L’industrie de la musique

L’ industrie de la musique comprend les individus et les organisations qui gagnent de l’argent en écrivant des chansons et des compositions musicales , en créant et en vendant de la musique enregistrée et des partitions , en présentant des concerts , ainsi que les organisations qui aident, forment, représentent et fournissent les créateurs de musique . Parmi les nombreuses personnes et organisations qui opèrent dans l’industrie figurent : les auteurs- compositeurs et compositeurs qui écrivent des chansons et des compositions musicales ; les chanteurs , musiciens , chefs d’orchestre et chefs d’orchestrequi interprètent la musique; les maisons de disques , les éditeurs de musique , les studios d’enregistrement , les producteurs de musique , les ingénieurs du son , les magasins de vente au détail et de musique numérique et les organisations de droits d’exécution qui créent et vendent de la musique enregistrée et des partitions ; et les agents de réservation , les promoteurs , les salles de concert , l’équipe de route et les ingénieurs du son qui aident à organiser et à vendre des concerts.

Musiciens travaillant dans un studio d’enregistrement . Foule regardant un concert .

L’industrie comprend également une gamme de professionnels qui assistent les chanteurs et les musiciens dans leur carrière musicale. Il s’agit notamment des gestionnaires de talents, des gestionnaires d’ artistes et de répertoire , des chefs d’entreprise , des avocats du divertissement ; ceux qui diffusent des contenus musicaux audio ou vidéo ( satellite , stations de radio Internet , stations de radio et de télévision diffusées ) ; journalistes musicaux et critiques musicaux ; DJ ; éducateurs et professeurs de musique ; instrument de musiquefabricants ; ainsi que bien d’autres. Outre les entreprises et les artistes, il existe des organisations qui jouent également un rôle important, notamment les syndicats de musiciens (par exemple , la Fédération américaine des musiciens ), les organisations à but non lucratif de droits d’exécution (par exemple , l’American Society of Composers, Authors and Publishers ) et d’autres associations (par exemple Alliance internationale pour les femmes dans la musique , une organisation à but non lucratif qui défend les femmes compositrices et musiciennes ).

L’industrie de la musique occidentale moderne a émergé entre les années 1930 et 1950, lorsque les disques ont remplacé les partitions en tant que produit le plus important de l’industrie musicale. Dans le monde commercial, «l’industrie du disque» – une référence à l’ enregistrement de performances de chansons et de morceaux et à la vente des enregistrements – a commencé à être utilisée comme synonyme vague de «l’industrie de la musique». Dans les années 2000, la majorité du marché de la musique est contrôlée par trois grandes maisons de disques : la société française Universal Music Group , la société japonaise Sony Music Entertainment , ^[1] et la société américaine Warner Music Group . Les labels en dehors de ces trois grands labels sont appelés labels indépendants(ou “indes”). La plus grande partie du marché de la Musique live pour les concerts et les tournées est contrôlée par Live Nation , le plus grand promoteur et propriétaire de salle de concert . Live Nation est une ancienne filiale d’ iHeartMedia Inc , qui est le plus grand propriétaire de stations de radio aux États-Unis .

Au cours des premières décennies des années 2000, l’industrie de la musique a subi des changements radicaux avec l’avènement de la distribution numérique généralisée de la musique via Internet (qui comprend à la fois le partage illégal de fichiers de chansons et les achats légaux de musique dans les magasins de musique en ligne ). Un indicateur évident de ces changements est le total des ventes de musique : depuis 2000, les ventes de musique enregistrée ont considérablement chuté ^{[2] [3]} tandis que la Musique live a gagné en importance. ^[4] En 2011, le plus grand détaillant de musique enregistrée au monde était désormais une plateforme numérique basée sur Internet exploitée par une société informatique : l’ iTunes Store en ligne d’ Apple Inc.. ^[5] Depuis 2011, l’industrie de la musique a connu une croissance constante des ventes, le streaming générant désormais plus de revenus par an que les téléchargements numériques. Spotify , Apple Music et Amazon Music sont les plus grands services de streaming en nombre d’abonnés. ^[6]

Structure d’entreprise

Les principales branches de l’industrie musicale sont l’industrie de la Musique live , l’industrie du disque et toutes les entreprises qui forment, soutiennent, fournissent et représentent les musiciens.

L’industrie du disque produit trois produits distincts : les compositions (chansons, morceaux, paroles), les enregistrements (audio et vidéo) et les médias (tels que les CD ou les MP3 et les DVD ). Il s’agit chacun d’un type de propriété : généralement, les compositions appartiennent aux compositeurs, les enregistrements aux maisons de disques et les supports aux consommateurs. Il peut y avoir de nombreux enregistrements d’une seule composition et un seul enregistrement sera généralement distribué via de nombreux supports. Par exemple, la chanson « My Way » appartient à ses compositeurs, Paul Anka et Claude François , Frank SinatraL’enregistrement de “My Way” de Sid Vicious appartient à Capitol Records , l’enregistrement de “My Way” de Sid Vicious appartient à Virgin Records , et les millions de CD et de disques vinyles pouvant lire ces enregistrements appartiennent à des millions de consommateurs individuels. .

Compositions

Les chansons , pièces instrumentales et autres compositions musicales sont créées par des auteurs- compositeurs ou des compositeurs et appartiennent à l’origine au compositeur, bien qu’elles puissent être vendues ou que les droits puissent être autrement cédés. Par exemple, dans le cas d’ un travail à façon , la composition est immédiatement détenue par une autre partie. Traditionnellement, le titulaire du droit d’auteur accorde une licence ou “cède” certains de ses droits à des sociétés d’édition , au moyen d’un contrat d’édition . La société d’édition (ou une société de gestion collective agissant pour le compte de nombreux éditeurs, auteurs-compositeurs et compositeurs) perçoit des redevances (appelées « redevances d’édition”) lorsque la composition est utilisée. Une partie des redevances est versée par la société d’édition au titulaire du droit d’auteur, selon les termes du contrat. La partition de musique fournit un flux de revenus qui est versé exclusivement aux compositeurs et à leur société d’édition. En règle générale (mais pas universellement), la société d’édition fournira au propriétaire une avance sur les revenus futurs lors de la signature du contrat d’édition. Une société d’édition fera également la promotion des compositions, par exemple en acquérant des “placements” de chansons à la télévision ou dans des films .

Enregistrements

Un musicien dans un studio d’enregistrement.

Les enregistrements sont créés par des artistes qui enregistrent , ce qui comprend des chanteurs , des musiciens (y compris des musiciens de session ) et des ensembles musicaux (par exemple , des groupes d’accompagnement , des sections rythmiques , des orchestres , etc.) généralement avec l’aide et les conseils de producteurs de disques et d’ingénieurs du son . Ils étaient traditionnellement réalisés dans des studios d’enregistrement (qui sont loués pour un tarif journalier ou horaire) lors d’une session d’enregistrement . Au 21e siècle, les progrès de la technologie d’enregistrement numérique ont permis à de nombreux producteurs et artistes de créer des « home studios ».” en utilisant des ordinateurs haut de gamme et des programmes d’enregistrement numérique comme Pro Tools , en contournant le rôle traditionnel du studio d’enregistrement commercial. Le producteur de disques supervise tous les aspects de l’enregistrement, prenant de nombreuses décisions logistiques, financières et artistiques en coopération avec les artistes. Le producteur de disques a différentes responsabilités, notamment le choix du matériel et/ou la collaboration avec les compositeurs, l’embauche de musiciens de session, l’aide à l’ arrangement des chansons, la supervision des performances des musiciens et la direction de l’ingénieur du son pendant l’enregistrement et le mixage pour obtenir le meilleur son. Ingénieurs du son (y compris les ingénieurs d’enregistrement , de mixage et de mastering) sont chargés d’assurer une bonne qualité audio pendant l’enregistrement. Ils sélectionnent et installent des microphones et utilisent des unités d’effets et des consoles de mixage pour régler le son et le niveau de la musique. Une session d’enregistrement peut également nécessiter les services d’un arrangeur , d’un orchestrateur , de musiciens de studio , de musiciens de session , de coachs vocaux ou même d’un nègre discrètement embauché pour aider avec les paroles ou l’écriture de chansons .

Un ingénieur de studio travaillant avec un mélangeur audio dans un studio d’enregistrement.

Les enregistrements appartiennent (traditionnellement) aux maisons de disques . Certains artistes possèdent leurs propres maisons de disques (par exemple Ani DiFranco ). Un contrat d’enregistrement précise la relation commerciale entre un artiste du disque et la maison de disques. Dans un contrat traditionnel, la société verse une avance à l’artiste qui s’engage à réaliser un enregistrement qui appartiendra à la société. Le département A&R d’une maison de disques est chargé de trouver de nouveaux talents et de superviser le processus d’enregistrement. L’entreprise paie les frais d’enregistrement et les frais de promotion et de commercialisation du disque. Pour les supports physiques (tels que les CD ), l’entreprise paie également la fabricationet distribuer les enregistrements physiques. Les petites maisons de disques (appelées « indies ») établiront des relations commerciales avec d’autres sociétés pour gérer bon nombre de ces tâches. La maison de disques verse à l’artiste interprète une partie des revenus de la vente des enregistrements, également appelée «redevance», mais celle-ci est distincte des redevances d’édition décrites ci-dessus. Cette portion est similaire à un pourcentage, mais peut être limitée ou élargie par un certain nombre de facteurs (tels que des biens gratuits, des dépenses récupérables, des primes, etc.) qui sont spécifiés par le contrat d’enregistrement. Les musiciens de session et les membres de l’ orchestre (ainsi que quelques artistes du disque dans des marchés spéciaux) sont sous contrat pour fournir du travail à la location; ils ne reçoivent généralement que des honoraires uniques ou des salaires réguliers pour leurs services, plutôt que des redevances continues.

Médias

Les supports physiques (tels que les CD ou les disques vinyle) sont vendus par des détaillants de musique et appartiennent aux consommateurs après leur achat. Les acheteurs n’ont généralement pas le droit de faire des copies numériques à partir de CD ou d’autres supports qu’ils achètent, ou de louer ou de louer les CD, car ils ne possèdent pas l’enregistrement sur le CD, ils ne possèdent que le CD physique individuel. Un distributeur de musique livre des caisses de supports physiques emballés du fabricant au détaillant et entretient des relations commerciales avec les détaillants et les maisons de disques. Le détaillant de musique paie le distributeur, qui à son tour paie la maison de disques pour les enregistrements. La maison de disques verse des redevances mécaniquesà l’éditeur et au compositeur via une société de gestion collective. La maison de disques verse ensuite des redevances, si elles sont contractuellement obligées, à l’artiste qui enregistre.

Lorsque la musique est téléchargée ou diffusée en continu numériquement , il n’y a pas de support physique autre que la mémoire de l’ordinateur du consommateur sur son lecteur multimédia portable ou son ordinateur portable. Pour cette raison, des artistes tels que Taylor Swift, Paul McCartney, Kings of Leon et d’autres ont appelé à des changements juridiques qui priveraient les médias sociaux du droit de diffuser leur musique sans leur payer de redevances. ^[7] Dans le marché de la musique numérique et en ligne des années 2000, le distributeur devient facultatif. Les grandes boutiques en ligne peuvent payer directement les labels, mais les distributeurs numériques existent pour fournir des services de distribution aux vendeurs, grands et petits. Lors de l’achat de téléchargements numériques ou de l’écoute de musique en streaming, le consommateur peut être tenu d’accepter les conditions de licence de la maison de disques et du vendeur au-delà de celles qui sont inhérentes àdroit d’auteur ; par exemple, certains services peuvent permettre aux consommateurs de partager librement l’enregistrement, mais d’autres peuvent limiter l’utilisateur au stockage de la musique sur un nombre spécifique de disques durs ou d’appareils.

Diffusion, bande son et streaming

Lorsqu’un enregistrement est diffusé (soit à la radio, soit par un service de musique de fond tel que Muzak ), les organismes de droits d’exécution (tels que l’ ASCAP et BMI aux États-Unis, la SOCAN au Canada ou MCPS et PRS au Royaume-Uni), perçoivent un tiers type de redevance connue sous le nom de redevance d’exécution, qui est versée aux auteurs-compositeurs, compositeurs et artistes du disque. Cette redevance est généralement beaucoup plus petite que les redevances d’édition ou mécaniques. Au cours de la dernière décennie, plus de “15 à 30%” des morceaux sur les services de streaming ne sont pas identifiés avec un artiste spécifique. ” _ ^_ Youtube est devenu une radio pour les enfants”. En raison de la surutilisation de YouTube et du streaming hors ligne, les ventes d’albums ont chuté de 60 % au cours des dernières années. ^[7] Lorsque les enregistrements sont utilisés à la télévision et au cinéma , le compositeur et sa maison d’édition sont généralement payé via une licence de synchronisation. Dans les années 2000, les services d’abonnement en ligne (tels que Rhapsody ) fournissent également un flux de revenus directement aux maisons de disques, et à travers elles, aux artistes, si les contrats le permettent.

Musique live

Une performance musicale en direct à Cologne Pride , 2013.

Un promoteur met en relation un artiste interprète et un propriétaire de salle et négocie des contrats. Une agence de réservation représente l’artiste auprès des promoteurs, conclut des accords et réserve des performances. Les consommateurs achètent généralement des billets sur place ou auprès d’un service de distribution de billets tel que Ticketmaster . Aux États-Unis, Live Nation est la société dominante dans tous ces rôles : ils possèdent la plupart des grandes salles aux États-Unis, ils sont le plus grand promoteur et ils possèdent Ticketmaster . Le choix du lieu et du moment de la tournée est décidé par la direction de l’artiste et l’artiste, parfois en consultation avec la maison de disques. Les maisons de disques peuvent financer une tournée dans l’espoir qu’elle contribuera à promouvoir la vente d’enregistrements. Cependant, au 21e siècle, il est devenu plus courant de sortir des enregistrements pour promouvoir la vente de billets pour des spectacles en direct, plutôt que de réserver des tournées pour promouvoir la vente d’enregistrements.

Les grands artistes à succès emploieront généralement une équipe de tournée : une organisation de tournée semi-permanente qui voyage avec l’artiste pendant les séries de concerts. L’équipe de route est dirigée par un tour manager . Les membres de l’équipe assurent l’éclairage de la scène , la sonorisation en direct , l’entretien et le transport des instruments de musique . Lors de grandes tournées, l’équipe de route peut également inclure un comptable, un régisseur, un garde du corps, des coiffeurs, des maquilleurs et un traiteur .Personnel. Des équipes locales sont généralement embauchées pour aider à déplacer l’équipement sur et hors scène. Sur une petite tournée avec moins de soutien financier, tous ces travaux peuvent être assurés par quelques roadies ou par les musiciens eux-mêmes. Les groupes signés avec de petits labels «indie» et des groupes dans des genres tels que le punk hardcore sont plus susceptibles de faire des tournées sans équipe de route ou avec un soutien minimal.

Gestion, représentation et personnel des artistes

Les artistes tels que les chanteurs et les musiciens peuvent embaucher plusieurs personnes d’autres domaines pour les aider dans leur carrière. Le gérant d’artiste supervise tous les aspects de la carrière d’un artiste en échange d’un pourcentage du revenu de l’artiste. Un avocat du divertissement les aide avec les détails de leurs contrats avec les maisons de disques et d’autres accords. Un chef d’entreprise s’occupe des transactions financières, des impôts et de la comptabilité. Des syndicats, tels que l’ AFTRA et la Fédération américaine des musiciens aux États-Unis, proposent une assurance maladie et une assurance instrument aux musiciens. Un artiste à succès fonctionne sur le marché comme une marqueet, à ce titre, ils peuvent tirer des revenus de nombreux autres flux, tels que des marchandises , des mentions personnelles, des apparitions (sans représentation) lors d’événements ou des services Internet. ^[9] Celles-ci sont généralement supervisées par le manager de l’artiste et prennent la forme de relations entre l’artiste et les entreprises spécialisées dans ces produits. Les chanteurs peuvent également embaucher un coach vocal , un professeur de danse , un coach de théâtre , un entraîneur personnel ou un coach de vie pour les aider.

Modèles économiques émergents

Dans les années 2000, les lignes traditionnelles qui divisaient autrefois les chanteurs, les instrumentistes, les éditeurs, les maisons de disques, les distributeurs, la vente au détail et l’électronique grand public se sont estompées ou effacées. Les artistes peuvent enregistrer dans un home studio à l’aide d’un ordinateur portable haut de gamme et d’un programme d’enregistrement numérique tel que Pro Tools ou utiliser Kickstarter pour collecter des fonds pour une session d’enregistrement en studio coûteuse sans impliquer une maison de disques. Les artistes peuvent choisir de se promouvoir et de se commercialiser exclusivement en utilisant uniquement des services de partage de vidéos en ligne gratuits tels que YouTube ou en utilisant des sites Web de médias sociaux , en contournant la promotion et le marketing traditionnels d’une maison de disques. Dans les années 2000, l’électronique grand publicet des sociétés informatiques comme Apple Computer sont devenues des détaillants de musique numérique . Les nouvelles technologies de distribution de musique numérique et les tendances à utiliser l’échantillonnage d’anciennes chansons dans de nouvelles chansons ou à mélanger différentes chansons pour créer des enregistrements “mashup” ont également forcé les gouvernements et l’industrie de la musique à réexaminer les définitions de la propriété intellectuelle et les droits de tous . les parties impliquées. Le fait que la définition de « redevance » et de « droit d’auteur » varie d’un pays à l’autre et d’une région à l’autre complique également la question de la définition des limites du droit d’auteur, ce qui modifie les termes de certaines de ces relations commerciales.

Après environ 15 ans d’économie Internet, les plateformes de l’industrie de la musique numérique comme iTunes , Spotify et Google Play sont des améliorations majeures par rapport aux premiers jours de partage de fichiers illégaux. Cependant, la multitude d’offres de services et de modèles de revenus rend difficile la compréhension de la véritable valeur de chacun et de ce qu’ils peuvent apporter aux musiciens et aux entreprises de musique. De plus, il existe d’importants problèmes de transparence dans l’ensemble de l’industrie de la musique causés par une technologie désuète. Avec l’émergence de nouveaux modèles commerciaux tels que les plateformes de streaming et les services de musique en ligne, une grande quantité de données est traitée. ^[10] L’accès aux mégadonnées peut accroître la transparence dans l’industrie. ^[11]

Histoire de la musique imprimée et de la musique enregistrée

Histoire ancienne : musique imprimée en Europe

Avant l’invention de l’ imprimerie , la seule façon de copier des partitions était à la main, un processus long et coûteux. Sur la photo, le manuscrit musical manuscrit d’une chanson française Ars subtilior (chanson) de la fin des années 1300 sur l’amour, intitulée Belle, bonne, sage , de Baude Cordier. La notation musicale est inhabituelle en ce sens qu’elle est écrite en forme de cœur, avec des notes rouges indiquant des altérations rythmiques .

L’édition musicale utilisant des partitions imprimées à la machine s’est développée à l’ époque de la musique de la Renaissance au milieu du XVe siècle. Le développement de la publication musicale a suivi l’évolution des technologies d’ impression qui ont d’abord été développées pour l’impression de livres ordinaires . Après le milieu du XVe siècle, les techniques mécaniques d’impression de partitions ont d’abord été développées. Le premier exemple, un ensemble de chants liturgiques, date d’environ 1465, peu après la Bible de Gutenberga été imprimé. Avant cette époque, la musique devait être copiée à la main. Copier la notation musicale à la main était un processus très coûteux, laborieux et long, de sorte qu’il n’était généralement entrepris que par des moines et des prêtres cherchant à préserver la musique sacrée pour l’église. Les quelques collections de musique profane (non religieuse) qui existent ont été commandées et détenues par de riches aristocrates. Les exemples incluent le Codex Squarcialupi de la musique italienne Trecento et le Codex Chantilly de la musique française Ars subtilior .

L’utilisation de l’impression a permis de reproduire les partitions beaucoup plus rapidement et à un coût beaucoup plus faible que la copie manuelle de la notation musicale. Cela a aidé les styles musicaux à se répandre plus rapidement dans d’autres villes et pays, et cela a également permis à la musique de se propager dans des régions plus éloignées. Avant l’invention de l’imprimerie musicale, la musique d’un compositeur ne pouvait être connue que dans la ville où elle vivait et ses villes environnantes, car seuls les riches aristocrates pouvaient se permettre de faire faire des copies à la main de sa musique. Avec l’impression musicale, cependant, la musique d’un compositeur pourrait être imprimée et vendue à un coût relativement faible à des acheteurs d’une vaste zone géographique. Alors que les partitions des pièces et des chansons des grands compositeurs commençaient à être imprimées et distribuées dans une zone plus large, cela a permis aux compositeurs et aux auditeurs d’entendre de nouveaux styles et formes de musique. Un compositeur allemand pourrait acheter des chansons écrites par un compositeur italien ou anglais, et un compositeur italien pourrait acheter des pièces écrites par des compositeurs néerlandais et apprendre comment ils écrivaient de la musique. Cela a conduit à un plus grand mélange de styles musicaux de différents pays et régions.

Le pionnier de l’impression musicale moderne fut Ottaviano Petrucci (né à Fossombrone en 1466 – mort en 1539 à Venise), imprimeur et éditeur qui réussit à obtenir un monopole de vingt ans sur la musique imprimée à Venise au XVIe siècle. Venise était l’un des principaux centres commerciaux et musicaux de cette période. Son Harmonice Musices Odhecaton , une collection de chansons imprimées en 1501, est souvent identifiée à tort comme le premier livre de partitions imprimées à partir de caractères mobiles. Cette distinction appartient au Missale Romanum de l’imprimeur romain Ulrich Han de 1476. Néanmoins, le travail ultérieur de Petrucci était extraordinaire pour la complexité de sa notation mensurale blanche et la petitesse de sa police. Il a imprimé le premier livre depolyphonie (musique avec deux ou plusieurs lignes mélodiques indépendantes) utilisant des caractères mobiles. Il a également publié de nombreuses œuvres des compositeurs les plus réputés de la Renaissance, dont Josquin des Prez et Antoine Brumel . Il s’est épanoui en se concentrant sur les œuvres flamandes plutôt qu’italiennes, car elles étaient très populaires dans toute l’Europe à l’ époque de la musique de la Renaissance . Son imprimerie utilisait la méthode de la triple impression, dans laquelle une feuille de papier était pressée trois fois. La première impression était les lignes de la portée, la seconde les mots et la troisième les notes. Cette méthode a produit des résultats très nets et lisibles, même si elle était longue et coûteuse.

Jusqu’au XVIIIe siècle, les processus de composition formelle et d’impression de la musique s’effectuent pour l’essentiel avec le soutien du mécénat des aristocraties et des églises . Du milieu à la fin du XVIIIe siècle, des interprètes et des compositeurs tels que Wolfgang Amadeus Mozart ont commencé à rechercher davantage d’opportunités commerciales pour commercialiser leur musique et leurs performances auprès du grand public. Après la mort de Mozart, sa femme ( Constanze Weber ) a poursuivi le processus de commercialisation de sa musique à travers une série sans précédent de concerts commémoratifs, vendant ses manuscrits et collaborant avec son second mari, Georg Nissen , sur une biographie de Mozart. ^[12]

Un exemple de partitions imprimées mécaniquement.

Au XIXe siècle, les éditeurs de partitions dominaient l’industrie musicale. Avant l’invention des technologies d’ enregistrement sonore , le principal moyen pour les mélomanes d’entendre de nouvelles symphonies et airs d’opéra (chansons) était d’acheter les partitions (souvent arrangées pour piano ou pour un petit groupe de musique de chambre) et d’interpréter la musique dans un salon. chambre, avec des amis musiciens et chanteurs amateurs. Aux États-Unis, l’industrie de la musique est née en même temps que la montée du ménestrel « black face » . Blackface est une forme de maquillage théâtral utilisé principalement par des artistes non noirs pour représenter une personne noire. La pratique a gagné en popularité au XIXe siècle et a contribué à la propagation de stéréotypes raciaux négatifs sur les Afro-Américains. ^[13]

À la fin du siècle, le groupe d’éditeurs de musique et d’auteurs-compositeurs qui dominait la musique populaire aux États-Unis devint connu sous le nom de Tin Pan Alley . Le nom faisait à l’origine référence à un lieu précis : West 28th Street entre la Fifth et la Sixth Avenue à Manhattan , et une plaque (voir ci- dessous ) sur le trottoir de la 28th Street entre Broadway et Sixth le commémore. Le début de Tin Pan Alley est généralement daté d’environ 1885, lorsque plusieurs éditeurs de musique se sont installés dans le même quartier de Manhattan . La fin de Tin Pan Alley est moins nette. Certains le datent du début de la Grande Dépression dans les années 1930 lorsque le phonographe et la radio ont supplantépartitions comme force motrice de la musique populaire américaine, tandis que d’autres considèrent que Tin Pan Alley s’est poursuivie dans les années 1950, lorsque les styles antérieurs de musique populaire américaine ont été éclipsés par la montée du rock & roll .

Avènement de la musique enregistrée et de la radiodiffusion

Frances Densmore enregistrant le chef Blackfoot Mountain Chief sur un phonographe à cylindre en 1916 Un système de radiodiffusion de 1906.

À l’aube du début du XXe siècle, le développement de l’enregistrement sonore a commencé à fonctionner comme une technologie perturbatrice pour les intérêts commerciaux qui publiaient des partitions. À l’époque des partitions, si une personne ordinaire voulait entendre de nouvelles chansons populaires, elle achetait la partition et la jouait à la maison sur un piano, ou apprenait la chanson à la maison tout en jouant la partie d’ accompagnement au piano ou à la guitare. Enregistrements phonographiques de performances musicales commercialisés , qui sont devenus disponibles à partir de la fin des années 1880, et plus tard avec le début de la diffusion radiophonique généralisée, à partir des années 1920, a changé à jamais la façon dont la musique était entendue et écoutée. Les opéras, les salles de concert et les clubs ont continué à produire de la musique et les musiciens et chanteurs ont continué à se produire en direct, mais le pouvoir de la radio a permis aux groupes, ensembles et chanteurs qui n’avaient auparavant joué que dans une région de devenir populaires à l’échelle nationale et parfois même à l’échelle nationale. échelle mondiale. De plus, alors que la participation aux meilleurs concerts symphoniques et d’opéra était auparavant réservée aux personnes à revenu élevé dans un monde pré-radio, avec la radio diffusée , un éventail beaucoup plus large de personnes, y compris les personnes à revenu faible et moyen, pouvaient entendre les meilleurs orchestres . , big bands , chanteurs populaires et spectacles d’opéra.

L ‘«industrie du disque» a finalement remplacé les éditeurs de partitions en tant que plus grande force de l’industrie de la musique. Une multitude de maisons de disques allaient et venaient. Certains labels remarquables des décennies précédentes incluent Columbia Records , Crystalate, Decca Records , Edison Bell, The Gramophone Company , Invicta, Kalliope, Pathé , Victor Talking Machine Company et bien d’autres. ^[14] De nombreuses maisons de disques se sont éteintes aussi rapidement qu’elles s’étaient formées et, à la fin des années 1980, les “Big six” – EMI , CBS , BMG , PolyGram , WEA et MCA– a dominé l’industrie. Sony a acheté CBS Records en 1987 et a changé son nom en Sony Music en 1991. Au milieu de 1998, PolyGram Music Group a fusionné avec MCA Music Entertainment pour créer ce que nous connaissons maintenant sous le nom de Universal Music Group . Depuis lors, Sony et BMG ont fusionné en 2004, ^[15] et Universal a repris la majorité des intérêts de la musique enregistrée d’EMI en 2012. ^[16] EMI Music Publishing , qui faisait également autrefois partie du conglomérat britannique aujourd’hui disparu, est désormais détenu en copropriété par Sony en tant que filiale de Sony/ATV Music Publishing . ^[17]Comme dans d’autres industries, l’industrie du disque se caractérise par de nombreuses fusions et/ou acquisitions, tant pour les grandes entreprises que pour les ETI (exemple récent donné par le groupe belge PIAS et le groupe français Harmonia Mundi ). ^[18]

En ce qui concerne le genre, les entrepreneurs de la musique ont élargi leurs modèles industriels à des domaines tels que la musique folklorique , dans laquelle la composition et la performance se sont poursuivies pendant des siècles sur une base ad hoc autosuffisante. Former un label indépendant , ou label “indie”, ou signer avec un tel label continue d’être un choix populaire pour les musiciens prometteurs, en particulier dans des genres comme le punk hardcore et le métal extrême , même si les indépendants ne peuvent pas offrir le même financement. soutien des grands labels. Certains groupes préfèrent signer avec un label indépendant, car ces labels donnent généralement aux interprètes plus de liberté artistique.

Essor de la distribution numérique en ligne

Images externes
Tableaux des ventes de musique enregistrée RIAA aux États-Unis (interactifs); Chiffre d’affaires et volumes par format. (1973 – )
Chiffre d’affaires par format
Répartition du chiffre d’affaires 2018
Volumes de ventes par format
Répartition des volumes de ventes 2018

Le logo de la boutique en ligne iTunes d’ Apple Inc. , qui vend des fichiers numériques de chansons et de pièces musicales, ainsi qu’une gamme d’autres contenus, tels que des fichiers numériques d’ émissions de télévision et de films .

Au cours de la première décennie des années 2000, la musique téléchargée et diffusée en continu est devenue plus populaire que l’achat d’enregistrements physiques (par exemple , CD , disques et cassettes ). Cela a donné aux consommateurs un accès presque “sans friction” à une plus grande variété de musique que jamais auparavant, sur plusieurs appareils. Dans le même temps, les consommateurs ont dépensé moins d’argent pour la musique enregistrée (à la fois physiquement et numériquement distribuée) qu’ils ne l’avaient fait dans les années 1990. ^[19] Les revenus totaux du “business de la musique” aux États-Unis ont chuté de moitié, passant d’un sommet de 14,6 milliards de dollars en 1999 à 6,3 milliards de dollars en 2009, selon Forrester Research . ^[20] Revenus mondiaux des CD, vinyles , cassettes etles téléchargements numériques sont passés de 36,9 milliards de dollars en 2000 ^[21] à 15,9 milliards de dollars en 2010 ^[22] selon l’IFPI. The Economist et le New York Times ont rapporté que la tendance à la baisse devrait se poursuivre dans un avenir prévisible. ^{[23] [24]} Cette baisse spectaculaire des revenus a provoqué des licenciements à grande échelle au sein de l’industrie, poussé certains détaillants plus vénérables (tels que Tower Records ) à la faillite et contraint les maisons de disques, les producteurs de disques, les studios, les ingénieurs du son et les musiciens à chercher de nouveaux modèles d’affaires . ^[7]

En réponse à l’augmentation du partage illégal de fichiers d’enregistrements musicaux numériques, l’industrie du disque a engagé des poursuites judiciaires agressives. En 2001, il a réussi à fermer le site Web de musique populaire Napster et a menacé de poursuites judiciaires des milliers d’individus qui avaient participé au partage de fichiers sonores de chansons musicales. ^[7] Cependant, cela n’a pas réussi à ralentir le déclin des revenus de l’enregistrement musical et s’est avéré un désastre de relations publiques pour l’industrie de la musique. ^[7] Certaines études universitaires ont même suggéré que les téléchargements n’étaient pas à l’origine de la baisse des ventes d’enregistrements. ^[25] L’enquête britannique de 2008 sur les droits de la musique ^[26] a montré que 80 % des personnes en Grande-Bretagne souhaitaient unservice de partage de fichiers peer-to-peer (P2P), mais seulement la moitié des répondants pensent que les créateurs de musique devraient être rémunérés. L’enquête était cohérente avec les résultats de recherches antérieures menées aux États-Unis, sur lesquelles était basé le modèle de musique ouverte . ^[27]

Les téléchargements numériques légaux sont devenus largement disponibles avec le lancement de l’Apple iTunes Store en 2003. ^[28] La popularité de la distribution de musique sur Internet a augmenté, ^[29] et en 2011, les ventes de musique numérique ont dépassé les ventes physiques de musique. ^[30] Atlantic Records rapporte que les ventes numériques ont dépassé les ventes physiques. ^[23] Cependant, comme l’a rapporté The Economist , “les téléchargements numériques payants ont augmenté rapidement, mais n’ont pas commencé à compenser la perte de revenus des CD”. ^[24]

Après 2010, des services basés sur Internet tels que Deezer , Pandora , Spotify et iTunes Radio d’Apple ont commencé à proposer des ” pay to stream ” par abonnement.” sur Internet. Avec les services de streaming, l’utilisateur paie un abonnement à une entreprise pour le droit d’écouter des chansons et d’autres médias à partir d’une bibliothèque. Alors qu’avec les services de téléchargement numérique légaux, l’acheteur possède une copie numérique de la chanson (qui qu’ils peuvent conserver sur leur ordinateur ou sur un lecteur multimédia numérique), avec les services de streaming, l’utilisateur ne télécharge jamais le fichier de la chanson ou n’est jamais propriétaire du fichier de la chanson. L’abonné ne peut écouter la chanson que tant qu’il continue de payer l’abonnement de streaming Une fois que l’utilisateur cesse de payer l’abonnement, il ne peut plus écouter l’audio des référentiels de l’entreprise. Les services de streaming ont commencé à avoir un impact sérieux sur l’industrie en 2014.

Spotify , ainsi que l’ industrie du streaming musical en général, fait face à des critiques de la part d’artistes affirmant qu’ils ne sont pas équitablement rémunérés pour leur travail alors que les ventes de musique téléchargée diminuent et que le streaming musical augmente. Contrairement aux ventes physiques ou de téléchargement, qui paient un prix fixe par chanson ou album, Spotify paie les artistes en fonction de leur “part de marché” (le nombre de flux pour leurs chansons en proportion du nombre total de chansons diffusées sur le service). ^[31] Spotify en distribue environ 70 % aux ayants droit, qui rémunéreront ensuite les artistes en fonction de leurs accords. Le caractère variable, et (diront certains) insuffisant de cette rémunération ^[32]a donné lieu à des critiques. Spotify rapporte payer en moyenne 0,006 USD à 0,008 USD par flux. En réponse aux inquiétudes, Spotify affirme qu’il profite à l’industrie de la musique en les éloignant “du piratage et des plateformes moins monétisées et en leur permettant de générer des redevances bien plus importantes qu’auparavant” en encourageant les utilisateurs à utiliser leur service payant. ^{[33] [34]}

La Recording Industry Association of America (RIAA) a révélé dans son rapport sur les résultats de 2015 que les services de streaming étaient responsables de 34,3 % des revenus de l’industrie de la musique enregistrée aux États-Unis, augmentant de 29 % par rapport à l’année précédente et devenant la plus grande source de revenus, tirant autour de 2,4 milliards de dollars. ^{[35] [36]} Les revenus du streaming aux États-Unis ont augmenté de 57 % pour atteindre 1,6 milliard de dollars au premier semestre 2016 et ont représenté près de la moitié des ventes du secteur. ^[37] Cela contraste avec les 14,6 milliards de dollars de revenus perçus en 1999 par l’industrie musicale américaine grâce à la vente de CD.

La tourmente de l’industrie de la musique enregistrée dans les années 2000 a modifié l’équilibre du XXe siècle entre les artistes, les maisons de disques, les promoteurs, les magasins de musique au détail et les consommateurs. Depuis 2010 ^{[mettre à jour]}, les magasins à grande surface tels que Wal-Mart et Best Buy vendent plus de disques que les magasins de CD de musique uniquement, qui ont cessé de fonctionner comme un acteur majeur de l’industrie de la musique. Les artistes de la musique comptent désormais sur les performances en direct et les ventes de marchandises (T-shirts, pulls molletonnés, etc.) pour la majorité de leurs revenus, ce qui les a rendus plus dépendants – comme les musiciens d’avant le XXe siècle – des mécènes, désormais illustré par des promoteurs de musique tels que Live Nation(qui domine la promotion des tournées et possède ou gère un grand nombre de salles de concert ). ^[4] Afin de bénéficier de toutes les sources de revenus d’un artiste, les maisons de disques s’appuient de plus en plus sur le ” 360 deal “, une nouvelle relation d’affaires lancée par Robbie Williams et EMI en 2007. ^[38] À l’autre extrême, les maisons de disques peut proposer un simple contrat de fabrication et de distribution , qui accorde un pourcentage plus élevé à l’artiste, mais ne couvre pas les dépenses de marketing et de promotion.

Des entreprises comme Kickstarter aident les musiciens indépendants à produire leurs albums grâce aux fans qui financent les groupes qu’ils veulent écouter. ^[39] De nombreux artistes plus récents ne considèrent plus du tout un contrat d’enregistrement comme faisant partie intégrante de leur plan d’affaires . Du matériel et des logiciels d’enregistrement bon marché permettent d’enregistrer de la musique de qualité raisonnable sur un ordinateur portable dans une chambre et de la distribuer sur Internet à un public mondial. ^[40] Ceci, à son tour, a causé des problèmes aux studios d’enregistrement, aux producteurs de disques et aux ingénieurs du son : le Los Angeles Times rapporte que jusqu’à la moitié des installations d’enregistrement de cette ville ont échoué. ^[41]Les changements dans l’industrie de la musique ont donné aux consommateurs l’accès à une plus grande variété de musique que jamais auparavant, à un prix qui se rapproche progressivement de zéro. ^[7] Cependant, les dépenses des consommateurs en logiciels et matériel liés à la musique ont considérablement augmenté au cours de la dernière décennie, fournissant une nouvelle source de revenus précieuse pour les entreprises technologiques telles qu’Apple Inc. et Pandora Radio .

Statistiques de ventes

Croissance du volume des ventes d’albums numériques en 2014

Learn more.

Groupe de musique universelle

Jul 12, 2022

Délirer

Jul 12, 2022

Edel SE & Co. KGaA

Jul 11, 2022

Vishal Chandrashekhar

Jul 9, 2022

Selon l’IFPI, ^[42] les ventes mondiales d’albums numériques ont augmenté de 6,9 % en 2014.

Pays	Pourcentage
NOUS	+2,1%
ROYAUME-UNI	−2,8 %
France	−3,4 %
Mondial (est.)	+6,9%

Source : Nielsen SoundScan, Official Charts Company/BPI, GfK et estimation IFPI.

Consolidation

Part des ventes du marché mondial de la musique, selon IFPI (2005)

IEM (13,4 %) WMG (11,3 %) Sony BMG (21,5 %) UMG (25,5%) Indépendant (28,4 %)

Avant décembre 1998, l’industrie était dominée par les «Big Six»: Sony Music et BMG n’avaient pas encore fusionné et PolyGram n’avait pas encore été absorbé par Universal Music Group. Après la fusion PolyGram-Universal, les parts de marché de 1998 reflétaient un “Big Five”, contrôlant 77,4% du marché, comme suit, selon MEI World Report 2000 :

Universal Music Group — 21,1 %
Sony Music Entertainment — 17,4 %
EMI — 14,1 %
Groupe de musique Warner – 13,4%
GMB — 11,4 %
Labels indépendants combinés — 22,6 %

En 2004, la joint-venture de Sony et BMG a créé les «Big Four» à une époque où le marché mondial était estimé à 30 à 40 milliards de dollars. ^[43] Les ventes unitaires annuelles totales (CD, vidéoclips, MP3 ) en 2004 étaient de 3 milliards. De plus, selon un rapport de l’ IFPI publié en août 2005, ^[44] les quatre grands représentaient 71,7 % des ventes de musique au détail :

Universal Music Group — 25,5 %
Sony BMG Music Entertainment — 21,5 %
Groupe EMI — 13,4 %
Groupe de musique Warner — 11,3 %
Labels indépendants combinés — 28,3 %

Parts de marché de la musique aux États-Unis, selon Nielsen SoundScan (2011)

IEM (9,62 %) WMG (19,13%) PME (29,29%) UMG (29,85%) Indépendant (12,11%)

Nielsen SoundScan dans son rapport de 2011 notait que les « quatre grands » contrôlaient environ 88 % du marché : ^[45]

Universal Music Group (basé aux États-Unis) – 29,85%
Sony Music Entertainment (basé aux États-Unis) — 29,29 %
Warner Music Group (basé aux États-Unis) – 19,13%
Groupe EMI — 9,62 %
Labels indépendants — 12,11%

Après l’absorption d’EMI par Sony Music Entertainment et Universal Music Group en décembre 2011, les «trois grands» ont été créés et le 8 janvier 2013, après la fusion, quarante travailleurs d’EMI ont été licenciés. Les régulateurs européens ont forcé Universal Music à céder les actifs d’EMI qui sont devenus le Parlophone Label Group qui a été acquis par Warner Music Group. ^[46] Nielsen SoundScan a publié un rapport en 2012, notant que ces labels contrôlaient 88,5 % du marché, et a en outre noté : ^[47]

Universal Music Group (basé aux États-Unis) qui détient EMI Music — 32,41 % + 6,78 % d’EMI Group
Sony Music Entertainment (basé aux États-Unis) qui détient la branche édition du groupe EMI — 30,25 %
Warner Music Group — 19,15 %
Labels indépendants — 11,42 %

Remarque : l’IFPI et Nielsen Soundscan utilisent des méthodologies différentes, ce qui rend leurs chiffres difficiles à comparer au hasard, et impossibles à comparer scientifiquement. ^[48]

Les parts des marchés actuels en septembre 2018 sont les suivantes : ^[49]

Groupe de musique Warner – 25,1%
Universal Music Group — 24,3 %
Sony Corporation — 22,1 %
Autre — 28,5 %

Les plus grands acteurs de cette industrie possèdent plus de 100 maisons de disques subsidiaires ou sous-maisons de disques, chacune spécialisée dans une certaine niche de marché. Seuls les artistes les plus populaires de l’industrie sont signés directement sur le label majeur. Ces entreprises représentent plus de la moitié de la part de marché des États-Unis. Cependant, ce chiffre a quelque peu diminué ces dernières années, car le nouvel environnement numérique permet aux petits labels d’être plus compétitifs. ^[49]

Ventes d’albums et valeur marchande

Les ventes totales d’albums ont diminué au cours des premières décennies du 21e siècle, ce qui a conduit certains critiques musicaux à déclarer la mort de l’album . (Par exemple, les seuls albums qui sont devenus platine aux États-Unis en 2014 étaient la bande originale du film d’animation Disney Frozen et Taylor Swift’s 1989 , alors que plusieurs artistes l’ont fait en 2013.) ^{[50] [51]} Le tableau suivant montre les ventes d’albums et valeur de marché dans le monde en 2014.

Marchés de la musique, avec valeur au détail totale et part des disques physiques et numériques, 2014

Classement	Marché	Valeur au détail US $ (millions)	% Changer	Physique	Numérique	Droits d’exécution	Synchronisation
1	États-Unis	4 898,3	2,1 %	26%	71%	0%	4%
2	Japon	2 627,9	−5,5 %	78%	17%	3%	1%
3	Allemagne	1 404,8	1,9 %	70%	22%	7%	1%
4	Royaume-Uni	1 334,6	−2,8 %	41%	45%	12%	2%
5	France	842.8	−3,4 %	57%	27%	13%	3%
6	Australie	376.1	−6,8 %	32%	56%	9%	2%
7	Canada	342,5	−11,3 %	38%	53%	6%	2%
8	Corée du Sud	265.8	19,2 %	38%	58%	3%	1%
9	Brésil	246,5	2,0 %	41%	37%	21%	1%
dix	Italie	235.2	4,1 %	51%	33%	13%	3%
11	Pays-Bas	204.8	2,1 %	45%	38%	16	1%
12	Suède	189.4	1,3 %	15%	73%	dix%	2%
13	Espagne	181.1	15,2 %	47%	35%	17%	1%
14	Mexique	130.3	−1,4 %	41%	53%	4%	2%
15	Norvège	119,9	0,1 %	14%	72%	12%	2%
16	L’Autriche	114,9	−2,7 %	65%	22%	13%	1%
17	Belgique	111.2	−5,8 %	49%	28%	22%	0%
18	Suisse	108.2	−8,1 %	52%	38%	9%	0%
19	Chine	105.2	5,6 %	12%	87%	0%	1%
20	Inde	100.2	−10,1 %	31%	58%	8%	3%

Source : rapport annuel IFPI 2014. ^[52]

Ventes au détail de musique enregistrée

2000

Dans son rapport annuel du 30 juin 2000 déposé auprès de la Securities and Exchange Commission des États-Unis , Seagram rapporte qu’Universal Music Group a réalisé 40 % des ventes mondiales de musique classique au cours de l’année précédente. ^[53]

2005

Ventes au détail physiques intermédiaires en 2005. Tous les chiffres sont en millions.

Informations sur le pays	Unités	Valeur	Changer (%)
Classement	Nom du pays	Simple	CD	DVD	Unités totales	$ (en USD)	Monnaie locale	Unités	Valeur
1	Etats-Unis	14.7	300,5	11.6	326.8	4783.2	4783.2	−5,70 %	−5,30 %
2	Japon	28,5	93,7	8.5	113,5	2258.2	239759	−6,90 %	−9,20 %
3	ROYAUME-UNI	24.3	66,8	2.9	74,8	1248.5	666.7	−1,70 %	−4,00 %
4	Allemagne	8.5	58,7	4.4	71	887.7	689.7	−7,70 %	−5,80 %
5	France	11.5	47.3	4.5	56,9	861.1	669.1	7,50%	−2,50 %
6	Italie	0,5	14.7	0,7	17	278	216	−8,40 %	−12,30 %
7	Canada	0,1	20.8	1.5	22.3	262.9	325	0,70 %	−4,60 %
8	Australie	3.6	14.5	1.5	17.2	259.6	335,9	−22,90 %	−11,80 %
9	Inde	–	10.9	–	55.3	239.6	11500	−19,20 %	−2,40 %
dix	Espagne	1	17.5	1.1	19.1	231.6	180	−13,40 %	−15,70 %
11	Pays-Bas	1.2	8.7	1.9	11.1	190.3	147,9	−31,30%	−19,80 %
12	Russie	–	25,5	0,1	42,7	187,9	5234.7	−9,40 %	21,20%
13	Mexique	0,1	33.4	0,8	34,6	187,9	2082.3	44,00 %	21,50%
14	Brésil	0,01	17.6	2.4	24	151.7	390.3	−20,40%	−16,50 %
15	L’Autriche	0,6	4.5	0,2	5	120,5	93,6	−1,50 %	−9,60 %
16	Suisse **	0,8	7.1	0,2	7.8	115,8	139.2	n / A	n / A
17	Belgique	1.4	6.7	0,5	7.7	115.4	89,7	−13,80 %	−8,90 %
18	Norvège	0,3	4.5	0,1	4.8	103.4	655.6	−19,70 %	−10,40 %
19	Suède	0,6	6.6	0,2	7.2	98,5	701.1	−29,00 %	−20,30%
20	Danemark	0,1	4	0,1	4.2	73.1	423,5	3,70 %	−4,20 %
Top 20	74,5	757.1	42,8	915.2	12378.7	−6,60 %	−6,30 %

2003–2007

Environ 21 % du chiffre d’ affaires brut des CD en 2003 peut être attribué aux ventes de CD d’occasion. ^{[ citation nécessaire ]} Ce nombre est passé à environ 27 % en 2007. ^{[ citation nécessaire ]} La croissance est attribuée à l’augmentation des ventes en ligne de produits d’occasion par des points de vente tels qu’Amazon.com, la croissance des médias de musique d’occasion devrait continuer à croître à mesure que le coût des téléchargements numériques continue d’augmenter. ^{[ citation nécessaire ]} La vente de biens d’occasion profite financièrement aux vendeurs et aux marchés en ligne, mais aux États-Unis, la doctrine de la première venteempêche les titulaires de droits d’auteur (maisons de disques et éditeurs, en général) de « doubler déduction » par le biais d’un prélèvement sur la vente de musique d’occasion.

2011

À la mi-2011, la RIAA a claironné une augmentation des ventes de 5% par rapport à 2010, déclarant qu ‘”il n’y a probablement pas une seule raison” à la hausse. ^[54]

2012

Le rapport sur l’industrie 2012 de Nielsen Company & Billboard montre que les ventes globales de musique ont augmenté de 3,1 % par rapport à 2011. Les ventes numériques sont à l’origine de cette augmentation, avec une croissance des ventes d’albums numériques de 14,1 % et une croissance des ventes de pistes numériques de 5,1 %, tandis que les ventes de musique physique ont diminué de 12,8 %. par rapport à 2011. Malgré la baisse, les albums physiques étaient toujours le format d’album dominant. Les ventes de disques vinyles ont augmenté de 17,7 % et les ventes d’albums du temps des fêtes ont diminué de 7,1 %. ^[47]

Revenu total par année

Recettes du commerce mondial selon l ‘ IFPI .

An	Revenu	Changer	Remarques
2005	20,7 milliards de dollars	–3%	^{[55] [56]}
2006	19,6 milliards de dollars	–5%	^[55]
2007	18,8 milliards de dollars	−4%	^[57]
2008	18,4 milliards de dollars	−2 %	^[58]
2009	17,4 milliards de dollars	−5 %	^[59]
2010	16,8 milliards de dollars	−3,4 %	^[8]
2011	16,2 milliards de dollars	−4%	^{[8] [60]} (Comprend les revenus de synchronisation)
2012	16,5 milliards de dollars	+2%	^[60]
2013	15 milliards de dollars	−9 %	^[61]
2014	14,97 milliards de dollars	-0,2%	^[62]
2015	15 milliards de dollars	+3,2 %	^{[63] [64]}
2016	15,7 milliards de dollars	+5%	^[65]
2017	17,4 milliards de dollars	+10,8%	^[65]
2018	19,1 milliards de dollars	+9,7%	^[65]
2019	20,2 milliards de dollars	+8,2 %	^[66]
2020	21,6 milliards de dollars	+7,4%	^[67]
2021	25,9 milliards de dollars	+18,5%	^[68]

Par région

Industrie musicale d’Asie
Industrie musicale d’Asie de l’Est
Industrie musicale d’Europe du Nord
L’industrie musicale du Royaume-Uni

Associations et organisations

La liste des associations et organisations musicales couvre des exemples du monde entier, allant des grands organismes internationaux aux petits organismes nationaux.

Voir également

L’éthique du bricolage
Histoire de l’édition musicale
Maison de disques indépendante
Liste des maisons de disques et Catégorie : Maisons de disques
Liste des artistes musicaux les plus vendus
MIDEM – Le plus grand salon de la musique au monde
Maison de disque
Communauté musicale
marque blanche

Portails : Musique Production de disques Affaires et économie

Références

Citations

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Sources

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Lectures complémentaires

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Liens externes

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Article de salon sur la critique de Courtney Love des pratiques commerciales de l’industrie du disque
Communiqué de presse de la Federal Trade Commission concernant la fixation des prix
Règlement antitrust dans une affaire de fixation des prix au Nevada
La critique de l’ auteur- compositeur Janis Ian sur les politiques de l’industrie du disque
The Net is the Independent Artist’s Radio – 10 août 2005 MP3 Newswire article
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Le guide de ressources ASCAP : industrie de l’enregistrement
BPI : Entreprise de musique – Structure de l’industrie
Articles académiques sur l’industrie de la musique The Music Business Journal