Musique baroque

La musique baroque ( UK : / b ə ˈ r ɒ k / ou US : / b ə ˈ r oʊ k / ) est une période ou un style de Musique classique occidentale d’ environ 1600 à 1750 originaire d ‘ Europe occidentale . ^[1] Cette époque a suivi l’ère de la musique de la Renaissance , et a été suivie à son tour par l’ ère classique , avec le style galantmarquant la transition entre les époques baroque et classique. La période baroque est divisée en trois grandes phases : précoce, moyenne et tardive. Se chevauchant dans le temps, elles sont classiquement datées de 1580 à 1650, de 1630 à 1700 et de 1680 à 1750. La musique baroque constitue une partie importante du canon de la ” musique classique ” et est maintenant largement étudiée, jouée et écoutée. Le terme « baroque » vient du mot portugais barroco , qui signifie « perle difforme ». ^[2] Les œuvres de Georg Friedrich Händel et Johann Sebastian Bach sont considérées comme l’apogée de la période baroque. Les principaux compositeurs de l’ère baroque comprennent,Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Heinrich Schütz , Dieterich Buxtehude , etc.

Peinture d’ Evaristo Baschenis d’ instruments baroques , dont un cistre , un violoncelle à cinq ou six cordes, un violon et deux luths

La période baroque a vu la création de la tonalité de pratique courante , une approche de l’écriture musicale dans laquelle une chanson ou un morceau est écrit dans une tonalité particulière ; ce type d’ harmonie a continué à être largement utilisé dans la musique classique et populaire occidentale . À l’époque baroque, on s’attendait à ce que les musiciens professionnels soient des improvisateurs accomplis des lignes mélodiques solo et des parties d’ accompagnement . Les concerts baroques étaient généralement accompagnés d’un groupe de basse continue (comprenant des instrumentistes jouant des accords tels que des clavecinistes et des joueurs de luth improvisant des accords à partir d’une basse chiffréepartie) tandis qu’un groupe d’instruments de basse — viole , violoncelle , contrebasse —jouait la ligne de basse . Une forme baroque caractéristique était la suite de danse . Alors que les pièces d’une suite de danse étaient inspirées de la musique de danse réelle, les suites de danse étaient conçues uniquement pour écouter, et non pour accompagner les danseurs.

Au cours de la période, les compositeurs ont expérimenté la recherche d’un son plus plein pour chaque partie instrumentale (créant ainsi l’orchestre), ^[2] ont apporté des modifications à la notation musicale (le développement de la basse chiffrée comme un moyen rapide de noter la progression d’accords d’une chanson ou d’un morceau ), et développé de nouvelles techniques de jeu instrumental. La musique baroque a élargi la taille, la gamme et la complexité de la performance instrumentale, et a également établi les formes mixtes vocales/instrumentales de l’opéra , de la cantate et de l’ oratorio et les formes instrumentales du concerto solo et de la sonate comme genres musicaux. Polyphonie dense et complexela musique, dans laquelle plusieurs lignes mélodiques indépendantes étaient exécutées simultanément (un exemple populaire en est la fugue ), était une partie importante de nombreuses œuvres chorales et instrumentales baroques. Dans l’ensemble, la musique baroque était un outil d’expression et de communication. ^[1]

Étymologie et définition

Jean-Sébastien Bach , 1748

L’étymologie du baroque provient probablement du baroque français (qui signifiait à l’origine une perle de forme irrégulière) et du barroco portugais («perle irrégulière»); également lié au barrueco espagnol et au barocco italien . Le terme est d’origine ultime incertaine, mais peut-être du latin verrūca (« verrue ») ou peut-être de Baroco , un terme technique de la logique scolastique. ^[3]

Le terme «baroque» est généralement utilisé par les historiens de la musique pour décrire un large éventail de styles d’une vaste région géographique, principalement en Europe, composés sur une période d’environ 150 ans. ^[1] Si l’on a longtemps pensé que le mot comme terme critique s’appliquait d’abord à l’architecture, il apparaît en fait plus tôt en référence à la musique, dans une critique anonyme et satirique de la création en octobre 1733 d’ Hippolyte et Aricie de Rameau, imprimée dans le Mercure de France en mai 1734. Le critique a laissé entendre que la nouveauté de cet opéra était “du baroque”, se plaignant que la musique manquait de mélodie cohérente, était remplie de dissonances incessantes, changeait constamment de tonalité et de mètre, et parcourait rapidement chaque composition. appareil. ^[4]

Jean-Jacques Rousseau , qui était musicien et compositeur aussi bien que philosophe, écrivait en 1768 dans l’ Encyclopédie : “La musique baroque est celle où l’harmonie est confuse, et chargée de modulations et de dissonances. Le chant est dur et contre nature, le l’intonation est difficile et le mouvement limité. Il semble que ce terme provienne du mot ‘baroco’ utilisé par les logiciens.” ^[5] Rousseau faisait référence au terme philosophique baroco , en usage depuis le XIIIe siècle pour décrire un type d’argumentation académique élaborée et, pour certains, inutilement compliquée. ^{[6] [7]}

L’application systématique par les historiens du terme «baroque» à la musique de cette période est un développement relativement récent. En 1919, Curt Sachs est devenu le premier à appliquer systématiquement à la musique les cinq caractéristiques de la théorie baroque de Heinrich Wölfflin . ^[8] Les critiques n’ont cependant pas tardé à remettre en question la tentative de transposer les catégories de Wölfflin à la musique, et dans le deuxième quart du XXe siècle, des tentatives indépendantes ont été faites par Manfred Bukofzer (en Allemagne et, après son immigration, en Amérique) et par Suzanne Clercx-Lejeune (en Belgique) à utiliser l’analyse technique autonome plutôt que les abstractions comparatives, afin d’éviter l’adaptation de théories basées sur les arts plastiqueset la littérature à la musique. Tous ces efforts ont abouti à un désaccord appréciable sur les limites temporelles de la période, en particulier concernant le moment où elle a commencé. En anglais, le terme n’est devenu monnaie courante que dans les années 1940, sous les écrits de Bukofzer et de Paul Henry Lang . ^[1]

Pas plus tard qu’en 1960, il y avait encore un débat considérable dans les cercles universitaires, en particulier en France et en Grande-Bretagne, quant à savoir s’il était significatif de regrouper une musique aussi diverse que celle de Jacopo Peri , Domenico Scarlatti et Johann Sebastian Bach sous une seule rubrique. Néanmoins, le terme est devenu largement utilisé et accepté pour ce large éventail de musique. ^[1] Il peut être utile de distinguer le baroque des périodes précédentes ( Renaissance ) et suivantes ( Classique ) de l’histoire musicale.

Histoire

Tout au long de l’ère baroque, de nouveaux développements musicaux sont nés en Italie, après quoi il a fallu jusqu’à 20 ans avant qu’ils ne soient largement adoptés dans le reste de la pratique de la Musique classique occidentale . Par exemple, les compositeurs italiens sont passés au style galant vers 1730, tandis que les compositeurs allemands tels que Johann Sebastian Bach ont largement continué à écrire dans le style baroque jusqu’en 1750. ^{[9] [10]}

Phases de la musique baroque ^{[9] [10]}

Sous-période	Temps	En Italie	Ailleurs
Baroque primitif	1580–1650	gabrielli Monteverdi Frescobaldi	M. Praetorius Sweelinck O.Gibbons Schütz
baroque moyen	1630–1700	Carissimi Légrenzi	Lulle Biber Buxtehude Purcell
Baroque tardif	1680–1750	Corelli Vivaldi Pergolèse	Télémann Rameau Haendel JS Bach

Musique baroque ancienne (1580–1650)

Claudio Monteverdi en 1640

La Camerata florentine était un groupe d’humanistes, de musiciens, de poètes et d’intellectuels de la fin de la Renaissance florentine qui se sont réunis sous le patronage du comte Giovanni de’ Bardi pour discuter et guider les tendances des arts, en particulier la musique et le théâtre . En référence à la musique, ils ont fondé leurs idéaux sur une perception du drame musical classique (en particulier de la Grèce antique ) qui valorisait le discours et l’oraison. ^{[11] En} conséquence, ils ont rejeté l’utilisation par leurs contemporains de la polyphonie (lignes mélodiques multiples et indépendantes) et de la musique instrumentale, et ont discuté de dispositifs musicaux grecs anciens tels que la monodie , qui consistait en un chant solo accompagné d’un Kithara .(un ancien instrument à cordes gratté). ^[12] Les premières réalisations de ces idées, y compris Dafne et L’Euridice de Jacopo Peri , ont marqué le début de l’opéra, ^[13] qui a été un catalyseur pour la musique baroque. ^[14]

En ce qui concerne la théorie musicale, l’utilisation plus répandue de la basse chiffrée (également connue sous le nom de basse complète ) représente l’importance croissante de l’ harmonie en tant que fondements linéaires de la polyphonie. ^[15] L’harmonie est le résultat final du contrepoint et la basse figurée est une représentation visuelle de ces harmonies couramment employées dans la performance musicale. Avec la basse chiffrée, des chiffres, des altérations ou des symboles étaient placés au-dessus de la ligne de basse qui était lue par les joueurs d’ instruments à clavier tels que les joueurs de clavecin ou les organistes à tuyaux (ou les luthistes ).). Les nombres, altérations ou symboles indiquent au claviériste quels intervalles doivent être joués au-dessus de chaque note de basse. Le claviériste improviserait une voix d’ accord pour chaque note de basse. ^[16] Les compositeurs ont commencé à se préoccuper des progressions harmoniques , ^[17] et ont également employé le triton , perçu comme un intervalle instable, ^[18] pour créer une dissonance (il a été utilisé dans l’ accord de Septième de dominante et l’ accord diminué ). Un intérêt pour l’harmonie avait également existé chez certains compositeurs de la Renaissance, notamment Carlo Gesualdo ; ^[19]Cependant, l’utilisation de l’harmonie dirigée vers la tonalité (accent mis sur une tonalité musicale qui devient la “note principale” d’un morceau), plutôt que sur la modalité , marque le passage de la Renaissance à la période baroque. ^[20] Cela a conduit à l’idée que certaines séquences d’accords, plutôt que de simples notes, pouvaient fournir un sentiment de clôture à la fin d’un morceau – l’une des idées fondamentales qui est devenue connue sous le nom de tonalité . ^{[ citation nécessaire ]}

En incorporant ces nouveaux aspects de la composition, Claudio Monteverdi a favorisé la transition du style musical de la Renaissance à celui de la période baroque. Il a développé deux styles de composition individuels – l’héritage de la polyphonie de la Renaissance ( prima pratica ) et la nouvelle technique de basse continue du baroque ( seconda pratica ). Avec la basse continue, un petit groupe de musiciens jouait la ligne de basse et les accords qui formaient l’accompagnement d’une mélodie . Le groupe de basse continue utiliserait généralement un ou plusieurs claviéristes et un joueur de luth qui joueraient la ligne de basse et improviseraient les accords et plusieurs instruments de basse (par exemple,basse alto , violoncelle , contrebasse ) qui jouerait la ligne de basse. Avec l’écriture des opéras L’Orfeo et L’incoronazione di Poppea entre autres, Monteverdi a apporté une attention considérable à ce nouveau genre. ^[21] Ce style vénitien a été emmené facilement en Allemagne par Heinrich Schütz , dont le style diversifié a également évolué dans la période suivante.

Les textures instrumentales idiomatiques sont devenues de plus en plus importantes. En particulier, le style luthé – la rupture irrégulière et imprévisible des progressions d’accords, contrairement au motif régulier des accords brisés – appelé depuis le début du XXe siècle style brisé , a été établi comme une texture cohérente dans la musique française par Robert Ballard , ^{[22] [23]} dans ses livres de luth de 1611 et 1614, et par Ennemond Gaultier . ^[24] Cette figuration idiomatique du luth a ensuite été transférée au clavecin, par exemple dans la musique pour clavier de Louis Couperin et Jean-Henri d’Anglebert, et a continué à exercer une influence importante sur la musique pour clavier tout au long du XVIIIe et du début du XIXe siècle (dans, par exemple, la musique de Johann Sebastian Bach et de Frédéric Chopin ). ^[23]

Musique baroque moyenne (1630-1700)

La montée de la cour centralisée est l’une des caractéristiques économiques et politiques de ce que l’on appelle souvent l’ âge de l’absolutisme , personnifié par Louis XIV de France. Le style de palais et le système de cour des mœurs et des arts qu’il a encouragés sont devenus le modèle pour le reste de l’Europe. Les réalités du patronage croissant de l’Église et de l’État ont créé la demande de musique publique organisée, car la disponibilité croissante d’instruments a créé la demande de musique de chambre , qui est de la musique pour un petit ensemble d’instrumentistes. ^[25]

Jean-Baptiste Lully de Paul Mignard

Jean-Baptiste Lully est un exemple prééminent d’un compositeur de style de cour . Il a acheté des brevets à la monarchie pour être le seul compositeur d’opéras pour le roi de France et pour empêcher les autres de faire monter des opéras. Il achève 15 tragédies lyriques et laisse inachevé Achille et Polyxène . ^[26] Lully était un exemple tôt d’un chef d’ orchestre ; il battait le temps avec un grand personnel pour garder ses ensembles ensemble.

Musicalement, il n’a pas établi la norme dominée par les cordes pour les orchestres, héritée de l’opéra italien, et la disposition typiquement française à cinq parties (violons, altos – en hautes-contre, tailles et quintes – et violons basses ) avait été utilisé dans le ballet dès l’époque de Louis XIII. Il a cependant introduit cet ensemble dans le théâtre lyrique, les parties supérieures étant souvent doublées par des flûtes à bec, des flûtes et des hautbois, et la basse par des bassons. Des trompettes et des timbales étaient fréquemment ajoutées pour les scènes héroïques. ^[26]

La période du baroque moyen en Italie est définie par l’émergence des styles vocaux de la cantate , de l’ oratorio et de l’ opéra au cours des années 1630, et un nouveau concept de mélodie et d’harmonie qui a élevé le statut de la musique à celui de l’égalité avec les mots, ce qui était autrefois considérée comme prédominante. La monodie fleurie et colorature du début du baroque a cédé la place à un style mélodique plus simple et plus raffiné. Ces mélodies ont été construites à partir d’idées courtes, délimitées par des cadences souvent basées sur des motifs de danse stylisés tirés de la sarabande ou de la courante.. Les harmonies aussi pourraient être plus simples que dans la monodie baroque primitive, pour montrer une expression plus légère sur la corde et des crescendos et des diminuendos sur des notes plus longues. Les lignes de basse d’accompagnement étaient plus intégrées à la mélodie, produisant une équivalence contrapuntique des parties qui a ensuite conduit au dispositif d’une anticipation initiale de basse de la mélodie d’air. Cette simplification harmonique a également conduit à un nouveau dispositif formel de différenciation du récitatif (une partie plus parlée de l’opéra) et de l’ aria (une partie de l’opéra qui utilisait des mélodies chantées). Les innovateurs les plus importants de ce style étaient les Romains Luigi Rossi et Giacomo Carissimi , qui étaient principalement des compositeurs de cantates et d’oratorios, respectivement, et les VénitiensFrancesco Cavalli , qui était principalement un compositeur d’opéra. Plus tard, d’importants praticiens de ce style incluent Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi et Alessandro Stradella . ^[27]

On se souvient d’ Arcangelo Corelli comme influent pour ses réalisations de l’autre côté de la technique musicale – en tant que violoniste qui a organisé la technique et la pédagogie du violon – et dans la musique purement instrumentale, en particulier sa défense et le développement du concerto grosso . ^[28] Alors que Lully était installé à la cour, Corelli a été l’un des premiers compositeurs à publier largement et à faire jouer sa musique dans toute l’Europe. Comme pour la stylisation et l’organisation de l’opéra par Lully, le concerto grosso est construit sur de forts contrastes – les sections alternent entre celles jouées par l’orchestre complet et celles jouées par un groupe plus restreint. Les sections rapides et les sections lentes étaient juxtaposées les unes aux autres. Parmi ses élèves figure Antonio Vivaldi, qui composa plus tard des centaines d’œuvres basées sur les principes des sonates et concertos en trio de Corelli. ^[28]

Contrairement à ces compositeurs, Dieterich Buxtehude n’était pas une créature de cour mais plutôt un musicien d’église, occupant les postes d’organiste et de Werkmeister à la Marienkirche de Lübeck. Ses fonctions en tant que Werkmeister impliquaient d’agir en tant que secrétaire, trésorier et directeur commercial de l’église, tandis que son poste d’organiste consistait à jouer pour tous les principaux services, parfois en collaboration avec d’autres instrumentistes ou chanteurs, qui étaient également payés par l’église. Entièrement en dehors de ses fonctions ecclésiastiques officielles, il organise et dirige une série de concerts connue sous le nom d’ Abendmusiken , qui comprend des représentations d’œuvres dramatiques sacrées considérées par ses contemporains comme l’équivalent d’opéras. ^[29]

France:

• Denis Gaultier ^[30]
• Jean-Henri d’Anglebert ^[31]
• Jacques Champion de Chambonnières ^[32]
• Louis Couperin ^[33]

Musique baroque tardive (1680–1750)

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George Frideric Haendel

L’œuvre de George Frideric Handel, de Johann Sebastian Bach et de leurs contemporains, dont Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann et d’autres a fait avancer l’ère baroque à son apogée. ^[34]

• alias haut baroque

Début

Italie:

• Alessandro Scarlatti ( école napolitaine , messe napolitaine )
• Arcangelo Corelli ( Sonate en trio , Concerto grosso , La Folia )
• Giuseppe Torelli ( Concerto solo )

Marc-Antoine Charpentier

France:

• Henri Dumont
• Pierre-Robert
• François Couperin
• André Campra
• Michel-Richard Delalande
• Marc-Antoine Charpentier
• Henri Desmarest
• Marin Marais
• Jean Féry Rebel

Adoption plus large

Italie:

• Giovanni Bononcini
• Antonio Vivaldi
• Tomaso Albinoni
• Benoît Marcello
• Francesco Géminiani
• Pietro Locatelli
• Giovanni Battista Pergolesi
• Nicolas Porpora
• Giuseppe Tartini
• Francesco Maria Veracini

Prolifération:

• Erdmann Neumeister
• Estienne Roger , L’estro armonico
• Visiter l’Italie, par exemple Johann Kuhnau , Johann David Heinichen , Gottfried Heinrich Stölzel
• Italiens à l’étranger, par exemple Domenico Scarlatti , Antonio Caldara , Antonio Lotti , Pietro Torri

France:

• Jean Philippe Rameau
• Jean-Marie Leclair
• Jean Joseph de Mondonville
• Jean-Baptiste Senaillé
• Joseph Bodin de Boismortier
• Michel Corette
• Français de l’étranger : ex Louis Marchand

Europe centrale :

• Johann Georg Pisendel
• Georg Philipp Telemann
• Jean-Sébastien Bach
• Johann Friedrich Fasch
• Jan Dismas Zelenka
• Jean-Joseph Fux
• Christophe Graupner
• Jean-David Heinichen
• Sylvius Léopold Weiss
• Allemands à l’étranger, par exemple George Frideric Handel , Johann Adolf Scheibe

Transition vers l’ère classique

Musique galante :

• Johann Matheson
• Jean-Marie Leclair
• Johann Joachim Quantz
• Johann Adolf Hasse
• Carl Heinrich Graun
• Giovanni Battista Sammartini
• Baldassare Galuppi

Fils aînés et élèves de Bach :

• Guillaume Friedemann Bach
• Carl Philipp Emanuel Bach ( Empfindsamer Stil )
• Johann Gottlieb Goldberg ^[35]

Ecole de Mannheim :

• Johann Stamitz

Chronologie des compositeurs

Instruments

Cordes

Clavecin à double clavier de Vital Julian Frey, d’après Jean-Claude Goujon (1749) Partition individuelle pour harpe du XVIIe siècle. ^[36]

• Violon piccolo
• Violon
• Viole
• Alto
• Viole d’amour
• Viola pomposa
• violon ténor
• Violoncelle
• violon
• Violon basse
• Contrebasse
• Luth
• Théorbe
• Archiluth
• Mandore
• Bandora
• Angélique
• Mandoline
• Cithare
• Guitare
• Harpe
• Vielle à roue

Bois

• Flûte baroque
• Chalumeau
• Cortol (également connu sous le nom de famille Cortholt, Curtall, Oboe )
• Dulcien
• Musette de cour
• Hautbois baroque
• Raquette
• Enregistreur
• Basson

Laiton

• Cornet
• Corne naturelle
• Trompette baroque
• Tromba da tirarsi (également appelée tromba spezzata )
• Trompette plate
• Serpent
• Saqueboute (nom anglais du XVIe et du début du XVIIe siècle pour FR : saquebute , saqueboute ; ES : sacabuche ; IT : trombone ; MHG : busaun , busîne , busune / DE (depuis le début du XVIIe siècle) Posaune )
• Trombone (nom anglais du même instrument, du début du XVIIIe siècle)

Claviers

• Clavicorde
• Piano tangent
• Fortepiano – une première version du piano inventé ca. 1700, mais n’est pas devenu populaire à l’époque baroque
• Clavecin
• Organe

Percussion

• Timbales
• Tambourin
• Castagnettes

Styles et formes

Suite de danse

La performance d’un grand ensemble instrumental dans le somptueux Teatro Argentina , tel que représenté par Panini (1747)

Une caractéristique de la forme baroque était la suite de danse . Certaines suites de danse de Bach sont appelées partitas , bien que ce terme soit également utilisé pour d’autres recueils de pièces. Alors que les pièces d’une suite de danse étaient inspirées de la musique de danse réelle, les suites de danse étaient conçues pour écouter et non pour accompagner les danseurs. Les compositeurs ont utilisé une variété de mouvements de danse différents dans leurs suites de danse. Une suite de danse se compose souvent des mouvements suivants :

• Ouverture – La suite baroque commençait souvent par une ouverture française («Ouverture» en français), un mouvement lent qui était suivi d’une succession de danses de différents types, principalement les quatre suivantes:
• Allemande – Souvent la première danse d’une suite instrumentale , l’allemande était une danse très populaire qui avait ses origines à l’ époque de la Renaissance allemande . L’allemande était jouée à un rythme modéré et pouvait commencer sur n’importe quel temps de la mesure. ^[37]
• Courante – La deuxième danse est la courante, une danse française animée en triple mètre . La version italienne s’appelle la corrente. ^{[ citation nécessaire ]}
• Sarabande – La sarabande, une danse espagnole, est la troisième des quatre danses de base et est l’une des danses baroques les plus lentes. Il est également en triple mètre et peut commencer sur n’importe quel temps de la mesure, bien que l’accent soit mis sur le deuxième temps, créant le rythme caractéristique « d’arrêt » ou iambique de la sarabande. ^[37]
• Gigue – La gigue est une danse baroque optimiste et animée en mètre composé, généralement le mouvement de conclusion d’une suite instrumentale et le quatrième de ses types de danse de base. La gigue peut commencer sur n’importe quel battement de la mesure et est facilement reconnaissable par sa sensation rythmique. La gigue est originaire des îles britanniques . Son pendant dans la musique folklorique est le jig . ^[37]

Ces quatre types de danse (allemande, courante, sarabande et gigue) constituent la majorité des suites du XVIIe siècle ; les suites ultérieures interpolent une ou plusieurs danses supplémentaires entre la sarabande et la gigue :

• Gavotte – La gavotte peut être identifiée par une variété de caractéristiques; c’est dedans⁴
  ₄temps et commence toujours au troisième temps de la mesure, bien que cela puisse ressembler au premier temps dans certains cas, car les premier et troisième temps sont les temps forts en quadruple temps. La gavotte se joue à un rythme modéré, bien que dans certains cas elle puisse être jouée plus rapidement. ^{[ citation nécessaire ]}
• Bourrée – La bourrée est similaire à la gavotte telle qu’elle est dans²
  ₂temps, bien qu’il commence sur la seconde moitié du dernier temps de la mesure, créant une sensation différente à la danse. La bourrée est généralement jouée à un tempo modéré, bien que pour certains compositeurs, comme Haendel, elle puisse être prise à un tempo beaucoup plus rapide. ^[2]
• Menuet – Le menuet est peut-être la plus connue des danses baroques au triple mètre. Il n’a pas d’anacrouse. Dans certaines suites, il peut y avoir un menuet I et II, joués successivement, avec le menuet I répété mais sans les répétitions internes. ^{[ citation nécessaire ]}
• Passepied – Le passepied est une danse rapide sous forme binaire et triple mètre qui a pour origine une danse de cour en Bretagne . ^[38] Des exemples peuvent être trouvés dans des suites ultérieures telles que celles de Bach et Haendel. ^{[ citation nécessaire ]}
• Rigaudon – Le rigaudon est une danse française animée en double mètre, similaire à la bourrée, mais rythmiquement plus simple. Il est né d’une famille de danses folkloriques du sud de la France étroitement liées, traditionnellement associées aux provinces de Vavarais, Languedoc , Dauphiné et Provence . ^[39]

De plus, il existe de nombreuses autres formes de danse ainsi que d’autres pièces qui pourraient être incluses dans une suite, telles que Polonaise , Loure , Scherzo , Air , etc.

Autres caractéristiques

• Prélude – une suite peut commencer par un prélude, une pièce lente écrite dans un style improvisé. Certains préludes baroques n’étaient pas entièrement écrits; à la place, une séquence d’accords était indiquée, dans l’espoir que l’instrumentiste serait capable d’improviser une partie mélodique en utilisant le cadre harmonique indiqué. Le prélude n’était pas basé sur un type de danse.
• Entrée – Parfois, une entrée est composée dans le cadre d’une suite; mais là, c’est de la musique purement instrumentale et aucune danse n’est jouée. C’est une introduction, une pièce en forme de marche jouée lors de l’entrée d’un groupe de danse, ou jouée avant un ballet. Habituellement dans⁴
  ₄temps. Il est apparenté à l’« intrada » italienne.
• Basso continuo – une sorte d’accompagnement continu noté avec un nouveau système de notation musicale, la basse chiffrée , généralement pour un ou plusieurs instruments de basse soutenus (par exemple, violoncelle ) et un ou plusieurs instruments jouant des accords (par exemple, instruments à clavier tels que clavecin , pipe orgue ou luth )
• Le concerto (pièce solo avec accompagnement orchestral) et le concerto grosso
• Monody – une excroissance de la chanson ^{[ citation nécessaire ]}
• Homophonie – musique avec une voix mélodique et un accompagnement d’accords rythmiquement similaire (et subordonné) (ceci et la monodie sont en contraste avec la texture typique de la Renaissance , la polyphonie ) ^[40]
• Formes musicales dramatiques comme l’opéra, dramma per musica ^[41]
• Formes instrumentales et vocales combinées, telles que l’ oratorio et la cantate , ^[41] qui utilisaient toutes deux des chanteurs et un orchestre
• Nouvelles techniques instrumentales, comme le trémolo et le pizzicato ^[41]
• L’ aria da capo “a apprécié la sécurité”. ^{[ citation nécessaire ]}
• L’ aria ritornello – courtes interruptions instrumentales répétées de passages vocaux. ^[42]
• Le style concertato – contraste de son entre les groupes d’instruments. ^[43]
• Ornementation étendue , ^[44] qui était généralement improvisée par des chanteurs et des instrumentistes (par exemple, des trilles , des mordants , etc.)

Genre

Vocal

• Opéra
  • Singspiel
  • Ballade opéra
  • Semi-opéra
  • Zarzuela
  • Intermezzo
  • Opéra bouffe
  • Opéra série
  • Opéra-comique
  • Opéra-ballet
  • Tragédie en musique
• Ballet de cour
• Mascarade
• Oratorio
• Passion (musique)
• Cantate
• Messe (musique)
• Hymne
• Monodie
• Choral

Instrumental

• Composition de choral
• Concerto
• Concerto grosso
• Fugue
• Suite
  • Allemande
  • Courante
  • Sarabande
  • Gigue
  • Gavotte
  • Menuet
• Sonate
  • Sonate de caméra
  • Sonate de Chiesa
  • Sonate en trio
• Partita
• Canzone
• Symphonie
• Fantaisie
• Ricercar
• Toccata
• Prélude
• Chaconné
• Passacaille
• Prélude de choral
• Stylet fantastique

Remarques

1. ^ ^{un bcde Palisca} 2001 . ^{_ _} sfn error: no target: CITEREFPalisca2001 (help)
2. ^ ^{un bc Mackay et Romanec} 2007 .
3. ^ “baroque – Wiktionnaire” . fr.wiktionary.org . Récupéré le 13 septembre 2021 .
4. ^ Palisca 1989 , pp. 7–8.
5. ^ Encyclopédie ; Lettre sur la Musique Française sous la direction de Denis Diderot
6. ↑ Antoine Arnauld, Pierre Nicole, La logique ou l’art de penser , troisième partie, chapitre VI (1662) (en français)
7. ^ “BAROQUE : Etymologie de BAROQUE” . www.cnrtl.fr . Récupéré le 4 janvier 2019 .
8. ^ Sachs 1919 , p. 7-15.
9. ^ ^{un b} Bukofzer 1947 , pp. 17ff.
10. ^ ^{a b} Bukofzer 2013 , “Les phases de la musique baroque” pp. 26–29 .
11. ^ Nuti 2007 , p. 14.
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Lectures complémentaires

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• Cyr, Marie. Essais sur l’exécution de la musique baroque, de l’opéra et de la musique de chambre en France et en Angleterre . Série d’études collectées Variorum, 899. Aldershot, Hants, Angleterre: Ashgate, 2008. ISBN 978-0-7546-5926-6
• Contremaître, Edouard. Une méthode bel canto ou comment chanter correctement la musique baroque italienne à partir des sources primaires . Chefs-d’œuvre du vingtième siècle sur le chant, v. 12. Minneapolis, Minn: Pro Musica Press, 2006. ISBN 978-1-887117-18-0
• Hebson, Audrey (2012). “La danse et son importance dans les suites pour violoncelle seul de Bach”, Offres musicales : Vol. 1 : n° 2, article 2. Disponible sur http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2 .
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• Schubert, Peter et Christoph Neidhofer. Contrepoint baroque . Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN 978-0-13-183442-2
• Schulenberg, David. Musique du baroque . New York: Oxford UP, 2001. ISBN 978-0-19-512232-9
• Stauffer, George B. Le monde de la musique baroque Nouvelles perspectives . Bloomington: Indiana University Press, 2006. ISBN 978-0-253-34798-5
• Strunk, Olivier. Lectures de source dans l’histoire de la musique. De l’Antiquité classique à l’époque romantique . Londres : Faber & Faber, 1952.

Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés à la musique baroque .

• Handel’s Harpsichord Room – enregistrements gratuits de musique pour clavecin de l’époque baroque
• Chronologie de la musique Renaissance et baroque : Compositeurs
• Fondation Orpheon à Vienne, Autriche
• Partitions gratuites de divers compositeurs baroques à l’ International Music Score Library Project (IMSLP)
• Musique, Affect et Feu : Thèse sur la théorie de l’affect avec le feu comme sujet spécial
• Répertoire international des sources musicales (RISM) , une base de données gratuite et consultable des emplacements mondiaux pour les manuscrits musicaux jusqu’à c. 1800

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