Reine II

Queen II est le deuxième album studio du groupe de rock britannique Queen . Il est sorti le 8 mars 1974 par EMI Records au Royaume-Uni et Elektra Records aux États-Unis. Il a été enregistré aux Trident Studios et Langham 1 Studios, à Londres, en août 1973 avec les coproducteurs Roy Thomas Baker et Robin Geoffrey Cable, et conçu par Mike Stone .

Reine II
Album studio de Reine
Publié	8 mars 1974 (1974-03-08)
Enregistré	5 août 1973 – 20 février 1974 [1]
Studio	Trident Studios , Londres
Le genre	Art rock Hard Rock glam rock Heavy métal rock progressif
Longueur	40 : 42
Étiqueter	EMI Electra
Producteur	Roy Thomas Baker Robin Geoffrey Câble Reine
Chronologie de la reine
Reine (1973) Reine II (1974) Crise cardiaque pure (1974)
Célibataires de Queen II
” Seven Seas of Rhye “ Sortie: 25 février 1974 (Royaume-Uni) [2]

Décrit comme “sans doute l’album le plus lourd de Queen”, Queen II a marqué la fin de la première phase de la carrière du groupe. ^[3] L’album combine un son rock lourd avec de l’art rock et des éléments de rock progressif , ^{[4] [5] [6]} et a été qualifié de “pilier du hard rock grandiose et agressif ” par le Rock and Roll Hall of Fame . ^[7] Queen II n’est pas un album concept mais une collection de chansons avec un thème lâche courant tout au long. ^[8]Les deux faces du LP original étaient étiquetées “Side White” et “Side Black” (au lieu des faces conventionnelles “A” et “B”), avec des photos correspondantes du groupe habillé en blanc ou en noir de chaque côté du le visage de l’étiquette du disque. Le côté blanc a des chansons avec un thème plus émotionnel et le côté noir est presque entièrement consacré à la fantaisie, souvent avec des thèmes assez sombres. La photo de couverture de Mick Rock a été fréquemment réutilisée par le groupe tout au long de sa carrière, y compris les vidéoclips des chansons ” Bohemian Rhapsody ” (1975) et ” One Vision ” (1985).

Sorti avec un accueil critique initialement mitigé, Queen II reste l’un des albums les moins connus du groupe. Néanmoins, l’album a conservé un culte depuis sa sortie, a suscité les éloges de la critique, des fans, ^{[4] [9]} et d’autres musiciens, et est significatif en étant le premier album à contenir des éléments du son signature du groupe de multi- overdubs superposés , harmonies vocales et styles musicaux variés. ^{[4] [10]}

Contexte et enregistrement

Led Zeppelin et The Who sont probablement quelque part dans Queen II , parce qu’ils faisaient partie de nos groupes préférés, mais ce que nous essayons de faire différemment de l’un ou l’autre de ces groupes [est] ce genre de son en couches. The Who avait le son de guitare à accords ouverts… mais notre son est plus basé sur le son de guitare saturé… Je voulais aussi créer des textures derrière les lignes mélodiques principales. Nous essayions de pousser les techniques de studio à de nouvelles limites pour les groupes de rock – cela réalisait tous nos rêves, car nous n’avions pas beaucoup d’opportunités pour cela sur le premier album.

—Brian May, sur Queen II et le son du groupe. ^[11]

Queen a donné son premier concert le 27 juin 1970, mais n’a terminé son premier album éponyme, Queen , qu’en novembre 1972. Entre-temps, le groupe avait développé d’autres morceaux plus complexes, mais a choisi d’attendre pour l’enregistrer jusqu’à ce qu’ils aient plus de liberté et d’expérience en studio. “Father To Son”, “Ogre Battle”, “White Queen (As It Began)” et “Procession” avaient tous été créés dès 1972. “Seven Seas of Rhye” datait de l’époque de Freddie Mercury Wreckage en 1969. “See What a Fool I’ve Been”, la face B du single “Seven Seas of Rhye”, est un vestige de l’ époque de Smile . “Stone Cold Crazy”, également de la période Mercury’s Wreckage, figurait dans la set list depuis des années,. Des parties de “The Prophet’s Song” ont également été répétées pendant les sessions Queen II , mais la chanson n’a été achevée qu’au quatrième album, A Night at the Opera . ^[12] Queen a insisté pour que Trident Studios leur permette d’enregistrer à des heures régulières au lieu des temps d’arrêt du studio, comme ils l’avaient fait pour le premier album. Le groupe a approché David Bowie pour produire, mais il a refusé car il enregistrait alors Pin Ups et travaillait sur des chansons pour Diamond Dogs . ^[12] Robin Geoffrey Cable, avec qui Mercury avait travaillé pendant le ” I Can Hear Music”, a été invité à produire “Nevermore” et “Funny How Love Is”, et à collaborer avec Roy Thomas Baker sur l’ambitieux “March of the Black Queen”.

Après l’échec commercial du single “Keep Yourself Alive” du premier album, Queen a décidé qu’il lui fallait un single qui ne prenne pas “trop ​​de temps” (c’est-à-dire sans une longue intro à la guitare). “Seven Seas of Rhye”, enregistré avec l’intention spécifique d’être le premier single de l’album, a commencé d’une manière conçue pour attirer l’attention. Les répétitions pour les sessions Queen II ont commencé le 26 juillet ou vers cette date. (En raison de problèmes de gestion, le premier album est finalement sorti alors que le groupe se préparait à enregistrer Queen II. ) Au cours de ces répétitions, le groupe a été interviewé par Melody Maker .et a déclaré au magazine que leur nouvel album aurait pour thème “le bien contre le mal”. Le groupe a également mis fin à sa collaboration avec John Anthony, qui avait coproduit le premier album, en raison d’affrontements entre Mercury et Anthony. ^[13] Le 3 août, le groupe s’est produit lors d’un concert à Newcastle, puis est retourné à Londres pour une répétition de pré-enregistrement le 4 août. Les sessions ont commencé le 5 août avec les prises 1 à 12 de la version finale de “Seven Seas of Rhye”. ^[14] Le 6 août, ils ont commencé à enregistrer “Father To Son”, en travaillant sur les prises 1 à 4. Ils ont continué à travailler sur l’album jusqu’au 9 août, date à laquelle ils ont réalisé des vidéos promotionnelles pour ” Keep Yourself Alive ” et ” Liar ” de le premier album. ^[15]

Selon le numéro du 11 août de Record Mirror , le groupe devait retourner en studio le 15 août. Cependant, David Bowie et Ken Scott produisaient des Pin Ups dans le studio que Queen utilisait. Le groupe a été mis en Studio 2, avec le producteur Robin Geoffrey Cable. Bien que ce studio ne disposait à l’époque que d’un magnétophone 8 pistes, Queen décida néanmoins de travailler sur des pistes d’accompagnement. Takes of Nevermore a été enregistré ce jour-là et Funny How Love Is a été enregistré le 16 août. Queen a dû annuler une session en studio le 17 août pour donner un concert à Peterborough. Ils sont rentrés à Londres vers 3 heures du matin. Roy Thomas Baker était également parti (vers le 12 – 18 août) pour travailler avec un client danois nommé Gasolin., qui enregistraient leur album Gasolin’ 3 . Le 18 août, Queen, Baker et Cable ont enregistré la piste d’accompagnement complexe de “The March Of The Black Queen”. Après avoir pris une pause pour un jour férié, le groupe a commencé le doublage principal le 28 août. Certaines pistes d’accompagnement ont dû être coupées en plusieurs pistes séparées en raison de l’overdubbing étendu. (Le titre de travail de l’album est devenu “Over The Top” en référence à l’overdubbing.) Pendant cette période, John Deacon a dû passer ses examens d’été. En septembre, Brian a enregistré “Procession”, qui a eu sa première en direct le 13 septembre lorsque le groupe a joué au Golders Green Hippodrome de Londres. (C’était aussi leur premier concert enregistré.) ^[16]

Le 24 septembre, le groupe a fait sa première interview radio avec Bob Harris. Début octobre, Queen a rencontré le photographe Mick Rock pour la première fois pour discuter de l’art conceptuel de l’album. Ils ont fait une courte pause à partir du 12 octobre pour commencer une tournée promotionnelle à travers l’Europe. Le 18 octobre, le groupe est retourné à Londres pour continuer à travailler sur l’album. Le 3 novembre, Queen a eu son premier tournage publicitaire avec Mick Rock, produisant l’image de couverture emblématique de l’album. ^[17] Queen a pris une autre pause dans l’enregistrement en novembre pour faire une tournée avec Mott The Hoople. Les répétitions ont commencé le 5 novembre et la tournée a commencé à Blackburn le 13 novembre. Le groupe viendrait près de Londres à quelques reprises début décembre et entrait en studio pendant leurs jours de congé. La tournée s’est terminée au Hammersmith Odeonle 14 décembre, suivi d’un concert autonome à l’Université de Leicester le 15 décembre. ^[18] Le mélange rugueux pour l’album a commencé le 17 décembre. Martin Hayman de Sounds a rendu visite au groupe le 22 décembre alors qu’ils terminaient des mixages approximatifs pour ” Loser In The End “, ” Ogre Battle ” et ” The Fairy Feller’s Master-Stroke “.

Queen est retournée en studio début janvier. À ce stade, tous les mixages approximatifs étaient terminés et le groupe était prêt à passer aux étapes finales de la production. Selon la documentation du studio, la plupart des chansons étaient mixées le 19 janvier, mais nécessitaient toujours une égalisation. Brian avait également contracté la gangrène à cause d’une aiguille d’inoculation contaminée à la mi-décembre et n’a pas pu assister à certaines séances. Le groupe s’est envolé pour l’Australie le 25 janvier et s’est produit devant une foule indisciplinée le 27 janvier, ce qui a conduit le groupe à quitter la scène à mi-chemin de leur set. ^[16] Le 31 janvier, la Reine est revenue à Londres pour accomplir l’album. Les derniers pressages ont eu lieu le 20 février.

Chansons

Aperçu

La musique de Queen II a été attribuée à plusieurs genres, dont l’art rock , ^[4] le hard rock , ^[7] le glam rock , ^{[19] [20]} le heavy metal , ^[4] et le rock progressif . ^[6] Le journaliste musical et auteur Jerry Ewing a décrit l’album comme affichant une “tendance de rock d’art progressif”. ^[5] Daniel Ross de The Quietus l’a décrit comme “l’intersection exacte” entre les “débuts obscurs et métalliques” du groupe et “l’incarnation de la perfection pop absolue de Queen, des pantalons en cuir et des pastiches Formby”. ^[21]

Plutôt que les classiques Side A et Side B, l’album a été divisé en “Side White” et “Side Black”, dominés respectivement par les compositions de May et Mercury. ^[22] Bien que certains l’aient interprété comme un album concept , le biographe de la reine Georg Purvis a déclaré qu’il ne s’agissait “pas d’un album concept mais d’une collection de chansons avec un thème lâche tout au long.” ^[8] Mercury l’a confirmé plus tard dans une interview de 1976 Sounds , citant que “cela a juste évolué vers l’endroit où il y avait un lot de chansons qui pourraient être considérées comme agressives, ou un côté noir, et il y avait un côté plus doux”. ^[23]

Le côté « White » est très diversifié : quatre des cinq numéros ont été composés par Brian May , dont l’un est un instrumental. Freddie Mercury chante deux chansons; May en chante une; et Roger Taylor chante le morceau de clôture, qui est sa seule composition sur l’album. John Deacon a joué de la guitare acoustique sur “Father to Son” en plus des tâches normales à la guitare basse. Mercury a composé et chanté les six chansons du côté “Black”.

Côté blanc

“Procession”

“Procession” est une courte pièce instrumentale (une marche funèbre) interprétée par Brian May à la guitare multipiste. Il l’a enregistré en jouant des parties qui se chevauchent sur le Red Special via l’amplificateur sur mesure de John Deacon (le Deacy Amp ). Roger Taylor contribue également à cet instrumental, en utilisant uniquement une pédale de grosse caisse.

“Père en fils”

“Father to Son” a été écrit par May et comprend des sections de heavy metal ainsi qu’une partie de piano calme, que May a également jouée. Comme “Procession”, “Father to Son” a des parties avec May sur une guitare multipiste jouée via l’ampli Deacy. Il est écrit du point de vue du père lorsqu’il parle ou pense à son fils. Queen a immédiatement ajouté “Father to Son” à ses setlists live. En 1975, il a été retiré des spectacles en direct, mais relancé à quelques reprises en 1976. La chanson couvre une gamme de deux octaves : Mercury (G3-A4), Taylor (G4-A5).

“Reine blanche (comme ça a commencé)”

Écrite par May en 1968, cette chanson présente des sections acoustiques et heavy metal contrastées. May a expliqué qu’il avait eu l’idée de cette chanson en lisant The White Goddess de Robert Graves . La chanson avait également une signification personnelle pour May; il s’est inspiré d’un camarade de classe qu’il vénérait et pensait représenter l’idée de la «femme parfaite». ^[8] Dans une interview ultérieure, il a déclaré : “Je me souviens avoir été totalement amoureux de cette fille de la biologie, et je ne lui ai jamais parlé… J’ai osé demander à cette fille, et elle est devenue une amie pour la vie. , c’est très étrange…”. ^[24] La chanson présente May jouant de sa guitare acoustique Hairfred. La guitare avait reçu un chevalet de remplacement en bois dur, ciselé à plat, avec un petit morceau de fil de frette placé entre lui et les cordes, qui reposaient doucement au-dessus. Les cordes produisent l’effet de bourdonnement d’un sitar . ^[25]

“White Queen” a été joué régulièrement entre 1974 et 1977, et joué pour la dernière fois à Londres en 1978. La version live comprenait généralement une longue pause instrumentale qui ne faisait pas partie ou était omise de la version de l’album.

“Un jour un jour”

Il s’agit de la première chanson de Queen à présenter May au chant principal. Il présente également May à la guitare acoustique et à la guitare électrique et le dernier solo de guitare (pendant le fondu ) comprend trois guitares solos. Ce genre d’arrangement de guitare complexe est typique de mai ; cependant, les guitares sont généralement harmonieuses, mais dans ce cas, toutes les guitares jouent des parties différentes.

“Le perdant à la fin”

“The Loser in the End” était la seule contribution de Taylor sur l’album à la fois en tant qu’auteur-compositeur et chanteur principal. ^[26] Les paroles manuscrites originales de la chanson, qui ont été presque déchiquetées en 2004, sont le plus ancien exemple de paroles manuscrites dans les archives Queen.

Côté noir

“Bataille d’Ogres”

Mercury a écrit “Ogre Battle” à la guitare (comme confirmé par May dans plusieurs interviews) ^[27] en 1971 et c’était l’une des premières chansons de la set list de Queen bien qu’elle n’ait été enregistrée qu’aux sessions Queen II . Le groupe a attendu d’avoir plus de liberté en studio pour le faire correctement.

La chanson est l’une des œuvres les plus lourdes de Queen. Le riff de guitare et la batterie de Taylor lui donnent un son très “thrash”. Les cris ressemblant à des ogres au milieu sont ceux de Mercure, et les harmonies aiguës à la fin du crochet du refrain sont chantées par Taylor. Comme le titre l’indique, il raconte l’histoire d’une bataille entre ogres et propose un solo de guitare de mai et des effets sonores pour simuler les sons d’une bataille. L’ouverture de la chanson est en fait la fin de la chanson jouée à l’envers.

Une version de “Ogre Battle” a été enregistrée en décembre 1973 pour le programme BBC Radio 1 Sound of the 70s . Un acétate a été fait d’une version éditée de l’enregistrement de la BBC sans la longue intro ni aucun des effets sonores de la version de l’album, potentiellement pour une sortie en tant que deuxième single. Cependant, d’autres sources affirment que “The Fairy Feller’s Master-Stroke” a également été envisagé pour le deuxième single.

“Ogre Battle” était un incontournable de la mise en place live du groupe jusqu’au A Day at the Races Tour , et n’a été joué que quelques fois de plus sur la partie nord-américaine du News of the World Tour avant d’être retiré du plateau . pour de bon.

“Le coup de maître de la fée Feller” Le coup de maître de la fée Feller par Richard Dadd .

Mercury a été inspiré pour écrire “The Fairy Feller’s Master-Stroke” par le tableau de Richard Dadd The Fairy Feller’s Master-Stroke à la Tate Gallery de Londres. Les paroles basées sur la fantaisie font directement référence aux personnages et aux vignettes détaillés dans la peinture et dans le poème compagnon de Dadd, Elimination of a Picture & its Subject – appelé The Feller’s Master Stroke . Les personnages incluent Queen Mab , Wagoner Will, le Tatterdemalion et d’autres. L’utilisation du mot « quaere » dans la ligne répétée deux fois « What a quaere fellow » n’a aucune référence à la sexualité de Mercure, selon Roger Taylor. ^[28]

Sur certains marchés, l’album comprenait une couverture dépliante avec une reproduction de la peinture. L’auteur Neil Gaiman a écrit sur la peinture et l’album sur son blog :

Reason me dit que j’aurais d’abord rencontré le tableau lui-même, le titre énigmatique “Fairy Feller’s Master Stroke”, reproduit, à peu près en taille réelle, dans la couverture dépliante d’un album de Queen, à l’âge de quatorze ans environ, et cela ne m’a fait aucune impression. C’est l’une des choses étranges à ce sujet. Vous devez le voir dans la chair, peindre sur toile, la vraie chose, qui pend, la plupart du temps, quand elle ne voyage pas, dans la salle Préraphaélite de la Tate Gallery, hors de propos parmi les grands pré encadrés d’or -Des beautés raphaélites, toutes tellement plus énormes et astucieuses que l’humble cour des fées se promenant dans les marguerites, pour qu’elle devienne réelle. Et quand vous le verrez, plusieurs choses deviendront apparentes ; certains immédiatement, certains éventuellement. ^[29]

Gaiman a écrit un essai plus long sur la peinture pour Intelligent Life . ^[30]

Pour l’enregistrement en studio aux arrangements complexes, Mercury jouait du clavecin ainsi que du piano, et Roy Thomas Baker jouait des castagnettes . Taylor a qualifié cette chanson de “plus grande expérience stéréo” de Queen, faisant référence à l’utilisation du panoramique dans le mix.

La chanson n’a été interprétée que quelques fois pendant la tournée Queen II , et on pensait qu’il n’y avait pas d’enregistrement en direct de la chanson jusqu’en 2014, date à laquelle elle est sortie sur Live at the Rainbow ’74 .

“Plus jamais”

Le morceau précédent se termine par une harmonie vocale en trois parties de Mercury, May et Taylor qui se jette dans Mercury jouant du piano. Ce piano continue pour ouvrir ce morceau faisant de “Ogre Battle”, “The Fairy Feller’s Master-Stroke” et le morceau actuel, dans un medley . Toutes les parties vocales ont été interprétées par Mercury, qui a également ajouté des effets de “sonnerie” de piano contemporains. Ces effets étaient largement soupçonnés d’être des synthétiseurs; cependant, ils ont été créés par quelqu’un qui pinçait les cordes du piano pendant que Mercure jouait les notes. “Nevermore” est une courte ballade écrite par Mercury sur les sentiments après un chagrin d’amour.

“La Marche de la Reine Noire”

Dans une interview de 1974 avec Melody Maker , Mercury, qui avait travaillé sur la chanson avant même la formation de Queen, a déclaré : “… cette chanson m’a pris des années à terminer. Je voulais tout lui donner, être complaisant ou quoi que ce soit d’autre.” .” ^[31] La composition à multiples facettes, la deuxième plus longue du groupe (6:34), est l’une des deux chansons de Queen (l’autre étant “Bohemian Rhapsody”) contenant polyrhythm / polymeter (deux signatures temporelles différentes simultanément 8/8 et 12/8) et une polyrythmie plus simple autour de la section finale uptempo, ce qui est très rare pour la musique populaire. Le chant principal couvre deux octaves et demie (G2 – C5).

May le considère comme un précurseur de « Bohemian Rhapsody », déclarant : « Vous devez garder à l’esprit que nous avions déjà fait « My Fairy King » sur le premier album et que nous avions fait « The March of the Black Queen ». ‘ sur le deuxième album, nous étions donc bien en phase avec les excursions de Freddie dans des régions étranges, et c’est quelque chose que nous avons vraiment apprécié.” ^[32] Taylor a rappelé dans une interview de 1977, “La bande est devenue transparente, vraiment … C’était 16 pistes … La bande était passée tellement de fois sur la tête (d’enregistrement), en surimpression, que l’oxyde s’était dissipé. .” ^[31] Cette anecdote a ensuite été attribuée à tort aux sessions “Bohemian Rhapsody”.

Bien qu’il ne soit jamais sorti en single, il reste un favori parmi les fans de Queen. La pièce complète était trop compliquée pour être jouée en direct; cependant, la section uptempo contenant les lignes “Ma vie est entre vos mains, je vais ennemi et je vais fie …” etc. était parfois incluse dans un medley live, avec des voix de Mercury et Taylor, dans les années 1970. ^{[33] [34] [35]} On sait que la pièce d’ouverture pour piano n’a été jouée en direct qu’une seule fois, au Providence Civic Center le 14 novembre 1978 (probablement en réponse à un fan criant pour la chanson vers le début du concert.) Après avoir joué l’intro, le groupe est rapidement passé à “Bohemian Rhapsody”. C’était aussi la dernière fois qu’une reine IIle morceau sera joué en direct jusqu’à la reprise de “Seven Seas of Rhye” en 1984 pour The Works Tour.

Cette chanson se termine par une progression de notes ascendantes, qui culmine dans la première seconde de la piste suivante. La chanson enchaîne avec le morceau suivant, “Funny How Love Is”.

“C’est drôle comme l’amour”

“Funny How Love Is” a été créé en studio. Mercury l’a écrit et a joué du piano pendant que Robin Cable produisait. Il a été réalisé selon la technique du « mur du son ». La chanson n’a jamais été jouée en direct, en grande partie à cause des voix exigeantes de Mercury tout au long de la chanson.

“Sept mers de Rhye”

Mercury a commencé à développer “Seven Seas of Rhye” en 1969 alors qu’il était avec le groupe Wreckage. Il a finalement étoffé la chanson avec des contributions de mai. Dans le documentaire Queen: Days of Our Lives, se souvient May, “Je n’en ai probablement jamais parlé auparavant, mais je me souviens que” Seven Seas of Rhye “était – c’était l’idée de Freddie. Il avait cette jolie petite idée de riff au piano, et je pense que tout le milieu huitième, c’est des trucs que j’ai fait. Alors on a définitivement travaillé dessus ensemble. Mais quand il s’agissait de sortir l’album, Freddie a dit : “J’ai écrit ça.” Et nous sommes tous allés, ‘D’accord.’ (Rires) Parce que ça n’avait pas l’air si grave. Mais Freddie a dit : “Tu sais, j’ai écrit les paroles et c’était mon idée, donc c’est ma chanson.” Le genre de loi non écrite était que la personne qui apportait la chanson obtiendrait le mérite d’avoir écrit cette chanson et l’argent pour écrire cette chanson. Beaucoup, beaucoup plus tard dans l’histoire de Queen, nous avons reconnu ce fait.

Avec ” Lily of the Valley ” de Sheer Heart Attack , la chanson fait référence à un monde ou un royaume fantastique nommé Rhye. “C’est vraiment fictif”, a déclaré Mercury à l’intervieweur Tom Browne en 1977. “C’est le fruit de votre imagination.” Une version courte et instrumentale de “Seven Seas of Rhye” a été incluse comme sortie sur leur premier album, avec l’intention de commencer cet album avec la version complète. Une idée similaire s’est produite avec l’ancienne chanson de music-hall ” I Do Like To Be Beside the Seaside “, qui est ici chantée à la fin de “Seven Seas of Rhye” et sifflée lors de l’intro du troisième album, Sheer Heart Attack . Ken Testise souvient : “J’ai participé à la reprise à la fin de ‘Seven Seas of Rhye’. Pat McConnell et tout un groupe d’entre nous aussi. Je me souviens de beaucoup de réverbération, et Brian a joué du stylophone dessus, mais c’était fait en une journée et nous étions tous complètement énervés à ce moment-là.” ^[36]

“Seven Seas of Rhye” présente une introduction au piano arpégé distinctive. Sur l’ enregistrement Queen II , les arpèges sont joués à deux mains, à une octave d’écart, alors que sur l’enregistrement abrégé Queen et la plupart des performances live, Mercury a joué la version plus simple à une main de ces arpèges. Le thème apparaît également à la fin de “It’s a Beautiful Day (reprise)” sur le dernier album du groupe Made in Heaven (1995).

Oeuvre et emballage

L’inspiration a été tirée de cette image de Marlene Dietrich dans Shanghai Express

Le photographe rock Mick Rock a été engagé pour créer les illustrations de l’album. ^[37] Dans les mots de Rock, le groupe voulait “greffer une partie de la sensibilité ‘glam’ décadente [de la marque]” de son travail précédent avec des artistes tels que David Bowie, Iggy Pop et Lou Reed . Selon Rock, Queen cherchait à attirer l’attention des gens avec la couverture, d’autant plus que leur premier album n’avait pas réussi à le faire. “Ils ont réalisé que si vous pouviez attirer l’attention des gens, vous pouviez les intéresser à la musique.” ^[38]

Le brief qu’il a reçu du groupe a conçu un thème en noir et blanc pour l’album. ^[39] La couverture présente une photographie décrite par VH1 comme “Reine debout en formation de diamant, têtes inclinées en arrière comme des statues de l’île de Pâques ” sur un fond noir. ^[38] L’image emblématique en clair-obscur de Queen a été inspirée par une photographie similaire de Marlene Dietrich du film de 1932 Shanghai Express . ^[38] “Et bien sûr, personne n’a jamais été plus ‘glam’ que la divine Mme Dietrich”, a plaisanté Rock. ^[39] “Ce n’était qu’un de ces éclairs d’inspiration qui se produisent parfois”, a expliqué Rock. “Il y avait un sentiment que [faire écho à la pose de Dietrich] pourrait être prétentieux,” ^[12]mais Rock a convaincu le groupe du contraire. “Cela les a fait paraître beaucoup plus importants qu’ils ne l’étaient à l’époque, mais c’était un véritable reflet de leur musique.” ^[38] Rock a déclaré que Mercury aimait citer Oscar Wilde . “Souvent, ce qui aujourd’hui est considéré comme prétentieux est demain considéré comme un état de l’art. L’important est d’être considéré.” ^[40] Rock a ajouté: “Pour Freddie, ce mot [prétentieux] n’avait aucun sens – ‘Mais est-ce fabuleux?’ c’était tout ce qui comptait. C’était l’époque de l’androgynie, et Freddie était prêt à aller très loin”. Freddie a ajouté: “Cela n’a pas de sens particulier, mais nous étions fascinés par ce genre de chose, et la garde-robe que nous utilisions à l’époque le décrivait parfaitement bien”. ^[12]L’image sera plus tard animée pour le clip “Bohemian Rhapsody”. ^[37]

Pour développer le thème noir et blanc, Rock a créé une deuxième image du groupe, vêtue de blanc sur fond blanc, qui a été utilisée dans le gatefold de l’album, la publicité et la pochette unique “Seven Seas of Rhye”.

Libérer

Après l’achèvement de l’album à la fin du mois d’août 1973, Queen a immédiatement ajouté “Ogre Battle”, “Procession” et “Father to Son” à leurs sets live et a fait de nombreuses tournées. Une fois de plus, cependant, EMI a retardé la sortie de l’album car le premier album venait tout juste de sortir au Royaume-Uni et n’était pas encore sorti aux États-Unis. D’autres problèmes assaillent la sortie de l’album : les mesures d’économie d’énergie mises en place lors de la crise pétrolière de 1973 retardent sa fabrication de plusieurs mois ; puis, lors de sa sortie, John Deacon a été crédité comme “Deacon John”, et le groupe a insisté sur le fait qu’il devait être corrigé. ^[41]

Queen II est sorti le 8 mars 1974. L’album a connu un succès dans les charts au Royaume-Uni, culminant au numéro cinq. Il a culminé au numéro 49 aux États-Unis, améliorant leur premier album Queen , qui a culminé au numéro 83. Dans des interviews, le groupe a fait la promotion de l’album avec un thème “le bien contre le mal” ^[23] et a fait de nombreuses apparitions publiques pour se faire connaître . : en plus d’une tournée en 1973, ils ont joué des émissions spéciales de la BBC, diffusé un concert au Golder’s Green Hippodrome sur In Concert et sont apparus sur John Peel ‘s Sound of the Seventies . ^[8] Cependant, malgré la publicité, le groupe a reçu des critiques négatives des médias, qui ont critiqué le groupe pour être “excessif et indulgent”.^[8]

” Seven Seas of Rhye “, ainsi que la face B non-album ” See What a Fool I’ve Been “, sont sortis en single plus tôt que prévu en raison d’une circonstance fortuite. En février 1974, David Bowie est dans l’impossibilité d’apparaître dans l’émission « Top of the Pops » pour interpréter « Rebel Rebel », et un numéro de remplacement s’impose d’urgence. Queen a été réservé pour le spectacle et a synchronisé “Seven Seas of Rhye”. EMI a ensuite précipité la sortie du single le 23 février, cinq jours seulement après la confirmation de l’apparition à la télévision. C’était le premier single à succès du groupe , culminant au numéro 10 dans les charts britanniques. ^[42]

réédition 2011

Le 8 novembre 2010, la maison de disques Universal Music a annoncé une réédition remasterisée et étendue de l’album dont la sortie est prévue en mai 2011. Cela faisait partie d’un nouveau contrat d’enregistrement entre Queen et Universal Music, ce qui signifiait que l’association de Queen avec EMI Records viendrait à une fin après presque 40 ans. Tous les albums studio de Queen ont été remasterisés et réédités en 2011.

Réception

Réaction critique contemporaine

Compte tenu des abus que nous avons subis ces derniers temps, je suis surpris que le nouvel album ait si bien fonctionné. Je suppose que c’est fondamentalement que le public aime le groupe… nous avons pris tellement de mal avec cet album, peut-être trop, mais quand nous avons fini, nous nous sommes sentis vraiment fiers. Immédiatement, il a reçu de très mauvaises critiques, alors je l’ai ramené à la maison pour l’écouter à nouveau et j’ai pensé “Mon Dieu, ont-ils raison?” Mais après l’avoir entendu quelques semaines plus tard, je l’aime toujours autant. Je pense que c’est super. Nous nous y tiendrons.

—Roger Taylor sur la réaction critique à Queen II . ^[43]

Disc a écrit: “Les normes en matière de matériel, de performance, d’enregistrement et même d’illustration sont très élevées.” ^[19] NME a estimé que le disque présentait “toute leur puissance et leur dynamisme, leurs talents d’écriture et toutes les qualités qui les rendent uniques”, ^[19] tandis que Sounds a écrit, “Simplement intitulé Queen II , cet album les capture dans leurs plus belles heures .” ^[19] Rolling Stone , qui avait fait l’éloge du premier album du groupe, a décerné à l’album deux étoiles et demie sur cinq. Alors que le magazine avait peu d’enthousiasme pour “Side Black”, ils ont applaudi “Side White”, écrivant qu’il présentait “la grâce salvatrice d’accords de puissance opportuns et bien choisis et de quelques airs plutôt jolis”.Melody Maker a écrit : “Il est réputé que Queen a connu un certain succès aux États-Unis, il est actuellement en jeu de savoir s’ils vont vraiment percer ici. S’ils le font, alors je devrai manger mon chapeau ou quelque chose comme ça. Peut-être que Queen essaiera aussi dur, il n’y a pas de profondeur de son ou de sensation.” ^[19] Record Mirror a écrit: “C’est ça, la lie du glam rock . Faible et surproduit, si ce groupe est notre espoir le plus brillant pour l’avenir, alors nous commettons un suicide rock and roll.” ^[19] Robert Christgau , écrivant dans le magazine Creem , l’a appelé avec dérision “wimpoid royaloid heavyoid android void”. ^[45]

Héritage

Revues professionnelles rétrospectives

Réviser les notes
La source	Évaluation
Toute la musique	[4]
Tribune de Chicago	[46]
Guide des archives de Christgau	C– [47]
Encyclopédie de la musique populaire	[48]
MusiqueHound Rock	2/5 [49]
Fourche	7,9/10 [9]
PopMatters	7/10 [50]
Q	[51]
Collectionneur de disques	[51]
Le guide des albums Rolling Stone	[52]

Alors que 1974 touchait à sa fin, la réaction du public à Queen II avait été enthousiaste. ^[19] L’album a été aussi classé par le Disque comme le 5ème meilleur de l’année. ^[53] Bien que l’album reste l’une des œuvres les moins connues du groupe, il a depuis conservé un culte et a été cité ces dernières années par un certain nombre de publications musicales, d’autres artistes et de fans comme l’une des plus belles œuvres de Queen. En 1987, le Post-Tribune a classé Queen II 9e dans un article couvrant “les albums qui devraient être dans la collection de disques de tout le monde, mais qui ne le sont pas”. ^[54] Dans l’édition 1994 du Guinness All Time Top 1000 Albums , Queen IIa été élu numéro 202 des meilleurs albums rock et pop de tous les temps. ^[55] En 2003, le magazine Q a inclus Queen II dans une liste de cinquante albums peu connus recommandés par le magazine pour compléter leur sondage “Les 50 meilleurs albums britanniques de tous les temps”. ^[56] En 2005, Kerrang ! les lecteurs ont élu Queen II le 72e plus grand album de rock britannique de tous les temps. ^[57] En 2006, l’album a été présenté dans “Les 200 plus grands albums des années 70” de Classic Rock and Metal Hammer , et a été répertorié aux côtés de Sheer Heart Attack comme l’un des 20 plus grands albums de 1974. ^[58] En 2008, IGNa nommé Queen II comme l’un de leurs “10 albums de glam rock classiques”, en écrivant: “Queen a donné au glam un son plus grand et plus anthémique avec cet opus scintillant. Combiné avec le travail au clavier sous-estimé de Freddie Mercury, les pistes retentissantes et les riffs immaculés de Brian May ont créé une toile de fond pour des chansons tour à tour féroces et élégantes.” ^[20] En 2010, Mojo a classé Queen II comme le 60e plus grand album jamais sorti sur le label Elektra. ^[59] Avec les albums de Queen Sheer Heart Attack et A Night at the Opera , Queen II est présenté dans le livre 1001 Albums You Must Hear Before You Die, où il est décrit comme “un album distinctement sombre” qui “montrait leur diversité” et contrastait avec leurs “hymnes expansifs et agréables au stade” ultérieurs. ^[60]

AllMusic a attribué à l’album 4/5 étoiles et a déclaré: “Queen est enroulée, tendue et vicieuse ici, livrant son sens inhérent du drame, et cela donne à Queen II un réel pouvoir en tant que musique, ainsi qu’une véritable cohésion”. La critique a observé la lourdeur de l’album et a déclaré “cela ne semble jamais aussi fantastique que Genesis ou Uriah Heep “, concluant que ” Queen II est l’un des favoris de leurs fans inconditionnels “. ^[4] Pitchfork a décerné à l’album 7,8/10, en écrivant: “Étourdissant, surchargé et inébranlable, Queen II est un favori des fans inconditionnels, et sans doute le disque le plus sous-estimé du groupe.” ^[9] En 2009, Le Quietusa publié un article soulignant “l’éclat moins connu” de Queen pour coïncider avec la sortie de la compilation Absolute Greatest de cette année-là , décrivant Queen II comme “un album brûlant absolu” qui présente deux des meilleurs morceaux du groupe : “Ogre Battle” et ” Père en fils”. ^[61] En 2014, Brian Moore a écrit pour Houston Press que “la musique est plus progressive et les harmonies plus avancées que tout ce qui se trouvait dans le premier album. Queen s’était tellement épuisé avec le style rock progressif après avoir enregistré cet album qu’ils ont abandonné le son entièrement pour le prochain.” ^[6] Écriture pour Classic Rock en 2016,a classé Queen II comme le sixième plus grand album du groupe. Il a écrit: “Stylistiquement, il n’y avait rien ici qui n’était pas sur le premier album supérieur, et vous pouvez entendre le groupe se débattre avec les problèmes traditionnels de” deuxième album difficile “… Ils avaient poussé leurs racines rock et métal aussi loin qu’ils le pouvaient , et cherchaient clairement à sauter du train et à élargir leurs horizons. C’est probablement pour cette raison que l’album manquait de l’éclat et du mordant de Queen et de l’audace du Sheer Heart Attack qui a suivi . ^[3]

D’autres musiciens de rock ont ​​fait l’éloge de l’album. Rob Halford de Judas Priest cite Queen II comme l’un de ses albums préférés, disant que ce n’est “que de bonnes chansons” et déclarant “Ogre Battle” comme un favori particulier. ^[62] Dans une interview de Rolling Stone en 1989 , le chanteur principal des Guns N’ Roses , Axl Rose , a déclaré à propos de l’album : “Avec Queen, j’ai mon préféré : Queen II. Chaque fois que leur dernier album sortait et contenait tous ces autres types de musique, au début, je n’aimais que cette chanson ou cette chanson. Mais après une période de temps à l’écouter, cela m’a ouvert l’esprit à tellement de styles différents. Je les apprécie vraiment pour ça. C’est quelque chose que j’ai toujours voulu pouvoir réaliser”. ^[63] Le chanteur principal des Smashing Pumpkins , Billy Corgan , a parlé à Melody Maker en août 1993 des “disques qui ont changé sa vie”, déclarant : “J’ai travaillé dans ce magasin de disques où nous avions beaucoup de vieux disques, et j’ai trouvé Queen II, probablement leur album le moins populaire. C’est tellement exagéré, tellement d’overdubs de pistes vocales et de guitare – une surcharge totale de Queen. Je l’ai aimé. J’ai adoré les chansons cool, bizarres et ambiguës sur la sexualité de Freddie et la façon dont elle passe de lourdes à de belles ballades.” ^[64]

Évaluation de la bande

(Sur le concept de Side White et Side Black) Eh bien… c’était un concept que nous avions développé à l’époque… ça n’a pas de sens particulier. Mais nous étions fascinés par ce genre de choses… la garde-robe que nous utilisions à l’époque le décrivait parfaitement bien…

— Freddie Mercury ^[65]

La chose la plus importante pour moi était que l’ album de Queen II entre dans les charts – particulièrement satisfaisant, puisque le premier n’a pas si bien marché. C’est agréable de voir une certaine reconnaissance pour votre travail bien que je ne m’inquiète généralement pas trop. Roger a tendance à s’inquiéter davantage de ce qui se passe de ce côté-là.

— Jean Diacre ^[66]

C’est à ce moment-là que nous nous sommes vraiment lancés dans la production et que nous sommes allés complètement au-delà.

—Roger Taylor ^[67]

J’ai détesté le titre du deuxième album, Queen II , il manquait tellement d’imagination.

—Roger Taylor ^[68]

Lorsque Queen II est sorti, il n’a pas touché tout le monde. Beaucoup de gens pensaient que nous avions abandonné le rock. Ils ont dit: “Pourquoi ne jouez-vous pas des choses comme ‘Liar’ et ‘Keep Yourself Alive?'” Tout ce que nous pouvions dire était, écoutez-le une autre fois, c’est là, mais tout est superposé, c’est une nouvelle approche. De nos jours, les gens disent : “Pourquoi ne joues-tu pas comme Queen II ?” Beaucoup de nos fans proches pensent cela, et j’aime toujours beaucoup cet album. Ce n’est pas parfait, il a les imperfections de la jeunesse et les excès de la jeunesse, mais je pense que c’était notre plus grande étape à ce jour.

— Brian May ^[69]

Liste des pistes

Toutes les voix principales sont de Freddie Mercury , sauf indication contraire. Le groupe a inclus le commentaire “et personne n’a joué au synthétiseur … encore” sur la pochette de l’album, un principe puriste de May, car certains auditeurs avaient confondu leur multipiste et leurs effets élaborés, produits par la guitare et le chant, comme des synthétiseurs. ^[70] Roger Taylor a été crédité comme “Roger Meddows-Taylor”, ^[71] son ​​nom complet, mais cela a été interrompu après cet album.

Côté blanc

Côté Noir

Pistes bonus ( réédition 1991 Hollywood Records )

Disque 2 : Bonus EP ( réédition Universal Music 2011)

Vidéos bonus ( édition de luxe iTunes 2011)

Non.	Titre	Écrivains)	Voix principale	Longueur
1.	“Procession”	Brian May	Instrumental	1:12
2.	“Père en fils”	Mai	6:14
3.	“Reine blanche (comme ça a commencé)”	Mai	4:34
4.	“Un jour un jour”	Mai	Brian May	4:23
5.	“Le perdant à la fin”	Roger Taylor	Roger Taylor	4:02
Non.	Titre	Écrivains)	Voix principale	Longueur
6.	“Bataille d’Ogres”	Freddie Mercury	4:10
7.	“Le coup de maître de la fée Feller”	Mercure	2:40
8.	“Plus jamais”	Mercure	1:17
9.	“La Marche de la Reine Noire”	Mercure	Mercure, Taylor	6:33
dix.	“C’est drôle comme l’amour”	Mercure	2:50
11.	” Les sept mers de Rhye “	Mercure	2:50
Longueur totale:	40:42
Non.	Titre	Écrivains)	Longueur
12.	“Voir quel imbécile j’ai été” (face B de “Seven Seas of Rhye”)	Mai [72]	4:32
13.	“Ogre Battle” (remix bonus de 1991)	Mercure	3:27
14.	“Seven Seas of Rhye” (remix bonus de 1991)	Mercure	6:35
Longueur totale:	54:36
Non.	Titre	Longueur
1.	“See What a Fool I’ve Been” (session BBC, juillet 1973 – remix 2011)	4:22
2.	“White Queen (As It Began)” (live à Hammersmith Odeon, décembre 1975)	5:34
3.	“Seven Seas of Rhye” (mix instrumental 2011)	3:10
4.	“Nevermore” (session de la BBC, avril 1974)	1:29
5.	“Voir quel imbécile j’ai été” (version face B, février 1974)	4:31
Longueur totale:	19:06
Non.	Titre	Longueur
6.	“White Queen (As It Began)” (live au Rainbow ’74)
7.	“Seven Seas of Rhye” (en direct au stade de Wembley ’86)
8.	“Ogre Battle” (live à Hammersmith Odeon ’75)

Personnel

Les numéros de piste font référence aux versions CD et numériques.

Reine

• Freddie Mercury – chant principal (2, 3, 6-11) , chœurs (2-4, 6-11) , piano (2, 7-11) , clavecin (7)
• Brian May – guitare électrique (tous) , chœurs (2, 4, 6-11) , guitare acoustique (2-5, 10) , chant principal (4) , cloches (9) , piano et orgue (2)
• Roger Taylor (crédité comme Roger Meddows-Taylor) – batterie (tous sauf 8) , choeurs (2, 4-11) , chant principal (5) , voix supplémentaires (9) , gong (3, 6) , marimba (5 ) , tambourin (2, 11) percussion
• John Deacon – guitare basse (tous sauf 1) , guitare acoustique (2)

Personnel supplémentaire

• Roy Thomas Baker – production , castagnettes (7) , stylophone (11) . ^[73]
• Robin Geoffrey Cable – production

Graphiques

Graphique (1974)	Position de pointe
Australie ( Kent Music Report ) [74]	79
Tableau des albums canadiens [75]	40
Tableau des albums norvégiens	19
Tableau des albums britanniques [76]	5
Panneau d’affichage américain 200 [77]	49

Certificats

Région	Certificat	Unités /ventes certifiées
Pologne ( ZPAV ) [78] Réédition de l’album Agora SA 2009	Platine	20 000 *
Royaume-Uni ( BPI ) [79]	Or	100 000 ^
* Chiffres de ventes basés sur la seule certification. ^ Chiffres des expéditions basés uniquement sur la certification.

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Liens externes

• Reine II sur Queen Online. Comprend les paroles de toutes les pistes non bonus à l’exception de “Seven Seas of Rhye” (mais voir les paroles de la version de “Seven Seas of Rhye” du premier album de Queen ).
• Tate Gallery : “Le coup de maître de la fée Feller” de Richard Dadd
• Reine II sur Queenpedia