Musique classique

La musique classique fait généralement référence à la tradition musicale formelle du monde occidental , considérée comme distincte de la musique folklorique occidentale ou des traditions musicales populaires . Elle est parfois distinguée en tant que musique classique occidentale , car le terme “musique classique” peut également faire référence à des traditions non occidentales qui présentent des qualités formelles similaires . En plus de la formalité, la musique classique est souvent caractérisée par la complexité de sa forme musicale et de son organisation harmonique , ^[1] en particulier avec l’utilisation de la polyphonie . ^[2]Depuis au moins le IXe siècle, il s’agit principalement d’une tradition écrite, ^[2] engendrant un système de notation sophistiqué , ainsi qu’une littérature d’accompagnement dans les pratiques analytiques , critiques , historiographiques , musicologiques et philosophiques . Composante fondamentale de la Culture occidentale , la musique classique est souvent vue du point de vue d’individus ou de groupes de compositeurs , dont les compositions, les personnalités et les croyances ont fondamentalement façonné son histoire.

Un quatuor à cordes dans le cadre de l’ Année Mozart 2006 à Vienne

Enracinée dans le patronage des églises et des cours royales d’ Europe occidentale [ ^1] , la musique du début du Moyen Âge était principalement religieuse , Monophonique et vocale, la musique de la Grèce antique et de Rome influençant sa pensée et sa théorie. Les premiers manuscrits musicaux existants datent de l’ Empire carolingien (800–888), ^[3] à peu près à l’époque où le plain -chant occidental s’est progressivement unifié en ce qu’on appelle le chant grégorien . ^[4] Des centres musicaux existaient à l’époqueAbbaye de Saint Gall , l’ Abbaye de Saint Martial et l’Abbaye de Saint Emmeram , tandis que le XIe siècle voit le développement de la notation par portées et l’augmentation de la production des théoriciens de la musique médiévale . Au milieu du XIIe siècle, la France est devenue le principal centre musical européen : ^[3] l’école religieuse Notre-Dame a d’ abord pleinement exploré les rythmes organisés et la polyphonie, tandis que la musique profane s’est épanouie avec les traditions troubadour et trouvère dirigées par des nobles poètes-musiciens. ^{[5] Cela a culminé avec l’}ars nova française parrainée par le tribunal et le Trecento italien, qui a évolué en ars subtilior , un mouvement stylistique d’une extrême diversité rythmique. ^[5] À partir du début du XVe siècle, les compositeurs de la Renaissance de l’influente école franco-flamande se sont inspirés des principes harmoniques de la contenance angloise anglaise , amenant la Musique sacrée à de nouvelles normes, en particulier la messe et le motet . ^[6] L’Italie du Nord est rapidement devenue la région musicale centrale, où l’ école romaine s’est engagée dans des méthodes très sophistiquées de polyphonie dans des genres tels que le madrigal , ^[6] qui a inspiré le brefÉcole anglaise de madrigaux .

La période baroque (1580–1750) a vu la standardisation relative de la tonalité de pratique courante , ^[7] ainsi que l’importance croissante des Instruments de musique , qui se sont transformés en ensembles de taille considérable. L’Italie est restée dominante, étant le berceau de l’opéra , du genre concerto centré sur le soliste , de la forme sonate organisée ainsi que des genres à grande échelle centrés sur la voix de l’ oratorio et de la cantate . La technique de la fugue défendue par Johann Sebastian Bach illustre la tendance baroque à la complexité et, en réaction, la technique plus simple et semblable à celle d’une chanson.la musique galante et les styles empfindsamkeit ont été développés. Dans la période classique plus courte mais cruciale (1730–1820), des compositeurs tels que Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven ont créé des représentants largement admirés de la musique absolue , ^{[8] [9]} y compris des symphonies , des quatuors à cordes et des concertos. La musique romantique ultérieure (1800-1910) s’est plutôt concentrée sur la musique programmatique , pour laquelle la chanson d’art , le poème symphonique et divers pianoles genres étaient des vaisseaux importants. Pendant ce temps , la virtuosité a été célébrée, l’immensité a été encouragée, tandis que la philosophie et le nationalisme ont été intégrés – tous les aspects qui ont convergé dans les opéras de Richard Wagner . Au XXe siècle, l’unification stylistique s’est progressivement dissipée tandis que l’importance de la musique populaire augmentait considérablement. De nombreux compositeurs ont activement évité les techniques et les genres passés dans l’optique du modernisme , certains abandonnant la tonalité au lieu du sérialisme , tandis que d’autres ont trouvé une nouvelle inspiration dans les mélodies folkloriques ou les sentiments impressionnistes . Après la Seconde Guerre mondiale, pour la première fois, les spectateurs ont préféré la musique ancienne à la musique contemporaine .œuvres, une préférence qui a été satisfaite par l’émergence et la disponibilité généralisée d’enregistrements commerciaux. ^[10] Les tendances du milieu du XXe siècle à nos jours incluent la nouvelle simplicité , la nouvelle complexité , le minimalisme , la musique spectrale et, plus récemment, la musique postmoderne et le postminimalisme . De plus en plus mondiaux, les praticiens des Amériques, d’Afrique et d’Asie ont obtenu des rôles cruciaux, ^[3] tandis que les orchestres symphoniques et les maisons d’opéra apparaissent désormais à travers le monde.

Terminologie et définition

Origines idéologiques

Musicien jouant de la vielle ( manuscrit Médiéval du XIVe siècle )

La musique médiévale comprend la musique d’Europe occidentale d’après la chute de l’Empire romain d’Occident de 476 à environ 1400. Le chant Monophonique , également appelé Plain-chant ou chant grégorien , était la forme dominante jusqu’à environ 1100. ^[56] Les moines chrétiens ont développé les premières formes de chant européen . Notation musicale afin d’uniformiser la liturgie dans toute l’Église. ^{[57] [58]} La musique polyphonique (à plusieurs voix) s’est développée à partir du chant Monophonique tout au long du Moyen Âge tardif et jusqu’à la Renaissance , y compris les voicings plus complexes des motets . Au début de la période médiévale , la musique vocale desLe genre liturgique , principalement le chant grégorien , était Monophonique , utilisant une seule ligne mélodique vocale non accompagnée. ^[59] Les genres vocaux polyphoniques , qui utilisaient plusieurs mélodies vocales indépendantes, ont commencé à se développer au cours de la haute époque médiévale , devenant répandus à la fin du XIIIe et au début du XIVe siècle. Parmi les compositeurs médiévaux notables figurent Hildegarde de Bingen , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Francesco Landini et Johannes Ciconia .

De nombreux Instruments de musique médiévaux existent encore, mais sous différentes formes. Les instruments médiévaux comprenaient la flûte , la flûte à bec et les instruments à cordes pincées comme le luth . De plus, les premières versions de l’ orgue et du violon (ou vielle ) existaient. Les instruments médiévaux en Europe étaient le plus souvent utilisés seuls, souvent accompagnés d’une note de bourdon , ou parfois en parties. Depuis au moins aussi tôt que le 13ème siècle jusqu’au 15ème siècle, il y avait une division des instruments en haut (instruments forts, aigus, extérieurs) et bas(instruments plus silencieux, plus intimistes). ^[60] Un certain nombre d’instruments ont des racines dans les prédécesseurs orientaux qui ont été adoptés du monde islamique Médiéval . ^[61] Par exemple, le rebab arabe est l’ancêtre de tous les instruments à cordes frottées européens , y compris la lire , le rebec et le violon . ^{[62] [63]}

Renaissance

L’ère de la Renaissance s’étend de 1400 à 1600. Elle se caractérise par une plus grande utilisation de l’ instrumentation , de multiples lignes mélodiques entrelacées et l’utilisation des premiers instruments de basse . La danse sociale s’est généralisée et les formes musicales appropriées à la danse d’accompagnement ont commencé à se normaliser. C’est à cette époque que la notation de la musique sur une portée et d’autres éléments de Notation musicale ont commencé à prendre forme. ^[64] Cette invention a permis de séparer la composition d’un morceau de musique de sa transmission ; sans musique écrite, la transmission était orale et sujette à changement à chaque fois qu’elle était transmise. Avec une partition musicale, une œuvre musicale pouvait être interprétée sans la présence du compositeur. ^[65] L’invention de l’ imprimerie à caractères mobiles au XVe siècle a eu des conséquences considérables sur la préservation et la transmission de la musique. ^[66]

Une ouverture lumineuse du codex Chigi avec la Missa Ecce ancilla Domini du Kyrie d’ Ockeghem

De nombreux instruments sont nés à la Renaissance; d’autres étaient des variantes ou des améliorations d’instruments qui existaient auparavant. Certains ont survécu jusqu’à nos jours; d’autres ont disparu, pour être recréés afin de jouer de la musique sur des instruments d’époque. Comme de nos jours, les instruments peuvent être classés en cuivres, cordes, percussions et bois. Les cuivres de la Renaissance étaient traditionnellement joués par des professionnels membres de Guildes et comprenaient la trompette à coulisse , le cornet en bois , la trompette sans piston et la saqueboute . Les instruments à cordes comprenaient la viole , le rebec , la lyre en forme de harpe, la vielle à roue , le luth , la guitare , le cistre , la bandora et l’ orpharion . Les instruments à clavier à cordes comprenaient le clavecin et le clavicorde . Les instruments à percussion comprennent le triangle , la guimbarde , le tambourin , les cloches , le rumble-pot et divers types de tambours. Les instruments à vent comprenaient le shawm à anche double (un des premiers membres de la famille des hautbois ), la flûte à anche , la Cornemuse , leflûte traversière , la flûte à bec , le dulcien et le cromorne . De simples orgues à tuyaux existaient, mais étaient largement confinés aux églises, bien qu’il y ait des variétés portables. ^[67] L’impression a permis la normalisation des descriptions et des spécifications des instruments, ainsi que l’instruction de leur utilisation. ^[68]

La musique vocale de la Renaissance se distingue par l’épanouissement d’un style polyphonique de plus en plus élaboré . Les principales formes liturgiques qui ont perduré tout au long de la période de la Renaissance étaient les messes et les motets, avec quelques autres développements vers la fin, d’autant plus que les compositeurs de Musique sacrée ont commencé à adopter des formes profanes (comme le madrigal ) pour leurs propres conceptions. Vers la fin de la période, les premiers précurseurs dramatiques de l’opéra tels que la monodie, la comédie madrigale et l’ intermedio sont vus. Vers 1597, le compositeur italien Jacopo Peri écrivit Dafne , la première œuvre à s’appeler aujourd’hui opéra . Il a également composé Euridice, le premier opéra à avoir survécu jusqu’à nos jours.

Les compositeurs notables de la Renaissance incluent Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt et Cipriano de Rore .

Période de pratique courante

La période de pratique courante est généralement définie comme l’ère entre la formation et la dissolution de la tonalité de pratique courante . ^{[ citation nécessaire ]} Le terme s’étend généralement sur environ deux siècles et demi, englobant les périodes baroque, classique et romantique.

Baroque Instruments baroques dont vielle à roue , clavecin , basse de viole , luth , violon et guitare baroque

La musique baroque se caractérise par l’utilisation d’un contrepoint tonal complexe et l’utilisation d’une basse continue , une ligne de basse continue. La musique est devenue plus complexe par rapport aux chansons simples de toutes les périodes précédentes. ^[69] Les débuts de la forme sonate ont pris forme dans la canzona , tout comme une notion plus formalisée de thème et de variations . Les tonalités du majeur et du mineur comme moyen de gérer la dissonance et le chromatisme en musique prennent toute leur ampleur. ^[70]

À l’époque baroque, la musique pour clavier jouée au clavecin et à l’ orgue à tuyaux est devenue de plus en plus populaire, et la famille des violons d’instruments à cordes a pris la forme généralement vue aujourd’hui. L’opéra en tant que drame musical mis en scène a commencé à se différencier des formes musicales et dramatiques antérieures, et les formes vocales comme la cantate et l’ oratorio sont devenues plus courantes. ^[71] Les chanteurs ont commencé pour la première fois à ajouter des notes supplémentaires à la musique. ^[69]

Les théories entourant le tempérament égal ont commencé à être mises en pratique plus largement, d’autant plus qu’elles permettaient un plus large éventail de possibilités chromatiques dans les instruments à clavier difficiles à accorder. Bien que JS Bach n’ait pas utilisé le tempérament égal, comme un piano moderne est généralement accordé, des changements dans les tempéraments du système de ton moyen , commun à l’époque, à divers tempéraments qui rendaient la modulation entre toutes les touches musicalement acceptable, ont rendu possible son Clavier bien tempéré. . ^[72]

Les instruments baroques comprenaient certains instruments des périodes antérieures (par exemple, la vielle à roue et la flûte à bec) et un certain nombre d’instruments nouveaux (par exemple, le hautbois, le basson, le violoncelle, la contrebasse et le pianoforte). Certains instruments des époques précédentes sont tombés en désuétude, comme le shawm, le cittern , le rackett et le cornet en bois. Les principaux instruments baroques pour cordes comprenaient le violon , la viole , l’ alto , la viole d’amour , le violoncelle , la contrebasse , le luth , le théorbe (qui jouait souvent les parties de basse continue ), la mandoline , la guitare baroque ., harpe et vielle à roue. Les bois comprenaient la flûte baroque , le hautbois baroque , la flûte à bec et le basson . Les cuivres comprenaient le cornet , le cor naturel , la trompette naturelle , le serpent et le trombone . Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde , le piano tangent , le clavecin , l’ orgue à tuyaux et, plus tard dans la période, le pianoforte (une première version du piano). Les instruments à percussion comprenaient les timbales ,la caisse claire , le tambourin et les castagnettes .

Une différence majeure entre la musique baroque et l’ère classique qui a suivi est que les types d’instruments utilisés dans les ensembles baroques étaient beaucoup moins standardisés. Un ensemble baroque peut inclure l’un des différents types d’instruments à clavier (par exemple, orgue à tuyaux ou clavecin), ^[73] des instruments à cordes supplémentaires (par exemple, un luth), des cordes frottées, des bois et des cuivres, et un nombre indéterminé d’instruments à cordes. instruments de basse exécutant la basse continue (par exemple, un violoncelle, une contrebasse, un alto, un basson, un serpent, etc.).

Les développements vocaux à l’ époque baroque comprenaient le développement de types d’ opéra tels que l’ opéra seria et l’ opéra comique , et de formes apparentées telles que les oratorios et les cantates . ^{[74] [75]}

Parmi les compositeurs importants de cette époque figurent Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully et Heinrich Schutz .

Classique

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Joseph Haydn (1732–1809) interprété par Thomas Hardy (1791)

Bien que le terme “musique classique” englobe toute la musique savante occidentale de l’époque médiévale aux années 2000, l’ère classique était la période de la musique savante occidentale des années 1750 au début des années 1820 – l’ère de Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn et Ludwig . van Beethoven .

L’ère classique a établi de nombreuses normes de composition, de présentation et de style, et c’est aussi lorsque le piano est devenu l’instrument à clavier prédominant. Les forces de base requises pour un orchestre sont devenues quelque peu standardisées (bien qu’elles grandissent à mesure que le potentiel d’un plus large éventail d’instruments se développait au cours des siècles suivants). La musique de chambre s’est développée pour inclure des ensembles comptant jusqu’à 8 à 10 interprètes pour les sérénades . L’ opéra a continué à se développer, avec des styles régionaux en Italie, en France et dans les pays germanophones. L’ opera buffa , une forme d’opéra comique, gagne en popularité. La symphonieest devenu une forme musicale à part entière et le concerto a été développé comme un véhicule pour des démonstrations de talent de jeu virtuose. Les orchestres n’avaient plus besoin d’un clavecin (qui faisait partie du continuo traditionnel dans le style baroque) et étaient souvent dirigés par le violoniste principal (maintenant appelé violon solo ). ^[76]

Les musiciens de l’époque classique ont continué à utiliser de nombreux instruments de l’époque baroque, tels que le violoncelle, la contrebasse, la flûte à bec, le trombone, la timbale, le pianoforte (le précurseur du piano moderne ) et l’orgue. Alors que certains instruments baroques sont tombés en désuétude (par exemple, le théorbe et le rackett), de nombreux instruments baroques ont été modifiés dans les versions qui sont encore en usage aujourd’hui, comme le violon baroque (qui est devenu le violon ), le hautbois baroque (qui est devenu le hautbois ) et la trompette baroque, qui est passée à la trompette à pistons régulière. À l’époque classique, les instruments à cordes utilisés dans l’orchestre et la musique de chambre tels que les quatuors à cordes ont été normalisés comme les quatre instruments qui forment lesection des cordes de l’ orchestre : le violon, l’alto, le violoncelle et la contrebasse. Les instruments à cordes de l’époque baroque tels que les violes frettées et frottées ont été progressivement supprimés. Les bois comprenaient la clarinette de basset , le cor de basset , la clarinette d’amour , la clarinette classique , le chalumeau , la flûte, le hautbois et le basson. Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde et le pianoforte . Alors que le clavecin était encore utilisé dans l’accompagnement de basse continue dans les années 1750 et 1760, il est tombé en désuétude à la fin du siècle. Les cuivres comprenaient le buccin , lel’ ophicléide (un remplaçant du serpent basse , qui était le précurseur du tuba ) et le cor naturel .

Les instruments à vent sont devenus plus raffinés à l’époque classique. Alors que les instruments à anches doubles comme le hautbois et le basson sont devenus quelque peu standardisés dans le baroque, la famille des clarinettes à anches simples n’était pas largement utilisée jusqu’à ce que Mozart élargisse son rôle dans les arrangements d’orchestre, de chambre et de concerto. ^[77]

Les principaux compositeurs de cette période sont Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven , Joseph Haydn , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Carl Philipp Emanuel Bach , Muzio Clementi , Antonio Salieri et Johann Nepomuk Hummel .

Romantique Peinture de Josef Danhauser de 1840 représentant Franz Liszt au piano entouré (de gauche à droite) d’ Alexandre Dumas , Hector Berlioz , George Sand , Niccolò Paganini , Gioachino Rossini , Marie d’Agoult avec un buste de Ludwig van Beethoven au piano.

La musique de l’ère romantique, d’environ la première décennie du XIXe siècle au début du XXe siècle, se caractérisait par une attention accrue portée à une ligne mélodique étendue, ainsi qu’à des éléments expressifs et émotionnels, parallèles au romantisme dans d’autres formes d’art. Les formes musicales ont commencé à rompre avec les formes de l’ère classique (alors même qu’elles étaient codifiées), avec des pièces de forme libre comme des nocturnes , des fantaisies et des préludes écrits où les idées acceptées sur l’exposition et le développement de thèmes étaient ignorées ou minimisées. ^[78] La musique est devenue plus chromatique, dissonante et tonalement colorée, avec des tensions (par rapport aux normes acceptées des formes plus anciennes) au sujet des signatures clés augmentant.^[79] La chanson d’art (ou Lied ) est arrivée à maturité à cette époque, tout comme les gammes épiques du grand opéra , finalement transcendées parle cycle Ring de Richard Wagner . ^[80]

Au XIXe siècle, les institutions musicales ont émergé du contrôle de riches mécènes, car les compositeurs et les musiciens pouvaient construire des vies indépendantes de la noblesse. L’intérêt croissant pour la musique des classes moyennes en pleine croissance dans toute l’Europe occidentale a stimulé la création d’organisations pour l’enseignement, l’interprétation et la préservation de la musique. Le piano, qui a atteint sa construction moderne à cette époque (en partie grâce aux progrès industriels de la métallurgie ) est devenu très populaire auprès de la classe moyenne, dont les demandes pour l’instrument ont stimulé de nombreux facteurs de pianos. De nombreux orchestres symphoniques datent leur fondation de cette époque. ^[79] Certains musiciens et compositeurs étaient les vedettes du jour; certains, comme Franz Liszt et Niccolò Paganini, remplit les deux rôles. ^[81]

Les idées et les institutions culturelles européennes ont commencé à suivre l’expansion coloniale dans d’autres parties du monde. Il y avait aussi une montée, surtout vers la fin de l’ère, du nationalisme dans la musique (faisant écho, dans certains cas, aux sentiments politiques de l’époque), alors que des compositeurs tels qu’Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov et Antonín Dvořák faisaient écho à la musique traditionnelle . de leur patrie dans leurs compositions. ^[82]

A l’époque romantique, le piano moderne , au timbre plus puissant et soutenu et à la tessiture plus large, prend le relais du pianoforte au son plus délicat. Dans l’orchestre, les instruments et sections classiques existants ont été conservés ( section de cordes , bois, cuivres et percussions), mais ces sections ont généralement été élargies pour produire un son plus plein et plus gros. Par exemple, alors qu’un orchestre baroque peut avoir eu deux contrebassistes, un orchestre romantique peut en avoir jusqu’à dix. “Alors que la musique devenait plus expressive, la palette orchestrale standard n’était tout simplement pas assez riche pour de nombreux compositeurs romantiques.” ^[83]

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Les familles d’instruments utilisés, notamment dans les orchestres, s’élargissent ; un processus qui a culminé au début du XXe siècle avec de très grands orchestres utilisés par des compositeurs romantiques et modernistes tardifs. Un éventail plus large d’instruments de percussion a commencé à apparaître. Les cuivres ont joué un rôle plus important, car l’introduction des vannes rotatives leur a permis de jouer une gamme de notes plus large. La taille de l’orchestre (généralement autour de 40 à l’époque classique) est passée à plus de 100. ^[79] La Symphonie n ° 8 de Gustav Mahler en 1906 , par exemple, a été jouée avec plus de 150 instrumentistes et des chœurs de plus de 400. ^{[ 84]} De nouveaux instruments à vent ont été ajoutés, tels que le contrebasson , la clarinette basseet piccolo et de nouveaux instruments de percussion ont été ajoutés, notamment des xylophones , des caisses claires , des célestas (un instrument à clavier en forme de cloche), des cloches et des triangles , ^[83] de grandes harpes d’orchestre et même des machines à vent pour les effets sonores . Les saxophones apparaissent dans certaines partitions à partir de la fin du XIXe siècle, généralement présentés comme un instrument solo plutôt que comme faisant partie intégrante de l’orchestre.

Le tuba wagnérien , membre modifié de la famille des cors, apparaît dans le cycle Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner . Il a également un rôle de premier plan dans la Symphonie n° 7 en mi majeur d’ Anton Bruckner et est également utilisé dans plusieurs œuvres romantiques tardives et modernistes de Richard Strauss, Béla Bartók et d’autres ^[85] Les cornets apparaissent régulièrement dans les partitions du XIXe siècle, aux côtés de des trompettes considérées comme moins agiles, du moins jusqu’à la fin du siècle.

Parmi les compositeurs éminents de cette époque figurent Piotr Ilitch Tchaïkovski , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Félix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Edvard Grieg et Johann Strauss II . Gustav Mahler et Richard Strauss sont généralement considérés comme des compositeurs de transition dont la musique combine à la fois des éléments du romantisme tardif et du modernisme précoce.

20e et 21e siècles

Moderniste Igor Stravinsky , de Pablo Picasso , collaborateurs de Pulcinella (1920)

Englobant une grande variété de styles post-romantiques , la musique classique moderniste comprend des styles de composition romantiques tardifs, impressionnistes, expressionnistes et néoclassiques. Le modernisme a marqué une époque où de nombreux compositeurs ont rejeté certaines valeurs de la période de pratique courante, telles que la tonalité, la mélodie, l’instrumentation et la structure traditionnelles. Certains historiens de la musique considèrent le modernisme musical comme une ère s’étendant d’environ 1890 à 1930. ^{[86] [87]} D’autres considèrent que le modernisme s’est terminé avec l’une ou l’autre des deux guerres mondiales. ^[88] Encore d’autres autorités affirment que le modernisme n’est associé à aucune époque historique, mais est plutôt “une attitude du compositeur; une construction vivante qui peut évoluer avec le temps”. ^[89]Malgré son déclin dans le dernier tiers du XXe siècle, il subsistait à la fin du siècle un noyau actif de compositeurs qui continuaient à faire avancer les idées et les formes du modernisme, comme Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson et Ralph Shapey . ^[90]

Deux mouvements musicaux qui dominaient à cette époque étaient l’ impressionniste qui commençait vers 1890 et l’ expressionniste qui commençait vers 1908. Ce fut une période de réactions diverses pour remettre en question et réinterpréter les anciennes catégories de musique, des innovations qui conduisent à de nouvelles façons d’organiser et d’aborder les harmonies. , mélodiques, sonores et rythmiques de la musique, et les changements dans les visions esthétiques du monde en relation étroite avec la période identifiable plus large du modernisme dans les arts de l’époque. Le mot clé qui lui est le plus associé est “innovation”. ^[91] Sa principale caractéristique est une “pluralité linguistique”, c’est-à-dire qu’aucun genre musical unique n’a jamais assumé une position dominante. ^[92]

L’orchestre a continué de croître en taille au cours des premières années de l’ère moderniste, culminant dans les deux premières décennies du 20e siècle. Les saxophones qui n’apparaissaient que rarement au XIXe siècle sont devenus plus couramment utilisés comme instruments supplémentaires, mais ne sont jamais devenus des membres essentiels de l’orchestre. Bien qu’il n’apparaisse que comme instrument soliste dans certaines œuvres, par exemple l’orchestration par Maurice Ravel des Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgski et les Danses symphoniques de Sergueï Rachmaninov , le saxophone est inclus dans d’autres œuvres telles que Roméo et Roméo de Sergueï Prokofiev . Juliette Suites 1 et 2et de nombreuses autres œuvres en tant que membre de l’ensemble orchestral. Dans certaines compositions comme le Boléro de Ravel , deux ou plusieurs saxophones de tailles différentes sont utilisés pour créer une section entière comme les autres sections de l’orchestre. L’ euphonium est présenté dans quelques œuvres romantiques tardives et du XXe siècle , jouant généralement des parties marquées “tuba ténor”, y compris The Planets de Gustav Holst et Ein Heldenleben de Richard Strauss .

Parmi les compositeurs éminents du début du XXe siècle figurent Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninoff , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Nikos Skalkottas , Heitor Villa-Lobos , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy Beach , Béla Bartók et Dmitri Chostakovitch, ainsi que Mahler et Strauss susmentionnés en tant que figures de transition qui ont repris du XIXe siècle.

Post-moderne/contemporain

La musique postmoderne est une période de la musique qui a commencé dès 1930 selon certaines autorités. ^{[86] [87]} Il partage des caractéristiques avec l’art postmoderniste – c’est-à-dire l’art qui vient après et réagit contre le modernisme .

Certaines autres autorités ont plus ou moins assimilé la musique postmoderne à la «musique contemporaine» composée bien après 1930, de la fin du XXe siècle au début du XXIe siècle. ^{[93] [94]} Certains des divers mouvements de l’ère postmoderne/contemporaine incluent le néoromantique, le néomédiéval, le minimaliste et le post minimaliste.

La musique classique contemporaine du début du 21e siècle était souvent considérée comme incluant toutes les formes musicales postérieures à 1945. ^[95] Une génération plus tard, ce terme désigne désormais correctement la musique d’aujourd’hui écrite par des compositeurs encore vivants ; musique qui a pris de l’importance au milieu des années 1970. Il comprend différentes variations de la musique moderniste , postmoderne , néoromantique et pluraliste . ^[90]

Performance

Orchestre de jeunes en concert

On dit que les interprètes qui ont étudié la musique classique de manière approfondie sont “de formation classique”. Cette formation peut provenir de cours privés dispensés par des professeurs d’instrument ou de chant ou de l’achèvement d’un programme formel offert par un conservatoire, un collège ou une université, comme un baccalauréat en musique ou une maîtrise en musique (qui comprend des cours individuels de professeurs). En musique classique, “… une éducation et une formation musicales formelles approfondies, souvent jusqu’au niveau postuniversitaire [maîtrise]” sont requises. ^[96]

L’interprétation du répertoire de musique classique nécessite une maîtrise de la lecture à vue et du jeu d’ ensemble , des principes harmoniques , une formation auditive solide (pour corriger et ajuster les hauteurs à l’oreille), une connaissance de la pratique de l’interprétation (par exemple, l’ornementation baroque) et une familiarité avec le style / idiome musical attendu pour un compositeur ou une œuvre musicale donnée (par exemple, une symphonie de Brahms ou un concerto de Mozart). ^{[ citation nécessaire ]}

La principale caractéristique de la musique classique européenne qui la distingue de la musique populaire , de la musique folklorique et de certaines autres traditions musicales classiques telles que la musique classique indienne , est que le répertoire a tendance à être écrit en Notation musicale , créant une partie ou une partition musicale . ^[97] Cette partition détermine généralement les détails du rythme, de la hauteur et, lorsque deux musiciens ou plus (qu’ils soient chanteurs ou instrumentistes) sont impliqués, comment les différentes parties sont coordonnées. La qualité d’écriture de la musique a permis un haut niveau de complexité en leur sein : les fugues , par exemple, réalisent un remarquable mariage de lignes mélodiques audacieusement distinctives se tissant danscontrepoint tout en créant une logique harmonique cohérente . L’utilisation de la notation écrite préserve également un enregistrement des œuvres et permet aux musiciens classiques d’interpréter de la musique d’il y a plusieurs siècles.

Bien que la musique classique des années 2000 ait perdu l’essentiel de sa tradition d’ improvisation musicale , de l’époque baroque à l’époque romantique, il existe des exemples d’interprètes capables d’improviser dans le style de leur époque. À l’époque baroque, les orgues improvisaient des préludes , les claviéristes jouant du clavecin improvisaient des accords à partir des symboles de basse figurés sous les notes de basse de la partie de basse continue et les interprètes vocaux et instrumentaux improvisaient des ornements musicaux . ^[98] Johann Sebastian Bach a été particulièrement noté pour ses improvisations complexes. ^[99]À l’époque classique, le compositeur-interprète Wolfgang Amadeus Mozart était connu pour sa capacité à improviser des mélodies dans différents styles. ^[100] Pendant l’ère classique, quelques solistes virtuoses improviseraient les sections de cadence d’un concerto. À l’époque romantique, Ludwig van Beethoven improvise au piano. ^[101]

Les femmes dans la musique classique

Martha Argerich au Centre Culturel Kirchner , Buenos Aires

Presque tous les compositeurs qui sont décrits dans les manuels de musique sur la musique classique et dont les œuvres sont largement interprétées dans le cadre du répertoire de concert standard sont des compositeurs masculins, même s’il y a eu un grand nombre de femmes compositrices tout au long de la période de la musique classique. La musicologue Marcia Citron a demandé “[w] pourquoi la musique composée par des femmes est-elle si marginale par rapport au répertoire” classique “standard?” ^[102] Citron “examine les pratiques et les attitudes qui ont conduit à l’exclusion des femmes compositrices du ‘ canon ‘ reçu des œuvres musicales jouées”. Elle soutient que dans les années 1800, les femmes compositrices écrivaient généralement des chansons d’artpour l’exécution dans de petits récitals plutôt que des symphonies destinées à être jouées avec un orchestre dans une grande salle, ces dernières œuvres étant considérées comme le genre le plus important pour les compositeurs; comme les femmes compositrices n’écrivaient pas beaucoup de symphonies, elles étaient considérées comme n’étant pas remarquables en tant que compositrices. ^[102] Dans le “… Concise Oxford History of Music , Clara S[c]humann est l’une des seules compositrices [ sic ] mentionnées.” ^[103] Abbey Philips déclare que “[d]urant le 20e siècle, les femmes qui composaient / jouaient ont attiré beaucoup moins d’attention que leurs homologues masculins.” ^[103]

Historiquement, les grands orchestres professionnels ont été majoritairement ou entièrement composés de musiciens hommes. Certains des premiers cas de femmes embauchées dans des orchestres professionnels occupaient le poste de harpiste . L’ Orchestre philharmonique de Vienne , par exemple, n’a accepté les femmes comme membres permanents qu’en 1997, bien plus tard que les autres orchestres classés parmi les cinq meilleurs au monde par Gramophone en 2008. ^[104] Le dernier grand orchestre à avoir nommé une femme à un poste permanent était l’ Orchestre philharmonique de Berlin . ^[105] Pas plus tard qu’en février 1996, la flûte solo de l’Orchestre philharmonique de Vienne, Dieter Flury , racontaitWestdeutscher Rundfunk qu’accepter les femmes serait “jouer avec l’unité émotionnelle ( émotionelle Geschlossenheit ) que cet organisme possède actuellement”. ^[106] En avril 1996, l’attachée de presse de l’orchestre a écrit que “compenser les congés attendus” du congé de maternité serait un problème. ^[107]

En 1997, l’Orchestre philharmonique de Vienne “fait face à des protestations lors d’une tournée [aux États-Unis]” de l’ Organisation nationale des femmes et de l’ Alliance internationale pour les femmes en musique . Enfin, “après avoir été de plus en plus ridiculisés même dans l’Autriche socialement conservatrice, les membres de l’orchestre se sont réunis [le 28 février 1997] lors d’une réunion extraordinaire à la veille de leur départ et ont accepté d’admettre une femme, Anna Lelkes, comme harpiste. ” ^[108] Depuis 2013, l’orchestre compte six membres féminins; l’une d’entre elles, la violoniste Albena Danailova est devenue l’une des violons solos de l’orchestre en 2008, la première femme à occuper ce poste. ^[109] En 2012, les femmes ne représentaient encore que 6 % des membres de l’orchestre. Président VPOClemens Hellsberg a déclaré que le VPO utilise désormais des auditions à l’aveugle entièrement filtrées . ^[110]

En 2013, un article de Mother Jones indiquait que « [m]outes orchestres prestigieux comptent un nombre important de femmes – les femmes sont plus nombreuses que les hommes dans la section violon du New York Philharmonic – et plusieurs ensembles renommés, dont le National Symphony Orchestra , le Detroit Symphony , et l’Orchestre symphonique du Minnesota, sont dirigés par des femmes violonistes,” les sections contrebasse , cuivres et percussions des grands orchestres “… sont encore majoritairement masculines”. ^[111] Un article de la BBC de 2014 indiquait que “… l’introduction d’ auditions “à l’aveugle”, où un instrumentiste potentiel se produit derrière un écran afin que le jury ne puisse exercer aucun préjugé de genre ou de race, a vu l’équilibre entre les sexes des orchestres symphoniques traditionnellement dominés par les hommes changer progressivement.” ^[112]

Relation avec d’autres traditions musicales

Musique populaire

La musique classique a souvent incorporé des éléments ou du matériel de la musique populaire de l’époque du compositeur. Les exemples incluent la musique occasionnelle telle que l’utilisation par Brahms de chansons à boire d’étudiants dans son ouverture du festival académique , les genres illustrés par The Threepenny Opera de Kurt Weill et l’influence du jazz sur les compositeurs du début et du milieu du XXe siècle, dont Maurice Ravel , illustré par le mouvement intitulé « Blues » dans sa sonate pour violon et piano. ^[113] Certains compositeurs classiques postmodernes , minimalistes et postminimalistes reconnaissent une dette envers la musique populaire. ^{[114] [ échec de la vérification ]}

De nombreux exemples montrent une influence dans la direction opposée, y compris les chansons populaires basées sur la musique classique, l’utilisation à laquelle le Canon de Pachelbel a été mis depuis les années 1970 et le phénomène de croisement musical , où les musiciens classiques ont réussi dans l’arène de la musique populaire. ^[115] Dans le heavy metal , un certain nombre de guitaristes principaux (jouant de la guitare électrique ), dont Ritchie Blackmore et Randy Rhoads , ^[116] ont modelé leurs styles de jeu sur la musique instrumentale baroque ou classique. ^[117]

Musique folklorique

Les compositeurs de musique classique ont souvent utilisé la musique folklorique (musique créée par des musiciens qui ne sont généralement pas de formation classique, souvent issus d’une tradition purement orale). Certains compositeurs, comme Dvořák et Smetana , ^[118] ont utilisé des thèmes folkloriques pour conférer une saveur nationaliste à leur travail, tandis que d’autres comme Bartók ont utilisé des thèmes spécifiques entièrement issus de leurs origines folkloriques. ^[119] Khatchatourian a largement incorporé dans son travail la musique folklorique de son Arménie natale, mais aussi d’autres groupes ethniques du Moyen-Orient et d’Europe de l’Est. ^{[120] [121]}

Commercialisation

Avec l’avènement de la radiodiffusion et du magasin de disques , les performances de musique classique en direct ont été compilées sur des CD de compilation. ( WQXR pour Tower Records , 1986)

Certains éléments de base de la musique classique sont souvent utilisés commercialement (soit dans la publicité, soit dans les bandes sonores de films). Dans les publicités télévisées, plusieurs passages sont devenus clichés , notamment l’ouverture de Also sprach Zarathustra de Richard Strauss (rendu célèbre dans le film 2001 : L’Odyssée de l’espace ) et la section d’ouverture « O Fortuna » de Carmina Burana de Carl Orff ; d ‘ autres exemples incluent le ” Dies irae ” du Verdi Requiem , ” In the Hall of the Mountain King ” d’ Edvard Grieg de Peer Gynt , les premières mesures de La Symphonie n ° 5 de Beethoven , la ” Chevauchée des Walkyries ” de Wagner dans Die Walküre , le ” Vol du bourdon ” de Rimsky-Korsakov et des extraits du Rodéo d’ Aaron Copland . ^{[ la citation nécessaire ]} Plusieurs travaux de l’ Âge d’or d’Animation ont assorti l’action à la musique classique. Des exemples notables sont Fantasia de Walt Disney , Johann Mouse de Tom et Jerry , et Lapin de Séville de Warner Bros .C’est quoi Opéra, Doc ?

De même, les films et la télévision reviennent souvent à des extraits standard et clichés de la musique classique pour transmettre le raffinement ou l’opulence : certaines des pièces les plus souvent entendues dans cette catégorie incluent Bach ́s Cello Suite No. 1 , Mozart ‘s Eine kleine Nachtmusik , Vivaldi Les Quatre Saisons de Moussorgski , La Nuit sur le Mont Chauve de Moussorgski (orchestrée par Rimski-Korsakov) et l'” Ouverture de Guillaume Tell ” de Rossini . Shawn Vancour soutient que la commercialisation de la musique classique au début du XXe siècle a peut-être nui à l’ industrie de la musique en raison d’ une représentation inadéquate.^[122]

Éducation

Au cours des années 1990, plusieurs articles de recherche et livres de vulgarisation ont écrit sur ce que l’on a appelé «l’ effet Mozart »: une légère élévation temporaire observée des scores à certains tests à la suite de l’écoute des œuvres de Mozart. L’approche a été popularisée dans un livre de Don Campbell et est basée sur une expérience publiée dans Nature suggérant qu’écouter Mozart augmentait temporairement le QI des élèves de 8 à 9 points. ^[123] Cette version popularisée de la théorie a été exprimée succinctement par le chroniqueur musical du New York Times Alex Ross : “les chercheurs… ont déterminé qu’écouter Mozart rend en fait plus intelligent.” ^[124]Les promoteurs ont commercialisé des CD censés induire l’effet. La Floride a adopté une loi obligeant les tout-petits des écoles publiques à écouter de la musique classique tous les jours et, en 1998, le gouverneur de Géorgie a prévu un budget de 105 000 dollars par an pour fournir à chaque enfant né en Géorgie une cassette ou un CD de musique classique. L’un des co-auteurs des études originales sur l’effet Mozart a commenté “Je ne pense pas que cela puisse faire de mal. Je suis tout à fait d’accord pour exposer les enfants à de merveilleuses expériences culturelles. Mais je pense que l’argent pourrait être mieux dépensé pour l’éducation musicale. programmes.” ^[125]

Références

Remarques

^ Les classes de citoyenneté romaine antique en question étaient dérivées des directives énoncées par le légendaire roi Servius Tullius dans la constitution serbe . ^[12]
↑ En 1690, plusieurs décennies après la définition de Cotgrave de 1611, le Dictionnaire universel posthume d’ Antoine Furetière fait écho à Aulus Gellius en faisant l’éloge de Cicéron , Jules César , Salluste , Virgile et Horace et en les qualifiant de classique . ^[13]
↑ C’est pourquoi le mouvement néoclassique du milieu du XVIIIe siècle était répandu dans des domaines tels que l’architecture et la peinture, mais pas la musique. ^[16]
↑ Avant le début du XVIIIe siècle, il y a eu une brève floraison de la musique de cour après la restauration Stuart . ^[11] Les compositeurs tels que Matthew Locke et plus tard Henry Purcell ont trouvé le succès considérable,^[17] en particulier avec les masques de cour populaires. ^[18]
↑ Les concerts de John Banister gagnent rapidement en popularité, lui permettant de déplacer plus tard sa salle à Lincoln’s Inn Fields , puis à Essex Street ; à son apogée, son ensemble se composait de près de 50 musiciens. ^[19]
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↑ Certains critiques, du XIXe au XXIe siècle, ont défini la première école viennoise de différentes manières. Des commentateurs tels que Johann Wolfgang von Goethe et plus tard Ludwig Finscher ont complètement exclu Beethoven de l’école, tandis que le musicologue Friedrich Blume a inclus les trois en plus de Franz Schubert . ^[22] Charles Rosen a inclus Haydn, Mozart et Beethoven, mais seulement leur musique instrumentale. ^[22]
↑ La première utilisation du terme « musique classique » dans la littérature anglaise donnée par l’ Oxford English Dictionary ( OED ) se trouve dans le journal de 1829 du musicien anglais Vincent Novello , qui a déclaré : « C’est l’endroit où je devrais venir tous les dimanches quand je le souhaite. d’entendre la musique classique interprétée correctement et judicieusement”. ^[27] Cependant, cela est antérieur d’au moins 9 ans au titre de l’1820 de l’écrivain anglais John Feltham Danneley aux principes élémentaires de la basse approfondie et de la musique classique . ^{[28] [29]} Une recherche dans Google Livresdonne au moins trois utilisations du terme “musique classique” dans la première moitié du XVIIIe siècle. ^[30]
↑ En plus du titre de Taruskin 2005 , voir aussi, les titres de Grout 1973 , Hanning 2002 et Stolba 1998 , qui incluent tous le terme « musique occidentale » mais excluent essentiellement la musique non classique du monde occidental. Grout 1973 a été publié pour la première fois en 1960, et il a fallu attendre la cinquième édition préparée par Claude V. Palisca en 1996 pour que des informations sur le jazz et la musique populaire soient incluses. ^[36]
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↑ D’après toutes les preuves disponibles, il semble qu’aucun développement musical significatif, ou peu, puisse être attribué à la Rome antique, qui a largement adopté les pratiques de ses prédécesseurs grecs. ^[43]
↑ Le musicologue Donald Jay Grout note que même au XXe siècle, seuls des fragments et quelques exemples plus importants de cette musique gréco-romaine ont survécu. ^[40]

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Liens externes

Grove Music Online – version en ligne du New Grove Dictionary of Music and Musicians .
MGG Online – version en ligne de Die Musik in Geschichte und Gegenwart
Enregistrements classiques historiques de la British Library Sound Archive

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