Orchestre

Un orchestre ( / ˈ ɔːr k ɪ s t r ə / ; italien : [orˈkɛstra] ) est un grand ensemble instrumental typique de la musique classique , qui combine des instruments de différentes familles, dont

instruments à cordes frottées comme le violon , l’ alto , le violoncelle et la contrebasse
les bois comme la flûte , le hautbois , la clarinette et le basson
les cuivres tels que le cor , la trompette , le trombone et le tuba
instruments à percussion tels que les timbales , la caisse claire , la grosse caisse , les Cymbales , le triangle , le tambourin et les instruments à percussion à maillet

L’ Orchestre national du Capitole de Toulouse en représentation publique à la Halle aux Grains de Toulouse

chacun regroupé en sections.

D’autres instruments tels que le piano , le clavecin et le célesta peuvent parfois apparaître dans une cinquième section de clavier ou peuvent être utilisés seuls en tant qu’instruments solistes, tout comme la Harpe de concert et, pour les interprétations de certaines compositions modernes, des instruments électroniques et des guitares . ^{[note 1]}

Un orchestre occidental complet peut parfois être qualifié deorchestre symphonique ouphilharmonique(dugrec phil-, “aimant” et “harmonie”). Le nombre réel de musiciens employés dans une représentation donnée peut varier de soixante-dix à plus de cent musiciens, selon l’œuvre jouée et la taille de la salle. UN orchestre de chambre (parfoisorchestre de concert) est un petit ensemble d’au plus une cinquantaine de musiciens. ^[1] Les orchestres qui se spécialisent dans lamusique baroquede, par exemple,Johann Sebastian BachetGeorge Frideric Handel, ouclassique, comme celui deHaydnetMozart, ont tendance à être plus petits que les orchestres interprétant unrépertoiremusique romantique^{[ citation nécessaire ]}comme lessymphoniesdeJohannes Brahms. L’orchestre typique s’est agrandi au cours des XVIIIe et XIXe siècles, atteignant un sommet avec les grands orchestres (jusqu’à 120 musiciens) appelés dans les œuvres de Richard Wagner et, plus tard, de Gustav Mahler .

Les orchestres sont généralement dirigés par un chef d’ orchestre qui dirige la performance avec des mouvements des mains et des bras, souvent rendus plus faciles à voir pour les musiciens grâce à l’utilisation d’une baguette de chef d’orchestre . Le chef d’orchestre unifie l’orchestre, donne le tempo et façonne le son de l’ensemble. ^[2] Le chef d’orchestre prépare également l’orchestre en dirigeant des répétitions avant le concert public, au cours desquelles le chef d’orchestre donne des instructions aux musiciens sur leur interprétation de la musique jouée.

Le chef de la première section de violons – communément appelé violon solo – joue également un rôle important dans la direction des musiciens. À l’ ère de la musique baroque (1600-1750), les orchestres étaient souvent dirigés par le violon solo ou par un musicien jouant des accords exécutant les parties de basse continue sur un clavecin ou un orgue à tuyaux , une tradition que certains ensembles de musique ancienne des XXe et XXIe siècles Continuez. Les orchestres jouent un large éventail de répertoires, y compris des Symphonies, des ouvertures d’ opéra et de ballet , des concertos pour instruments solistes et des ensembles de fosse pour les opéras, ballets et certains types de théâtre musical (par exemple, les opérettes Gilbert et Sullivan ).

Les orchestres amateurs comprennent ceux formés d’élèves d’une école primaire ou d’une école secondaire, les orchestres de jeunes et les orchestres communautaires; les deux derniers étant généralement composés de musiciens amateurs d’une ville ou d’une région particulière.

Le terme orchestre dérive du grec ὀρχήστρα ( orchestre ), le nom de la zone devant une scène du Théâtre grec antique réservée au chœur grec . ^[3]

Histoire

Époques baroque et classique

À l’époque baroque, la taille et la composition d’un orchestre n’étaient pas standardisées. Il y avait de grandes différences de taille, d’instrumentation et de styles de jeu – et donc de paysages sonores et de palettes orchestrales – entre les différentes régions européennes. L’ orchestre baroque allait de petits orchestres (ou ensembles) avec un joueur par partie, à des orchestres à plus grande échelle avec de nombreux joueurs par partie. Des exemples de la plus petite variété étaient les orchestres de Bach, par exemple à Koethen, où il avait accès à un ensemble pouvant aller jusqu’à 18 musiciens. Des exemples d’orchestres baroques à grande échelle incluraient l’orchestre de Corelli à Rome qui variait entre 35 et 80 joueurs pour les performances quotidiennes, étant élargi à 150 joueurs pour des occasions spéciales. ^[4]

À l’ère classique, l’orchestre est devenu plus standardisé avec une section de cordes de taille petite à moyenne et une section de vent de base composée de paires de hautbois, de flûtes, de bassons et de cors, parfois complétées par des percussions et des paires de clarinettes et de trompettes.

L’influence de Beethoven

Le soi-disant «complément standard» de vents doublés et de cuivres dans l’orchestre, lancé à la fin du XVIIIe siècle et consolidé au cours de la première moitié du XIXe siècle, est généralement attribué aux forces appelées par Beethoven après Haydn et Mozart. ^{[ citation nécessaire ]} L’instrumentation de Beethoven comprenait presque toujours des paires de flûtes , hautbois , clarinettes , bassons , cors et trompettes . Les exceptions à cela sont sa Symphonie n ° 4 , Concerto pour violon et Concerto pour piano n ° 4 , qui spécifient chacun une seule flûte .. Beethoven a soigneusement calculé l’expansion de cette “palette” de Timbre particulière dans les Symphonies 3, 5, 6 et 9 pour un effet innovant . Le troisième cor de la Symphonie “Eroica” arrive pour fournir non seulement une certaine flexibilité harmonique, mais aussi l’effet des cuivres “choraux” dans le mouvement du Trio. Piccolo , contrebasson et trombones complètent le finale triomphal de sa Symphonie n ° 5 . Un piccolo et une paire de trombones aident à produire l’effet de tempête et de soleil dans la Sixième , également connue sous le nom de Symphonie pastorale . Le neuvièmedemande une deuxième paire de cornes, pour des raisons similaires à l ‘”Eroica” (quatre cornes sont depuis devenues la norme); L’utilisation par Beethoven du piccolo, du contrebasson, des trombones et des percussions non accordées — plus le chœur et les solistes vocaux — dans son finale, est sa première suggestion que les limites timbrales de la symphonie pourraient être élargies. Pendant plusieurs décennies après sa mort, l’ instrumentation symphonique est restée fidèle au modèle bien établi de Beethoven, à quelques exceptions près. ^{[ citation nécessaire ]}

Technologie instrumentale

Stokowski et l’Orchestre de Philadelphie lors de la première américaine de la 8e Symphonie de Mahler le 2 mars 1916

L’invention du piston et de la soupape rotative par Heinrich Stölzel et Friedrich Blühmel , tous deux silésiens , en 1815, fut la première d’une série d’innovations qui ont eu un impact sur l’orchestre, notamment le développement du clétage moderne pour la flûte par Theobald Boehm et les innovations de Adolphe Sax aux bois, notamment l’invention du saxophone . Ces avancées conduiraient Hector Berlioz à écrire un livre historique sur l’ instrumentation , qui fut le premier traité systématique sur l’utilisation du son instrumental comme élément expressif de la musique. ^[5]

L’influence wagnérienne

La prochaine expansion majeure de la pratique symphonique est venue de l’orchestre de Bayreuth de Richard Wagner , fondé pour accompagner ses drames musicaux. Les œuvres de Wagner pour la scène ont été orchestrées avec une ampleur et une complexité sans précédent : en effet, sa partition pour Das Rheingold nécessite six harpes . Ainsi, Wagner envisageait un rôle de plus en plus exigeant pour le chef d’orchestre de théâtre, comme il l’a expliqué dans son ouvrage influent On Conducting . ^[6] Cela a provoqué une révolution dans la composition orchestrale et a défini le style de performance orchestrale pour les quatre-vingts années suivantes. Les théories de Wagner ont réexaminé l’importance du tempo , de la dynamique, l’archet des instruments à cordes et le rôle des chefs d’orchestre dans l’orchestre.

Orchestre du XXe siècle

Au début du 20e siècle, les orchestres symphoniques étaient plus grands, mieux financés et mieux formés qu’auparavant; par conséquent, les compositeurs pouvaient composer des œuvres plus grandes et plus ambitieuses. Les œuvres de Gustav Mahler étaient particulièrement novatrices ; dans ses Symphonies ultérieures, comme la mammouth Symphonie n ° 8, Mahler repousse les limites les plus éloignées de la taille orchestrale, employant des forces énormes. À la fin de l’ère romantique, les orchestres pouvaient soutenir les formes les plus énormes d’expression symphonique, avec d’énormes sections de cordes, des sections de cuivres massives et une gamme élargie d’instruments de percussion. Avec le début de l’ère de l’enregistrement, les normes d’interprétation ont été poussées à un nouveau niveau, car une symphonie enregistrée pouvait être écoutée de près et même des erreurs mineures d’intonation ou d’ensemble, qui pourraient ne pas être perceptibles lors d’une performance en direct, pouvaient être entendues par les critiques. . Au fur et à mesure que les technologies d’enregistrement se sont améliorées au cours des 20e et 21e siècles, de petites erreurs dans un enregistrement pourraient éventuellement être “corrigées” par l’édition audio ou l’ overdubbing .. Certains chefs d’orchestre et compositeurs plus âgés se souvenaient d’une époque où le simple fait de “passer” la musique du mieux possible était la norme. Combiné avec le public plus large rendu possible par l’enregistrement, cela a conduit à une concentration renouvelée sur des chefs d’orchestre vedettes particuliers et sur un niveau élevé d’exécution orchestrale. ^[7]

Instrumentation

2:51 Viotti Chamber Orchestra interprétant le 3e mouvement du Divertimento de Mozart en ré majeur , K. 136

L’orchestre symphonique typique se compose de quatre groupes d’ instruments de musique apparentés appelés les bois , les cuivres , les percussions et les cordes . D’autres instruments tels que le piano et le célesta peuvent parfois être regroupés dans une cinquième section telle qu’une section de clavier ou peuvent être autonomes, tout comme la Harpe de concert et les instruments électriques et électroniques . L’orchestre, selon la taille, contient presque tous les instruments standard de chaque groupe.

Dans l’histoire de l’orchestre, son instrumentation s’est élargie au fil du temps, souvent convenue d’avoir été standardisée par la période classique ^[8] et l’influence de Ludwig van Beethoven sur le modèle classique. ^[9] Aux 20e et 21e siècles, de nouvelles demandes de répertoire ont élargi l’instrumentation de l’orchestre, entraînant une utilisation flexible des instruments de modèle classique et des instruments électriques et électroniques nouvellement développés dans diverses combinaisons.

Les termes orchestre symphonique et orchestre philharmonique peuvent être utilisés pour distinguer différents ensembles d’une même localité, tels que le London Symphony Orchestra et le London Philharmonic Orchestra . ^{[note 2]} Un orchestre symphonique ou philharmonique aura généralement plus de quatre-vingts musiciens sur sa liste, dans certains cas plus d’une centaine, mais le nombre réel de musiciens employés dans une représentation particulière peut varier en fonction de l’œuvre jouée et de la taille de l’orchestre. lieu. ^[1]

Un orchestre de chambre est généralement un ensemble plus petit; un grand orchestre de chambre peut employer jusqu’à cinquante musiciens, mais certains sont beaucoup plus petits. Orchestre de concert est un terme alternatif, comme dans le BBC Concert Orchestra et le RTÉ Concert Orchestra .

Instrumentation étendue

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Outre le complément orchestral de base, divers autres instruments sont parfois appelés. ^[10] Ceux-ci incluent le bugle et le cornet . Les saxophones et les guitares classiques , par exemple, apparaissent dans certaines partitions du XIXe au XXIe siècle. Bien qu’il n’apparaisse que comme instrument soliste dans certaines œuvres, par exemple l’orchestration par Maurice Ravel des Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgski et les Danses symphoniques de Sergei Rachmaninoff , le saxophone est inclus dans d’autres œuvres, comme le Boléro de Ravel , Sergei Prokofiev c’estRoméo et Juliette Suites 1 et 2 , les Symphonies n° 6 et n° 9 de Vaughan Williams et le Festin de Belshazzar de William Walton et de nombreuses autres œuvres en tant que membre de l’ensemble orchestral. L’ euphonium est présenté dans quelques œuvres romantiques tardives et du XXe siècle , jouant généralement des parties marquées “tuba ténor”, notamment The Planets de Gustav Holst et Ein Heldenleben de Richard Strauss . Le tuba de Wagner , membre modifié de la famille des cors, apparaît dans le cycle de Richard WagnerDer Ring des Nibelungen et plusieurs autres œuvres de Strauss, Béla Bartók et d’autres ; il joue un rôle de premier plan dansla Symphonie n° 7 en mi majeur d’ Anton Bruckner . ^[11] Des cornets apparaissent dansle ballet Swan Lake de Piotr Ilitch Tchaïkovski , La Mer de Claude Debussy et plusieurs œuvres orchestrales d’ Hector Berlioz . À moins que ces instruments ne soient joués par des membres “doublant” sur un autre instrument (par exemple, un joueur de trombone passant à l’euphonium ou un joueur de basson passant au contrebasson pour un certain passage), les orchestres embauchent généralement des pigistesmusiciens pour compléter leur ensemble régulier.

L’orchestre du XXe siècle était beaucoup plus flexible que ses prédécesseurs. ^[10] À l’époque de Beethoven et de Felix Mendelssohn , l’orchestre était composé d’un noyau assez standard d’instruments, très rarement modifié par les compositeurs. Au fil du temps, et au fur et à mesure que la période romantique a vu des changements dans les modifications acceptées avec des compositeurs tels que Berlioz et Mahler; certains compositeurs ont utilisé plusieurs harpes et effets sonores tels que la machine à vent . Au XXe siècle, l’orchestre moderne était généralement standardisé avec l’instrumentation moderne répertoriée ci-dessous. Néanmoins, du milieu à la fin du XXe siècle, avec le développement de la musique classique contemporaine, l’instrumentation pourrait pratiquement être triée sur le volet par le compositeur (par exemple, pour ajouter des instruments électriques tels que la guitare électrique , des instruments électroniques tels que des synthétiseurs , des instruments non occidentaux ou d’autres instruments traditionnellement non utilisés dans l’orchestre).

Avec cette histoire à l’esprit, l’orchestre peut être analysé en cinq époques : l’ ère baroque , l’ ère classique , l’ère de la musique romantique ancienne/moyenne , l’ère romantique tardive et les époques modernes/postmodernes combinées . Le premier est un orchestre baroque (c’est-à-dire JS Bach , Haendel , Vivaldi ), qui avait généralement un plus petit nombre d’interprètes et dans lequel un ou plusieurs instruments jouant des accords, le groupe de basse continue (par exemple, clavecin ou orgue à tuyaux et assortiment instruments de basse pour jouer la ligne de basse), a joué un rôle important; le second est un orchestre typique de la période classique (par exemple, le début de Beethoven avec Mozart et Haydn ), qui utilisait un plus petit groupe d’interprètes qu’un orchestre de musique romantique et une instrumentation assez standardisée ; le troisième est typique d’une époque début/mi-romantique (par exemple, Schubert , Berlioz , Schumann , Brahms ); le quatrième est un orchestre de la fin du romantisme/début du XXe siècle (par exemple, Wagner , Mahler , Stravinsky ), au complément commun d’un orchestre moderne de 2010 (par exemple, Adams , Barber, Aaron Copland , Glass , Penderecki ).

Orchestre baroque tardif

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Bois 2 flûtes 2–3 hautbois ( hautbois d’amour et hautbois da caccia ) basson (plusieurs joueurs dans de grands orchestres) enregistreur Laiton 2 cornes naturelles (parfois avec un corno da tirarsi ) et/ou 2–3 trompettes naturelles (parfois avec une tromba da tirarsi ) Percussion 2 timbales (un joueur, utilisé comme basse de la section trompette naturelle)

Claviers et autres instruments jouant des accords sélectionnés par le chef d’ensemble clavecin orgue théorbe Cordes (souvent plusieurs joueurs par partie) violon je violon II alto violoncelle ou violoncello da spalla contrebasse (ou plutôt violone / basso a viola da braccio ) viole de gambe

Orchestre classique

Bois 1–2 flûtes dont 1 pourrait jouer 1 piccolo 2 hautbois 2 clarinettes ( B ♭ , C ou A ) qui peuvent également jouer toutes les deux 2 cors de basset (occasionnellement avec Mozart) 2 bassons 1 contrebasson (occasionnellement avec Mozart et Haydn, mais pas encore un instrument standard) Laiton 2 cornes naturelles (sans valve) 2 trompettes naturelles (sans valve) 1 trombone alto 1 trombone ténor 1 trombone basse (occasionnellement Gluck , Haydn et Mozart , mais les trombones ne sont pas encore un instrument standard) Percussion 2 timbales (un joueur)

Claviers clavecin ou orgue à tuyaux (jusqu’à la fin du 18e siècle, date à laquelle il a été progressivement retiré de l’orchestre) Cordes (toujours plusieurs joueurs par partie) violons je violons II altos violoncelles et contrebasses

Orchestre du début du romantisme

Bois piccolo 2 flûtes 2 hautbois 2 clarinettes soprano dont les deux peuvent également jouer 2 cors de basset (parfois avec Beethoven) 2 bassons 1 contrebasson Laiton 4 cornes naturelles (sans valve) ou à valve 2 trompettes naturelles ou à pistons 3 trombones ténor dont certains pourraient jouer 1 trombone alto 1 trombone basse 1–2 serpents ou ophicléides (progressivement remplacés par des tubas)

Percussion 2 timbales (un joueur) caisse claire grosse caisse Cymbales Triangle tambourin glockenspiel Cordes 14 violons 1 12 violons 2 10 altos 8 violoncelles 6 contrebasses 1 Harpe de concert

Orchestre romantique tardif

Bois 3–4 flûtes , dont certaines peuvent doubler sur 1–2 piccolos 3–4 hautbois , dont certains peuvent doubler sur 1 hautbois d’amour 1 cor anglais 1 hautbois basse 3–4 clarinettes en B ♭ ou A, dont certaines pourraient jouer 1 clarinette mi ♭ ou clarinette ré 1 cor de basset 1 clarinette basse 1 clarinette contrebasse 3–4 bassons 1 contrebasson Laiton 4 à 8 cors français , cors allemands ou cors de Vienne (plus rarement des cors naturels ) dont certains pourraient jouer 2–4 tubas Wagner – 2 ténors, 2 basses 3 à 6 trompettes en fa et autres tonalités dont do, si ♭ dont certaines pourraient jouer 1 trompette basse 3–4 cornets 3–4 trombones ténor (parties de trombone alto de l’époque classique généralement jouées au trombone ténor) 1–2 trombones basses dont 1 pourrait jouer 1 trombone contrebasse 1–2 tubas 1 euphonium (généralement joué par un tromboniste en cas de besoin) Claviers piano célesta

Percussion 4 timbales ou plus (un joueur) caisse claire grosse caisse Cymbales tam-tam Triangle tambourin glockenspiel xylophone cloches tubulaires Cordes 16 violons 1 (parfois plus) 14 violons 2 12 altos 12 violoncelles 10 contrebasses 2 harpes de concert ou plus

Orchestre moderne/postmoderne

Bois 2 à 4 flûtes dont certaines pourraient jouer 1–2 piccolos 1 flûte alto 2 à 4 hautbois dont 1 à 2 peuvent jouer 1 cor anglais 1 hautbois basse 2–4 clarinettes B ♭ dont certaines pourraient jouer 1 mi ♭ clarinette 1 cor de basset 1 clarinette basse 1 clarinette contrebasse 2 à 4 bassons dont 1 pourrait jouer 1 contrebasson (occasionnellement 1 ou plusieurs saxophones de différents types) Laiton 4–8 cors (doubles cors) en F/B ♭ dont certains pourraient jouer 2 à 4 tubas wagnériens 3 à 6 trompettes en si ♭ dont certaines pourraient jouer 2–3 cornets 1 trompette piccolo (souvent pour jouer des parties très aiguës à l’origine pour les trompettes naturelles) 1 trompette basse 1 bugle 1 trombone alto (restauré à l’orchestre postmoderne pour jouer de la musique de l’époque classique) 3 à 6 trombones ténor 1–2 trombones basses dont 1 pourrait jouer 1 trombone contrebasse 1–2 tubas 1 cor baryton / euphonium Percussion 4–5 timbales (un joueur) caisse claire tambour ténor grosse caisse Cymbales Triangle tam-tam tambourin bloc de bois glockenspiel xylophone vibraphone marimba crotales cloches tubulaires marquer l’arbre cloches de traîneau arbre à cloches kit de batterie (dans certaines œuvres) Autres instruments de percussion, y compris les instruments de musique ethnique ou du monde spécifiés par les compositeurs

Claviers piano orgue clavecin accordéon célesta Cordes 16 premiers violons 14 seconds violons 12 altos 10 violoncelles 8 contrebasses 1–2 harpes (1 ou plusieurs guitares classiques de différents types) Autre harmonica Électrophone Selon les exigences des compositions au programme, divers instruments électriques ou instruments électroniques peuvent être utilisés dans l’orchestre. Ces interprètes ne sont généralement pas des membres permanents de l’orchestre. Ce sont généralement des pigistes embauchés sous contrat pour un ou plusieurs concerts. Les instruments peuvent inclure :

thérémine
ondes Martenot
guitare électrique
guitare basse électrique
contrebasse électrique
violon électrique , alto et violoncelle
Orgue Hammond
Orgue Lowrey
piano électrique
keytar
accordéon numérique
modulateurs en anneau
synthétiseur
synclavier
novacorde
clavinet
batterie numérique
Autres instruments de musique électroniques
Instruments non musicaux tels qu’une machine à écrire ou un lecteur de bande à bobine

Organisme

Diriger un orchestre

Parmi les groupes d’instruments et au sein de chaque groupe d’instruments, il existe une hiérarchie généralement acceptée. Chaque groupe instrumental (ou section) a un directeur qui est généralement chargé de diriger le groupe et de jouer des solos d’orchestre. Les violons sont divisés en deux groupes, premier violon et second violon, les seconds violons jouant dans des registres plus graves que les premiers violons, jouant une partie d’ accompagnement ou harmonisant la mélodie jouée par les premiers violons. Le premier violon principal est appelé violon solo (ou “chef” d’orchestre au Royaume-Uni) et n’est pas seulement considéré comme le chef de la section des cordes, mais le commandant en second de l’ensemble de l’orchestre, derrière seulement le chef d’orchestre .. Le violon solo dirige l’ accordage avant le concert et gère les aspects musicaux de la gestion de l’orchestre, comme la détermination des archets pour les violons ou pour l’ensemble de la section des cordes. Le violon solo est généralement assis à la gauche du chef d’orchestre, au plus près du public. Il y a aussi un second violon principal, un alto principal, un violoncelle principal et une basse principale.

Le trombone principal est considéré comme le chef de file de la section des cuivres graves, tandis que la trompette principale est généralement considérée comme le chef de file de toute la section des cuivres. Alors que le hautbois fournit souvent la note d’accord pour l’orchestre (en raison d’une convention vieille de 300 ans), il n’y a généralement pas de principal désigné de la section des bois (bien que dans les ensembles à vent, la flûte soit souvent le chef présomptif.) ^[12] Au lieu de cela, chaque principal s’entretient avec les autres comme des égaux en cas de divergences d’opinions musicales. La plupart des sections ont également un assistant principal (ou co-principal ou principal associé), ou dans le cas des premiers violons, un violon solo adjoint, qui joue souvent un rôle de tutti en plus de remplacer le principal en son absence.

Un joueur de cordes de section joue à l’unisson avec le reste de la section, sauf en cas de division ( divisi), où les parties supérieures et inférieures de la musique sont souvent attribuées à des joueurs assis “à l’extérieur” (plus près du public) et “à l’intérieur”. Lorsqu’une partie solo est demandée dans une section de cordes, le chef de section joue invariablement cette partie. Le chef de section (ou principal) d’une section de cordes est également chargé de déterminer les coups d’archet, souvent en fonction des coups d’archet définis par le violon solo. Dans certains cas, le principal d’une section de cordes peut utiliser un archet légèrement différent de celui du premier violon, pour répondre aux exigences de jeu de son instrument (par exemple, la section de contrebasse). Les directeurs d’une section de cordes dirigeront également les entrées de leur section, généralement en levant l’archet avant l’entrée, pour s’assurer que la section joue ensemble. Les joueurs de vents et de cuivres Tutti jouent généralement un rôle unique mais non solo.

À l’époque moderne, les musiciens sont généralement dirigés par un chef d’ orchestre , bien que les premiers orchestres n’en aient pas eu, donnant plutôt ce rôle au violon solo ou au clavecin jouant le continuo . Certains orchestres modernes se passent également de chefs d’orchestre , en particulier les petits orchestres et ceux qui se spécialisent dans des interprétations historiquement exactes (dites «d’époque») de musique baroque et antérieure.

Le répertoire le plus fréquemment joué pour un orchestre symphonique est la musique classique occidentale ou l’ opéra . Cependant, les orchestres sont parfois utilisés dans la musique populaire (par exemple, pour accompagner un groupe de rock ou de pop dans un concert), largement dans la musique de film et de plus en plus souvent dans la musique de jeu vidéo . Les orchestres sont également utilisés dans le genre métal symphonique . Le terme “orchestre” peut également être appliqué à un ensemble de jazz , par exemple dans l’interprétation de la musique de big band .

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Sélection et nomination des membres

Dans les années 2000, tous les membres titulaires d’un orchestre professionnel auditionnent normalement pour des postes dans l’ensemble. Les interprètes jouent généralement une ou plusieurs pièces solo au choix de l’auditionné, comme un mouvement d’un concerto , un mouvement solo de Bach et une variété d’extraits de la littérature orchestrale qui sont annoncés dans l’affiche de l’audition (afin que les auditionnés puissent se préparer). Les extraits sont généralement les parties et les solos les plus difficiles techniquement de la littérature orchestrale. Les auditions orchestrales se déroulent généralement devant un jury qui comprend le chef d’orchestre , le premier violon , l’interprète principal de la section pour laquelle l’auditionné postule et éventuellement d’autres interprètes principaux.

Les candidats les plus prometteurs du premier tour d’auditions sont invités à revenir pour un deuxième ou un troisième tour d’auditions, ce qui permet au chef d’orchestre et au jury de comparer les meilleurs candidats. Les interprètes peuvent être invités à déchiffrer de la musique orchestrale. La dernière étape du processus d’audition dans certains orchestres est une semaine de test , au cours de laquelle l’interprète joue avec l’orchestre pendant une semaine ou deux, ce qui permet au chef d’orchestre et aux principaux acteurs de voir si l’individu peut bien fonctionner lors d’une répétition et d’une performance réelles. paramètre.

Il existe toute une gamme de régimes d’emploi différents. Les postes les plus recherchés sont les postes permanents et titulaires au sein de l’orchestre. Les orchestres embauchent également des musiciens sous contrat, allant d’un simple concert à une saison complète ou plus. Des interprètes contractuels peuvent être embauchés pour des concerts individuels lorsque l’orchestre exécute une œuvre orchestrale exceptionnellement importante de la fin de l’époque romantique, ou pour remplacer un membre permanent malade. Un musicien professionnel qui est embauché pour jouer pour un seul concert est parfois appelé un “sous”. Certains musiciens contractuels peuvent être embauchés pour remplacer les membres permanents pendant la période pendant laquelle le membre permanent est en congé parental ou en congé d’ invalidité .

Histoire du genre dans les ensembles

Historiquement, les grands orchestres professionnels ont été majoritairement ou entièrement composés d’hommes. Les premières femmes membres embauchées dans des orchestres professionnels ont été des harpistes . L’ Orchestre philharmonique de Vienne , par exemple, n’a accepté les femmes comme membres permanents qu’en 1997, bien plus tard que les orchestres comparables (les autres orchestres classés parmi les cinq meilleurs mondiaux par Gramophone en 2008). ^[13] Le dernier grand orchestre à nommer une femme à un poste permanent était l’ Orchestre philharmonique de Berlin . ^[14] En février 1996, la flûte solo de l’Orchestre philharmonique de Vienne, Dieter Flury , a déclaré au Westdeutscher Rundfunkqu’accepter les femmes serait « jouer avec l’unité émotionnelle ( émotionelle Geschlossenheit ) que cet organisme possède actuellement ». ^[15] En avril 1996, l’attachée de presse de l’orchestre a écrit que “compenser les congés attendus” du congé de maternité serait un problème. ^[16]

En 1997, l’Orchestre philharmonique de Vienne “fait face à des protestations lors d’une tournée [aux États-Unis]” de l’ Organisation nationale des femmes et de l’ Alliance internationale pour les femmes en musique . Enfin, “après avoir été de plus en plus ridiculisés même dans l’Autriche socialement conservatrice, les membres de l’orchestre se sont réunis [le 28 février 1997] lors d’une réunion extraordinaire à la veille de leur départ et ont accepté d’admettre une femme, Anna Lelkes, comme harpiste. ” ^[17] Depuis 2013, l’orchestre compte six membres féminins; l’une d’elles, la violoniste Albena Danailova, est devenue l’un des violons solos de l’orchestre en 2008, la première femme à occuper ce poste dans cet orchestre. ^[18] En 2012, les femmes représentaient 6 % des membres de l’orchestre. Président VPOClemens Hellsberg a déclaré que le VPO utilise désormais des auditions à l’aveugle entièrement filtrées . ^[19]

En 2013, un article de Mother Jones indiquait que « [m]outes orchestres prestigieux comptent un nombre important de membres féminins — les femmes sont plus nombreuses que les hommes dans la section violon de l’Orchestre philharmonique de New York — et plusieurs ensembles renommés, dont le National Symphony Orchestra , le Detroit Symphony , et le Minnesota Symphony, sont dirigés par des femmes violonistes », les sections de contrebasse , de cuivres et de percussions des grands orchestres « … sont encore majoritairement masculines ». ^[20]Un article de la BBC de 2014 a déclaré que “… l’introduction d’auditions” à l’aveugle “, où un instrumentiste potentiel se produit derrière un écran afin que le jury ne puisse exercer aucun préjugé sexuel ou racial, a vu l’équilibre entre les sexes de la symphonie traditionnellement dominée par les hommes. les orchestres changent peu à peu.” ^[21]

Ensembles amateurs

Il existe également une variété d’orchestres amateurs:

Orchestres scolaires Ces orchestres sont composés d’élèves du primaire ou du secondaire. Il peut s’agir d’élèves d’un cours ou d’un programme de musique ou de l’ensemble du corps scolaire. Les orchestres scolaires sont généralement dirigés par un professeur de musique . Dans certains cas, les orchestres scolaires sont des orchestres à cordes , composés uniquement d’élèves jouant des instruments à cordes , les élèves jouant des bois , des cuivres et des percussions regroupés en harmonie . Orchestres universitaires ou conservatoires Ces orchestres sont composés d’étudiants d’une université ou d’un conservatoire de musique. Dans certains cas, les orchestres universitaires sont ouverts à tous les étudiants d’une université, de tous les programmes. Les grandes universités peuvent avoir deux ou plusieurs orchestres universitaires : un ou plusieurs orchestres composés de majors en musique (ou, pour les programmes de musique majeurs, plusieurs niveaux d’orchestres majeurs en musique, classés par niveau de compétence) et un deuxième orchestre ouvert aux étudiants universitaires de tous les niveaux académiques. programmes (par exemple, sciences, affaires, etc.) qui ont une expérience antérieure de la musique classique sur un instrument d’orchestre. Les orchestres universitaires et de conservatoires sont dirigés par un chef d’orchestre qui est généralement professeur ou instructeur à l’université ou au conservatoire. Orchestres de jeunes Ces orchestres sont composés d’adolescents et de jeunes adultes provenant d’une ville ou d’une région entière. La tranche d’âge dans les orchestres de jeunes varie entre les différents ensembles. Dans certains cas, les orchestres de jeunes peuvent être composés d’adolescents ou de jeunes adultes de tout un pays (p. ex., l’Orchestre national des jeunes du Canada). Orchestres communautaires Ces orchestres sont composés d’artistes amateurs provenant d’une ville ou d’une région entière. Les orchestres communautaires se composent généralement principalement de musiciens amateurs adultes. Les orchestres communautaires varient en niveau, des orchestres de niveau débutant qui répètent de la musique sans faire de performances formelles devant un public aux ensembles de niveau intermédiaire aux groupes amateurs avancés qui jouent le répertoire standard des orchestres professionnels. Dans certains cas, les étudiants en musique des universités ou des conservatoires peuvent également être membres d’orchestres communautaires. Alors que les membres des orchestres communautaires sont pour la plupart des amateurs non rémunérés, dans certains orchestres, un petit nombre de professionnels peuvent être embauchés pour agir en tant qu’interprètes principaux et chefs de section.

Répertoire et performances

Les orchestres jouent un large éventail de répertoires allant des suites de danse du XVIIe siècle aux divertimentos du XVIIIe siècle en passant par les musiques de films du XXe siècle et les Symphonies du XXIe siècle. Les orchestres sont devenus synonymes de symphonie , une composition musicale étendue dans la musique classique occidentale qui contient généralement plusieurs mouvements qui fournissent des touches et des tempos contrastés. Les Symphonies sont notées dans une partition musicale , qui contient toutes les parties instrumentales. Le chef d’orchestreutilise la partition pour étudier la symphonie avant les répétitions et décider de leur interprétation (p. ex., tempos, articulation, phrasé, etc.) et pour suivre la musique pendant les répétitions et les concerts, tout en dirigeant l’ensemble. Les musiciens d’orchestre jouent à partir de parties contenant uniquement la musique notée pour leur instrument. Un petit nombre de Symphonies contiennent également des parties vocales (par exemple, la Neuvième Symphonie de Beethoven ).

Les orchestres exécutent également des ouvertures , un terme appliqué à l’origine à l’introduction instrumentale d’un opéra. ^[22] Au début de l’ère romantique, des compositeurs tels que Beethoven et Mendelssohn ont commencé à utiliser le terme pour désigner des œuvres instrumentales et programmatiques indépendantes et autonomes qui présageaient des genres tels que le poème symphonique , une forme conçue par Franz Liszt dans plusieurs œuvres . qui ont commencé comme des ouvertures dramatiques. Celles-ci étaient “au départ sans doute destinées à être jouées en tête de programme”. ^[22] Au cours des années 1850 l’ouverture de concert a commencé à être supplantée par le poème symphonique.

Les orchestres jouent également avec des solistes instrumentaux dans des concertos . Pendant les concertos, l’orchestre joue un rôle d’ accompagnement du soliste (par exemple, un violoniste ou un pianiste solo) et, parfois, introduit des thèmes musicaux ou des intermèdes pendant que le soliste ne joue pas. Les orchestres jouent également lors d’ opéras , de ballets , de certaines œuvres de théâtre musical et de certaines œuvres chorales (à la fois des œuvres sacrées telles que des messes et des œuvres profanes). Dans les opéras et les ballets, l’orchestre accompagne respectivement les chanteurs et les danseurs et joue des ouvertures et des intermèdes où les mélodies jouées par l’orchestre occupent une place centrale.

Les performances

À l’époque baroque, les orchestres se produisaient dans divers lieux, notamment dans les belles maisons des aristocrates, dans les salles d’opéra et dans les églises. Certains riches aristocrates avaient un orchestre en résidence dans leur domaine, pour les divertir, eux et leurs invités, avec des spectacles. À l’époque classique, alors que les compositeurs recherchaient de plus en plus le soutien financier du grand public, les concerts d’orchestre étaient de plus en plus organisés dans des salles de concert publiques., où les mélomanes pouvaient acheter des billets pour entendre l’orchestre. Le patronage aristocratique des orchestres s’est poursuivi à l’époque classique, mais cela s’est poursuivi parallèlement aux concerts publics. Au 20e et 21e siècle, les orchestres ont trouvé un nouveau mécène : les gouvernements. De nombreux orchestres en Amérique du Nord et en Europe reçoivent une partie de leur financement des gouvernements nationaux, régionaux (par exemple, les gouvernements des États aux États-Unis) ou des gouvernements municipaux. Ces subventions gouvernementales constituent une partie des revenus de l’orchestre, ainsi que les ventes de billets, les dons de bienfaisance (si l’orchestre est enregistré en tant qu’organisme de bienfaisance) et d’autres activités de collecte de fonds. Avec l’invention de technologies successives, dont l’enregistrement sonore , la radiodiffusion , la télédiffusion et Internetbasés sur le streaming et le téléchargement de vidéos de concerts, les orchestres ont pu trouver de nouvelles sources de revenus.

Problèmes de performances

Faire semblant

L’un des “grands [sujets] inavouables du jeu d’orchestre” est le ” faking “, le processus par lequel un musicien d’orchestre donne la fausse “… impression de jouer chaque note telle qu’elle est écrite”, généralement pour un passage très difficile qui est très haut ou très rapide, sans jouer réellement les notes qui sont dans la partie de musique imprimée. ^[23] Un article dans The Strad déclare que tous les musiciens d’orchestre, même ceux des meilleurs orchestres, simulent parfois certains passages. ^[23] Une des raisons pour lesquelles les musiciens font semblant est qu’il n’y a pas assez de répétitions. ^[23]Un autre facteur est les défis extrêmes des pièces contemporaines des 20e et 21e siècles; certains professionnels ont déclaré que la “falsification” était “nécessaire dans quelque chose de dix à près de quatre-vingt-dix pour cent de certaines œuvres modernes”. ^[23] Les joueurs professionnels qui ont été interrogés étaient d’accord pour dire que simuler peut être acceptable lorsqu’une partie n’est pas bien écrite pour l’instrument, mais simuler “juste parce que vous n’avez pas pratiqué” la musique n’est pas acceptable. ^[23]

Contre-révolution

Avec l’avènement du mouvement de la musique ancienne, de plus petits orchestres où les musiciens travaillaient à l’exécution d’œuvres dans des styles dérivés de l’étude d’anciens traités sur le jeu sont devenus courants. Il s’agit notamment de l’ Orchestra of the Age of Enlightenment , des London Classical Players sous la direction de Sir Roger Norrington et de l’ Academy of Ancient Music sous Christopher Hogwood , entre autres. ^{[ citation nécessaire ]}

Tendances récentes aux États-Unis

Aux États-Unis, la fin du XXe siècle a vu une crise du financement et du soutien aux orchestres. La taille et le coût d’un orchestre symphonique, comparés à la taille de la base de supporters, sont devenus un problème qui a frappé au cœur de l’institution. Peu d’orchestres pouvaient remplir les auditoriums, et le système séculaire d’abonnement aux saisons devenait de plus en plus anachronique, car de plus en plus d’auditeurs achetaient des billets sur une base ad hoc.base pour des événements individuels. Les dotations orchestrales et – plus au cœur du fonctionnement quotidien des orchestres américains – les donateurs orchestraux ont vu les portefeuilles d’investissement se réduire ou produire des rendements inférieurs, réduisant la capacité des donateurs à contribuer ; de plus, il y a eu une tendance à ce que les donateurs trouvent d’autres causes sociales plus convaincantes. Alors que le financement gouvernemental est moins central pour les orchestres américains que pour les orchestres européens, les réductions de ce financement sont toujours importantes pour les ensembles américains. Enfin, la chute drastique des revenus de l’enregistrement, liée dans une large mesure à l’évolution de l’industrie du disque elle-même, a amorcé une période de changement qui n’est pas encore arrivée à son terme.

Les orchestres américains qui ont fait faillite en vertu du chapitre 11 comprennent l’ Orchestre de Philadelphie (avril 2011) et l’ Orchestre de Louisville (décembre 2010) ; les orchestres qui ont fait faillite en vertu du chapitre 7 et ont cessé leurs activités comprennent le Northwest Chamber Orchestra en 2006, l’Orchestre d’Honolulu en mars 2011, l’ Orchestre symphonique du Nouveau-Mexique en avril 2011 et le Syracuse Symphony en juin 2011. Le Festival des orchestres d’Orlando , en Floride, a cessé ses activités fin mars 2011.

L’une des sources de difficultés financières qui a été remarquée et critiquée était les salaires élevés des directeurs musicaux des orchestres américains ^[24] , ce qui a conduit plusieurs chefs d’orchestre de haut niveau à accepter des réductions de salaire ces dernières années. ^{[25] [26] [27]} Les administrateurs de musique tels que Michael Tilson Thomas et Esa-Pekka Salonen ont fait valoir que la nouvelle musique, de nouveaux moyens de la présenter et une relation renouvelée avec la communauté pourraient revitaliser l’orchestre symphonique. Le critique américain Greg Sandowa soutenu en détail que les orchestres doivent revoir leur approche de la musique, de la performance, de l’expérience du concert, du marketing, des relations publiques, de l’engagement communautaire et de la présentation pour les aligner sur les attentes du public du 21e siècle immergé dans la culture populaire.

Il n’est pas rare que des compositeurs contemporains utilisent des instruments non conventionnels, y compris divers synthétiseurs, pour obtenir les effets souhaités. Beaucoup, cependant, trouvent une configuration orchestrale plus conventionnelle pour offrir de meilleures possibilités de couleur et de profondeur. Des compositeurs comme John Adams emploient souvent des orchestres de taille romantique, comme dans l’opéra d’Adams Nixon en Chine ; Philip Glass et d’autres sont peut-être plus libres, mais identifient toujours des limites de taille. Glass en particulier s’est récemment tourné vers les orchestres conventionnels dans des œuvres comme le Concerto pour violoncelle et orchestre et le Concerto pour violon n° 2 .

Parallèlement à une diminution du financement, certains orchestres américains ont réduit leur personnel global, ainsi que le nombre de musiciens apparaissant dans les performances. Les nombres réduits de performances sont généralement confinés à la section des cordes , car les nombres ici ont traditionnellement été flexibles (car plusieurs joueurs jouent généralement à partir de la même partie).

Rôle de chef d’orchestre

Apo Hsu , à l’aide d’un bâton , dirige le NTNU Symphony Orchestra à Taipei, République de Chine

La direction d’orchestre est l’art de diriger une performance musicale , comme un concert orchestral ou choral . Les principales tâches du chef d’orchestre sont de définir le tempo , de s’assurer que les entrées des différents membres de l’ensemble sont correctes et de “façonner” le phrasé le cas échéant. ^[2] Pour transmettre ses idées et son interprétation, un chef d’orchestre communique avec ses musiciens principalement par des gestes de la main, généralement (mais pas toujours) à l’aide d’un bâton , et peut utiliser d’autres gestes ou signaux, tels que le contact visuel avec les interprètes concernés. ^[28]Les directives d’un chef d’orchestre seront presque invariablement complétées ou renforcées par des instructions verbales ou des suggestions à ses musiciens en répétition avant une représentation. ^[28]

Le chef d’orchestre se tient généralement sur un podium surélevé avec un grand pupitre pour la partition complète , qui contient la notation musicale de tous les instruments et voix. Depuis le milieu du XVIIIe siècle, la plupart des chefs d’orchestre n’ont pas joué d’instrument lorsqu’ils ^{dirigent ,}^bien que dans les périodes antérieures de l’histoire de la musique classique , diriger un ensemble tout en jouant d’un instrument était courant. Dans la musique baroque des années 1600 aux années 1750, le groupe était généralement dirigé par le claveciniste ou le premier violoniste (voir violon solo), une approche qui à l’époque moderne a été relancée par plusieurs directeurs musicaux pour la musique de cette période. Diriger en jouant d’un piano ou d’un synthétiseur peut également se faire avec des orchestres de théâtre musical . La communication est généralement non verbale lors d’une performance (c’est strictement le cas dans la musique savante , mais dans les grands groupes de jazz ou les grands ensembles pop, il peut y avoir des instructions orales occasionnelles, telles qu’un « décompte »). Cependant, lors des répétitions , de fréquentes interruptions permettent au chef d’orchestre de donner des instructions verbales sur la manière dont la musique doit être jouée ou chantée.

Les chefs d’orchestre servent de guides aux orchestres ou aux chœurs qu’ils dirigent. Ils choisissent les œuvres à interpréter et étudient leurs partitions , sur lesquelles ils peuvent apporter certains ajustements (par exemple, concernant le tempo, l’articulation, le phrasé, les répétitions de sections, etc.), élaborent leur interprétation et transmettent leur vision aux interprètes. . Ils peuvent également s’occuper de questions d’organisation, telles que la programmation des répétitions, ^[29] la planification d’une saison de concerts, l’audition d’ auditions et la sélection des membres, et la promotion de leur ensemble dans les médias. Les orchestres, chœurs , orchestres d’harmonie et autres ensembles musicaux importants tels que les grands orchestres sont généralement dirigés par des chefs d’orchestre.

Orchestres sans chef

À l’ ère de la musique baroque (1600-1750), la plupart des orchestres étaient dirigés par l’un des musiciens, généralement le premier violon principal, appelé violon solo . Le violon solo dirigeait le tempo des pièces en levant son archet de manière rythmique. Le leadership pourrait également être assuré par l’un des instrumentistes jouant des accords jouant la partie de basse continue qui était au cœur de la plupart des pièces d’ensemble instrumental baroque. En règle générale, il s’agit d’un joueur de clavecin , d’un organiste à tuyaux , d’un luthiste ou d’un théorbe .joueur. Un claviériste peut diriger l’ensemble avec sa tête ou en retirant l’une des mains du clavier pour diriger un changement de tempo plus difficile. Un luthiste ou un joueur de théorbe pourrait diriger en soulevant le manche de l’instrument de haut en bas pour indiquer le tempo d’un morceau, ou pour diriger un ritard pendant une cadence ou une fin. Dans certaines œuvres combinant chœurs et ensembles instrumentaux, deux chefs étaient parfois utilisés : un premier violon pour diriger les instrumentistes et un interprète jouant des accords pour diriger les chanteurs. Pendant la Période de la musique classique ( vers 1720–1800), la pratique consistant à utiliser des instruments à accords pour jouer de la basse continue a été progressivement abandonnée et a complètement disparu en 1800. Au lieu de cela, les ensembles ont commencé à utiliser des chefs d’orchestre pour diriger les tempos et le style de jeu de l’orchestre, tandis que le violon solo jouait un rôle de leadership supplémentaire pour le les musiciens, en particulier les joueurs à cordes, qui imitent le coup d’archet et le style de jeu du premier violon, dans la mesure du possible pour les différents instruments à cordes.

En 1922, l’idée d’un orchestre sans chef a été relancée dans l’Union soviétique post- révolutionnaire . L’orchestre symphonique Persimfans a été formé sans chef d’orchestre, car les fondateurs pensaient que l’ensemble devait être calqué sur l’État marxiste idéal , dans lequel tous les peuples sont égaux. En tant que tel, ses membres ont estimé qu’il n’était pas nécessaire d’être dirigé par la baguette dictatoriale d’un chef d’orchestre; au lieu de cela, ils étaient dirigés par un comité , qui déterminait les tempos et les styles de jeu. Bien qu’il ait été un succès partiel au sein de l’Union soviétique, la principale difficulté du concept était de changer de tempopendant les représentations, car même si le comité avait émis un décret sur l’endroit où un changement de tempo devait avoir lieu, il n’y avait pas de chef dans l’ensemble pour guider ce changement de tempo. L’orchestre a survécu pendant dix ans avant que la politique culturelle de Staline ne le dissolve en lui enlevant son financement. ^[30]

Dans les pays occidentaux, certains ensembles, tels que l’ Orpheus Chamber Orchestra , basé à New York, ont eu plus de succès avec des orchestres sans chef, bien que les décisions soient susceptibles d’être reportées à un certain sens du leadership au sein de l’ensemble (par exemple, le vent principal et instrumentistes à cordes, notamment le violon solo). D’autres sont revenus à la tradition d’un interprète principal, généralement un violoniste, étant le directeur artistique, dirigeant les répétitions et dirigeant les concerts. Les exemples incluent l’ Australian Chamber Orchestra , l’Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson et le New Century Chamber Orchestra . De plus, dans le cadre de la musique anciennemouvement, certains orchestres des 20e et 21e siècles ont relancé la pratique baroque consistant à n’avoir aucun chef d’orchestre sur le podium pour les pièces baroques, en utilisant le violon solo ou un interprète de basse continue jouant des accords (par exemple, clavecin ou orgue) pour diriger le groupe.

Plusieurs conducteurs

Instruments hors scène

Certaines œuvres orchestrales précisent qu’une trompette hors scène doit être utilisée ou que d’autres instruments de l’orchestre doivent être placés hors scène ou derrière la scène, pour créer un effet hanté et mystique. Pour s’assurer que le ou les instrumentistes hors scène jouent à temps, parfois un sous-chef d’orchestre sera posté hors scène avec une vue dégagée sur le chef d’orchestre principal. Les exemples incluent la fin de ” Neptune ” de Gustav Holst ‘s The Planets. Le chef d’orchestre principal dirige le grand orchestre et le sous-chef d’orchestre transmet le tempo et les gestes du chef d’orchestre principal au musicien (ou aux musiciens) hors scène. L’un des défis liés à l’utilisation de deux chefs d’orchestre est que le deuxième chef d’orchestre peut se désynchroniser avec le chef d’orchestre principal, ou peut mal transmettre (ou mal comprendre) les gestes du chef d’orchestre principal, ce qui peut entraîner le décalage des instruments hors scène. À la fin du 20e siècle et au début du 21e siècle, certains orchestres utilisent une caméra vidéo pointée vers le chef d’orchestre principal et un téléviseur en circuit fermé devant le ou les interprètes hors scène, au lieu d’utiliser deux chefs d’orchestre.

Musique contemporaine

Les techniques du polystylisme et de la musique polytempo ^[31] ont conduit quelques compositeurs des 20e et 21e siècles à écrire une musique où plusieurs orchestres ou ensembles se produisent simultanément. Ces tendances ont provoqué le phénomène de la musique polyconductrice, dans laquelle des sous-conducteurs séparés dirigent chaque groupe de musiciens. Habituellement, un conducteur principal conduit les sous-conducteurs, façonnant ainsi la performance globale. Dans The Warriors de Percy Grainger qui comprend trois chefs d’orchestre : le chef d’orchestre principal de l’orchestre, un chef d’orchestre secondaire dirigeant un ensemble de cuivres hors scène et un chef d’orchestre tertiaire dirigeant les percussions et la harpe. Un exemple dans la musique orchestrale de la fin du siècle estGruppen de Karlheinz Stockhausen , pour trois orchestres, disposés autour du public. Ainsi, les « masses sonores » pourraient être spatialisées, comme dans une œuvre électroacoustique . Gruppen a été créé à Cologne, en 1958, sous la direction de Stockhausen, Bruno Maderna et Pierre Boulez . Il a été joué en 1996 par Simon Rattle , John Carewe et Daniel Harding . ^[32]

Voir également

Orchestre chinois
Orchestre Gamelan
Liste des orchestres symphoniques
- Liste des orchestres symphoniques en Europe
- Liste des orchestres symphoniques aux États-Unis
Liste des orchestres de jeunes aux États-Unis
Amélioration orchestrale
Orchestration
Orchestre radiophonique
Section rythmique
Raccourci pour l’instrumentation d’orchestre
Orchestre à cordes

Remarques

↑ En raison de leur action de marteau , le piano et le célesta sont souvent inclus dans les instruments à percussion (« percussions pitchées ») ; la harpe , le clavecin et la guitare dans la section des cordes ; et l’ orgue à tuyaux aux bois . La harpe est le seul instrument qui figure (assez) régulièrement dans les orchestres modernes, du moins pour la musique d’ époque romantique . Le piano fait régulièrement partie des orchestres pop , et le clavecin est régulièrement inclus dans orchestres de chambre baroques .
↑ L’utilisation actuelle d’ orchestre symphonique et d’orchestre philharmonique pour distinguer deux orchestres dans le même lieu efface toute différence antérieure que les significations des mots pouvaient avoir : ces deux noms pour un type d’orchestre sont identiques. ^[1]

Références

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Lectures complémentaires

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Spitzer, John; Zaslaw, Neal (2004). La naissance de l’orchestre : Histoire d’une institution, 1650-1815 . Presse universitaire d’Oxford. ISBN 978-0-19-816434-0.

Liens externes

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Chisholm, Hugh, éd. (1911). “Orchestre” . Encyclopædia Britannica (11e éd.). La presse de l’Universite de Cambridge.