Musique folklorique

La musique folklorique est un genre musical qui comprend la musique folklorique traditionnelle et le genre contemporain qui a évolué à partir de la première lors du renouveau folklorique du XXe siècle . Certains types de musique folklorique peuvent être appelés musiques du monde . La musique folklorique traditionnelle a été définie de plusieurs manières : comme musique transmise oralement, musique avec des compositeurs inconnus, musique jouée sur des instruments traditionnels, musique sur l’identité culturelle ou nationale, musique qui change entre les générations (processus folklorique), musique associée à l’histoire d’un peuple folklore , ou musique exécutée selon la coutume sur une longue période de temps. Il a été mis en contraste avec commercial etstyles classiques . Le terme est né au 19ème siècle, mais la musique folk s’étend au-delà.

Musique folklorique
Béla Bartók enregistrant des chanteurs paysans hongrois à Zobordarázs, Hongrie, 1907
Traditions	Liste des traditions de la musique folklorique
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Autres sujets
Musique populaire renaissance des racines

^{À partir du milieu du 20e siècle, une nouvelle forme de musique folklorique} populaire a évolué à partir de la musique ^folklorique traditionnelle ^. Ce processus et cette période s’appellent le (second) renouveau folklorique et ont atteint leur apogée dans les années 1960. Cette forme de musique est parfois appelée musique folklorique contemporaine ou musique de renaissance folklorique pour la distinguer des formes folkloriques antérieures. ^[1] Des reprises plus petites et similaires se sont produites ailleurs dans le monde à d’autres moments, mais le terme musique folklorique n’a généralement pas été appliqué à la nouvelle musique créée lors de ces reprises. Ce type de musique folk comprend également des genres de fusion tels que le folk rock , le folk metal, et d’autres. Alors que la musique folklorique contemporaine est un genre généralement distinct de la musique folklorique traditionnelle, en anglais américain , elle partage le même nom et partage souvent les mêmes interprètes et lieux que la musique folklorique traditionnelle.

Musique folklorique traditionnelle

Musique folklorique traditionnelle
Origines stylistiques	Musique traditionnelle
Origines culturelles	Nations ou régions individuelles
Formes dérivées	Musique populaire Musique contemporaine
Sous-genres
Musique folklorique contemporaine (occidentale) Musique folklorique contemporaine (non occidentale) ( liste complète )
Genres fusionnés
Métal folklorique Rock populaire néofolk Anti-folk Skiff
Autres sujets
Renaissance des racines Musique du monde (terme)

Définitions

Les termes musique folklorique , chanson folklorique et danse folklorique sont des expressions relativement récentes. Ce sont des extensions du terme folklore , inventé en 1846 par l’antiquaire anglais William Thoms pour décrire “les traditions, les coutumes et les superstitions des classes incultes”. ^[2] Le terme dérive en outre de l’expression allemande volk , au sens de “le peuple dans son ensemble” appliqué à la musique populaire et nationale par Johann Gottfried Herder et les romantiques allemands plus d’un demi-siècle plus tôt. ^[3]Bien qu’il soit entendu que la musique folklorique est la musique du peuple, les observateurs trouvent une définition plus précise insaisissable. ^{[4] [5]} Certains ne conviennent même pas que le terme musique folklorique devrait être utilisé. ^[4] La musique folklorique peut avoir certaines caractéristiques ^[2] mais elle ne peut pas être clairement différenciée en termes purement musicaux. Une signification souvent donnée est celle de « chansons anciennes, sans compositeurs connus », ^[6] une autre est celle de la musique qui a été soumise à un « processus évolutif de transmission orale … la formation et la refonte de la musique par la communauté qui lui donnent son caractère folklorique.” ^[7]

De telles définitions dépendent de “processus (culturels) plutôt que de types musicaux abstraits…”, de ” la continuité et de la transmission orale …considérées comme caractérisant un côté d’une dichotomie culturelle, dont l’autre côté ne se trouve pas seulement dans le bas couches de sociétés féodales, capitalistes et certaines sociétés orientales, mais aussi dans les sociétés « primitives » et dans certaines parties des « cultures populaires » ». ^[8] Une définition largement utilisée est simplement “La musique folk est ce que les gens chantent.” ^[9]

Pour Scholes, ^[2] ainsi que pour Cecil Sharp et Béla Bartók , ^[10] il y avait un sens de la musique du pays distinct de celui de la ville. La musique folklorique était déjà “… considérée comme l’expression authentique d’un mode de vie passé ou sur le point de disparaître (ou, dans certains cas, d’être préservé ou d’une manière ou d’une autre ravivé)” ^[11] , en particulier dans “une communauté non influencée par musique savante” ^[7] et par la chanson commerciale et imprimée. Lloyd a rejeté cela en faveur d’une simple distinction de classe économique ^[10] mais pour lui, la vraie musique folk était, selon les mots de Charles Seeger , “associée à une classe inférieure” ^[12]dans des sociétés culturellement et socialement stratifiées. En ces termes, la musique folklorique peut être considérée comme faisant partie d’un “schéma comprenant quatre types musicaux:” primitif “ou” tribal “;” élite “ou” art “;” folk “; et” populaire “.” ^[13]

La musique de ce genre est aussi souvent appelée musique traditionnelle. Bien que le terme ne soit généralement que descriptif, dans certains cas, les gens l’utilisent comme nom d’un genre. Par exemple, le Grammy Award utilisait auparavant les termes «musique traditionnelle» et «folk traditionnel» pour la musique folklorique qui n’est pas de la musique folklorique contemporaine. ^[14] La musique folklorique peut inclure la plupart des musiques indigènes . ^[4]

Les caractéristiques Festival de musique folklorique de Viljandi organisé chaque année dans les ruines du château de Viljandi , en Estonie.

D’un point de vue historique, la musique folklorique traditionnelle avait ces caractéristiques : ^[12]

• Il a été transmis par une tradition orale . Avant le 20e siècle, les gens ordinaires étaient généralement analphabètes ; ils ont acquis des chansons en les mémorisant. Principalement, cela n’a pas été médiatisé par des livres ou des médias enregistrés ou transmis. Les chanteurs peuvent étendre leur répertoire en utilisant des feuilles larges ou des recueils de chansons , mais ces améliorations secondaires sont du même caractère que les chansons primaires vécues dans la chair.
• La musique était souvent liée à la culture nationale . C’était culturellement particulier; d’une région ou d’une culture particulière. Dans le contexte d’un groupe immigré, la musique folklorique acquiert une dimension supplémentaire pour la cohésion sociale. Il est particulièrement visible dans les sociétés immigrées, où les Australiens grecs , les Américains somaliens , les Canadiens punjabi et d’autres s’efforcent de souligner leurs différences par rapport au courant dominant. Ils apprennent des chants et des danses originaires des pays d’où sont originaires leurs grands-parents.
• Ils commémorent des événements historiques et personnels. Certains jours de l’année, y compris des vacances telles que Noël, Pâques et le 1er mai, des chansons particulières célèbrent le cycle annuel. Les anniversaires, les mariages et les funérailles peuvent également être notés avec des chants, des danses et des costumes spéciaux. Les festivals religieux ont souvent une composante de musique folklorique.La musique chorale lors de ces événements amène des enfants et des chanteurs non professionnels à participer à une arène publique, créant un lien émotionnel sans rapport avec les qualités esthétiques de la musique.
• Les chansons ont été interprétées, selon la coutume , sur une longue période de temps, généralement plusieurs générations .

Comme effet secondaire, les caractéristiques suivantes sont parfois présentes :

• Il n’y a pas de droit d’ auteur sur les chansons. Des centaines de chansons folkloriques du XIXe siècle ont connu des auteurs mais ont perduré dans la tradition orale au point où elles sont considérées comme traditionnelles aux fins de l’édition musicale. Cela est devenu beaucoup moins fréquent depuis les années 1940. Aujourd’hui, presque toutes les chansons folkloriques enregistrées sont créditées d’un arrangeur.
• Fusion des cultures : Parce que les cultures interagissent et changent avec le temps, les chansons traditionnelles qui évoluent avec le temps peuvent incorporer et refléter les influences de cultures disparates. Les facteurs pertinents peuvent inclure l’instrumentation, les accords , les voicings , le phrasé , le sujet et même les méthodes de production.

Régler

Dans la musique folklorique, une mélodie est une courte pièce instrumentale , une mélodie , souvent avec des sections répétitives , et généralement jouée un certain nombre de fois. ^[15] Une collection d’airs avec des similarités structurelles est connue comme une famille d’airs . Le paysage musical américain indique que “la forme la plus courante de mélodies dans la musique folklorique est AABB, également connue sous le nom de forme binaire “. ^[16]

Dans certaines traditions, les airs peuvent être enchaînés dans des medleys ou des ” sets “. ^[17]

Origines

Les Indiens ont toujours fait la distinction entre la musique classique et la musique folklorique, bien que dans le passé, même la musique indienne classique reposait sur la transmission non écrite du répertoire. Musicien folklorique népalais Navneet Aditya Waiba

Pendant la majeure partie de la préhistoire et de l’histoire humaines, écouter de la musique enregistrée n’était pas possible. ^{[18] [19]} La musique a été faite par les gens ordinaires pendant leur travail et leurs loisirs, ainsi que pendant les activités religieuses. Le travail de production économique était souvent manuel et communautaire. ^[20] Le travail manuel comprenait souvent des chants par les ouvriers, qui servaient à plusieurs fins pratiques. ^[21] Il réduisait l’ ennui des tâches répétitives, il maintenait le rythme lors des poussées et des tractions synchronisées , et il fixait le rythme de nombreuses activités telles que planter , désherber , récolter , le battage ,tissage et meunerie . Pendant les loisirs , chanter et jouer d’instruments de musique étaient des formes courantes de divertissement et de narration d’histoire, encore plus courantes qu’aujourd’hui, lorsque les technologies électriques et l’alphabétisation généralisée rendent compétitives d’autres formes de divertissement et de partage d’informations. ^[22]

Certains pensent que la musique folklorique est à l’origine une musique savante qui a été modifiée et probablement dégradée par la transmission orale tout en reflétant le caractère de la société qui l’a produite. ^[2] Dans de nombreuses sociétés, en particulier celles qui ne savent pas lire, la transmission culturelle de la musique folklorique nécessite un apprentissage à l’oreille , bien que la notation ait évolué dans certaines cultures. ^[23] Différentes cultures peuvent avoir des notions différentes concernant une division entre la musique « populaire » d’une part et la musique « d’art » et « de cour » d’autre part. Dans la prolifération des genres musicaux populaires, certaines musiques folkloriques traditionnelles sont également appelées « musique du monde » ou «musique Roots». ^[24]

Le terme anglais ” folklore “, pour décrire la musique et la danse folkloriques traditionnelles, est entré dans le vocabulaire de nombreuses nations d’Europe continentale, dont chacune avait ses collectionneurs et ses revivalistes de chansons folkloriques. ^[2] La distinction entre le folk “authentique” et la chanson nationale et populaire en général a toujours été lâche, en particulier en Amérique et en Allemagne ^[2] – par exemple, des auteurs-compositeurs populaires tels que Stephen Foster pourraient être qualifiés de “folk” en Amérique. ^{[2] [25]} Le Conseil international de la musique folkloriqueLa définition permet que le terme puisse également s’appliquer à la musique qui “… est née avec un compositeur individuel et a ensuite été absorbée dans la tradition vivante non écrite d’une communauté. Mais le terme ne couvre pas une chanson, une danse ou un air qui a été repris prêt à l’emploi et reste inchangé.” ^[26]

Le renouveau folk après la Seconde Guerre mondiale en Amérique et en Grande-Bretagne a lancé un nouveau genre, la musique folklorique contemporaine , et a apporté un sens supplémentaire au terme «musique folklorique»: des chansons nouvellement composées, fixées dans la forme et par des auteurs connus, qui imitaient certains forme de musique traditionnelle. La popularité des enregistrements “folk contemporains” a provoqué l’apparition de la catégorie “Folk” aux Grammy Awards de 1959 ; ^[27] en 1970, le terme a été abandonné au profit de “Meilleur enregistrement ethnique ou traditionnel (y compris le blues traditionnel)”, ^[28] tandis que 1987 a apporté une distinction entre “Meilleur enregistrement folklorique traditionnel” et “Meilleur enregistrement folklorique contemporain”.^[29]Après cela, ils ont eu une catégorie “Musique traditionnelle” qui a ensuite évolué vers d’autres. Le terme « folk », au début du 21e siècle, pourrait recouvrir des auteurs-compositeurs-interprètes, comme Donovan ^[30] d’Écosse et l’Américain Bob Dylan ^[31] , apparus dans les années 1960 et bien plus encore. Cela a achevé un processus où la «musique folklorique» ne signifiait plus uniquement la musique folklorique traditionnelle. ^[6]

Objet

Musiciens traditionnels arméniens Assyriens jouant de la zurna et du davul , les instruments généralement utilisés pour leur musique folklorique et leur danse .

La musique folklorique traditionnelle comprend souvent des paroles chantées , bien que la musique instrumentale folklorique se produise couramment dans les traditions de musique de danse . Les vers narratifs occupent une place importante dans la musique folklorique traditionnelle de nombreuses cultures. ^{[32] [33]} Cela englobe des formes telles que la poésie épique traditionnelle , dont une grande partie était destinée à l’origine à la performance orale, parfois accompagnée d’instruments. ^{[34] [35]} De nombreux poèmes épiques de diverses cultures ont été reconstitués à partir de morceaux plus courts de vers narratifs traditionnels, ce qui explique leur structure épisodique, leurs éléments répétitifs et leur fréquence. in medias resévolutions de l’intrigue. D’autres formes de vers narratifs traditionnels relatent les résultats de batailles ou de tragédies de lamentations ou de catastrophes naturelles . ^[36]

Parfois, comme dans le Cantique triomphant de Déborah ^[37] que l’on retrouve dans le Livre biblique des Juges , ces chants célèbrent la victoire. Les lamentations pour les batailles et les guerres perdues, et les vies perdues en elles, sont également importantes dans de nombreuses traditions ; ces lamentations entretiennent la cause pour laquelle la bataille a été menée. ^{[38] [39]} Les récits des chansons traditionnelles rappellent souvent aussi des héros folkloriques tels que John Henry ^{[40] [41]} ou Robin Hood . ^[42] Certains récits de chansons traditionnelles rappellent des événements surnaturels ou des morts mystérieuses. ^[43]

Les hymnes et autres formes de musique religieuse sont souvent d’origine traditionnelle et inconnue. ^[44] La notation musicale occidentale a été créée à l’origine pour préserver les lignes du chant grégorien , qui avant son invention était enseignée comme une tradition orale dans les communautés monastiques . ^{[45] [46]} Les chansons traditionnelles telles que Green font pousser les joncs, O présentent les traditions religieuses sous une forme mnémonique , tout comme les chants de Noël occidentaux et les chansons traditionnelles similaires. ^[47]

Les chansons de travail comportent fréquemment des structures d’ appel et de réponse et sont conçues pour permettre aux ouvriers qui les chantent de coordonner leurs efforts en fonction des rythmes des chansons. ^[48] ​​Ils sont fréquemment, mais pas invariablement, composés. Dans les forces armées américaines , une tradition orale vivante préserve les jody calls (« chants de Duckworth ») qui sont chantés pendant la marche des soldats. ^[49] Les marins professionnels ont fait un usage similaire d’un grand nombre de chants marins . ^{[50] [51]} La poésie d’amour , souvent de nature tragique ou regrettable, figure en bonne place dans de nombreuses traditions folkloriques. ^[52] vers non-sens Comptines et utilisés pour amuser ou calmer les enfants sont également des sujets fréquents de chansons traditionnelles. ^[53]

Transformations et variations de chansons folkloriques

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Musiciens traditionnels coréens

La musique transmise de bouche à oreille à travers une communauté, avec le temps, développe de nombreuses variantes, car ce type de transmission ne peut pas produire une exactitude mot à mot et note à note. En effet, de nombreux chanteurs traditionnels sont assez créatifs et modifient délibérément le matériel qu’ils apprennent.

Par exemple, les paroles de ” Je suis un homme que vous ne rencontrez pas tous les jours ” (Roud 975) sont connues d’une bordée de la Bodleian Library . ^[54] La date est presque certainement antérieure à 1900, et elle semble irlandaise. En 1958, la chanson est enregistrée au Canada (My Name is Pat and I’m Proud of That). La voyageuse écossaise Jeannie Robertson d’ Aberdeen , a réalisé la prochaine version enregistrée en 1961. Elle l’a modifiée pour faire référence à “Jock Stewart”, l’un de ses proches, et il n’y a aucune référence irlandaise. En 1976, l’artiste écossais Archie Fisher boucle a délibérément modifié la chanson pour supprimer la référence à un chien abattu. En 1985 Les Pogues la boucle en restituant toutes les références irlandaises. ^{[ recherche originale ? ]}

Parce que les variantes prolifèrent naturellement, il est naïf de croire qu’il existe une seule version « authentique » d’une ballade comme « Barbara Allen ». Les chercheurs de terrain en chant traditionnel (voir ci-dessous) ont rencontré d’innombrables versions de cette ballade à travers le monde anglophone, et ces versions diffèrent souvent considérablement les unes des autres. Personne ne peut prétendre de manière fiable être l’original, et il est possible que la version “originale” ait cessé d’être chantée il y a des siècles. De nombreuses versions peuvent revendiquer une égale prétention à l’authenticité.

L’influent folkloriste Cecil Sharp a estimé que ces variantes concurrentes d’une chanson traditionnelle subiraient un processus d’amélioration semblable à la sélection biologique naturelle : seules les nouvelles variantes les plus attrayantes pour les chanteurs ordinaires seraient reprises par d’autres et transmises dans le temps. Ainsi, avec le temps, nous nous attendrions à ce que chaque chanson traditionnelle devienne esthétiquement de plus en plus attrayante – elle serait composée collectivement à la perfection, pour ainsi dire, par la communauté.

L’intérêt littéraire pour la forme de ballade populaire remonte au moins à Thomas Percy et William Wordsworth . Les compositeurs anglais élisabéthains et Stuart avaient souvent fait évoluer leur musique à partir de thèmes folkloriques, la suite classique était basée sur des danses folkloriques stylisées, et Rimsky-Korsakov , Brahms , Liszt , de Falla , l’utilisation de mélodies folkloriques par Joseph Haydn est notée. Mais l’émergence du terme « folk » a coïncidé avec une « explosion du sentiment national dans toute l’Europe », particulièrement forte aux confins de l’Europe, là où l’identité nationale s’affirme le plus. Des compositeurs nationalistes ont émergé en Europe centrale, en Russie, en Scandinavie, en Espagne et en Grande-Bretagne : la musique de Dvořák , Smetana , Grieg, Wagner , Sibelius , Vaughan Williams , Bartók et bien d’autres se sont inspirés des mélodies folkloriques.

Formulaires régionaux

Musiciens traditionnels Naxi Les frères Steinegger, fifres traditionnels de Grundlsee , Styrie , 1880

Alors que la perte de la musique folklorique traditionnelle face à l’essor de la musique populaire est un phénomène mondial ^[55] , ce n’est pas un phénomène qui se produit à un rythme uniforme dans le monde entier. ^[56] Le processus est le plus avancé “là où l’industrialisation et la commercialisation de la culture sont les plus avancées” ^[57] mais se produit également plus progressivement, même dans des contextes de moindre progrès technologique. Cependant, la perte de la musique traditionnelle est ralentie dans les nations ou les régions où la musique folklorique traditionnelle est un signe d’identité culturelle ou nationale. ^{[ citation nécessaire ]}

Musique folklorique ancienne, travail de terrain et érudition

Une grande partie de ce que l’on sait de la musique folklorique avant le développement de la technologie d’enregistrement audio au XIXe siècle provient de travaux de terrain et d’écrits d’érudits, de collectionneurs et de promoteurs. ^[58]

L’Europe du XIXe siècle

À partir du XIXe siècle, des universitaires et des érudits amateurs, prenant acte de la disparition des traditions musicales, ont initié divers efforts pour préserver la musique du peuple. ^[59] Un de ces efforts a été la collecte par Francis James Child à la fin du 19e siècle des textes de plus de trois cents ballades dans les traditions anglaise et écossaise (appelées Child Ballads ), dont certaines sont antérieures au 16e siècle. ^[9]

Parallèlement à Child, la révérende Sabine Baring-Gould et plus tard Cecil Sharp ont travaillé pour préserver un grand nombre de chants, de musiques et de danses traditionnels ruraux anglais, sous l’égide de ce qui est devenu et reste l’ English Folk Dance and Song Society (EFDSS). ^[60] Sharp a fait campagne avec un certain succès pour que des chansons traditionnelles anglaises (dans ses propres versions fortement éditées et expurgées) soient enseignées aux écoliers dans l’espoir de raviver et de prolonger la popularité de ces chansons. ^{[61] [62]} Tout au long des années 1960 et du début au milieu des années 1970, le chercheur américain Bertrand Harris Bronsona publié une collection exhaustive en quatre volumes des variations alors connues des textes et des airs associés à ce qui est devenu connu sous le nom de Child Canon. ^[63][64]Il a également avancé des théories importantes concernant le fonctionnement de la tradition orale-aural.

Des activités similaires étaient également en cours dans d’autres pays. L’un des plus importants est peut-être le travail effectué à Riga par Krisjanis Barons , qui entre les années 1894 et 1915 a publié six volumes comprenant les textes de 217 996 chansons folkloriques lettones, les Latvju dainas . ^[65] En Norvège, le travail de collectionneurs tels que Ludvig Mathias Lindeman a été largement utilisé par Edvard Grieg dans ses Lyric Pieces pour piano et dans d’autres œuvres, qui sont devenues immensément populaires. ^[66]

À cette époque, les compositeurs de musique classique ont développé un vif intérêt pour la collecte de chansons traditionnelles, et un certain nombre de compositeurs ont mené leur propre travail de terrain sur la musique traditionnelle. Ceux-ci comprenaient Percy Grainger ^[67] et Ralph Vaughan Williams ^[68] en Angleterre et Béla Bartók ^[69] en Hongrie. Ces compositeurs, comme beaucoup de leurs prédécesseurs, ont à la fois fait des arrangements de chansons folkloriques et incorporé du matériel traditionnel dans des compositions classiques originales. ^{[70] [71]}

Amérique du Nord Lieux du sud et du centre des Appalaches visités par le folkloriste britannique Cecil Sharp en 1916 (bleu), 1917 (vert) et 1918 (rouge). Sharp recherchait des ballades anglaises et écossaises du «vieux monde» transmises aux habitants de la région par leurs ancêtres britanniques. Il a recueilli des centaines de ces ballades, les régions les plus productives étant les Blue Ridge Mountains de Caroline du Nord et les Cumberland Mountains du Kentucky.

L’avènement de la technologie d’ enregistrement audio a fourni aux folkloristes un outil révolutionnaire pour préserver les formes musicales en voie de disparition. ^[72] Les premiers spécialistes américains de la musique folklorique appartenaient à l’ American Folklore Society (AFS), qui a émergé à la fin des années 1800. ^[73] Leurs études se sont élargies pour inclure la musique amérindienne , mais ont toujours traité la musique folklorique comme un élément historique préservé également dans les sociétés isolées. ^[74] En Amérique du Nord, au cours des années 1930 et 1940, la Bibliothèque du Congrès a travaillé par l’intermédiaire des bureaux des collectionneurs de musique traditionnelle Robert Winslow Gordon , ^[75] Alan Lomax ^{[76] [77][78]} et d’autres pour capturer autant de matériel de terrain nord-américain que possible. ^[79] John Lomax (le père d’Alan Lomax) a été le premier érudit éminent à étudier la musique folklorique typiquement américaine comme celle des cow-boys et des Noirs du sud. Son premier ouvrage majeur publié fut en 1911, Cowboy Songs and Other Frontier Ballads . ^[80] et était sans doute le spécialiste américain de la musique folklorique le plus éminent de son temps, notamment au début du renouveau de la musique folklorique dans les années 1930 et au début des années 1940. Cecil Sharp a également travaillé en Amérique, enregistrant les chansons traditionnelles des Appalaches en 1916-1918 en collaboration avec Maud Karpeles et Olive Dame Campbell .et est considéré comme le premier grand spécialiste de la musique folk américaine. ^[81] Campbell et Sharp sont représentés sous d’autres noms par des acteurs dans le film moderne Songcatcher . ^[82]

Un thème fort parmi les érudits folkloriques des premières décennies du XXe siècle était le régionalisme , ^[83] l’analyse de la diversité de la musique folklorique (et des cultures apparentées) basée sur les régions des États-Unis plutôt que sur les racines historiques d’une chanson donnée. ^{[84] [85]} Plus tard, une dynamique de classe et de circonstances s’y est ajoutée. ^[86] Les régionalistes les plus éminents étaient des personnalités littéraires avec un intérêt particulier pour le folklore. ^{[87] [88]} Carl Sandburg a souvent voyagé aux États-Unis en tant qu’écrivain et poète. ^[89] Il a également recueilli des chansons au cours de ses voyages et, en 1927, les a publiées dans le livre The American Songbag .^[90]Rachel Donaldson, une historienne qui a travaillé pour Vanderbilt, l’a déclaré plus tard à propos de The American Songbird dans son analyse du renouveau de la musique folk. “Dans ses recueils de chansons folkloriques, Sandburg a ajouté une dynamique de classe aux compréhensions populaires de la musique folk américaine. C’était le dernier élément de la fondation sur laquelle les premiers revivalistes de la musique folk ont ​​construit leur propre vision de l’américanisme. Les Américains de la classe ouvrière de Sandburg se sont joints aux citoyens ethniquement , racialement et régionalement divers que d’autres universitaires, intellectuels publics et folkloristes ont célébré leurs propres définitions du folk américain, définitions que les revivalistes folk ont ​​utilisées pour construire leur propre compréhension de la musique folk américaine et une identité américaine globale ». ^[91]

Avant les années 1930, l’étude de la musique folklorique était principalement l’apanage des érudits et des collectionneurs. Les années 1930 ont vu le début de thèmes, de points communs, de thèmes et de liens à plus grande échelle dans la musique folklorique se développant également dans la population et les praticiens, souvent liés à la Grande Dépression . ^[92] Le régionalisme et le pluralisme culturel sont devenus des influences et des thèmes. Pendant ce temps, la musique folklorique a commencé à se mêler aux thèmes et mouvements d’activisme politique et social. ^[92] Deux développements liés étaient l’intérêt du Parti communiste américain pour la musique folk comme moyen d’atteindre et d’influencer les Américains, ^[93]et d’éminents musiciens folkloriques et universitaires politiquement actifs voyant le communisme comme un meilleur système possible, à travers le prisme de la Grande Dépression. ^[94] Woody Guthrie illustre les auteurs-compositeurs et les artistes avec une telle perspective. ^[95]

Les festivals de musique folklorique ont proliféré au cours des années 1930. ^[96] Le président Franklin Roosevelt était un fan de musique folklorique, organisait des concerts folkloriques à la Maison Blanche et fréquentait souvent des festivals folkloriques. ^[97] Un festival important était le Festival folklorique national de Sarah Gertrude Knott , établi à St. Louis, Missouri en 1934. ^[98] Sous le parrainage du Washington Post , le festival a eu lieu à Washington, DC au Constitution Hall à partir de 1937. à 1942. ^[99]Le mouvement de la musique folklorique, les festivals et l’effort de guerre étaient considérés comme des forces pour les biens sociaux tels que la démocratie, le pluralisme culturel et la suppression des barrières culturelles et raciales. ^[100]

Barbara Allen ( 2 : 40 ) 2:40 Barbara Allen , une ballade folklorique traditionnelle de langue anglaise, chantée par Hule “Queen” Hines de Floride à John Lomax en 1939

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Les revivalistes de la musique folk américaine des années 1930 ont abordé la musique folk de différentes manières. ^[101] Trois écoles primaires de pensée ont émergé : Les « traditionalistes » (par exemple Sarah Gertrude Knott et John Lomax ) ont souligné la préservation des chansons en tant qu’artefacts de cultures décédées. Les folkloristes “fonctionnels” (par exemple Botkin et Alan Lomax) ont soutenu que les chansons ne conservent leur pertinence que lorsqu’elles sont utilisées par les cultures qui conservent les traditions qui ont donné naissance à ces chansons. Les revivalistes folkloriques “de gauche” (par exemple Charles Seeger et Lawrence Gellert) ont souligné le rôle de la musique “dans les luttes” populaires “pour les droits sociaux et politiques”. ^[101] À la fin des années 1930, ceux-ci et d’autres avaient transformé la musique folklorique américaine en un mouvement social. ^[101]

Parfois, les musiciens folkloriques sont devenus des érudits et des défenseurs eux-mêmes. Par exemple, Jean Ritchie (1922-2015) était le plus jeune enfant d’une famille nombreuse de Viper, Kentucky, qui avait conservé de nombreuses anciennes chansons traditionnelles des Appalaches . ^[102] Ritchie, vivant à une époque où les Appalaches s’étaient ouvertes à l’influence extérieure, a fait des études universitaires et a finalement déménagé à New York, où elle a réalisé un certain nombre d’enregistrements classiques du répertoire familial et publié une importante compilation de ces chansons. . ^[103]

En janvier 2012, l’ American Folklife Center de la Bibliothèque du Congrès , avec l’Association pour l’équité culturelle, a annoncé qu’il publierait les vastes archives de Lomax de 1946 et les enregistrements ultérieurs sous forme numérique. Lomax a passé les 20 dernières années de sa vie à travailler sur un projet informatique éducatif multimédia interactif qu’il a appelé le Global Jukebox , qui comprenait 5 000 heures d’enregistrements sonores, 400 000 pieds de film, 3 000 bandes vidéo et 5 000 photographies. ^[104] En mars 2012, cela a été accompli. Environ 17 400 enregistrements de Lomax de 1946 et plus tard ont été mis gratuitement à disposition en ligne. ^{[105] [106]}Ce matériel des archives indépendantes d’Alan Lomax, commencé en 1946, qui a été numérisé et offert par l’Association pour l’équité culturelle, est « distinct des milliers d’enregistrements antérieurs sur disques d’acétate et d’aluminium qu’il a réalisés de 1933 à 1942 sous les auspices de la Bibliothèque du Congrès. Cette collection antérieure – qui comprend les célèbres sessions Jelly Roll Morton, Woody Guthrie, Lead Belly et Muddy Waters, ainsi que les prodigieuses collections de Lomax réalisées en Haïti et dans l’est du Kentucky (1937) – est la provenance de l’American Folklife Center” ^[105] à la bibliothèque du Congrès.

Formulaires nationaux et régionaux

Afrique Le lamellophone africain , piano à pouce ou mbira

L’Afrique est un vaste continent ^[107] et ses régions et nations ont des traditions musicales distinctes. ^{[108] [109]} La musique de l’Afrique du Nord a pour la plupart une histoire différente des traditions musicales de l’Afrique subsaharienne . ^[110]

Les formes de musique et de danse de la diaspora africaine , y compris la musique afro – américaine et de nombreux genres caribéens comme la soca , le calypso et le zouk ; et des genres musicaux latino-américains comme la samba , la rumba cubaine , la salsa ; et d’autres genres basés sur les claves (rythmes) , ont été fondés à des degrés divers sur la musique des esclaves africains , qui a à son tour influencé la musique populaire africaine . ^{[111] [112]}

Asie Paban Das Baul , chanteur baul au concert Nine Lives, 2009

De nombreuses civilisations asiatiques font la distinction entre les styles artistiques / de cour / classiques et la musique “folk”. ^{[113] [114]} Par exemple, feu Alam Lohar est un exemple de chanteur sud-asiatique classé comme chanteur folk. ^[115]

Khunung Eshei / Khuland Eshei est une ancienne chanson folklorique de l’Inde, un pays d’Asie, de Meiteis de Manipur , qui est un exemple de musique folklorique asiatique et de la façon dont ils l’ont mise dans son propre genre. ^[116]

Musique folklorique de Chine

Les découvertes archéologiques datent la musique folklorique chinoise de 7 000 ans ; ^[117] il est largement basé sur la gamme pentatonique . ^[118]

Les mariages et funérailles traditionnels Han comprennent généralement une forme de hautbois appelée suona , ^[119] et des ensembles apercussifs appelés chuigushou . ^[120] Les ensembles composés d’ orgues à bouche ( sheng ), de shawms ( suona ), de flûtes ( dizi ) et d’instruments à percussion (en particulier les gongs yunluo ) sont populaires dans les villages du nord ; ^[121] leur musique est issue de la musique des temples impériaux de Pékin, Xi’an , Wutai shan et Tianjin . musique de tambour, composée d’instruments à vent et à percussion,Xi’an^[122] est populaire autour de Xi’an et a reçu une certaine popularité commerciale en dehors de la Chine. ^[123] Un autre instrument important est le sheng , un type de pipe chinoise, un instrument ancien qui est l’ancêtre de tous les instruments à anche libre occidentaux , comme l’ accordéon . ^[124] Les défilés dirigés par des fanfares de type occidental sont courants, rivalisant souvent en volume avec un groupe de shawm/chuigushou.

Dans le sud du Fujian et à Taïwan , Nanyin ou Nanguan est un genre de ballades traditionnelles. ^[125] Ils sont chantés par une femme accompagnée d’un xiao et d’un pipa , ainsi que d’autres instruments traditionnels. ^[126] La musique est généralement douloureuse et traite généralement de personnes amoureuses. ^{[127] [128]} Plus au sud, à Shantou , Hakka et Chaozhou , les ensembles zheng sont populaires. ^[129] Sizhules ensembles utilisent des flûtes et des instruments à cordes frottées ou pincées pour créer une musique harmonieuse et mélodieuse qui est devenue populaire en Occident parmi certains auditeurs. ^[130] Ceux-ci sont populaires à Nanjing et Hangzhou , ainsi qu’ailleurs le long de la région sud du Yangtze . ^[131] Jiangnan Sizhu (musique de soie et de bambou de Jiangnan ) est un style de musique instrumentale, souvent joué par des musiciens amateurs dans des maisons de thé à Shanghai. ^[132] La musique de Guangdong ou musique cantonaise est une musique instrumentale de Guangzhou et des régions avoisinantes. ^[133] La musique de cette région a influencé Musique Yueju (opéra cantonais), ^[134] qui deviendrait plus tard populaire pendant « l’âge d’or » autoproclamé de la Chine sous la RPC . ^[135]

Musique folklorique traditionnelle du Sri Lanka

L’art, la musique et les danses du Sri Lanka dérivent des éléments de la nature et ont été appréciés et développés dans l’ environnement bouddhiste . ^[136] La musique est de plusieurs types et n’utilise que quelques types d’instruments. ^[137] Les chansons folkloriques et les poèmes ont été utilisés dans les rassemblements sociaux pour travailler ensemble. La musique classique aux influences indiennes est devenue unique. ^{[138] [139] [140] [141]} Le drame traditionnel, la musique et les chansons de Sinhala Light Music sont typiquement sri-lankais. ^[142] Les peintures et sculptures du temple utilisaient des oiseaux, des éléphants, des animaux sauvages, des fleurs et des arbres, et les 18 danses traditionnelles affichent la danse des oiseaux et des animaux.^[143]Par example:

• Mayura Wannama – La danse du paon ^{[144] [145]}
• Hanuma Wannama – La danse du singe ^[146]
• Gajaga Wannama – La danse de l’éléphant

Les types musicaux incluent:

• La musique dramatique locale comprend les types Kolam ^[147] et Nadagam. ^[148] La musique de Kolam est basée sur des airs country bas principalement pour accompagner la danse des masques dans les rituels d’ exorcisme . ^{[149] [150]} Il est considéré comme moins développé/évolué, fidèle à la tradition folklorique et à la préservation d’une forme d’art plus ancienne. ^[151] Il est limité à environ 3 à 4 notes et est utilisé par les gens ordinaires pour le plaisir et le divertissement. ^[152]
• La musique Nadagam est une forme de drame plus développée influencée par le drame de rue du sud de l’Inde qui a été introduite par certains artistes du sud de l’Inde. Phillippu Singho de Negombo en 1824 a interprété “Harishchandra Nadagama” en Hnguranketha qui a été écrit à l’origine en langue Telingu . Plus tard “Maname”, ^[153] “Sanda kinduru” ^[154] et quelques autres ont été introduits. Don Bastian de Dehiwala a d’abord présenté Noorthy en examinant des drames indiens, puis John de Silva l’a développé, tout comme Ramayanaya en 1886. ^[155]
• La musique légère cinghalaise est actuellement le type de musique le plus populaire au Sri Lanka et s’enrichit de l’influence de la musique folklorique, de la musique kolam, de la musique nadagam, de la musique noorthy, de la musique de film , de la musique classique, de la musique occidentale et autres. ^[156] Certains artistes ont visité l’Inde pour apprendre la musique et ont ensuite commencé à introduire de la musique légère. Ananda Samarakone en fut le pionnier ^{[157] [158]} et composa également l’hymne national. ^[159]

L’orchestre classique cinghalais se compose de cinq catégories d’instruments, mais parmi les instruments à percussion, le tambour est indispensable à la danse. ^[160] Le battement vibrant du rythme des tambours forme la base de la danse. ^[161] Les pieds des danseurs rebondissent sur le sol et ils sautent et tourbillonnent dans des motifs qui reflètent les rythmes complexes du rythme du tambour. Ce rythme de batterie peut sembler simple à la première écoute, mais il faut beaucoup de temps pour maîtriser les rythmes et les variations complexes, que le batteur peut parfois amener à un crescendo d’intensité. Il existe six types courants de tambours appartenant à 3 styles (à une face, à deux faces et à face plate): ^{[162] [163]}

• La danse cinghalaise typique est identifiée comme la danse de Kandyan et le tambour Gatabera est indispensable à cette danse. ^[164]
• Yak-bera est le tambour démon ou le tambour utilisé dans la danse country basse dans laquelle les danseurs portent des masques et exécutent la danse du diable, qui est devenue une forme d’art très développée. ^[165]
• Le Daula est un tambour en forme de tonneau, et il a été utilisé comme un tambour compagnon avec un Thammattama dans le passé, pour garder un rythme strict avec le rythme. ^[166]
• Le Thammattama est un tambour plat à deux faces. Le batteur frappe le tambour sur les deux surfaces du dessus avec des baguettes, contrairement aux autres où l’on tambourine sur les côtés. Il s’agit d’un tambour compagnon du Dawula susmentionné. ^[167]
• Un petit tambour à main à deux têtes, utilisé pour accompagner les chansons. On l’entend surtout dans les danses poétiques comme le vannam. ^{[ clarification nécessaire ]}
• Le Rabana est un tambour circulaire à face plate et se décline en plusieurs tailles. ^[168] Le grand Rabana – appelé Banku Rabana – doit être placé sur le sol comme une table circulaire à pieds courts et plusieurs personnes (surtout les femmes) peuvent s’asseoir autour et frapper dessus des deux mains. ^[169] Ceci est utilisé dans les festivals tels que le Nouvel An cinghalais et les cérémonies telles que les mariages. ^[170] Le rythme retentissant de la Rabana symbolise les humeurs joyeuses de l’occasion. Le petit Rabana est une forme de battement de tambour mobile puisque le joueur le porte partout où il va. ^[171]

D’autres instruments comprennent:

• Le Thalampata – 2 petites cymbales reliées par une corde. ^[172]
• La section des vents est dominée par un instrument apparenté à la clarinette. ^{[ clarification nécessaire ]} Ceci n’est normalement pas utilisé pour les danses. Ceci est important à noter car la danse cinghalaise n’est pas mise en musique comme le monde occidental le connaît; le rythme est roi.
• Les flûtes de métal telles que l’argent et le laiton produisent une musique aiguë pour accompagner les danses de Kandyan, tandis que les accents plaintifs de la musique de la flûte de roseau peuvent percer l’air dans la danse du diable. La conque ( Hakgediya ) est une autre forme d’instrument naturel, et le joueur y souffle pour annoncer l’ouverture de cérémonies de grandeur. ^[173]
• Le Ravanahatha (ravanhatta, rawanhattha, ravanastron ou ravana hasta veena) est un violon à archet qui était autrefois populaire dans l’ouest de l’Inde. ^{[174] [175]} On pense qu’il est originaire de la civilisation Hela du Sri Lanka à l’époque du roi Ravana. ^[176] Le bol est fait de coque de noix de coco coupée, dont l’embouchure est recouverte de peau de chèvre. Un dandi, en bambou, est attaché à cette coquille. ^[176] Les cordes principales sont au nombre de deux : l’une en acier et l’autre en crin. Le long arc a des grelots ^{[177] [178]}

Australie

Les traditions de la chanson folklorique ont été transportées en Australie par les premiers colons d’Angleterre, d’Écosse et d’Irlande et ont pris pied en particulier dans l’ arrière -pays rural . ^{[179] [180]} Les chansons, poèmes et contes rimés écrits sous forme de ballades de brousse se rapportent souvent à l’esprit itinérant et rebelle de l’Australie dans The Bush , et les auteurs et interprètes sont souvent appelés bardes de brousse. ^[181] Le XIXe siècle est l’âge d’or des ballades de brousse. ^[182] Plusieurs collectionneurs ont catalogué les chansons dont John Meredith dont l’enregistrement dans les années 1950 est devenu la base de la collection dans le ^[181] Bibliothèque nationale d’Australie .

Les chansons racontent des histoires personnelles de la vie dans le vaste pays ouvert d’Australie. ^{[183] ​​[184]} Les sujets typiques incluent l’exploitation minière, l’élevage et la conduite du bétail, la tonte des moutons , les errances, les histoires de guerre, la grève des tondeurs australiens de 1891 , les conflits de classe entre la classe ouvrière sans terre et les squatters (propriétaires fonciers) et des hors-la-loi tels que Ned Kelly , ainsi que des intérêts amoureux et des plats plus modernes comme le camionnage . ^[185] La ballade de brousse la plus célèbre est ” Waltzing Matilda “, qui a été appelée ” l’hymne national non officiel de l’Australie “. ^[186]

La musique australienne indigène comprend la musique des Australiens aborigènes et des insulaires du détroit de Torres , qui sont collectivement appelés Australiens indigènes ; ^[187] il incorpore une variété de styles de musique traditionnels distinctifs pratiqués par les peuples indigènes australiens, ainsi qu’une gamme de styles musicaux contemporains et de fusion avec les traditions européennes interprétées et interprétées par des artistes indigènes australiens. ^[188] La musique a fait partie intégrante des observances sociales , culturelles et cérémonielles de ces peuples, à travers les millénaires de leurs histoires individuelles et collectives jusqu’à nos jours.^{[189] [190]} Les formes traditionnelles comprennent de nombreux aspects de la performance et des instruments de musique uniques à des régions particulières ou à des groupes australiens indigènes . ^[191] Des éléments égaux de la tradition musicale sont communs à travers une grande partie du continent australien, et même au-delà. ^[192] La culture des insulaires du détroit de Torres est liée à celle des parties adjacentes de la Nouvelle-Guinée et leur musique est donc également liée. La musique est un élément essentiel du maintien culturel des Australiens autochtones. ^[193]

L’Europe  Battlefield Band se produisant à Fribourg en 2012 Musique traditionnelle celtique

La musique celtique est un terme utilisé par les artistes, les maisons de disques, les magasins de musique et les magazines de musique pour décrire un large groupe de genres musicaux issus des traditions musicales folkloriques des peuples celtiques . ^[194] Ces traditions comprennent les traditions irlandaise , écossaise , mannoise , cornique , galloise et bretonne . ^[195] La musique asturienne et galicienne est souvent incluse, bien qu’il n’y ait aucune recherche significative montrant que cela a une relation musicale étroite. ^{[196] [197]} BretagneLe renouveau du Folk a commencé dans les années 1950 avec les “bagadoù” et les “kan-ha-diskan” avant de connaître une renommée mondiale grâce au travail d’ Alan Stivell depuis le milieu des années 1960. ^[198]

En Irlande, The Clancy Brothers et Tommy Makem (bien que ses membres soient tous nés en Irlande, le groupe est devenu célèbre alors qu’il était basé à Greenwich Village à New York ^[199] ), The Dubliners , ^[200] Clannad , ^[201] Planxty , ^{[202 ]} The Chieftains , ^{[203] [204]} The Pogues , ^[205] The Corrs , ^[206] The Irish Rovers , ^[207] et une variété d’autres groupes folk ont ​​fait beaucoup au cours des dernières décennies pour revitaliser et repopulariser Musique traditionnelle irlandaise . ^[208]Ces groupes étaient enracinés, dans une plus ou moins grande mesure, dans une tradition de la musique irlandaise et bénéficiaient des efforts d’artistes tels que Seamus Ennis et Peter Kennedy . ^[198]

En Écosse , The Corries , ^[209] Silly Wizard , ^{[210] [211]} Grand tétras , ^[212] Runrig , ^[213] Jackie Leven , ^[214] Julie Fowlis , ^[215] Karine Polwart , ^[216] Alasdair Roberts , ^{[ 217] [218]} Dick Gaughan , ^[219] Wolfstone , ^[220] Boys of the Lough , ^[221] et The Silencers ^[222]ont gardé le folk écossais dynamique et frais en mélangeant des chansons folkloriques écossaises et gaéliques traditionnelles avec des genres plus contemporains. ^[223] Ces artistes ont également connu un succès commercial en Europe continentale et en Amérique du Nord. ^[224] Il y a une richesse émergente de talents dans la scène musicale traditionnelle écossaise, avec des groupes tels que Mànran , ^[225] Skipinnish , ^[226] Barluath ^[227] et Breabach ^[228] et des artistes solos tels que Patsy Reid, ^{[229 ]} Robyn Stapleton ^[230] et Mischa MacPherson ^[231] ont remporté beaucoup de succès ces dernières années.^[232]

Europe centrale et orientale

Pendant l’ère communiste, la danse folklorique nationale du bloc de l’Est était activement promue par l’État. ^[233] Des troupes de danse de Russie et de Pologne ont visité l’Europe non communiste d’environ 1937 à 1990. ^[234] Le Chœur de l’Armée rouge a enregistré de nombreux albums, devenant le groupe militaire le plus populaire. ^[235] L’Europe de l’Est est aussi à l’origine de la tradition juive klezmer . ^[236]

2:04 Ľubomír Párička jouant de la cornemuse, Slovaquie

La polka est une danse d’Europe centrale et aussi un genre de musique de danse familier dans toute l’Europe et les Amériques. Il trouve son origine au milieu du XIXe siècle en Bohême . ^[237] La ​​polka est toujours un genre populaire de musique folklorique dans de nombreux pays européens et est interprétée par des artistes folkloriques en Pologne , en Lettonie , en Lituanie , en République tchèque , aux Pays- Bas , en Croatie , en Slovénie , en Allemagne , en Hongrie , en Autriche , en Suisse et en Italie ., Ukraine , Biélorussie , Russie et Slovaquie . ^[238] Des variétés locales de cette danse se trouvent également dans les pays nordiques , au Royaume-Uni , en République d’Irlande , en Amérique latine (en particulier au Mexique ) et aux États-Unis .

Les Volkslieder allemands perpétués par des manuscrits Liederhandschriften comme Carmina Burana ^[239] remontent aux traditions médiévales du Minnesang et des Meistersinger . ^[240] Ces chansons folkloriques ravivées à la fin du 18e siècle par le romantisme allemand , ^[241] d’abord promues par Johann Gottfried Herder ^{[242] [243]} et d’autres partisans des Lumières , ^[244] plus tard compilées par Achim von Arnim ^{[245 ]} et Clemens Brentano ( Des Knaben Wunderhorn )^[246] ainsi que par Ludwig Uhland . ^[247]

Le genre Volksmusik et danses folkloriques , en particulier dans les régions alpines de Bavière , d’ Autriche , de Suisse ( Kuhreihen ) et du Tyrol du Sud , s’est jusqu’à aujourd’hui attardé dans les communautés rustiques sur fond d’industrialisation ^[248] — Chansons bas allemandes ou Wienerlied ^{[249 ]} ( Schrammelmusik ) étant des exceptions notables. Musique folklorique slovène en Haute-Carniole et en Styrie est également issue des traditions alpines, comme le prolifique Lojze Slak Ensemble.^[250] La Volksmusik traditionnellene doit pas être confondue avec la Volkstümliche Musik commerciale , qui en est une dérivation. ^[251]

Le groupe hongrois Muzsikás a joué de nombreuses tournées américaines ^[252] et a participé au film hollywoodien The English Patient ^[253] tandis que la chanteuse Márta Sebestyén a travaillé avec le groupe Deep Forest . ^[254] Le mouvement hongrois táncház , lancé dans les années 1970, implique une forte coopération entre des experts en musicologie et des amateurs enthousiastes. ^[255] Cependant, la musique folklorique traditionnelle hongroise et la culture folklorique ont à peine survécu dans certaines zones rurales de la Hongrie, et elles ont également commencé à disparaître parmi les Hongrois de Transylvanie .. Le mouvement táncház a ravivé des traditions folkloriques plus larges de musique, de danse et de costumes ensemble et a créé un nouveau type de club de musique. ^[256] Le mouvement s’est étendu aux communautés ethniques hongroises ailleurs dans le monde. ^[256]

Musique balkanique Le mystère des voix bulgares

La musique folklorique des Balkans a été influencée par le mélange des groupes ethniques balkaniques à l’époque de l’Empire ottoman . ^[257] Il comprend la musique de la Bosnie-Herzégovine , de la Bulgarie , de la Croatie , de la Grèce , du Monténégro , de la Serbie , de la Roumanie , de la République de Macédoine , de l’Albanie , de certains des États historiques de Yougoslavie ou de l’ Union d’États de Serbie-et-Monténégro et de régions géographiques telles que Thrace . ^[258] Certaines musiques se caractérisent par un rythme complexe. ^[259]

Un acte notable est Le mystère des voix bulgares , qui a remporté un Grammy Award en 1989. ^{[260] [261]}

Une partie importante de toute la musique folklorique des Balkans est la musique de la minorité ethnique rom locale , qui s’appelle Tallava et la musique de fanfare . ^{[262] [263]}

Musique folklorique nordique Ensemble folklorique masculin letton Vilki, se produisant au festival de l’ artisanat et de la guerre baltes Apuolė 854 à Apuolė , août 2009

La musique folklorique nordique comprend un certain nombre de traditions dans les pays d’Europe du Nord, en particulier scandinaves. Les pays nordiques comprennent généralement l’ Islande , la Norvège , la Finlande , la Suède, le Danemark et le Groenland . ^[264] Parfois, il est considéré comme incluant les pays baltes d’ Estonie , de Lettonie et de Lituanie . ^[265]

Maria Gasolina se produisant au Festival Faces 2008 à Raseborg , Finlande

Les nombreuses régions des pays nordiques partagent certaines traditions, dont beaucoup ont considérablement divergé, comme le Psalmodicon du Danemark, de la Suède et de la Norvège. ^[266] Il est possible de regrouper les États baltes (ou, parfois, uniquement l’Estonie) et des parties du nord-ouest de la Russie comme partageant des similitudes culturelles, ^[267] bien que la relation se soit refroidie ces dernières années. ^[268] Contraste avec la Norvège, la Suède, le Danemark et les îles de l’Atlantique, l’Islande et les îles Féroé, qui ne partagent pratiquement aucune similitude de ce genre. La culture inuite du Groenland a ses propres traditions musicales uniques.^[269]La Finlande partage de nombreuses similitudes culturelles avec les nations baltes et les nations scandinaves. Les Samis de Suède, de Norvège, de Finlande et de Russie ont leur propre culture unique, liée aux cultures voisines. ^[270]

La musique folklorique suédoise est un genre de musique basé en grande partie sur un travail de collecte folklorique qui a commencé au début du XIXe siècle en Suède. ^[271] L’instrument principal de la musique folklorique suédoise est le violon . ^[272] Un autre instrument commun , unique aux traditions suédoises, est le nyckelharpa . ^[273] La plupart de la musique folklorique instrumentale suédoise est de la musique de danse ; la forme de musique et de danse emblématique de la musique folklorique suédoise est la polska . ^[274] Les traditions vocales et instrumentales en Suède ont tendance à partager airshistoriquement, bien qu’ils aient été exécutés séparément. ^[275] À partir du Renaissance de la musique folklorique des années 1970, chanteurs et instrumentistes ont également commencé à se produire ensemble dans des ensembles de musique folklorique .

Amérique latine et du Sud

La musique folklorique des Amériques consiste en la rencontre et l’union de trois principaux types musicaux : la musique traditionnelle européenne, la musique traditionnelle des indigènes américains et la musique tribale africaine arrivée avec des esclaves de ce continent.

Le cas particulier des musiques latines et sud-américaines désigne la musique andine ^[276] parmi d’autres styles musicaux indigènes (tels que les Caraïbes ^[277] et la pampéenne), la musique ibérique d’ Espagne et du Portugal , et plus généralement la musique tribale africaine , dont les trois fusionnés évoluant dans des formes musicales différenciées en Amérique centrale et du Sud.

La musique andine vient de la région des Quechuas , des Aymaras et d’autres peuples qui habitent la zone générale de l’ empire inca avant le contact européen. ^[278] Il comprend la musique folklorique de certaines parties de la Bolivie , de l’Équateur , ^[279] du Chili, de la Colombie , du Pérou et du Venezuela . La musique andine est populaire à des degrés divers à travers l’Amérique latine, ayant son public de base dans les zones rurales et parmi les populations autochtones. Le mouvement Nueva Canción des années 1970 a relancé le genre à travers l’Amérique latine et l’a amené dans des endroits où il était inconnu ou oublié.

Nueva canción (en espagnol pour « nouvelle chanson ») est un mouvement et un genre au sein de la musique folklorique latino-américaine et ibérique , de la musique d’inspiration folklorique et de la musique socialement engagée. À certains égards, son développement et son rôle ressemblent au deuxième renouveau de la musique folklorique en Amérique du Nord. Cela inclut l’évolution de ce nouveau genre à partir de la musique folklorique traditionnelle, essentiellement de la musique folklorique contemporaine, sauf que ce terme de genre anglais ne lui est généralement pas appliqué. Nueva cancion est reconnue pour avoir joué un rôle important dans les bouleversements sociaux au Portugal, en Espagne et en Amérique latine au cours des années 1970 et 1980.

Nueva cancion est apparue pour la première fois dans les années 1960 sous le nom de “The Chilean New Song” au Chili. Le style musical est apparu peu de temps après en Espagne et dans les régions d’Amérique latine où il est devenu connu sous des noms similaires. Nueva canción a renouvelé la musique folklorique traditionnelle latino-américaine et, avec ses paroles politiques, elle a rapidement été associée à des mouvements révolutionnaires, la nouvelle gauche latino-américaine , la théologie de la libération , les mouvements hippies et des droits de l’homme. Il gagnerait une grande popularité dans toute l’Amérique latine, et il est considéré comme un précurseur du Rock en español .

Cueca est une famille de styles musicaux et de danses associées du Chili, de Bolivie et du Pérou .

Trova and Son sont des styles de musique cubaine traditionnelle originaires de la province d’Oriente qui incluent des influences de la chanson et de la danse espagnoles, telles que le boléro et la contredanza ainsi que des éléments de rythme et de percussion afro-cubains .

Moda de viola est le nom donné à la musique folklorique brésilienne. Il est souvent joué avec une guitare acoustique en nylon à 6 cordes, mais l’instrument le plus traditionnel est l’ alto caipira . Les chansons détaillaient essentiellement les difficultés de la vie de ceux qui travaillent dans le pays. Les thèmes sont généralement associés à la terre, aux animaux, au folklore, à l’amour impossible et à la séparation. Bien qu’il y ait quelques chansons optimistes, la plupart d’entre elles sont nostalgiques et mélancoliques.

Amérique du Nord Canada Bûcherons canadiens-français jouant du violon, avec des baguettes en guise de percussion, dans un camp de bûcherons en 1943.

La musique folklorique traditionnelle du Canada est particulièrement diversifiée. ^[280] Même avant de libéraliser ses lois sur l’immigration dans les années 1960, le Canada était ethniquement diversifié avec des dizaines de différents groupes autochtones et européens présents. En matière de musique, les universitaires ne parlent pas de tradition canadienne, mais plutôt de traditions ethniques ( musique acadienne , musique irlando-canadienne , musique pied -noir , musique innue , musique inuite , violon métis , etc.) et plus tard dans les traditions régionales de l’est du Canada ( musique de Terre-Neuve , violon du Cap-Breton , musique québécoise , etc.)

La musique folklorique traditionnelle d’origine européenne est présente au Canada depuis l’arrivée des premiers colons français et britanniques aux 16e et 17e siècles. , l’Île-du-Prince-Édouard et la vallée du fleuve Saint-Laurent au Québec.

La traite des fourrures et ses voyageurs l’ont amené plus au nord et à l’ouest du Canada; plus tard, les opérations d’exploitation forestière et les bûcherons ont poursuivi ce processus.

La colonisation agraire dans l’est et le sud de l’Ontario et l’ouest du Québec au début du 19e siècle a créé un milieu favorable à la survie de nombreuses chansons folkloriques et ballades anglo-canadiennes de Grande-Bretagne et des États-Unis. Malgré une industrialisation massive, les traditions de la musique folklorique ont persisté dans de nombreux domaines jusqu’à aujourd’hui. Dans le nord de l’Ontario, une importante population franco-ontarienne fait vivre la musique folklorique d’origine française.

Les communautés acadiennes populeuses des provinces de l’Atlantique ont apporté leurs variantes de chansons à l’immense corpus de musique folklorique d’origine française centré dans la province de Québec. Une riche source de musique folklorique anglo-canadienne se trouve dans la région de l’Atlantique, en particulier à Terre-Neuve. Compléter cette mosaïque du folklore musical est la musique gaélique des colonies écossaises, en particulier au Cap-Breton, et les centaines de chansons irlandaises dont la présence dans l’est du Canada remonte à la famine irlandaise des années 1840, qui a forcé les grandes migrations d’Irlandais vers l’Amérique du Nord. ^[280]

« La connaissance de l’ histoire du Canada », écrivait Isabelle Mills en 1974, « est essentielle pour comprendre la mosaïque de la chanson folklorique canadienne. Une partie de cette mosaïque est fournie par les chansons folkloriques du Canada apportées par les colons européens et anglo-saxons au nouveau terre.” ^[12] Elle décrit comment la colonie française de Québec a amené des immigrants français, suivis peu de temps après par des vagues d’immigrants de Grande-Bretagne, d’Allemagne et d’autres pays européens, apportant tous de la musique de leur pays d’origine, dont certaines survivent jusqu’à nos jours. L’ethnographe et folkloriste Marius Barbeau estime que plus de dix mille chansons folkloriques françaises et leurs variantes ont été recueillies au Canada. Beaucoup des plus anciens s’étaient alors éteints en France.

La musique en tant que divertissement payant professionnalisé a connu une croissance relativement lente au Canada, en particulier dans les régions rurales éloignées, au cours du 19e et du début du 20e siècle. Alors que dans les clubs de musique urbains la variété dance hall / vaudeville devenait populaire, suivie du jazz, le Canada rural restait surtout une terre de musique traditionnelle. Pourtant, lorsque les réseaux de radio américains ont commencé à émettre au Canada dans les années 1920 et 1930, l’auditoire de la musique traditionnelle canadienne a progressivement diminué au profit de la musique country américaine de style Nashville et de styles urbains comme le jazz. L’ américanisation de la musique canadienne a conduit la Canadian Radio League à faire pression pour un radiodiffuseur public national dans les années 1930, menant éventuellement à la création de la Société Radio-Canada(SRC) en 1936. La SRC a fait la promotion de la musique canadienne, y compris la musique traditionnelle, sur ses services de radio et de télévision, mais l’ engouement du milieu du siècle pour tout ce qui est « moderne » a entraîné le déclin de la musique folklorique par rapport au rock et à la pop. Le Canada a toutefois été influencé par le renouveau de la musique folklorique des années 1960, lorsque des lieux locaux tels que le Montreal Folk Workshop et d’autres clubs folkloriques et cafés à travers le pays sont devenus des creusets pour les auteurs-compositeurs et interprètes émergents ainsi que pour les échanges avec des artistes venus de chez nous. à l’étranger.

États-Unis

La musique traditionnelle américaine est aussi appelée musique roots. La musique Roots est une vaste catégorie de musique comprenant le bluegrass , la musique country , le gospel , la musique ancienne , les jug bands , le folk des Appalaches , le blues , la musique cajun et amérindienne . La musique est considérée comme américaine soit parce qu’elle est originaire des États-Unis, soit parce qu’elle s’y est développée, à partir d’origines étrangères, à un degré tel qu’elle a frappé les musicologues comme quelque chose de résolument nouveau. Elle est considérée comme de la “musique roots” car elle a servi de base à la musique développée plus tard aux États-Unis, notamment le rock and roll, musique folk contemporaine, rhythm and blues et jazz . Certains de ces genres sont considérés comme de la musique folklorique traditionnelle.

• La musique cajun , musique emblématique de la Louisiane , prend ses racines dans les ballades des Acadiens francophones du Canada. La musique cajun est souvent mentionnée en tandem avec la forme zydeco basée sur le créole et influencée par le cajun , toutes deux d’ origine acadienne . Ces sons de la Louisiane française ont influencé la musique populaire américaine pendant de nombreuses décennies, en particulier la musique country , et ont influencé la culture pop à travers les médias de masse, tels que les publicités télévisées.
• La musique des Appalaches est la musique traditionnelle de la région des Appalaches dans l’est des États-Unis. Il dérive de diverses influences européennes et africaines, notamment les ballades anglaises , la musique traditionnelle irlandaise et écossaise (en particulier la musique de violon ), les hymnes et le blues afro-américain . Enregistrés pour la première fois dans les années 1920, les musiciens des Appalaches ont eu une influence clé sur le développement précoce de la musique ancienne , de la musique country et du bluegrass , et ont joué un rôle important dans le renouveau de la musique folk américaine . Les instruments généralement utilisés pour interpréter la musique des Appalaches comprennent le banjo , le violon américain, dulcimer fretté et guitare. ^[281] Les premiers musiciens enregistrés des Appalaches incluent Fiddlin’ John Carson , Henry Whitter , Bascom Lamar Lunsford , la famille Carter , Clarence Ashley , Frank Proffitt et Dock Boggs , qui ont tous été initialement enregistrés dans les années 1920 et 1930. Plusieurs musiciens des Appalaches ont acquis une renommée lors du renouveau folk des années 1950 et 1960, dont Jean Ritchie , Roscoe Holcomb , Ola Belle Reed , Lily May Ledford et Doc Watson . . Artistes country et bluegrass tels que Loretta Lynn, Roy Acuff , Dolly Parton , Earl Scruggs , Chet Atkins et Don Reno ont été fortement influencés par la musique traditionnelle des Appalaches. ^[281] Des artistes tels que Bob Dylan , Dave Van Ronk , Jerry Garcia et Bruce Springsteen ont interprété des chansons des Appalaches ou des versions réécrites de chansons des Appalaches.
• The Carter Family was a traditional American folk music group that recorded between 1927 and 1956. Their music had a profound impact on bluegrass, country, Southern gospel, pop and rock musicians. They were the first vocal group to become country music stars; a beginning of the divergence of country music from traditional folk music. Their recordings of such songs as “Wabash Cannonball” (1932), “Will the Circle Be Unbroken” (1935), “Wildwood Flower” (1928), and “Keep On the Sunny Side” (1928) made them country standards.^[282]
• Oklahoma et plaines du sud des États-Unis : avant l’histoire enregistrée, les Indiens d’Amérique de cette région utilisaient des chansons et des instruments ; la musique et la danse restent au cœur des activités cérémonielles et sociales. ^[283] ” Stomp dance ” reste à la base, une forme d’appel et de réponse ; l’instrumentation est assurée par des hochets ou des fers portés aux jambes des femmes. ^[283] “D’autres nations du sud-est ont leurs propres complexes de chants sacrés et sociaux, y compris ceux des danses d’ animaux et des danses de l’amitié, et des chants qui accompagnent les jeux de stickball . Au cœur de la musique du sud . Au cœur de la musique des Indiens des Plainesest le tambour, qui a été appelé le rythme cardiaque de la musique des Indiens des Plaines. La plupart de ce genre remonte aux activités de chasse et de guerre, sur lesquelles la culture des plaines était basée.” ^[283] Le tambour est au cœur de la musique des Indiens des plaines du sud. Pendant la période de réservation, ils ont utilisé la musique pour soulager l’ennui. Les voisins se rassemblaient, échangeaient et créaient des chants et des danses ; cela fait partie des racines du pow- wow intertribal moderne . Un autre instrument commun est la flûte courtisane . ^[283]
• La musique folklorique afro-américaine de la région a ses racines dans l’esclavage et l’émancipation. La musique sacrée — a capella et accompagnée instrumentalement — est au cœur de la tradition. Les premiers spirituels ont encadré les croyances chrétiennes dans les pratiques indigènes et ont été fortement influencés par la musique et les rythmes de l’Afrique. ” ^[283] Les spirituels sont importants et utilisent souvent un modèle d’appel et de réponse . ^[ 283 ] 1865). Il s’est appuyé sur le texte biblique pour une grande partie de sa direction, et l’utilisation de métaphores et d’images était courante. Le gospel est un “bruit joyeux”, parfois accompagné d’une instrumentation et presque toujours rythmé par des claquements de mains, des tapotements d’orteils et des mouvements du corps.”^[283] “Shape-note or Sacred Harp singing developed in the early 19th century as a way for itinerant singing instructors to teach church songs in rural communities. They taught using song books in which musical notations of tones were represented by geometric shapes that were designed to associate a shape with its pitch. Sacred harp singing became popular in many Oklahoma rural communities, regardless of ethnicity.”^[283] Later the blues tradition developed, with roots in and parallels to sacred music.^[283] Then jazz developed, born from a blend of “blend of ragtime, gospel, and blues”^[283]
• Anglo-Scots-Irish music traditions gained a place in Oklahoma after the Land Run of 1889. Because of its size and portability, the fiddle was the core of early Oklahoma Anglo music, but other instruments such as the guitar, mandolin, banjo, and steel guitar were added later. Various Oklahoma music traditions trace their roots to the British Isles, including cowboy ballads, western swing, and contemporary country and western.”^[283] Mexican immigrants began to reach Oklahoma in the 1870s, bringing beautiful canciones and corridos love songs, waltzes, and ballads along with them. Like American Indian communities, each rite of passage in Hispanic communities is accompanied by traditional music. The acoustic guitar, string bass, and violin provide the basic instrumentation for Mexican music, with maracas, flute, horns, or sometimes accordion filling out the sound.^[283] Other Europeans (such as Bohemians and Germans) settled in the late 19th century. Their social activities centered on community halls, “where local musicians played polkas and waltzes on the accordion, piano, and brass instruments”.^[283] Later, Asians contributed to the musical mix. “Ancient music and dance traditions from the temples and courts of China, India, and Indonesia are preserved in Asian communities throughout the state, and Popular song genres are continually layered on to these classical music forms”^[283]

Folk music revivals

“It’s self-perpetuating, regenerative. It’s what you’d call a perennial American song. I don’t think it needs a revival, resuscitation. It lives and flourishes. It really just needs people who are 18 years old to get exposed to it. But it will go on with or without them. The folk song is more powerful than anything on the radio, than anything that’s released…It’s that distillation of the voices that goes on for a long, long time, and that’s what makes them strong.”^[284]

Ketch Secor

“Folk music revival” refers to either a period of renewed interest in traditional folk music, or to an event or period which transforms it; the latter usually includes a social activism component. A prominent example of the former is the British Folk revival of approximately 1890–1920. The most prominent and influential example of the latter (to the extent that it is usually called “the folk music revival”) is the Folk revival of the mid 20th century, centered in the English-speaking world which gave birth to Contemporary Folk Music.^[285] See the “Contemporary Folk Music” article for a description of this revival.

One earlier revival influenced western classical music. Such composers as Percy Grainger, Ralph Vaughan Williams and Béla Bartók, made field recordings or transcriptions of folk singers and musicians.

In Spain, Isaac Albéniz (1860–1909) produced piano works reflect his Spanish heritage, including the Suite Iberia (1906–1909). Enrique Granados (1867–1918) composed zarzuela, Spanish light opera, and Danzas Españolas – Spanish Dances. Manuel de Falla (1876–1946) became interested in the cante jondo of Andalusian flamenco, the influence of which can be strongly felt in many of his works, which include Nights in the Gardens of Spain and Siete canciones populares españolas (“Seven Spanish Folksongs”, for voice and piano). Composers such as Fernando Sor and Francisco Tarrega established the guitar as Spain’s national instrument. Modern Spanish folk artists abound (Mil i Maria, Russian Red, et al.) modernizing while respecting the traditions of their forebears.

Flamenco grew in popularity through the 20th century, as did northern styles such as the Celtic music of Galicia. French classical composers, from Bizet to Ravel, also drew upon Spanish themes, and distinctive Spanish genres became universally recognized.

Folk music revivals or roots revivals also encompass a range of phenomena around the world where there is a renewed interest in traditional music. This is often by the young, often in the traditional music of their own country, and often included new incorporation of social awareness, causes, and evolutions of new music in the same style. Nueva canción, a similar evolution of a new form of socially committed music occurred in several Spanish-speaking countries.

Contemporary Folk Music Festivals

United States

It is sometimes claimed that the earliest United States folk music festival was the Mountain Dance and Folk Festival,^[286][287] 1928, in Asheville, North Carolina, founded by Bascom Lamar Lunsford.^[288] The National Folk Festival (USA) is an itinerant folk festival in the United States.^[289] Since 1934, it has been run by the National Council for the Traditional Arts (NCTA) and has been presented in 26 communities around the nation.^[290] After leaving some of these communities, the National Folk Festival has spun off several locally run folk festivals in its wake including the Lowell Folk Festival,^[291] the Richmond Folk Festival,^[292] the American Folk Festival^[293] and, most recently, the Montana Folk Festival.^[294]

The Newport Folk Festival is an annual folk festival held near Newport, Rhode Island.^[295] It ran most years from 1959 to 1970 and from 1985 to the present, with an attendance of approximately 10,000 people each year.^[296]

The four-day Philadelphia Folk Festival began in 1962.^[297] It is sponsored by the non-profit Philadelphia Folksong Society.^[298] The event hosts contemporary and traditional artists in genres including World/Fusion, Celtic, Singer-Songwriter, Folk Rock, Country, Klezmer, and Dance.^[299][300] It is held annually on the third weekend in August.^[301] The event now hosts approximately 12,000 visitors, presenting bands on 6 stages.^[302]

The Feast of the Hunters’ Moon in Indiana draws approximately 60,000 visitors per year.^[303]

United Kingdom

Sidmouth Festival began in 1954,^[304] and Cambridge Folk Festival began in 1965.^[305] The Cambridge Folk Festival in Cambridge, England is noted for having a very wide definition of who can be invited as folk musicians.^[306] The “club tents” allow attendees to discover large numbers of unknown artists, who, for ten or 15 minutes each, present their work to the festival audience.^[307]

Australia

The National Folk Festival is Australia’s premier folk festival event and is attended by over 50,000 people.^[308][309] The Woodford Folk Festival and Port Fairy Folk Festival are similarly amongst Australia’s largest major annual events, attracting top international folk performers as well as many local artists.^[310][311]

Canada

Stan Rogers is a lasting fixture of the Canadian folk festival Summerfolk, held annually in Owen Sound, Ontario, where the main stage and amphitheater are dedicated as the “Stan Rogers Memorial Canopy”.^[312] The festival is firmly fixed in tradition, with Rogers’ song “The Mary Ellen Carter” being sung by all involved, including the audience and a medley of acts at the festival.^[313][314] The Canmore Folk Music Festival is Alberta’s longest running folk music festival.^[315]

Other

Urkult Näsåker, Ångermanland held August each year is purportedly Sweden’s largest world-music festival.^[316]

See also

• Music portal

• Contemporary Folk Music
• Anthology of American Folk Music
• Canadian Folk Music Awards
• Country music
• Folk process
• List of classical and art music traditions
• List of folk festivals
• Roud Folk Song Index
• The Voice of the People anthology of UK folk songs

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Sources

These sources are cited above with multiple abbreviated cites with varying locations.

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Further reading

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External links

Wikimedia Commons has media related to Folk music.

• Folk Alliance International Prominent folk music organization
• Performing Arts Encyclopedia: Traditional Music and Spoken Word Catalog, Library of Congress
• The Traditional Ballad Index: : An Annotated Bibliography of the Folk Songs of the English-Speaking World, California State University, Fresno
• Ben Gray Lumpkin Digital Folk Music Collection Howard B. Waltz Music Library, University of Colorado Boulder
• Free scores of Folk music in the Choral Public Domain Library (ChoralWiki)
• The short film “To Hear Your Banjo Play (1947)” is available for free download at the Internet Archive.
• The Traditional Music in England project, World and Traditional Music section at the British Library Sound Archive
• The Folk File: A Folkie’s Dictionary by Bill Markwick (1945–2017) – musical definitions and short biographies for American and U.K. Folk musicians and groups. Retrieved September 21, 2017.