Autant en emporte le vent (film)

Autant en emporte le vent est un film d’ amour historique épique américain de 1939adapté du roman de 1936 de Margaret Mitchell . Le film a été produit par David O. Selznick de Selznick International Pictures et réalisé par Victor Fleming . Situé dans le sud des États-Unis dans le contexte de la guerre civile américaine et de l’ ère de la reconstruction , le film raconte l’histoire de Scarlett O’Hara ( Vivien Leigh ), la fille volontaire d’un propriétaire de plantation de Géorgie, à la suite de sa poursuite romantique d’ Ashley . Wilkes ( Leslie Howard ), qui est marié à sa cousine, Melanie Hamilton ( Olivia de Havilland ), et son mariage ultérieur avec Rhett Butler ( Clark Gable ).

Emporté par le vent
Affiche de pré-sortie en salles
Dirigé par	Victor Fleming
Scénario de	Sidney Howard
Basé sur	Autant en emporte le vent de Margaret Mitchell
Produit par	David O. Selznick
Mettant en vedette	Clark Gâble Vivien Leigh Leslie Howard Olivia de Havilland
Cinématographie	Ernest Haller
Édité par	Hal C. Kern James E. Newcom
Musique par	Max Steiner
Sociétés de production	Photos de Selznick International Metro-Goldwyn-Mayer
Distribué par	Loew’s Inc. [1] [n° 1]
Date de sortie	15 décembre 1939 ( première à Atlanta ) ( 1939-12-15 )
Durée de fonctionnement	221 minutes 234–238 minutes (avec musique d’ ouverture , d’ entracte , d’ entr’acte et de sortie)
Pays	États-Unis
Langue	Anglais
Budget	3,85 millions de dollars
Box-office	>390 millions de dollars

Le film a eu une production troublée. Le début du tournage a été retardé de deux ans jusqu’en janvier 1939 en raison de la détermination de Selznick à obtenir Gable pour le rôle de Rhett. Le rôle de Scarlett a été difficile à caster et 1 400 femmes inconnues ont été interviewées pour le rôle. Le scénario original de Sidney Howard a subi de nombreuses révisions par plusieurs auteurs pour le réduire à une longueur appropriée. Le réalisateur original, George Cukor , a été licencié peu de temps après le début du tournage et a été remplacé par Fleming, qui à son tour a été brièvement remplacé par Sam Wood tout en prenant un congé en raison de l’épuisement. La post-production s’est terminée en novembre 1939, juste un mois avant sa sortie.

Il a reçu des critiques généralement positives lors de sa sortie en décembre 1939. Le casting a été largement salué, mais sa longue durée a été critiquée. Lors de la 12e cérémonie des Oscars , il a reçu dix Oscars (huit compétitifs, deux honorifiques) sur treize nominations, dont les prix du meilleur film , du meilleur réalisateur (Fleming), du meilleur scénario adapté (décerné à titre posthume à Sidney Howard), de la meilleure actrice (Leigh) , et Meilleure actrice dans un second rôle ( Hattie McDaniel , devenant la première Afro-Américaine à remporter un Oscar). Il a établi des records pour le nombre total de victoires et de nominations à l’époque.

Autant en emporte le vent était immensément populaire lors de sa première sortie. Il est devenu le film le plus rémunérateur réalisé jusque-là et a détenu le record pendant plus d’un quart de siècle. Corrigé de l’inflation monétaire , c’est toujours le film le plus rentable de l’histoire . Il a été réédité périodiquement tout au long du XXe siècle et s’est enraciné dans la culture populaire. Bien que le film ait été critiqué comme un négationnisme historique , glorifiant l’esclavage et le mythe de la Cause perdue de la Confédération , il a été crédité d’avoir déclenché des changements dans la manière dont les Afro-Américains étaient représentés cinématographiquement. Le film est considéré comme l’un des plus grands films de tous les temps, et en 1989, il est devenu l’un des vingt-cinq films inauguraux sélectionnés pour être conservés au National Film Registry des États-Unis .

Parcelle

Scarlett et Rhett au bal de charité

En 1861, à la veille de la guerre civile américaine , Scarlett O’Hara vit à Tara , la Plantation de coton de sa famille en Géorgie, avec ses parents et ses deux sœurs et leurs nombreux esclaves. Scarlett est profondément attirée par Ashley Wilkes , et apprend qu’il va se marier avec sa cousine , Melanie Hamilton . Lors d’une fête de fiançailles le lendemain au domicile d’Ashley, Twelve Oaks , qui est une plantation voisine, Scarlett fait une avance sur Ashley mais est repoussée; cependant, elle attire l’attention d’un autre invité, Rhett Butler . La fête est perturbée par la nouvelle deL’appel du président Lincoln à des volontaires pour combattre le Sud , et les hommes du Sud se précipitent pour s’enrôler dans la défense du Sud. Dans le but de susciter la jalousie d’Ashley, Scarlett épouse le jeune frère de Melanie, Charles, avant qu’il ne parte se battre. Après la mort de Charles alors qu’il servait dans l’ armée des États confédérés , la mère de Scarlett l’envoie à la maison de Hamilton à Atlanta, où elle crée une scène en assistant à un bazar de charité dans sa tenue de deuil et en valsant avec Rhett, maintenant un coureur de blocus pour la Confédération .

Le vent de la guerre se retourne contre la Confédération après la bataille de Gettysburg , au cours de laquelle de nombreux hommes de la ville de Scarlett sont tués. Huit mois plus tard, alors que la ville est assiégée par l’ armée de l’Union lors de la Campagne d’Atlanta , Melanie accouche avec l’aide de Scarlett et Rhett les aide à fuir la ville. Une fois hors de la ville, Rhett choisit de partir se battre, laissant Scarlett retourner à Tara par ses propres moyens. À son retour à la maison, Scarlett trouve Tara abandonnée, à l’exception de son père, de ses sœurs et des anciens esclaves Mammy et Pork. Scarlett apprend que sa mère vient de mourir de la fièvre typhoïdeet son père a perdu la raison. Avec Tara pillée par les troupes de l’Union et les champs non entretenus, Scarlett jure d’assurer sa survie et celle de sa famille.

Alors que les O’Haras peinent dans les champs de coton, le père de Scarlett tente de chasser un ensacheur de tapis de sa terre mais est jeté de son cheval et tué. Avec la défaite de la Confédération, Ashley revient également mais trouve qu’il est de peu d’aide à Tara. Lorsque Scarlett le supplie de s’enfuir avec elle, il avoue son désir pour elle et l’embrasse passionnément, mais dit qu’il ne peut pas quitter Melanie. Incapable de payer les taxes reconstructionnistes imposées à Tara, Scarlett dupe le fiancé de sa sœur cadette Suellen, le riche propriétaire d’ un magasin général d’âge moyen Frank Kennedy, en l’épousant, en disant que Suellen en avait assez d’attendre et a épousé un autre prétendant. Frank, Ashley, Rhett et plusieurs autres complices font un raid nocturne dans un bidonvilleaprès que Scarlett ait été attaquée alors qu’elle la traversait seule, entraînant la mort de Frank. Peu de temps après les funérailles de Frank, Rhett propose à Scarlett et elle accepte.

Rhett et Scarlett ont une fille que Rhett nomme Bonnie Blue, mais Scarlett se languit toujours d’Ashley et, chagrinée par la ruine perçue de sa silhouette, refuse d’avoir plus d’enfants ou de partager un lit avec Rhett. Un jour, à l’usine de Frank, Scarlett et Ashley sont vues enlacées par la sœur d’Ashley, India. Hébergeant une aversion intense pour Scarlett, l’Inde répand avec empressement des rumeurs. Plus tard dans la soirée, Rhett, ayant entendu les rumeurs, force Scarlett à assister à une fête d’anniversaire pour Ashley. Melanie, cependant, soutient Scarlett. Après être rentrée chez elle après la fête, Scarlett trouve Rhett ivre en bas et ils se disputent à propos d’Ashley. Rhett embrasse Scarlett contre son gré, déclarant son intention d’avoir des relations sexuelles avec elle cette nuit-là, et emmène Scarlett en difficulté dans la chambre.

Le lendemain, Rhett s’excuse pour son comportement et propose à Scarlett de divorcer, ce qu’elle rejette, disant que ce serait une honte. Lorsque Rhett revient d’un long voyage à Londres, en Angleterre, Scarlett l’informe qu’elle est enceinte, mais une dispute s’ensuit qui la fait tomber dans un escalier et fait une fausse couche .. Alors qu’elle se remet, la tragédie frappe à nouveau; Bonnie meurt en tentant de sauter une clôture avec son poney. Scarlett et Rhett rendent visite à Melanie, qui a souffert de complications résultant d’une nouvelle grossesse, sur son lit de mort. Alors que Scarlett console Ashley, Rhett se prépare à quitter Atlanta. Ayant réalisé que c’était lui, et non Ashley, qu’elle a vraiment aimé depuis le début, Scarlett supplie Rhett de rester, mais il la repousse et s’éloigne dans le brouillard du matin. Une Scarlett désemparée décide de rentrer chez elle à Tara, jurant de reconquérir Rhett un jour.

Moulage

Plantation de tara

• Thomas Mitchell comme Gerald O’Hara
• Barbara O’Neil comme Ellen O’Hara (sa femme)
• Vivien Leigh comme Scarlett O’Hara (fille)
• Evelyn Keyes comme Suellen O’Hara (fille)
• Ann Rutherford comme Carreen O’Hara (fille)
• George Reeves comme Brent Tarleton (en fait comme Stuart) ^{[nb 2]}
• Fred Crane comme Stuart Tarleton (en fait comme Brent) ^{[nb 2]}
• Hattie McDaniel comme Mammy (servante de maison)
• Oscar Polk comme porc (servant de maison)
• Butterfly McQueen comme Prissy (servante de maison)
• Victor Jory comme Jonas Wilkerson (surveillant de terrain)
• Everett Brown comme Big Sam (contremaître de terrain)

Aux Douze Chênes

• Howard Hickman comme John Wilkes
• Alicia Rhett comme India Wilkes (sa fille)
• Leslie Howard comme Ashley Wilkes (son fils)
• Olivia de Havilland comme Melanie Hamilton (leur cousine)
• Rand Brooks comme Charles Hamilton (le frère de Melanie)
• Carroll Nye comme Frank Kennedy (un invité)
• Clark Gable comme Rhett Butler (un visiteur de Charleston)

À Atlanta

• Laura Hope Crews comme tante Pittypat Hamilton
• Eddie Anderson comme oncle Peter (son cocher)
• Harry Davenport comme Dr Meade
• Leona Roberts comme Mme Meade
• Jane Darwell comme Mme Merriwether
• Ona Munson dans le rôle de Belle Watling

Rôles de soutien mineurs

• Paul Hurst en tant que déserteur yankee
• Cammie King dans le rôle de Bonnie Blue Butler
• JM Kerrigan comme Johnny Gallagher
• Jackie Moran comme Phil Meade
• Lillian Kemble-Cooper comme infirmière de Bonnie à Londres
• Marcella Martin comme Cathleen Calvert
• Mickey Kuhn comme Beau Wilkes
• Irving Bacon en tant que caporal
• William Bakewell comme officier monté
• Isabel Jewell comme Emmy Slattery
• Eric Linden comme cas d’amputation
• Ward Bond dans le rôle de Tom, le capitaine yankee
• Cliff Edwards en tant que soldat évocateur
• Yakima Canutt en tant que renégat
• Louis Jean Heydt comme le soldat affamé tenant Beau Wilkes
• Olin Howland en tant qu’homme d’affaires de l’ensachage de tapis
• Robert Elliott en tant que major yankee
• Mary Anderson comme Maybelle Merriwether

Après la mort d’Olivia de Havilland – qui jouait Melanie Hamilton – en juillet 2020 à l’âge de 104 ans, le seul acteur crédité survivant du film est Mickey Kuhn, qui jouait le fils d’Ashley et Melanie, Beau. ^{[3] [4]}

Production

Avant la publication du roman, plusieurs dirigeants et studios hollywoodiens ont refusé de créer un film basé sur celui-ci, notamment Louis B. Mayer et Irving Thalberg de Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pandro Berman de RKO Pictures et David O. Selznick de Photos internationales de Selznick . Jack L. Warner de Warner Bros a aimé l’histoire, mais sa plus grande star Bette Davis n’était pas intéressée et Darryl Zanuck de 20th Century-Fox n’avait pas offert assez d’argent. Cependant, Selznick a changé d’avis après que son rédacteur en chef Kay Brownet son partenaire commercial John Hay Whitney l’ont exhorté à acheter les droits du film. En juillet 1936, un mois après sa publication, Selznick acheta les droits pour 50 000 $. ^{[5] [6] [7]}

Fonderie

Photo publicitaire de Clark Gable et Vivien Leigh dans le rôle de Rhett et Scarlett

Le casting des deux rôles principaux est devenu une entreprise complexe de deux ans. Pour le rôle de Rhett Butler, Selznick voulait dès le départ Clark Gable , mais Gable était sous contrat avec la MGM, qui ne l’a jamais prêté à d’autres studios. ^[5] Gary Cooper a été considéré, mais Samuel Goldwyn – à qui Cooper était sous contrat – a refusé de le prêter. ^[8] Warner a offert un paquet de Bette Davis, Errol Flynn et Olivia de Havilland pour les rôles principaux en échange des droits de distribution. ^[9]À ce moment-là, Selznick était déterminé à obtenir Gable et en août 1938, il a finalement conclu un accord avec son beau-père, le chef de la MGM, Louis B. Mayer : MGM fournirait à Gable et 1 250 000 $ pour la moitié du budget du film, et en retour , Selznick devrait payer le salaire hebdomadaire de Gable ; la moitié des bénéfices irait à MGM tandis que Loew’s, Inc – la société mère de MGM – sortirait le film. ^{[5] [8]}

L’arrangement pour sortir via MGM signifiait retarder le début de la production jusqu’à la fin de 1938, lorsque l’accord de distribution de Selznick avec United Artists a été conclu. ^[8] Selznick a utilisé le retard pour continuer à réviser le scénario et, plus important encore, à faire de la publicité pour le film en recherchant le rôle de Scarlett . Selznick a lancé un casting national qui a interviewé 1 400 inconnus. L’effort a coûté 100 000 $ et s’est avéré inutile pour l’objectif principal de lancer le rôle, mais a créé une publicité «inestimable». ^[5] Les premiers favoris comprenaient Miriam Hopkins et Tallulah Bankhead, qui étaient considérés comme des possibilités par Selznick avant l’achat des droits du film ; Joan Crawford , qui a signé avec MGM, était également considérée comme un couple potentiel avec Gable. Après qu’un accord ait été conclu avec MGM, Selznick a eu des discussions avec Norma Shearer – qui était la meilleure star féminine de MGM à l’époque – mais elle s’est retirée de toute considération. Katharine Hepburn a fait pression pour le rôle avec le soutien de son ami, George Cukor, qui avait été embauché pour diriger, mais elle a été opposée par Selznick qui a estimé qu’elle n’était pas bonne pour le rôle. ^{[8] [9] [10]}

De nombreuses actrices célèbres – ou bientôt célèbres – ont été envisagées, mais seules trente et une femmes ont été testées pour Scarlett, dont Ardis Ankerson , Jean Arthur , Tallulah Bankhead , Diana Barrymore , Joan Bennett , Nancy Coleman , Frances Dee , Ellen Drew (comme Terry Ray), Paulette Goddard , Susan Hayward (sous son vrai nom d’Edythe Marrenner), Vivien Leigh , Anita Louise , Haila Stoddard , Margaret Tallichet , Lana Turner et Linda Watkins. ^[11] Bien que Margaret Mitchell ait refusé de nommer publiquement son choix, l’actrice qui s’est approchée le plus près de gagner son approbation était Miriam Hopkins, qui, selon Mitchell, était juste le bon type d’actrice pour jouer Scarlett comme écrit dans le livre. Cependant, Hopkins était dans la trentaine à l’époque et était considérée comme trop âgée pour le rôle. ^{[8] [9] [10]} Quatre actrices, dont Jean Arthur et Joan Bennett, étaient toujours à l’étude en décembre 1938; cependant, seuls deux finalistes, Paulette Goddard et Vivien Leigh, ont été testés en Technicolor , tous deux le 20 décembre. ^[12] Goddard a presque remporté le rôle, mais la controverse sur son mariage avec Charlie Chaplin a fait changer d’avis Selznick.^[5]

Selznick envisageait tranquillement Vivien Leigh, une jeune actrice anglaise encore peu connue en Amérique, pour le rôle de Scarlett depuis février 1938 lorsque Selznick la vit dans Fire Over England et A Yank at Oxford . L’agent américain de Leigh était le représentant londonien de l’ agence artistique Myron Selznick (dirigée par le frère de David Selznick, l’un des propriétaires de Selznick International), et elle avait demandé en février que son nom soit soumis pour examen en tant que Scarlett. À l’été 1938, les Selznicks négociaient avec Alexander Korda , avec qui Leigh était sous contrat, pour ses services plus tard cette année-là. ^[13]Le frère de Selznick s’est arrangé pour qu’ils se rencontrent pour la première fois dans la nuit du 10 décembre 1938, lorsque l’incendie d’Atlanta a été filmé. Dans une lettre à sa femme deux jours plus tard, Selznick a admis que Leigh était “le cheval noir de Scarlett”, et après une série de tests d’écran, son casting a été annoncé le 13 janvier 1939. ^[14] Juste avant le tournage du film , Selznick a informé le chroniqueur du journal Ed Sullivan : “Les parents de Scarlett O’Hara étaient français et irlandais. De même, les parents de Miss Leigh sont français et irlandais.” ^[15]

Un problème pressant pour Selznick tout au long du casting était l’échec persistant d’Hollywood à représenter avec précision les accents du Sud . Le studio pensait que si l’accent n’était pas représenté avec précision, cela pourrait nuire au succès du film. Selznick a embauché Susan Myrick (une experte du discours, des manières et des coutumes du Sud qui lui a été recommandée par Mitchell) et Will A. Price pour entraîner les acteurs à parler avec un ton traînant du sud . Mitchell a été élogieux sur le travail vocal de la distribution, notant le manque de critiques à la sortie du film. ^{[16] [17]}

Scénario

À propos du scénariste original, Sidney Howard , l’historienne du cinéma Joanne Yeck écrit : « Réduire les complexités des dimensions épiques d’ Autant en emporte le vent était une tâche herculéenne… et la première soumission d’Howard était beaucoup trop longue et aurait nécessité au moins six heures de film; … [le producteur] Selznick voulait que Howard reste sur le plateau pour faire des révisions … mais Howard a refusé de quitter la Nouvelle-Angleterre [et] en conséquence, les révisions ont été gérées par une foule d’écrivains locaux ». ^[18] Selznick a renvoyé le réalisateur George Cukor trois semaines après le début du tournage et a cherché Victor Fleming, qui dirigeait Le Magicien d’Oz à l’époque. Fleming n’était pas satisfait du scénario, alors Selznick a fait appel au scénariste Ben Hechtde réécrire tout le scénario en cinq jours. Hecht est revenu au brouillon original d’Howard et à la fin de la semaine avait réussi à réviser toute la première moitié du scénario. Selznick a entrepris de réécrire lui-même la seconde moitié mais a pris du retard, alors Howard est retourné travailler sur le scénario pendant une semaine, retravaillant plusieurs scènes clés de la deuxième partie. ^[19]

David O. Selznick en 1940

“Au moment de la sortie du film en 1939, on se demandait qui devrait recevoir le crédit d’écran”, écrit Yeck. “Mais malgré le nombre d’écrivains et de changements, le scénario final était remarquablement proche de la version d’Howard. Le fait que seul le nom d’Howard apparaisse au générique était peut-être autant un geste envers sa mémoire qu’envers son écriture, car en 1939 Sidney Howard est mort à 48 ans dans un accident de tracteur agricole, et avant la première du film.” ^[18] Selznick, dans une note écrite en octobre 1939, a discuté des crédits d’écriture du film : “[V] ous pouvez dire franchement que de la quantité relativement faible de matériel dans l’image qui ne provient pas du livre, la plupart m’appartient personnellement ,Jean Van Druten . De prime abord, je doute qu’il y ait dix mots originaux de [Oliver] Garrett dans tout le scénario. Quant à la construction, c’est à environ quatre-vingt pour cent la mienne, et le reste est partagé entre Jo Swerling et Sidney Howard, Hecht ayant contribué matériellement à la construction d’une séquence.” ^[20]

Selon le biographe de Hecht, William MacAdams, “A l’aube du dimanche 20 février 1939, David Selznick … et le réalisateur Victor Fleming ont réveillé Hecht pour l’informer qu’il était prêté par la MGM et qu’il devait les accompagner immédiatement et aller travailler sur Autant en emporte le vent , que Selznick avait commencé à tourner cinq semaines auparavant. Cela coûtait à Selznick 50 000 $ par jour, le film était en attente d’une réécriture finale du scénario et le temps était compté. Hecht était en train de travailler sur le film At le Cirque pour les Marx Brothers . Rappelant l’épisode dans une lettre à l’ami scénariste Gene Fowler, il a dit qu’il n’avait pas lu le roman mais Selznick et le réalisateur Fleming ne pouvaient pas attendre qu’il le lise. Ils ont joué des scènes basées sur le scénario original de Sidney Howard qui devait être réécrit rapidement. Hecht a écrit: “Après que chaque scène ait été jouée et discutée, je me suis assis devant la machine à écrire et je l’ai écrite. Selznick et Fleming, désireux de continuer leur jeu, n’arrêtaient pas de me presser. Nous avons travaillé de cette façon pendant sept jours, mettant en dix-huit à vingt heures par jour. Selznick a refusé de nous laisser déjeuner, arguant que la nourriture nous ralentirait. Il a fourni des bananes et des cacahuètes salées … ainsi le septième jour j’avais terminé, indemne, les neuf premières bobines du Civil Épopée de guerre.”

MacAdams écrit: “Il est impossible de déterminer exactement combien Hecht a scénarisé … Dans le générique officiel déposé auprès de la Screen Writers Guild , Sidney Howard a bien sûr reçu le seul crédit d’écran, mais quatre autres écrivains ont été ajoutés … Jo Swerling pour avoir contribué au traitement, Oliver HP Garrett et Barbara Keon à la construction du scénario, et Hecht, au dialogue…” ^[21]

Tournage

2:28 Le “brûlage” d’Atlanta de la bande-annonce du film de réédition de 1961

La photographie principale a commencé le 26 janvier 1939 et s’est terminée le 1er juillet, le travail de post-production se poursuivant jusqu’au 11 novembre 1939. Le réalisateur George Cukor , avec qui Selznick avait une longue relation de travail et qui avait passé près de deux ans en pré-production sur Autant en emporte le vent , a été remplacé après moins de trois semaines de tournage. ^{[9] [nb 3]} Selznick et Cukor étaient déjà en désaccord sur le rythme de tournage et le scénario, ^{[9] [22]} mais d’autres explications attribuent le départ de Cukor à l’inconfort de Gable à travailler avec lui. Emanuel Levy , le biographe de Cukor, a affirmé que Gable avait travaillé sur le circuit gay d’Hollywood en tant qu’arnaqueuret que Cukor était au courant de son passé, alors Gable a utilisé son influence pour le faire renvoyer. ^[24] Vivien Leigh et Olivia de Havilland ont appris le tir de Cukor le jour où la scène du bazar d’Atlanta a été filmée, et le couple est allé au bureau de Selznick en costume complet et l’a imploré de changer d’avis. Victor Fleming , qui dirigeait Le magicien d’Oz , a été appelé de la MGM pour compléter le tableau, bien que Cukor ait continué en privé à entraîner Leigh et De Havilland. ^[19] Un autre réalisateur de la MGM, Sam Wood, a travaillé pendant deux semaines en mai lorsque Fleming a temporairement quitté la production en raison de l’épuisement. Bien que certaines des scènes de Cukor aient été retournées plus tard, Selznick a estimé que “trois bobines solides” de son travail restaient dans l’image. À la fin de la photographie principale, Cukor avait entrepris dix-huit jours de tournage, Fleming quatre-vingt-treize et Wood vingt-quatre. ^[9]

Le directeur de la photographie Lee Garmes a commencé la production, mais le 11 mars 1939 – après un mois de tournage de séquences que Selznick et ses associés considéraient comme “trop ​​​​sombres” – a été remplacé par Ernest Haller , travaillant avec le directeur de la photographie Technicolor Ray Rennahan . Garmes a terminé le premier tiers du film – principalement tout ce qui a précédé l’accouchement de Melanie – mais n’a pas reçu de crédit. ^[25]

La majeure partie du tournage a été réalisée sur « les quarante arrières » de Selznick International, toutes les scènes de tournage étant photographiées en Californie, principalement dans le comté de Los Angeles ou le comté voisin de Ventura . ^[26] Tara, la maison de plantation fictive du sud, n’existait que sous la forme d’une façade en contreplaqué et en papier mâché construite sur le terrain de l’atelier Selznick. ^[27] Pour l’incendie d’Atlanta, de nouvelles fausses façades ont été construites devant les nombreux vieux décors abandonnés du backlot de Selznick, et Selznick lui-même a actionné les commandes des explosifs qui les ont brûlés. ^[5] Des sources de l’époque évaluaient les coûts de production à 3,85 millions de dollars, ce qui en faisait le deuxième film le plus cher réalisé jusque-là, avec seulementBen-Hur (1925) ayant coûté plus cher. ^{[28] [n° 4]}

Bien que la légende persiste selon laquelle le bureau Hays a infligé une amende de 5 000 $ à Selznick pour avoir utilisé le mot “putain” dans la ligne de sortie de Butler , en fait, le conseil d’administration de la Motion Picture Association a adopté un amendement au code de production le 1er novembre 1939, qui interdisait l’utilisation des mots “enfer”. ” ou ” putain “, sauf lorsque leur utilisation ” sera essentielle et requise pour la représentation, dans un contexte historique approprié, de toute scène ou dialogue basé sur un fait historique ou un folklore … ou une citation d’une œuvre littéraire, à condition qu’aucune telle utilisation sera autorisé ce qui est intrinsèquement répréhensible ou offense le bon goût ». Avec cet amendement, l’ administration du code de production n’avait plus d’objection à la ligne de clôture de Rhett. ^[30]

Musique

0:26 “Tara’s Theme” de la bande-annonce du film

Pour composer la partition, Selznick choisit Max Steiner , avec qui il avait travaillé chez RKO Pictures au début des années 1930. Warner Bros. – qui avait engagé Steiner en 1936 – accepta de le prêter à Selznick. Steiner a passé douze semaines à travailler sur la partition, la plus longue période qu’il ait jamais passée à en écrire une, et à deux heures et trente-six minutes, c’était aussi la plus longue qu’il ait jamais écrite. Cinq orchestrateurs sont embauchés : Hugo Friedhofer , Maurice de Packh, Bernard Kaun, Adolph Deutsch et Reginald Bassett.

La partition est caractérisée par deux thèmes d’amour, un pour le doux amour d’Ashley et Melanie et un autre qui évoque la passion de Scarlett pour Ashley, bien qu’il n’y ait notamment pas de thème d’amour de Scarlett et Rhett. Steiner s’est considérablement inspiré de la musique folk et patriotique, qui comprenait des airs de Stephen Foster tels que ” Louisiana Belle “, ” Dolly Day “, ” Ringo De Banjo “, ” Beautiful Dreamer “, ” Old Folks at Home ” et ” Katie Belle “. qui a formé la base du thème de Scarlett; d’autres morceaux qui figurent en bonne place sont: ” Marching through Georgia ” de Henry Clay Work , ” Dixie “, ” Garryowen ” et “”. Le thème le plus associé au film aujourd’hui est la mélodie qui accompagne Tara, la plantation O’Hara; au début des années 1940, “Tara’s Theme” a formé la base musicale de la chanson “My Own True Love” de Mack David En tout, il y a quatre-vingt-dix-neuf morceaux de musique distincts présentés dans la partition.

En raison de la pression de terminer à temps, Steiner a reçu de l’aide pour composer de Friedhofer, Deutsch et Heinz Roemheld , et en plus, deux courts indices – de Franz Waxman et William Axt – ont été tirés des partitions de la bibliothèque MGM. ^[31]

Libérer

Aperçu, première et sortie initiale

Le 9 septembre 1939, Selznick, sa femme Irene , l’investisseur John “Jock” Whitney et le monteur Hal Kern se rendirent en voiture à Riverside, en Californie, pour prévisualiser le film au Fox Theatre . Le film était encore un montage grossier à ce stade, manquant de titres terminés et manquant d’effets optiques spéciaux. Il a duré quatre heures et vingt-cinq minutes ; il a ensuite été réduit à moins de quatre heures pour sa sortie appropriée. Une double affiche de Hawaiian Nights et de Beau Gestejouait, mais après le premier long métrage, il a été annoncé que le théâtre projetterait une avant-première; le public a été informé qu’il pouvait partir mais ne serait pas réadmis une fois le film commencé, et les appels téléphoniques ne seraient pas autorisés une fois le théâtre scellé. Lorsque le titre est apparu à l’écran, le public a applaudi et, une fois terminé, il a reçu une ovation debout. ^{[9] [32]} Dans sa biographie de Selznick, David Thomson a écrit que la réponse du public avant même que le film ne commence “était le plus grand moment de la vie [de Selznick], la plus grande victoire et la rédemption de tous ses échecs”, ^[33] avec Selznick décrivant les cartes de prévisualisation comme “probablement la plus étonnante qu’une image ait jamais eue”. ^[34]Lorsque Selznick a été interrogé par la presse début septembre sur ce qu’il pensait du film, il a déclaré : “A midi, je pense que c’est divin, à minuit, je pense que c’est moche. Parfois, je pense que c’est la plus grande photo jamais réalisée. Mais si ce n’est qu’un superbe photo, je serai toujours satisfait.” ^[28]

La première du film au Loew’s Grand, Atlanta

Environ 300 000 personnes sont venues à Atlanta pour la première du film au Loew’s Grand Theatre le 15 décembre 1939. Ce fut le point culminant de trois jours de festivités organisées par le maire William B. Hartsfield , qui comprenait un défilé de limousines mettant en vedette des stars du film. , des réceptions, des milliers de drapeaux confédérés et un bal costumé. Eurith D. Rivers , le gouverneur de Géorgie, a déclaré le 15 décembre jour férié. Environ 300 000 résidents et visiteurs d’Atlanta ont bordé les rues sur sept miles pour voir le cortège de limousines qui ont amené des stars de l’aéroport. Seuls Leslie Howard et Victor Fleming ont choisi de ne pas y assister : Howard était retourné en Angleterre en raison du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale ., et Fleming s’était brouillé avec Selznick et avait refusé d’assister à l’une des premières. ^{[28] [34]} Hattie McDaniel était également absente, car elle et les autres membres noirs de la distribution ont été empêchés d’assister à la première en raison des lois Jim Crow de Géorgie , qui les empêchaient de s’asseoir avec leurs collègues blancs. En apprenant que McDaniel avait été exclu de la première, Clark Gable a menacé de boycotter l’événement, mais McDaniel l’a persuadé d’y assister. ^[35] Le président Jimmy Carter l’a rappelé plus tard comme “le plus grand événement qui se soit produit dans le Sud de ma vie”. ^[36]Des premières à New York et à Los Angeles ont suivi, cette dernière en présence de certaines des actrices qui avaient été considérées pour le rôle de Scarlett, parmi lesquelles Paulette Goddard, Norma Shearer et Joan Crawford. ^[34]

De décembre 1939 à juillet 1940, le film n’a joué que des tournées avec billets à l’avance dans un nombre limité de salles à des prix supérieurs à 1 $ – plus du double du prix d’un long métrage régulier en première diffusion – avec MGM collectant un pourcentage sans précédent de 70% de les recettes au box-office, par opposition aux 30 à 35% typiques de la période. Après avoir atteint la saturation en tant que roadshow, MGM a révisé ses conditions à une réduction de 50% et réduit de moitié les prix, avant d’entrer finalement en sortie générale en 1941 à des prix «populaires». ^[37] Y compris ses coûts de distribution et de publicité, les dépenses totales pour le film s’élevaient à 7 millions de dollars. ^{[34] [38]}

Versions ultérieures

Affiche de réédition de 1967

En 1942, Selznick a liquidé sa société pour des raisons fiscales et a vendu sa part dans Autant en emporte le vent à son partenaire commercial, John Whitney, pour 500 000 $. À son tour, Whitney l’a vendu à MGM pour 2,8 millions de dollars, de sorte que le studio était propriétaire du film. ^[38] MGM a immédiatement réédité le film au printemps 1942, ^[19] et de nouveau en 1947 et 1954. ^[9] La réédition de 1954 était la première fois que le film était montré en grand écran , compromettant le rapport original de l’Académie et le recadrage. le haut et le bas à un rapport hauteur/largeur de 1,75:1. Ce faisant, un certain nombre de plans ont été recadrés optiquement et découpés dans les négatifs de la caméra à trois bandes, modifiant à jamais cinq plans du film. ^[39]

Une sortie du film en 1961 a commémoré le centenaire du début de la guerre civile et comprenait également une “première” de gala au Loew’s Grand Theatre. Il a été suivi par Selznick et de nombreuses autres stars du film, dont Vivien Leigh et Olivia de Havilland ; ^[40] Clark Gable était décédé l’année précédente. ^[41] Pour sa réédition en 1967, le film a été gonflé à 70 mm , ^[9] et publié avec une illustration d’affiche mise à jour mettant en vedette Gable – avec sa chemise blanche déchirée – tenant Leigh sur fond de flammes orange. ^[40]Il y a eu d’autres rééditions en 1971, 1974 et 1989; pour la réédition du cinquantième anniversaire en 1989, il a fait l’objet d’une restauration audio et vidéo complète. Il est sorti en salles une fois de plus aux États-Unis, en 1998 par New Line Cinema, propriété de Time Warner . ^{[42] [43]}

En 2013, une restauration numérique 4K est sortie au Royaume-Uni pour coïncider avec le centenaire de Vivien Leigh. ^[44] En 2014, des projections spéciales ont été programmées sur une période de deux jours dans des cinémas à travers les États-Unis pour coïncider avec le 75e anniversaire du film. ^[45]

Télévision et médias domestiques

Le film a reçu sa première télévisée américaine sur le réseau câblé HBO le 11 juin 1976 et a été diffusé sur la chaîne quatorze fois au total pendant le reste du mois. ^{[46] [19] [47]} D’autres chaînes câblées ont également diffusé le film en juin. ^[48] ​​Il a fait ses débuts de télévision de réseau en novembre de cette année; NBC a payé 5 millions de dollars pour une diffusion unique, et elle a été diffusée en deux parties des soirées successives. ^[19] Il est devenu à cette époque le programme télévisé le mieux notéjamais présenté sur un seul réseau, regardé par 47,5% des ménages échantillonnés en Amérique et 65% des téléspectateurs, toujours le record du film le mieux noté jamais diffusé à la télévision. ^{[19] [43]}

En 1978, CBS a signé un accord d’une valeur de 35 millions de dollars pour diffuser le film vingt fois sur autant d’années. ^[19] Turner Entertainment a acquis la cinémathèque MGM en 1986, mais l’accord n’incluait pas les droits de télévision sur Autant en emporte le vent , qui étaient toujours détenus par CBS. Un accord a été conclu dans lequel les droits ont été rendus à Turner Entertainment et les droits de diffusion de CBS sur The Wizard of Oz ont été prolongés. ^[19] Le film a été utilisé pour lancer deux chaînes câblées détenues par Turner Broadcasting System : Turner Network Television (1988) et Turner Classic Movies (1994). ^{[49] [50]}

Le film a fait ses débuts sur vidéocassette en mars 1985, où il s’est classé deuxième dans les palmarès des ventes, ^[19] et est depuis sorti sur les formats DVD et Blu-ray Disc . ^[40]

Réception

Réponse critique

McDaniel, de Havilland et Leigh ont été félicités pour leurs performances.

Lors de sa sortie, les magazines grand public et les journaux ont généralement donné d’ excellentes critiques à Autant en emporte le vent ; ^[9] Cependant, alors que ses valeurs de production, ses réalisations techniques et son échelle d’ambition étaient universellement reconnues, certains critiques de l’époque ont trouvé le film trop long et dramatiquement peu convaincant. Frank S. Nugent pour le New York Times a le mieux résumé le sentiment général en reconnaissant que s’il s’agissait de la production cinématographique la plus ambitieuse réalisée à ce jour, ce n’était probablement pas le plus grand film jamais réalisé, mais il a néanmoins trouvé que c’était un “histoire intéressante magnifiquement racontée”. ^[51] Franz Hoellering de La Nationétait du même avis : “Le résultat est un film qui est un événement majeur dans l’histoire de l’industrie mais seulement une réalisation mineure dans l’art cinématographique. Il y a des moments où les deux catégories se rencontrent en bons termes, mais les longues périodes entre sont remplis d’une simple efficacité spectaculaire.” ^[52]

Alors que le film a été loué pour sa fidélité au roman, ^[51] cet aspect a également été désigné comme le principal facteur contribuant à la longue durée de fonctionnement. ^[53] John C. Flinn a écrit pour Variety que Selznick en avait « trop laissé », et qu’en tant que divertissement, le film aurait bénéficié si les scènes répétitives et les dialogues de la dernière partie de l’histoire avaient été coupés. ^[53] Le gardien de Manchestera estimé que le seul inconvénient sérieux du film était que l’histoire n’avait pas la qualité épique pour justifier la dépense de temps et a trouvé la seconde moitié, qui se concentre sur les « mariages non pertinents » et les « querelles domestiques » de Scarlett, pour la plupart superflues, et la seule raison de leur l’inclusion avait été “simplement parce que Margaret Mitchell l’a écrit de cette façon”. Le Guardian pensait que si “l’histoire avait été écourtée et rangée au point marqué par l’intervalle, et si le drame personnel avait été subordonné à un traitement cinématographique du thème central – l’effondrement et la dévastation du Vieux Sud – alors Autant en emporte le vent aurait pu être un très bon film”. ^[54]De même, Hoellering a également trouvé que la seconde moitié du film était plus faible que la première moitié : identifiant la guerre civile comme étant le moteur de la première partie alors que les personnages dominent dans la seconde partie, il a conclu que c’est là que le principal défaut de l’image était, commentant que “les personnages seuls ne suffisent pas”. Malgré de nombreuses scènes excellentes, il considérait le drame comme peu convaincant et que le “développement psychologique” avait été négligé. ^[52]

Une grande partie des éloges était réservée au casting, Vivien Leigh en particulier étant distinguée pour sa performance en tant que Scarlett. Nugent l’a décrite comme le “pivot de l’image” et la croyait “si parfaitement conçue pour le rôle par l’art et la nature que toute autre actrice dans le rôle serait inconcevable”. ^[51] De même, Hoellering l’a trouvée “parfaite” dans “l’apparence et les mouvements”; il sentait qu’elle agissait mieux lorsqu’elle était autorisée à “accentuer la double personnalité qu’elle dépeint” et pensait qu’elle était particulièrement efficace dans des moments de caractérisation comme le lendemain de la scène de viol conjugal. ^[52]Flinn a également trouvé Leigh adaptée physiquement au rôle et a estimé qu’elle était la meilleure dans les scènes où elle fait preuve de courage et de détermination, comme l’évasion d’Atlanta et lorsque Scarlett tue un déserteur yankee. ^[53] Leigh a gagné dans la catégorie Meilleure actrice pour sa performance aux New York Film Critics Circle Awards de 1939 . ^[55] De la performance de Clark Gable en tant que Rhett Butler, Flinn a estimé que la caractérisation était “aussi proche de la conception de Mlle Mitchell – et de celle du public – qu’on pourrait l’imaginer”, ^[53] un point de vue auquel Nugent était d’accord, ^[51] bien que Hoellering ait estimé que Gable n’a pas tout à fait convaincu dans les scènes de clôture, alors que Rhett quitte Scarlett avec dégoût. ^[52]Parmi les autres principaux membres de la distribution, Hoellering et Flinn ont trouvé que Leslie Howard était “convaincante” en tant qu’Ashley faible de volonté, Flinn identifiant Olivia de Havilland comme une “hors concours” en tant que Melanie; ^{[52] [53]} Nugent a été aussi particulièrement pris avec la performance de de Havilland, en le décrivant comme un “joyau gracieux, digne, tendre de caractérisation”. ^[51] La performance de Hattie McDaniel en tant que Mammy a été saluée par de nombreux critiques : Nugent pensait qu’elle avait donné la meilleure performance dans le film après Vivien Leigh, ^[51] avec Flinn la plaçant troisième après les performances de Leigh et Gable. ^[53]

Oscars

Lors de la 12e cérémonie des Oscars , Autant en emporte le vent a établi un record de victoires et de nominations aux Oscars , remportant dans huit des catégories compétitives dans lesquelles il a été nominé, sur un total de treize nominations. Il a remporté les prix du meilleur film, de la meilleure actrice, de la meilleure actrice dans un second rôle, du meilleur réalisateur, du meilleur scénario, de la meilleure photographie, de la meilleure direction artistique et du meilleur montage, et a reçu deux autres prix honorifiques pour son utilisation de l’équipement et de la couleur (il est également devenu la première couleur film à remporter le prix du meilleur film). ^{[56] [57]}

Le record du film de huit victoires en compétition était jusqu’à ce que Gigi (1958) en remporte neuf, et son record global de dix a été battu par Ben-Hur (1959) qui en a remporté onze. ^[58] Autant en emporte le vent détenait également le record du plus grand nombre de nominations jusqu’à ce que All About Eve (1950) en obtienne quatorze. ^[10] C’était le film sonore américain le plus long réalisé jusqu’à ce point, et peut encore détenir le record du plus long gagnant du meilleur film selon la façon dont il est interprété. ^[59] Le temps de fonctionnement pour Autant en emporte le vent est un peu moins de 221 minutes, tandis que Lawrence d’Arabie (1962) dure un peu plus de 222 minutes; cependant, y compris l’ ouverture ,musique d’ entracte , d’ entr’acte et de sortie, Autant en emporte le vent dure 234 minutes (bien que certaines sources évaluent sa durée totale à 238 minutes) tandis que Lawrence d’Arabie est légèrement plus court à 232 minutes avec ses composants supplémentaires. ^{[60] [61]}

Hattie McDaniel est devenue la première Afro-Américaine à remporter un Oscar – battant sa co-star Olivia de Havilland, qui a également été nominée dans la même catégorie – mais a été séparée racialement de ses co-stars lors de la cérémonie de remise des prix au Coconut Grove ; elle et son escorte ont été obligées de s’asseoir à une table séparée au fond de la salle. ^[62] Pendant ce temps, le scénariste Sidney Howard est devenu le premier lauréat posthume d’un Oscar et Selznick a personnellement reçu le Irving G. Thalberg Memorial Award pour ses réalisations professionnelles. ^{[10] [56]}

Oscars et nominations

Décerner	Destinataire(s)	Résultat
Production exceptionnelle	Photos de Selznick International	Gagné
Meilleur réalisateur	Victor Fleming	Gagné
Meilleur acteur	Clark Gâble	Nommé
Meilleure actrice	Vivien Leigh	Gagné
La meilleure actrice dans un second rôle	Olivia de Havilland	Nommé
Hattie McDaniel	Gagné
Meilleur scénario	Sidney Howard	Gagné
Meilleure direction artistique	Lyle Wheeler	Gagné
Meilleure photographie – Couleur	Ernest Haller et Ray Rennahan	Gagné
Meilleur montage de film	Hal C. Kern et James E. Newcom	Gagné
Meilleure musique originale	Max Steiner	Nommé
Meilleur enregistrement sonore	Thomas T.Moulton (Samuel Goldwyn Studio Sound Department)	Nommé
Meilleurs effets visuels	Jack Cosgrove , Fred Albin et Arthur Johns	Nommé
Prix ​​spécial	William Cameron Menzies Pour ses réalisations exceptionnelles dans l’utilisation de la couleur pour rehausser l’ambiance dramatique dans la production d’ Autant en emporte le vent .	Honoraire
Prix ​​de la réalisation technique	Don Musgrave et Selznick International Pictures Pour avoir été les pionniers de l’utilisation d’équipements coordonnés dans la production Autant en emporte le vent .	Honoraire

Réactions des Afro-Américains

Hattie McDaniel, la première afro-américaine oscarisée

Le film a été critiqué par des commentateurs noirs depuis sa sortie pour sa description des Noirs et le “blanchiment” de la question de l’esclavage mais, au départ, les journaux contrôlés par des Américains blancs n’ont pas rendu compte de ces critiques. ^[63] Carlton Moss , un dramaturge noir, a observé dans une lettre ouverte que, alors que La Naissance d’une nation était une “attaque frontale contre l’histoire américaine et le peuple noir”, Autant en emporte le ventétait une “attaque arrière sur le même”. Il a poursuivi en la caractérisant comme un “appel nostalgique à la sympathie pour une cause toujours vivante de la réaction du Sud”. Moss a en outre dénoncé les caractérisations noires stéréotypées, telles que le “porc insouciant et obtus”, la “prissy indolente et complètement irresponsable”, “l’acceptation radieuse de l’esclavage” de Big Sam, et Mammy avec ses “harangues constantes et adorant chaque souhait de Scarlett”. ^[64] De même, Melvin B. Tolson , un poète et éducateur, a écrit ” La naissance d’une nation était un mensonge si éhonté qu’un crétin pouvait voir à travers. Autant en emporte le vent est un mensonge si subtil qu’il sera avalé comme vérité par des millions de Blancs et de Noirs.”

Après la victoire aux Oscars de Hattie McDaniel, Walter Francis White , leader de l’ Association nationale pour l’avancement des personnes de couleur , l’a accusée d’être un oncle Tom . McDaniel a répondu qu’elle “préférerait gagner sept cents dollars par semaine en jouant une femme de chambre que sept dollars en étant un”; elle a en outre remis en question la qualification de White pour parler au nom des Noirs, car il avait la peau claire et seulement un huitième de noir. ^[62]

L’opinion dans la communauté noire était généralement divisée à sa sortie, le film étant qualifié par certains d ‘«arme de terreur contre l’Amérique noire» et d’une insulte au public noir, et des manifestations ont eu lieu dans diverses villes. ^[62] Malcolm X a rappelé plus tard que “quand Butterfly McQueen est entré dans son acte, j’avais envie de ramper sous le tapis”. ^[66] Même ainsi, certaines sections de la communauté noire ont reconnu que les réalisations de McDaniel étaient représentatives de la progression : certains Afro-Américains ont franchi les lignes de piquetage et ont loué la caractérisation chaleureuse et pleine d’esprit de McDaniel, et d’autres espéraient que la reconnaissance de son travail par l’industrie conduirait à une augmentation visibilité à l’écran pour les autres acteurs noirs. Dans ses félicitations éditoriales à McDaniel pour avoir remporté son Oscar,Opportunity: A Journal of Negro Life a utilisé le film pour rappeler la «limite» imposée à l’aspiration noire par les vieux préjugés. ^{[62] [64]}

Réponse du public

Dès sa sortie, Autant en emporte le vent a battu partout des records de fréquentation. Rien qu’au Capitol Theatre de New York, il comptait en moyenne onze mille entrées par jour fin décembre ^[37] et, dans les quatre ans suivant sa sortie, il avait vendu environ soixante millions de billets à travers les États-Unis – des ventes équivalant à un peu moins de la moitié de la population . à l’époque . ^{[67] [68]} Il a répété son succès outre-mer et était un coup sensationnel pendant le Blitz à Londres, en s’ouvrant en avril de 1940 et en jouant depuis quatre ans. ^[69] Au moment où MGM l’a retiré de la circulation, à la fin de 1943, sa distribution mondiale avait rapporté un loyer brut(la part du studio dans le box-office brut) de 32 millions de dollars, ce qui en fait le film le plus rentable jamais réalisé jusqu’à présent . ^{[10] [19]} Il s’est finalement ouvert au Japon en septembre 1952 et est devenu le film étranger le plus rentable là-bas. ^{[70] [71]}

Faites la queue pour voir Autant en emporte le vent à Pensacola, Floride (1947)

Même s’il a rapporté à ses investisseurs environ deux fois plus que le précédent détenteur du record, La naissance d’une nation , ^{[72] [73]} les performances au box-office des deux films étaient probablement beaucoup plus proches. L’essentiel des revenus de Autant en emporte le vent provenait de son roadshow et de ses engagements de première diffusion, où le distributeur recevait respectivement 70% et 50% du chiffre d’affaires brut au box-office, plutôt que sa sortie générale, qui à l’époque voyait généralement le part du distributeur fixée à 30-35 % du brut. ^[37] Dans l’affaire La Naissance d’une nation, son distributeur, Epoch, a vendu bon nombre de ses territoires de distribution sur la base des “droits des États” – qui représentaient généralement 10 % du chiffre d’affaires brut au box-office – et les comptes d’Epoch ne sont qu’indicatifs de ses propres bénéfices tirés du film, et non les distributeurs locaux. Carl E. Milliken , secrétaire de la Motion Picture Producers and Distributors Association , a estimé que La naissance d’une nation avait été vue par cinquante millions de personnes en 1930. ^{[74] [75]}

Lorsqu’il a été réédité en 1947, il a rapporté une location impressionnante de 5 millions de dollars aux États-Unis et au Canada, et a été l’une des dix meilleures sorties de l’année. ^{[38] [72]} Des rééditions réussies en 1954 et 1961 lui ont permis de conserver sa position de meilleur revenu de l’industrie, malgré les défis importants de films plus récents tels que Ben-Hur , ^[76] mais il a finalement été dépassé par The Sound de la musique en 1966. ^[77]

La réédition de 1967 était inhabituelle en ce que MGM a choisi de la présenter en tournée, une décision qui en a fait la réédition la plus réussie de l’histoire de l’industrie. Il a généré un box-office brut de 68 millions de dollars, ce qui en fait l’image la plus lucrative de la MGM après le docteur Zhivago de la seconde moitié de la décennie. ^[78] MGM a gagné une location de 41 millions de dollars à partir de la sortie, ^[79] avec la part américaine et canadienne s’élevant à plus de 30 millions de dollars, le plaçant juste derrière The Graduate pour cette année. ^{[72] [79]} Y compris sa location de 6,7 millions de dollars de la réédition de 1961, ^[80] c’était le quatrième plus gros revenu de la décennie sur le marché nord-américain, avec seulement The Sound of Music, The Graduate et Doctor Zhivago font plus pour leurs distributeurs. ^[72] Une nouvelle réédition en 1971 lui a permis de reprendre brièvement le disque de The Sound of Music , portant sa location brute mondiale totale à environ 116 millions de dollars à la fin de 1971 – plus que triplé ses revenus depuis sa sortie initiale – avant perdant à nouveau le record l’année suivante face au Parrain . ^{[43] [81]}

Dans toutes les sorties, on estime que Autant en emporte le vent a vendu plus de 200 millions de billets aux États-Unis et au Canada , ^[67] générant plus d’entrées en salle sur ce territoire que tout autre film. ^[82] Le film a également connu un succès phénoménal en Europe occidentale , générant environ 35 millions de billets au Royaume-Uni et plus de 16 millions en France , devenant respectivement le plus grand et le sixième plus gros vendeurs de billets sur ces marchés. ^{[83] [84] [85]}L’attrait du film a perduré à l’étranger, maintenant une popularité similaire à sa longévité nationale; en 1975, il a joué devant un public complet tous les soirs pendant les trois premières semaines de sa diffusion au Plaza 2 Theatre de Londres, et au Japon, il a généré plus d’un demi-million d’entrées dans vingt théâtres au cours d’un engagement de cinq semaines. ^[86] Au total, Autant en emporte le vent a rapporté plus de 390 millions de dollars dans le monde au box-office; ^[87] en 2007, Turner Entertainment a estimé que le brut équivalait à environ 3,3 milliards de dollars une fois ajusté en fonction de l’inflation aux prix actuels ; ^[10] Guinness World Records est arrivé à un chiffre de 3,44 milliards de dollars en 2014, ce qui en fait le film le plus réussi de l’histoire du cinéma. ^[88]

Le film reste immensément populaire auprès du public au 21e siècle, après avoir été élu film le plus populaire dans deux sondages nationaux auprès des Américains réalisés par Harris Interactive en 2008, puis à nouveau en 2014. La société d’études de marché a interrogé plus de deux mille adultes américains, avec le les résultats ont été pondérés selon l’âge, le sexe, la race/ethnicité, l’éducation, la région et le revenu du ménage afin que leurs proportions correspondent à la composition de la population adulte. ^{[89] [90]}

Réévaluation critique

Série AFI 100 ans…

• 100 ans d’AFI… 100 films – #4
• 100 ans d’AFI… 100 passions – #2
• Les 100 ans de l’AFI… 100 héros et méchants
  • Rhett Butler, héros – Nominé
  • Scarlett O’Hara, héroïne – Nominée
• 100 ans d’AFI… 100 citations de films :
  • « Franchement, ma chérie, je m’en fous . – #1
  • “Après tout demain est un autre jour!” – #31
  • “Puisque Dieu m’en est témoin, je n’aurai plus jamais faim.” – #59
  • “Fiddle-dee-dee.” – Nominé
  • “Je ne sais rien sur les naissances de bébés.” – Nominé
• 100 ans de musiques de films d’AFI – # 2
• Les 100 ans de l’AFI… 100 Cheers – #43
• 100 ans d’AFI … 100 films (édition du 10e anniversaire) – # 6
• 10 Top 10 de l’AFI – Film épique n ° 4

Institut du cinéma américain ^[91]

En revisitant le film dans les années 1970, Arthur Schlesinger pensait que les films hollywoodiens vieillissaient généralement bien, révélant une profondeur ou une intégrité inattendue, mais dans le cas d’ Autant en emporte le vent , le temps ne l’a pas traité avec bienveillance. ^[92] Richard Schickel a fait valoir qu’une mesure de la qualité d’un film est de demander ce que le spectateur peut en retenir, et le film tombe à cet égard : des images et des dialogues inoubliables ne sont tout simplement pas présents. ^[93] Stanley Kauffmann , de même, a également trouvé que le film était une expérience largement oubliable, affirmant qu’il ne pouvait se souvenir que de deux scènes avec vivacité. ^[94]Schickel et Schlesinger attribuent cela au fait qu’il est “mal écrit”, décrivant à son tour le dialogue comme “fleuri” et possédant une sensibilité de “carte postale”. ^{[92] [93]} Schickel pense également que le film échoue en tant qu’art populaire, en ce sens qu’il a une valeur de rewatch limitée – un sentiment avec lequel Kauffmann est également d’accord, déclarant qu’après l’avoir regardé deux fois, il espère “ne plus jamais le revoir : deux fois, c’est deux fois”. autant que les besoins de toute une vie ». ^{[93] [94]} Schickel et Andrew Sarrisidentifier le principal défaut du film est de posséder une sensibilité de producteur plutôt qu’une sensibilité artistique : après avoir traversé tant de réalisateurs et d’écrivains, le film n’a pas le sentiment d’avoir été « créé » ou « réalisé », mais plutôt d’avoir émergé « à la vapeur de la cuisine bondée », où la principale force créatrice était l’obsession d’un producteur à rendre le film aussi littéralement fidèle au roman que possible. ^{[93] [95]}

Sarris admet que malgré ses échecs artistiques, le film détient un mandat dans le monde entier en tant que “divertissement le plus aimé jamais produit”. ^[95] Judith Crist observe que, mis à part le kitsch, le film est “sans aucun doute le meilleur et le plus durable des divertissements populaires à être sorti des chaînes de montage d’Hollywood”, le produit d’un showman avec “goût et intelligence”. ^[96] Schlesinger note que la première moitié du film a un “balayage et une vigueur” qui aspirent à son thème épique, mais – trouvant un accord avec les critiques contemporaines du film – les vies personnelles prennent le dessus dans la seconde moitié, et ça se termine jusqu’à perdre son thème dans une sentimentalité peu convaincante.Le Parrain , qui venait de remplacer Autant en emporte le vent comme le plus gros succès de l’époque : tous deux sont issus de best-sellers “ultra-américains”, tous deux vivent dans des codes d’honneur romancés, et tous deux proposent par essence des fabrication ou révisionnisme. ^[94]

La perception critique du film a changé dans les années qui ont suivi, ce qui lui a valu d’être classé 235e dans le prestigieux sondage décennal des critiques de Sight & Sound en 2012, ^[97] et en 2015, soixante-deux critiques de films internationaux interrogés par la BBC ont voté c’est le 97e meilleur film américain. ^[98]

Reconnaissance de l’industrie

Le film a figuré dans plusieurs sondages de haut niveau de l’industrie : en 1977, il a été élu film le plus populaire par l’ American Film Institute (AFI), dans un sondage auprès des membres de l’organisation ; ^[9] l’AFI a également classé le film au quatrième rang sur sa liste des ” 100 plus grands films ” en 1998, ^[99] et il a glissé à la sixième place lors de l’ édition du dixième anniversaire en 2007. ^[100] Les réalisateurs l’ont classé 322e en 2012 édition du sondage décennal Sight & Sound , ^[97] et en 2016, il a été sélectionné comme la neuvième meilleure «réalisation de réalisateur» dans un sondage des membres de la Directors Guild of America . ^[101]En 2014, il s’est classé quinzième dans un vaste sondage réalisé par The Hollywood Reporter , qui a élu tous les studios, agences, agences de publicité et maisons de production de la région d’ Hollywood . ^[102] Autant en emporte le vent était l’un des vingt-cinq films inauguraux sélectionnés pour être conservés dans le National Film Registry par la Bibliothèque du Congrès des États-Unis en 1989 pour être “culturellement, historiquement ou esthétiquement significatifs”. ^{[103] [104]}

Analyse et controverse

Représentation historique

Autant en emporte le vent a été critiqué pour avoir perpétué les mythes de la guerre civile et les stéréotypes noirs . ^[105] David Reynolds a écrit que “Les femmes blanches sont élégantes, leurs hommes sont nobles ou au moins fringants. Et, en arrière-plan, les esclaves noirs sont pour la plupart dévoués et satisfaits, clairement incapables d’une existence indépendante.” Reynolds a comparé Autant en emporte le vent à La naissance d’une nation et à d’autres réinventions du Sud à l’ère de la ségrégation, dans laquelle les Sudistes blancs sont décrits comme défendant les valeurs traditionnelles, et la question de l’esclavage est largement ignorée. ^[66]Le film a été décrit comme une « régression » qui promeut à la fois le mythe du violeur noir et le rôle honorable et défensif du Ku Klux Klan lors de la Reconstruction, ^[106] et comme un film de « propagande sociale » proposant un « suprémaciste blanc » vision du passé. ^[105]

De 1972 à 1996, l’ Atlanta Historical Society a organisé un certain nombre d’ expositions Autant en emporte le vent , parmi lesquelles une exposition de 1994 intitulée “Territoires contestés: Autant en emporte le vent et mythes du sud”. L’une des questions explorées par l’exposition était “Dans quelle mesure les esclaves étaient-ils fidèles à la vie dans GWTW?” Cette section a montré que les expériences des esclaves étaient diverses et, par conséquent, elle a conclu que le “happy darky” était un mythe, tout comme la croyance que tous les esclaves subissaient la violence et la brutalité. ^[107]

W. Bryan Rommel Ruiz a fait valoir que malgré les inexactitudes factuelles dans sa description de la période de reconstruction, Autant en emporte le vent en reflète les interprétations contemporaines qui étaient courantes au début du XXe siècle. Un tel point de vue se reflète dans une brève scène dans laquelle Mammy repousse un affranchi lorgnant : on peut entendre un politicien offrir quarante acres et une mule aux esclaves émancipés en échange de leurs votes. L’inférence est interprétée comme signifiant que les affranchis sont ignorants de la politique et non préparés à la liberté, devenant involontairement les outils des responsables corrompus de la reconstruction. Tout en perpétuant une cause perduemythes, le film fait des concessions à l’égard des autres. Après l’attaque de Scarlett dans le bidonville, un groupe d’hommes, dont le mari de Scarlett, Frank, Rhett Butler et Ashley, attaque la ville; dans le roman, ils appartiennent au Ku Klux Klan, représentant le trope commun de la protection de la vertu de la femme blanche, mais les cinéastes neutralisent consciemment la présence du Klan dans le film en le qualifiant simplement de “réunion politique”. ^[108]

Thomas Cripps explique qu’à certains égards, le film sape les stéréotypes raciaux; ^[109] en particulier, le film a créé un plus grand engagement entre Hollywood et le public noir, ^[109] avec des dizaines de films faisant de petits gestes en reconnaissance de la tendance émergente. ^[64] Quelques semaines seulement après sa diffusion initiale, un rédacteur en chef de la Warner a écrit un mémorandum à Walter Wanger à propos de Mississippi Belle , un scénario qui contenait les pires excès des films de plantation, suggérant qu’Autant en emporte le vent avait rendu le film “improductible”. “. Plus que n’importe quel film depuis La naissance d’une nation, il a déclenché une variété de forces sociales qui préfiguraient une alliance de libéraux blancs et de Noirs qui ont encouragé l’espoir que les Noirs atteindraient un jour l’égalité. Selon Cripps, le film est finalement devenu un modèle pour mesurer le changement social. ^[64]

Réévaluation du 21e siècle

Au 21e siècle, la critique des représentations du film sur la race et l’esclavage a conduit à réduire sa disponibilité. En 2017, Autant en emporte le vent a été retiré du programme de l’ Orpheum Theatre de Memphis, Tennessee , après une série de projections annuelles de 34 ans. ^{[110] [111]} Le 9 juin 2020, le film a été retiré de HBO Max au milieu des manifestations de George Floyd ainsi qu’en réponse à un éditorial écrit par le scénariste John Ridley qui a été publié dans l’édition du jour du Los Angeles Fois, qui a appelé le service de streaming à supprimer temporairement le film de sa bibliothèque de contenu. Il a écrit que “cela continue de couvrir ceux qui prétendent à tort que s’accrocher à l’iconographie de l’ère des plantations est une question d'”héritage, pas de haine””. ^{[112] [113] [114]}Un porte-parole de HBO Max a déclaré que le film était “un produit de son temps” et par conséquent, il dépeignait “des préjugés ethniques et raciaux” qui “étaient faux alors et sont faux aujourd’hui”. Il a également été annoncé que le film reviendrait sur le service de streaming à une date ultérieure, bien qu’il incorporerait “une discussion sur son contexte historique et une dénonciation de ces mêmes représentations, mais sera présenté tel qu’il a été créé à l’origine, car faire autrement reviendrait à prétendre que ces préjugés n’ont jamais existé. Si nous voulons créer un avenir plus juste, équitable et inclusif, nous devons d’abord reconnaître et comprendre notre histoire. ^[115]

La suppression du film a déclenché un débat sur le politiquement correct allant trop loin, les critiques de cinéma et les historiens critiquant HBO comme se livrant à la censure . ^[116] Suite à son retrait, le film a atteint le sommet du tableau des ventes des meilleures ventes d’ Amazon pour la télévision et les films, et la cinquième place sur le tableau des films iTunes Store d’Apple . ^[117] HBO Max a rendu le film à son service plus tard ce mois-là, avec une nouvelle introduction de Jacqueline Stewart . ^[118] Stewart a décrit le film, dans un éditorial pour CNN, comme “un texte de choix pour examiner les expressions de la suprématie blanche dans la culture populaire”, et a déclaré que “c’est précisément à cause des schémas continus et douloureux d’injustice raciale et de mépris pour la vie des Noirs que Autant en emporte le vent devrait rester en circulation et rester disponible pour visionnement, analyse et discussion.” Elle a décrit la controverse comme “une opportunité de réfléchir à ce que les films classiques peuvent nous apprendre”. ^[119]

Lors d’un rassemblement politique en février 2020, le président Donald Trump a critiqué la 92e cérémonie des Oscars , déclarant qu’Autant en emporte le vent et Sunset Boulevard (1950) méritaient davantage le prix du meilleur film que le lauréat de cette année-là, le film sud-coréen Parasite . Ses commentaires ont suscité des commentaires de la part des critiques et une réaction violente de la part des experts de tout le spectre politique sur les réseaux sociaux . ^[120]

Représentation du viol conjugal

L’une des scènes les plus notoires et les plus largement condamnées d’ Autant en emporte le vent dépeint ce qui est désormais légalement défini comme un ” viol conjugal “. ^{[121] [122]} La scène commence avec Scarlett et Rhett au bas de l’escalier, où il commence à l’embrasser, refusant de se faire dire «non» par Scarlett en difficulté; ^{[123] [124]} Rhett surmonte sa résistance et la porte dans les escaliers jusqu’à la chambre, ^{[123] [124]} où le public ne doute pas qu’elle “obtiendra ce qui lui arrive”. ^[125] La scène suivante, le lendemain matin, montre Scarlett rayonnant d’une satisfaction sexuelle à peine réprimée; ^{[123] [124] [125]}Rhett s’excuse pour son comportement, le blâmant sur sa consommation d’alcool. ^[123] La scène a été accusée de combiner romance et viol en les rendant indiscernables l’un de l’autre, ^[123] et de renforcer une notion sur le sexe forcé : que les femmes en profitent secrètement, et c’est une façon acceptable pour un homme de traiter son épouse. ^[125]

La critique de cinéma Molly Haskell a fait valoir que, néanmoins, pour les femmes qui ne sont pas critiques de la scène, cela correspond dans l’ensemble à ce qu’elles ont en tête si elles fantasment sur le viol . Leurs fantasmes tournent autour de l’amour et de la romance plutôt que du sexe forcé; ils supposeront que Scarlett n’était pas un partenaire sexuel réticent et voulaient que Rhett prenne l’initiative et insiste pour avoir des rapports sexuels. ^[126]

Héritage

Premier archiviste des États-Unis RDW Connor recevant le film Autant en emporte le vent du sénateur Walter F. George de Géorgie (à gauche) et du directeur de la division Est de Loew, Carter Barron, 1941

Dans la culture populaire

Autant en emporte le vent et sa production ont été explicitement référencés, satirisés, dramatisés et analysés à de nombreuses reprises à travers une gamme de médias, des œuvres contemporaines telles que Second Fiddle – un film de 1939 usurpant la “recherche de Scarlett” – aux émissions de télévision actuelles, comme Les Simpson . ^{[105] [127] [128]} The Scarlett O’Hara War (une dramatisation télévisée de 1980 du casting de Scarlett), ^[129] Moonlight and Magnolias (une pièce de 2007 de Ron Hutchinson qui dramatise la réécriture de cinq jours de Ben Hecht du script), ^[130] et ” Went with the Wind! ” (un sketch sur The Carol Burnett Showqui a parodié le film à la suite de ses débuts à la télévision en 1976) sont parmi les exemples les plus remarquables de sa présence durable dans la culture populaire. ^[19] C’était aussi le sujet d’un documentaire de 1988, La Fabrication d’une Légende : Autant en emporte le Vent , détaillant l’histoire de production difficile du film. ^[131] En 1990, le service postal des États-Unis a émis un timbre représentant Clark Gable et Vivien Leigh s’embrassant dans une scène du film. ^[132] En 2003, Leigh et Gable (comme Scarlett et Rhett) ont été classés numéro 95 sur la liste de VH1 des “200 plus grandes icônes de la culture pop de tous les temps”. ^[133]

Suite

Suite à la publication de son roman, Margaret Mitchell a été inondée de demandes de suite mais elle a affirmé ne pas avoir une idée de ce qui était arrivé à Scarlett et Rhett, et en conséquence, elle les avait “laissés à leur destin ultime”. Jusqu’à sa mort en 1949, Mitchell a continué à résister à la pression d’écrire une suite de Selznick et MGM. En 1975, son frère, Stephens Mitchell (qui a pris le contrôle de sa succession), a autorisé une suite qui serait produite conjointement par MGM et Universal Studios avec un budget de 12 millions de dollars. Anne Edwards a été chargée d’écrire la suite sous la forme d’un roman qui serait ensuite adapté en scénario et publié conjointement avec la sortie du film. Edwards a soumis un manuscrit de 775 pages intituléTara, The Continuation of Gone with the Wind , se déroulant entre 1872 et 1882 et se concentrant sur le divorce de Scarlett avec Rhett; MGM n’était pas satisfait de l’histoire et l’affaire s’est effondrée. ^[19]

L’idée a été relancée dans les années 1990, lorsqu’une suite a finalement été produite en 1994, sous la forme d’une mini -série télévisée . Scarlett était basée sur le roman d’ Alexandra Ripley , lui-même une suite du livre de Mitchell. Les acteurs britanniques Joanne Whalley et Timothy Dalton ont été choisis pour Scarlett et Rhett, et la série suit le déménagement de Scarlett en Irlande après qu’elle soit à nouveau tombée enceinte de Rhett. ^[134]

Voir également

• Liste des films mettant en scène l’esclavage

Références

Notes d’explication

1. ↑ Loews était la société mère de MGM. ^[2]
2. ^ ^{a b} Le générique au début du film contient une erreur: George Reeves est répertorié “comme Brent Tarleton”, mais joue Stuart, tandis que Fred Crane est répertorié “comme Stuart Tarleton”, mais joue Brent. ^[1]
3. ↑ Extrait d’une lettre privée de la journaliste et conseillère technique sur le plateau Susan Myrick à Margaret Mitchell en février 1939 :
   

   George [Cukor] m’a finalement tout raconté. Il détestait beaucoup [quitter la production], a-t-il dit, mais il ne pouvait pas faire autrement. En effet, il a dit qu’il est un artisan honnête et qu’il ne peut pas faire un travail à moins qu’il sache que c’est un bon travail et qu’il sente que le travail actuel n’est pas bon. Pendant des jours, il m’a dit qu’il avait regardé les rushes et qu’il sentait qu’il échouait… la chose n’a pas cliqué comme il se doit. Peu à peu, il est devenu convaincu que le scénario était le problème… David [Selznick], lui-même, pense qu’IL écrit le scénario… Et George a continuellement pris le scénario au jour le jour, comparé la version [Oliver] Garrett-Selznick avec le [Sidney] Howard, a gémi et a essayé de changer certaines parties du script Howard. Mais il pouvait rarement faire grand-chose avec la scène… Alors George a juste dit à David qu’il ne travaillerait plus si le script n’était pas meilleur et qu’il voulait récupérer le script d’Howard. David a dit à George qu’il était un réalisateur – pas un auteur et il (David) était le producteur et le juge de ce qui est un bon scénario… George a dit qu’il était un réalisateur et un sacrément bon et qu’il ne laisserait pas son nom partir sur une photo moche … Et David à tête de taureau a dit “OK, sortez!”^[22]

   Selznick était déjà mécontent de Cukor (“un luxe très cher”) pour ne pas être plus réceptif à diriger d’autres missions de Selznick, même si Cukor était resté salarié depuis le début de 1937. Dans une note confidentielle écrite en septembre 1938, Selznick flirta avec le l’idée de le remplacer par Victor Fleming. ^[20] Louis B. Mayer avait tenté de faire remplacer Cukor par un directeur de la MGM depuis le début des négociations entre les deux studios en mai 1938. En décembre 1938, Selznick écrivit à sa femme au sujet d’un appel téléphonique qu’il avait eu avec Mayer : même conversation, ton père a tenté à nouveau de faire sortir George d’ Autant en emporte le vent .” ^[23]

4. ^ Time rapporte également que Hell’s Angels (1930) – réalisé par Howard Hughes – coûtait plus cher, mais cela s’est révélé plus tard incorrect; les comptes de Hell’s Angels montrent qu’il a coûté 2,8 millions de dollars, mais Hughes l’a annoncé comme coûtant 4 millions de dollars, le vendant aux médias comme le film le plus cher jamais réalisé jusqu’à présent. ^[29]

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Lectures complémentaires

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Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés à Autant en emporte le vent (film) .

Wikiquote a des citations liées à: Autant en emporte le vent (film)

• Autant en emporte le vent sur IMDb
• Autant en emporte le vent dans la base de données de films TCM
• Autant en emporte le vent au TCM Mediaroom
• Autant en emporte le vent chez Rotten Tomatoes
• William Hartsfield et Russell Bellman présentent leurs premiers films au Atlanta History Center .
• Production de l’ exposition Web Autant en emporte le vent au Harry Ransom Center
• Autant en emporte la série d’articles Wind à The Atlantic