Cinématographie

La cinématographie (du grec ancien κίνημα, kìnema “mouvement” et γράφειν, gràphein “écrire”) est l’art de la photographie cinématographique (et plus récemment, caméra vidéo électronique ).

Arri Alexa , une caméra numérique

Les cinéastes utilisent un objectif pour focaliser la lumière réfléchie par les objets dans une image réelle qui est transférée à un capteur d’image ou à un matériau sensible à la lumière à l’ intérieur d’une caméra . ^[1] Ces expositions sont créées séquentiellement et conservées pour un traitement ultérieur et une visualisation sous forme de Film . La capture d’images avec un capteur d’image électronique produit une charge électrique pour chaque pixel de l’image, qui est traitée électroniquement et stockée dans un Fichier vidéo pour un traitement ou un affichage ultérieur. Images capturées avecl’ émulsion photographique produit une série d’ images latentes invisibles sur le Film, qui sont chimiquement « développées » en une image visible . Les images sur la pellicule sont projetées pour visionner le même Film.

La cinématographie trouve des utilisations dans de nombreux domaines scientifiques et commerciaux ainsi qu’à des fins de divertissement et de communication de masse .

Histoire

Précurseurs

Séquence Muybridge d’un cheval au galop

Dans les années 1830, trois solutions différentes pour les images en mouvement ont été inventées sur le concept de tambours et de disques rotatifs, le stroboscope de Simon von Stampfer en Autriche, le Phénakistoscope de Joseph Plateau en Belgique et le zootrope de William Horner en Grande-Bretagne.

En 1845, Francis Ronalds a inventé le premier appareil photo réussi capable de faire des enregistrements continus des indications variables des instruments météorologiques et géomagnétiques au fil du temps. Les caméras ont été fournies à de nombreux observatoires à travers le monde et certaines sont restées en service jusqu’au XXe siècle. ^{[2] [3] [4]}

William Lincoln a breveté un appareil, en 1867, qui montrait des images animées appelées “roue de la vie” ou ” zoopraxiscope “. Dans celui-ci, des dessins ou des photographies en mouvement étaient regardés à travers une fente.

Le 19 juin 1878, Eadweard Muybridge photographie avec succès un cheval nommé ” Sallie Gardner ” en accéléré à l’aide d’une série de 24 caméras stéréoscopiques. Les caméras étaient disposées le long d’une piste parallèle à celle du cheval, et chaque obturateur de caméra était contrôlé par un fil-piège déclenché par les sabots du cheval. Ils étaient distants de 21 pouces pour couvrir les 20 pieds pris par la foulée du cheval, prenant des photos à un millième de seconde. ^[5] À la fin de la décennie, Muybridge avait adapté des séquences de ses photographies à un zoopraxiscope pour de courts “films” projetés primitifs, qui faisaient sensation lors de ses tournées de conférences en 1879 ou 1880.

Quatre ans plus tard, en 1882, le scientifique français Étienne-Jules Marey a inventé un pistolet chronophotographique, capable de prendre 12 images consécutives par seconde, enregistrant toutes les images d’une même image.

De la fin du XIXe au début du XXe siècle, l’utilisation du Film a commencé non seulement à des fins de divertissement, mais également à des fins d’exploration scientifique. Le biologiste et cinéaste français Jean Painlevé a fait pression pour l’utilisation du Film dans le domaine scientifique, car le nouveau média était plus efficace pour capturer et documenter le comportement, le mouvement et l’environnement des micro-organismes, des cellules et des bactéries que l’œil nu. ^[6] L’introduction du Film dans les domaines scientifiques a permis non seulement de visualiser “de nouvelles images et de nouveaux objets, tels que des cellules et des objets naturels, mais aussi de les visualiser en temps réel”, ^[6]alors qu’avant l’invention des images animées, les scientifiques et les médecins devaient s’appuyer sur des croquis dessinés à la main de l’anatomie humaine et de ses micro-organismes. Cela a posé un grand inconvénient dans le monde scientifique et médical. Le développement du Film et l’utilisation accrue des caméras ont permis aux médecins et aux scientifiques de mieux comprendre et connaître leurs projets. ^{[ citation nécessaire ]}

Film

0:03 Roundhay Garden Scene (1888), le premier Film cinématographique au monde.

Le Film expérimental Roundhay Garden Scene , Filmé par Louis Le Prince le 14 octobre 1888 à Roundhay , Leeds , Angleterre, est le premier Film cinématographique survivant. ^[7] Ce Film a été tourné sur Film papier. ^[8]

Un appareil photo argentique expérimental a été développé par l’inventeur britannique William Friese Greene et breveté en 1889. ^[9] WKL Dickson , travaillant sous la direction de Thomas Alva Edison , a été le premier à concevoir un appareil réussi, le Kinetograph , ^[10] breveté en 1891 . ^[11] Cet appareil a pris une série de photographies instantanées sur une émulsion photographique standard Eastman Kodak enduite sur une bande de celluloïd transparent de 35 mm de large. Les résultats de ces travaux ont été montrés pour la première fois en public en 1893, à l’aide de l’appareil de visualisation également conçu par Dickson, le Kinetoscope. Contenu dans une grande boîte, une seule personne à la fois regardant à travers un judas pouvait voir le Film.

L’année suivante, Charles Francis Jenkins et son projecteur, le Phantoscope , ^[12] ont fait un visionnage d’audience réussi tandis que Louis et Auguste Lumière ont perfectionné le Cinématographe , un appareil qui a pris, imprimé et projeté des films, à Paris en décembre 1895. ^{[ 13]} Les frères Lumière ont été les premiers à présenter des images projetées, émouvantes, photographiques à un public payant de plus d’une personne.

En 1896, des cinémas sont ouverts en France ( Paris , Lyon , Bordeaux , Nice , Marseille ) ; Italie ( Rome , Milan , Naples , Gênes , Venise , Bologne , Forlì ); Bruxelles ; et Londres. Les améliorations chronologiques du support peuvent être énumérées de manière concise. En 1896, Edison a montré son projecteur Vitascope amélioré, le premier projecteur à succès commercial aux États-Unis. le début du cinéma en 1911. La caméra Bell et Howell 2709 inventée en 1915 permettait aux réalisateurs de faire des gros plans sans déplacer physiquement la caméra. À la fin des années 1920, la plupart des films produits étaient des films sonores. Les formats d’écran large ont été expérimentés pour la première fois dans les années 1950. Dans les années 1970, la plupart des films étaient des films en couleur. IMAX et d’autres formats 70 mm ont gagné en popularité. Une large distribution de films est devenue monnaie courante, préparant le terrain pour les « blockbusters ». La cinématographie cinématographique a dominé l’industrie cinématographique depuis sa création jusqu’aux années 2010, lorsque la cinématographie numérique est devenue dominante. La cinématographie cinématographique est encore utilisée par certains réalisateurs, notamment dans des applications spécifiques ou par amour du format.^{[ citation nécessaire ]}

Noir et blanc

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Depuis sa naissance dans les années 1880, les films étaient principalement monochromes. Contrairement à la croyance populaire, monochrome ne signifie pas toujours noir et blanc ; cela signifie un Film tourné dans un ton ou une couleur unique. Le coût des bases de Film teintées étant considérablement plus élevé, la plupart des films ont été produits en monochrome noir et blanc. Même avec l’avènement des premières expériences couleur, la plus grande dépense de couleur signifiait que les films étaient principalement réalisés en noir et blanc jusqu’aux années 1950, lorsque des procédés couleur moins chers ont été introduits, et certaines années, le pourcentage de films tournés sur Film couleur a dépassé 51%. Dans les années 1960, la couleur est devenue de loin le stock de Film dominant. Au cours des décennies suivantes, l’utilisation de films couleur a considérablement augmenté tandis que les films monochromes se sont raréfiés.

Couleur

0:45 Annabelle Serpentine Dance , version teintée à la main (1895)

Après l’avènement du cinéma, une énorme quantité d’énergie a été investie dans la production de photographies en couleurs naturelles. ^[14] L’invention de l’image parlante a encore accru la demande d’utilisation de la photographie couleur. Cependant, par rapport aux autres avancées technologiques de l’époque, l’arrivée de la photographie couleur a été un processus relativement lent. ^[15]

Les premiers films n’étaient pas réellement des films en couleur puisqu’ils étaient tournés en monochrome et colorés à la main ou à la machine par la suite (ces films sont appelés colorés et non couleur ). Le premier exemple de ce type est la danse Annabelle Serpentine teintée à la main en 1895 par Edison Manufacturing Company . La teinture à la machine est devenue plus tard populaire. La teinte s’est poursuivie jusqu’à l’avènement de la cinématographie en couleurs naturelles dans les années 1910. De nombreux films en noir et blanc ont récemment été colorisés à l’aide de la teinte numérique. Cela comprend des images tournées pendant les deux guerres mondiales, des événements sportifs et de la propagande politique. ^{[ citation nécessaire ]}

En 1902, Edward Raymond Turner produit les premiers films avec un processus de couleur naturelle plutôt que d’utiliser des techniques de colorisation. ^[16] En 1908, kinemacolor a été introduit. La même année, le court métrage A Visit to the Seaside est devenu le premier Film en couleur naturelle à être présenté publiquement. ^{[ citation nécessaire ]}

En 1917, la première version de Technicolor a été introduite. Kodachrome a été introduit en 1935. Eastmancolor a été introduit en 1950 et est devenu la norme de couleur pour le reste du siècle. ^{[ citation nécessaire ]}

Dans les années 2010, les films couleur ont été largement remplacés par la cinématographie numérique couleur. ^{[ citation nécessaire ]}

Vidéo numérique

Dans la cinématographie numérique, le Film est tourné sur un support numérique tel qu’un Stockage flash , ainsi que distribué via un support numérique tel qu’un Disque dur .

Les capteurs d’image MOS ( Métal-oxyde-semi-conducteur ) sont à la base des appareils photo numériques . ^[17] Le premier capteur d’image à semi-conducteur pratique était le dispositif à couplage de charge (CCD), ^[18] basé sur la technologie des condensateurs MOS . ^[17] Suite à la commercialisation des capteurs CCD de la fin des années 1970 au début des années 1980, l’ Industrie du divertissement a lentement commencé à passer à l’imagerie numérique et à la vidéo numérique au cours des deux décennies suivantes. ^[19] Le CCD a été suivi par le Capteur CMOS à pixels actifs ( Capteur CMOS ), ^[20] développé dans les années 1990. ^{[21] [22]}

À partir de la fin des années 1980, Sony a commencé à commercialiser le concept de « cinématographie électronique », en utilisant ses caméras vidéo professionnelles analogiques Sony HDVS . L’effort a rencontré très peu de succès. Cependant, cela a conduit à l’un des premiers longs métrages tournés numériquement, Julia et Julia (1987). ^{[ citation nécessaire ]} En 1998, avec l’introduction des enregistreurs HDCAM et des caméras vidéo professionnelles numériques 1920 × 1080 pixels basées sur la technologie CCD, l’idée, désormais rebaptisée “cinéma numérique”, a commencé à gagner du terrain. ^{[ citation nécessaire ]}

Tourné et sorti en 1998, The Last Broadcast est considéré par certains comme la première vidéo de long métrage tournée et montée entièrement sur un équipement numérique grand public. ^[23] En mai 1999, George Lucas a contesté pour la première fois la suprématie du support cinématographique du Film en incluant des séquences Filmées avec des caméras numériques haute définition dans Star Wars : Episode I – The Phantom Menace . Fin 2013, Paramount est devenu le premier grand studio à distribuer des films aux cinémas au format numérique, éliminant entièrement les films 35 mm. Depuis lors, la demande de films à développer au format numérique plutôt qu’en 35 mm a considérablement augmenté. ^{[ citation nécessaire ]}

Au fur et à mesure que la technologie numérique s’améliorait, les studios de cinéma ont commencé à se tourner de plus en plus vers la cinématographie numérique. Depuis les années 2010, la cinématographie numérique est devenue la forme dominante de cinématographie après avoir largement supplanté la cinématographie cinématographique. ^{[ citation nécessaire ]}

Aspects

De nombreux aspects contribuent à l’art de la cinématographie, notamment:

Technique du cinéma

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Georges Méliès (à gauche) peignant un décor dans son atelier

Les premières caméras à Film étaient fixées directement à la tête d’un trépied ou d’un autre support, avec seulement les dispositifs de nivellement les plus rudimentaires fournis, à la manière des têtes de trépied pour appareils photo fixes de l’époque. Les premières caméras à Film étaient donc effectivement fixées pendant la prise de vue, et donc les premiers mouvements de caméra résultaient du montage d’une caméra sur un véhicule en mouvement. Le premier connu d’entre eux était un Film tourné par un caméraman Lumière depuis la plate-forme arrière d’un train quittant Jérusalem en 1896, et en 1898, il y avait un certain nombre de films tournés depuis des trains en mouvement. Bien que répertoriés sous la rubrique générale de “panoramas” dans les catalogues de vente de l’époque, ces films tournés directement devant une locomotive étaient généralement spécifiquement appelés ” manèges fantômes “.

En 1897, Robert W. Paul a fait fabriquer la première véritable tête de caméra rotative pour la mettre sur un trépied, afin de pouvoir suivre le passage des processions du jubilé de diamant de la reine Victoria en un seul plan ininterrompu. Cet appareil avait la caméra montée sur un axe vertical qui pouvait être tourné par un engrenage à Vis sans fin entraîné en tournant une manivelle, et Paul l’a mis en vente générale l’année suivante. Les clichés pris avec une telle tête “panoramique” étaient également appelés “panoramas” dans les catalogues de films de la première décennie du cinéma. Cela a finalement conduit à la création d’une photo panoramique également.

Le modèle standard des premiers studios de cinéma était fourni par le studio que Georges Méliès avait construit en 1897. Celui-ci avait un toit en verre et trois murs de verre construits sur le modèle des grands studios pour la photographie fixe, et il était équipé de fines toiles de coton qui pouvaient être tendu sous le toit pour diffuser le rayon direct du soleil lors des journées ensoleillées. La douce lumière globale sans véritables ombres que cet agencement produisait, et qui existe aussi naturellement les jours légèrement nuageux, allait devenir la base de l’éclairage cinématographique dans les studios de cinéma pour la prochaine décennie.

Capteur d’image et stock de Film

La cinématographie peut commencer avec un capteur d’image numérique ou des rouleaux de Film. Les progrès de l’émulsion de Film et de la structure du grain ont fourni une large gamme de stocks de films disponibles . La sélection d’un stock de Film est l’une des premières décisions prises dans la préparation d’une production cinématographique typique.

Outre la sélection de calibre de Film – 8 mm (amateur), 16 mm (semi-professionnel), 35 mm (professionnel) et 65 mm (photographie épique, rarement utilisée sauf dans des lieux événementiels spéciaux) – le directeur de la photographie dispose d’une sélection de stocks dans inversion (qui, une fois développée, crée une image positive) et des formats négatifs ainsi qu’une large gamme de vitesses de Film (sensibilité variable à la lumière) de ISO 50 (lent, moins sensible à la lumière) à 800 (très rapide, extrêmement sensible à la lumière ) et réponse différente à la couleur (faible saturation, saturation élevée) et le contraste (niveaux variables entre le noir pur (pas d’exposition) et le blanc pur (surexposition complète). Les progrès et les ajustements de presque tous les calibres de Film créent les “super” formats dans lesquels la zone du Film utilisée pour capturer un seul Le cadre d’une image est agrandi, bien que la jauge physique du Film reste la même. Les super 8 mm , super 16 mm et super 35 mm utilisent tous plus de la surface totale du Film pour l’image que leurs homologues “ordinaires” non super Plus le calibre du Film est grand, plus la résolution globale de l’image et la qualité technique sont élevées.peut également offrir une variance considérable dans l’image produite. En contrôlant la température et en faisant varier la durée pendant laquelle le Film est trempé dans les produits chimiques de développement, et en sautant certains processus chimiques (ou en les sautant partiellement tous), les directeurs de la photographie peuvent obtenir des looks très différents à partir d’un seul Film en laboratoire. Certaines techniques pouvant être utilisées sont le traitement poussé , le contournement de l’eau de Javel et le traitement croisé .

La plupart du cinéma moderne utilise la cinématographie numérique et n’a pas de stocks de films ^{[ citation nécessaire ]} , mais les caméras elles-mêmes peuvent être ajustées d’une manière qui va bien au-delà des capacités d’un stock de films particulier. Ils peuvent fournir divers degrés de sensibilité aux couleurs, de contraste d’image, de sensibilité à la lumière, etc. Un appareil photo peut obtenir tous les différents aspects de différentes émulsions. Les réglages d’image numérique tels que l’ISO et le contraste sont exécutés en estimant les mêmes réglages qui auraient lieu si un Film réel était utilisé, et sont donc vulnérables aux perceptions des concepteurs de capteurs de l’appareil photo sur divers stocks de films et paramètres de réglage d’image.

Filtres

Les filtres , tels que les filtres de diffusion ou les filtres à effets de couleur, sont également largement utilisés pour améliorer l’ambiance ou les effets dramatiques. La plupart des filtres photographiques sont constitués de deux morceaux de verre optique collés ensemble avec une certaine forme d’image ou de matériau de manipulation de la lumière entre le verre. Dans le cas des filtres colorés, il s’agit souvent d’un médium coloré translucide pressé entre deux plans de verre optique. Les filtres de couleur fonctionnent en bloquant certaines longueurs d’onde de couleurde la lumière d’atteindre le Film. Avec un Film couleur, cela fonctionne très intuitivement dans lequel un filtre bleu réduira le passage de la lumière rouge, orange et jaune et créera une teinte bleue sur le Film. Dans la photographie en noir et blanc, les filtres de couleur sont utilisés de manière quelque peu contre-intuitive ; par exemple, un filtre jaune, qui réduit les longueurs d’onde bleues de la lumière, peut être utilisé pour assombrir un ciel de lumière du jour (en éliminant la lumière bleue de frapper le Film, sous-exposant ainsi considérablement le ciel principalement bleu) sans biaiser la plupart des tons de chair humaine. Les filtres peuvent être utilisés devant l’objectif ou, dans certains cas, derrière l’objectif pour différents effets.

Certains directeurs de la photographie, comme Christopher Doyle , sont bien connus pour leur utilisation innovante des filtres ; Doyle a été un pionnier de l’utilisation accrue des filtres dans les films et est très respecté dans le monde du cinéma.

Lentille

Enregistrement en direct pour la télévision sur un appareil photo avec un objectif optique Fujinon .

Des lentilles peuvent être fixées à l’appareil photo pour donner un certain aspect, sensation ou effet par mise au point, couleur, etc. Comme le fait l’ œil humain , l’appareil photo crée une perspective et des relations spatiales avec le reste du monde. Cependant, contrairement à l’œil, un directeur de la photographie peut sélectionner différents objectifs à des fins différentes. La variation de la distance focale est l’un des principaux avantages. La distance focale de l’objectif détermine l’ angle de vue et, par conséquent, le champ de vision . Les cinéastes peuvent choisir parmi une gamme d’ objectifs grand angle , d’objectifs “normaux” et d’objectifs à longue focale , ainsi que d’ objectifs macro et d’autres systèmes d’objectifs à effets spéciaux tels quelentilles d’endoscope . Les objectifs grand angle ont des distances focales courtes et rendent les distances spatiales plus évidentes. Une personne au loin est montrée comme beaucoup plus petite tandis que quelqu’un à l’avant apparaîtra en grand. D’autre part, les objectifs à longue focale réduisent ces exagérations, représentant des objets éloignés comme apparemment proches les uns des autres et aplatissant la perspective. Les différences entre les rendus en perspective ne sont en réalité pas dues à la distance focale en elle-même, mais à la distance entre les sujets et l’appareil photo. Par conséquent, l’utilisation de différentes longueurs focales en combinaison avec différentes distances entre l’appareil photo et le sujet crée ces rendus différents. Changer la distance focale uniquement tout en gardant la même position de caméra n’affecte pas la perspective mais uniquement l’ angle de vue de la caméra.

Un objectif zoom permet à un opérateur de caméra de modifier sa distance focale dans une prise de vue ou rapidement entre les configurations de prises de vue. Comme les objectifs principaux offrent une meilleure qualité optique et sont “plus rapides” (ouvertures d’ouverture plus grandes, utilisables dans moins de lumière) que les objectifs zoom, ils sont souvent utilisés dans la cinématographie professionnelle sur des objectifs zoom. Cependant, certaines scènes ou même certains types de tournages peuvent nécessiter l’utilisation de zooms pour la rapidité ou la facilité d’utilisation, ainsi que des plans impliquant un mouvement de zoom.

Comme dans les autres photographies, le contrôle de l’image exposée se fait dans l’objectif avec le contrôle de l’ ouverture du diaphragme . Pour une bonne sélection, le directeur de la photographie a besoin que tous les objectifs soient gravés avec T-stop , et non f-stop afin que la perte de lumière éventuelle due au verre n’affecte pas le contrôle de l’exposition lors du réglage à l’aide des compteurs habituels. Le choix de l’ouverture affecte également la qualité de l’image (aberrations) et la profondeur de champ.

Profondeur de champ et mise au point

Une photo très nette de Citizen Kane (1941) : tout, y compris le chapeau au premier plan et le garçon (le jeune Charles Foster Kane ) au loin, est net.

La distance focale et l’ouverture du diaphragme affectent la profondeur de champ d’une scène – c’est-à-dire la mesure dans laquelle l’arrière-plan, le milieu et le premier plan seront rendus dans une “mise au point acceptable” (un seul plan exact de l’image est mis au point avec précision) sur le cible Film ou vidéo. Profondeur de champ (à ne pas confondre avec la profondeur de champ) est déterminé par la taille d’ouverture et la distance focale. Une profondeur de champ importante ou profonde est générée avec une très petite ouverture d’iris et une mise au point sur un point au loin, tandis qu’une faible profondeur de champ sera obtenue avec une grande ouverture d’iris (ouverte) et une mise au point plus proche de l’objectif. La profondeur de champ est également régie par la taille du format. Si l’on considère le champ de vision et l’angle de vue, plus l’image est petite, plus la distance focale doit être courte, afin de garder le même champ de vision. Ensuite, plus l’image est petite, plus on obtient de profondeur de champ, pour un même champ de vision. Par conséquent, 70 mm a moins de profondeur de champ que 35 mm pour un champ de vision donné, 16 mm de plus que 35 mm, et les premières caméras vidéo, ainsi que la plupart des caméras vidéo grand public modernes, encore plus de profondeur de champ que 16 mm.

Dans Citizen Kane (1941), le directeur de la photographie Gregg Toland et le réalisateur Orson Welles ont utilisé des ouvertures plus étroites pour créer chaque détail du premier plan et de l’arrière-plan des décors avec une mise au point nette. Cette pratique est connue sous le nom de concentration profonde . La mise au point profonde est devenue un dispositif cinématographique populaire à partir des années 1940 à Hollywood. Aujourd’hui, la tendance est à une focalisation plus superficielle . Changer le plan de mise au point d’un objet ou d’un personnage à un autre dans une prise de vue est communément appelé mise au point en rack .

Au début de la transition vers la cinématographie numérique, l’incapacité des caméras vidéo numériques à atteindre facilement une faible profondeur de champ, en raison de leurs petits capteurs d’image, était initialement un problème de frustration pour les cinéastes essayant d’imiter l’aspect du Film 35 mm. Des adaptateurs optiques ont été conçus pour y parvenir en montant un objectif de plus grand format qui projetait son image, à la taille du plus grand format, sur un écran en verre dépoli préservant la profondeur de champ. L’adaptateur et l’objectif sont ensuite montés sur la caméra vidéo petit format qui à son tour se concentre sur l’écran en verre dépoli.

Les appareils photo reflex numériques ont des tailles de capteur similaires à celles du cadre de Film 35 mm et sont donc capables de produire des images avec une profondeur de champ similaire. L’avènement des fonctions vidéo dans ces caméras a déclenché une révolution dans la cinématographie numérique, de plus en plus de cinéastes adoptant des caméras fixes à cette fin en raison des qualités cinématographiques de leurs images. Plus récemment, de plus en plus de caméras vidéo dédiées sont équipées de capteurs plus grands capables d’une profondeur de champ de type Film de 35 mm.

Format d’image et cadrage

Le rapport d’aspect d’une image est le rapport de sa largeur à sa hauteur. Cela peut être exprimé soit sous la forme d’un rapport de 2 entiers, comme 4:3, soit dans un format décimal, comme 1,33:1 ou simplement 1,33. Différents rapports fournissent différents effets esthétiques. Les normes de rapport d’aspect ont considérablement varié au fil du temps.

À l’époque du silence, les rapports d’aspect variaient considérablement, du carré 1: 1 , jusqu’à l’extrême écran large 4: 1 Polyvision . Cependant, à partir des années 1910, les films muets se sont généralement installés sur le rapport de 4: 3 (1,33). L’introduction du son sur Film a brièvement réduit le rapport d’aspect, pour laisser de la place à une bande sonore. En 1932, une nouvelle norme a été introduite, le rapport Academy de 1,37, au moyen d’un épaississement de la ligne de cadre .

Pendant des années, les directeurs de la photographie grand public se sont limités à utiliser le ratio Academy, mais dans les années 1950, grâce à la popularité de Cinerama , des ratios grand écran ont été introduits dans le but de ramener le public dans le théâtre et de l’éloigner de ses téléviseurs . Ces nouveaux formats d’écran large ont fourni aux directeurs de la photographie un cadre plus large dans lequel composer leurs images.

De nombreux systèmes photographiques propriétaires différents ont été inventés et utilisés dans les années 1950 pour créer des films grand écran, mais un Film a dominé: le processus anamorphique , qui comprime optiquement l’image pour photographier deux fois la zone horizontale à la même taille verticale que les objectifs “sphériques” standard. Le premier format anamorphique couramment utilisé était CinemaScope , qui utilisait un rapport d’aspect de 2,35, alors qu’il était à l’origine de 2,55. CinemaScope a été utilisé de 1953 à 1967, mais en raison de défauts techniques dans la conception et de sa propriété par Fox, plusieurs sociétés tierces, dirigées par les améliorations techniques de Panavision dans les années 1950, ont dominé le marché des objectifs cinématographiques anamorphiques. Modifications apportées à SMPTEles normes de projection ont modifié le rapport projeté de 2,35 à 2,39 en 1970, bien que cela n’ait rien changé aux normes photographiques anamorphiques; toutes les modifications apportées au rapport d’aspect de la photographie 35 mm anamorphique sont spécifiques aux tailles de porte de l’appareil photo ou du projecteur, et non au système optique. Après les «guerres grand écran» des années 1950, l’industrie du cinéma s’est installée en 1,85 comme norme de projection en salle aux États-Unis et au Royaume-Uni. Ceci est une version recadrée de 1.37. L’Europe et l’Asie ont d’abord opté pour 1,66, bien que 1,85 ait largement imprégné ces marchés au cours des dernières décennies. Certains films ” épiques ” ou d’aventures utilisaient le 2.39 anamorphique (souvent désigné à tort ” 2.40 “)

Dans les années 1990, avec l’avènement de la vidéo haute définition , les ingénieurs de la télévision ont créé le rapport 1,78 (16: 9) comme un compromis mathématique entre la norme théâtrale de 1,85 et la télévision de 1,33, car il n’était pas pratique de produire un tube de télévision CRT traditionnel. avec une largeur de 1,85. Jusqu’à ce changement, rien n’avait jamais été créé en 1.78. Aujourd’hui, il s’agit d’une norme pour la vidéo haute définition et pour la télévision à écran large.

Éclairage

La lumière est nécessaire pour créer une exposition d’image sur une image de Film ou sur une cible numérique (CCD, etc.). L’art de l’éclairage pour la cinématographie va bien au-delà de l’exposition de base, cependant, dans l’essence de la narration visuelle. L’éclairage contribue considérablement à la réaction émotionnelle d’un public qui regarde un Film. L’utilisation accrue de filtres peut avoir un impact important sur l’image finale et affecter l’éclairage.

Mouvement de caméra

0:15 Caméra sur un petit véhicule à moteur représentant un grand

La cinématographie peut non seulement représenter un sujet en mouvement, mais peut utiliser une caméra, qui représente le point de vue ou la perspective du public, qui se déplace au cours du tournage. Ce mouvement joue un rôle considérable dans le langage émotionnel des images cinématographiques et dans la réaction émotionnelle du public à l’action. Les techniques vont des mouvements les plus élémentaires du panoramique (décalage horizontal du point de vue à partir d’une position fixe ; comme tourner la tête d’un côté à l’autre) et de l’inclinaison (décalage vertical du point de vue à partir d’une position fixe ; comme pencher la tête en arrière pour regarder le ciel ou vers le bas pour regarder le sol) au travelling (placer la caméra sur une plate-forme mobile pour la rapprocher ou l’éloigner du sujet), le suivi(placer la caméra sur une plate-forme mobile pour la déplacer vers la gauche ou la droite), grutage (déplacer la caméra en position verticale ; être capable de la soulever du sol et de la faire pivoter d’un côté à l’autre à partir d’une base fixe position), et des combinaisons de ce qui précède. Les premiers directeurs de la photographie étaient souvent confrontés à des problèmes qui n’étaient pas communs aux autres graphistes en raison de l’élément de mouvement. ^[24]

Des caméras ont été montées sur presque tous les moyens de transport imaginables. La plupart des caméras peuvent également être portatives , c’est-à-dire tenues entre les mains du caméraman qui se déplace d’une position à l’autre tout en filmant l’action. Les plates-formes de stabilisation personnelles ont vu le jour à la fin des années 1970 grâce à l’invention de Garrett Brown , connue sous le nom de Steadicam .. Le Steadicam est un harnais corporel et un bras de stabilisation qui se connecte à la caméra, soutenant la caméra tout en l’isolant des mouvements du corps de l’opérateur. Après l’expiration du brevet Steadicam au début des années 1990, de nombreuses autres sociétés ont commencé à fabriquer leur concept de stabilisateur de caméra personnel. Cette invention est beaucoup plus courante dans le monde cinématographique aujourd’hui. Des longs métrages aux informations du soir, de plus en plus de réseaux ont commencé à utiliser un stabilisateur de caméra personnel.

Effets spéciaux

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Les premiers effets spéciaux au cinéma ont été créés pendant le tournage du Film. Ceux-ci sont devenus connus sous le nom d’ effets « à huis clos ». Plus tard, des effets optiques et numériques ont été développés afin que les éditeurs et les artistes d’effets visuels puissent contrôler plus étroitement le processus en manipulant le Film en post-production .

Le Film de 1896 L’exécution de Mary Stuart montre un acteur déguisé en reine plaçant sa tête sur le bloc d’exécution devant un petit groupe de passants en tenue élisabéthaine. Le bourreau abat sa hache et la tête coupée de la reine tombe sur le sol. Cette astuce a été travaillée en arrêtant la caméra et en remplaçant l’acteur par un mannequin, puis en redémarrant la caméra avant que la hache ne tombe. Les deux morceaux de Film ont ensuite été découpés et cimentés ensemble afin que l’action apparaisse continue lorsque le Film a été projeté, créant ainsi une illusion d’ensemble et jetant avec succès les bases d’effets spéciaux.

Ce Film fait partie de ceux qui s’exportent en Europe avec les premières machines Kinetoscope en 1895 et est vu par Georges Méliès qui, à l’époque, donne des spectacles de magie dans son Théâtre Robert-Houdin à Paris. Il se lance dans le cinéma en 1896, et après avoir imité d’autres films d’Edison, Lumière et Robert Paul, il réalise Escamotage d’une dame chez Robert – Houdin . Ce Film montre une femme en train de disparaître en utilisant la même technique de stop motion que le Film Edison précédent. Après cela, Georges Méliès a réalisé de nombreux films à plan unique en utilisant cette astuce au cours des deux prochaines années.

Double exposition

Une scène insérée dans une vignette circulaire montrant une “vision de rêve” dans le Père Noël (1898).

L’autre technique de base pour la cinématographie astucieuse implique une double exposition du Film dans l’appareil photo, ce qui a été fait pour la première fois par George Albert Smith en juillet 1898 au Royaume-Uni. The Corsican Brothers (1898) de Smith est décrit dans le catalogue de la Warwick Trading Company , qui reprend la distribution des films de Smith en 1900, ainsi :

“L’un des frères jumeaux rentre chez lui après avoir tourné dans les montagnes corses et reçoit la visite du fantôme de l’autre jumeau. Grâce à une photographie extrêmement soignée, le fantôme apparaît *assez transparent*. Après avoir indiqué qu’il a été tué par un coup d’épée , et faisant appel à la vengeance, il disparaît. Une “vision” apparaît alors montrant le duel fatal dans la neige. À la stupéfaction du Corse, le duel et la mort de son frère sont vivement représentés dans la vision, et submergé par ses sentiments, il tombe au sol juste au moment où sa mère entre dans la pièce.”

L’effet fantôme a été réalisé en drapant l’ensemble de velours noir après le tournage de l’action principale, puis en réexposant le négatif avec l’acteur jouant le fantôme en passant par les actions à la partie appropriée. De même, la vision, qui apparaissait dans une vignette circulaire ou matte , était également superposée sur une zone noire en arrière-plan de la scène, plutôt que sur une partie de l’ensemble avec des détails, de sorte que rien n’apparaissait à travers l’image, ce qui parait assez solide. Smith a de nouveau utilisé cette technique dans Santa Claus (1898).

Georges Méliès a utilisé pour la première fois la superposition sur un fond sombre dans La Caverne maudite (La Caverne des démons) réalisée quelques mois plus tard en 1898, ^{[ citation nécessaire ]} et l’a élaborée avec de nombreuses superpositions dans le one shot d ‘ Un Homme de têtes ( The Quatre têtes gênantes ) . Il a créé d’autres variations dans les films suivants.

Sélection de la fréquence d’images

Les images cinématographiques sont présentées à un public à une vitesse constante. Au théâtre, c’est 24 images par seconde , dans la télévision NTSC (US), c’est 30 images par seconde (29,97 pour être exact), dans la télévision PAL (Europe), c’est 25 images par seconde. Cette vitesse de présentation ne varie pas.

Cependant, en faisant varier la vitesse à laquelle l’image est capturée, divers effets peuvent être créés sachant que l’image enregistrée plus rapide ou plus lente sera lue à une vitesse constante. Donner au directeur de la photographie encore plus de liberté pour la créativité et l’expression.

Par exemple, la photographie accélérée est créée en exposant une image à un rythme extrêmement lent. Si un directeur de la photographie règle une caméra pour exposer une image toutes les minutes pendant quatre heures, puis que le métrage est projeté à 24 images par seconde, un événement de quatre heures prendra 10 secondes à présenter, et on peut présenter les événements d’une journée entière (24 heures) en une minute seulement.

À l’inverse, si une image est capturée à des vitesses supérieures à celle à laquelle elle sera présentée, l’effet est de ralentir considérablement ( ralenti ) l’image. Si un directeur de la photographie filme une personne plongeant dans une piscine à 96 images par seconde et que cette image est lue à 24 images par seconde, la présentation prendra 4 fois plus de temps que l’événement réel. Un ralenti extrême, capturant plusieurs milliers d’images par seconde, peut présenter des choses normalement invisibles à l’ œil humain , telles que des balles en vol et des ondes de choc traversant les médias, une technique cinématographique potentiellement puissante.

Dans les films cinématographiques, la manipulation du temps et de l’espace est un facteur contributif considérable aux outils de narration narrative. Le montage de films joue un rôle beaucoup plus important dans cette manipulation, mais la sélection de la fréquence d’images dans la photographie de l’action originale est également un facteur contribuant à modifier le temps. Par exemple, Les temps modernes de Charlie Chaplin ont été tournés à “vitesse silencieuse” (18 ips) mais projetés à “vitesse sonore” (24 ips), ce qui rend l’action burlesque encore plus frénétique.

La rampe de vitesse , ou simplement “rampe”, est un processus par lequel la fréquence d’images de capture de la caméra change avec le temps. Par exemple, si au cours de 10 secondes de capture, la fréquence d’images de capture est ajustée de 60 images par seconde à 24 images par seconde, lors de la lecture à la fréquence vidéo standard de 24 images par seconde, un effet unique de manipulation du temps est accompli. Par exemple, quelqu’un ouvrant une porte et marchant dans la rue semblerait commencer au ralenti , mais quelques secondes plus tard dans le même plan, la personne semblerait marcher en “temps réel” (vitesse normale). L’augmentation de vitesse opposée est effectuée dans The Matrixlorsque Neo rentre dans la matrice pour la première fois pour voir l’Oracle. Alors qu’il sort du “point de chargement” de l’entrepôt, la caméra zoome sur Neo à vitesse normale mais à mesure qu’elle se rapproche du visage de Neo, le temps semble ralentir, préfigurant la manipulation du temps lui-même dans la matrice plus tard dans le Film.

Mouvement inverse et ralenti

GA Smith a initié la technique du mouvement inverse et a également amélioré la qualité des images auto-motivantes. Il l’a fait en répétant l’action une seconde fois en la filmant avec une caméra inversée puis en joignant la queue du deuxième négatif à celle du premier. Les premiers films utilisant cela étaient Tipsy, Topsy, Turvy et The Awkward Sign Painter , ce dernier qui montrait un peintre d’enseignes en train de lettrage d’un signe, puis la peinture sur le signe disparaissant sous le pinceau du peintre. Le premier exemple survivant de cette technique est The House That Jack Built de Smith., réalisé avant septembre 1901. Ici, un petit garçon est représenté en train de renverser un château que vient de construire une petite fille avec des blocs de construction pour enfants. Un titre apparaît alors, disant « Renversé », et l’action se répète à l’envers pour que le château se redresse sous ses coups.

Cecil Hepworth a amélioré cette technique en imprimant le négatif du mouvement vers l’avant vers l’arrière, image par image, de sorte que dans la production de l’impression, l’action originale était exactement inversée. Hepworth a réalisé The Bathers en 1900, dans lequel les baigneurs qui se sont déshabillés et ont sauté dans l’eau semblent en sortir en arrière et voient leurs vêtements voler comme par magie sur leur corps.

L’utilisation de différentes vitesses de caméra est également apparue vers 1900. Dans On a Runaway Motor Car through Piccadilly Circus (1899) de Robert Paul, la caméra tournait si lentement que lorsque le Film était projeté aux 16 images par seconde habituelles, le paysage semblait être passant à grande vitesse. Cecil Hepworth a utilisé l’effet opposé dans The Indian Chief and the Seidlitz powder (1901), dans lequel un Indien rouge naïf mange une grande partie du médicament pétillant pour l’estomac, provoquant l’expansion de son estomac, puis il saute comme un ballon. Cela a été fait en faisant tourner la caméra plus rapidement que les 16 images par seconde normales, ce qui a donné le premier effet de ” ralenti “.

Personnel

Une équipe de tournage de la First Motion Picture Unit

Par ordre décroissant d’ancienneté, les personnels suivants sont concernés :

• Directeur de la photographie, également appelé directeur de la photographie
• Cadreur, aussi appelé caméraman
• Première caméra assistante, également appelée extracteur de mise au point
• Deuxième caméra assistante, également appelée chargeur de clapet

Dans l’industrie cinématographique, le directeur de la photographie est responsable des aspects techniques des images (éclairage, choix des objectifs, composition, exposition, filtration, sélection des films), mais travaille en étroite collaboration avec le réalisateur pour s’assurer que l’esthétique artistique soutient la vision du réalisateur de l’histoire racontée. Les directeurs de la photographie sont les chefs de l’équipe de tournage, de prise en main et d’éclairage sur un plateau, et pour cette raison, ils sont souvent appelés directeurs de la photographie ou DP. La Société américaine des cinéastesdéfinit la cinématographie comme un processus créatif et interprétatif qui aboutit à la paternité d’une œuvre d’art originale plutôt qu’au simple enregistrement d’un événement physique. La cinématographie n’est pas une sous-catégorie de la photographie. Au contraire, la photographie n’est qu’un métier que le directeur de la photographie utilise en plus d’autres métiers physiques, organisationnels, managériaux, interprétatifs. et des techniques de manipulation d’images pour effectuer un processus cohérent. ^[25] Dans la tradition britannique, si le directeur de la photographie fait fonctionner lui-même la caméra, on l’appelle le directeur de la photographie . Sur les petites productions, il est courant qu’une seule personne remplisse seule toutes ces fonctions. La progression de carrière implique généralement de gravir les échelons du détachement, du premier, jusqu’à l’exploitation de la caméra.

Les directeurs de la photographie prennent de nombreuses décisions d’interprétation au cours de leur travail, de la pré-production à la post-production, qui affectent toutes la sensation et l’aspect général du Film. Beaucoup de ces décisions sont similaires à ce qu’un photographe doit noter lorsqu’il prend une photo : le directeur de la photographie contrôle lui-même le choix du Film (à partir d’une gamme de stocks disponibles avec des sensibilités variables à la lumière et à la couleur), la sélection des longueurs focales de l’objectif, l’ exposition à l’ouverture et se concentrer. La cinématographie, cependant, a un aspect temporel (voir persistance de la vision), contrairement à la photographie fixe, qui est purement une seule image fixe. Il est également plus volumineux et plus ardu de gérer les caméras, et cela implique un éventail de choix plus complexe. En tant que tel, un directeur de la photographie doit souvent travailler en coopération avec plus de personnes qu’un photographe, qui pourrait souvent fonctionner comme une seule personne. Par conséquent, le travail du directeur de la photographie comprend également la gestion du personnel et l’organisation logistique. Compte tenu des connaissances approfondies qu’un directeur de la photographie exige non seulement de son propre métier, mais également de celui d’autres membres du personnel, des cours formels en réalisation de films analogiques ou numériques peuvent être avantageux. ^[26]

Voir également

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Références

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26. ^ “New York Film Academy – Réalisation de films” . nyfa.edu .

Liens externes

Wikiversité a des ressources d’apprentissage sur la réalisation de films

Recherchez la cinématographie dans Wiktionary, le dictionnaire gratuit.

Wikimedia Commons a des médias liés à la cinématographie .

• Manuel de réalisation de films : section Cinématographie sur Wikibooks
• L’histoire de la cinématographie chez Kodak.
• Burns, Paul. L’histoire de la découverte du cinéma