Cinéma des États-Unis

Le cinéma des États-Unis , également connu sous le nom de Hollywood, a eu un effet important sur l’ industrie cinématographique mondiale depuis le début du XXe siècle. Le style dominant du cinéma américain est le cinéma hollywoodien classique , qui s’est développé de 1913 à 1969 et qui est encore typique de la plupart des films qui y sont tournés à ce jour. Alors que les Français Auguste et Louis Lumière sont généralement crédités de la naissance du cinéma moderne ^[5] , le cinéma américain est rapidement devenu une force dominante dans l’industrie émergente. En 2017 ^{[mettre à jour]}, il a produit le deuxième plus grand nombre de films de tous les cinémas nationaux monolingues, après la Chine, avec plus de 700 films anglophones sortis en moyenne chaque année. ^[6] Alors que les cinémas nationaux du Royaume-Uni (299), du Canada (206), d’ Australie et de Nouvelle-Zélande produisent également des films dans la même langue, ils ne sont pas considérés comme faisant partie du système hollywoodien. Cela dit, Hollywood a aussi été considéré comme un cinéma transnational . ^[7] Il a produit plusieurs versions linguistiques de certains titres, souvent en espagnol ou en français. L’Hollywood contemporain externalise souvent la production au Canada, en Australie et en Nouvelle-Zélande.

Cinéma des États-Unis (Hollywood)
Le panneau Hollywood dans les collines d’Hollywood , souvent considéré comme le symbole de l’industrie cinématographique américaine
Nombre d’ écrans	40 393 (2017) [1]
• Par habitant	14 pour 100 000 (2017) [1]
Principaux distributeurs	Disney Images de Walt Disney Ateliers du 20ème siècle Sony Photos de Colombie Photos de Tri Star Comcast Universel Paramount mondial Primordial Découverte de Warner Bros. Images de Warner Bros. Cinéma nouvelle ligne Amazone MGM
Longs métrages produits (2016) [2]
Fictif	646 (98,5%)
Animé	10 (1,5 %)
Nombre d’admissions (2017) [4]
Total	1 239 742 550
• Par habitant	3.9 (2010) [3]
Box-office brut (2017) [4]
Total	11,1 milliards de dollars

Hollywood est considérée comme la plus ancienne industrie cinématographique, dans le sens d’être le lieu où les premiers studios de cinéma et sociétés de production ont émergé. C’est également le berceau de divers genres de cinéma – parmi lesquels la comédie , le drame , l’ action , la comédie musicale , la romance , l’ horreur , la science-fiction et l’ épopée de guerre – et a donné l’exemple à d’autres industries cinématographiques nationales.

En 1878, Eadweard Muybridge a démontré le pouvoir de la photographie pour capturer le mouvement. En 1894, la première exposition cinématographique commerciale au monde a eu lieu à New York , en utilisant le kinétoscope de Thomas Edison . Au cours des décennies suivantes, la production de films muets s’est considérablement développée, des studios se sont formés et ont migré vers la Californie, et les films et les histoires qu’ils racontaient sont devenus beaucoup plus longs. Les États-Unis ont produit le premier film musical à son synchronisé au monde , The Jazz Singer , en 1927, ^[8] et a été à l’avant-garde du développement du film sonore dans les décennies suivantes. Depuis le début du XXe siècle, l’industrie cinématographique américaine est largement basée dans et autour de la zone de trente milles à Hollywood, Los Angeles , Californie. Le réalisateur DW Griffith a joué un rôle central dans le développement d’une grammaire cinématographique . Citizen Kane (1941) d’Orson Welles est souvent cité dans les sondages comme le plus grand film de tous les temps . ^[9]

Les principaux studios de cinéma d’Hollywood sont la principale source des films les plus réussis sur le plan commercial et les plus vendus au monde. ^{[10] [11]} De plus, bon nombre des films les plus rentables d’Hollywood ont généré plus de revenus au box-office et de ventes de billets en dehors des États-Unis que les films réalisés ailleurs. Au XXIe siècle, les studios de cinéma américains produisent collectivement plusieurs centaines de films chaque année, faisant des États-Unis l’un des producteurs de films les plus prolifiques au monde et un pionnier de l’ingénierie et de la technologie cinématographiques .

Histoire

Origines et Fort Lee

Justus D. Barnes en tant que chef hors-la-loi Bronco Billy Anderson dans The Great Train Robbery (1903), le premier western .

Le premier exemple enregistré de photographies capturant et reproduisant le mouvement était une série de photographies d’un cheval courant par Eadweard Muybridge , qu’il a prises à Palo Alto, en Californie , à l’aide d’un ensemble d’appareils photo placés dans une rangée. L’accomplissement de Muybridge a conduit les inventeurs du monde entier à tenter de fabriquer des dispositifs similaires. Aux États-Unis, Thomas Edison fut parmi les premiers à produire un tel appareil, le kinétoscope .

Harold Lloyd dans la scène de l’horloge de Safety Last ! (1923)

L’histoire du cinéma aux États-Unis peut remonter à la côte Est où, à une époque, Fort Lee, New Jersey , était la capitale américaine du cinéma. L’industrie a fait ses débuts à la fin du 19e siècle avec la construction de « Black Maria » de Thomas Edison, le premier studio de cinéma à West Orange, New Jersey . Les villes et villages de la rivière Hudson et des palissades d’Hudson offraient des terrains à des coûts considérablement inférieurs à ceux de New York de l’autre côté de la rivière et ont grandement bénéficié de la croissance phénoménale de l’industrie cinématographique au tournant du 20e siècle. ^{[12] [13] [14]}

L’industrie a commencé à attirer à la fois des capitaux et une main-d’œuvre innovante. En 1907, lorsque la Kalem Company a commencé à utiliser Fort Lee comme lieu de tournage dans la région, d’autres cinéastes ont rapidement suivi. En 1909, un précurseur d’ Universal Studios , la Champion Film Company , construit le premier studio. ^[15] D’autres ont rapidement suivi et construit de nouveaux studios ou loué des installations à Fort Lee. Dans les années 1910 et 1920, des sociétés cinématographiques telles que l’ Independent Moving Pictures Company, Peerless Studios , The Solax Company , Éclair Studios , Goldwyn Picture Corporation , American Méliès (Star Films),World Film Company , Biograph Studios , Fox Film Corporation , Pathé Frères , Metro Pictures Corporation , Victor Film Company et Selznick Pictures Corporation tournaient tous à Fort Lee. Des notables tels que Mary Pickford ont fait leurs débuts aux Biograph Studios. ^{[16] [17] [18]}

À New York, les studios Kaufman Astoria dans le Queens , qui ont été construits à l’époque du cinéma muet, ont été utilisés par les Marx Brothers et WC Fields . Les studios Edison étaient situés dans le Bronx. Chelsea, Manhattan , a également été fréquemment utilisé. D’autres villes de l’Est, notamment Chicago et Cleveland , ont également servi de premiers centres de production cinématographique. ^{[19] [20]} Dans l’Ouest, la Californie émergeait déjà rapidement comme un centre de production cinématographique important. Dans le Colorado , Denver accueillait l’ Art-O-Grafsociété cinématographique et le premier studio d’ animation Laugh-O-Gram de Walt Disney était basé à Kansas City , Missouri . Picture City , en Floride , était un site prévu pour un centre de production de films dans les années 1920, mais en raison de l’ ouragan Okeechobee de 1928 , l’idée s’est effondrée et Picture City est revenue à son nom d’origine de Hobe Sound . Une tentative d’établir un centre de production cinématographique à Detroit s’est également avérée infructueuse. ^[21]

Les guerres des brevets cinématographiques du début du XXe siècle ont contribué à faciliter la propagation des sociétés cinématographiques dans d’autres régions des États-Unis, en dehors de New York. De nombreux cinéastes ont travaillé avec du matériel dont ils ne possédaient pas les droits d’utilisation. Par conséquent, le tournage à New York pourrait être dangereux car il se trouvait à proximité du siège de la société Edison et à proximité des agents que la société a entrepris de saisir les caméras. En 1912, la plupart des grandes sociétés cinématographiques avaient installé des installations de production dans le sud de la Californie près de ou à Los Angeles en raison du climat favorable de la région toute l’année. ^[22]

Montée d’Hollywood

Laurel et Hardy avec Lupe Vélez dans Hollywood Party (1934)

La production de 1908 de la Selig Polyscope Company du Comte de Monte Cristo réalisée par Francis Boggs et mettant en vedette Hobart Bosworth a été revendiquée comme la première à avoir été filmée à Los Angeles , en 1907, avec une plaque dévoilée par la ville en 1957 au magasin phare de Dearden . à l’angle de Main Street et 7th Street, pour marquer le tournage sur le site alors qu’il s’agissait d’une blanchisserie chinoise. ^[23] La veuve de Bosworth a suggéré que la ville s’était trompée de date et de lieu, et que le film avait en fait été tourné à proximité de Venise , qui à l’époque était une ville indépendante. ^[24] Bogg’sIn the Sultan’s Power , mettant également en vedette Bosworth, est considéré comme le premier film tourné entièrement à Los Angeles, avec un tournage à 7th et Olive Streets en 1909. ^{[25] [24]}

Au début de 1910, le réalisateur DW Griffith est envoyé par la Biograph Company sur la côte ouest avec sa troupe d’acteurs, composée des acteurs Blanche Sweet , Lillian Gish , Mary Pickford , Lionel Barrymore et d’autres. Ils ont commencé à tourner sur un terrain vacant près de Georgia Street au centre-ville de Los Angeles. Là-bas, la société a décidé d’explorer de nouveaux territoires, parcourant plusieurs kilomètres au nord jusqu’à Hollywood, un petit village sympathique qui appréciait la société de cinéma qui y tournait. Griffith a ensuite tourné le premier film jamais tourné à Hollywood, In Old California, un mélodrame biographique sur la Californie au XIXe siècle, lorsqu’elle appartenait au Mexique. Griffith y resta des mois et tourna plusieurs films avant de retourner à New York. Toujours en 1910, Selig Polyscope de Chicago a créé le premier studio de cinéma dans la région de Los Angeles à Edendale . ^[23] Après avoir entendu parler du succès de Griffith à Hollywood, en 1913, de nombreux cinéastes se sont dirigés vers l’ouest pour éviter les frais imposés par Thomas Edison , qui possédait des brevets sur le processus de réalisation de films. ^[26] Nestor Studios de Bayonne, New Jersey , a construit le premier studio dans le quartier d’Hollywood en 1911. ^[27]Nestor Studios, propriété de David et William Horsley, a ensuite fusionné avec Universal Studios ; et l’autre société de William Horsley, Hollywood Film Laboratory, est maintenant la plus ancienne société existante à Hollywood, maintenant appelée Hollywood Digital Laboratory. Le climat plus hospitalier et plus rentable de la Californie a conduit au transfert éventuel de pratiquement tous les films vers la côte ouest dans les années 1930. À l’époque, Thomas Edison possédait presque tous les brevets relatifs à la production cinématographique et les producteurs de films de la côte Est agissant indépendamment de la Motion Picture Patents Company d’Edison étaient souvent poursuivis ou interdits par Edison et ses agents, tandis que les cinéastes travaillant sur la côte ouest pouvaient travailler indépendamment du contrôle d’Edison. ^[28]

Le Hollywood Walk of Fame sur Hollywood Boulevard

À Los Angeles, les studios et Hollywood ont grandi. Avant la Première Guerre mondiale , des films étaient tournés dans plusieurs villes américaines, mais les cinéastes avaient tendance à se tourner vers le sud de la Californie à mesure que l’industrie se développait. Ils ont été attirés par le climat chaud et la lumière du soleil fiable, qui permettaient de tourner leurs films à l’extérieur toute l’année et par les paysages variés disponibles. ^{[ la citation nécessaire ]} Les dommages de guerre ont contribué au déclin de l’industrie cinématographique européenne alors dominante, en faveur des États-Unis, où l’infrastructure était encore intacte. ^[29] La plus forte réponse précoce de santé publique à l’ épidémie de grippe de 1918 par Los Angeles ^[30]par rapport à d’autres villes américaines, y a réduit le nombre de cas et a entraîné une récupération plus rapide, contribuant à la domination croissante d’Hollywood sur New York. ^[29] Pendant la pandémie, les responsables de la santé publique ont temporairement fermé des cinémas dans certaines juridictions, de grands studios ont suspendu la production pendant des semaines et certains acteurs ont attrapé la grippe. Cela a causé des pertes financières importantes et de graves difficultés pour les petits studios, mais l’industrie dans son ensemble a plus que récupéré pendant les années folles . ^[31]

Il y a plusieurs points de départ pour le cinéma (en particulier le cinéma américain), mais c’est l’épopée controversée de Griffith en 1915, La naissance d’une nation , qui a été la pionnière du vocabulaire cinématographique mondial qui domine encore le celluloïd à ce jour. ^{[ citation nécessaire ]}

Au début du XXe siècle, lorsque le média était nouveau, de nombreux immigrants juifs ont trouvé un emploi dans l’industrie cinématographique américaine. Ils ont pu s’imposer dans un tout nouveau métier : la projection de courts métrages dans des salles de cinéma appelées nickelodéons , d’après leur prix d’entrée d’un nickel (cinq centimes). En quelques années, des hommes ambitieux comme Samuel Goldwyn , William Fox , Carl Laemmle , Adolph Zukor , Louis B. Mayer et les frères Warner (Harry, Albert, Samuel et Jack) sont passés au côté production de l’entreprise. Bientôt, ils sont à la tête d’une entreprise d’un nouveau genre : le studio de cinéma. Les États-Unis comptaient au moins deux réalisatrices, productrices et chefs de studio au cours de ces premières années : Lois Weber et Alice Guy-Blaché, d’ origine française . Ils ont également préparé le terrain pour l’internationalisme de l’industrie; l’industrie est souvent accusée de provincialisme amérocentrique .

D’autres cinéastes sont arrivés d’Europe après la Première Guerre mondiale : des réalisateurs comme Ernst Lubitsch , Alfred Hitchcock , Fritz Lang et Jean Renoir ; et des acteurs comme Rudolph Valentino , Marlene Dietrich , Ronald Colman et Charles Boyer . Ils ont rejoint une réserve d’acteurs locaux – attirés à l’ouest de la scène new-yorkaise après l’introduction des films sonores – pour former l’une des industries de croissance les plus remarquables du XXe siècle. Au plus fort de la popularité du cinéma au milieu des années 1940, les studios produisaient un total d’environ 400 films par an, vus par un public de 90 millions d’Américains par semaine. ^[32]

Le son est également devenu largement utilisé à Hollywood à la fin des années 1920. ^[33] Après The Jazz Singer , le premier film à voix synchronisées est sorti avec succès en tant que talkie Vitaphone en 1927, les sociétés cinématographiques hollywoodiennes répondraient à Warner Bros. et commenceraient à utiliser le son Vitaphone – que Warner Bros. possédait jusqu’en 1928 – à l’avenir films. En mai 1928, Electrical Research Product Incorporated (ERPI), une filiale de la société Western Electric, obtint le monopole de la distribution sonore des films. ^[32]

Un effet secondaire des «talkies» était que de nombreux acteurs qui avaient fait leur carrière dans des films muets se sont soudainement retrouvés sans travail, car ils avaient souvent de mauvaises voix ou ne pouvaient pas se souvenir de leurs répliques. Pendant ce temps, en 1922, le politicien américain Will H. Hays a quitté la politique et a formé l’organisation des patrons de studios de cinéma connue sous le nom de Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA). ^[34] L’organisation est devenue la Motion Picture Association of America après la retraite de Hays en 1945.

Aux premiers temps des talkies- walkies , les studios américains ont constaté que leurs productions sonores étaient rejetées sur les marchés des langues étrangères et même parmi les locuteurs d’autres dialectes de l’anglais. La technologie de synchronisation était encore trop primitive pour le doublage . L’une des solutions consistait à créer des versions parallèles en langue étrangère des films hollywoodiens. Vers 1930, les sociétés américaines ^{[ lesquelles ? ]} a ouvert un studio à Joinville-le-Pont , en France, où les mêmes décors et garde-robe et même des scènes de masse ont été utilisés pour différentes équipes en temps partagé .

En outre, des acteurs étrangers au chômage, des dramaturges et des gagnants de concours de photogénie ont été choisis et amenés à Hollywood, où ils ont tourné des versions parallèles des films en anglais. Ces versions parallèles avaient un budget moindre, étaient tournées de nuit et étaient réalisées par des réalisateurs américains de deuxième ligne qui ne parlaient pas la langue étrangère. Les équipes de langue espagnole comprenaient des personnes comme Luis Buñuel , Enrique Jardiel Poncela , Xavier Cugat et Edgar Neville . Les productions n’ont pas eu beaucoup de succès sur les marchés auxquels elles étaient destinées, pour les raisons suivantes :

Brown Derby , une icône devenue synonyme de l’âge d’or d’Hollywood.

• Les budgets inférieurs étaient évidents.
• De nombreux acteurs de théâtre n’avaient aucune expérience préalable du cinéma.
• Les films originaux étaient souvent eux-mêmes de second ordre, car les studios s’attendaient à ce que les meilleures productions se vendent d’elles-mêmes.
• Le mélange d’accents étrangers (castillan, mexicain et chilien par exemple dans le cas espagnol) était étrange pour le public.
• Certains marchés manquaient de salles équipées de sonorisation.

Malgré cela, certaines productions comme la version espagnole de Dracula se comparent favorablement à l’original. Au milieu des années 1930, la synchronisation avait suffisamment avancé pour que le doublage devienne habituel.

Le cinéma hollywoodien classique et l’âge d’or d’Hollywood (1913-1969)

Stars de l’ ère du cinéma hollywoodien classique ( vers 1913–1969 ). Rangée du haut, gd : Greta Garbo , Humphrey Bogart , Lauren Bacall , Clark Gable , Katharine Hepburn , Fred Astaire , Ginger Rogers , Marlon Brando , les Marx Brothers , Joan Crawford . Deuxième rangée, gd : John Wayne , James Stewart , Buster Keaton , Claudette Colbert , Gene Kelly , Burt Lancaster , Judy Garland , Gregory Peck , Elizabeth Taylor , Kirk Douglas . Troisième rangée, gd : Bette Davis , Audrey Hepburn , Jean Harlow , Alfred Hitchcock , John Ford , Howard Hawks , Grace Kelly , Laurence Olivier, Marlène Dietrich , James Cagney . Quatrième rangée, gd : Ava Gardner , Cary Grant , Ingrid Bergman , Henry Fonda , Marilyn Monroe , James Dean , Orson Welles , Mae West , William Holden , Sophia Loren . Rangée du bas, gd : Vivien Leigh , Joan Fontaine et Gary Cooper , Spencer Tracy , Barbara Stanwyck , Lillian Gish , Tyrone Power , Shirley Temple , Janet Leigh avec Charlton Heston , Rita Hayworth , Mary Pickford .

Le cinéma classique hollywoodien, ou l’âge d’or d’Hollywood, se définit comme un style technique et narratif caractéristique du cinéma américain de 1913 à 1969, durant lequel des milliers de films sont sortis des studios hollywoodiens. Le style classique a commencé à émerger en 1913, s’est accéléré en 1917 après l’entrée des États-Unis dans la Première Guerre mondiale et s’est finalement solidifié lorsque le film The Jazz Singer est sorti en 1927, mettant fin à l’ère du cinéma muet et augmentant les bénéfices au box-office de l’industrie cinématographique. l’introduction du son dans les longs métrages.

La plupart des images hollywoodiennes suivaient étroitement une formule – western , comédie burlesque , comédie musicale , dessin animé , film biographique (image biographique) – et les mêmes équipes créatives travaillaient souvent sur des films réalisés par le même studio. Par exemple, Cedric Gibbons et Herbert Stothart ont toujours travaillé sur les films de la MGM , Alfred Newman a travaillé à la 20th Century Fox pendant vingt ans, les films de Cecil B. De Mille ont presque tous été réalisés à la Paramount , et les films du réalisateur Henry King ont été pour la plupart réalisés. pour la 20th Century Fox .

En même temps, on pouvait généralement deviner quel studio a fait quel film, en grande partie à cause des acteurs qui y sont apparus; MGM , par exemple, a affirmé avoir contracté “plus d’étoiles qu’il n’y en a au paradis”. Chaque studio avait son propre style et ses touches caractéristiques qui permettaient de le savoir – un trait qui existe rarement aujourd’hui.

Par exemple, To Have and Have Not (1944) est remarquable non seulement pour le premier couple d’acteurs Humphrey Bogart (1899-1957) et Lauren Bacall (1924-2014), mais parce qu’il a été écrit par deux futurs lauréats du prix Nobel en littérature : Ernest Hemingway (1899–1961), l’auteur du roman sur lequel le scénario était théoriquement basé, et William Faulkner (1897–1962), qui a travaillé sur l’adaptation à l’écran.

Après la sortie de The Jazz Singer en 1927, Warner Bros. a remporté un énorme succès et a pu acquérir sa propre chaîne de salles de cinéma, après avoir acheté Stanley Theatres et First National Productions en 1928. MGM possédait également les théâtres Loews depuis sa création en 1924, et la Fox Film Corporation possédait également le Fox Theatre . RKO (une fusion de 1928 entre les théâtres Keith-Orpheum et la Radio Corporation of America ^[35] ) a également répondu au monopole Western Electric / ERPI sur le son dans les films et a développé sa propre méthode, connue sous le nom de Photophone , pour mettre du son dans les films.^[32]

Paramount, qui a acquis Balaban et Katz en 1926, répondrait au succès de Warner Bros. et RKO, et achèterait également un certain nombre de théâtres à la fin des années 1920, et détiendrait le monopole des théâtres de Detroit, Michigan . ^[36] Dans les années 1930, presque tous les théâtres métropolitains de première diffusion aux États-Unis appartenaient aux studios Big Five – MGM , Paramount Pictures , RKO , Warner Bros. et 20th Century Fox . ^[37]

Le système des studios Studios de cinéma hollywoodiens, 1922

Les sociétés cinématographiques fonctionnaient dans le cadre du système des studios . Les grands studios gardaient des milliers de personnes salariées – acteurs, producteurs, réalisateurs, écrivains, cascadeurs, artisans et techniciens. Ils possédaient ou louaient des Movie Ranches dans les régions rurales du sud de la Californie pour le tournage de westerns et d’autres films de genre à grande échelle, et les grands studios possédaient des centaines de cinémas dans des villes et des villages à travers le pays dans les cinémas de 1920 qui montraient leurs films et qui étaient toujours besoin de matériel frais.

Spencer Tracy a été le premier acteur à remporter le prix du meilleur acteur pendant deux années consécutives pour ses rôles dans Captains Courageous (1937) et Boys Town (1938) (et a reçu sept autres nominations).

En 1930, le président du MPPDA, Will Hays, a créé le code Hays (production) , qui a suivi les directives de censure et est entré en vigueur après que les menaces de censure du gouvernement se sont étendues en 1930. ^[38] Cependant, le code n’a jamais été appliqué avant 1934, après que l’organisation catholique de surveillance La Légion de la décence – consternée par certains des films provocateurs et des publicités sinistres de l’époque classées plus tard Pre-Code Hollywood – a menacé de boycotter les films s’il n’entrait pas en vigueur. ^[39]Les films qui n’ont pas obtenu le sceau d’approbation de l’administration du code de production ont dû payer une amende de 25 000 $ et ne pouvaient pas profiter des salles, car le MPPDA contrôlait toutes les salles du pays via les studios Big Five.

Tout au long des années 1930, ainsi que pendant la majeure partie de l’âge d’or, MGM a dominé l’écran de cinéma et avait les meilleures stars d’Hollywood, et ils ont également été crédités pour avoir créé le star system d’Hollywood . ^[40] Certaines stars de la MGM comprenaient “King of Hollywood” Clark Gable , Lionel Barrymore , Jean Harlow , Norma Shearer , Greta Garbo , Joan Crawford , Jeanette MacDonald , Gene Raymond , Spencer Tracy , Judy Garland et Gene Kelly . ^[40]Mais la MGM n’était pas seule.

Une autre grande réussite du cinéma américain à cette époque est venue de la société d’animation de Walt Disney . En 1937, Disney crée le film le plus réussi de son époque, Blanche-Neige et les Sept Nains . ^[41] Cette distinction a été surmontée rapidement en 1939 lorsque Selznick International a créé ce qui est encore, une fois ajusté à l’inflation, le film le plus réussi de tous les temps dans Autant en emporte le vent . ^[42]

De nombreux historiens du cinéma ont remarqué les nombreuses grandes œuvres cinématographiques qui ont émergé de cette période de cinéma très réglementée. L’une des raisons pour lesquelles cela a été possible est que, avec tant de films en cours de réalisation, tous ne devaient pas forcément être un grand succès. Un studio pourrait miser sur un long métrage à budget moyen avec un bon scénario et des acteurs relativement inconnus : Citizen Kane , réalisé par Orson Welles (1915-1985) et souvent considéré comme le plus grand film de tous les temps , correspond à cette description. Dans d’autres cas, des réalisateurs déterminés comme Howard Hawks (1896–1977), Alfred Hitchcock (1899–1980) et Frank Capra (1897–1991) ont combattu les studios afin de réaliser leurs visions artistiques.

L’apogée du système de studio a peut-être été l’année 1939, qui a vu la sortie de classiques tels que Le Magicien d’Oz , Autant en emporte le vent , Stagecoach , Mr. Smith Goes to Washington , Wuthering Heights , Only Angels Have Wings , Ninotchka et Minuit . Parmi les autres films de la période de l’âge d’or qui sont désormais considérés comme des classiques : Casablanca , It’s a Wonderful Life , It Happened One Night , l’original King Kong , Mutiny on the Bounty , Top Hat , City Lights, Fleuve Rouge , La Dame de Shanghai , Fenêtre sur cour , Au bord de l’eau , Rebelle sans cause , Certains l’aiment chaud et La candidate mandchoue .

Déclin du système de studio (fin des années 1940)

Pourcentage de la population américaine qui est allée au cinéma en moyenne, chaque semaine, 1930-2000 Walt Disney présente chacun des sept nains dans une scène de la bande-annonce originale du film Blanche-Neige de 1937.

Le système des studios et l’âge d’or d’Hollywood ont succombé à deux forces qui se sont développées à la fin des années 1940 :

• une action antitrust fédérale qui a séparé la production de films de leur exploitation ; et
• l’avènement de la télévision .

En 1938, Blanche-Neige et les Sept Nains de Walt Disney est sorti au cours d’une série de films ternes des grands studios, et est rapidement devenu le film le plus rentable sorti à ce moment-là. Embarrassant pour les studios, il s’agissait d’un film d’animation produit indépendamment qui ne présentait aucune star employée en studio. ^[43] Cela a attisé une frustration déjà répandue face à la pratique de la réservation en bloc , dans laquelle les studios ne vendaient qu’un programme de films d’une année entière à la fois aux cinémas et utilisaient le verrouillage pour couvrir les sorties de qualité médiocre.

Le procureur général adjoint Thurman Arnold — un « briseur de confiance » notoire de l’administration Roosevelt — saisit cette occasion pour engager des poursuites contre les huit plus grands studios hollywoodiens en juillet 1938 pour violation du Sherman Antitrust Act . ^{[44] [45]} La poursuite fédérale a conduit cinq des huit studios (les “Big Five”: Warner Bros. , MGM , Fox , RKO et Paramount ) à parvenir à un compromis avec Arnold en octobre 1940 et à signer un décret de consentement acceptant de , dans les trois ans :

• Éliminer la réservation en bloc de sujets de courts métrages, dans un arrangement connu sous le nom de réservation en bloc “one shot” ou “pleine force”.
• Éliminer la réservation en bloc de plus de cinq longs métrages dans leurs cinémas.
• Ne vous engagez plus dans l’achat à l’aveugle (ou l’achat de films par les districts de théâtre sans voir les films au préalable) et organisez plutôt des salons professionnels , dans lesquels les 31 districts de théâtre aux États-Unis verraient des films toutes les deux semaines avant de projeter des films dans les salles.
• Mettre en place un conseil d’administration dans chaque district de théâtre pour faire respecter ces exigences. ^[44]

Les “Little Three” ( Universal Studios , United Artists et Columbia Pictures ), qui ne possédaient aucun théâtre, ont refusé de participer au décret de consentement. ^{[44] [45]} Un certain nombre de producteurs de films indépendants étaient également mécontents du compromis et ont formé un syndicat connu sous le nom de Society of Independent Motion Picture Producers et ont poursuivi Paramount pour le monopole qu’ils avaient encore sur les théâtres de Detroit – car Paramount gagnait également. domination grâce à des acteurs comme Bob Hope, Paulette Goddard, Veronica Lake, Betty Hutton, le crooner Bing Crosby, Alan Ladd et l’acteur de longue date du studio Gary Cooperaussi – en 1942. Les studios Big Five n’ont pas satisfait aux exigences du consentement du décret pendant la Seconde Guerre mondiale, sans conséquence majeure, mais après la fin de la guerre, ils ont rejoint Paramount en tant que défendeurs dans l’affaire antitrust d’Hollywood, tout comme les studios Little Three. ^[46]

La Cour suprême a finalement statué que la propriété des grands studios de cinéma et de distribution de films constituait une violation de la Sherman Antitrust Act . En conséquence, les studios ont commencé à libérer les acteurs et le personnel technique de leurs contrats avec les studios. Cela a changé le paradigme de la réalisation de films par les grands studios hollywoodiens, car chacun pouvait avoir une distribution et une équipe créative entièrement différentes.

Cette décision a entraîné la perte progressive des caractéristiques qui rendaient immédiatement identifiables les films de Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Universal Studios, Columbia Pictures, RKO Pictures et 20th Century Fox. Certains cinéastes, comme Cecil B. DeMille , sont soit restés des artistes contractuels jusqu’à la fin de leur carrière, soit ont utilisé les mêmes équipes créatives sur leurs films, de sorte qu’un film de DeMille en ressemblait toujours, qu’il ait été réalisé en 1932 ou en 1956.

Marlon Brando avec Eva Marie Saint dans la bande-annonce de On the Waterfront (1954)

Nouvel Hollywood et cinéma post-classique (années 1960-1990)

Réalisateur et producteur Steven Spielberg , co-fondateur de DreamWorks Studios .

Le cinéma post-classique est l’évolution des méthodes de narration dans le Nouvel Hollywood. Il a été avancé que les nouvelles approches du drame et de la caractérisation jouaient sur les attentes du public acquises à l’époque classique: la chronologie peut être brouillée, les intrigues peuvent présenter des « fins de torsion » et les lignes entre l’ antagoniste et le protagoniste peuvent être floues. Les racines de la narration post-classique peuvent être vues dans le film noir , dans Rebel Without a Cause (1955) et dans Psycho .

Le Nouvel Hollywood , c’est l’émergence d’une nouvelle génération de réalisateurs formés en école de cinéma qui avaient absorbé les techniques développées en Europe dans les années 1960 à la suite de la Nouvelle Vague française après la Révolution américaine ; le film Bonnie and Clyde de 1967 a également marqué le début du rebond du cinéma américain, car une nouvelle génération de films allait également remporter le succès au box-office. ^[47] Des cinéastes comme Francis Ford Coppola , Steven Spielberg , George Lucas , Brian De Palma , Stanley Kubrick , Martin Scorsese , Roman Polanski et William Friedkinen vint à produire des plats qui rendaient hommage à l’histoire du cinéma et développaient des genres et des techniques existants. Inauguré par la sortie en 1969 du Blue Movie d’ Andy Warhol , le phénomène des films érotiques pour adultes étant débattu publiquement par des célébrités (comme Johnny Carson et Bob Hope ), ^[48] et pris au sérieux par des critiques (comme Roger Ebert ), ^{[49] [50]} un développement appelé, par Ralph Blumenthal du New York Times , ” porno chic “, et plus tard connu sous le nom d’âge d’or du porno , a commencé, pour la première fois, dans la culture américaine moderne. ^{[48] ​​[51] [52]} Selon l’auteur primé Toni Bentley ,film de 1976 de Radley Metzger , The Opening of Misty Beethoven , basé sur la pièce Pygmalion de George Bernard Shaw (et son dérivé, My Fair Lady ), et en raison de l’atteinte d’un niveau dominant dans le scénario et les décors, ^[53] est considéré comme le «joyau de la couronne» de cet « âge d’or ». ^{[54] [55]}

Au sommet de sa renommée au début des années 1970, Charles Bronson était la première attraction au box-office au monde, avec 1 million de dollars par film. ^[56] Dans les années 1970, les films des cinéastes du Nouvel Hollywood étaient souvent à la fois acclamés par la critique et réussis commercialement. Alors que les premiers films du Nouvel Hollywood comme Bonnie and Clyde et Easy Rider avaient été des affaires à relativement petit budget avec des héros amoraux et une sexualité et une violence accrues, l’énorme succès remporté par Friedkin avec L’Exorciste , Spielberg avec Jaws , Coppola avec Le Parrain et Apocalypse Now , Scorsese avec Taxi Driver , Kubrick avec2001 : L’Odyssée de l’espace , Polanski avec Chinatown et Lucas avec American Graffiti et Star Wars ont respectivement contribué à donner naissance au « blockbuster » moderne et incité les studios à se concentrer de plus en plus sur la production de tubes énormes. ^[57]

L’indulgence croissante de ces jeunes réalisateurs n’a pas aidé. ^{[ citation nécessaire ]} Souvent, ils dépassaient les délais et le budget, se mettant ainsi en faillite ou mettant le studio en faillite. ^{[ citation nécessaire ]} Les trois exemples les plus notables sont Apocalypse Now et One From The Heart de Coppola et en particulier Heaven ‘s Gate de Michael Cimino , qui à lui seul a mis en faillite United Artists . Cependant, Apocalypse Now a finalement récupéré son argent et a été largement reconnu comme un chef-d’œuvre, remportant la Palme d’Or à Cannes . ^[58]

L’acteur Tom Hanks .

Les cinéastes des années 1990 avaient accès à des innovations technologiques, politiques et économiques qui n’étaient pas disponibles au cours des décennies précédentes. Dick Tracy (1990) est devenu le premier long métrage de 35 mm avec une bande son numérique . Batman Returns (1992) a été le premier film à utiliser le son stéréo Dolby Digital à six canaux qui est depuis devenu la norme de l’industrie. L’imagerie générée par ordinateur a été grandement facilitée lorsqu’il est devenu possible de transférer des images de film dans un ordinateur et de les manipuler numériquement. Les possibilités sont devenues évidentes dans Terminator 2: Judgment Day (1991) du réalisateur James Cameron , dans des images du personnage qui change de forme.T-1000 . L’infographie ou CG a avancé à un point où Jurassic Park (1993) a pu utiliser les techniques pour créer des animaux d’apparence réaliste. Jackpot (2001) est devenu le premier film entièrement tourné en numérique. ^[59] Dans le film Titanic , Cameron a voulu repousser les limites des effets spéciaux avec son film et a enrôlé Digital Domain et Pacific Data Images pour poursuivre les développements de la technologie numérique dont le réalisateur a été le pionnier en travaillant sur The Abyss et Terminator 2 : Judgment Jour . De nombreux films précédents sur le RMS Titanic ont tourné dans l’eauslow motion , qui n’avait pas l’air tout à fait convaincant. ^[60] Cameron a encouragé son équipage à tourner leur miniature de 45 pieds de long (14 m) du navire comme si “nous faisions une publicité pour la White Star Line”.

Même The Blair Witch Project (1999), un film d’ horreur indépendant à petit budget d’ Eduardo Sanchez et Daniel Myrick , a été un énorme succès financier. Tourné avec un budget de seulement 35 000 dollars, sans grandes stars ni effets spéciaux, le film a rapporté 248 millions de dollars grâce à l’utilisation de techniques de marketing modernes et à la promotion en ligne. Bien qu’il ne soit pas à l’échelle de la préquelle de 1 milliard de dollars de George Lucas à la trilogie Star Wars , The Blair Witch Project s’est mérité la distinction d’être le film le plus rentable de tous les temps, en termes de pourcentage brut. ^[59]

Le succès de Blair Witch en tant que projet indépendant reste cependant parmi les rares exceptions, et le contrôle des studios The Big Five sur la réalisation de films a continué d’augmenter au cours des années 1990. Les six grandes entreprises ont toutes connu une période d’expansion dans les années 1990. Ils ont chacun développé différentes façons de s’adapter à la hausse des coûts dans l’industrie cinématographique, en particulier à la hausse des salaires des stars de cinéma, dirigée par de puissants agents. Les plus grandes stars comme Sylvester Stallone , Russell Crowe , Tom Cruise , Nicole Kidman , Sandra Bullock , Arnold Schwarzenegger , Mel Gibson et Julia Robertsont reçu entre 15 et 20 millions de dollars par film et, dans certains cas, ont même reçu une part des bénéfices du film. ^[59]

Les scénaristes , en revanche, étaient généralement moins bien payés que les meilleurs acteurs ou réalisateurs, généralement moins d’un million de dollars par film. Cependant, le facteur le plus important à l’origine de la hausse des coûts était les effets spéciaux. En 1999, le coût moyen d’un film à succès était de 60 millions de dollars avant le marketing et la promotion, qui coûtaient encore 80 millions de dollars. ^[59]

Début du 21e siècle

Industrie cinématographique américaine (1995-2017)
Toutes les valeurs en milliards

An	Des billets	Revenu
1995	1.22	5,31 $
1996	1.31	5,79 $
1997	1.39	$6.36
1998	1.44	6,77 $
1999	1.44	7,34 $
2000	1.40	7,54 $
2001	1.48	$8.36
2002	1,58	9,16 $
2003	1.52	9,20 $
2004	1,50	9,29 $
2005	1.37	8,80 $
2006	1.40	9,16 $
2007	1.42	9,77 $
2008	1.36	9,75 $
2009	1.42	10,64 $
2010	1.33	10,48 $
2011	1.28	10,17 $
2012	1.40	$11.16
2013	1.34	10,89 $
2014	1.26	10,27 $
2015	1.32	$11.16
2016	1h30	11,26 $
2017	1.23	10,99 $
Compilé par The Numbers [61]

Hollywood Boulevard depuis le Dolby Theater , avant 2006

Depuis le début du 21e siècle, le marché théâtral est dominé par le genre super -héros. La décennie du a impliqué de nombreux développements significatifs dans les industries cinématographiques du monde entier, en particulier dans la technologie utilisée. S’appuyant sur les développements des années 1990, les ordinateurs ont été utilisés pour créer des effets qui auraient été auparavant plus coûteux, de l’effacement subtil des îles environnantes dans Cast Away (laissant le personnage de Tom Hanks bloqué sans autre terre en vue) aux vastes scènes de bataille. comme ceux des suites de The Matrix et 300 . ^{[ citation nécessaire ]}

Les années 2000 ont vu la résurgence de plusieurs genres. Les franchises de films fantastiques ont dominé le box-office avec Le Seigneur des Anneaux , Harry Potter , Pirates des Caraïbes , la trilogie préquelle de Star Wars (à partir de 1999), Les Chroniques de Narnia , etc. les sorties de X-Men , Unbreakable et Spider-Man . Gladiator a également déclenché le renouveau des films épiques , tandis que le Moulin Rouge inspiré de Bollywood ! fait de même pour les films musicaux . L’animation par ordinateur a remplacé l’animation traditionnelle comme support dominant pour les longs métrages d’animation dans le cinéma américain. Bien qu’Hollywood produise encore quelques films destinés au public familial, notamment des films d’animation, la grande majorité des films sont principalement destinés à un public de jeunes adultes . ^{[ citation nécessaire ]}

Cinéma contemporain

Le théâtre Dolby

À partir de 2020, le film fantastique Frozen II de 2019 devait initialement sortir sur Disney + le 26 juin 2020, avant d’être déplacé jusqu’au 15 mars. Le PDG de Disney, Bob Chapek , a expliqué que c’était à cause des « thèmes puissants de la persévérance » du film. et l’importance de la famille, des messages incroyablement pertinents”. ^{[62] [63]} Le 16 mars 2020, Universal a annoncé que The Invisible Man , The Hunt et Emma – tous les films en salles à l’époque – seraient disponibles via la vidéo Premium à la demande dès le 20 mars à un prix suggéré de 19,99 USD chacun. ^[64]Après avoir souffert d’un box-office médiocre depuis sa sortie début mars, Onward a été mis à disposition pour achat numérique le 21 mars et a été ajouté à Disney + le 3 avril. ^[65] Paramount a annoncé le 20 mars, Sonic the Hedgehog prévoit également de avoir une sortie anticipée en vidéo à la demande, le 31 mars. ^{[66] [67]} Le 16 mars, Warner Bros. a annoncé que Birds of Prey serait diffusé tôt en vidéo à la demande le 24 mars. [ ^68] Disney a annoncé qu’Artemis Fowl , une adaptation cinématographique du livre du même nom de 2001, passerait directement à Disney + le 12 juin, sautant complètement une sortie en salles. ^[69][70]

Alors que le virus continuait de fermer les cinémas, les studios qui ont produit divers films tels que Black Widow , F9 , Death on the Nile et West Side Story ont été contraints de reporter ou de retarder leurs sorties après 2020. ^[71]

Le casting d’Ocean’s Eleven : Brad Pitt , George Clooney , Matt Damon , Andy García , Julia Roberts et Steven Soderbergh . ^{[72] [73]}

Divers studios ont répondu à la crise par des décisions controversées de renoncer à la fenêtre en salles et de donner à leurs films des sorties jour et date . NBCUniversal a lancé Trolls World Tour directement en location de vidéo à la demande le 10 avril ^[64] tout en recevant simultanément des projections théâtrales nationales limitées via des ciné-parcs ; ^[74] Le PDG Jeff Shell affirme que le film avait atteint près de 100 millions de dollars de revenus au cours des trois premières semaines. ^{[75] [76]} La décision a été contestée par AMC Theatres, qui a ensuite annoncé que ses projections de films Universal Pictures cesseraient immédiatement, bien que les deux sociétés acceptent finalement une fenêtre théâtrale de 2 semaines. ^{[77] [78] [79] [80] [81]} En décembre 2020, Warner Bros. Pictures a annoncé sa décision de sortir simultanément sa liste de films 2021 dans les deux cinémas et son site de streaming HBO Max pendant une période d’un mois en afin de maximiser l’audience. ^[82] Cette décision a été vivement critiquée par diverses personnalités de l’industrie, dont beaucoup n’auraient pas été informées de la décision avant l’annonce et se seraient senties trompées par le studio. ^[83]

Les commentateurs de l’industrie ont noté le traitement croissant des films comme « contenu » par les entreprises, ce qui est en corrélation avec la montée en puissance des plateformes de streaming telles que Netflix , Disney+ , Paramount+ et Apple TV+ . ^{[84] [85]} Cela implique le brouillage des frontières entre les films, la télévision et d’autres formes de médias alors que de plus en plus de personnes les consomment ensemble de diverses manières, les films individuels étant davantage définis par leur identité de marque et leur potentiel commercial plutôt que par leur support, histoires et art. ^{[85] [86]} Le critique Matt Zoller Seitz a décrit la sortie de Avengers : Endgameen 2019 comme “représent[ant] la défaite décisive du ‘cinéma’ par le ‘contenu'” en raison de son grand succès en tant que “divertissement” défini par la marque Marvel qui culmine une série de films à succès qui a des traits de télévision en série . ^[85] Les films Space Jam: A New Legacy et Red Notice ont été cités comme exemples de ce traitement, le premier étant décrit par de nombreux critiques comme “un long publireportage pour HBO Max”, mettant en vedette des scènes et des personnages rappelant divers Warner Bros. propriétés telles que Casablanca , The Matrix et Austin Powers , ^{[87] [88] [89] [90]}tandis que ce dernier est un film de braquage de 200 millions de dollars de Netflix que les critiques ont décrit “un film qui se sent plus traité par une machine […] au lieu de tout ce qui se rapproche de l’intention artistique ou même d’un désir honnête de divertir”. ^{[91] [92] [93]} Certains ont exprimé que Space Jam démontre le traitement de plus en plus cynique par l’industrie des films comme une simple propriété intellectuelle (IP) à exploiter, une approche que le critique Scott Mendelson a appelée “IP pour l’IP”. ^{[88] [94] [95] [89]}

Hollywood et la politique

Présentations de la 81e cérémonie des Oscars , Dolby Theatre , Hollywood, 2009

Dans les années 1930, les démocrates et les républicains voyaient de l’argent à Hollywood. Le président Franklin Roosevelt a vu un énorme partenariat avec Hollywood. Il a utilisé le premier véritable potentiel des stars d’Hollywood dans une campagne nationale. Melvyn Douglas a visité Washington en 1939 et a rencontré les principaux New Dealers. ^{[ citation nécessaire ]}

Approbations politiques

Des lettres d’approbation d’acteurs principaux ont été signées, des apparitions à la radio et des publicités imprimées ont été faites. Les stars de cinéma ont été utilisées pour attirer un large public dans la vision politique du parti. Dans les années 1960, John F. Kennedy était un nouveau visage jeune pour Washington, et sa forte amitié avec Frank Sinatra illustrait cette nouvelle ère de glamour. Les derniers magnats d’Hollywood étaient partis et des cadres et producteurs plus jeunes et plus récents ont commencé à promouvoir des idées plus libérales . ^{[ citation nécessaire ]}

Les célébrités et l’argent ont attiré les politiciens dans le style de vie hollywoodien de grande classe et scintillant. Comme Ron Brownstein l’ a écrit dans son livre The Power and the Glitter , la télévision dans les années 1970 et 1980 était un nouveau média extrêmement important en politique et Hollywood a aidé dans ce média avec des acteurs faisant des discours sur leurs convictions politiques, comme Jane Fonda contre la guerre du Vietnam. ^[96] Bien que la plupart des célébrités et des producteurs soient de gauche et aient tendance à soutenir le Parti démocrate , ^{[97] [98]} cette époque a produit des acteurs et des producteurs républicains . L’ancien acteur Ronald Reagan est devenu gouverneur de Californieet est ensuite devenu le 40e président des États-Unis . Cela s’est poursuivi avec Arnold Schwarzenegger en tant que gouverneur de Californie en 2003 . ^{[ citation nécessaire ]}

Dons politiques

Musée du cinéma de l’Académie

Aujourd’hui, les dons d’Hollywood aident à financer la politique fédérale. ^[99] Le 20 février 2007, par exemple, le candidat démocrate de l’époque à la présidence, Barack Obama , a organisé un gala hollywoodien à 2 300 dollars, organisé par les fondateurs de DreamWorks David Geffen , Jeffrey Katzenberg et Steven Spielberg au Beverly Hilton. ^[99]

La censure

Les producteurs hollywoodiens cherchent généralement à se conformer aux exigences de censure du gouvernement chinois dans le but d’accéder au marché du cinéma restreint et lucratif du pays, ^[100] avec le deuxième plus grand box-office au monde à partir de 2016. Cela inclut la priorité aux représentations sympathiques de Caractères chinois dans les films, comme changer les méchants de Red Dawn des Chinois aux Nord-Coréens. ^[100] En raison de nombreux sujets interdits en Chine, tels que le Dalaï Lama et Winnie-the-Pooh étant impliqués dans l’ épisode ” Band in China ” de South Park , South Park a été entièrement interdit en Chine après la diffusion de l’épisode. ^[101] Le film de 2018Christopher Robin , le nouveau film Winnie-the-Pooh, s’est vu refuser une sortie en Chine. ^[101]

Bien que le Tibet ait été auparavant une cause célèbre à Hollywood, apparaissant dans des films tels que Kundun et Seven Years in Tibet , au 21e siècle, ce n’est plus le cas. ^[102] En 2016, Marvel Entertainment a suscité des critiques pour sa décision de choisir Tilda Swinton dans le rôle de “The Ancient One” dans l’adaptation cinématographique Doctor Strange , utilisant une femme blanche pour jouer un personnage traditionnellement tibétain. ^[103] L’acteur et partisan de haut niveau du Tibet, Richard Gere , a déclaré qu’il n’était plus le bienvenu pour participer aux films hollywoodiens grand public après avoir critiqué le gouvernement chinois et appelé au boycott duJeux olympiques d’été de 2008 à Pékin. ^{[102] [104]}

Diffuser sur les marchés mondiaux

Le Théâtre chinois avant 2007 Le théâtre El Capitan Théâtre égyptien Entrée principale

En 1912, les sociétés cinématographiques américaines étaient largement plongées dans la concurrence pour le marché intérieur. Il était difficile de satisfaire l’énorme demande de films créée par le boom du nickelodéon . Les membres de la Motion Picture Patents Company , tels que Edison Studios , ont également cherché à limiter la concurrence des films français, italiens et importés. L’exportation de films est alors devenue lucrative pour ces entreprises. Vitagraph Studios a été la première société américaine à ouvrir ses propres bureaux de distribution en Europe, établissant une succursale à Londres en 1906 et une deuxième succursale à Paris peu après. ^[105]

D’autres entreprises américaines s’implantent également sur les marchés étrangers et la distribution américaine à l’étranger continue de se développer jusqu’au milieu des années 1920. A l’origine, la majorité des sociétés vendaient leurs films indirectement. Cependant, comme ils manquaient d’expérience dans le commerce extérieur, ils vendaient simplement les droits étrangers de leurs films à des sociétés de distribution ou à des agents d’exportation étrangers. Peu à peu, Londres devient un centre de circulation internationale des films américains. ^[105]

De nombreuses sociétés britanniques ont réalisé des bénéfices en agissant en tant qu’agents de cette activité et, ce faisant, elles ont affaibli la production britannique en cédant une grande part du marché britannique aux films américains. En 1911, environ 60 à 70 % des films importés en Grande-Bretagne étaient américains. Les États-Unis se portaient également bien en Allemagne, en Australie et en Nouvelle-Zélande. ^[105]

Plus récemment, alors que la mondialisation a commencé à s’intensifier et que le gouvernement des États-Unis a activement promu les programmes de libre-échange et le commerce des produits culturels, Hollywood est devenu une source culturelle mondiale. Le succès sur les marchés d’exportation d’Hollywood peut être connu non seulement du boom des multinationales américaines des médias à travers le monde, mais aussi de la capacité unique à faire des films à gros budget qui plaisent puissamment aux goûts populaires dans de nombreuses cultures différentes. ^[106]

Hollywood s’est implanté plus profondément sur les marchés chinois, bien qu’influencé par la censure chinoise. Les films réalisés en Chine sont censurés, évitant strictement des thèmes comme “les fantômes, la violence, le meurtre, l’horreur et les démons”. De tels éléments de l’intrigue risquent d’être coupés. Hollywood a dû faire des films “approuvés”, correspondant aux normes officielles chinoises, mais avec des normes esthétiques sacrifiées aux profits du box-office. Même le public chinois a trouvé ennuyeux d’attendre la sortie de grands films américains doublés dans leur langue maternelle. ^[107]

Rôle des femmes

Meryl Streep est citée comme l’une des femmes les plus influentes d’Hollywood et Katharine Hepburn a reçu quatre Oscars de la meilleure actrice, un record pour n’importe quelle interprète.

La représentation des femmes dans le cinéma est considérée comme un problème depuis presque aussi longtemps que le cinéma est une industrie. Les représentations des femmes ont été critiquées comme dépendantes d’autres personnages, des personnages maternels et domestiques qui restent à la maison, trop émotifs et confinés à des emplois de bas statut par rapport aux personnages masculins entreprenants et ambitieux. Avec cela, les femmes sont sous-représentées et continuellement jetées et coincées dans les stéréotypes de genre. ^{[ citation nécessaire ]}

Les femmes sont statistiquement sous-représentées dans les postes de création au centre de l’industrie cinématographique américaine, Hollywood. Cette sous-représentation a été appelée le « plafond de celluloïd », une variante du terme de discrimination à l’emploi « plafond de verre ». En 2013, les “acteurs les mieux payés… ont fait 2+1 ⁄ 2 fois plus d’argent que les actrices les mieux payées.” ^[108] “[O]lder [mâles] acteurs gagnent plus que leurs égales féminines” en âge, avec “les stars de cinéma féminines qui gagnent le plus d’argent sur moyenne par film à 34 ans alors que les stars masculines gagnent le plus à 51 ans.” ^[109]

Le rapport Celluloid Ceiling 2013 réalisé par le Center for the Study of Women in Television and Film de l’Université d’État de San Diego a recueilli une liste de statistiques recueillies auprès de «2 813 personnes employées par les 250 films nationaux les plus rentables de 2012». ^[110]

Les femmes ne représentaient que 36 % des personnages principaux du cinéma en 2018, soit une baisse de 1 % par rapport aux 37 % enregistrés en 2017. En 2019, ce pourcentage est passé à 40 %. Les femmes représentent 51 % des cinéphiles. Cependant, lorsqu’il s’agit d’emplois clés comme réalisateur et directeur de la photographie, les hommes continuent de dominer. Pour les nominations aux Oscars, seules cinq femmes ont été nominées pour le meilleur réalisateur, mais aucune n’a jamais gagné dans cette catégorie au cours des 92 dernières années. Bien que la représentation des femmes se soit améliorée, il reste encore du travail à faire en ce qui concerne la diversité parmi ces femmes. Le pourcentage de personnages féminins noirs est passé de 16 % en 2017 à 21 % en 2018. La représentation des actrices latines a toutefois diminué à 4 % au cours de l’année écoulée, trois points de pourcentage de moins que les 7 % atteints en 2017.^{[ citation nécessaire ]}

Les femmes représentaient :

• “18% de tous les réalisateurs, producteurs exécutifs, producteurs, écrivains, directeurs de la photographie et éditeurs. Cela ne reflète aucun changement par rapport à 2011 et seulement une augmentation de 1% par rapport à 1998.” ^[110]
• “9 % de tous les administrateurs.” ^[110]
• “15% des écrivains.” ^[110]
• “25% de tous les producteurs.” ^[110]
• “20 % de tous les éditeurs.” ^[110]
• “2 % de tous les cinéastes.” ^[110]
• “38% des films employaient 0 ou 1 femme dans les rôles considérés, 23% employaient 2 femmes, 28% employaient 3 à 5 femmes et 10% employaient 6 à 9 femmes.” ^[110]

Un article du New York Times a déclaré que seulement 15% des meilleurs films en 2013 avaient des femmes pour un rôle principal. ^[111] L’auteur de l’étude a noté que « le pourcentage de rôles féminins parlants n’a pas beaucoup augmenté depuis les années 1940, lorsqu’ils oscillaient autour de 25 % à 28 % ». “Depuis 1998, la représentation des femmes dans les rôles en coulisses autres que la réalisation n’a augmenté que de 1 %.” Les femmes “ont réalisé le même pourcentage des 250 films les plus rentables en 2012 (9%) qu’en 1998”. ^[108]

Race et ethnie

Michael Peña était le maître de cérémonie lors de l’intronisation du mouvement des travailleurs agricoles au Temple de la renommée du travail et de l’inauguration de l’auditorium commémoratif Cesar E. Chavez au département américain du Travail en mars 2012. Pendant le temps où il a été choisi pour le Film de César Chavez .

Le 10 mai 2021, NBC a annoncé qu’elle ne téléviserait pas les 79e Golden Globe Awards en 2022, à l’appui d’un boycott de la HFPA par plusieurs sociétés de médias en raison d’efforts insuffisants pour remédier au manque de représentation de la diversité au sein de l’association avec personne . de couleur , mais qu’elle serait ouverte à téléviser la cérémonie en 2023 si la HFPA réussissait dans ses efforts de réforme. ^[112]

Depuis les derniers jours de l’industrie cinématographique, les représentations en celluloïd des Américains d’origine irlandaise ont été nombreuses. Les films aux thèmes irlandais-américains incluent des drames sociaux tels que Little Nellie Kelly et The Cardinal , des épopées ouvrières comme On the Waterfront et des films de gangsters tels que Angels with Dirty Faces , The Friends of Eddie Coyle et The Departed . Bien que l’ère classique du cinéma américain soit dominée principalement par des personnes de race blanche devant et derrière la caméra, les minorités et les personnes de couleur ont réussi à tracer leur propre chemin pour faire passer leurs films à l’écran. ^{[ citation nécessaire ]}

Le cinéma américain a souvent reflété et propagé des stéréotypes négatifs envers les ressortissants étrangers et les minorités ethniques. ^[113] Par exemple, les Russes et les Américains d’origine russe sont généralement dépeints comme des gangsters brutaux, des agents impitoyables et des méchants. ^{[114] [115] [116]} Selon le professeur russo-américain Nina L. Khrouchtcheva , “Vous ne pouvez même pas allumer la télévision et aller au cinéma sans référence aux Russes aussi horribles.” ^[117] Les Italiens et les Italo-Américains sont généralement associés au crime organisé et à la mafia . ^{[118] [119] [120]} Les Hispaniques et les Latino-Américains sont largement représentés comme des personnages sexualisés tels que le macho latino ou la renarde latina , des membres de gangs , des immigrants (illégaux) ou des artistes . ^[121] Cependant, la représentation à Hollywood s’est améliorée ces derniers temps, dont elle a pris un élan notable dans les années 1990 et ne met pas l’accent sur l’oppression, l’exploitation ou la résistance comme thèmes centraux. Selon Ramírez Berg, les films de la troisième vague “n’accentuent pas l’oppression ou la résistance chicano ; l’ethnicité dans ces films existe comme un fait parmi plusieurs qui façonnent la vie des personnages et marquent leur personnalité”. ^[122] Des cinéastes commeEdward James Olmos et Robert Rodriguez ont pu représenter l’ expérience des Hispaniques et des Latino-Américains comme aucun ne l’avait fait à l’écran auparavant, et des acteurs comme Hilary Swank , Jordana Brewster , Michael Peña , Jessica Alba , Camilla Belle , Alexis Bledel , Victoria Justice , Ana de Armas et Rachel Zegler ont réussi. Au cours de la dernière décennie, des cinéastes minoritaires comme Chris Weitz , Alfonso Gomez-Rejon et Patricia Riggenont reçu des récits d’applicateur. Leurs premières représentations dans des films incluent La Bamba (1987), Selena (1997), The Mask of Zorro (1998), Goal II (2007), Lowriders (2016). Overboard (2018) et Real Women Have Curves de Josefina López , à l’origine une pièce de théâtre créée en 1990 et sortie plus tard sous forme de film en 2002. ^[122]

La représentation afro-américaine à Hollywood s’est considérablement améliorée vers la fin du 20e siècle après la chute du système des studios, alors que des cinéastes comme Spike Lee et John Singleton ont pu représenter l’expérience afro-américaine comme personne ne l’avait fait à l’écran auparavant, tandis que des acteurs comme Halle Berry et Will Smith sont devenus des tirages au box-office massivement réussis. Au cours des dernières décennies, des cinéastes minoritaires comme Ryan Coogler , Ava DuVernay et F Gary Gray ont été les maîtres nageurs de grandes productions phares. ^{[ citation nécessaire ]}Dans le vieil Hollywood, lorsque les préjugés raciaux étaient socialement acceptables, il n’était pas rare que des acteurs blancs portent un visage noir . ^[123] Dans Moonlight , la masculinité est dépeinte comme rigide et agressive, parmi le comportement des jeunes hommes noirs du groupe de pairs adolescents de Chiron. ^[124] L’expression de l’hyper-masculinité chez les hommes noirs a été associée à l’acceptation par les pairs et à la communauté. ^[125] Être homosexuelau sein de la communauté noire, en revanche, a été associée à l’aliénation sociale et au jugement homophobe par les pairs parce que les homosexuels noirs sont considérés comme faibles ou efféminés. Dans le film, Chiron est placé dans ce clivage en tant qu’homosexuel noir et modifie sa présentation de la masculinité comme une stratégie pour éviter le ridicule parce que l’homosexualité est considérée comme incompatible avec les attentes masculines noires. En tant que jeunes enfants, Kevin cache sa sexualité afin d’éviter d’être pointé du doigt comme l’est Chiron. En vieillissant, Chiron reconnaît la nécessité de se conformer à un idéal hétéronormatif de la masculinité noire afin d’éviter les abus et l’homophobie. À l’âge adulte, Chiron choisit d’embrasser la performance stéréotypée du genre masculin noir en devenant musclé et un trafiquant de drogue. ^[124]

Carrefour du monde

Selon l’acteur coréen-américain Daniel Dae Kim , les hommes asiatiques et américains d’origine asiatique “ont été dépeints comme des méchants impénétrables et des sortes d’eunuques asexués”. ^[120] Considéré comme extrêmement poli et sommaire. Le Media Action Network pour les Américains d’origine asiatique a accusé le réalisateur et le studio d’avoir blanchi le casting du film Aloha , et Crowe s’est excusé pour qu’Emma Stone ait été mal interprétée comme un personnage censé être d’origine chinoise et hawaïenne. ^{[126] [127] [128]}Tout au long du 20e siècle, les films de rôles d’acteur étaient relativement peu nombreux et de nombreux rôles disponibles étaient des personnages étroits. Plus récemment, de jeunes comédiens et cinéastes américains d’origine asiatique ont trouvé un débouché sur YouTube leur permettant de gagner une base de fans solide et fidèle parmi leurs compatriotes américains d’origine asiatique. ^[129] Bien que plus récemment, le film Crazy Rich Asians ait été salué aux États-Unis pour avoir présenté une distribution à prédominance asiatique, ^[130] il a été critiqué ailleurs pour avoir choisi des acteurs biraciaux et non chinois comme des personnages ethniquement chinois. Un autre film Toujours être mon peut-êtrequi a été salué récemment prend des rythmes familiers de comédie romantique et se superpose intelligemment à des commentaires sociaux intelligents pour trouver son propre rythme sucré. ” selon Rotten Tomatoes ^[131]

Avant le 11 septembre, les Arabes et les Arabes américains étaient souvent dépeints comme des terroristes . ^[120] La décision d’embaucher Naomi Scott , dans le film Aladdin , la fille d’un père anglais et d’une mère ougandaise-indienne gujarati , pour jouer le rôle principal de la princesse Jasmine , a également suscité des critiques, ainsi que des accusations de colorisme , comme certains les commentateurs s’attendaient à ce que le rôle revienne à une actrice d’origine arabe ou moyen-orientale. ^[132]” tout en accusant les producteurs de ne pas recruter de personnes d’origine moyen-orientale ou maghrébine. Disney a répondu à la controverse en disant: “La diversité de nos acteurs et de nos artistes de fond était une exigence et seulement dans une poignée de cas où il s’agissait de compétences spécialisées, de sécurité et de contrôle (plates-formes d’effets spéciaux, cascadeurs et manipulation d’animaux) étaient équipage constitué pour se fondre dans la masse.” ^{[133] [134]} Le domaine de la comédie américaine comprend de nombreux Juifs. L’héritage comprend également des auteurs-compositeurs et des auteurs, par exemple l’auteur de la chanson “Viva Las Vegas” Doc Pomus, ou Billy the Kid compositeur Aaron Copland. De nombreux Juifs ont été à l’avant-garde des problèmes des femmes. ^{[ citation nécessaire ]}

Au XXe siècle, les premières représentations d’Amérindiens dans des films et des rôles à la télévision ont été interprétées pour la première fois par des Américains européens vêtus de faux vêtements traditionnels. Les exemples comprenaient Le dernier des Mohicans (1920), Hawkeye et le dernier des Mohicans (1957) et F Troop (1965-1967). Au cours des décennies suivantes, des acteurs amérindiens tels que Jay Silverheels dans la série télévisée The Lone Ranger (1949–57) ont pris de l’importance. Les rôles des Amérindiens étaient limités et ne reflétaient pas la culture amérindienne. Dans les années 1970, certains rôles de films amérindiens ont commencé à montrer plus de complexité, comme ceux de Little Big Man (1970),Billy Jack (1971) et The Outlaw Josey Wales (1976), qui dépeignaient des Amérindiens dans des rôles de soutien mineurs. ^{[ citation nécessaire ]}

Les conditions de travail

Le flux de travail d’Hollywood est unique en ce sens qu’une grande partie de sa main-d’œuvre ne se présente pas à la même usine chaque jour, ni ne suit la même routine au jour le jour, mais filme dans des endroits éloignés du monde, avec un calendrier dicté par les scènes étant filmé plutôt que ce qui a le plus de sens pour la productivité. Par exemple, un film urbain tourné entièrement sur place la nuit nécessiterait que la majeure partie de ses équipes travaille un quart de travail au cimetière, tandis qu’une série de comédie situationnelle qui tourne principalement sur scène avec seulement un ou deux jours par semaine sur place suivrait un plus traditionnel horaire de travail. Les westerns sont souvent tournés dans des endroits désertiques loin des maisons de l’équipage dans des zones avec des hôtels limités qui nécessitent de longs trajets avant et après une journée de tournage, qui profitent d’autant d’heures de soleil disponibles,^{[135] [136]}

Alors que le rôle du travail en Amérique a diminué dans de nombreuses régions du pays, les syndicats ont maintenu une emprise ferme sur Hollywood depuis leurs débuts pendant la Grande Dépression , lorsque les travailleurs faisaient la queue devant les studios de cinéma florissants à la recherche du seul emploi en ville. Des conditions terribles attendaient ces travailleurs alors que les studios exploitaient la main-d’œuvre enthousiaste avec un maigre salaire et la menace toujours présente des centaines d’autres attendant juste devant les portes pour prendre leur place s’ils exprimaient la moindre plainte. ^[137]

En raison de la nature occasionnelle de l’emploi à Hollywood, ce n’est que par la négociation collective que les travailleurs individuels peuvent exprimer leurs droits aux garanties de salaire minimum et à l’accès aux régimes de retraite et de santé qui se transmettent d’un film à l’autre ou d’une série télévisée à une série télévisée, et offrent aux studios l’accès à une main-d’œuvre qualifiée capable d’intervenir sur un plateau dès le premier jour avec les connaissances et l’expérience nécessaires pour manipuler l’équipement hautement technique qu’on leur demande de faire fonctionner. ^[138]

La majorité des travailleurs d’Hollywood sont représentés par plusieurs syndicats et guildes. L’ International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE) , forte de 150 000 membres , représente la plupart des métiers , tels que les préhenseurs, les électriciens et les caméramans, ainsi que les monteurs, les ingénieurs du son et les coiffeurs et maquilleurs. La Screen Actors Guild (SAG) est le deuxième plus grand groupe représentant quelque 130 000 acteurs et interprètes, la Directors Guild of America (DGA) représente les réalisateurs et les directeurs de production, la Writers Guild of America (WGA) représente les écrivains et la Fraternité internationale des Teamsters (IBT) représente les chauffeurs. ^[139]

Les syndicats et les guildes servent d’ unité de négociation collective pour leurs membres, négociant à intervalles réguliers (le plus souvent sur des contrats de 3 ans) avec l’ Alliance of Motion Picture and Television Producers (AMPTP), une alliance commerciale représentant les studios de cinéma et les réseaux de télévision qui embaucher les équipes pour créer leur contenu.

Alors que la relation entre les travailleurs et la direction a généralement été amicale au fil des ans, travaillant avec l’État pour développer des protocoles sûrs pour continuer à travailler pendant Covid-19 et faisant pression ensemble en faveur d’ incitations fiscales , les négociations contractuelles sont connues pour devenir controversées sur les changements dans l’industrie et en réponse à l’inégalité croissante des revenus . La relation est même devenue sanglante en 1945 lorsqu’une grève de six mois des décorateurs de décors s’est transformée en une mêlée sanglante un jour d’octobre étouffant entre les grévistes, les briseurs de grève et la sécurité du studio. ^{[140] [141] [142] [143]}

Voir également

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Remarques

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Lectures complémentaires

• Hallett, Hilary A. Allez vers l’ouest, jeunes filles ! La montée du début d’Hollywood . Berkeley, Californie : University of California Press, 2013.
• Ragan, David. Qui est qui à Hollywood, 1900-1976 . New Rochelle, NY : Arlington House, 1976. Je pensais à

Liens externes

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