Pop Art

Le pop art est un mouvement artistique qui a émergé au ROYAUME-UNI et aux États-Unis entre le milieu et la fin des années 1950 . ^{[1] [2]} Le mouvement a présenté un défi aux traditions des beaux-arts en incluant des images de la culture populaire et de masse , telles que la publicité , les Bandes dessinées et les objets banals produits en série. L’un de ses objectifs est d’utiliser des images de la culture populaire (par opposition à élitiste) dans l’art, en mettant l’accent sur les éléments banals ou kitsch de toute culture, le plus souvent par l’utilisation de l’ ironie .^[3] Il est également associé à l’utilisation par les artistes de moyens mécaniques de reproduction ou de techniques de rendu. Dans le pop art, le matériel est parfois visuellement retiré de son contexte connu, isolé ou combiné avec du matériel sans rapport. ^{[2] [3]}

Eduardo Paolozzi , J’étais le jouet d’un homme riche (1947). Une partie de sa couchette ! série, celle-ci est considérée comme le porteur initial du “pop art” et la première à afficher le mot “pop”. Andy Warhol , Campbell’s Tomato Juice Box , 1964. Peinture polymère synthétique et encre sérigraphique sur bois, 10 pouces × 19 pouces × 91⁄2 pouces (25,4 × 48,3 × 24,1 cm), Museum of Modern Art , New York City

Parmi les premiers artistes qui ont façonné le mouvement pop art figuraient Eduardo Paolozzi et Richard Hamilton en Grande- Bretagne , et Larry Rivers , Ray Johnson . Robert Rauschenberg et Jasper Johns entre autres aux États-Unis . Le pop art est largement interprété comme une réaction aux idées alors dominantes de l’expressionnisme abstrait , ainsi qu’une expansion de ces idées. ^[4] En raison de son utilisation d’ objets et d’images trouvés, il est similaire à Dada . Le pop art et le minimalisme sont considérés comme des mouvements artistiques qui précèdentl’art postmoderne , ou sont quelques-uns des premiers exemples de l’art postmoderne eux-mêmes. ^[5]

Le pop art utilise souvent des images actuellement utilisées dans la publicité. L’étiquetage et les logos des produits figurent en bonne place dans l’imagerie choisie par les artistes pop, comme en témoignent les étiquettes de Campbell’s Soup Cans , d’ Andy Warhol . Même l’étiquetage à l’extérieur d’une boîte d’expédition contenant des produits alimentaires destinés à la vente au détail a été utilisé comme sujet dans le pop art, comme le montre Campbell’s Tomato Juice Box de Warhol , 1964 (photo).

Origines

Charles Demuth , J’ai vu le chiffre 5 en or 1928, collection du Metropolitan Museum of Art , New York City

Les origines du pop art en Amérique du Nord se sont développées différemment de la Grande-Bretagne. ^[3] Aux États-Unis, le pop art a été une réponse d’artistes ; il a marqué un retour à la composition dure et à l’art figuratif . Ils ont utilisé la réalité impersonnelle et banale, l’ironie et la parodie pour “désamorcer” le symbolisme personnel et le ” relâchement pictural ” de l’expressionnisme abstrait . ^{[4] [6]} Aux États-Unis, certaines œuvres d’art de Larry Rivers , Alex Katz et Man Ray ont anticipé le pop art. ^[7]

En revanche, les origines du pop art dans la Grande-Bretagne d’ après-guerre , tout en employant l’ironie et la parodie, étaient plus académiques. La Grande-Bretagne s’est concentrée sur l’imagerie dynamique et paradoxale de la culture pop américaine en tant que dispositifs symboliques puissants et manipulateurs qui affectaient des modes de vie entiers, tout en améliorant simultanément la prospérité d’une société. ^[6] Le premier pop art en Grande-Bretagne était une question d’idées alimentées par la Culture populaire américaine vue de loin . ^[4] De même, le pop art était à la fois une extension et une répudiation du dadaïsme . ^[4]Alors que le pop art et le dadaïsme exploraient certains des mêmes sujets, le pop art a remplacé les impulsions destructrices, satiriques et anarchiques du mouvement Dada par une affirmation détachée des artefacts de la Culture de masse. ^[4] Parmi les artistes en Europe considérés comme produisant des œuvres menant au pop art figurent : Pablo Picasso , Marcel Duchamp et Kurt Schwitters .

Proto-pop

Bien que le pop art britannique et américain ait commencé dans les années 1950, Marcel Duchamp et d’autres en Europe comme Francis Picabia et Man Ray sont antérieurs au mouvement; en outre, il y avait des origines proto-pop américaines antérieures qui utilisaient des objets culturels «tels que trouvés». ^[4] Au cours des années 1920, les artistes américains Patrick Henry Bruce , Gerald Murphy , Charles Demuth et Stuart Davis ont créé des peintures qui contenaient des images de la culture pop (objets banals extraits de produits commerciaux américains et de design publicitaire), “préfigurant” presque le mouvement pop art. ^{[8] [9]}

ROYAUME-UNI : le groupe indépendant

Collage de Richard Hamilton Qu’est-ce qui rend les maisons d’aujourd’hui si différentes, si attirantes ? (1956) est l’une des premières œuvres à être considérée comme “pop art”.

The Independent Group (IG), fondé à Londres en 1952, est considéré comme le précurseur du mouvement pop art. ^{[2] [10]} Ils étaient un rassemblement de jeunes peintres, sculpteurs, architectes, écrivains et critiques qui défiaient les approches modernistes dominantes de la culture ainsi que les vues traditionnelles des beaux-arts. Leurs discussions de groupe se sont concentrées sur les implications de la culture pop à partir d’éléments tels que la publicité de masse, les films, la conception de produits, les Bandes dessinées, la science-fiction et la technologie. Lors de la première réunion du groupe indépendant en 1952, le membre cofondateur, artiste et sculpteur Eduardo Paolozzi a présenté une conférence utilisant une série de collages intitulée Bunk!qu’il avait assemblé pendant son séjour à Paris entre 1947 et 1949. ^{[2] [10]} Ce matériel d ‘«Objets trouvés» tels que la publicité, les personnages de Bandes dessinées, les couvertures de magazines et divers graphiques produits en série représentait principalement la Culture populaire américaine . L’un des collages de cette présentation était I was a Rich Man’s Plaything (1947) de Paolozzi, qui comprend la première utilisation du mot «pop», apparaissant dans un nuage de fumée sortant d’un revolver. ^{[2] [11]} Suite à la présentation séminale de Paolozzi en 1952, l’IG s’est concentré principalement sur l’imagerie de la Culture populaire américaine, en particulier la publicité de masse. ^[6]

Selon le fils de John McHale , le terme “pop art” a été inventé par son père en 1954 lors d’une conversation avec Frank Cordell , ^[12] bien que d’autres sources attribuent son origine au critique britannique Lawrence Alloway . ^{[13] [14]} (Les deux versions conviennent que le terme a été utilisé dans les discussions du groupe indépendant à la mi-1955.)

“Pop art” en tant que surnom a ensuite été utilisé dans les discussions des membres de l’IG lors de la deuxième session de l’IG en 1955, et le terme spécifique “pop art” est apparu pour la première fois dans des publications publiées dans l’article “But Today We Collect Ads” par IG membres Alison et Peter Smithson dans le magazine Ark en 1956. ^[15] Cependant, le terme est souvent attribué au critique d’art / conservateur britannique Lawrence Alloway pour son essai de 1958 intitulé The Arts and the Mass Media , même si le langage précis qu’il utilise est ” Culture de masse populaire ». ^[16] “De plus, ce que je voulais dire par là à l’époque n’est plus ce qu’il veut dire maintenant. J’ai utilisé le terme, ainsi que “Culture Pop”, pour désigner les produits des médias de masse, et non les œuvres d’art qui s’inspirent de la culture populaire. cas, entre l’hiver 1954-1955 et 1957, l’expression s’est imposée dans la conversation… » ^[17] Néanmoins, Alloway a été l’un des principaux critiques à défendre l’inclusion de l’imagerie de la Culture de masse dans les beaux-arts. Alloway a clarifié ces termes en 1966, époque à laquelle le Pop Art était déjà passé des écoles d’art et des petites galeries à une force majeure dans le monde de l’art. Mais son succès n’avait pas été en Angleterre. Pratiquement simultanément et indépendamment, New York était devenue le foyer du Pop Art. ^[17]

À Londres, l’exposition annuelle de jeunes talents de la Royal Society of British Artists (RBA) en 1960 a d’abord montré des influences pop américaines. En janvier 1961, les plus célèbres RBA- Young Contemporaries de tous mettent sur la carte David Hockney , l’Américain RB Kitaj , le Néo-Zélandais Billy Apple , Allen Jones , Derek Boshier , Joe Tilson , Patrick Caulfield , Peter Phillips , Pauline Boty et Peter Blake . ; Apple a conçu les affiches et les invitations des expositions Young Contemporaries de 1961 et 1962. ^[18]Hockney, Kitaj et Blake ont remporté des prix à l’exposition John-Moores à Liverpool la même année. Apple et Hockney se sont rendus ensemble à New York pendant les vacances d’été du Royal College en 1961, date à laquelle Apple a pris contact pour la première fois avec Andy Warhol – tous deux ont ensuite déménagé aux États-Unis et Apple s’est impliqué dans la scène pop art new-yorkaise. ^[18]

États-Unis

Bien que le pop art ait commencé au début des années 1950, en Amérique, c’est dans les années 1960 qu’il a connu son plus grand essor. Le terme « pop art » a été officiellement introduit en décembre 1962 ; l’occasion était un “Symposium sur le Pop Art” organisé par le Musée d’Art Moderne . ^[19] À cette époque, la publicité américaine avait adopté de nombreux éléments de l’art moderne et fonctionnait à un niveau très sophistiqué. Par conséquent, les artistes américains ont dû rechercher plus profondément des styles dramatiques qui éloigneraient l’art des matériaux commerciaux bien conçus et intelligents. ^[6]Alors que les Britanniques considéraient les images de la Culture populaire américaine d’un point de vue quelque peu éloigné, leurs opinions étaient souvent imprégnées de connotations romantiques, sentimentales et humoristiques. En revanche, les artistes américains, bombardés chaque jour par la diversité des images produites en série, ont produit des œuvres généralement plus audacieuses et agressives. ^[dix]

Roy Lichtenstein , Drowning Girl , 1963, exposée au Museum of Modern Art de New York .

Selon l’historien, conservateur et critique Henry Geldzahler , ” les collages de Ray Johnson Elvis Presley No. 1 et James Dean représentent le mouvement Plymouth Rock of the Pop.” ^[20] L’auteur Lucy Lippard a écrit que “The Elvis … et Marilyn Monroe [collages] … ont annoncé Warholian Pop.” ^[21] Johnson a travaillé comme graphiste, a rencontré Andy Warhol en 1956 et a conçu plusieurs couvertures de livres pour New Directions et d’autres éditeurs. Johnson a commencé à envoyer des dépliants fantaisistes annonçant ses services de conception imprimés par lithographie offset. Il est devenu plus tard connu comme le père de l’art postalen tant que fondateur de sa “New York Correspondence School”, travaillant petit en fourrant des coupures de presse et des dessins dans des enveloppes plutôt que de travailler plus grand comme ses contemporains. ^[22] Une note sur l’image de couverture dans Art News de janvier 1958 soulignait que “la première exposition personnelle de [Jasper] Johns … le place avec des collègues plus connus comme Rauschenberg, Twombly, Kaprow et Ray Johnson”. ^[23]

En effet, deux autres artistes importants dans l’établissement du vocabulaire du pop art américain étaient les peintres Jasper Johns et Robert Rauschenberg . ^[10] Rauschenberg, qui comme Ray Johnson a fréquenté le Black Mountain College en Caroline du Nord après la Seconde Guerre mondiale , a été influencé par les travaux antérieurs de Kurt Schwitters et d’autres artistes Dada , et sa conviction que “la peinture concerne à la fois l’art et la vie” a défié le perspective moderniste dominante de son temps. ^[24] Son utilisation d’objets prêts à l’emploi abandonnés (dans ses Combines) et l’imagerie de la culture pop (dans ses sérigraphies) ont relié ses œuvres à des événements d’actualité dans l’Amérique de tous les jours. ^{[10] [25] [26]} Les sérigraphies de 1962–64 combinaient un coup de pinceau expressif avec des coupures de magazines sérigraphiées de Life , Newsweek et National Geographic . Les peintures de Johns représentant des drapeaux, des cibles, des chiffres et des cartes des États-Unis ainsi que des représentations tridimensionnelles de canettes de bière ont attiré l’attention sur les questions de représentation dans l’art. ^[27] Le travail de Johns et Rauschenberg des années 1950 est fréquemment appelé Néo-Dada et est visuellement distinct du pop art américain prototypique qui a explosé au début des années 1960.^{[28] [29]}

Roy Lichtenstein est d’égale importance pour le pop art américain. Son travail, et son utilisation de la parodie , définit probablement mieux que tout autre le principe de base du pop art. ^[10] En sélectionnant la bande dessinée à l’ancienne comme sujet, Lichtenstein produit une composition précise et tranchante qui documente tout en parodiant de manière douce. Lichtenstein a utilisé de l’huile et de la Peinture Magna dans ses œuvres les plus connues, telles que Drowning Girl (1963), qui a été appropriée à partir de l’histoire principale de DC Comics ‘ Secret Hearts # 83. ( Drowning Girl fait partie de la collection du Museum of Modern Art.) ^[30] Son travail présente des contours épais, des couleurs vives et des Points Ben-Day pour représenter certaines couleurs, comme s’il avait été créé par reproduction photographique. Lichtenstein a déclaré : « [les expressionnistes abstraits] ont mis des choses sur la toile et ont répondu à ce qu’ils avaient fait, aux positions et aux tailles des couleurs. Mon style a l’air complètement différent, mais la nature de la mise en place de lignes est à peu près la même ; n’ayez pas l’air calligraphié, comme ceux de Pollock ou de Kline.” ^[31] Le pop art fusionne la culture populaire et de masse avec les beaux-arts tout en injectant de l’humour, de l’ironie et des images/contenus reconnaissables dans le mélange.

Les peintures de Lichtenstein, comme celles d’Andy Warhol, Tom Wesselmann et d’autres, partagent un attachement direct à l’image banale de la Culture populaire américaine, mais traitent également le sujet de manière impersonnelle illustrant clairement l’idéalisation de la production de masse. ^[dix]

Andy Warhol est probablement la figure la plus célèbre du pop art. En fait, le critique d’art Arthur Danto a un jour qualifié Warhol de “la chose la plus proche d’un génie philosophique que l’histoire de l’art ait produite”. ^[19] Warhol a tenté d’emmener la pop au-delà d’un style artistique vers un style de vie, et son travail affiche souvent un manque d’affectation humaine qui dispense de l’ironie et de la parodie de beaucoup de ses pairs. ^{[32] [33]}

Premières expositions américaines

La toile Cheddar Cheese du Campbell ‘s Soup Cans d’ Andy Warhol , 1962.

Claes Oldenburg , Jim Dine et Tom Wesselmann ont eu leurs premières expositions à la Judson Gallery en 1959 et 1960 et plus tard de 1960 à 1964 avec James Rosenquist , George Segal et d’autres à la Green Gallery sur la 57e rue à Manhattan. En 1960, Martha Jackson présente des installations et des assemblages , New Media – New Forms avec Hans Arp , Kurt Schwitters , Jasper Johns , Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg , Jim Dine et May Wilson .. 1961 est l’année du spectacle printanier de Martha Jackson , Environments, Situations, Spaces . ^{[34] [35]} Andy Warhol a tenu sa première exposition personnelle à Los Angeles en juillet 1962 à la Ferus Gallery d’Irving Blum , où il a montré 32 peintures des boîtes de soupe de Campell, une pour chaque saveur. Warhol a vendu l’ensemble de peintures à Blum pour 1 000 $; en 1996, lorsque le Museum of Modern Art l’a acquis, l’ensemble était évalué à 15 millions de dollars. ^[19]

Donald Factor, fils de Max Factor Jr. , collectionneur d’art et coéditeur du magazine littéraire d’ avant-garde Nomad , a écrit un essai dans le dernier numéro du magazine, Nomad/New York . L’essai était l’un des premiers sur ce qui allait devenir le pop art, bien que Factor n’ait pas utilisé le terme. L’essai, “Four Artists”, portait sur Roy Lichtenstein, James Rosenquist , Jim Dine et Claes Oldenburg. ^[36]

Dans les années 1960, Oldenburg, qui s’est associé au mouvement pop art, a créé de nombreux happenings , qui étaient des productions liées à l’art de la performance de l’époque. Le nom qu’il a donné à ses propres productions était “Ray Gun Theatre”. Le casting de collègues dans ses performances comprenait: les artistes Lucas Samaras , Tom Wesselmann , Carolee Schneemann , Öyvind Fahlström et Richard Artschwager ; la marchande Annina Nosei; la critique d’art Barbara Rose ; et le scénariste Rudy Wurlitzer . ^[37]Sa première épouse, Patty Mucha, qui a cousu plusieurs de ses premières sculptures souples, était une interprète constante dans ses happenings. Cette approche impétueuse, souvent humoristique, de l’art était en grande contradiction avec la sensibilité dominante selon laquelle, de par sa nature, l’art traitait d’expressions ou d’idées «profondes». En décembre 1961, il loue un magasin dans le Lower East Side de Manhattan pour abriter The Store , une installation d’un mois qu’il avait d’abord présentée à la Martha Jackson Gallery de New York, remplie de sculptures à peu près sous la forme de biens de consommation. ^[37]

Ouvert en 1962, le marchand d’art new-yorkais de Willem de Kooning , la Sidney Janis Gallery, a organisé l’ exposition internationale révolutionnaire des nouveaux réalistes , une enquête sur les nouveaux réalismes américains, français, suisses, italiens et Pop-art britannique. Les cinquante-quatre artistes présentés comprenaient Richard Lindner , Wayne Thiebaud , Roy Lichtenstein (et sa peinture Blam ), Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist , Jim Dine, Robert Indiana , Tom Wesselmann , George Segal , Peter Phillips, Peter Blake ( The Mur d’amour de 1961),Öyvind Fahlström , Yves Klein , Arman , Daniel Spoerri , Christo et Mimmo Rotella . Le spectacle a été vu par les Européens Martial Raysse , Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely à New York, qui ont été stupéfaits par la taille et l’apparence de l’œuvre d’art américaine. Marisol , Mario Schifano , Enrico Baj et Öyvind Fahlström . Janis a perdu certains de ses artistes expressionnistes abstraits lorsque Mark Rothko , Robert Motherwell , Adolph Gottlieb etPhilip Guston a quitté la galerie, mais a gagné Dine, Oldenburg, Segal et Wesselmann. ^[38] Lors d’une soirée d’ouverture lancée par le collectionneur Burton Tremaine, Willem de Kooning est apparu et a été refoulé par Tremaine, qui possédait ironiquement un certain nombre d’œuvres de de Kooning. Rosenquist a rappelé: “à ce moment-là, j’ai pensé que quelque chose dans le monde de l’art avait définitivement changé”. ^[19] Le refus d’un artiste abstrait respecté a prouvé que, dès 1962, le mouvement pop art avait commencé à dominer la culture artistique à New York.

Un peu plus tôt, sur la côte ouest , Roy Lichtenstein, Jim Dine et Andy Warhol de New York ; Phillip Hefferton et Robert Dowd de Détroit ; Edward Ruscha et Joe Goode d’Oklahoma City ; et Wayne Thiebaud de Californie ont été inclus dans l’ exposition New Painting of Common Objects . Cette première exposition de musée d’art pop en Amérique a été organisée par Walter Hopps au Pasadena Art Museum . ^[39] Le pop art était prêt à changer le monde de l’art. New York a suivi Pasadena en 1963, lorsque le musée Guggenheim a exposé Six Painters and the Object , organisée parLaurent Alloway . Les artistes étaient Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist et Andy Warhol. ^[40] Une autre première exposition cruciale était The American Supermarket organisée par la Bianchini Gallery en 1964. L’exposition était présentée comme un environnement typique de petit supermarché, sauf que tout ce qu’elle contenait – les produits, les conserves, la viande, les affiches au mur, etc. .—a été créé par d’éminents artistes pop de l’époque, dont Apple, Warhol, Lichtenstein, Wesselmann, Oldenburg et Johns. Ce projet a été recréé en 2002 dans le cadre de Shopping de la Tate Gallery : un siècle d’art et de culture de consommation . ^[41]

En 1962, les artistes pop ont commencé à exposer dans des galeries commerciales à New York et Los Angeles ; pour certains, c’était leur premier one-man show commercial. La Ferus Gallery présente Andy Warhol à Los Angeles (et Ed Ruscha en 1963). À New York, la Green Gallery a montré Rosenquist, Segal, Oldenburg et Wesselmann. La Stable Gallery a montré R. Indiana et Warhol (dans sa première exposition à New York). La galerie Leo Castelli a présenté Rauschenberg, Johns et Lichtenstein. Marthe Jacksona montré Jim Dine et Allen Stone a montré Wayne Thiebaud. En 1966, après la fermeture de la Green Gallery et de la Ferus Gallery, la Leo Castelli Gallery représente Rosenquist, Warhol, Rauschenberg, Johns, Lichtenstein et Ruscha. La galerie Sidney Janis a représenté Oldenburg, Segal, Dine, Wesselmann et Marisol, tandis qu’Allen Stone a continué à représenter Thiebaud et Martha Jackson a continué à représenter Robert Indiana. ^[42]

En 1968, l’ exposition São Paulo 9 – Environment USA: 1957–1967 présentait le “Who’s Who” du pop art. Considérée comme un résumé de la phase classique de la période du pop art américain, l’exposition a été organisée par William Seitz. Les artistes étaient Edward Hopper , James Gill , Robert Indiana , Jasper Johns , Roy Lichtenstein , Claes Oldenburg , Robert Rauschenberg , Andy Warhol et Tom Wesselmann . ^[43]

France

Le Nouveau réalisme fait référence à un mouvement artistique fondé en 1960 par le critique d’art Pierre Restany ^[44] et l’artiste Yves Klein lors de la première exposition collective à la galerie Apollinaire à Milan. Pierre Restany a écrit le manifeste original du groupe, intitulé «Déclaration constitutive du Nouveau réalisme», en avril 1960, proclamant «Nouveau réalisme – nouvelles façons de percevoir le réel». ^[45] Cette déclaration commune est signée le 27 octobre 1960, dans l’atelier d’Yves Klein, par neuf personnes : Yves Klein, Arman , Martial Raysse , Pierre Restany, Daniel Spoerri , Jean Tinguely et les ultra-lettristes ,François Dufrêne , Raymond Hains , Jacques de la Villeglé ; ils sont rejoints en 1961 par César , Mimmo Rotella , puis Niki de Saint Phalle et Gérard Deschamps . L’artiste Christo a montré avec le groupe. Il a été dissous en 1970. ^[45]

Contemporain du Pop Art américain – souvent conçu comme sa transposition en France – le Nouveau réalisme était avec Fluxus et d’autres groupes l’une des nombreuses tendances de l’avant-garde des années 1960. Le groupe a d’abord choisi Nice , sur la Côte d’Azur, comme port d’attache puisque Klein et Arman y sont tous deux originaires ; le Nouveau réalisme est ainsi souvent rétrospectivement considéré par les historiens comme l’un des premiers représentants du mouvement de l’ École de Nice . ^[46] Malgré la diversité de leur langage plastique, ils percevaient une base commune à leur travail ; ceci étant une méthode d’ appropriation directede réalité, équivalent, dans les termes employés par Restany ; à un “recyclage poétique de la réalité urbaine, industrielle et publicitaire”. ^[47]

Espagne

En Espagne, l’étude du pop art est associée au “nouveau figuratif”, né des racines de la crise de l’informalisme . On pourrait dire qu’Eduardo Arroyo s’inscrit dans la tendance pop art, en raison de son intérêt pour l’environnement, de sa critique de notre culture médiatique qui intègre à la fois des icônes de la communication de masse et de l’histoire de la peinture, et de son mépris pour presque toutes les œuvres artistiques établies. modes. Cependant, l’artiste espagnol qui pourrait être considéré comme faisant le plus authentiquement partie du “pop” art est Alfredo Alcaín, en raison de l’utilisation qu’il fait d’images populaires et d’espaces vides dans ses compositions.

Dans la catégorie du pop art espagnol se trouve également la “Chronicle Team” ( El Equipo Crónica ), qui a existé à Valence entre 1964 et 1981, formée par les artistes Manolo Valdés et Rafael Solbes. Leur mouvement peut être qualifié de “pop” en raison de son utilisation de la bande dessinée et des images publicitaires et de sa simplification des images et des compositions photographiques. Le cinéaste Pedro Almodóvar a émergé de la sous-culture madrilène “La Movida” des années 1970 en réalisant des films pop art super 8 à petit budget, et il a ensuite été appelé l’Andy Warhol d’Espagne par les médias de l’époque. Dans le livre Almodovar sur Almodovar, il aurait déclaré que le film des années 1950 “Funny Face” était une source d’inspiration centrale pour son travail. Une marque pop dans les films d’Almodovar est qu’il produit toujours une fausse publicité à insérer dans une scène.

Nouvelle-Zélande

Pisupo lua afe de Michel Tuffery (Corned beef 2000) (1994)

En Nouvelle-Zélande, le pop art a principalement prospéré depuis les années 1990 et est souvent lié à Kiwiana . Kiwiana est une représentation idéalisée et centrée sur la pop des icônes kiwis classiques , telles que les pâtés à la viande , les kiwis , les tracteurs , les jandals , les supermarchés Four Square ; le campness inhérent de ceci est souvent subverti pour signifier des messages culturels. ^[48] ​​Dick Frizzellest un célèbre artiste pop néo-zélandais, connu pour utiliser les anciens symboles Kiwiana de manière à parodier la culture moderne. Par exemple, Frizzell aime imiter le travail d’artistes étrangers, donnant à leurs œuvres une vision ou une influence néo-zélandaise unique. Ceci est fait pour montrer l’impact historiquement modéré de la Nouvelle-Zélande sur le monde; l’art naïf est ainsi lié au pop art d’Aotearo. ^[49]

Cela peut aussi être fait de manière abrasive et pince-sans-rire, comme avec le célèbre ouvrage Pisupo Lua Afe (Corned Beef 2000) de Michel Tuffrey . D’ ascendance samoane , Tuffery a construit l’œuvre, qui représente un taureau, à partir de boîtes de conserve transformées connues sous le nom de pisupo . C’est une œuvre unique du pop art occidental car Tuffrey comprend des thèmes de néocolonialisme et de racisme contre les cultures non occidentales (signifiés par les boîtes de conserve dont l’œuvre est faite, qui représentent la dépendance économique apportée aux Samoans par l’ouest). Le point de vue indigène indéniable le distingue des œuvres non indigènes plus courantes du pop art. ^{[50] [51]}

L’un des premiers et célèbres artistes pop de Nouvelle-Zélande est Billy Apple , l’un des rares membres non britanniques de la Royal Society of British Artists . Présenté parmi des artistes comme David Hockney , l’Américain RB Kitaj et Peter Blake dans l’exposition Young Contemporaries de la RBA en janvier 1961 , Apple est rapidement devenu un artiste international emblématique des années 1960. C’était avant qu’il ne conçoive son surnom de “Billy Apple”, et son travail a été affiché sous son nom de naissance de Barrie Bates. Il a cherché à se distinguer par son apparence ainsi que par son nom, alors il a décoloré ses cheveux et ses sourcils avec Lady Clairol Instant Creme Whip. Plus tard, Apple a été associé à l’ art conceptuel des années 1970mouvement. ^[52]

Japon

Au Japon, le pop art a évolué à partir de la scène avant-gardiste de premier plan du pays . L’utilisation d’images du monde moderne, copiées de magazines dans les peintures de style photomontage réalisées par Harue Koga à la fin des années 1920 et au début des années 1930, préfigure des éléments du pop art. ^[53] Le mouvement japonais Gutai a conduit à une exposition Gutai en 1958 à la galerie new-yorkaise de Martha Jackson qui a précédé de deux ans sa célèbre exposition New Forms New Media qui a mis le Pop Art sur la carte. ^[54] Le travail de Yayoi Kusama a contribué au développement du pop art et a influencé de nombreux autres artistes, dont Andy Warhol. ^{[55] [56]} Au milieu des années 1960, le graphiste Tadanori Yokooest devenu l’un des artistes pop les plus titrés et un symbole international du pop art japonais. Il est bien connu pour ses publicités et la création d’œuvres d’art pour des icônes de la culture pop telles que des commandes des Beatles , Marilyn Monroe et Elizabeth Taylor , entre autres. ^[57] Un autre artiste pop de premier plan à cette époque était Keiichi Tanaami . Des personnages emblématiques du manga et de l’ anime japonais sont également devenus des symboles du pop art, tels que Speed ​​Racer et Astro Boy . Le manga et l’anime japonais ont également influencé des artistes pop ultérieurs tels que Takashi Murakami et son superflatmouvement.

Italie

En Italie, en 1964, le pop art était connu et prenait différentes formes, comme la “Scuola di Piazza del Popolo” à Rome, avec des artistes pop tels que Mario Schifano , Franco Angeli , Giosetta Fioroni , Tano Festa , Claudio Cintoli , et certains oeuvres de Piero Manzoni , Lucio Del Pezzo , Mimmo Rotella et Valerio Adami .

Le pop art italien trouve son origine dans la culture des années 1950 – les œuvres des artistes Enrico Baj et Mimmo Rotella pour être précis, considérées à juste titre comme les précurseurs de cette scène. En fait, c’est vers 1958-1959 que Baj et Rotella ont abandonné leurs carrières antérieures (qui pourraient être définies de manière générique comme appartenant à un genre non figuratif , bien qu’elles soient profondément post-dadaïstes), pour se catapulter dans un nouveau monde d’images, et les réflexions sur eux, qui surgissaient tout autour d’eux. Les affiches déchirées de Rotella ont montré un goût toujours plus figuratif, faisant souvent explicitement et délibérément référence aux grandes icônes de l’époque. Les compositions de Baj étaient imprégnées de kitsch contemporain, qui s’est avéré être une « mine d’or » d’images et le stimulant de toute une génération d’artistes.

La nouveauté est venue du nouveau panorama visuel, à la fois à l’intérieur des “murs domestiques” et à l’extérieur. Voitures, panneaux de signalisation, télévision, tout le “nouveau monde”, tout peut appartenir au monde de l’art, lui-même nouveau. À cet égard, le pop art italien suit le même chemin idéologique que celui de la scène internationale. La seule chose qui change est l’iconographie et, dans certains cas, la présence d’une attitude plus critique à son égard. Même dans ce cas, les prototypes remontent aux œuvres de Rotella et Baj, tous deux loin d’être neutres dans leur relation avec la société. Mais ce n’est pas un élément exclusif ; il y a une longue lignée d’artistes, dont Gianni Ruffi , Roberto Barni , Silvio Pasotti , Umberto Bignardi , etClaudio Cintoli , qui prend la réalité comme un jouet, comme un grand réservoir d’images dans lequel puiser de la matière avec désenchantement et frivolité, interrogeant les modèles linguistiques traditionnels avec un esprit renouvelé de “laissez-moi m’amuser” à la Aldo Palazzeschi . ^[58]

L’ astronaute déchu de Paul Van Hoeydonck

Belgique

En Belgique , le pop art était représenté dans une certaine mesure par Paul Van Hoeydonck, dont la sculpture Fallen Astronaut a été laissée sur la Lune lors d’une des missions Apollo , ainsi que par d’autres artistes pop notables. Des artistes internationalement reconnus tels que Marcel Broodthaers ( ‘vous êtes poupée ? “ ), Evelyne Axell et Panamarenko sont redevables au mouvement pop art ; la grande influence de Broodthaers était George Segal . Un autre artiste bien connu, Roger Raveel, a monté une cage à oiseaux avec un vrai pigeon vivant dans l’une de ses peintures. À la fin des années 1960 et au début des années 1970, les références au pop art ont disparu du travail de certains de ces artistes lorsqu’ils ont commencé à adopter une attitude plus critique envers l’Amérique en raison du caractère de plus en plus macabre de la guerre du Vietnam . Panamarenko, cependant, a conservé l’ironie inhérente au mouvement pop art jusqu’à nos jours. Evelyne Axell de Namur était une artiste pop prolifique de la période 1964-1972. Axell a été l’une des premières femmes artistes pop, a été encadrée par Magritte et sa peinture la plus connue est Ice Cream . ^[59]

Pays-Bas

Bien qu’il n’y ait pas eu de mouvement pop art formel aux Pays- Bas , un groupe d’artistes a passé du temps à New York pendant les premières années du pop art et s’est inspiré du mouvement pop art international. Parmi les représentants du pop art hollandais figurent Daan van Golden , Gustave Asselbergs , Jacques Frenken , Jan Cremer , Wim T. Schippers et Woody van Amen . Ils se sont opposés à la mentalité petite-bourgeoise néerlandaise en créant des œuvres humoristiques avec une nuance sérieuse. Des exemples de cette nature incluent Sex O’Clock, de Woody van Amen, et Crucifix / Target , de Jacques Frenken.^[60]

Russie

Peinture de Dmitri Vrubel Mon Dieu, aide-moi à survivre à cet amour mortel (1990)

La Russie était un peu en retard pour faire partie du mouvement pop art, et certaines des œuvres d’art qui ressemblent au pop art n’ont fait surface qu’au début des années 1970, lorsque la Russie était un pays communiste et que les déclarations artistiques audacieuses étaient étroitement surveillées. La propre version russe du pop art était sur le thème soviétique et était appelée Sots Art . Après 1991, le Parti communiste a perdu son pouvoir, et avec lui est venue la liberté d’expression. Le pop art en Russie a pris une autre forme, incarnée par Dmitri Vrubel avec sa peinture intitulée My God, Help Me to Survive This Deadly Love en 1990. On pourrait dire que les affiches soviétiques réalisées dans les années 1950 pour promouvoir la richesse de la nation étaient en soi une forme de pop art. ^[61]

Artistes notables

• Billy Apple (1935-2021)
• Évelyne Axell (1935-1972)
• Sir Peter Blake (né en 1932)
• Derek Boshier (né en 1937)
• Pauline Boty (1938-1966)
• Patrick Caulfield (1936–2005)
• Allan D’Arcangelo (1930–1998)
• Jim Dine (né en 1935)
• Burhan Dogançay (1929–2013)
• Rosalyn Drexler (née en 1926)
• Robert Dowd (1936–1996)
• Ken Elias (né en 1944)
• Erró (né en 1932)
• Marisol Escobar (1930-2016)
• James Gill (né en 1934)
• Dorothée Grebenak (1913-1990)
• Grooms rouges (né en 1937)
• Richard Hamilton (1922-2011)
• Keith Haring (1958–1990)
• Jann Haworth (née en 1942)
• David Hockney (né en 1937)
• Dorothy Iannone (née en 1933)
• Robert Indiana (1928-2018)
• Jasper Johns (né en 1930)
• Ray Johnson (1927-1995)
• Allen Jones (né en 1937)
• Alex Katz (né en 1927)
• Corita Kent (1918-1986)
• Konrad Klapheck (né en 1935)
• Kiki Kogelnik (1935–1997)
• Nicolas Krushenick (1929–1999)
• Yayoi Kusama (née en 1929)
• Gérald Laing (1936–2011)
• Roy Lichtenstein (1923–1997)
• Richard Lindner (1901-1978)
• John Mc Hale (1922-1978)
• Pierre Max (né en 1937)
• Marta Minujin (née en 1943)
• Claes Oldenbourg (né en 1929)
• Julian Opie (né en 1958)
• Eduardo Paolozzi (1924–2005)
• Peter Philips (né en 1939)
• Sigmar Polke (1941–2010)
• Hariton Pushwagner (1940–2018)
• Mel Ramos (1935-2018)
• Robert Rauschenberg (1925–2008)
• Larry Rivers (1923–2002)
• James Rizzi (1950-2011)
• James Rosenquist (1933–2017)
• Niki de Saint Phalle (1930-2002)
• Pierre Saul (né en 1934)
• George Segal (1924-2000)
• Colin Self (né en 1941)
• Marjorie Strider (1931–2014)
• Elaine Sturtevant (1924-2014)
• Wayne Thiebaud (né en 1920)
• Joe Tilson (né en 1928)
• Andy Warhol (1928-1987)
• Idelle Weber (1932–2020)
• John Wesley (né en 1928)
• Tom Wesselman (1931–2004)

Voir également

• Art-pop
• Imagistes de Chicago
• Galerie Férus
• Sidney Janis
• Léo Castelli
• Galerie verte
• Nouvelle Peinture d’Objets Communs
• Figuration Libre (mouvement artistique)
• Lowbrow (mouvement artistique)
• Nouveau réalisme
• Néo-pop
• Op art
• Plop art
• Art rétro
• Superplat
• SoFlo Superplat

Références

1. ^ Pop Art: Une brève histoire , MoMA Learning
2. ^ ^{un bcde Livingstone} , M., ^{Pop Art} : Une histoire continue , New York: Harry N. Abrams, Inc., 1990
3. ^ ^{un bc de la Croix} , H.; Tansey, R., Gardner’s Art Through the Ages , New York: Harcourt Brace Jovanovich, Inc., 1980.
4. ^ ^{un bcdef Piper , David} . ^_ L’histoire illustrée de l’art , ISBN 0-7537-0179-0 , p486-487.
5. ^ Harrison, Sylvia (2001-08-27). Pop Art et les origines du post-modernisme . La presse de l’Universite de Cambridge.
6. ^ ^{un bcd Gopnik} , A ^.; Varnedoe, K., High & Low: Modern Art & Popular Culture , New York: The Museum of Modern Art, 1990
7. ^ “Histoire, Voyage, Arts, Science, Gens, Lieux | Smithsonian” . Smithsonianmag.com . Récupéré le 30/12/2015 .
8. ^ “Amour moderne” . Le New-Yorkais . 2007-08-06 . Récupéré le 30/12/2015 .
9. ^ Wayne Craven, Art américain : Histoire et . p.464.
10. ^ ^{un bcdefg Arnason , H.} , ^{Histoire de l’ art} moderne : peinture, sculpture, architecture , New York : Harry N. Abrams, Inc. 1968.
11. ^ ” “J’étais le jouet d’un homme riche“, Sir Eduardo Paolozzi” . Tate. 10/12/2015 . Récupéré le 30/12/2015 .
12. ^ “John Mc Hale” . Warholstars.org . Récupéré le 30/12/2015 .
13. ^ “Pop art”, Un dictionnaire de l’art du XXe siècle , Ian Chilvers. Presse universitaire d’Oxford, 1998.
14. ^ “Pop art”, The Concise Oxford Dictionary of Art Terms , Michael Clarke, Oxford University Press, 2001.
15. ^ Alison et Peter Smithson, “But Today We Collect Ads”, réimprimé à la page 54 dans Modern Dreams The Rise and Fall of Pop , publié par ICA et MIT, ISBN 0-262-73081-2
16. ^ Lawrence Alloway, “Les arts et les médias de masse”, Architectural Design & Construction, février 1958.
17. ^ ^{un b} Klaus Honnef, Pop Art , Taschen , 2004, p. 6, ISBN 3822822183
18. ^ ^{un b} Barton, Christina (2010). Billy Apple: Œuvres britanniques et américaines 1960–69 . Londres : La galerie du maire. p. 11–21. ISBN 978-0-9558367-3-2.
19. ^ ^{un bcd Scherman , Tony} . “Quand la pop a bouleversé le monde de l’art.” American Heritage 52.1 (février 2001), 68.
20. ^ Geldzahler, Henry in Pop Art: 1955–1970 catalogue, Art Gallery of New South Wales , Sydney, 1985
21. ^ Lippard, Lucy dans Ray Johnson: Catalogue de correspondances, Wexner Center/Whitney Museum, 2000
22. ^ Bloch, Marc. “Une introduction illustrée à Ray Johnson 1927-1995” , 1995
23. ↑ Auteur inconnu. “(Table des matières, note sans titre sur la couverture.)”, Art News, vol. 56, non. 9 janvier 1958
24. ^ Rauschenberg, Robert; Miller, Dorothy C. (1959). Seize Américains [exposition] . New York : Musée d’art moderne. p. 58. ISBN 978-0029156704 . OCLC 748990996. « La peinture concerne à la fois l’art et la vie. Ni l’un ni l’autre ne peut être fait. (J’essaie d’agir dans cet écart entre les deux.) ”
25. ^ “Art: Pop Art – Culte du lieu commun” . Temps . 1963-05-03. ISSN 0040-781X . Récupéré le 07/07/2020 . Robert Rauschenberg, 37 ans, se souvient d’un professeur d’art qui « m’a appris à penser « Pourquoi pas ? Pourquoi ne pas faire de l’art avec de vieux journaux, des morceaux de vêtements, des bouteilles de Coca, des livres, des patins, des horloges ?
26. ^ Sandler, Irving H. The New York School: The Painters and Sculptors of the Fifties, New York: Harper & Row, 1978. ISBN 0-06-438505-1 pp. 174–195, Rauschenberg et Johns ; pp. 103–111, Rivers et les réalistes gestuels .
27. ^ Rosenthal, Nan (octobre 2004). “Jasper Johns (né en 1930) Dans la chronologie de l’histoire de l’art de Heilbrunn ” . Le Metropolitan Museum of Art . Consulté le 2 mai 2021 .
28. ^ Robert Rosenblum, “Jasper Johns” Art International (septembre 1960): 75.
29. ^ Hapgood, Susan, Neo-Dada: Redéfinir l’art, 1958–62 . New York : Livres de l’univers, 1994.
30. ^ Hendrickson, Janis (1988). Roy Lichtenstein . Cologne, Allemagne : Benedikt Taschen. p. 31. ISBN 3-8228-0281-6.
31. ^ Kimmelman, Michael (30 septembre 1997). “Roy Lichtenstein, maître de la pop, meurt à 73 ans” . New York Times . Consulté le 12 novembre 2007 .
32. ^ Michelson, Annette, Buchloh, BHD (eds) Andy Warhol (fichiers d’octobre), MIT Press, 2001.
33. ^ Warhol, Andy. La philosophie d’Andy Warhol, de A à B et vice-versa . Harcourt Brace Jovanovich, 1975
34. ^ “La Collecte” . MoMA.org . Récupéré le 30/12/2015 .
35. ^ “Le grand magasin d’art pop américain: multiples des années soixante” . Tfaoi.com . Récupéré le 30/12/2015 .
36. ^ Diggory (2013).
37. ^ ^{a b} Kristine McKenna (2 juillet 1995), When Bigger Is Better : Claes Oldenburg a passé les 35 dernières années à faire exploser et à redéfinir les objets du quotidien, le tout au nom de la suppression de l’art de son piédestal Los Angeles Times .
38. ^ Reva Loup (1997-11-24). Andy Warhol, Poésie et potins dans les années 1960 . p. 83. ISBN 9780226904931. Récupéré le 30/12/2015 .
39. ^ “Histoire du musée » Norton Simon Museum” . Nortonsimon.org . Récupéré le 30/12/2015 .
40. ↑ Six peintres et l’objet. Lawrence Alloway [commissaire, a conçu et préparé cette exposition et le catalogue] (Fichier informatique) . 2009-07-24. OCLC 360205683 .
41. ^ Gayford, Martin (2002-12-19). “Nature morte à la caisse” . Le Télégraphe . Telegraph Media Group Ltd. Archivé de l’original le 2022-01-11 . Récupéré le 28 novembre 2012 .
42. ^ Artistes pop: Andy Warhol, Pop Art, Roy Lichtenstein, Jasper Johns, Peter Max, Erró, David Hockney, Wally Hedrick, Michael Leavitt (20 mai 2010) Réimprimé: 2010, General Books, Memphis, Tennessee, USA, ISBN 978 -1-155-48349-8 , ISBN 1-155-48349-9 .
43. ^ Jim Edwards, William Emboden, David McCarthy: Uncommonplaces: L’art de James Francis Gill , 2005, p.54
44. ^ Karl Ruhrberg, Ingo F. Walther, Art du XXe siècle , Taschen, 2000, p. 518. ISBN 3-8228-5907-9
45. ^ ^{un b} Kerstin Stremmel, Réalisme , Taschen, 2004, p. 13. ISBN 3-8228-2942-0
46. ↑ Rosemary M. O’Neill, Art et culture visuelle sur la Côte d’Azur, 1956-1971 : L’École de Nice , Ashgate, 2012, p. 93.
47. ^ 60/90. Trente ans de Nouveau réalisme, La Différence , 1990, p. 76
48. ^ “Op + Pop” . christchurchartgallery.org.nz . Récupéré le 22/07/2021 .
49. ^ “Dick Frizzell – Vue d’ensemble” . La Centrale . Récupéré le 22/07/2021 .
50. ^ “Chargement … | Collections en ligne – Musée de Nouvelle-Zélande Te Papa Tongarewa” . collections.tepapa.govt.nz . Récupéré le 22/07/2021 .
51. ^ “Chargement … | Collections en ligne – Musée de Nouvelle-Zélande Te Papa Tongarewa” . collections.tepapa.govt.nz . Récupéré le 22/07/2021 .
52. ^ “ARTSPACE – Billy Pomme” . 2013-02-09. Archivé de l’original le 2013-02-09 . Récupéré le 29/07/2021 .
53. ^ Eskola, Jack (2015). Harue Koga: David Bowie de l’avant-garde de l’art japonais du début du XXe siècle . Kindle, livre électronique.
54. ^ Bloch, Marc. Le chemin de fer de Brooklyn. “Gutai : 1953 –1959” , juin 2018.
55. ^ “Interview Yayoi Kusama – exposition Yayoi Kusama” . Timeout.com . 2013-01-30 . Récupéré le 30/12/2015 .
56. ^ [1] Archivé le 1er novembre 2012 à la Wayback Machine
57. ^ “Tadanori Yokoo : ADC • Global Awards & Club” . Adcglobal.org . 1936-06-27 . Récupéré le 30/12/2015 .
58. ^ “Pop Art Italia 1958–1968 – Galleria Civica” . Comune.modena.it . Récupéré le 30/12/2015 .
59. ^ “Le Musée d’Art de Philadelphie remporte le combat avec Facebook sur la peinture Racy Pop Art” . artnet.com . 11 février 2016 . Récupéré le 17/01/2020 .
60. ^ “Dutch Pop Art & The Sixties – Weg met de vertrutting!” . 8weekly.nl . 28 juillet 2005 . Récupéré le 30/12/2015 .
61. ^ [2] Archivé le 7 juin 2013 à la Wayback Machine

Lectures complémentaires

• Bloch, Marc. Le chemin de fer de Brooklyn. “Gutai : 1953 –1959” , juin 2018.
• Diggory, Terence (2013) Encyclopédie des poètes de l’école de New York (Facts on File Library of American Literature). ISBN 978-1-4381-4066-7
• Francis, Mark et Foster, Hal (2010) Pop . Londres et New York : Phaidon.
• Haskell, Barbara (1984) BLAM ! L’explosion de la pop, du minimalisme et de la performance 1958–1964 . New York : WW Norton & Company, Inc. en association avec le Whitney Museum of American Art.
• Lifshitz, Mikhail, La crise de la laideur : du cubisme au pop-art . Traduit et avec une introduction par David Riff. Leiden : BRILL, 2018 (initialement publié en russe par Iskusstvo, 1968).
• Lippard, Lucy R. (1966) Pop Art, avec des contributions de Lawrence Alloway, Nancy Marmer, Nicolas Calas, Frederick A. Praeger, New York.
• Selz, Peter (modérateur); Ashton, Doré ; Geldzahler, Henry ; Kramer, Hilton ; Kunitz, Stanley et Steinberg, Leo (avril 1963) “Un symposium sur le Pop Art” Arts Magazine , pp. 36–45. Transcription du symposium tenu au Museum of Modern Art le 13 décembre 1962.

Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés au Pop art .

Wikiquote a des citations liées au Pop art .

• Pop Art : une brève histoire , MoMA Learning
• Pop Art dans l’art moderne et contemporain , Le Met
• Expositions du Brooklyn Museum : Seductive Subversion : Women Pop Artists, 1958–1968, oct. 2010-janv. 2011
• Brooklyn Museum, Wiki/Pop (femmes artistes pop)
• Terme du glossaire Tate pour Pop art