Film documentaire

Un film documentaire ou un documentaire est un film cinématographique non fictif destiné à “documenter la réalité, principalement à des fins d’instruction, d’éducation ou de conservation d’un historique “. ^[1] Bill Nichols a caractérisé le documentaire en termes “d’une pratique cinématographique , d’une tradition cinématographique et d’un mode de réception du public [qui reste] une pratique sans frontières claires”. ^[2]

Un appareil photo reflex Bolex “H16” à ressort de 16 mm – un appareil photo d’entrée de gamme populaire utilisé dans les écoles de cinéma

Les premiers films documentaires, appelés à l’origine ” films d’actualité “, duraient une minute ou moins. Au fil du temps, les documentaires ont évolué pour devenir plus longs et inclure plus de catégories. Certains exemples sont éducatifs , d’ observation et de docufiction . Les documentaires sont très instructifs et sont souvent utilisés dans les écoles comme ressource pour enseigner divers principes . Les réalisateurs de documentaires ont la responsabilité d’être fidèles à leur vision du monde sans déformer intentionnellement un sujet.

Les Plateformes de médias sociaux (telles que YouTube ) ont fourni une avenue pour la croissance du genre documentaire-film . Ces plates-formes ont augmenté la zone de distribution et la facilité d’accès, améliorant ainsi la capacité d’éduquer un plus grand nombre de téléspectateurs et élargissant la portée des personnes qui reçoivent ces informations. ^{[ citation nécessaire ]}

Définition

La couverture du livre de 1898 de Bolesław Matuszewski Une nouvelle source de l’histoire. (A New Source of History) , la première publication sur la fonction documentaire de la cinématographie.

L’écrivain et cinéaste polonais Bolesław Matuszewski fait partie de ceux qui ont identifié le mode du film documentaire. Il a écrit deux des premiers textes sur le cinéma Une nouvelle source de l’histoire et La photographie animée . Tous deux ont été publiés en 1898 en français et parmi les premières œuvres écrites à considérer la valeur historique et documentaire du film. ^[3] Matuszewski est également parmi les premiers cinéastes à proposer la création d’une archive cinématographique pour collecter et conserver en toute sécurité les documents visuels. ^[4]

Le mot “documentaire” a été inventé par le réalisateur de documentaires écossais John Grierson dans sa critique du film Moana (1926) de Robert Flaherty , publié dans le New York Sun le 8 février 1926, écrit par “The Moviegoer” (nom de plume de Grierson ). ^[5]

Les principes du documentaire de Grierson étaient que le potentiel du cinéma pour observer la vie pouvait être exploité dans une nouvelle forme d’art ; que l’acteur “original” et la scène “originale” sont de meilleurs guides que leurs homologues de fiction pour interpréter le monde moderne ; et que les matériaux “ainsi tirés du brut” peuvent être plus réels que l’article agi. À cet égard, la définition de Grierson du documentaire comme « traitement créatif de l’actualité » ^[6] a acquis une certaine acceptation, cette position étant en contradiction avec la provocation du cinéaste soviétique Dziga Vertov de présenter « la vie telle qu’elle est » (c’est-à-dire, vie filmée subrepticement) et “vie prise au dépourvu” (vie provoquée ou surprise par la caméra).

Le critique de cinéma américain Pare Lorentz définit un film documentaire comme « un film factuel qui est dramatique ». ^[7] D’autres affirment en outre qu’un documentaire se démarque des autres types de films de non-fiction pour fournir une opinion et un message spécifique, ainsi que les faits qu’il présente. ^[8]

La pratique documentaire est le processus complexe de création de projets documentaires. Il fait référence à ce que les gens font avec les dispositifs médiatiques, le contenu, la forme et les stratégies de production pour résoudre les problèmes et les choix créatifs, éthiques et conceptuels qui surviennent lorsqu’ils réalisent des documentaires.

La réalisation de films documentaires peut être utilisée comme une forme de journalisme, de plaidoyer ou d’expression personnelle.

Histoire

Avant 1900

Les premiers films (avant 1900) étaient dominés par la nouveauté de montrer un événement. Il s’agissait de moments uniques capturés sur film : un train entrant dans une gare, un bateau accostant ou des ouvriers d’usine quittant le travail. Ces courts métrages étaient appelés films “d’actualité”; le terme “documentaire” n’a été inventé qu’en 1926. Beaucoup des premiers films, comme ceux réalisés par Auguste et Louis Lumière , duraient une minute ou moins, en raison de limitations technologiques (exemple sur YouTube).

Les films montrant de nombreuses personnes (par exemple à la sortie d’une usine) étaient souvent tournés pour des raisons commerciales : les personnes filmées étaient impatientes de voir, moyennant paiement, le film les montrant. Un film notable a duré plus d’une heure et demie, The Corbett-Fitzsimmons Fight . Utilisant une technologie pionnière de film en boucle, Enoch J. Rector a présenté l’intégralité d’un célèbre prix de 1897 sur les écrans de cinéma à travers les États-Unis.

En mai 1896, Bolesław Matuszewski enregistre sur pellicule quelques opérations chirurgicales dans les hôpitaux de Varsovie et de Saint-Pétersbourg . En 1898, le chirurgien français Eugène-Louis Doyen invite Bolesław Matuszewski et Clément Maurice et leur propose d’enregistrer ses opérations chirurgicales. Ils ont commencé à Paris une série de films chirurgicaux quelque temps avant juillet 1898. ^[9] Jusqu’en 1906, l’année de son dernier film, Doyen a enregistré plus de 60 opérations. Doyen a déclaré que ses premiers films lui avaient appris à corriger des erreurs professionnelles qu’il ignorait. À des fins scientifiques, après 1906, Doyen a combiné 15 de ses films en trois compilations, dont deux survivent, la série de six filmsExtirpation des tumeurs encapsulées (1906) et les quatre films Les Opérations sur la cavité crânienne (1911). Ces films et cinq autres films de Doyen survivent. ^[dix]

Image d’un des films scientifiques de Gheorghe Marinescu (1899).

Entre juillet 1898 et 1901, le professeur roumain Gheorghe Marinescu réalise plusieurs films scientifiques dans sa clinique de neurologie de Bucarest : ^[11] Walking Troubles of Organic Hemiplegy (1898), The Walking Troubles of Organic Paraplegies (1899), A Case of Hysteric Hemiplegy Healed Par l’hypnose (1899), les troubles de la marche de l’ataxie progressive de la locomotion (1900) et les maladies des muscles (1901). Tous ces courts métrages ont été conservés. Le professeur a appelé ses travaux “études avec l’aide du cinématographe”, et a publié les résultats, ainsi que plusieurs cadres consécutifs, dans des numéros de La Semaine Médicalemagazine de Paris, entre 1899 et 1902. ^[12] En 1924, Auguste Lumière reconnaît les mérites des films scientifiques de Marinescu : « J’ai vu vos rapports scientifiques sur l’utilisation du cinématographe dans l’étude des maladies nerveuses, alors que je recevais encore La Semaine Médicale , mais à l’époque j’avais d’autres soucis qui ne me laissaient pas de temps libre pour entreprendre des études biologiques. Je dois dire que j’ai oublié ces travaux et je vous suis reconnaissant de me les avoir rappelés. Malheureusement, peu de scientifiques ont suivi votre chemin.” ^{[13] [14] [15]}

1900–1920

Geoffrey Malins avec une caméra aéroscopique pendant la Première Guerre mondiale.

Les films de voyage étaient très populaires au début du XXe siècle. Ils étaient souvent appelés par les distributeurs “scenics”. Les scènes faisaient partie des films les plus populaires à l’époque. ^[16] Un premier film important pour aller au-delà du concept de scène était In the Land of the Head Hunters (1914), qui embrassait le primitivisme et l’ exotisme dans une histoire mise en scène présentée comme des reconstitutions véridiques de la vie des Amérindiens .

La contemplation est un domaine à part. Pathé est le fabricant mondial le plus connu de ces films du début du XXe siècle. Un exemple frappant est Moscow Clad in Snow (1909).

Des documentaires biographiques sont apparus pendant cette période, comme le long métrage Eminescu-Veronica-Creangă (1914) sur la relation entre les écrivains Mihai Eminescu , Veronica Micle et Ion Creangă (tous décédés au moment de la production) publié par le chapitre de Bucarest de Pathé .

Les premiers procédés cinématographiques en couleur tels que Kinemacolor – connu pour le long métrage With Our King and Queen Through India (1912) – et Prizmacolor – connu pour Everywhere With Prizma (1919) et le long métrage à cinq rouleaux Bali the Unknown (1921) – utilisaient des récits de voyage pour promouvoir les nouveaux procédés de couleur. En revanche, Technicolor s’est concentré principalement sur l’adoption de son procédé par les studios hollywoodiens pour les longs métrages de fiction.

Également au cours de cette période, le long métrage documentaire de Frank Hurley , South (1919), sur l’ expédition impériale transantarctique est sorti. Le film a documenté l’échec de l’expédition antarctique dirigée par Ernest Shackleton en 1914.

années 1920

le romantisme Affiche Nanook du Nord .

Avec Nanook of the North de Robert J. Flaherty en 1922, le film documentaire embrasse le romantisme ; Flaherty a filmé un certain nombre de films romantiques fortement mis en scène au cours de cette période, montrant souvent comment ses sujets auraient vécu 100 ans plus tôt et non comment ils vivaient à ce moment-là. Par exemple, dans Nanook of the North , Flaherty n’a pas permis à ses sujets de tirer sur un morse avec un fusil de chasse à proximité, mais leur a fait utiliser un harpon à la place. Certaines des mises en scène de Flaherty, comme la construction d’un igloo sans toit pour les prises de vue intérieures, ont été réalisées pour s’adapter à la technologie de tournage de l’époque.

Paramount Pictures a tenté de répéter le succès de Nanook et Moana de Flaherty avec deux documentaires romantiques, Grass (1925) et Chang (1927), tous deux réalisés par Merian Cooper et Ernest Schoedsack .

Ville-symphonie

Le genre de sous-film city-symphony était des Films d’avant-garde des années 1920 et 1930. Ces films ont été particulièrement influencés par l’art moderne ; à savoir le cubisme , le constructivisme et l’impressionnisme . ^[17] Selon l’historien de l’art et auteur Scott Macdonald, ^[18] les films symphoniques de la ville peuvent être décrits comme “Une intersection entre le documentaire et le film d’avant-garde : un avant-doc ” ; Cependant, AL Rees suggère de les voir comme des Films d’avant-garde. ^[17]

Les premiers titres produits dans ce genre incluent : Manhatta (New York ; dir. Paul Strand , 1921) ; Rien que les heures ( France ; réal. Alberto Cavalcanti , 1926) ; Twenty Four Dollar Island (réal. Robert J. Flaherty , 1927); Études sur Paris (dir. André Sauvage , 1928) ; The Bridge (1928) et Rain (1929), tous deux de Joris Ivens ; São Paulo, Sinfonia da Metropole (dir. Adalberto Kemeny , 1929), Berlin : Symphonie d’une métropole (dir.Walter Ruttmann , 1927); Homme à la caméra (réal. Dziga Vertov , 1929) et Douro, Faina Fluvial (réal. Manoel de Oliveira , 1931).

Dans ce plan tiré de Berlin, Symphonie d’une grande ville (1927) de Walter Ruttmann , des cyclistes courent à l’intérieur. Le film est tourné et monté comme un poème visuel.

Un film city-symphony, comme son nom l’indique, est le plus souvent basé sur une grande région métropolitaine et cherche à capturer la vie, les événements et les activités de la ville. Il peut s’agir d’une cinématographie abstraite ( Berlin de Walter Ruttman ) ou peut utiliser la théorie du montage soviétique (L’ Homme à la caméra de Dziga Vertov ) ; mais surtout, un film city-symphony est une forme de cinépoésie tournée et montée à la manière d’une « symphonie ».

Dans ce cliché de Man with a Movie Camera , Mikhail Kaufman joue le rôle d’un caméraman risquant sa vie à la recherche du meilleur cliché

La tradition continentale ( Voir : Réalisme ) s’est concentrée sur les humains dans des environnements créés par l’homme, et a inclus les films dits « city-symphony » tels que Walter Ruttmann, Berlin, Symphony of a City (dont Grierson a noté dans un article ^{[19 ]} que Berlin, représentait ce qu’un documentaire ne devrait pas être); d’Alberto Cavalcanti, Rien que les heures ; et l’ Homme à la caméra de Dziga Vertov . Ces films ont tendance à présenter les gens comme des produits de leur environnement et penchent vers l’avant-garde.

Kino-Pravda

Dziga Vertov était au cœur de la série d’actualités soviétiques Kino-Pravda (littéralement, “la vérité cinématographique”) des années 1920. Vertov pensait que la caméra – avec ses objectifs variés, son montage en contre-plan, son time-lapse, sa capacité à ralentir, à arrêter et à accélérer – pouvait rendre la réalité plus précisément que l’œil humain, et en a fait une philosophie cinématographique. .

La tradition des actualités

La tradition des actualités est importante dans le film documentaire ; les films d’actualités étaient aussi parfois mis en scène, mais étaient généralement des reconstitutions d’événements qui s’étaient déjà produits, et non des tentatives de diriger des événements alors qu’ils étaient en train de se produire. Par exemple, une grande partie des images de bataille du début du XXe siècle ont été mises en scène; les caméramans arrivaient généralement sur place après une bataille majeure et reconstituaient des scènes pour les filmer.

1930-1940

La tradition propagandiste consiste en des films réalisés dans le but explicite de persuader un public d’un point. L’un des films de propagande les plus célèbres et les plus controversés est le film Triumph of the Will (1935) de Leni Riefenstahl , qui relate le congrès du parti nazi de 1934 et a été commandé par Adolf Hitler . Les cinéastes de gauche Joris Ivens et Henri Storck ont ​​​​réalisé Borinage (1931) sur la région charbonnière belge. Luis Buñuel réalise un documentaire « surréaliste » Las Hurdes (1933).

The Plough That Broke the Plains (1936) et The River (1938) de Pare Lorentz et The City (1939) de Willard Van Dyke sont des productions remarquables du New Deal , chacune présentant des combinaisons complexes de conscience sociale et écologique, de propagande gouvernementale et de points de vue de gauche. La série Why We Fight (1942-1944) de Frank Capra était une série d’actualités aux États-Unis, commandée par le gouvernement pour convaincre le public américain qu’il était temps d’entrer en guerre. Constance Bennett et son mari Henri de la Falaise ont produit deux longs métrages documentaires, Legong: Dance of the Virgins(1935) tourné à Bali , et Kilou the Killer Tiger (1936) tourné en Indochine .

Au Canada, l’ Office du film , mis sur pied par John Grierson, a été créé pour les mêmes raisons de propagande. Il a également créé des films d’actualités qui ont été considérés par leurs gouvernements nationaux comme une contre-propagande légitime à la guerre psychologique de l’Allemagne nazie (orchestrée par Joseph Goebbels ).

Conférence de « l’Union mondiale des films documentaires » en 1948 à Varsovie réunissait des réalisateurs célèbres de l’époque : Basil Wright (à gauche), Elmar Klos , Joris Ivens (2e à partir de la droite) et Jerzy Toeplitz .

En Grande-Bretagne, un certain nombre de cinéastes différents se sont réunis sous John Grierson. Ils sont devenus connus sous le nom de Mouvement du film documentaire . Grierson, Alberto Cavalcanti , Harry Watt , Basil Wright et Humphrey Jennings , entre autres, ont réussi à mélanger la propagande, l’information et l’éducation avec une approche esthétique plus poétique du documentaire. Des exemples de leur travail incluent Drifters ( John Grierson ), Song of Ceylon ( Basil Wright ), Fires Were Started et A Diary for Timothy ( Humphrey Jennings ). Leur travail a impliqué des poètes tels queWH Auden , des compositeurs comme Benjamin Britten et des écrivains comme JB Priestley . Parmi les films les plus connus du mouvement figurent Night Mail et Coal Face .

Film Calling mr. Smith (1943) était un film couleur anti-nazi ^{[20] [21] [22]} créé par Stefan Themerson et étant à la fois documentaire et film d’avant-garde contre la guerre. Ce fut l’un des premiers films anti-nazis de l’histoire.

1950-1970

Lennart Meri (1929–2006), le deuxième Président de la République d’Estonie , a réalisé des documentaires plusieurs années avant sa présidence. Son film The Winds of the Milky Way a remporté une médaille d’argent au Festival du film de New York en 1977. ^{[23] [24] [25]} Cinéma-vérité

Le Cinéma vérité (ou le Direct Cinema étroitement apparenté ) dépendait de certaines avancées techniques pour exister : des caméras légères, silencieuses et fiables, et un son de synchronisation portable.

Le cinéma vérité et les traditions documentaires similaires peuvent ainsi être vus, dans une perspective plus large, comme une réaction contre les contraintes de la production cinématographique en studio. Le tournage sur place, avec des équipes plus petites, se produirait également dans la Nouvelle Vague française , les cinéastes profitant des progrès de la technologie permettant des caméras portables plus petites et un son synchronisé pour filmer les événements sur place au fur et à mesure qu’ils se déroulaient.

Bien que les termes soient parfois utilisés de manière interchangeable, il existe des différences importantes entre le cinéma vérité ( Jean Rouch ) et le « Direct Cinema » nord-américain (ou plus exactement « Cinéma direct »), lancé par, entre autres, les Canadiens Allan King , Michel Brault , et Pierre Perrault , ^[26] et les Américains Robert Drew , Richard Leacock , Frederick Wiseman , et Albert et David Maysles .

Les dirigeants du mouvement ont des points de vue différents sur leur degré d’implication avec leurs sujets. Kopple et Pennebaker, par exemple, choisissent la non-implication (ou du moins pas d’implication manifeste), et Perrault, Rouch, Koenig et Kroitor privilégient l’implication directe ou même la provocation lorsqu’ils le jugent nécessaire.

Les films Chronicle of a Summer ( Jean Rouch ), Dont Look Back ( DA Pennebaker ), Grey Gardens ( Albert et David Maysles ), Titicut Follies ( Frederick Wiseman ), Primary et Crisis: Behind a Presidential Commitment (tous deux produits par Robert Drew ) , Harlan County, États-Unis (réalisé par Barbara Kopple ), Lonely Boy ( Wolf Koenig et Roman Kroitor ) sont tous fréquemment considérés comme des films de cinéma vérité .

Les principes fondamentaux du style incluent le suivi d’une personne pendant une crise avec une caméra mobile, souvent portative, pour capturer des réactions plus personnelles. Il n’y a pas d’entretiens assis et le rapport de prise de vue (la quantité de film tourné par rapport au produit fini) est très élevé, atteignant souvent 80 pour un. À partir de là, les éditeurs trouvent et sculptent l’œuvre dans un film. Les éditeurs du mouvement – tels que Werner Nold , Charlotte Zwerin, Muffie Myers, Susan Froemke et Ellen Hovde – sont souvent négligés, mais leur contribution aux films était si vitale qu’ils ont souvent reçu des crédits de co-réalisation.

Les célèbres films de cinéma vérité/Cinéma direct incluent Les Raquetteurs , ^[27] Showman , Salesman , Near Death et The Children Were Watching .

Armes politiques

Dans les années 1960 et 1970, le film documentaire était souvent conçu comme une arme politique contre le néocolonialisme et le capitalisme en général, surtout en Amérique latine, mais aussi dans une société québécoise en mutation . La Hora de los hornos ( L’Heure des fourneaux , de 1968), réalisé par Octavio Getino et Arnold Vincent Kudales Sr. , a influencé toute une génération de cinéastes. Parmi les nombreux documentaires politiques produits au début des années 1970, il y avait “Chile: A Special Report”, le premier regard approfondi de la télévision publique sur le renversement en septembre 1973 du gouvernement de Salvador Allende au Chili par des chefs militaires sousAugusto Pinochet , réalisé par les documentaristes Ari Martinez et José Garcia.

Un article du 28 juin 2020 du New York Times parle d’un film documentaire politique « And She Could Be Next », réalisé par Grace Lee et Marjan Safinia. Le documentaire met non seulement l’accent sur le rôle des femmes en politique, mais plus spécifiquement sur les femmes de couleur, leurs communautés et les changements importants qu’elles apportent à la politique américaine. ^[28]

Documentaires modernes

Les analystes du box-office ont noté que ce genre de film connaît de plus en plus de succès dans les salles de cinéma avec des films tels que Fahrenheit 9/11 , Super Size Me , Food, Inc. , Earth , March of the Penguins et An Inconvenient Truth parmi les exemples les plus marquants . . Par rapport aux films narratifs dramatiques, les documentaires ont généralement des budgets bien inférieurs, ce qui les rend attrayants pour les sociétés cinématographiques, car même une sortie en salles limitée peut être très rentable.

La nature des films documentaires s’est élargie au cours des 20 dernières années à partir du style cinéma vérité introduit dans les années 1960 dans lequel l’utilisation d’une caméra portable et d’un équipement sonore permettait une relation intime entre le cinéaste et le sujet. La ligne s’estompe entre documentaire et récit et certaines œuvres sont très personnelles, comme Tongues Untied (1989) de Marlon Riggs et Black Is …Black Ain’t (1995), qui mélangent des éléments et des accents expressifs, poétiques et rhétoriques. subjectivités plutôt que des matériaux historiques. ^[29]

Des documentaires historiques, tels que le célèbre film de 14 heures Eyes on the Prize : America’s Civil Rights Years (1986—Part 1 and 1989—Part 2) de Henry Hampton, 4 Little Girls (1997) de Spike Lee et The Civil War de Ken Burns , film indépendant sur l’esclavage 500 ans plus tard récompensé par l’UNESCO , a exprimé non seulement une voix distincte mais aussi une perspective et un point de vue. Certains films tels que The Thin Blue Line d’ Errol Morris incorporaient des reconstitutions stylisées et Roger & Me de Michael Mooreplacé beaucoup plus de contrôle interprétatif avec le réalisateur. Le succès commercial de ces documentaires peut provenir de ce changement narratif dans la forme documentaire, amenant certains critiques à se demander si ces films peuvent vraiment être qualifiés de documentaires ; les critiques qualifient parfois ces œuvres de « mondo films » ou de « docu-ganda ». ^[30] Cependant, la manipulation de réalisateur de sujets documentaires a été notée depuis le travail de Flaherty et peut être endémique à la forme due aux fondations ontologiques problématiques.

Les réalisateurs de documentaires utilisent de plus en plus des campagnes à impact social avec leurs films. ^[31] Les campagnes d’impact social cherchent à tirer parti des projets médiatiques en convertissant la sensibilisation du public aux problèmes et causes sociaux en engagement et en action, en grande partie en offrant au public un moyen de s’impliquer. ^[32] Des exemples de tels documentaires incluent Kony 2012 , Salam Neighbour , Gasland , Living on One Dollar et Girl Rising .

Bien que les documentaires soient financièrement plus viables avec la popularité croissante du genre et l’avènement du DVD, le financement de la production de films documentaires reste insaisissable. Au cours de la dernière décennie, les plus grandes opportunités d’exposition ont émergé du marché de la diffusion, rendant les cinéastes redevables aux goûts et aux influences des diffuseurs qui sont devenus leur principale source de financement. ^[33]

Les documentaires modernes ont un certain chevauchement avec les formes de télévision, avec le développement de la «téléréalité» qui frôle parfois le documentaire mais vire plus souvent à la fiction ou à la mise en scène. Le documentaire “making-of” montre comment un film ou un jeu vidéo a été produit. Généralement réalisé à des fins promotionnelles, il s’apparente plus à une publicité qu’à un documentaire classique.

Les caméras vidéo numériques légères modernes et le montage informatisé ont grandement aidé les réalisateurs de documentaires, tout comme la chute spectaculaire des prix des équipements. Le premier film à tirer pleinement parti de ce changement a été Voices of Iraq de Martin Kunert et Eric Manes , où 150 caméras DV ont été envoyées en Irak pendant la guerre et distribuées aux Irakiens pour qu’ils s’enregistrent.

Documentaires sans paroles

Des films sous forme documentaire sans paroles ont été réalisés. Listen to Britain , réalisé par Humphrey Jennings et Stuart McAllister en 1942, est une méditation sans mots sur la Grande-Bretagne en temps de guerre. À partir de 1982, la trilogie Qatsi et la Baraka similaire pourraient être décrites comme des poèmes sonores visuels, avec une musique liée aux images, mais aucun contenu parlé. Koyaanisqatsi (partie de la trilogie Qatsi) se compose principalement de photographies au ralenti et en accéléré de villes et de nombreux paysages naturels à travers les États-Unis. Baraka essaie de capturer le grand pouls de l’humanité alors qu’il afflue et fourmille dans les activités quotidiennes et les cérémonies religieuses.

Bodysong a été réalisé en 2003 et a remporté un British Independent Film Award pour le “Meilleur documentaire britannique”.

Le film Genesis de 2004 montre la vie animale et végétale dans des états d’expansion, de décomposition, de sexe et de mort, avec quelques, mais peu, de narration.

Styles de narration Narrateur en voix off

Le style traditionnel de narration consiste à demander à un narrateur dédié de lire un script qui est doublé sur la piste audio. Le narrateur n’apparaît jamais devant la caméra et n’a pas nécessairement connaissance du sujet ou n’a pas participé à l’écriture du scénario.

Narration silencieuse

Ce style de narration utilise des écrans de titre pour raconter visuellement le documentaire. Les écrans sont maintenus pendant environ 5 à 10 secondes pour laisser suffisamment de temps au spectateur pour les lire. Ils sont similaires à ceux montrés à la fin des films basés sur des histoires vraies, mais ils sont montrés tout au long, généralement entre les scènes.

Narrateur hébergé

Dans ce style, il y a un animateur qui apparaît devant la caméra, mène des interviews et qui fait également des voix off.

Autres formes

Documentaire hybride

La sortie de The Act of Killing (2012) réalisé par Joshua Oppenheimer a introduit des possibilités pour les formes émergentes du documentaire hybride. Le cinéma documentaire traditionnel supprime généralement les signes de fictionnalisation pour se distinguer des genres de films de fiction. Le public est récemment devenu plus méfiant à l’égard de la production factuelle traditionnelle des médias, ce qui le rend plus réceptif aux moyens expérimentaux de raconter les faits. Le documentaire hybride met en œuvre des jeux de vérité pour défier la production factuelle traditionnelle. Bien qu’il soit basé sur des faits, le documentaire hybride n’est pas explicite sur ce qu’il faut comprendre, créant un dialogue ouvert entre le sujet et le public. ^[34] La Tonnelle de Clio Barnard (2010), Joshua OppenheimerThe Act of Killing (2012) de Mads Brügger , The Ambassador de Mads Brügger et Bombay Beach (2011) d’ Alma Har’el en sont quelques exemples notables. ^[34]

Documentaire

La docufiction est un genre hybride à partir de deux genres fondamentaux, le film de fiction et le documentaire, pratiqué depuis la réalisation des premiers films documentaires.

Faux-fiction

La fausse fiction est un genre qui présente délibérément des événements réels et non scénarisés sous la forme d’un film de fiction, les faisant apparaître comme mis en scène. Le concept a été introduit ^[35] par Pierre Bismuth pour décrire son film de 2016 Où est Rocky II ?

Documentaire DVD

Un documentaire sur DVD est un film documentaire de durée indéterminée qui a été produit dans le seul but de le diffuser pour vente directe au public sur DVD(s), à la différence d’un documentaire réalisé et diffusé d’abord à la télévision ou sur un écran de cinéma. (alias sortie en salles ) et par la suite sur DVD pour la consommation publique.

Cette forme de sortie documentaire devient de plus en plus populaire et acceptée à mesure que les coûts et la difficulté de trouver des créneaux de sortie télévisuelle ou théâtrale augmentent. Il est également couramment utilisé pour des documentaires plus “spécialisés”, qui pourraient ne pas avoir d’intérêt général pour un public télévisé plus large. Les exemples sont les arts militaires, culturels, les transports, les sports, etc.

Films de compilation

Les films de compilation ont été lancés en 1927 par Esfir Schub avec The Fall of the Romanov Dynasty . Des exemples plus récents incluent Point of Order! (1964), réalisé par Emile de Antonio sur les audiences McCarthy. De même, The Last Cigarette combine le témoignage de divers dirigeants de compagnies de tabac devant le Congrès américain avec une propagande d’archives vantant les vertus du tabagisme.

Les documentaires poétiques, apparus pour la première fois dans les années 1920, étaient une sorte de réaction contre le contenu et la grammaire qui se cristallisait rapidement du premier film de fiction. Le mode poétique s’est éloigné du montage continu et a plutôt organisé des images du monde matériel au moyen d’associations et de motifs, à la fois en termes de temps et d’espace. Les personnages bien arrondis – “des gens réalistes” – étaient absents; au lieu de cela, les gens sont apparus dans ces films comme des entités, comme les autres, que l’on trouve dans le monde matériel. Les films étaient fragmentaires, impressionnistes, lyriques. Leur rupture de la cohérence du temps et de l’espace, cohérence privilégiée par les films de fiction de l’époque, peut aussi être vue comme un élément du contre-modèle moderniste du récit cinématographique. Le “monde réel” – Nichols l’appelle le “monde historique” – a été brisé en fragments et reconstitué esthétiquement sous forme de film. Des exemples de ce style incluent Joris IvensRain (1928), qui enregistre une averse estivale passagère sur Amsterdam ; Play of Light: Black, White, Grey (1930) de László Moholy-Nagy , dans lequel il filme l’une de ses propres sculptures cinétiques, mettant l’accent non pas sur la sculpture elle-même mais sur le jeu de lumière qui l’entoure; les films d’animation abstraits d’ Oskar Fischinger ; NY, NY (1957) de Francis Thompson , un film symphonique urbain ; et Sans Soleil de Chris Marker (1982).

Les documentaires explicatifs s’adressent directement au spectateur, souvent sous la forme d’un commentaire faisant autorité utilisant une voix off ou des titres, proposant un argument et un point de vue solides. Ces films sont rhétoriques et tentent de persuader le spectateur. (Ils peuvent utiliser une voix masculine riche et sonore.) Le commentaire (voix de Dieu) semble souvent « objectif » et omniscient. Les images ne sont souvent pas primordiales ; ils existent pour faire avancer l’argument. La rhétorique nous presse avec insistance de lire les images d’une certaine façon. Les documentaires historiques de ce mode livrent un récit et une interprétation non problématiques et “objectifs” des événements passés.

Exemples : émissions de télévision et films comme Biography , America’s Most Wanted , de nombreux documentaires sur la science et la nature, The Civil War de Ken Burns (1990), The Shock of the New de Robert Hughes (1980), Ways Of Seeing de John Berger (1974 ), la série de guerre Why We Fight de Frank Capra et The Plow That Broke The Plains de Pare Lorentz (1936).

Observationnel

équipe de tournage au port de Dar es Salaam avec deux ferries

Les documentaires d’observation tentent d’observer simplement et spontanément la vie vécue avec un minimum d’intervention. Les cinéastes qui ont travaillé dans ce sous-genre ont souvent considéré le mode poétique comme trop abstrait et le mode expositif comme trop didactique. Les premiers documents d’observation remontent aux années 1960; les développements technologiques qui les ont rendues possibles comprennent des caméras légères mobiles et des équipements d’enregistrement sonore portables pour le son synchronisé. Souvent, ce mode de film évitait les commentaires en voix off, les dialogues et la musique post-synchronisés ou les reconstitutions. Les films visaient l’immédiateté, l’intimité et la révélation du caractère humain individuel dans des situations de la vie ordinaire.

Les types

Documentaires participatifscroient qu’il est impossible que l’acte de faire un film n’influence pas ou ne modifie pas les événements filmés. Ce que font ces films, c’est imiter l’approche de l’anthropologue : l’observation participante. Non seulement le cinéaste fait partie du film, mais nous avons également une idée de la façon dont les situations du film sont affectées ou modifiées par leur présence. Nichols : “Le cinéaste sort de derrière le manteau du commentaire en voix off, s’éloigne de la méditation poétique, descend d’un perchoir à mouches sur le mur et devient un acteur social (presque) comme les autres. (Presque comme tout autre parce que le cinéaste conserve la caméra, et avec elle, un certain degré de pouvoir potentiel et de contrôle sur les événements.)” La rencontre entre le cinéaste et le sujet devient un élément critique du film. Rouch et Morin ont nommé l’approche cinéma vérité, traduire le kinopravda de Dziga Vertov en français ; la « vérité » renvoie à la vérité de la rencontre plutôt qu’à une vérité absolue.

Les documentaires réflexifs ne se voient pas comme une fenêtre transparente sur le monde ; au lieu de cela, ils attirent l’attention sur leur propre construction et sur le fait qu’ils sont des représentations. Comment le monde est-il représenté par les films documentaires ? Cette question est centrale dans ce sous-genre de films. Ils nous incitent à “s’interroger sur l’authenticité du documentaire en général”. C’est le plus conscient de tous les modes et il est très sceptique quant au “réalisme”. Elle peut utiliser des stratégies brechtiennes d’aliénation pour nous déstabiliser, afin de « défamiliariser » ce que nous voyons et comment nous le voyons.

Les documentaires performatifs mettent l’accent sur l’expérience subjective et la réponse émotionnelle au monde. Ils sont fortement personnels, non conventionnels, peut-être poétiques et/ou expérimentaux, et peuvent inclure des mises en scène hypothétiques d’événements conçus pour nous faire expérimenter ce que cela pourrait être pour nous de posséder une certaine perspective spécifique sur le monde qui n’est pas la nôtre, par exemple que d’hommes homosexuels noirs dans Tongues Untied (1989) de Marlon Riggs ou Paris Is Burning de Jenny Livingston(1991). Ce sous-genre pourrait également se prêter à certains groupes (ex. femmes, minorités ethniques, gais et lesbiennes, etc.) pour « parler d’eux-mêmes ». Souvent, une batterie de techniques, souvent empruntées à des films de fiction ou d’avant-garde, est utilisée. Les documentaires performatifs associent souvent des récits ou des expériences personnelles à des réalités politiques ou historiques plus larges.

Films éducatifs

Des documentaires sont diffusés dans les écoles du monde entier afin d’éduquer les élèves. Utilisés pour introduire divers sujets aux enfants, ils sont souvent utilisés avec une leçon scolaire ou montrés à plusieurs reprises pour renforcer une idée.

Traduction

Plusieurs défis sont associés à la traduction de documentaires. Les deux principaux sont les conditions de travail et les problèmes de terminologie.

Les conditions de travail

Les traducteurs de documentaires doivent très souvent respecter des délais serrés. Normalement, le traducteur dispose de cinq à sept jours pour remettre la traduction d’un programme de 90 minutes. Les studios de doublage donnent généralement une semaine aux traducteurs pour traduire un documentaire, mais pour gagner un bon salaire, les traducteurs doivent livrer leurs traductions dans un délai beaucoup plus court, généralement lorsque le studio décide de livrer le programme final au client plus tôt ou lorsque le chaîne de diffusion fixe un délai serré, par exemple sur les documentaires traitant des dernières nouvelles. ^[36]

Un autre problème est le manque de script de postproduction ou la mauvaise qualité de la transcription. Une transcription correcte est essentielle pour qu’un traducteur fasse correctement son travail, mais souvent le script n’est même pas remis au traducteur, ce qui est un obstacle majeur puisque les documentaires se caractérisent par “l’abondance d’unités terminologiques et de noms propres très spécifiques”. ^[37]Lorsque le script est remis au traducteur, il est généralement mal transcrit ou carrément incorrect, ce qui rend la traduction inutilement difficile et exigeante, car tous les noms propres et la terminologie spécifique doivent être corrects dans un programme documentaire pour qu’il soit une source fiable. d’informations, le traducteur doit donc vérifier lui-même chaque terme. De telles erreurs dans les noms propres sont par exemple : « Jungle Reinhard au lieu de Django Reinhart, Jorn Asten au lieu de Jane Austen et Magnus Axle au lieu d’Aldous Huxley ». ^[37]

Terminologie

Le processus de traduction d’un programme documentaire nécessite de travailler avec une terminologie très spécifique, souvent scientifique. Les traducteurs de documentaires ne sont généralement pas des spécialistes dans un domaine donné. Par conséquent, ils sont obligés d’entreprendre des recherches approfondies chaque fois qu’on leur demande de faire une traduction d’un programme documentaire spécifique afin de le comprendre correctement et de livrer le produit final exempt d’erreurs et d’inexactitudes. Généralement, les documentaires contiennent un grand nombre de termes spécifiques, avec lesquels les traducteurs doivent se familiariser par eux-mêmes, par exemple :

Le documentaire Beetles, Record Breakers utilise 15 termes différents pour désigner les coléoptères en moins de 30 minutes (longicorne, coléoptère des caves, lucane, coléoptère des nécropoles ou fossoyeurs, coléoptère du sacristain, coléoptère du tigre, coléoptère au nez sanglant, coléoptère de la tortue, coléoptère plongeant coléoptère, cheval du diable, charançon, taupin, coléoptère malachite, coléoptère de l’huile, hanneton), en plus de mentionner d’autres animaux tels que les chauves-souris en fer à cheval ou les papillons bruns des prés. ^[38]

Cela représente un véritable défi pour les traducteurs car ils doivent rendre le sens, c’est-à-dire trouver un équivalent, d’un terme scientifique très spécifique dans la langue cible et souvent le narrateur utilise un nom plus général au lieu d’un terme spécifique et le traducteur a s’appuyer sur l’image présentée dans le programme pour comprendre de quel terme il s’agit afin de le transposer dans la langue cible en conséquence. ^[39]De plus, les traducteurs de langues minorisées doivent souvent faire face à un autre problème : certains termes peuvent même ne pas exister dans la langue cible. Dans de tels cas, ils doivent créer une nouvelle terminologie ou consulter des spécialistes pour trouver des solutions appropriées. Aussi, parfois la nomenclature officielle diffère de la terminologie utilisée par de vrais spécialistes, ce qui laisse le choix au traducteur entre utiliser le vocabulaire officiel que l’on peut trouver dans le dictionnaire, ou plutôt opter pour des expressions spontanées utilisées par de vrais experts dans des situations réelles. ^[40]

Voir également

• Film d’actualité
• Documentaire animé
• Médias citoyens
• Film-concert
• Film de danse
• Documentaire
• Mode documentaire
• Théâtre documentaire
• Ethnofiction
• Film ethnographique
• Réalisation
• Liste des films documentaires
• Liste des festivals de films documentaires
• Liste des chaînes de télévision documentaires
• Liste des réalisateurs et producteurs de documentaires
• Faux documentaire
• Mondo film
• Documentaire sur la nature
• Aperçu du film
• Vidéo participative
• Cinéma politique
• Télévision publique
• Film réalité
• Rockumentaire
• Film sponsorisé
• Documentaire télévisé
• Documentaire de voyage
• Anthropologie visuelle
• Webdocumentaire
• Cinéma féminin

Quelques prix du film documentaire

• Prix ​​Grierson
• Oscar du meilleur long métrage documentaire
• Prix ​​Joris Ivens , Festival international du film documentaire d’Amsterdam (IDFA), (du nom de Joris Ivens )
• Prix ​​du cinéaste, Margaret Mead Film Festival
• Grand Prix, Visions du Réel

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