Période classique (musique)

La période classique était une ère de musique classique entre 1730 et 1820 environ. ^[1]

Wolfgang Amadeus Mozart (assis au clavier)

La période classique se situe entre les périodes baroque et romantique . La musique classique a une texture plus claire et plus claire que la musique baroque, mais une utilisation plus sophistiquée de la forme. Il est principalement homophonique , utilisant une ligne mélodique claire sur un accompagnement d’accords subordonnés , ^[2] mais le contrepoint n’a en aucun cas été oublié, en particulier dans la musique vocale Liturgique et, plus tard dans la période, la musique instrumentale profane. Il fait également usage de style galantqui mettait l’accent sur l’élégance légère à la place du sérieux digne et de la grandeur impressionnante du baroque. La variété et le contraste au sein d’une pièce sont devenus plus prononcés qu’auparavant et l’ orchestre a augmenté en taille, en portée et en puissance.

Le clavecin a été remplacé comme instrument à clavier principal par le piano (ou Pianoforte ). Contrairement au clavecin, qui pince les cordes avec des plumes, les pianos frappent les cordes avec des marteaux recouverts de cuir lorsque les touches sont enfoncées, ce qui permet à l’interprète de jouer plus ou moins fort (d’où le nom original “Pianoforte“, littéralement “fort doux”) et jouer avec plus d’expression; en revanche, la force avec laquelle un interprète joue les touches du clavecin ne change pas le son. La musique instrumentale était considérée comme importante par les compositeurs de la période classique. Les principaux genres de musique instrumentale étaient la sonate , le trio , le quatuor à cordes , le quintette , la symphonie(interprété par un orchestre) et le concerto solo , qui mettait en vedette un interprète solo virtuose jouant une œuvre solo pour violon, piano, flûte ou un autre instrument, accompagné d’un orchestre. La musique vocale, comme les mélodies pour chanteur et piano (notamment l’œuvre de Schubert), les œuvres chorales et l’opéra (une œuvre dramatique mise en scène pour chanteurs et orchestre) était également importante durant cette période.

Les compositeurs les plus connus de cette période sont Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven et Franz Schubert ; d’autres noms notables incluent Carl Philipp Emanuel Bach , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Domenico Cimarosa , Joseph Martin Kraus , Muzio Clementi , Christoph Willibald Gluck , Carl Ditters von Dittersdorf , André Grétry , Pierre-Alexandre Monsigny , Leopold Mozart , Michael Haydn ,Giovanni Paisiello , Johann Baptist Wanhal , François-André Danican Philidor , Niccolò Piccinni , Antonio Salieri , Georg Christoph Wagenseil , Georg Matthias Monn , Johann Gottlieb Graun , Carl Heinrich Graun , Franz Benda , Georg Anton Benda , Johann Georg Albrechtsberger , Mauro Giuliani , Christian Cannabich et le Chevalier de Saint-Georges. Beethoven est considéré soit comme un compositeur romantique, soit comme un compositeur de la période classique qui faisait partie de la transition vers l’ère romantique. Schubert est aussi une figure de transition, tout comme Johann Nepomuk Hummel , Luigi Cherubini , Gaspare Spontini , Gioachino Rossini , Carl Maria von Weber , Jan Ladislav Dussek et Niccolò Paganini . La période est parfois appelée l’ère du classicisme viennois (en allemand : Wiener Klassik ), puisque Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven et Schubert ont tous travaillé à Vienne .

Classicisme

Au milieu du XVIIIe siècle, l’Europe a commencé à s’orienter vers un nouveau style d’ architecture , de littérature et d’art, généralement connu sous le nom de classicisme . Ce style cherchait à imiter les idéaux de l’Antiquité classique , en particulier ceux de la Grèce classique . ^[3] La musique classique utilisait la formalité et l’accent mis sur l’ordre et la hiérarchie, et un style “plus clair”, “plus propre” qui utilisait des divisions plus claires entre les parties (notamment une mélodie claire et unique accompagnée d’accords), des contrastes plus brillants et des “couleurs de ton” ( obtenu par l’utilisation de changements dynamiques et de modulationsà plus de clés). Contrairement à la musique riche en couches de l’ère baroque, la musique classique s’est déplacée vers la simplicité plutôt que la complexité. De plus, la taille typique des orchestres a commencé à augmenter, ^[3] donnant aux orchestres un son plus puissant.

Le développement remarquable des idées en « philosophie naturelle » s’était déjà établi dans la conscience publique. En particulier, la physique de Newton a été prise comme paradigme : les structures doivent être bien fondées sur des axiomes et être à la fois bien articulées et ordonnées. Ce goût pour la clarté structurelle a commencé à affecter la musique, qui s’est éloignée de la polyphonie en couches de la période baroque vers un style connu sous le nom d’ homophonie , dans lequel la mélodie est jouée sur une harmonie subordonnée . ^[3] Ce mouvement signifiait que les accordssont devenus une caractéristique beaucoup plus répandue de la musique, même s’ils ont interrompu la douceur mélodique d’une seule partie. En conséquence, la structure tonale d’un morceau de musique est devenue plus audible .

Le nouveau style a également été encouragé par des changements dans l’ordre économique et la structure sociale. Au fur et à mesure que le XVIIIe siècle avançait, la noblesse devint le principal mécène de la musique instrumentale, tandis que le goût du public préférait de plus en plus les opéras comiques plus légers et drôles . Cela a conduit à des changements dans la façon dont la musique était interprétée, dont le plus crucial était le passage à des groupes instrumentaux standard et la réduction de l’importance du continuo – le travail de base rythmique et harmonique d’un morceau de musique, généralement joué par un clavier ( clavecin ou orgue ) et généralement accompagné d’un ensemble varié d’instruments de basse, dont le violoncelle , la contrebasse , la Basse de viole etthéorbe . Une façon de retracer le déclin du continuo et de ses accords figurés est d’examiner la disparition du terme obbligato , désignant une partie instrumentale obligatoire dans une œuvre de musique de chambre . Dans les compositions baroques, des instruments supplémentaires pourraient être ajoutés au groupe continuo selon la préférence du groupe ou du chef; dans les compositions classiques, toutes les parties étaient spécifiquement notées, mais pas toujours notées , de sorte que le terme “obbligato” est devenu redondant. En 1800, la basse continue était pratiquement éteinte, à l’exception de l’utilisation occasionnelle d’une partie de continuo d’orgue à tuyaux dans une messe religieuse au début des années 1800.

Les changements économiques ont également eu pour effet de modifier l’équilibre entre la disponibilité et la qualité des musiciens. Alors qu’à la fin du baroque, un compositeur majeur pouvait puiser dans toutes les ressources musicales d’une ville, les forces musicales disponibles dans un pavillon de chasse aristocratique ou une petite cour étaient plus petites et plus fixes dans leur niveau de capacité. Cela a été une incitation à avoir des parties plus simples à jouer pour les musiciens d’ensemble, et dans le cas d’un groupe virtuose résident, une incitation à écrire des parties spectaculaires et idiomatiques pour certains instruments, comme dans le cas de l’ Orchestre de Mannheim ., ou parties solistes virtuoses pour violonistes ou flûtistes particulièrement doués. De plus, l’appétit du public pour un approvisionnement continu en musique nouvelle est hérité du baroque. Cela signifiait que les œuvres devaient pouvoir être jouées avec, au mieux, une ou deux répétitions. Même après 1790, Mozart écrit sur “la répétition”, avec l’implication que ses concerts n’auraient qu’une seule répétition.

Comme l’accent était mis davantage sur une seule ligne mélodique, l’accent était davantage mis sur la notation de cette ligne pour la dynamique et le phrasé. Cela contraste avec l’ère baroque, lorsque les mélodies étaient généralement écrites sans dynamique, sans marques de phrasé ni ornements, car on supposait que l’interprète improviserait ces éléments sur place. À l’époque classique, il est devenu plus courant pour les compositeurs d’indiquer où ils voulaient que les interprètes jouent des ornements tels que des trilles ou des virages. La simplification de la texture a rendu ces détails instrumentaux plus importants et a également rendu l’utilisation de rythmes caractéristiques, tels que les fanfares d’ouverture qui attirent l’attention, le rythme de la marche funèbre ou le genre du menuet, plus important pour établir et unifier le ton d’un seul mouvement. .

La période classique a également vu le développement progressif de la forme sonate , un ensemble de principes structurels pour la musique qui réconciliait la préférence classique pour le matériel mélodique avec le développement harmonique, qui pouvait être appliqué à tous les genres musicaux. La sonate elle-même est restée la principale forme de musique solo et de chambre, tandis que plus tard dans la période classique, le quatuor à cordes est devenu un genre de premier plan. La forme symphonique pour orchestre a été créée à cette époque (elle est communément attribuée à Joseph Haydn ). Le concerto grosso (un concerto pour plus d’un musicien), une forme très populaire à l’époque baroque, a commencé à être remplacé par le concerto solo, avec un seul soliste. Les compositeurs ont commencé à accorder plus d’importance à la capacité du soliste particulier à montrer des compétences virtuoses, avec des gammes et des arpèges difficiles et rapides. Néanmoins, quelques concerti grossi sont restés, dont le plus célèbre est la Sinfonia Concertante pour violon et alto en mi bémol majeur de Mozart .

Un quatuor à cordes moderne. Dans les années 2000, les quatuors à cordes de l’époque classique sont au cœur de la littérature de musique de chambre. De gauche à droite : violon 1, violon 2, violoncelle, alto

Caractéristiques principales

A l’époque classique, le thème est constitué de phrases aux figures et rythmes mélodiques contrastés . Ces phrases sont relativement brèves, généralement de quatre mesures, et peuvent parfois sembler éparses ou concises. La texture est principalement homophonique , ^[2] avec une mélodie claire au-dessus d’un accompagnement d’accords subordonnés , par exemple une basse Alberti . Cela contraste avec la pratique de la musique baroque , où une pièce ou un mouvement n’aurait généralement qu’un seul sujet musical, qui serait ensuite élaboré à plusieurs voix selon les principes du contrepoint., tout en maintenant un rythme ou un mètre constant tout au long. En conséquence, la musique classique a tendance à avoir une texture plus claire et plus claire que le baroque. Le style classique s’inspire du style galant , un style musical qui mettait l’accent sur l’élégance légère au lieu du sérieux digne et de la grandeur impressionnante du baroque.

Structurellement, la musique classique a généralement une forme musicale claire , avec un contraste bien défini entre tonique et dominante , introduit par des cadences claires . La dynamique est utilisée pour mettre en évidence les caractéristiques structurelles de la pièce. En particulier, la forme sonateet ses variantes ont été développées au début de la période classique et ont été fréquemment utilisées. L’approche classique de la structure contraste à nouveau avec le baroque , où une composition se déplacerait normalement entre tonique et dominante et vice-versa, mais à travers une progression continue de changements d’accords et sans un sentiment «d’arrivée» à la nouvelle tonalité. Alors que le contrepoint était moins mis en valeur à l’époque classique, il n’était en aucun cas oublié, surtout plus tard dans la période, et les compositeurs utilisaient encore le contrepoint dans des œuvres «sérieuses» telles que des symphonies et des quatuors à cordes, ainsi que des pièces religieuses, telles que Messes.

Le style musical classique a été soutenu par des développements techniques dans les instruments. L’adoption généralisée du tempérament égal a rendu possible la structure musicale classique, en garantissant que les cadences dans toutes les tonalités sonnent de la même manière. Le Pianoforte puis le Pianoforte ont remplacé le clavecin , permettant un contraste plus dynamique et des mélodies plus soutenues. Au cours de la période classique, les instruments à clavier sont devenus plus riches, plus sonores et plus puissants.

L’orchestre a augmenté en taille et en gamme, et est devenu plus standardisé. Le rôle du clavecin ou de l’orgue à tuyaux basse continue dans l’orchestre est tombé en désuétude entre 1750 et 1775, laissant la section des cordes des Bois devenir une section autonome, composée de clarinettes , hautbois , flûtes et bassons .

Alors que la musique vocale comme l’opéra comique était populaire, une grande importance était accordée à la musique instrumentale. Les principaux types de musique instrumentale étaient la sonate , le trio , le quatuor à cordes , le quintette , la symphonie , le concerto (généralement pour un instrument solo virtuose accompagné d’un orchestre) et les pièces légères telles que les sérénades et les divertimentos . La forme sonate s’est développée et est devenue la forme la plus importante. Il a été utilisé pour construire le premier mouvement de la plupart des œuvres à grande échelle dans les symphonies et les quatuors à cordes. La forme sonate a également été utilisée dans d’autres mouvements et dans des pièces uniques et autonomes telles que des ouvertures .

Histoire

Apprendre encore plus Cette section a besoin de citations supplémentaires pour vérification . ( décembre 2019 ) Please help improve this article by adding citations to reliable sources. Unsourced material may be challenged and removed. (Learn how and when to remove this template message)

Transition baroque/classique c. 1730–1760

Gluck, détail d’un portrait de Joseph Duplessis , daté de 1775 ( Kunsthistorisches Museum , Vienne)

Dans son livre The Classical Style , l’auteur et pianiste Charles Rosen affirme que de 1755 à 1775, les compositeurs ont cherché à tâtons un nouveau style plus effectivement dramatique. À l’époque du haut baroque, l’expression dramatique se limitait à la représentation d’ affects individuels (la «doctrine des affections», ou ce que Rosen appelle le «sentiment dramatique»). Par exemple, dans l’oratorio de Haendel Jephtha, le compositeur rend quatre émotions séparément, une pour chaque personnage, dans le quatuor “O, spare your daughter”. Finalement, cette représentation des émotions individuelles en est venue à être considérée comme simpliste et irréaliste; les compositeurs ont cherché à dépeindre plusieurs émotions, simultanément ou progressivement, au sein d’un seul personnage ou mouvement (“action dramatique”). Ainsi, dans le finale de l’acte 2 de Die Entführung aus dem Serail de Mozart , les amants passent « de la joie par la suspicion et l’indignation à la réconciliation finale ». ^[4]

Musicalement parlant, cette “action dramatique” nécessitait plus de variété musicale. Alors que la musique baroque se caractérisait par un flux continu dans les mouvements individuels et des textures largement uniformes, les compositeurs après le haut baroque ont cherché à interrompre ce flux avec des changements brusques de texture, de dynamique, d’harmonie ou de tempo. Parmi les développements stylistiques qui ont suivi le haut baroque, le plus dramatique a été appelé Empfindsamkeit , (à peu près ” Style sensible “), et son praticien le plus connu était Carl Philipp Emanuel Bach . Les compositeurs de ce style ont utilisé les interruptions décrites ci-dessus de la manière la plus abrupte, et la musique peut parfois sembler illogique. Le compositeur italien Domenico Scarlattipoussé ces développements plus loin. Ses plus de cinq cents sonates pour clavier en un seul mouvement contiennent également des changements brusques de texture, mais ces changements sont organisés en périodes, des phrases équilibrées qui sont devenues une caractéristique du style classique. Cependant, les changements de texture de Scarlatti semblent toujours soudains et improvisés. La réussite exceptionnelle des grands compositeurs classiques (Haydn, Mozart et Beethoven) a été leur capacité à faire en sorte que ces surprises dramatiques sonnent logiquement motivées, de sorte que “l’expressif et l’élégant puissent se donner la main”. ^[4]

Entre la mort de JS Bach et la maturité de Haydn et de Mozart (environ 1750-1770), les compositeurs expérimentent ces nouvelles idées, que l’on retrouve dans la musique des fils de Bach. Johann Christian a développé un style que nous appelons maintenant Roccoco , comprenant des textures et des harmonies plus simples, et qui était “charmant, peu dramatique et un peu vide”. Comme mentionné précédemment, Carl Philipp Emmanuel a cherché à augmenter le drame, et sa musique était «violente, expressive, brillante, continuellement surprenante et souvent incohérente». Et enfin Wilhelm Friedemann, le fils aîné de JS Bach, a prolongé les traditions baroques d’une manière idiomatique et non conventionnelle. ^[5]

Au début, le nouveau style a repris les formes baroques – l’air ternaire da capo , la sinfonia et le concerto – mais composé de parties plus simples, d’une ornementation plus notée, plutôt que des ornements improvisés qui étaient courants à l’époque baroque, et une division plus emphatique de morceaux en sections. Cependant, au fil du temps, la nouvelle esthétique a provoqué des changements radicaux dans la façon dont les pièces étaient assemblées et les dispositions formelles de base ont changé. Les compositeurs de cette période recherchaient des effets dramatiques, des mélodies saisissantes et des textures plus claires. L’un des grands changements de texture a été l’abandon du style polyphonique complexe et dense du baroque, dans lequel plusieurs lignes mélodiques entrelacées étaient jouées simultanément, et vers l’ homophonie ., une texture plus légère qui utilise une seule ligne mélodique claire accompagnée d’accords.

La musique baroque utilise généralement de nombreux fantasmes harmoniques et sections polyphoniques qui se concentrent moins sur la structure de la pièce musicale, et on met moins l’accent sur des phrases musicales claires. A l’époque classique, les harmonies se sont simplifiées. Cependant, la structure de la pièce, les phrases et les petits motifs mélodiques ou rythmiques, sont devenus beaucoup plus importants qu’à l’époque baroque.

5:16 La Sonate en sol mineur de Muzio Clementi , n° 3, op. 50, “Didone abbandonata”, mouvement adagio

Une autre rupture importante avec le passé a été la refonte radicale de l’ opéra par Christoph Willibald Gluck , qui a supprimé une grande partie des ornements de superposition et d’improvisation et s’est concentré sur les points de modulation et de transition. En mettant davantage l’accent sur ces moments où l’harmonie change, il a permis de puissants changements dramatiques dans la couleur émotionnelle de la musique. Pour mettre en évidence ces transitions, il a utilisé des changements d’instrumentation ( orchestration ), de mélodie et de mode . Parmi les compositeurs les plus titrés de son temps, Gluck a engendré de nombreux émules, dont Antonio Salieri. Leur accent sur l’accessibilité a apporté d’énormes succès dans l’opéra et dans d’autres musiques vocales telles que les chansons, les oratorios et les chœurs. Celles-ci étaient considérées comme les types de musique les plus importants pour la performance et connaissaient donc le plus grand succès public.

La phase entre le baroque et l’essor du classique (vers 1730) a accueilli divers styles musicaux concurrents. La diversité des parcours artistiques est représentée chez les fils de Jean-Sébastien Bach : Wilhelm Friedemann Bach , qui a poursuivi la tradition baroque de manière personnelle ; Johann Christian Bach , qui a simplifié les textures du baroque et qui a le plus clairement influencé Mozart ; et Carl Philipp Emanuel Bach , qui a composé la musique passionnée et parfois violemment excentrique de l ‘ Empfindsamkeitmouvement. La culture musicale était prise à la croisée des chemins : les maîtres de l’ancien style possédaient la technique, mais le public était avide de nouveauté. C’est l’une des raisons pour lesquelles CPE Bach était si apprécié : il connaissait assez bien les formes anciennes et savait les présenter sous un nouveau jour, avec une variété de formes accrue.

1750–1775

Apprendre encore plus Cette section ne cite aucune source . ( février 2021 ) Please help improve this section by adding citations to reliable sources. Unsourced material may be challenged and removed. (Learn how and when to remove this template message)

Portrait de Haydn par Thomas Hardy , 1792

À la fin des années 1750, il y avait des centres florissants du nouveau style en Italie, à Vienne, à Mannheim et à Paris ; des dizaines de symphonies ont été composées et il y avait des bandes de joueurs associés à des théâtres musicaux. L’opéra ou une autre musique vocale accompagnée d’un orchestre était la caractéristique de la plupart des événements musicaux, avec des concertos et des symphonies (découlant de l’ ouverture ) servant d’intermèdes instrumentaux et d’introductions pour les opéras et les offices religieux. Au cours de la période classique, symphonies et concertos se sont développés et ont été présentés indépendamment de la musique vocale.

3:18 Mozart a écrit un certain nombre de divertimentos, des pièces instrumentales légères conçues pour le divertissement. Il s’agit du 2e mouvement de son Divertimento en mi bémol majeur, K. 113.

L’ensemble d’orchestre “normal” – un corps de cordes complété par des vents – et des mouvements au caractère rythmique particulier ont été établis à la fin des années 1750 à Vienne. Cependant, la longueur et le poids des pièces étaient toujours définis avec certaines caractéristiques baroques: les mouvements individuels se concentraient toujours sur un «affect» (humeur musicale) ou n’avaient qu’une seule section médiane fortement contrastée, et leur longueur n’était pas significativement supérieure aux mouvements baroques. Il n’y avait pas encore de théorie clairement énoncée sur la façon de composer dans le nouveau style. C’était un moment mûr pour une percée.

Le premier grand maître du style fut le compositeur Joseph Haydn . À la fin des années 1750, il commença à composer des symphonies et, en 1761, il avait composé un triptyque ( Matin , midi et soir ) solidement dans le mode contemporain. En tant que vice-maître de chapelle puis maître de chapelle , sa production s’élargit : il compose plus de quarante symphonies dans les seules années 1760. Et tandis que sa renommée grandissait, que son orchestre s’agrandissait et que ses compositions étaient copiées et diffusées, sa voix n’était qu’une parmi tant d’autres.

Alors que certains chercheurs suggèrent que Haydn a été éclipsé par Mozart et Beethoven, il serait difficile d’exagérer la centralité de Haydn pour le nouveau style, et donc pour l’avenir de la musique savante occidentale dans son ensemble. À l’époque, avant la prééminence de Mozart ou de Beethoven, et avec Johann Sebastian Bach connu principalement des connaisseurs de la musique pour clavier, Haydn a atteint une place dans la musique qui le place au-dessus de tous les autres compositeurs, sauf peut-être George Frideric Haendel de l’époque baroque . Haydn a pris des idées existantes et a radicalement modifié leur fonctionnement, ce qui lui a valu les titres de « père de la symphonie » et de « père du quatuor à cordes ».

L’une des forces qui ont stimulé sa poussée vers l’avant a été la première agitation de ce que l’on appellera plus tard le romantisme – la phase Sturm und Drang , ou phase de «tempête et stress» dans les arts, une courte période où l’émotivité évidente et dramatique était une préférence stylistique. Haydn voulait donc un contraste plus dramatique et des mélodies plus émotionnellement attrayantes, avec un caractère et une individualité aiguisés dans ses pièces. Cette période s’est estompée dans la musique et la littérature : cependant, elle a influencé ce qui a suivi et serait finalement une composante du goût esthétique des décennies suivantes.

La Symphonie d’adieu , n° 45 en fa ♯ mineur, illustre l’intégration par Haydn des différentes exigences du nouveau style, avec des virages brusques surprenants et un long adagio lent pour terminer l’œuvre. En 1772, Haydn achève son ensemble Opus 20 de six quatuors à cordes, dans lequel il déploie les techniques polyphoniques qu’il avait rassemblées à l’époque baroque précédente pour fournir une cohérence structurelle capable de maintenir ensemble ses idées mélodiques. Pour certains, cela marque le début du style classique “mature”, dans lequel la période de réaction contre la complexité du baroque tardif a cédé la place à une période d’intégration d’éléments baroques et classiques.

1775–1790

Wolfgang Amadeus Mozart, peinture posthume de Barbara Krafft en 1819

Haydn, ayant travaillé pendant plus d’une décennie en tant que directeur musical d’un prince, avait bien plus de ressources et de possibilités pour composer que la plupart des autres compositeurs. Sa position lui a également donné la capacité de façonner les forces qui joueraient sa musique, car il pouvait sélectionner des musiciens qualifiés. Cette occasion n’a pas été gâchée, car Haydn, commençant assez tôt dans sa carrière, a cherché à faire avancer la technique de construction et de développement d’idées dans sa musique. Sa prochaine percée importante était dans les quatuors à cordes Opus 33(1781), dans lequel les rôles mélodique et harmonique se succèdent entre les instruments : on ne sait souvent momentanément pas ce qu’est la mélodie et ce qu’est l’harmonie. Cela change la façon dont l’ensemble se fraye un chemin entre les moments dramatiques de transition et les sections culminantes : la musique coule en douceur et sans interruption évidente. Il a ensuite pris ce style intégré et a commencé à l’appliquer à la musique orchestrale et vocale.

Les mesures d’ouverture de l’aria du Commendatore dans l’opéra Don Giovanni de Mozart . L’orchestre commence par un accord de septième diminué dissonant (G # dim7 avec un B à la basse) passant à un accord de septième de dominante (A7 avec un C # à la basse) avant de se résoudre à l’ accord de tonique (D mineur) à l’entrée du chanteur.

Le don de Haydn pour la musique était une manière de composer, une manière de structurer les œuvres, qui était en même temps en accord avec l’esthétique dominante du nouveau style. Cependant, un contemporain plus jeune, Wolfgang Amadeus Mozart, apporta son génie aux idées de Haydn et les appliqua à deux des genres majeurs de l’époque : l’opéra et le concerto virtuose. Alors que Haydn a passé une grande partie de sa vie professionnelle en tant que compositeur de cour, Mozart voulait le succès public dans la vie de concert des villes, jouant pour le grand public. Cela signifiait qu’il devait écrire des opéras et écrire et interpréter des pièces virtuoses. Haydn n’était pas un virtuose au niveau des tournées internationales ; il ne cherchait pas non plus à créer des œuvres d’opéra qui pourraient jouer pendant de nombreuses nuits devant un large public. Mozart voulait réaliser les deux. De plus, Mozart avait également un goût pour les accords plus chromatiques (et les plus grands contrastes dans le langage harmonique en général), un plus grand amour pour créer un fouillis de mélodies dans une seule œuvre et une sensibilité plus italienne dans la musique dans son ensemble. Il a trouvé, dans Haydn’JS Bach , le moyen de discipliner et d’enrichir ses dons artistiques.

La famille Mozart v. 1780. Le portrait sur le mur est de la mère de Mozart.

Mozart attira rapidement l’attention de Haydn, qui salua le nouveau compositeur, étudia ses œuvres et considéra le jeune homme comme son seul vrai pair en musique. Chez Mozart, Haydn a trouvé une plus grande gamme d’instrumentation, d’effet dramatique et de ressource mélodique. La relation d’apprentissage évolue dans les deux sens. Mozart avait également un grand respect pour le compositeur plus âgé et plus expérimenté et cherchait à apprendre de lui.

L’arrivée de Mozart à Vienne en 1780 accélère le développement du style classique. Là, Mozart a absorbé la fusion de l’éclat à l’italienne et de la cohésion germanique qui couvait depuis 20 ans. Son propre goût pour les éclats flashy, les mélodies et les figures rythmiquement complexes, la longue cantilènemélodies et fioritures virtuoses ont été fusionnées avec une appréciation de la cohérence formelle et de la connexion interne. C’est à ce stade que la guerre et l’inflation économique ont stoppé la tendance à des orchestres plus grands et ont forcé la dissolution ou la réduction de nombreux orchestres de théâtre. Cela a poussé le style classique vers l’intérieur: vers la recherche d’un plus grand ensemble et de défis techniques – par exemple, disperser la mélodie sur les Bois ou utiliser une mélodie harmonisée en tiers. Ce processus accordait une grande importance à la musique de petit ensemble, appelée musique de chambre. Cela a également conduit à une tendance à plus de performances publiques, donnant un nouvel élan au quatuor à cordes et à d’autres petits ensembles.

C’est au cours de cette décennie que le goût du public a commencé, de plus en plus, à reconnaître que Haydn et Mozart avaient atteint un haut niveau de composition. Au moment où Mozart est arrivé à 25 ans, en 1781, les styles dominants de Vienne étaient clairement liés à l’émergence dans les années 1750 du style classique primitif. À la fin des années 1780, les changements dans la pratique de l’interprétation , la position relative de la musique instrumentale et vocale, les exigences techniques imposées aux musiciens et l’unité stylistique s’étaient établis chez les compositeurs qui imitaient Mozart et Haydn. Au cours de cette décennie, Mozart a composé ses opéras les plus célèbres, ses six symphonies tardives qui ont contribué à redéfinir le genre, et une série de concertos pour piano qui se situent toujours au sommet de ces formes.

Un compositeur qui a joué un rôle important dans la diffusion du style plus sérieux que Mozart et Haydn avaient formé est Muzio Clementi , un pianiste virtuose doué qui s’est lié avec Mozart dans un “duel” musical devant l’empereur dans lequel ils ont chacun improvisé au piano et interprété leurs compositions. . Les sonates pour piano de Clementi ont largement circulé et il est devenu le compositeur le plus titré de Londres dans les années 1780. Également à Londres à cette époque se trouvait Jan Ladislav Dussek , qui, comme Clementi, encourageait les fabricants de pianos à étendre la gamme et les autres caractéristiques de leurs instruments, puis exploitait pleinement les possibilités nouvellement ouvertes. L’importance de Londres à l’époque classique est souvent négligée, mais elle a servi de foyer aux Broadwood’susine de fabrication de pianos et de base pour les compositeurs qui, bien que moins notables que “l’école de Vienne”, ont eu une influence décisive sur ce qui est venu plus tard. Ils étaient les compositeurs de nombreuses œuvres remarquables, remarquables à part entière. Le goût de Londres pour la virtuosité a peut-être encouragé le travail de passage complexe et les longues déclarations sur la tonique et la dominante.

Vers 1790–1820

Learn more.

Délirer

Jul 12, 2022

Edel SE & Co. KGaA

Jul 11, 2022

Vishal Chandrashekhar

Jul 9, 2022

techno

Jul 7, 2022

Lorsque Haydn et Mozart ont commencé à composer, les symphonies étaient jouées comme des mouvements uniques – avant, entre ou comme intermèdes dans d’autres œuvres – et beaucoup d’entre elles ne duraient que dix ou douze minutes ; les groupes instrumentaux avaient des normes de jeu différentes et le continuo était un élément central de la création musicale.

Dans les années qui ont suivi, le monde social de la musique a connu des changements spectaculaires. Les publications et les tournées internationales avaient connu une croissance explosive et des sociétés de concerts se sont formées. La notation est devenue plus précise, plus descriptive – et les schémas d’œuvres ont été simplifiés (mais sont devenus plus variés dans leur élaboration exacte). En 1790, juste avant la mort de Mozart, alors que sa réputation se répandait rapidement, Haydn était sur le point de connaître une série de succès, notamment ses derniers oratorios et ses symphonies londoniennes . Les compositeurs de Paris, de Rome et de toute l’Allemagne se sont tournés vers Haydn et Mozart pour leurs idées sur la forme.

Portrait de Beethoven par Joseph Karl Stieler , 1820

Dans les années 1790, une nouvelle génération de compositeurs, née vers 1770, émerge. Alors qu’ils avaient grandi avec les styles antérieurs, ils ont entendu dans les œuvres récentes de Haydn et de Mozart un véhicule pour une plus grande expression. En 1788 , Luigi Cherubini s’installe à Paris et compose en 1791 Lodoiska , un opéra qui le rend célèbre. Son style reflète clairement la maturité de Haydn et de Mozart, et son instrumentation lui a donné un poids qui ne s’était pas encore fait sentir dans le grand opéra . Son contemporain Étienne Méhul prolonge les effets instrumentaux avec son opéra Euphrosine et Coradin de 1790 , d’où s’ensuit une série de succès. La poussée finale vers le changement est venue de Gaspare Spontini, profondément admiré par les futurs compositeurs romantiques tels que Weber, Berlioz et Wagner. Le langage harmonique innovant de ses opéras, leur instrumentation raffinée et leurs nombres fermés “enchaînés” (un modèle structurel qui a ensuite été adopté par Weber dans Euryanthe et transmis de lui, par Marschner, à Wagner), ont constitué la base à partir de laquelle le français et L’opéra romantique allemand a fait ses débuts.

Hummel en 1814

Le plus fatidique de la nouvelle génération fut Ludwig van Beethoven , qui lança ses œuvres numérotées en 1794 avec un ensemble de trois trios avec piano, qui restent au répertoire. Johann Nepomuk Hummel était un peu plus jeune que les autres, mais tout aussi accompli en raison de ses études de jeunesse auprès de Mozart et de sa virtuosité native . Hummel a également étudié avec Haydn; il était ami avec Beethoven et Franz Schubert. Il se concentra plus sur le piano que sur tout autre instrument, et son séjour à Londres en 1791 et 1792 généra la composition et la publication en 1793 de trois sonates pour piano, opus 2, qui utilisaient idiomatiquement les techniques de Mozart consistant à éviter la cadence attendue, et celles de Clementi parfois modalement. figuration virtuose incertaine. Pris ensemble, ces compositeurs peuvent être considérés comme l’avant-garde d’un vaste changement de style et le centre de la musique. Ils étudiaient les œuvres les uns des autres, copiaient les gestes les uns des autres en musique et se comportaient parfois comme des rivaux querelleurs.

Les différences cruciales avec la vague précédente se manifestent dans le glissement vers le bas des mélodies, l’augmentation des durées des mouvements, l’acceptation de Mozart et Haydn comme paradigmatiques, l’utilisation accrue des ressources du clavier, le passage d’une écriture “vocale” à une écriture “pianistique”. , l’attraction croissante du mineur et de l’ambiguïté modale, et l’importance croissante de la variation des figures d’accompagnement pour mettre en avant la “texture” en tant qu’élément de la musique. En bref, le dernier classique recherchait une musique qui était intérieurement plus complexe. La croissance des sociétés de concert et des orchestres amateurs, marquant l’importance de la musique dans la vie de la classe moyenne, a contribué à un marché en plein essor pour les pianos, la musique pour piano et les virtuoses pour servir d’exemples. Hummel, Beethoven et Clementi étaient tous réputés pour leur improvisation.

L’influence directe du baroque a continué de s’estomper: la basse chiffrée est devenue moins importante comme moyen de maintenir la performance ensemble, les pratiques d’interprétation du milieu du XVIIIe siècle ont continué à s’éteindre. Cependant, dans le même temps, des éditions complètes de maîtres baroques ont commencé à être disponibles et l’influence du style baroque a continué de croître, en particulier dans l’utilisation toujours plus étendue des cuivres. Une autre caractéristique de la période est le nombre croissant de représentations où le compositeur n’était pas présent. Cela a conduit à des détails et à une spécificité accrus dans la notation; par exemple, il y avait moins de parties “facultatives” séparées de la partition principale.

La force de ces changements est devenue évidente avec la 3e Symphonie de Beethoven, baptisée Eroica , qui signifie « héroïque » en italien par le compositeur. Comme pour Le Sacre du printemps de Stravinsky , il n’a peut-être pas été le premier dans toutes ses innovations, mais son utilisation agressive de chaque partie du style classique le distingue de ses œuvres contemporaines : en longueur, en ambition et en ressources harmoniques. .

Première école viennoise

Vue de Vienne en 1758, par Bernardo Bellotto

La première école viennoise est un nom principalement utilisé pour désigner trois compositeurs de la période classique à Vienne à la fin du XVIIIe siècle : Haydn, Mozart et Beethoven. Franz Schubert est parfois ajouté à la liste.

Dans les pays germanophones, le terme Wiener Klassik (lit. ère / art classique viennois ) est utilisé. Ce terme est souvent appliqué plus largement à l’ère classique dans la musique dans son ensemble, comme un moyen de la distinguer des autres périodes qui sont familièrement appelées classiques , à savoir la musique baroque et romantique .

Le terme «école viennoise» a été utilisé pour la première fois par le musicologue autrichien Raphael Georg Kiesewetter en 1834, bien qu’il ne compte que Haydn et Mozart comme membres de l’école. D’autres écrivains ont emboîté le pas et Beethoven a finalement été ajouté à la liste. ^[6] L’appellation “première” est ajoutée aujourd’hui pour éviter toute confusion avec la Seconde École viennoise .

Si, mis à part Schubert, ces compositeurs se connaissaient certainement (Haydn et Mozart étant même des partenaires occasionnels de musique de chambre), il n’y a aucun sens dans lequel ils étaient engagés dans un effort de collaboration au sens où l’on associerait les écoles du XXe siècle. comme la Seconde École viennoise, ou Les Six . Il n’y a pas non plus de sens significatif dans lequel un compositeur a été “scolarisé” par un autre (à la manière dont Berg et Webern ont été enseignés par Schoenberg), bien qu’il soit vrai que Beethoven ait reçu pendant un certain temps des leçons de Haydn.

Les tentatives d’étendre la première école viennoise pour inclure des personnalités ultérieures telles qu’Anton Bruckner , Johannes Brahms et Gustav Mahler sont purement journalistiques et jamais rencontrées dans la musicologie académique.

Influence classique sur les compositeurs ultérieurs

Apprendre encore plus Cette section ne cite aucune source . ( avril 2012 ) Please help improve this section by adding citations to reliable sources. Unsourced material may be challenged and removed. (Learn how and when to remove this template message)

1875 peinture à l’huile de Franz Schubert par Wilhelm August Rieder , d’après son propre portrait à l’aquarelle de 1825

Les époques musicales et leurs styles, formes et instruments prédominants disparaissent rarement d’un coup ; au lieu de cela, les fonctionnalités sont remplacées au fil du temps, jusqu’à ce que l’ancienne approche soit simplement ressentie comme “à l’ancienne”. Le style classique n’est pas « mort » subitement ; au contraire, il a été progressivement supprimé sous le poids des changements. Pour ne donner qu’un exemple, alors qu’il est généralement affirmé que l’ère classique a cessé d’utiliser le clavecin dans les orchestres, cela ne s’est pas produit d’un coup au début de l’ère classique en 1750. Au contraire, les orchestres ont lentement cessé d’utiliser le clavecin pour jouer. basse continue jusqu’à ce que la pratique soit interrompue à la fin des années 1700.

Felix Mendelssohn Portrait de Mendelssohn par James Warren Childe , 1839

Un changement crucial a été le passage à des harmonies centrées sur des tonalités “plates”: changements dans la direction sous- dominante ^{[ clarification nécessaire ]}. Dans le style classique, la tonalité majeure était beaucoup plus courante que la tonalité mineure, le chromatisme étant modéré par l’utilisation d’une modulation “nette” (par exemple, un morceau en do majeur modulant en sol majeur, ré majeur ou la majeur, qui sont tous des tonalités avec plus de dièses). De plus, les sections en mode mineur étaient souvent utilisées pour le contraste. À partir de Mozart et de Clementi, il y a eu une colonisation rampante de la région sous-dominante (l’accord ii ou IV, qui dans la tonalité de do majeur serait les tonalités de ré mineur ou de fa majeur). Chez Schubert, les modulations sous-dominantes ont prospéré après avoir été introduites dans des contextes où les compositeurs antérieurs se seraient cantonnés à des glissements dominants (modulations à l’ Accord dominant, par exemple, dans la tonalité de do majeur, modulant en sol majeur). Cela a introduit des couleurs plus sombres dans la musique, renforcé le mode mineur et rendu la structure plus difficile à maintenir. Beethoven y a contribué par son utilisation croissante de la quarte comme consonance et son ambiguïté modale – par exemple, l’ouverture de la Symphonie n ° 9 en ré mineur .

Ludwig van Beethoven , Franz Schubert , Carl Maria von Weber et John Field sont parmi les plus éminents de cette génération de “proto-romantiques”, avec le jeune Felix Mendelssohn . Leur sens de la forme était fortement influencé par le style classique. S’ils n’étaient pas encore des compositeurs « savants » (imitant des règles codifiées par d’autres), ils réagissaient directement aux œuvres de Haydn, Mozart, Clementi et autres, au fur et à mesure qu’ils les rencontraient. Les forces instrumentales à leur disposition dans les orchestres étaient également assez «classiques» en nombre et en variété, permettant une similitude avec les œuvres classiques.

Cependant, les forces destinées à mettre fin à l’emprise du style classique se sont renforcées dans les œuvres de plusieurs des compositeurs ci-dessus, en particulier Beethoven. La plus communément citée est l’innovation harmonique. Il est également important de se concentrer de plus en plus sur une figuration d’accompagnement continue et rythmiquement uniforme : la Sonate au clair de lune de Beethoven.était le modèle de centaines de pièces ultérieures – où le mouvement changeant d’une figure rythmique fournit une grande partie du drame et de l’intérêt de l’œuvre, tandis qu’une mélodie dérive au-dessus. Une plus grande connaissance des œuvres, une plus grande expertise instrumentale, une variété croissante d’instruments, la croissance des sociétés de concert et la domination imparable du piano de plus en plus puissant (qui a reçu une tonalité plus audacieuse et plus forte par les développements technologiques tels que l’utilisation de cordes d’acier, de lourds cadres en fonte et des cordes sympathiquement vibrantes) ont tous créé un vaste public pour la musique sophistiquée. Toutes ces tendances ont contribué au passage au style “romantique” .

Il est très difficile de tracer la ligne entre ces deux styles : certaines sections des œuvres ultérieures de Mozart, prises isolément, sont indiscernables en termes d’harmonie et d’orchestration de la musique écrite 80 ans plus tard, et certains compositeurs ont continué à écrire dans des styles classiques normatifs jusqu’au début du XXe siècle. Même avant la mort de Beethoven, des compositeurs tels que Louis Spohr se décrivaient comme des romantiques, incorporant, par exemple, un chromatisme plus extravagant dans leurs œuvres (par exemple, en utilisant des harmonies chromatiques dans la progression d’accords d’un morceau ). A l’inverse, des oeuvres telles que la Symphonie n° 5 de Schubert , écrite à la fin chronologique de l’ère classique et à l’aube du romantismeépoque, présentent un paradigme artistique délibérément anachronique, rappelant le style compositionnel de plusieurs décennies auparavant.

Cependant, la chute de Vienne en tant que centre musical le plus important pour la composition orchestrale à la fin des années 1820, précipitée par la mort de Beethoven et de Schubert , a marqué l’éclipse finale du style classique – et la fin de son développement organique continu d’un compositeur apprenant à proximité de autres. Franz Liszt et Frédéric Chopin ont visité Vienne quand ils étaient jeunes, mais ils ont ensuite déménagé dans d’autres villes. Des compositeurs tels que Carl Czerny , bien que profondément influencés par Beethoven, ont également recherché de nouvelles idées et de nouvelles formes pour contenir le monde plus vaste de l’expression musicale et de la performance dans lequel ils vivaient.

Un regain d’intérêt pour l’équilibre formel et la retenue de la musique classique du XVIIIe siècle a conduit au début du XXe siècle au développement du style dit néoclassique , qui comptait Stravinsky et Prokofiev parmi ses partisans, au moins à certains moments de leur carrière.

Instruments d’époque classique

Pianoforte de Paul McNulty d’après Walter & Sohn, v. 1805

Guitare

La guitare baroque, avec quatre ou cinq ensembles de cordes doubles ou “cours” et une rosace richement décorée, était un instrument très différent de la guitare classique ancienne qui ressemble plus étroitement à l’instrument moderne avec les six cordes standard. À en juger par le nombre de manuels d’instructions publiés pour l’instrument – plus de trois cents textes ont été publiés par plus de deux cents auteurs entre 1760 et 1860 – la période classique a marqué un âge d’or pour la guitare. ^[7]

Cordes

À l’époque baroque, il y avait plus de variété dans les instruments à cordes frottées utilisés dans les ensembles, avec des instruments tels que la viole d’amour et une gamme de violes à frettes utilisées, allant des petites violes aux grandes violes de basse. À l’époque classique, la section des cordes de l’orchestre était normalisée à quatre instruments seulement :

Violon (dans les orchestres et la musique de chambre, il y a généralement des premiers violons et des seconds violons, le premier jouant la mélodie et/ou une ligne plus haute et le second jouant soit une contre-mélodie, une partie d’harmonie, une partie en dessous de la première ligne de violon en hauteur , ou une ligne d’accompagnement)
Viola (la voix alto de la section de cordes orchestrale et du quatuor à cordes; elle interprète souvent des “voix intérieures”, qui sont des lignes d’accompagnement qui remplissent l’ harmonie de la pièce)
Violoncelle (le violoncelle joue deux rôles dans la musique de l’époque classique ; il est parfois utilisé pour jouer la ligne de basse du morceau, généralement doublée par les contrebasses [Remarque : lorsque les violoncelles et les contrebasses lisent la même ligne de basse, les basses jouent une octave en dessous les violoncelles, car la basse est un instrument de transposition] ; et à d’autres moments, il exécute des mélodies et des solos dans le registre grave)
Contrebasse (la basse exécute généralement les hauteurs les plus basses de la section des cordes afin de fournir la ligne de basse du morceau)

À l’époque baroque, les contrebassistes n’avaient généralement pas de rôle séparé; au lieu de cela, ils jouaient généralement la même ligne de basse basse continue que les violoncelles et autres instruments graves (par exemple, théorbe , instrument à vent serpent , violes ), bien qu’une octave en dessous des violoncelles, car la contrebasse est un instrument de transposition qui sonne une octave plus bas qu’il n’est écrit. À l’époque classique, certains compositeurs ont continué à n’écrire qu’une seule partie de basse pour leur symphonie, étiquetée «bassi»; cette partie de basse était jouée par des violoncellistes et des contrebassistes. À l’époque classique, certains compositeurs ont commencé à donner aux contrebasses leur propre rôle.

Bois

Clarinette basset
Corne de basset
Clarinette d’amour
Clarinette classique
Chalumeau
Flûte
Hautbois
Basson

Percussion

Timbales
” Musique turque ” :
- Grosse caisse
- Cymbales
- Triangle

Claviers

Clavicorde
Fortepiano (le précurseur du piano moderne)
Piano
Le clavecin , l’instrument à clavier standard de la basse continue de l’ère baroque , a été utilisé jusque dans les années 1750, après quoi il a été progressivement supprimé et remplacé par le Pianoforte puis le piano . Au début des années 1800, le clavecin n’était plus utilisé.

Laitons

Buccin
Ophicleide – remplacement du ” serpent “, un instrument à vent basse qui était le précurseur du tuba
cor français
Trompette
Trombone

Voir également

Liste des compositeurs de l’époque classique

Remarques

^ Burton, Anthony (2002). Un guide de l’interprète de la musique de la période classique . Londres : Conseil associé des écoles royales de musique. p. 3. ISBN 978-1-86096-1939.
^ ^un ^b Blume, Friedrich . Musique classique et romantique : une enquête approfondie . New York : WW Norton, 1970
^ ^un ^bc ^Kamien , Roger . Musique : une appréciation . 6ème. New York : McGraw Hill, 2008. Impression.
^ ^un ^b Rosen, Charles . Le style classique , pp. 43–44. New York : WW Norton & Company, 1998
^ Rosen, Charles . Le style classique , pp. 44. New York : WW Norton & Company, 1998
^ Heartz, Daniel & Brown, Bruce Alan (2001). “Classique”. Dans Sadie, Stanley & Tyrrell, John (éd.). Le New Grove Dictionary of Music and Musicians (2e éd.). Londres : Macmillan. ‎
^ Stenstadvold, Erik. Une bibliographie annotée des méthodes de guitare, 1760–1860 (Hillsdale, New York : Pendragon Press, 2010), xi.

Lectures complémentaires

Downs, Philip G. (1992). Musique classique : L’ère de Haydn, Mozart et Beethoven , 4e volume de Norton Introduction à l’histoire de la musique . WWNorton. ISBN 0-393-95191-X (relié).
Coulis, Donald Jay ; En lignePalisca, Claude V. (1996). Une histoire de la musique occidentale , cinquième édition. WWNorton. ISBN 0-393-96904-5 (relié).
Hanning, Barbara Russano ; Coulis, Donald Jay (1998 rév. 2006). Histoire concise de la musique occidentale . WWNorton. ISBN 0-393-92803-9 (relié).
Kennedy, Michael (2006), Le dictionnaire de musique d’Oxford , 985 pages, ISBN 0-19-861459-4
Lihoreau, Tim; Frire, Stephen (2004). Histoire incomplète et complète de la musique classique de Stephen Fry . Buis. ISBN 978-0-7522-2534-0
Rosen, Charles (1972 élargi 1997). Le style classique . New York : WW Norton. ISBN 978-0-393-04020-3 (édition augmentée avec CD, 1997)
Taruskin, Richard (2005, rev. Version brochée 2009). Histoire d’Oxford de la musique occidentale . Oxford University Press (États-Unis). ISBN 978-0-19-516979-9 (relié), ISBN 978-0-19-538630-1 (broché)

Liens externes

Classical Net – Site de référence sur la musique classique
Partitions gratuites de divers compositeurs classiques à l’ International Music Score Library Project (IMSLP)

Portail : Musique classique