technique vocale et physique. ^[43]Il n’y avait aucune interdiction contre les interprètes féminines; les entreprises étaient entièrement masculines, entièrement féminines et mixtes. Cependant, certains sentiments étaient considérés comme inappropriés pour les hommes et convenaient mieux aux femmes. Certains interprètes ont joué des personnages de leur âge, tandis que d’autres ont joué des âges différents du leur (qu’ils soient plus jeunes ou plus âgés). De tous les éléments du théâtre, le Traité accorde le plus d’attention au jeu d’acteur ( abhinaya ), qui se compose de deux styles : réaliste ( lokadharmi ) et conventionnel ( natyadharmi ), bien que l’accent soit mis sur ce dernier. ^{[43] [h]}

Son drame est considéré comme la plus haute réalisation de la littérature sanskrite . ^[39] Il utilisait des personnages de base , tels que le héros ( nayaka ), l’héroïne ( nayika ) ou le clown ( vidusaka ). Les acteurs peuvent s’être spécialisés dans un type particulier. Kālidāsa au 1er siècle avant notre ère, est sans doute considéré comme le plus grand dramaturge sanskrit de l’ Inde ancienne. Trois célèbres pièces romantiques écrites par Kālidāsa sont le Mālavikāgnimitram ( Mālavikā et Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( concernant Vikrama et Urvashi ) et Abhijñānaśākuntala (La reconnaissance de Shakuntala ). Le dernier a été inspiré par une histoire du Mahabharata et est le plus célèbre. C’était le premier à être traduit en anglais et en allemand . Śakuntalā (en traduction anglaise) a influencé le Faust de Goethe (1808–1832). ^[39]

Le prochain grand dramaturge indien était Bhavabhuti (vers le 7ème siècle de notre ère). Il aurait écrit les trois pièces suivantes : Malati-Madhava , Mahaviracharita et Uttar Ramacharita . Parmi ces trois, les deux derniers couvrent à eux deux toute l’épopée du Ramayana . Le puissant empereur indien Harsha (606-648) est crédité d’avoir écrit trois pièces : la comédie Ratnavali , Priyadarsika , et le drame bouddhiste Nagananda .

Théâtre chinois

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Représentation publique au Jade Dragon Snow Mountain Open Air Theatre

La dynastie Tang est parfois connue sous le nom de “L’âge des 1000 divertissements”. À cette époque, Ming Huang a formé une école de théâtre connue sous le nom de The Pear Garden pour produire une forme de drame principalement musicale. C’est pourquoi les acteurs sont communément appelés “Enfants du Jardin des Poiriers”. Sous la dynastie de l’impératrice Ling, le théâtre d’ ombres est apparu pour la première fois comme une forme de théâtre reconnue en Chine. Il y avait deux formes distinctes de marionnettes d’ombres, pékinois (nord) et cantonais (sud). Les deux styles se différencient par la méthode de fabrication des marionnettes et le positionnement des tiges sur les marionnettes , par opposition au type de jeu .joué par les marionnettes. Les deux styles interprétaient généralement des pièces illustrant de grandes aventures et de la fantaisie, cette forme de théâtre très stylisée était rarement utilisée pour la propagande politique.

Les ombres chinoises cantonaises étaient les plus grandes des deux. Ils ont été construits avec du cuir épais qui a créé des ombres plus substantielles. La couleur symbolique était également très répandue; un visage noir représentait l’honnêteté, un rouge la bravoure. Les tiges utilisées pour contrôler les marionnettes cantonaises étaient attachées perpendiculairement à la tête des marionnettes. Ainsi, ils n’ont pas été vus par le public lorsque l’ombre a été créée. Les marionnettes pékinoises étaient plus délicates et plus petites. Ils ont été créés à partir de cuir fin et translucide (généralement prélevé sur le ventre d’un âne). Ils ont été peints avec des peintures vibrantes, ils projettent ainsi une ombre très colorée. Les fines tiges qui contrôlaient leurs mouvements étaient attachées à un collier de cuir au niveau du cou de la marionnette. Les tiges étaient parallèles aux corps de la marionnette, puis tournaient à un angle de quatre-vingt-dix degrés pour se connecter au cou. Alors que ces tiges étaient visibles lorsque l’ombre était projetée, elles se trouvaient à l’extérieur de l’ombre de la marionnette; ainsi, ils n’ont pas interféré avec l’apparence de la figure. Les tiges fixées au niveau des cols facilitent l’utilisation de plusieurs têtes avec un seul corps. Lorsque les têtes n’étaient pas utilisées, elles étaient stockées dans un livre de mousseline ou une boîte doublée de tissu. Les têtes étaient toujours enlevées la nuit. Cela était conforme à la vieille superstition selon laquelle si elles étaient laissées intactes, les marionnettes prendraient vie la nuit. Certains marionnettistes sont allés jusqu’à ranger les têtes dans un livre et les corps dans un autre, pour réduire encore la possibilité de réanimer les marionnettes. Le théâtre d’ombres aurait atteint son point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement. ainsi, ils n’ont pas interféré avec l’apparence de la figure. Les tiges fixées au niveau des cols facilitent l’utilisation de plusieurs têtes avec un seul corps. Lorsque les têtes n’étaient pas utilisées, elles étaient stockées dans un livre de mousseline ou une boîte doublée de tissu. Les têtes étaient toujours enlevées la nuit. Cela était conforme à la vieille superstition selon laquelle si elles étaient laissées intactes, les marionnettes prendraient vie la nuit. Certains marionnettistes sont allés jusqu’à ranger les têtes dans un livre et les corps dans un autre, pour réduire encore la possibilité de réanimer les marionnettes. Le théâtre d’ombres aurait atteint son point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement. ainsi, ils n’ont pas interféré avec l’apparence de la figure. Les tiges fixées au niveau des cols facilitent l’utilisation de plusieurs têtes avec un seul corps. Lorsque les têtes n’étaient pas utilisées, elles étaient stockées dans un livre de mousseline ou une boîte doublée de tissu. Les têtes étaient toujours enlevées la nuit. Cela était conforme à la vieille superstition selon laquelle si elles étaient laissées intactes, les marionnettes prendraient vie la nuit. Certains marionnettistes sont allés jusqu’à ranger les têtes dans un livre et les corps dans un autre, pour réduire encore la possibilité de réanimer les marionnettes. Le théâtre d’ombres aurait atteint son point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement. Lorsque les têtes n’étaient pas utilisées, elles étaient stockées dans un livre de mousseline ou une boîte doublée de tissu. Les têtes étaient toujours enlevées la nuit. Cela était conforme à la vieille superstition selon laquelle si elles étaient laissées intactes, les marionnettes prendraient vie la nuit. Certains marionnettistes sont allés jusqu’à ranger les têtes dans un livre et les corps dans un autre, pour réduire encore la possibilité de réanimer les marionnettes. Le théâtre d’ombres aurait atteint son point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement. Lorsque les têtes n’étaient pas utilisées, elles étaient stockées dans un livre de mousseline ou une boîte doublée de tissu. Les têtes étaient toujours enlevées la nuit. Cela était conforme à la vieille superstition selon laquelle si elles étaient laissées intactes, les marionnettes prendraient vie la nuit. Certains marionnettistes sont allés jusqu’à ranger les têtes dans un livre et les corps dans un autre, pour réduire encore la possibilité de réanimer les marionnettes. Le théâtre d’ombres aurait atteint son point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement. pour réduire davantage la possibilité de réanimer des marionnettes. Le théâtre d’ombres aurait atteint son point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement. pour réduire davantage la possibilité de réanimer des marionnettes. Le théâtre d’ombres aurait atteint son point culminant de développement artistique au XIe siècle avant de devenir un outil du gouvernement.

Sous la dynastie Song , il y avait de nombreuses pièces populaires impliquant des acrobaties et de la musique. Ceux-ci se sont développés sous la dynastie Yuan en une forme plus sophistiquée connue sous le nom de zaju , avec une structure en quatre ou cinq actes. Le théâtre Yuan s’est répandu à travers la Chine et s’est diversifié dans de nombreuses formes régionales, dont l’une des plus connues est l’opéra de Pékin qui est toujours populaire aujourd’hui.

Xiangsheng est une certaine performance comique traditionnelle chinoise sous forme de monologue ou de dialogue.

Théâtre indonésien

Rama et Shinta dans le spectacle de Wayang Wong près du complexe du temple de Prambanan

En Indonésie , les représentations théâtrales sont devenues une partie importante de la culture locale, les représentations théâtrales en Indonésie se sont développées depuis des milliers d’années. La plupart des formes théâtrales les plus anciennes d’ Indonésie sont directement liées aux traditions littéraires locales (orales et écrites). Les principaux théâtres de marionnettes – wayang golek (jeu de marionnettes à tige en bois) des Sundanais et wayang kulit (jeu de marionnettes d’ombres en cuir) des Javanais et des Balinais – puisent une grande partie de leur répertoire dans des versions indigénisées du Ramayana et du Mahabharata .. Ces contes fournissent également la matière première du wayang wong (théâtre humain) de Java et de Bali , qui fait appel à des acteurs. Certaines performances de wayang golek, cependant, présentent également des histoires musulmanes, appelées menak . ^{[44] [45]} Wayang est une ancienne forme de narration réputée pour ses marionnettes élaborées/humaines et ses styles musicaux complexes. ^[46] Les premières preuves datent de la fin du 1er millénaire de notre ère, dans des textes et des sites archéologiques de l’époque médiévale. ^[47] Le record connu le plus ancien concernant le wayang date du 9ème siècle. Vers 840 après JC, une vieille inscription javanaise (Kawi) appelée Jaha Inscriptions émise par Maharaja Sri Lokapalaform Medang Kingdom inCentral Java mentionne trois sortes d’interprètes : atapukan, aringgit et abanol. Aringgit signifie spectacle de marionnettes Wayang, Atapukan signifie spectacle de danse masquée et abanwal signifie blague. Ringgit est décrit dans un poème javanais du XIe siècle comme une figure d’ombre en cuir.

Théâtre post-classique en Occident

Le théâtre a pris de nombreuses formes alternatives en Occident entre le XVe et le XIXe siècle, notamment la commedia dell’arte et le mélodrame . La tendance générale était loin du drame poétique des Grecs et de la Renaissance et vers un style de dialogue en prose plus naturaliste, en particulier après la révolution industrielle . ^[48]

Théâtre Royal, Drury Lane dans le West End . Ouvert en mai 1663, c’est le plus ancien théâtre de Londres. ^[49]

Le théâtre a pris une grande pause pendant 1642 et 1660 en Angleterre à cause de l’ interrègne puritain . Considérant le théâtre comme un péché, les puritains ont ordonné la fermeture des théâtres de Londres en 1642 . ^[50] Le 24 janvier 1643, les acteurs ont protesté contre l’interdiction en écrivant une brochure intitulée la remontrance d’Acteurs ou la plainte pour le silence de leur profession et le bannissement de leurs maisons de jeu de plusieurs . ^[51] Cette période de stagnation prend fin une fois que Charles II revient sur le trône en 1660 lors de la Restauration . Le théâtre (entre autres arts) a explosé, avec l’influence de la culture française, puisque Charles avait été exilé en France dans les années précédant son règne.

En 1660, deux compagnies sont autorisées à se produire, la Duke’s Company et la King’s Company . Les représentations ont eu lieu dans des bâtiments reconvertis, comme le court de tennis de Lisle . Le premier théâtre du West End , connu sous le nom de Theatre Royal à Covent Garden , à Londres, a été conçu par Thomas Killigrew et construit sur le site de l’actuel Theatre Royal, Drury Lane . ^[49]

L’un des grands changements a été le nouveau théâtre. Au lieu du type de l’ère élisabéthaine, comme le Globe Theatre , rond sans place pour que les acteurs se préparent vraiment pour l’acte suivant et sans “manières de théâtre”, la maison de théâtre s’est transformée en un lieu de raffinement, avec un scène devant et les sièges du stade en face. Comme les sièges n’étaient plus tout autour de la scène, ils sont devenus prioritaires – certains sièges étaient évidemment meilleurs que d’autres. Le roi aurait le meilleur siège de la maison : le milieu même du théâtre, qui offrait la vue la plus large de la scène ainsi que la meilleure façon de voir le point de vue et le point de fuite autour desquels la scène était construite. Philippe Jacques de Loutherbourgétait l’un des scénographes les plus influents de l’époque en raison de son utilisation de l’espace au sol et des décors.

En raison de l’agitation avant cette époque, il y avait encore une certaine controverse sur ce qui devait et ne devait pas être mis en scène. Jeremy Collier , un prédicateur, était l’un des chefs de file de ce mouvement à travers sa pièce A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage . Les croyances dans ce document étaient principalement détenues par les non-amateurs de théâtre et le reste des puritains et très religieux de l’époque. La question principale était de savoir si voir quelque chose d’immoral sur scène affecte le comportement dans la vie de ceux qui le regardent, une controverse qui se joue encore aujourd’hui. ^[52]

Facturation d’un théâtre britannique en 1829

Le XVIIe siècle a également introduit les femmes sur scène, ce qui était auparavant considéré comme inapproprié. Ces femmes étaient considérées comme des célébrités (également un concept plus récent, grâce aux idées sur l’individualisme qui ont surgi dans le sillage de l’humanisme de la Renaissance ), mais d’un autre côté, c’était encore très nouveau et révolutionnaire qu’elles soient sur scène, et certains ont dit elles n’étaient pas féminines et les méprisaient. Charles II n’aimait pas que les jeunes hommes jouent le rôle de jeunes femmes, il a donc demandé que les femmes jouent leur propre rôle. ^[53] Parce que les femmes étaient autorisées sur scène, les dramaturges avaient plus de latitude avec les rebondissements de l’intrigue, comme les femmes s’habillant en hommes et s’échappant de justesse de situations moralement délicates comme formes de comédie.

Les comédies étaient pleines de jeunes et très en vogue, avec le scénario suivant leur vie amoureuse : généralement un jeune héros espiègle professant son amour pour l’héroïne chaste et libre d’esprit vers la fin de la pièce, un peu comme The School for Scandal de Sheridan . De nombreuses comédies ont été façonnées d’après la tradition française, principalement Molière, rappelant à nouveau l’influence française ramenée par le roi et la famille royale après leur exil. Molière était l’un des meilleurs dramaturges comiques de l’époque, révolutionnant la façon dont la comédie était écrite et interprétée en combinant la commedia dell’arte italienne et la comédie française néoclassique pour créer certaines des comédies satiriques les plus durables et les plus influentes. ^[54]Les tragédies ont également été victorieuses dans leur sentiment de redressement du pouvoir politique, particulièrement poignant en raison de la récente restauration de la Couronne. ^[55] C’étaient aussi des imitations de la tragédie française, bien que les Français aient une plus grande distinction entre la comédie et la tragédie, tandis que les Anglais truquaient parfois les répliques et mettaient des parties comiques dans leurs tragédies. Les formes courantes de pièces non comiques étaient des comédies sentimentales ainsi que quelque chose qui serait plus tard appelé tragédie bourgeoise ou tragédie domestique – c’est-à-dire la tragédie de la vie courante – étaient plus populaires en Angleterre parce qu’elles faisaient davantage appel aux sensibilités anglaises. ^[56]

Alors que les troupes de théâtre étaient autrefois souvent itinérantes, l’idée du théâtre national s’est imposée au XVIIIe siècle, inspirée par Ludvig Holberg . Le principal promoteur de l’idée du théâtre national en Allemagne, ainsi que des poètes Sturm und Drang , était Abel Seyler , propriétaire de la Hamburgische Entreprise et de la Seyler Theatre Company . ^[57]

La “Petite Maison” du Théâtre Vanemuine de 1918 à Tartu , Estonie . ^[58]

Au cours du XIXe siècle , les formes théâtrales populaires du romantisme , du mélodrame , du burlesque victorien et des pièces bien faites de Scribe et de Sardou ont cédé la place aux pièces problématiques du naturalisme et du réalisme ; les farces de Feydeau ; l’ opéra Gesamtkunstwerk de Wagner ; théâtre musical (y compris les opéras de Gilbert et Sullivan ); FC Burnand , WS Gilbert et les comédies de salon d’ Oscar Wilde ; Symbolisme ; le proto – expressionnisme dans les œuvres tardives d’ August Strindberg et d’ Henrik Ibsen ; ^[59] et comédie musicale édouardienne .

Ces tendances se sont poursuivies tout au long du XXe siècle dans le réalisme de Stanislavski et Lee Strasberg , le théâtre politique d’ Erwin Piscator et Bertolt Brecht , le théâtre dit de l’absurde de Samuel Beckett et Eugène Ionesco , les comédies musicales américaines et britanniques, les créations collectives de des compagnies d’ acteurs et de metteurs en scène comme le Theatre Workshop de Joan Littlewood , le théâtre expérimental et postmoderne de Robert Wilson et de Robert Lepage , le théâtre postcolonial .le théâtre d’ August Wilson ou de Tomson Highway , et le Théâtre des Opprimés d’ Augusto Boal .

Traditions théâtrales orientales

Rakshasa ou le démon tel que représenté dans Yakshagana , une forme de danse musicale – drame de l’Inde

La première forme de théâtre indien fut le théâtre sanskrit . ^[60] Il a commencé après le développement du théâtre grec et romain et avant le développement du théâtre dans d’autres parties de l’Asie. ^[60] Il a émergé entre le 2ème siècle avant notre ère et le 1er siècle de notre ère et a prospéré entre le 1er siècle de notre ère et le 10ème, qui était une période de paix relative dans l’ histoire de l’Inde au cours de laquelle des centaines de pièces ont été écrites. ^{[61] [41]} Les formes japonaises de Kabuki , Nō et Kyōgen se sont développées au 17ème siècle de notre ère. ^[62] Théâtre dans leLe monde islamique médiéval comprenait le théâtre de marionnettes (qui comprenait des marionnettes à main, des jeux d’ombres et des productions de marionnettes ) et des pièces de passion en direct connues sous le nom de ta’ziya , où les acteurs rejouent des épisodes de l’histoire musulmane . En particulier, les pièces islamiques chiites tournaient autour du chahid (martyre) des fils d’ Ali , Hasan ibn Ali et Husayn ibn Ali . Les pièces profanes étaient connues sous le nom d’ akhraja , enregistrées dans la littérature adab médiévale , bien qu’elles soient moins courantes que les marionnettes et le théâtre ta’ziya . ^[63]

Les types

Drame

Le drame est le mode spécifique de fiction représenté dans la performance . ^[64] Le terme vient d’un mot grec signifiant « action », qui est dérivé du verbe δράω, dráō , « faire » ou « agir ». La mise en scène du drame au théâtre, interprétée par des comédiens sur une scène devant un public , suppose des modes de production collaboratifs et une forme de réception collective . La structure des textes dramatiques , à la différence des autres formes de littérature, est directement influencé par cette production collaborative et cette réception collective. ^[65] La première tragédie moderne Hamlet (1601) de Shakespeare et la tragédie athénienne classique Oedipus Rex (vers 429 av. J.-C.) de Sophocle comptent parmi les chefs-d’œuvre de l’art dramatique. ^[66] Un exemple moderne est Long Day’s Journey into Night d’ Eugene O’Neill (1956). ^[67]

Learn more.

Royal & Derngate

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Centre Lincoln

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Homa (rituel)

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Fiction mormone

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Considéré comme un genre de poésie en général, le mode dramatique s’oppose aux modes épique et lyrique depuis la Poétique d’ Aristote (vers 335 av. J.-C.) ; le premier ouvrage de théorie dramatique . ^[n] L’usage du “drame” au sens étroit pour désigner un type particulier de pièce date du XIXe siècle . Le drame dans ce sens fait référence à une pièce qui n’est ni une comédie ni une tragédie – par exemple, Thérèse Raquin de Zola (1873) ou Ivanov de Tchekhov (1887). Dans la Grèce antique cependant, le mot drame englobait toutes les pièces de théâtre, tragiques, comiques ou quoi que ce soit entre les deux.

Le drame est souvent combiné avec la musique et la danse : le drame à l’ opéra est généralement chanté d’un bout à l’autre ; les comédies musicales comprennent généralement à la fois des dialogues parlés et des chansons ; et certaines formes de drame ont une musique accessoire ou un accompagnement musical soulignant le dialogue ( mélodrame et Nō japonais , par exemple). ^[o] À certaines périodes de l’histoire (l’Antiquité romaine et la Romantique moderne ), certains drames ont été écrits pour être lus plutôt que joués. ^[p] En improvisation, le drame ne préexiste pas au moment de la représentation ; les interprètes conçoivent spontanément un scénario dramatique devant un public. ^[q]

Théâtre musical

Chats au London Palladium

La musique et le théâtre entretiennent une relation étroite depuis l’Antiquité – la tragédie athénienne , par exemple, était une forme de danse – drame qui employait un chœur dont les parties étaient chantées (avec l’accompagnement d’un aulos – un instrument comparable à la clarinette moderne ), de même que certaines des réponses des acteurs et leurs «chansons solo» ( monodies ). ^[68] Le théâtre musical moderne est une forme de théâtre qui combine également la musique, le dialogue parlé et la danse. Il est issu de l’opéra comique (surtout Gilbert et Sullivan ), variété ,vaudeville et Genres de music-hall de la fin du 19e et du début du 20e siècle . ^[69] Après la comédie musicale édouardienne qui a débuté dans les années 1890, les comédies musicales du Princess Theatre du début du XXe siècle, et les comédies des années 1920 et 1930 (comme les œuvres de Rodgers et Hammerstein ), avec Oklahoma ! (1943), les comédies musicales évoluent dans une direction plus dramatique. ^[r] Les comédies musicales célèbres des décennies suivantes incluent My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967),A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) et The Phantom of the Opera (1986),^[70] ainsi que des succès plus contemporains dont Rent (1994), Le Roi Lion (1997), Wicked (2003), Hamilton (2015) et Frozen (2018).

Le théâtre musical peut être produit à une échelle intime Off-Broadway , dans des théâtres régionaux et ailleurs, mais il comprend souvent un spectacle. Par exemple, les comédies musicales de Broadway et du West End incluent souvent des costumes et des décors somptueux soutenus par des budgets de plusieurs millions de dollars.

Masques théâtraux de la Tragédie et de la Comédie. Mosaïque, œuvre d’art romaine , IIe siècle de notre ère. Musées du Capitole , Rome

Comédie

Les productions théâtrales qui utilisent l’ humour comme véhicule pour raconter une histoire sont considérées comme des comédies. Cela peut inclure une farce moderne comme Boeing Boeing ou une pièce classique comme As You Like It . Le théâtre exprimant un sujet sombre, controversé ou tabou d’une manière délibérément humoristique est appelé comédie noire . La comédie noire peut avoir plusieurs Genres comme l’humour burlesque, la comédie noire et sarcastique.

La tragédie

La tragédie est donc l’imitation d’une action sérieuse, complète et d’une certaine ampleur : dans un langage orné de chaque espèce d’ornement artistique, les diverses espèces se trouvant dans des parties distinctes de la pièce ; sous forme d’action, non de récit ; par la pitié et la peur effectuant la purification appropriée de ces émotions.

— Aristote , Poétique ^[71]

L’expression d’Aristote “plusieurs types se trouvant dans des parties distinctes de la pièce” est une référence aux origines structurelles du drame. Les parties parlées y étaient écrites en dialecte attique tandis que les parties chorales (récitées ou chantées) en dialecte dorique , ces écarts reflétant les différentes origines religieuses et les mètres poétiques des parties qui ont été fusionnées en une nouvelle entité, le drame théâtral .

La tragédie fait référence à une tradition dramatique spécifique qui a joué historiquement un rôle unique et important dans l’auto-définition de la civilisation occidentale . ^{[72] [73]} Cette tradition a été multiple et discontinue, mais le terme a souvent été utilisé pour invoquer un puissant effet d’ identité culturelle et de continuité historique – « les Grecs et les Élisabéthains , sous une forme culturelle ; les Hellènes et les Chrétiens , dans une activité commune », comme le dit Raymond Williams . ^[74] De ses origines obscures dans les théâtres d’AthènesIl y a 2 500 ans, dont il ne reste qu’une fraction de l’œuvre d’ Eschyle , de Sophocle et d’Euripide , à travers ses articulations singulières dans les œuvres de Shakespeare , Lope de Vega , Racine et Schiller , jusqu’à la tragédie naturaliste plus récente de Strindberg , Beckett’s méditations modernistes sur la mort, la perte et la souffrance, et les remaniements postmodernes de Müller du canon tragique, la tragédie est restée un site important d’expérimentation culturelle, de négociation, de lutte et de changement. ^{[75] [76]}Dans le sillage de la Poétique d’Aristote (335 av. J.-C.), la tragédie a été utilisée pour faire des distinctions de genre , que ce soit à l’échelle de la poésie en général (où le tragique se divise contre l’ épique et le lyrique ) ou à l’échelle du drame (où la tragédie s’oppose à la comédie ). À l’ ère moderne , la tragédie a également été définie contre le drame, le mélodrame , le tragi-comique et le théâtre épique . ^[s]

Improvisation

L’improvisation a été une caractéristique constante du théâtre, la Commedia dell’arte du XVIe siècle étant reconnue comme la première forme d’improvisation. Popularisé par le lauréat du prix Nobel Dario Fo et des troupes telles que l’ Upright Citizens Brigade , le théâtre d’improvisation continue d’évoluer avec de nombreux courants et philosophies différents. Keith Johnstone et Viola Spolinsont reconnus comme les premiers professeurs d’improvisation des temps modernes, Johnstone explorant l’improvisation comme une alternative au théâtre scénarisé et Spolin et ses successeurs explorant l’improvisation principalement comme un outil pour développer un travail ou des compétences dramatiques ou comme une forme de comédie situationnelle. Spolin s’est également intéressé à la manière dont le processus d’apprentissage de l’improvisation était applicable au développement du potentiel humain. ^[77] Le fils de Spolin, Paul Sills a popularisé le théâtre d’improvisation en tant que forme d’art théâtral lorsqu’il a fondé, en tant que premier directeur, The Second City à Chicago.

Théories

Fête villageoise avec représentation théâtrale vers 1600

Ayant été une partie importante de la culture humaine pendant plus de 2 500 ans, le théâtre a développé un large éventail de théories et de pratiques différentes. Certains sont liés à des idéologies politiques ou spirituelles, tandis que d’autres sont basés uniquement sur des préoccupations “artistiques”. Certains processus se concentrent sur une histoire, d’autres sur le théâtre en tant qu’événement et d’autres encore sur le théâtre en tant que catalyseur du changement social. Le philosophe grec classique Aristote , dans son traité séminal, Poétique (vers 335 avant notre ère) est l’exemple le plus ancien et ses arguments ont depuis influencé les théories du théâtre. ^{[13] [14]} Dans ce document, il offre un compte rendu de ce qu’il appelle la “poésie” (un terme qui en grec signifie littéralement “faire” et dans ce contexte inclut le drame— la comédie , la tragédie et la pièce satyrique — ainsi que la poésie lyrique , la poésie épique et le dithyrambe ). Il examine ses « premiers principes » et identifie ses Genres et ses éléments de base ; son analyse de la tragédie constitue le cœur de la discussion. ^[78]

Aristote soutient que la tragédie se compose de six parties qualitatives, qui sont (par ordre d’importance) mythos ou “intrigue”, ethos ou “caractère”, dianoia ou “pensée”, lexis ou “diction”, melos ou “chanson”, et opsis ou “spectacle”. ^{[79] [80]} “Bien que la Poétique d’Aristote soit universellement reconnue dans la tradition critique occidentale “, explique Marvin Carlson , “presque chaque détail de son travail fondateur a suscité des opinions divergentes.”Konstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone et Robert Wilson (réalisateur) .

Stanislavski considérait le théâtre comme une forme d’ art autonome de la littérature et dans laquelle la contribution du dramaturge devrait être respectée comme celle d’un seul parmi un ensemble d’artistes créateurs. ^{[82] [83] [84] [85] [t]} Sa contribution innovatrice à la théorie agissante moderne est demeurée au coeur de la formation de performance occidentale traditionnelle depuis une grande partie du siècle dernier. ^{[86] [87] [88] [89] [90]} Que plusieurs des préceptes de son système de formation d’acteur semblent être de bon sens et évidents témoignent de son succès hégémonique.^[91] Les acteurs emploient fréquemment ses concepts de base sans le savoir. ^[91] Grâce à sa promotion et à son élaboration par des professeurs de théâtre anciens élèves et aux nombreuses traductions de ses écrits théoriques, le « système » de Stanislavski acquit une capacité sans précédent à franchir les frontières culturelles et développa une portée internationale, dominant les débats sur le jeu d’acteur en Europe et les États Unis. ^{[86] [92] [93] [94]} De nombreux acteurs assimilent régulièrement son « système » à la méthode nord-américaine , bien que les techniques exclusivement psychologiques de cette dernière contrastent fortement avec les techniques multivariantes, holistiques et psychophysiques de Stanislavski.approche, qui explore le personnage et l’action à la fois de « l’intérieur vers l’extérieur » et de « l’extérieur vers l’intérieur » et traite l’esprit et le corps de l’acteur comme faisant partie d’un continuum. ^{[95] [96]}

Aspects techniques

Un bâtiment de scène de théâtre dans les coulisses de l’Opéra d’État de Vienne

Le théâtre suppose des modes de production collaboratifs et une forme de réception collective . La structure des textes dramatiques , contrairement à d’autres formes de littérature , est directement influencée par cette production collaborative et cette réception collective. ^[65] La production de pièces implique généralement la contribution d’un dramaturge , d’ un régisseur , d’un directeur de production et d’un directeur technique. Selon les productions, cette équipe peut également comprendre un compositeur , un dramaturge d’un metteur en scène , d’une distribution d’ acteurs et d’une équipe de production technique qui comprend un scénographe ou un décorateur , un éclairagiste , un costumier , un concepteur sonore . , un vidéaste ou un directeur de combat .

L’auditorium tournant du théâtre d’été en plein air de Pyynikki à Tampere , Finlande

Stagecraft est un terme générique faisant référence aux aspects techniques de la production théâtrale, cinématographique et vidéo. Cela comprend, mais sans s’y limiter, la construction et le montage des décors, l’accrochage et la mise au point de l’éclairage, la conception et l’achat de costumes, le maquillage, l’achat d’accessoires, la gestion de la scène, l’enregistrement et le mixage du son. La scénographie est distincte du terme générique plus large de scénographie. Considéré comme un domaine technique plutôt qu’artistique, il concerne principalement la mise en œuvre pratique de la vision artistique d’un designer.

Dans sa forme la plus élémentaire, la scénographie est gérée par une seule personne (souvent le régisseur d’une production plus petite) qui organise tous les décors, costumes, éclairages et sons, et organise la distribution. À un niveau plus professionnel, par exemple dans les maisons modernes de Broadway, la scénographie est gérée par des centaines de charpentiers, peintres, électriciens, machinistes, piqueurs, perruquiers, etc. qualifiés. Cette forme moderne de mise en scène est hautement technique et spécialisée : elle comprend de nombreuses sous-disciplines et un vaste trésor d’histoire et de tradition. La majorité de la mise en scène se situe entre ces deux extrêmes. Les théâtres régionaux et les grands théâtres communautaires auront généralement un directeur technique et un complément de concepteurs, chacun d’eux ayant une main directe sur leurs conceptions respectives.

Sous-catégories et organisation

Il existe de nombreux mouvements théâtraux modernes qui produisent du théâtre de diverses manières. Les entreprises théâtrales varient énormément en sophistication et en but. Les personnes impliquées varient des novices et amateurs (dans le théâtre communautaire) aux professionnels (dans Broadway et des productions similaires). Le théâtre peut être joué avec un petit budget ou à grande échelle avec des budgets de plusieurs millions de dollars. Cette diversité se manifeste dans l’abondance de sous-catégories de théâtre, qui comprennent :

Théâtre de Broadway et théâtre du West End
Théâtre de rue
Théâtre communautaire
Théâtre de lecture
Souper-spectacle
Théâtre marginal
Off-Broadway et Off West End
Off-Off-Broadway
Théâtre régional aux États-Unis
Théâtre itinérant
Théâtre boursier d’été

Sociétés de répertoire

Théâtre Royal, Drury Lane , Londres, v. 1821

Alors que la plupart des compagnies de théâtre modernes répètent une pièce de théâtre à la fois, interprètent cette pièce pour une «course», retirent la pièce et commencent à répéter un nouveau spectacle, les compagnies de répertoire répètent plusieurs spectacles à la fois. Ces entreprises sont en mesure d’exécuter ces différentes pièces sur demande et effectuent souvent des travaux pendant des années avant de les retirer. La plupart des compagnies de danse fonctionnent sur ce système de répertoire. Le Théâtre Royal National de Londres se produit sur un système de répertoire.

Le théâtre de répertoire implique généralement un groupe d’acteurs accomplis de la même manière et repose davantage sur la réputation du groupe que sur un acteur vedette individuel. Il repose également généralement moins sur un contrôle strict par un réalisateur et moins sur le respect des conventions théâtrales, puisque les acteurs qui ont travaillé ensemble dans plusieurs productions peuvent se répondre sans compter autant sur les conventions ou la direction externe. ^[97]

Produire vs présenter

Intérieur du Teatro Colón , un théâtre moderne

Pour monter une pièce de théâtre, à la fois une troupe de théâtre et un salle de spectaclesont nécessaires. Lorsqu’une compagnie de théâtre est la seule compagnie en résidence dans une salle de théâtre, ce théâtre (et sa compagnie de théâtre correspondante) est appelé théâtre résident ou théâtre de production, car la salle produit sa propre œuvre. D’autres compagnies de théâtre, ainsi que des compagnies de danse, qui n’ont pas leur propre salle de théâtre, se produisent dans des théâtres de location ou dans des théâtres de présentation. Les théâtres de location et de présentation n’ont pas de compagnies résidentes à temps plein. Ils ont cependant parfois une ou plusieurs entreprises résidentes à temps partiel, en plus d’autres entreprises partenaires indépendantes qui s’arrangent pour utiliser l’espace lorsqu’il est disponible. Un théâtre de location permet aux compagnies indépendantes de rechercher l’espace, tandis qu’un théâtre de présentation recherche les compagnies indépendantes pour soutenir leur travail en les présentant sur leur scène.

Certains groupes de performance se produisent dans des espaces non théâtraux. Ces représentations peuvent avoir lieu à l’extérieur ou à l’intérieur, dans un espace de représentation non traditionnel, et comprennent le théâtre de rue et le théâtre spécifique au site . Des lieux non traditionnels peuvent être utilisés pour créer des environnements plus immersifs ou significatifs pour le public. Ils peuvent parfois être modifiés plus fortement que les salles de théâtre traditionnelles ou peuvent accueillir différents types d’équipements, d’éclairage et de décors. ^[98]

Une compagnie de tournée est une compagnie de théâtre ou de danse indépendante qui voyage, souvent à l’étranger, et qui est présentée dans un théâtre différent dans chaque ville.

Les syndicats

Il existe de nombreux syndicats de théâtre, notamment: Actors ‘Equity Association (pour les acteurs et régisseurs), la Stage Directors and Choreographers Society (SDC) et l’ International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE, pour les concepteurs et les techniciens). De nombreux théâtres exigent que leur personnel soit membre de ces organisations.

Voir également

Portail du théâtre
Portail de la société

Agissant
Antithéâtralité
Théâtre lumière noire
Théâtre culinaire
Tradition illusionniste
Liste des récompenses en théâtre
Liste des dramaturges
Liste du personnel du théâtre
Liste des festivals de théâtre
Liste des directeurs de théâtre
Listes de théâtres
Art de la performance
Marionnettes
Théâtre du lecteur
Théâtre spécifique au site
Conseillère en théâtre
Théâtre pour le développement
Théâtre (structure)
Technique théâtrale
Style théâtral
Troupe de théâtre
Journée mondiale du théâtre

Notes d’explication

^ À l’origine orthographié théâtre et teatre . D’environ 1550 à 1700 ou plus tard, l’orthographe la plus courante était le théâtre . Entre 1720 et 1750, le théâtre a été abandonné en anglais britannique , mais a été soit conservé, soit relancé en anglais américain ( Oxford English Dictionary , 2e édition, 2009, CD-ROM : ISBN 978-0-19-956383-8 ). Des dictionnaires récents d’anglais américain énumèrent le théâtre comme une variante moins courante, par exemple Random House Webster’s College Dictionary (1991) ; Le dictionnaire du patrimoine américain de la langue anglaise , 4e édition (2006);New Oxford American Dictionary , troisième édition (2010) ; Dictionnaire Merriam-Webster (2011) .
↑ S’inspirant de la « sémiotique » de Charles Sanders Peirce , Pavis poursuit en suggérant que « la spécificité des signes théâtraux peut résider dans leur capacité à utiliser les trois fonctions possibles des signes : comme icône ( mimétiquement ), comme indice (dans la situation d’ énonciation ), ou comme symbole (comme système sémiologique sur le mode fictionnel). En effet, le théâtre rend visuels et concrets les sources des mots : il indique etincarne un monde fictif par le biais de signes, de sorte qu’au terme du processus de signification et de symbolisation, le spectateur a reconstitué un modèle théorique et esthétique qui rend compte de l’univers dramatique.” ^[2]
↑ Brown écrit que le drame grec ancien « était essentiellement la création de l’Athènes classique : tous les dramaturges qui furent plus tard considérés comme des classiques étaient actifs à Athènes aux Ve et IVe siècles avant notre ère (l’époque de la démocratie athénienne ), et toutes les pièces survivantes date de cette période”. ^[3] “On peut dire que la culture dominante d’ Athènes au Ve siècle “, écrit Goldhill, “a inventé le théâtre”. ^[5]
↑ Goldhill soutient que bien que les activités qui font « partie intégrante de l’exercice de la citoyenneté » (comme lorsque « le citoyen athénien parle à l’Assemblée, s’exerce au gymnase, chante au symposium ou courtisent un garçon ») ont chacune leur “propre régime d’affichage et de régulation”, néanmoins le terme “performance” fournit “une catégorie heuristique utile pour explorer les connexions et les chevauchements entre ces différents domaines d’activité”. ^[9]
↑ Taxidou note que « la plupart des érudits appellent désormais la tragédie « grecque » « tragédie athénienne », ce qui est historiquement correct ». ^[21]
↑ Cartledge écrit que bien que les Athéniens du IVe siècle aient jugé Eschyle , Sophocle et Euripide « comme les non-pareils du genre , et aient régulièrement honoré leurs pièces de renouveau, la tragédie elle-même n’était pas simplement un phénomène du Ve siècle, le produit d’un court- Si elles n’atteignaient pas la qualité et la stature des «classiques» du cinquième siècle, les tragédies originales continuaient néanmoins à être écrites, produites et concurrencées en grand nombre tout au long de la vie restante de ladémocratie – et au-delà ». ^[24]
↑ Nous en avons sept par Eschyle, sept par Sophocle et dix-huit par Euripide. De plus, nous avons aussi le Cyclope , une pièce satyre d’Euripide. Certains critiques depuis le XVIIe siècle ont soutenu que l’une des tragédies que la tradition classique donne comme Euripide – Rhésus – est une pièce du IVe siècle d’un auteur inconnu; l’érudition moderne est d’accord avec les autorités classiques et attribue la pièce à Euripide; voir Walton (1997, viii, xix). (Cette incertitude explique le chiffre de 31 tragédies de Brockett et Hildy.)
↑ La théorie selon laquelle Prometheus Bound n’a pas été écrit par Eschyle ajoute un quatrième dramaturge anonyme à ceux dont l’œuvre survit.
^ Des exceptions à ce modèle ont été faites, comme avec Euripide ‘ Alcestis en 438 avant notre ère. Il y avait aussi des compétitions distinctes à la City Dionysia pour la représentation de dithyrambes et, après 488–7 avant notre ère, des comédies .
↑ Rush Rehm propose l’argument suivant comme preuve que la tragédie n’a été institutionnalisée qu’en 501 av . et l’ Attique qui avait un sanctuaire pour Dionysos.À un moment donné, Athènes a annexé Eleutherae, probablement après le renversement des Peisistratides . en 510 et les réformes démocratiques de Clisthèneen 508-07 avant notre ère – et l’image culte de Dionysos Eleuthereus a été déplacée dans sa nouvelle maison. Les Athéniens ont reconstitué l’incorporation du culte du dieu chaque année dans un rite préliminaire à la ville Dionysia. La veille du festival proprement dit, la statue de culte a été retirée du temple près du théâtre de Dionysos et emmenée dans un temple sur la route d’Eleutherae. Ce soir-là, après le sacrifice et les hymnes, une procession aux flambeaux a ramené la statue au temple, une recréation symbolique de l’arrivée du dieu à Athènes, ainsi qu’un rappel de l’inclusion de la ville béotienne dans l’Attique. Comme le nom Eleutherae est extrêmement proche d’eleutheria, “liberté”, les Athéniens ont probablement estimé que le nouveau culte était particulièrement approprié pour célébrer leur propre libération politique et les réformes démocratiques.” ^[33]
↑ Jean-Pierre Vernant soutient que dans Les Perses , Eschyle substitue à la distance temporelle habituelle entre le public et l’ âge des héros une distance spatiale entre le public occidental et la culture perse orientale. . Cette substitution, suggère-t-il, produit un effet similaire : “Les événements “historiques” évoqués par le chœur, racontés par le messager et interprétés par le fantôme de Darius sont présentés sur scène dans une atmosphère légendaire. La lumière que la tragédie jette sur eux est pas celle où l’on voit normalement les événements politiques du jour ; elle atteint le théâtre athénien réfracté d’un monde lointain d’ailleurs, faisant paraître présent et visible sur la scène ce qui est absent » ; Vernant et Vidal-Naquet (1988, 245).
↑ Aristote, Poétique , vers 1449a : « La comédie, comme nous l’avons dit, est une représentation des gens inférieurs, certes pas au sens plein du mot mauvais, mais le risible est une espèce du vil ou du laid. gaffe ou laideur qui ne cause pas de douleur ou de désastre, un exemple évident étant le masque comique qui est laid et déformé mais pas douloureux ».
↑ Le sens littéral d’ abhinaya est “porter en avant”.
↑ Francis Fergusson écrit qu’« un drame, à la différence d’un lyrique , n’est pas principalement une composition dans le médium verbal ; les mots résultent, comme on pourrait le dire, de la structure sous-jacente de l’incident et du personnage . Commeremarque Aristote , « le poète, ou « faiseur » devrait être le faiseur d’ intrigues plutôt que de vers ; puisqu’il est poète parce qu’il imite , et ce qu’il imite, ce sont des actions » (1949, 8).
^ Voir les entrées pour “opéra”, “théâtre musical américain”, “mélodrame” et “Nō” dans Banham 1998
↑ Bien qu’il y ait un différend parmi les historiens du théâtre, il est probable que les pièces du Sénèque romain n’étaient pas destinées à être jouées. Manfred de Byron est un bon exemple de « poème dramatique ». Voir les entrées sur “Seneca” et “Byron (George George)” dans Banham 1998 .
↑ Certaines formes d’improvisation, notamment la Commedia dell’arte , improvisent sur la base de « lazzi » ou ébauches d’action scénique (voir Gordon 1983 et Duchartre 1966 ). Toutes les formes d’improvisation s’inspirent de leur réponse immédiate les unes aux autres, des situations de leurs personnages (qui sont parfois établies à l’avance) et, souvent, de leur interaction avec le public. Les formulations classiques de l’improvisation au théâtre sont nées avec Joan Littlewood et Keith Johnstone au Royaume-Uni et Viola Spolin aux États-Unis ; voir Johnstone 2007 et Spolin 1999 .
^ La première « comédie musicale édouardienne » est généralement considérée comme In Town (1892), même si elle a été réalisée huit ans avant le début de l’ ère édouardienne ; voir, par exemple, Fraser Charlton, “What are EdMusComs?” (FrasrWeb 2007, consulté le 12 mai 2011).
^ Voir Carlson 1993 , Pfister 2000 , Elam 1980 et Taxidou 2004 . Le drame , au sens étroit, traverse la division traditionnelle entre comédie et tragédie dans un sens anti- ou a- générique . déterritorialisation à partir du milieu du XIXe siècle . Bertolt Brecht et Augusto Boal définissent leurs projets de théâtre épique ( drame non aristotélicien et théâtre de l’opprimé respectivement) par rapport à des modèles de tragédie. Taxidou, cependant, lit le théâtre épique comme une incorporation des fonctions tragiques et ses traitements du deuil et de la spéculation. ^[76]
↑ En 1902, Stanislavski écrivait que « l’auteur écrit sur papier. L’acteur écrit avec son corps sur scène » et que « la partition d’un opéra n’est pas l’opéra lui-même et le scénario d’une pièce n’est pas un drame tant que les deux ne sont pas faits. chair et sang sur scène” ; cité par Benedetti (1999a, 124).

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Liens externes

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Wikibooks a un livre sur le thème : Histoire du théâtre occidental : des Grecs aux Élisabéthains

Wikibooks a un livre sur le thème : Histoire du théâtre occidental : du XVIIe siècle à nos jours

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Collection de théâtre de l’Université de Bristol
Music-hall et théâtre Histoire de la Grande-Bretagne et de l’Irlande

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