Film artistique

Un film d’art (ou film d’ art et d’essai ) est généralement un film indépendant , destiné à un marché de niche plutôt qu’à un public de masse . ^[1] Il est “destiné à être un travail artistique sérieux, souvent expérimental et non conçu pour un attrait de masse”, ^[2] “fait principalement pour des raisons esthétiques plutôt que pour un profit commercial”, ^[3] et contient “des éléments non conventionnels ou hautement symboliques teneur”. ^[4]

Carl Theodor Dreyer , photographié ici en 1965, a réalisé le film de 1928 La Passion de Jeanne d’Arc .

Les critiques de cinéma et les spécialistes des études cinématographiques définissent généralement un film d’art comme possédant «des qualités formelles qui les distinguent des films hollywoodiens traditionnels». ^[5] Ces qualités peuvent inclure (entre autres éléments) : un sens du réalisme social ; l’accent mis sur l’expressivité de l’auteur du réalisateur ; et une concentration sur les pensées, les rêves ou les motivations des personnages, par opposition au déroulement d’une histoire claire et axée sur les objectifs. Le spécialiste du cinéma David Bordwell décrit le cinéma d’art comme “un genre cinématographique , avec ses propres conventions distinctes”. ^[6]

Les producteurs de films d’art présentent généralement leurs films dans des salles spéciales ( cinémas de répertoire ou, aux États-Unis, cinémas d’art et d’essai) et dans des Festivals de cinéma . Le terme film d’art est beaucoup plus largement utilisé en Amérique du Nord, au Royaume-Uni et en Australie, par rapport à l’Europe continentale, où les termes films d’auteur et cinéma national (par exemple cinéma national allemand) sont utilisés à la place. Puisqu’ils s’adressent à un petit public de niche, les films d’art acquièrent rarement le soutien financier qui permettrait des budgets de production importants associés à des blockbusters largement diffusés . films. Les réalisateurs de films d’art compensent ces contraintes en créant un type de film différent, qui utilise généralement des acteurs de cinéma moins connus (ou même des acteurs amateurs), et des décors modestes pour faire des films qui se concentrent beaucoup plus sur le développement d’idées, l’exploration de nouvelles techniques narratives. , et essayer de nouvelles conventions cinématographiques.

Ces films contrastent fortement avec les films à succès grand public, qui sont généralement davantage orientés vers la narration linéaire et le divertissement grand public. Le critique de cinéma Roger Ebert a qualifié Chungking Express , un film d’art de 1994 acclamé par la critique, “en grande partie d’une expérience cérébrale” que l’on apprécie “à cause de ce que vous savez du cinéma”. ^[7] Cela dit, certains films d’art peuvent élargir leur attrait en offrant certains éléments de genres plus familiers tels que le Documentaire ou la biographie. Pour la promotion, les films d’art s’appuient sur la publicité générée par les critiques de films; discussion sur le film par des chroniqueurs artistiques, des commentateurs et des blogueurs ; et la promotion de bouche à oreille par les membres du public. Étant donné que les films d’art ont de faibles coûts d’investissement initiaux, ils n’ont qu’à attirer une petite partie du grand public pour devenir financièrement viables.

Histoire

Antécédents : 1910-1920

Affiches de cinéma pour L’Enfer et l’ Intolérance , souvent créditées par les historiens du cinéma comme les premiers films d’art.

Les précurseurs des films d’art incluent le film muet italien L’Inferno (1911), Intolerance de DW Griffith (1916) et les œuvres du cinéaste russe Sergei Eisenstein , qui ont influencé le développement des mouvements cinématographiques européens pendant des décennies. ^{[8] [9] [10]} Le film d’Eisenstein Battleship Potemkin (1925) était un film de propagande révolutionnaire qu’il a utilisé pour tester ses théories d’utilisation du montage de film pour produire la plus grande réponse émotionnelle d’un public. La renommée critique internationale qu’Eisenstein a acquise grâce à ce film lui a permis de réaliser Octobre dans le cadre d’une grande célébration du 10e anniversaire de la Révolution d’Octobre.de 1917. Il réalise ensuite La Ligne générale en 1929. Le film d’ Alexander Dovzhenko Earth (1930), tourné sous l’influence d’Eisenstein, est défini par certains critiques comme le summum du cinéma d’art. ^[11]

Les films d’art ont également été influencés par des films de créateurs espagnols d’ avant-garde , tels que Luis Buñuel et Salvador Dalí (qui a réalisé L’Age d’Or en 1930), et par le dramaturge et cinéaste français Jean Cocteau , dont le film d’avant-garde des années 1930 Le sang d’un poète utilise des images oniriques partout, y compris des modèles de fil de filature d’une tête humaine et des masques rotatifs à double face. Dans les années 1920, les sociétés cinématographiques ont commencé à défendre l’idée que les films pouvaient être divisés en « cinéma de divertissement destiné à un public de masse et un cinéma d’art sérieux destiné à un public intellectuel ». En Angleterre, Alfred Hitchcock et Ivor Montaguont formé une société cinématographique et importé des films qu’ils considéraient comme des «réalisations artistiques», comme «les films soviétiques de montage dialectique et les films expressionnistes des studios Universum Film AG (UFA) en Allemagne». ^[8]

Cinéma pur , mouvement cinématographique français d’avant-garde des années 1920 et 1930, a également influencé le développement de l’idée de film d’art. Le mouvement du Cinéma pur film comprenait plusieurs artistes Dada notables. Les dadaïstes ont utilisé le cinéma pour transcender les conventions de narration narrative, les traditions bourgeoises et les notions aristotéliciennes conventionnelles du temps et de l’espace en créant un montage flexible du temps et de l’espace.

Le photographe et cinéaste américain Man Ray (photographié ici en 1934) faisait partie du mouvement cinématographique dadaïste “Cinéma pur“ , qui a influencé le développement du film d’art.

Le mouvement du Cinéma pur a été influencé par des cinéastes “absolus” allemands tels que Hans Richter , Walter Ruttmann et Viking Eggeling . Richter a faussement affirmé que son film de 1921 Rhythmus 21 était le premier Film abstrait jamais créé. En fait, il a été précédé par les futuristes italiens Bruno Corra et Arnaldo Ginna entre 1911 et 1912 ^[12] (comme indiqué dans le Manifeste futuriste du cinéma ^[12] ), ainsi que par son compatriote allemand Walter Ruttmann, qui a produit Lichtspiel Opus 1 en 1920. Néanmoins, le film de Richter Rhythmus 21est considéré comme l’un des premiers films abstraits importants.

Le premier “art cinema” britannique est temporairement ouvert au Palais de Luxe de Londres en 1929 par Elsie Cohen . Elle a ensuite établi un emplacement permanent à l’Academy Cinema d’Oxford Street en 1931. ^[13]

1930-1950

Dans les années 1930 et 1940, les films hollywoodiens pouvaient être divisés entre les aspirations artistiques d’adaptations littéraires comme The Informer (1935) de John Ford et The Long Voyage Home (1940) d’ Eugene O’Neill , et les ” populaires” lucratives -films de genre” tels que les thrillers de gangsters. William Siska soutient que les films néoréalistes italiens du milieu à la fin des années 1940, tels que Open City (1945), Paisa (1946) et Bicycle Thieves peuvent être considérés comme un autre «mouvement de film d’art conscient». ^[8]

À la fin des années 1940, la perception du public américain selon laquelle les films néoréalistes italiens et d’autres plats européens sérieux étaient différents des films hollywoodiens traditionnels a été renforcée par le développement de « cinémas d’art et essai » dans les grandes villes américaines et les villes universitaires. Après la Seconde Guerre mondiale, “… un segment croissant du cinéma américain rendu public se lassait des films hollywoodiens grand public”, et ils se sont rendus dans les salles de cinéma d’art nouvellement créées pour voir “des alternatives aux films diffusés dans la rue principale”. palais du cinéma”. ^[5] Les films projetés dans ces cinémas d’art comprenaient “des films britanniques, en langue étrangère et américains indépendants, ainsi que des documentaires et des reprises de classiques hollywoodiens”. Des films comme Open City de Rossellini et Mackendrick’Whisky à gogo ! ), Bicycle Thieves et The Red Shoes ont été présentés à un large public américain. ^[5]

À la fin des années 1950, les cinéastes français ont commencé à produire des films influencés par le Néoréalisme italien ^[14] et le cinéma hollywoodien classique , ^[14] un style que les critiques ont appelé la Nouvelle Vague française . Bien qu’ils n’aient jamais été un mouvement formellement organisé, les cinéastes de la Nouvelle Vague étaient liés par leur rejet conscient de la forme cinématographique classique et leur esprit d’ iconoclasme juvénile , et leurs films sont un exemple du cinéma d’art européen . ^[15]Beaucoup se sont également engagés dans leur travail avec les bouleversements sociaux et politiques de l’époque, faisant de leurs expériences radicales avec le montage, le style visuel et la narration une rupture générale avec le paradigme conservateur. Certains des pionniers les plus éminents du groupe, dont François Truffaut , Jean-Luc Godard , Éric Rohmer , Claude Chabrol et Jacques Rivette , ont commencé comme critiques pour le magazine cinématographique Cahiers du cinéma . La Théorie de l’auteur considère que le réalisateur est « l’auteur » de ses films, avec une signature personnelle visible d’un film à l’autre.

Années 1960-1970

L’actrice Lena Nyman du film suédois I Am Curious (Jaune)

Le mouvement de la Nouvelle Vague française s’est poursuivi dans les années 1960. Au cours des années 1960, le terme “film d’art” a commencé à être beaucoup plus utilisé aux États-Unis qu’en Europe. Aux États-Unis, le terme est souvent défini de manière très large pour inclure les films “d’auteur” en langue étrangère (non anglais) , les Films indépendants , les films expérimentaux , les documentaires et les courts métrages. Dans les années 1960, “art film” est devenu un euphémisme aux États-Unis pour désigner les séries B italiennes et françaises racées . Dans les années 1970, le terme était utilisé pour décrire des films européens sexuellement explicites avec une structure artistique comme le film suédois I Am Curious (Yellow). Aux États-Unis, le terme “film d’art” peut désigner des films d’artistes américains modernes, dont Andy Warhol avec son film Blue Movie de 1969 , ^{[16] [17] [18]} mais est parfois utilisé de manière très vague pour désigner le large éventail de films projetés dans des salles de répertoire ou “cinémas art et essai”. Avec cette approche, un large éventail de films, comme un film d’ Hitchcock des années 1960 , un film underground expérimental des années 1970, un film d’auteur européen, un film américain “indépendant” et même un film grand public en langue étrangère (avec sous-titres) pourraient tous tomber sous la rubrique “films d’art et d’essai”.

Années 1980-2000

Dans les années 1980 et 1990, le terme «film d’art» a été confondu avec «film indépendant» aux États-Unis, qui partage bon nombre des mêmes traits stylistiques. Des sociétés telles que Miramax Films ont distribué des Films indépendants jugés commercialement viables. Lorsque les grands studios de cinéma ont remarqué l’attrait de niche des Films indépendants, ils ont créé des divisions spéciales dédiées aux tarifs non traditionnels, telles que la division Fox Searchlight Pictures de Twentieth Century Fox , la division Focus Features d’ Universal , la division Sony Pictures Classics de Sony Pictures Entertainment et la division Paramount Vantage deParamount . Les critiques de cinéma se sont demandé si les films de ces divisions pouvaient être considérés comme des «Films indépendants», étant donné qu’ils bénéficiaient du soutien financier de grands studios.

En 2007, la professeure Camille Paglia a soutenu dans son article « Films d’art : RIP » que « [à] côté de la série Parrain de Francis Ford Coppola , avec ses flashbacks habiles et son réalisme social granuleux, … [il n’y en a pas].. . un seul film produit au cours des 35 dernières années qui est sans doute d’un poids philosophique ou d’une virtuosité d’exécution égal à The Seventh Seal ou Persona de Bergman ” . Paglia déclare que les jeunes des années 2000 “n’ont pas de patience pour la prise de vue longue et lente dans laquelle les réalisateurs européens réfléchis se sont autrefois spécialisés”, une approche qui a donné “un examen minutieux des plus infimes expressions faciales ou le balayage froid d’une pièce stérile ou un paysage morne”.

Selon le réalisateur, producteur et distributeur Roger Corman, “les années 1950 et 1960 ont été l’époque de la plus grande influence du film d’art. Après cela, l’influence a diminué. Hollywood a absorbé les leçons des films européens et a incorporé ces leçons dans leurs films.” Corman déclare que “les téléspectateurs pouvaient voir quelque chose de l’essence du cinéma d’art européen dans les films hollywoodiens des années soixante-dix … [et ainsi], le film d’art, qui n’a jamais été qu’une question de cinéma européen, est devenu de plus en plus un véritable cinéma mondial. – bien qu’il ait eu du mal à obtenir une large reconnaissance”. Corman note que “Hollywood lui-même a élargi, radicalement, sa gamme esthétique… parce que la gamme de sujets à portée de main s’est élargie pour inclure les conditions mêmes de la création d’images, de la production cinématographique, de l’expérience médiatique nouvelle et prismatique. de la modernité.^[20]

Écarts par rapport aux normes cinématographiques grand public

Le spécialiste du cinéma David Bordwell a décrit la définition académique du «film d’art» dans un article de 1979 intitulé «Le cinéma d’art comme mode de pratique cinématographique», qui oppose les films d’art aux films grand public du cinéma hollywoodien classique. Les films de style hollywoodien grand public utilisent une forme narrative claire pour organiser le film en une série d ‘«événements liés de manière causale se déroulant dans l’espace et le temps», chaque scène conduisant à un objectif. L’intrigue des films grand public est animée par un protagoniste bien défini, étoffé de personnages clairs et renforcé par “une logique de questions-réponses, des routines de résolution de problèmes, [et] des structures d’intrigue à échéance”. Le film est ensuite lié à un rythme rapide, à une bande-son musicale pour signaler les émotions appropriées du public et à un montage serré et transparent. ^[21]

En revanche, Bordwell déclare que “le cinéma d’art motive son récit par deux principes: le réalisme et l’expressivité auctoriale”. Les films d’art s’écartent des normes «classiques» traditionnelles de la réalisation cinématographique en ce qu’ils traitent généralement de structures narratives plus épisodiques avec un «relâchement de la chaîne de cause à effet». ^[21]

Les films grand public traitent également de dilemmes moraux ou de crises d’identité, mais ces problèmes sont généralement résolus à la fin du film. Dans les films d’art, les dilemmes sont sondés et étudiés de manière pensive, mais généralement sans résolution claire à la fin du film. ^[22]

L’histoire d’un film d’art a souvent un rôle secondaire par rapport au développement du personnage et à l’exploration d’idées à travers de longues séquences de dialogue. Si un film d’art a une histoire, c’est généralement une séquence à la dérive d’épisodes vaguement définis ou ambigus. Il peut y avoir des lacunes inexpliquées dans le film, des séquences délibérément peu claires ou des séquences superflues qui ne sont pas liées aux scènes précédentes, ce qui oblige le spectateur à faire subjectivement sa propre interprétation du message du film. Les films d’art «portent souvent les marques d’un style visuel distinctif» et de l’ approche d’ auteur du réalisateur. ^[23] Un film de cinéma d’art refuse souvent de fournir une “conclusion facile à répondre”, mettant plutôt au spectateur de cinéma la tâche de réfléchir à ” comment l’histoire est-elle racontée? Pourquoi raconter l’histoire de cette façon ?”^[24]

Bordwell affirme que “le cinéma d’art lui-même est un genre [film], avec ses propres conventions distinctes”. ^[6] Le théoricien du cinéma Robert Stam soutient également que le “film d’art” est un genre cinématographique. Il affirme qu’un film est considéré comme un film d’art basé sur le statut artistique de la même manière que les genres cinématographiques peuvent être basés sur des aspects des films tels que leurs budgets ( films à succès ou Films B ) ou leurs interprètes vedettes ( films d’ Adam Sandler ) . ^[25]

Film d’art et critique de cinéma

Certains chercheurs soulignent que les films grand public tels que ceux produits à Hollywood attirent un public moins exigeant. ^[26] Ce groupe se tourne alors vers les critiques de cinéma en tant qu’élite culturelle qui peut les aider à s’orienter vers des films plus réfléchis et de meilleure qualité. Pour combler le fossé entre le goût populaire et la haute culture, ces critiques de cinéma sont censés expliquer des concepts inconnus et les rendre attrayants pour cultiver un public de cinéphiles plus exigeant. Par exemple, un critique de cinéma peut aider le public, à travers ses critiques, à réfléchir sérieusement sur les films en fournissant les termes d’analyse de ces films d’art. ^[27]Adoptant un cadre artistique d’analyse et de critique de films, ces critiques de films offrent aux spectateurs une manière différente d’apprécier ce qu’ils regardent. Ainsi, lorsque des thèmes controversés sont explorés, le public ne rejettera pas ou n’attaquera pas immédiatement le film s’il est informé par les critiques de la valeur du film, comme la façon dont il dépeint le réalisme. Ici, les théâtres d’art ou les maisons d’art qui présentent des films d’art sont considérés comme des «lieux d’illumination culturelle» qui attirent à la fois les critiques et le public intellectuel. Il sert de lieu où ces critiques peuvent découvrir la culture et une atmosphère artistique où ils peuvent puiser des idées et du matériel.

Chronologie des films notables

La liste suivante est un petit échantillon partiel de films ayant des qualités de «film d’art», compilé pour donner une idée générale de ce que les réalisateurs et les films sont considérés comme ayant des caractéristiques de «film d’art». Les films de cette liste présentent une ou plusieurs des caractéristiques des films d’art : un film sérieux, non commercial ou réalisé de manière indépendante qui ne s’adresse pas à un public de masse. Certains des films de cette liste sont également considérés comme des films “d’auteur”, des Films indépendants ou des films expérimentaux . Dans certains cas, les critiques ne sont pas d’accord sur le fait qu’un film soit grand public ou non. Par exemple, alors que certains critiques qualifient My Own Private Idaho (1991) de Gus Van Sant d’ “exercice d’expérimentation cinématographique” de “haute qualité artistique”, l’a appelé un film grand public ambitieux. ^[29] Certains films de cette liste présentent la plupart de ces caractéristiques ; d’autres films sont des films commerciaux, produits par des studios grand public, qui portent néanmoins la marque du style “auteur” d’un réalisateur, ou qui ont un caractère expérimental. Les films de cette liste sont remarquables soit parce qu’ils ont remporté des prix importants ou des éloges de la part de critiques de cinéma influents, soit parce qu’ils ont introduit une technique narrative ou cinématographique innovante.

Années 1920 à 1940

Dans les années 1920 et 1930, les cinéastes ne se proposaient pas de faire des «films d’art» et les critiques de cinéma n’utilisaient pas le terme «film d’art». Cependant, il y avait des films qui avaient des objectifs esthétiques sophistiqués, comme La Passion de Jeanne d’Arc (1928) et Vampyr (1932) de Carl Theodor Dreyer , des films surréalistes comme Un chien andalou (1929) de Luis Buñuel et L’Âge d ‘Or (1930), ou même des films traitant de la pertinence politique et actuelle tels que le chef-d’œuvre célèbre et influent de Sergei Eisenstein , Battleship Potemkin . Le film américain Sunrise: A Song of Two Humans (1927) du réalisateur expressionniste allemandFW Murnau utilise une conception artistique déformée et une cinématographie révolutionnaire pour créer un monde exagéré, semblable à un conte de fées, riche en symboles et en images. Le film de Jean Renoir La Règle du jeu (1939) est une comédie de mœurs qui transcende les conventions de son genre en créant une satire mordante et tragique de la haute société française des années précédant la Seconde Guerre mondiale ; un sondage de critiques de Sight & Sound l’a classé comme le quatrième plus grand film de tous les temps, le plaçant derrière Vertigo , Citizen Kane et Tokyo Story . ^[30]

L’affiche de La Passion de Jeanne d’Arc de Dreyer

Certains de ces premiers films à vocation artistique étaient financés par des particuliers fortunés plutôt que par des sociétés cinématographiques, en particulier dans les cas où le contenu du film était controversé ou peu susceptible d’attirer un public. À la fin des années 1940, le réalisateur britannique Michael Powell et Emeric Pressburger réalisent The Red Shoes (1948), un film sur le ballet, qui se démarque des films de genre grand public de l’époque. En 1945, David Lean réalise Brief Encounter , une adaptation de la pièce Still Life de Noël Coward , qui observe une histoire d’amour passionnée entre un homme de la haute société et une femme de la classe moyenne au milieu des problèmes sociaux et économiques auxquels la Grande-Bretagne est confrontée à l’époque. .

années 1950

Dans les années 1950, certains des films bien connus avec des sensibilités artistiques incluent La Strada (1954), un film sur une jeune femme qui est forcée d’aller travailler pour un artiste de cirque cruel et inhumain pour subvenir aux besoins de sa famille, et finit par se réconcilier avec sa situation; Ordet de Carl Theodor Dreyer (1955), centré sur une famille sans foi, mais avec un fils qui croit qu’il est Jésus-Christ et convaincu qu’il est capable de faire des miracles; Les Nuits de Cabiria (1957) de Federico Fellini , qui traite des tentatives infructueuses d’une prostituée pour trouver l’amour, de sa souffrance et de son rejet ; Fraises des bois(1957), d’Ingmar Bergman, dont le récit concerne un médecin âgé, également professeur, dont les cauchemars l’amènent à réévaluer sa vie ; et Les 400 coups (1959) de François Truffaut, dont le personnage principal est un jeune homme essayant de devenir majeur malgré les abus de ses parents, de ses instituteurs et de la société, ce film est le premier grand pas de la Nouvelle Vague française et du cinéma, cela a montré que les films peuvent être réalisés avec peu d’argent, des acteurs amateurs et une petite équipe. En Pologne, le dégel de Khrouchtchev a permis un certain assouplissement de la politique culturelle du régime, et des productions telles que A Generation , Kanal , Ashes and Diamonds , Lotna(1954–1959), tous réalisés par Andrzej Wajda , ont montré le style de l’ école de cinéma polonaise .

Asie

En Inde , il y avait un mouvement d’art-film dans le cinéma bengali connu sous le nom de ” Parallel Cinema ” ou “Indian New Wave”. C’était une alternative au cinéma commercial grand public connu pour son contenu sérieux, son réalisme et son naturalisme, avec un œil attentif sur le climat socio-politique de l’époque. Ce mouvement est distinct du cinéma grand public de Bollywood et a commencé à peu près au même moment que la Nouvelle Vague française et japonaise . Les cinéastes les plus influents impliqués dans ce mouvement étaient Satyajit Ray , Mrinal Sen et Ritwik Ghatak .. Certains des films les plus acclamés à l’échelle internationale réalisés à l’époque étaient The Apu Trilogy (1955-1959), un trio de films qui racontent l’histoire d’un pauvre garçon de la campagne jusqu’à l’âge adulte, et Satyajit Ray ‘s Distant Thunder (1973), qui raconte l’histoire d’un fermier lors d’une famine au Bengale . ^{[31] [32]} D’autres cinéastes bengalis acclamés impliqués dans ce mouvement incluent Rituparno Ghosh , Aparna Sen et Goutam Ghose .

Les cinéastes japonais ont produit un certain nombre de films qui ont rompu avec les conventions. Rashomon (1950) d’ Akira Kurosawa , le premier film japonais largement diffusé en Occident, dépeint les récits contradictoires de quatre témoins d’un viol et d’un meurtre. En 1952, Kurosawa réalise Ikiru , un film sur un bureaucrate de Tokyo luttant pour trouver un sens à sa vie. Tokyo Story (1953), de Yasujirō Ozu , explore les changements sociaux de l’époque en racontant l’histoire d’un couple vieillissant qui se rend à Tokyo pour rendre visite à leurs enfants adultes, mais trouve que les enfants sont trop égocentriques pour passer beaucoup de temps avec eux. Sept Samouraïs(1954), de Kurosawa, raconte l’histoire d’un village agricole qui engage sept samouraïs sans maître pour combattre des bandits. Fires on the Plain (1959), de Kon Ichikawa , explore l’expérience japonaise de la Seconde Guerre mondiale en dépeignant un soldat japonais malade luttant pour rester en vie. Ugetsu (1953), de Kenji Mizoguchi , est une histoire de fantômes se déroulant à la fin du XVIe siècle, qui raconte l’histoire de paysans dont le village se trouve sur le chemin d’une armée qui avance. Un an plus tard, Mizoguchi réalise Sansho le Bailli (1954), qui raconte l’histoire de deux enfants aristocratiques vendus comme esclaves ; en plus d’aborder des thèmes graves comme la perte de liberté, le film présente de belles images et des plans longs et compliqués.

années 1960

Les années 1960 ont été une période importante pour le cinéma d’art, avec la sortie d’un certain nombre de films révolutionnaires qui ont donné naissance au cinéma d’art européen. À bout de souffle ( 1960 ) de Jean-Luc Godard utilise des techniques visuelles et de montage novatrices telles que les coupes sautées et la caméra à main levée . Godard, figure de proue de la Nouvelle Vague française, continuera à faire des films innovants tout au long de la décennie, proposant un tout nouveau style de cinéma. Après le succès d’A bout de souffle , Godard réalise deux autres films très influents, Mépris en 1963, où il montre son point de vue sur le système cinématographique de studio, la belle longue prise et le film dans le film, et Pierrot le fouen 1965, avec qui c’est un méli-mélo de films policiers et romantiques et son style anti-hollywoodien. Jules et Jim , de François Truffaut, a déconstruit une relation complexe de trois individus grâce à des techniques innovantes d’écriture de scénario, de montage et de caméra. Le réalisateur italien Michelangelo Antonioni a contribué à révolutionner le cinéma avec des films tels que L’Avventura (1960), influent pour sa photographie de paysage et ses techniques de cadrage, suit la disparition d’une jeune femme de la classe supérieure lors d’un voyage en bateau, et la recherche ultérieure par son amant et sa meilleure amie; La Notte (1961), un examen complexe d’un mariage raté qui traitait de questions telles que l’anomie et la stérilité ; Éclipse(1962), à propos d’une jeune femme incapable de nouer une relation solide avec son petit ami en raison de sa nature matérialiste; Red Desert (1964), son premier film en couleur, qui traite de la nécessité de s’adapter au monde moderne ; et Blowup (1966), son premier film en anglais, qui examine les questions de perception et de réalité alors qu’il suit la tentative d’un jeune photographe de découvrir s’il avait photographié un meurtre.

Le réalisateur suédois Ingmar Bergman a commencé les années 1960 avec des pièces de chambre telles que Winter Light (1963) et The Silence (1963), qui traitent de thèmes tels que l’isolement émotionnel et le manque de communication. Ses films de la seconde moitié de la décennie, tels que Persona (1966), Shame (1968) et A Passion (1969), traitent de l’idée du film comme artifice. Les films intellectuels et visuellement expressifs de Tadeusz Konwicki , tels que Toussaint ( Zaduszki , 1961) et Salto (1962), ont inspiré des discussions sur la guerre et soulevé des questions existentielles au nom de leurs protagonistes ordinaires.

réalisateur italien Federico Fellini

La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini dépeint une succession de nuits et d’aubes à Rome comme en témoigne un journaliste cynique, ce film est un pont entre son style néoréaliste italien antérieur et son style surréaliste ultérieur . En 1963, Fellini réalise 81⁄2 , une exploration des difficultés créatives, conjugales et spirituelles, filmée en noir et blanc par le directeur de la photographie Gianni di Venanzo . Le film de 1961 L’année dernière à Marienbad du réalisateur Alain Resnais examine la perception et la réalité, à l’aide de grands travellings qui sont devenus très influents. Au Hasard Balthazar (1966) et Mouchette de Robert Bresson(1967) se distinguent par leur style naturaliste et elliptique. Le réalisateur espagnol Luis Buñuel a également largement contribué à l’art du cinéma avec des satires choquantes et surréalistes telles que Viridiana (1961) et L’Ange exterminateur (1962).

Le film du réalisateur russe Andrei Tarkovsky Andrei Rublev (1966) est un portrait du peintre d’icônes russe médiéval du même nom. Le film traite également de la liberté artistique et de la possibilité et de la nécessité de faire de l’art pour et face à une autorité répressive. Une version coupée du film a été projetée au Festival de Cannes de 1969 , où il a remporté le prix FIPRESCI . ^[33] À la fin de la décennie, 2001 : A Space Odyssey (1968) de Stanley Kubrick a séduit le public avec son réalisme scientifique, son utilisation pionnière d’effets spéciaux et son imagerie visuelle inhabituelle. En 1969, Andy Warhol sort Blue Movie, le premier film d’art pour adultes illustrant le sexe explicite à être largement diffusé en salles aux États-Unis. ^{[16] [17] [18]} Selon Warhol, Blue Movie a eu une influence majeure dans la réalisation de Last Tango in Paris , un film d’art érotique internationalement controversé, réalisé par Bernardo Bertolucci et sorti quelques années après la réalisation de Blue Movie . ^[18] En Arménie soviétique , La Couleur des grenades de Sergueï Parajanov , dans lequel l’ actrice géorgienne Sofiko Chiaurelijoue cinq personnages différents, a été interdit par les autorités soviétiques, indisponible en Occident pendant une longue période et salué par le critique Mikhail Vartanov comme “révolutionnaire”; ^[34] et au début des années 1980, Les Cahiers du cinéma placent le film dans son top 10. ^[35] En 1967, en Géorgie soviétique , l’influent réalisateur géorgien Tengiz Abuladze a réalisé Vedreba (Entreaty), qui était basé sur les motifs des œuvres littéraires de Vaja-Pshavela , où l’histoire est racontée dans un style narratif poétique, plein de symboles. scènes avec des significations philosophiques. En Iran, la vache de Dariush Mehrjui(1969), sur un homme qui devient fou après la mort de sa vache bien-aimée, a déclenché la nouvelle vague du cinéma iranien .

années 1970

Au début des années 1970, les réalisateurs ont choqué le public avec des films violents tels que L’Orange mécanique (1971), l’exploration brutale de Stanley Kubrick sur les gangs de jeunes futuristes, et Dernier Tango à Paris (1972), le film brisant les tabous, sexuellement explicite et film controversé. Parallèlement, d’autres réalisateurs réalisent des films plus introspectifs, comme le film de science-fiction méditatif Solaris (1972) d’ Andrei Tarkovsky , censé être une riposte soviétique à 2001 . En 1975 et 1979 respectivement, Tarkovsky a réalisé deux autres films, qui ont été acclamés par la critique à l’étranger : The Mirror et Stalker . Terrence Malik, qui a réalisé Badlands (1973) et Days of Heaven (1978) partageait de nombreux traits avec Tarkovsky, tels que ses longs plans persistants de beauté naturelle, ses images évocatrices et son style narratif poétique.

Une autre caractéristique des films d’art des années 1970 était le retour à la proéminence de personnages et d’images bizarres, qui abondent dans le personnage principal tourmenté et obsédé d’ Aguirre, la colère de Dieu (1973) du réalisateur allemand de la Nouvelle Vague Werner Herzog , et dans des films cultes tels que comme le psychédélique The Holy Mountain (1973) d’ Alejandro Jodorowsky sur un voleur et un alchimiste à la recherche de la mythique Lotus Island . ^[36] Le film Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese , reprend les thèmes que L’Orange mécaniqueexploré : une population aliénée vivant dans une société violente et en décomposition. La violence granuleuse et la rage bouillonnante du film de Scorsese contrastent avec d’autres films sortis à la même période, comme le classique noir et blanc onirique, surréaliste et industriel de David Lynch , Eraserhead (1977). ^[37] En 1974, John Cassavetes a offert un commentaire pointu sur la vie de col bleu américaine dans Une Femme Sous l’Influence , qui comporte une femme au foyer excentrique descendant lentement dans la folie. ^[38]

Toujours dans les années 1970, Radley Metzger réalise plusieurs films d’art pour adultes , tels que Barbara Broadcast (1977), qui présente une atmosphère surréaliste «buñellienne», ^[39] et The Opening of Misty Beethoven (1976), basé sur la pièce Pygmalion de George Bernard Shaw (et son dérivé, My Fair Lady ), qui était considéré, selon l’auteur primé Toni Bentley , comme le “joyau de la couronne” de l’ âge d’or du porno , ^{[40] [41]} une époque de l’Amérique moderne culture inaugurée par la sortie d’Andy WarholBlue Movie (1969) et a présenté le phénomène du ” porno chic ” ^{[42] [43]} dans lequel les films érotiques pour adultes ont commencé à être largement diffusés, ont été publiquement discutés par des célébrités (telles que Johnny Carson et Bob Hope ) ^[44] et pris sérieusement par les critiques de cinéma (comme Roger Ebert ). ^{[45] [46]}

années 1980

En 1980, le réalisateur Martin Scorsese a offert au public, habitué aux aventures évasives à succès de Steven Spielberg et George Lucas , le réalisme granuleux et dur de son film Raging Bull . Dans ce film, l’acteur Robert De Niro a poussé la méthode d’action à l’extrême pour dépeindre le déclin d’un boxeur d’un jeune combattant primé à un propriétaire de boîte de nuit “has-been” en surpoids. Blade Runner (1982) de Ridley Scott pourrait également être considéré comme un film d’art de science-fiction, avec 2001 : L’Odyssée de l’espace (1968). Blade Runner explore les thèmes de l’existentialisme, ou ce que cela signifie d’être humain. Un échec au box-office, le film est devenu populaire sur le circuit d’art et d’essai en tant que bizarrerie culte après la sortie d’une “coupe du réalisateur” devenue un succès via la vidéo domestique VHS . Au milieu de la décennie, le réalisateur japonais Akira Kurosawa a utilisé le réalisme pour dépeindre la violence brutale et sanglante de la guerre des samouraïs japonais du XVIe siècle dans Ran (1985). Ran a suivi l’intrigue du Roi Lear , dans laquelle un roi âgé est trahi par ses enfants. Sergio Leone a également opposé la violence brutale à la substance émotionnelle dans son récit épique de la vie de gangster dans Il était une fois en Amérique .

Alors que les décors étendus sont davantage associés au grand public qu’aux films d’art, le réalisateur japonais Akira Kurosawa a fait construire de nombreux décors pour son film Ran de 1985 , y compris cette reconstitution d’une porte médiévale.

D’autres réalisateurs des années 1980 ont choisi une voie plus intellectuelle, explorant des questions philosophiques et éthiques comme Man of Iron d’ Andrzej Wajda (1981), une critique du gouvernement communiste polonais, qui a remporté la Palme d’or 1981 au Festival de Cannes . Un autre réalisateur polonais, Krzysztof Kieślowski , a réalisé Le Décalogue pour la télévision en 1988, une série de films qui explore les questions éthiques et les énigmes morales. Deux de ces films sont sortis en salles sous le nom de A Short Film About Love et A Short Film About Killing . En 1989, Woody Allen a fait, selon les mots du critique du New York TimesVincent Canby , son “film le plus sûr et le plus drôle à ce jour”, Crimes and Misdemeanors , qui implique de multiples histoires de personnes qui essaient de trouver une simplicité morale et spirituelle tout en faisant face à des problèmes et à des réflexions désastreuses entourant les choix qu’ils font. Le réalisateur français Louis Malle a choisi une autre voie morale à explorer avec la dramatisation de ses expériences d’enfance réelles dans Au revoir, les enfants , qui dépeint la déportation des Juifs français par le gouvernement nazi d’occupation vers des camps de concentration pendant la Seconde Guerre mondiale.

Un autre film d’art de cette époque salué par la critique, ^[47] le road movie de Wim Wenders Paris, Texas (1984), a également remporté la Palme d’Or. ^{[48] ​​[49] [50]}

Kieślowski n’est pas le seul réalisateur à transcender la distinction entre cinéma et télévision. Ingmar Bergman a réalisé Fanny et Alexandre (1982), qui a été diffusé à la télévision dans une version longue de cinq heures. Au Royaume-Uni, Channel 4 , une nouvelle chaîne de télévision, a financé, en tout ou en partie, de nombreux films sortis en salles via sa filiale Film 4 . Wim Wenders a proposé une autre approche de la vie d’un point de vue spirituel dans son film de 1987 Les Ailes du désir , une représentation d’un “ange déchu” qui vit parmi les hommes, qui a remporté le prix du meilleur réalisateur au Festival de Cannes .

En 1982, le réalisateur expérimental Godfrey Reggio a sorti le hit surprise d’art et d’essai Koyaanisqatsi , un film sans dialogue, qui met l’accent sur la cinématographie (constituée principalement d’ une cinématographie au ralenti et en accéléré de villes et de paysages naturels, ce qui se traduit par un poème tonal visuel ) et idéologie philosophique sur la technologie et l’environnement. ^{[51] [52] [53] [54]}

Une autre approche utilisée par les réalisateurs dans les années 1980 consistait à créer des mondes alternatifs bizarres et surréalistes. After Hours (1985) de Martin Scorsese est une comédie-thriller qui dépeint les aventures déconcertantes d’un homme dans un monde nocturne surréaliste de rencontres fortuites avec des personnages mystérieux. Blue Velvet de David Lynch (1986), un thriller-mystère de style film noir rempli de symbolisme et de métaphores sur des mondes polarisés et habité par des personnages déformés qui sont cachés dans le monde souterrain sordide d’une petite ville, a connu un succès surprenant compte tenu de son caractère très dérangeant. matière. Le cuisinier, le voleur, sa femme et son amant (1989) de Peter Greenaway est un fantasme /comédie noire sur le cannibalisme et la violence extrême avec un thème intellectuel : une critique de la « culture d’élite » dans la Grande-Bretagne thatchérienne .

Selon Raphaël Bassan , dans son article « L’Ange : Un météore dans le ciel de l’animation », ^[55] L’Ange de Patrick Bokanowski , présenté au Festival de Cannes 1982 , peut être considéré comme le début de l’animation contemporaine. Les masques des personnages effacent toute personnalité humaine et donnent l’impression d’un contrôle total sur la “matière” de l’image et sa composition optique, utilisant des zones déformées, des visions obscures, des métamorphoses et des objets synthétiques.

En 1989, A City of Sadness de Hou Hsiao-hsien est devenu le premier film taïwanais récompensé par le Lion d’or à la Mostra de Venise . Le film montre l’histoire de Taïwan à travers une famille et marque une nouvelle étape de la Nouvelle Vague taïwanaise, qui tend à dépeindre la vie réaliste et terre-à-terre dans les villes et les campagnes de Taïwan.

années 1990

Dans les années 1990, les réalisateurs se sont inspirés du succès de Blue Velvet (1986) de David Lynch et de The Cook, the Thief, His Wife & Her Lover (1989) de Peter Greenaway et ont créé des films avec des mondes alternatifs bizarres et des éléments de surréalisme. . Dreams (1990) du réalisateur japonais Akira Kurosawa a dépeint ses rêveries imaginatives dans une série de vignettes allant de paysages champêtres pastoraux idylliques à des visions horribles de démons tourmentés et à un paysage post-guerre nucléaire dévasté. The Coen Brothers ‘ Barton Fink (1991), qui a remporté la Palme d’Or au Festival de Cannes, présente diverses allusions littéraires dans une histoire énigmatique sur un écrivain qui rencontre une gamme de personnages bizarres, dont un romancier alcoolique et violent et un tueur en série. Lost Highway (1997), du même réalisateur que Blue Velvet , est un thriller psychologique qui explore des mondes fantastiques, des transformations spatio-temporelles bizarres et des dépressions mentales à l’aide d’images surréalistes.

D’autres réalisateurs des années 1990 ont exploré des questions et des thèmes philosophiques tels que l’identité, le hasard, la mort et l’existentialisme. My Own Private Idaho (1991) de Gus Van Sant et Chungking Express (1994) de Wong Kar-wai ont exploré le thème de l’identité. Le premier est un road movie/film de copains indépendant sur deux jeunes arnaqueurs de rue, qui explore le thème de la recherche d’un chez-soi et d’une identité. Cela a été qualifié de “point culminant dans le film indépendant des années 90”, ^[56] une “rumination dure et poétique”, ^[57] et un “exercice d’expérimentation cinématographique” ^[58] de “haute qualité artistique”. ^[28] Chung King exprès ^[59] explore les thèmes de l’identité, de la déconnexion, de la solitude et de l’isolement dans la “jungle de béton métaphorique” de Hong Kong moderne. Todd Haynes a exploré la vie d’une femme au foyer de banlieue et sa mort éventuelle à cause de matériaux toxiques dans le chouchou critique Safe de 1995 . ^[60]

En 1991, un autre film important d’ Edward Yang , un réalisateur taïwanais de la Nouvelle Vague, A Brighter Summer Day est le portrait d’une vie d’adolescent normale qui a été évacuée de Chine vers Taiwan et qui a été affectée par la situation politique, la situation scolaire et la situation familiale qui en font un protagoniste principal. assassine une fille à la fin. En 1992, Rebels of the Neon God , premier long métrage de Tsai Ming-liang , deuxième génération de la Nouvelle Vague taiwanaise, il a son style unique de cinéma comme l’aliénation, lent mouvement d’acteur (son casting récurrent, Lee Kang-sheng ), rythme lent et quelques dialogues.

Le film Seven Servants (1996) de Daryush Shokof est une pièce originale de cinéma de haute qualité sur un homme qui s’efforce d'”unir” les races du monde jusqu’à son dernier souffle. Un an après Seven Servants , le film Taste of Cherry (1997) ^[61] d’ Abbas Kiarostami , Palme d’or au Festival de Cannes, raconte une histoire similaire avec une tournure différente ; les deux films parlent d’un homme essayant d’embaucher une personne pour l’enterrer après son suicide. Sept serviteursa été tourné dans un style minimaliste, avec de longues prises, un rythme tranquille et de longues périodes de silence. Le film se distingue également par son utilisation de longs plans et de plans aériens pour créer un sentiment de distance entre le public et les personnages. Les œuvres de Zhang Yimou du début des années 1990 telles que Ju Dou (1990), Raise the Red Lantern (1991), The Story of Qiu Ju (1992) et To Live (1994) explorent les émotions humaines à travers des récits poignants. To Live a remporté le Grand Prix du Jury.

Plusieurs films des années 1990 ont exploré des thèmes existentialistes liés à la vie, au hasard et à la mort. Short Cuts (1993) de Robert Altman explore les thèmes du hasard, de la mort et de l’infidélité en retraçant 10 histoires parallèles et entrelacées. Le film, qui a remporté le Lion d’or et la Coupe Volpi au Festival du film de Venise , a été qualifié de “peinture murale de jazz éclectique aux multiples facettes, aux nombreuses humeurs et à la structure éblouissante” par le critique du Chicago Tribune Michael Wilmington. La double vie de Véronique de Krzysztof Kieślowski(1991) est un drame sur le thème de l’identité et une allégorie politique sur le clivage Est/Ouest en Europe ; le film présente une cinématographie stylisée, une atmosphère éthérée et des éléments surnaturels inexpliqués.

Le film Pi (1998) de Darren Aronofsky est un “film incroyablement complexe et ambigu rempli à la fois d’un style et d’une substance incroyables” sur la “recherche de paix” d’un mathématicien paranoïaque. ^[62] Le film crée un ” monde étrange de type Eraserhead ” inspiré de David Lynch ^[63] tourné en “noir et blanc, qui donne une atmosphère onirique à toutes les procédures” et explore des questions telles que “la métaphysique et spiritualité”. ^[64] Le cycle Cremaster de Matthew Barney (1994-2002) est un cycle de cinq films symboliques et allégoriques qui crée un système esthétique fermé sur lui-même, visant à explorer le processus de création. Les films sont remplis d’allusions aux organes reproducteurs et au développement sexuel, et utilisent des modèles narratifs tirés de la biographie, de la mythologie et de la géologie.

En 1997, Terrence Malick revient d’une absence de 20 ans avec The Thin Red Line , un film de guerre qui utilise la poésie et la nature pour se démarquer des films de guerre typiques. Il a été nominé pour sept Oscars , dont celui du meilleur film et du meilleur réalisateur. ^[65]

Certains films des années 1990 mélangent une atmosphère visuelle éthérée ou surréaliste avec l’exploration de questions philosophiques. Sátántangó (1994), du réalisateur hongrois Béla Tarr , est un 7+Film d’une heure et demie, tourné en noir et blanc, qui traite du thème préféré de Tarr, l’inadéquation, alors que l’ escroc Irimias revient dans un village d’un endroit non précisé en Hongrie, se présentant comme un leader et une figure du Messie aux villageois crédules. La trilogie des Trois Couleurs de Kieslowski(1993-1994), en particulier Bleu (1993) et Rouge (1994), traite des relations humaines et de la façon dont les gens y font face dans leur vie de tous les jours. La trilogie de films s’appelait “des explorations de la spiritualité et de l’existentialisme” ^[66] qui ont créé une “expérience vraiment transcendante”. ^[67] Le Gardien répertoriéBreaking the Waves (1996) comme l’un de ses 25 meilleurs films d’auteur. Le critique a déclaré que “[t]ous les ingrédients qui sont venus définir la carrière de Lars von Trier (et à son tour, une grande partie du cinéma européen moderne) sont présents ici : un jeu d’acteur survolté, des techniques visuelles innovantes, une héroïne souffrante, un drame de lutte contre les problèmes et un coup galvanisant de controverse pour rendre le tout incontournable ». ^[68]

années 2000

Lewis Beale de Film Journal International a déclaré que le western du réalisateur australien Andrew Dominik L’Assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford (2007) est “une œuvre littéraire fascinante qui réussit à la fois comme film d’art et de genre”. ^[69] Contrairement aux films de Jesse James orientés vers l’action du passé, l’épopée non conventionnelle de Dominik détaille peut-être plus précisément l’abandon de la psyché du hors-la-loi au cours des derniers mois de sa vie alors qu’il succombe à la paranoïa d’être capturé et développe une amitié précaire avec son éventuelle assassin, Robert Ford .

En 2009, le réalisateur Paul Thomas Anderson a affirmé que son film de 2002 Punch-Drunk Love sur un accro de la rage timide et refoulé était “un film d’art et d’essai d’ Adam Sandler “, une référence à l’inclusion improbable de la bande dessinée “frat boy” Sandler dans le film. ; Le critique Roger Ebert affirme que Punch Drunk Love « est peut-être la clé de tous les films d’Adam Sandler et pourrait libérer Sandler pour une nouvelle direction dans son travail. Il ne peut pas continuer à faire ces comédies débiles pour toujours, n’est-ce pas ? avez deviné qu’il avait de telles profondeurs inexplorées ? » ^[70]

années 2010

Oncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives d’ Apichatpong Weerasethakul , qui a remporté la Palme d’or à Cannes en 2010, “associe ce qui pourrait bien être une série de scènes magnifiquement tournées avec des réflexions émouvantes et amusantes sur la nature de la mort et de la réincarnation, l’amour , la perte et le karma”. ^[71] Weerasethakul est un réalisateur, scénariste et producteur de films indépendant, qui travaille en dehors des limites strictes du système des studios de cinéma thaïlandais. Ses films traitent des rêves, de la nature, de la sexualité, y compris sa propre homosexualité, ^[72] et des perceptions occidentales de la Thaïlandeet l’Asie. Les films de Weerasethakul affichent une préférence pour les structures narratives non conventionnelles (comme placer les titres/génériques au milieu d’un film) et pour travailler avec des non-acteurs.

The Tree of Life (2011) de Terrence Malick est sorti après des décennies de développement et a remporté la Palme d’Or au Festival de Cannes 2011 ; il a été très apprécié par la critique. Au Avon Theatre de Stamford, Connecticut , un message a été publié sur la politique de non-remboursement du théâtre en raison de “certains commentaires des clients et d’une réponse polarisée du public” au film. Le théâtre a déclaré qu’il “se tient derrière cette œuvre d’art ambitieuse et d’autres films stimulants”. ^[73] Drive (2011), réalisé par Nicolas Winding Refn , ^[74] est communément appelé un film d’action d’auteur . ^[75] Toujours en 2011, le réalisateur Lars von Triera sorti Melancholia , un film traitant de la dépression et d’autres troubles mentaux tout en montrant la réaction d’une famille à l’approche d’une planète qui pourrait entrer en collision avec la Terre. Le film a été bien accueilli, certains affirmant qu’il s’agissait du chef-d’œuvre de Von Trier, d’autres soulignant la performance de Kirsten Dunst , les visuels et le réalisme représentés dans le film.

Under the Skin de Jonathan Glazer (un exemple de ” art et essai de science-fiction ” ^[76] ) a été projeté au Festival du film de Venise 2013 et a reçu une sortie en salles par le studio indépendant A24 l’année suivante. Le film, mettant en vedette Scarlett Johansson , suit une extraterrestre sous forme humaine alors qu’elle parcourt Glasgow , ramassant des hommes imprudents pour le sexe, récoltant leur chair et les dépouillant de leur humanité. Traitant de thèmes tels que la sexualité, l’humanité et l’objectivation, le film a reçu des critiques positives ^[77] et a été salué par certains comme un chef-d’œuvre; ^[78] critiqueRichard Roeper a décrit le film comme “ce dont nous parlons lorsque nous parlons du cinéma en tant qu’art”. ^[79]

Cette décennie a également vu une résurgence de « l’art de l’horreur » ^[80] avec le succès de films comme Beyond the Black Rainbow (2010), Black Swan (2010), Stoker (2013), Enemy (2013), The Babadook (2014 ), Only Lovers Left Alive (2014), A Girl Walks Home Alone at Night (2014), Goodnight Mommy (2014), Nightcrawler (2014), It Follows (2015), The Witch (2015), The Wailing (2016), Split (2016), le thriller social Get Out (2017),Mère! (2017), Annihilation (2018), A Quiet Place (2018), Hereditary (2018), Suspiria (2018; un remake du film du même nom de 1977 ), Mandy (2018), The Nightingale (2018), The House That Jack Built (2018), Us (2019), Midsommar (2019), The Lighthouse (2019), Color Out of Space (2019) et l’ Oscar du meilleur film Parasite ( 2019). ^{[81] [82] [83] [84] [85]}

Roma (2018), est un film d’ Alfonso Cuarón inspiré de son enfance au Mexique des années 1970. Tourné en noir et blanc, il traite de thèmes communs aux films passés de Cuarón, tels que la mortalité et la classe. Le film a été distribué via Netflix , ce qui a valu au géant du streaming sa première nomination aux Oscars pour le meilleur film . ^[86]

L’animation d’art et d’essai (avec des titres nominés aux Oscars comme Song of the Sea et Loving Vincent ) prenait également de l’ampleur à cette époque en tant qu’alternative aux longs métrages d’animation traditionnels aux côtés des œuvres des animateurs acclamés Satoshi Kon , Don Hertzfeldt et Ari Folman de la décennie précédente. ^{[87] [88] [89]}

Tom Shone a déclaré à propos du travail de Christopher Nolan : “Il a réalisé onze longs métrages, […] tous cochant les cases du divertissement en studio, mais marqués de manière indélébile par le genre de thèmes personnels et d’obsessions qui sont plus traditionnellement l’apanage de l’art. maison : le passage du temps, les défaillances de la mémoire, nos caprices de déni et de déviation, le mouvement d’horlogerie intime de nos vies intérieures, contre des paysages dans lesquels les lignes de faille de l’ industrialisme tardif rencontrent les points de fissure et les paradoxes de l’ ère de l’information . » ^[90]

Critique

Les critiques des films d’art incluent le fait d’être trop prétentieux et indulgent pour le grand public. ^{[91] [92] [93]}

Le critique de cinéma de LA Weekly Michael Nordine a cité les films Gummo (1997) comme étant un ” film d’ exploitation d’art et d’essai ” et Amores Perros (2000) illustrant “le stéréotype d’art et d’essai de mettre en vedette plus de chiens morts que Where the Red Fern Grows et tous les autres livre que tu devais lire au collège”. ^[94]

Notions connexes

Télévision d’art et d’essai

La télévision artistique de qualité , ^[95] un genre ou un style de télévision qui partage certains des mêmes traits que les films d’art, a été identifiée. Les émissions de télévision, telles que Twin Peaks de David Lynch et The Singing Detective de la BBC , ont également « un relâchement de la causalité, une plus grande emphase sur le réalisme psychologique ou anecdotique, des violations de la clarté classique de l’espace et du temps, des commentaires d’auteur explicites et une ambiguïté ». “. ^[96]

Comme pour la plupart des autres travaux de Lynch (notamment le film Blue Velvet ), Twin Peaks explore le gouffre entre le placage de la respectabilité des petites villes et les couches de vie plus sordides qui se cachent sous sa surface. L’émission est difficile à situer dans un genre télévisuel défini ; stylistiquement, il emprunte le ton troublant et les prémisses surnaturelles des films d’horreur et propose simultanément une parodie bizarrement comique des feuilletons américains avec une présentation campy et mélodramatique des activités moralement douteuses de ses personnages excentriques. Le spectacle représente une enquête morale sérieuse qui se distingue à la fois par un humour étrange et une profonde veine de surréalisme, incorporant des vignettes hautement stylisées, des images artistiques surréalistes et souvent inaccessibles aux côtés du récit autrement compréhensible des événements.

La série télévisée britannique Black Mirror de Charlie Brooker, lauréate d’un Emmy Award, explore les thèmes sombres et parfois satiriques de la société moderne, en particulier en ce qui concerne les conséquences imprévues des nouvelles technologies ; bien que classé comme “fiction spéculative”, plutôt que comme télévision d’art, il a reçu des critiques élogieuses. The Wire de HBO pourrait également être qualifié de “télévision artistique”, car il a suscité une plus grande attention critique de la part des universitaires que la plupart des émissions de télévision. Par exemple, la revue de théorie du cinéma Film Quarterly a présenté l’émission sur sa couverture. ^[97]

Dans les médias populaires

Les films d’art ont fait partie de la culture populaire, des sitcoms animés comme The Simpsons ^[98] et Clone High les usurpant et les satirisant ^[99] jusqu’à la websérie de critiques de films comiques Brows Held High (hébergée par Kyle Kallgren). ^{[100] [101]}

Voir également

• Cinéma excentrique américain
• Animé
• Théorie de l’auteur
• festival du film de Cannes
• Cinéma de la Transgression
• Cinéma hollywoodien classique
• Collection de critères
• Nouvelle vague tchécoslovaque
• Cinéma d’art européen
• Film expérimental
• Cinéma extrême
• Critique de cinéma
• Genre cinématographique
• FilmStruck
• L’âge d’or de la télévision (des années 2000 à aujourd’hui)
• Animation indépendante
• Film indépendant
• Chaîne de cinéma indépendante
• Prix ​​​​de l’esprit indépendant
• Tournoi international d’animation
• LA rébellion
• Liste des réalisateurs associés au cinéma d’art
• Cinéma minimaliste et maximaliste
• Clip musical
• Nouvel Hollywood
• Cinéma sans vague
• Cinéma parallèle
• Cinéma lent
• Souvenirs de la Terre —chaîne de télévision sur l’art
• Festival du film de Sundance
• Cinéma surréaliste
• Festival du film de la baie de Swansea
• Études télévisuelles
• Festival international du film de Toronto
• Films classiques de Turner
• Film souterrain
• Essai vidéo
• Auteurisme vulgaire

Références

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Liens externes

• Les sourcils tenus haut sur YouTube
• Top 100 des films d’art et d’essai internationaux – Rotten Tomatoes
• Les 25 meilleurs films d’art et d’essai de tous les temps | The Guardian
• 10 grands films qui sont des introductions parfaites au cinéma d’art et d’essai – Taste of Cinema
• Top 10 des films d’art et d’essai des 10 dernières années|Stark Insider