Art-pop

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L’art pop (également composé sous le nom d’art-pop ou d’artpop ) est un style de musique pop vaguement défini [1] influencé par l’ intégration par le pop art de la haute et de la basse culture , et qui met l’accent sur la manipulation des signes , du style et du geste sur le personnel. expression. [6] [7] Les artistes de l’art pop peuvent s’inspirer des approches postmodernes ou des théories de l’art [6] ainsi que d’autres formes d’art, telles que la mode , les beaux-arts , le cinéma et la littérature d’avant-garde .[3] [8] Ils peuvent s’écarter des publics pop traditionnels etconventions de la musique rock , [9] explorant plutôt des idées telles que le statut de la pop en tant qu’art commercial , les notions d’artifice et de soi , et les questions d’ Authenticité historique .

Art-pop
Origines stylistiques
  • Pop [1]
  • pop-art [2] [3]
Origines culturelles Milieu des années 1960, Royaume-Uni et États-Unis
Formes dérivées
  • Post-punk [4]
  • synth-pop [4]
  • onde de vapeur [5]
Autres sujets
  • Art rock
  • industriel
  • liste des musiciens d’art pop
  • monde artistique
  • avant-pop
  • commercialisme
  • pop expérimentale
  • glam rock
  • basse culture
  • Nouveau Romantique
  • puissance pop
  • pop progressive

À partir du milieu des années 1960, des musiciens pop britanniques et américains tels que Brian Wilson , Phil Spector et les Beatles ont commencé à incorporer les idées du mouvement pop art dans leurs enregistrements. [1] Les musiciens d’art pop anglais se sont inspirés de leurs études à l’école d’art , [8] tandis qu’en Amérique, le style s’est inspiré de l’influence de l’artiste pop Andy Warhol et du groupe affilié le Velvet Underground , [10] et a également croisé le chanteur de musique folk -mouvement des auteurs-compositeurs . [1] Le style connaîtra son “âge d’or” dans les années 1970 parmides artistes glam rock tels que David Bowie et Roxy Music , qui ont embrassé la théâtralité et la culture pop jetable . [11]

Les traditions de l’art pop se poursuivront à la fin des années 1970 et 1980 à travers des styles tels que le post-punk et la Synthpop ainsi que la scène néo-romantique britannique, [4] [9] se développant davantage avec des artistes qui ont rejeté l’instrumentation et la structure rock conventionnelles en faveur de les styles de danse et le synthétiseur . [9] Les années 2010 ont vu se développer de nouvelles tendances art pop, telles que des artistes hip hop s’inspirant des arts visuels et des artistes vaporwave explorant les sensibilités du Capitalisme contemporain et d’Internet .

Les caractéristiques

L’art pop s’inspire de l’effondrement Postmoderne de la frontière culturelle haute/basse et explore les concepts d’artifice et de commerce. [12] [nb 1] Le style privilégie la manipulation des signes plutôt que l’expression personnelle, puisant dans une esthétique du quotidien et du jetable, à la différence de la tradition romantique et autonome incarnée par l’art rock ou le rock progressif . [13] [nb 2] Le Sociomusicologue Simon Frith a distingué l’appropriation de l’art dans la musique pop comme ayant une préoccupation particulière pour le style , le geste et l’utilisation ironique des époques historiques etgenres . [16] Au centre des fournisseurs particuliers du style se trouvaient les notions de soi en tant que travail de construction et d’artifice, [9] ainsi qu’une préoccupation pour l’invention de termes, d’images, de processus et d’affect. [17] Nick Coleman de The Independent a écrit : “L’art-pop est en partie une question d’attitude et de style ; mais il s’agit essentiellement d’art. C’est, si vous voulez, une façon de rendre le formalisme pur socialement acceptable dans un contexte pop. [18 ]

Le théoricien de la culture Mark Fisher a écrit que le développement de l’art pop a évolué à partir de la triangulation de la pop, de l’art et de la mode . [9] Frith déclare qu’il était “plus ou moins” directement inspiré du Pop art . [2] [3] [nb 3] Selon le critique Stephen Holden , l’art pop fait souvent référence à tout style pop qui aspire délibérément aux valeurs formelles de la musique classique et de la poésie, bien que ces œuvres soient souvent commercialisées par des intérêts commerciaux plutôt que par des intérêts culturels respectés. établissements. [1] Écrivains pour The Independent et le Financial Timesont noté les tentatives de la musique pop artistique pour éloigner son public du grand public. [20] [21] Robert Christgau a écrit dans The Village Voice en 1987 que l’art-pop résulte “lorsqu’une fascination pour l’artisanat monte en spirale jusqu’à ce qu’elle se transforme en une obsession esthéticiste.” [22]

Contexte culturel

Ce qui semble plus clair rétrospectivement … est une distinction entre la première vague de musiciens des écoles d’art, les joueurs de r & b provinciaux de Londres qui ont simplement repris l’ attitude bohème et l’ont emportée avec eux dans le rock progressif, et une deuxième génération, qui a appliqué théories de l’art à la création de musique pop

—Simon Frith, L’art dans la pop (1988) [23]

Les frontières entre l’art et la musique pop sont devenues de plus en plus floues tout au long de la seconde moitié du XXe siècle. [24] Dans les années 1960, des musiciens pop tels que John Lennon , Syd Barrett , Pete Townshend , Brian Eno et Bryan Ferry ont commencé à s’inspirer de leurs études d’art précédentes . [3] Frith déclare qu’en Grande- Bretagne , l’école d’art représentait “une voie d’évasion traditionnelle pour les brillants enfants de la classe ouvrière et un terreau fertile pour les jeunes groupes comme les Beatles et au-delà”. [12] En Amérique du Nord, l’art pop a été influencé par Bob Dylanet la Beat Generation , et est devenu plus littéraire grâce au mouvement des auteurs-compositeurs-interprètes de la musique folk . [1] Avant que le rock progressif/art ne devienne le son britannique le plus réussi commercialement au début des années 1970, le mouvement psychédélique des années 1960 a réuni l’art et le commercialisme, abordant la question de ce que signifiait être un « artiste » dans un média de masse. [25] Les musiciens progressistes pensaient que le statut artistique dépendait de l’autonomie personnelle, et donc la stratégie des groupes de rock “progressifs” était de se présenter comme des interprètes et des compositeurs “au-dessus” de la pratique pop normale. [26]

Performance multimédia de Exploding Plastic Inevitable de Warhol avec Nico (à droite), 1966.

Une autre influence principale sur le développement de l’art pop a été le mouvement Pop art. [1] Le terme “pop art”, d’abord inventé pour décrire la valeur esthétique des biens produits en série, était directement applicable au phénomène contemporain du rock and roll (y compris Elvis Presley , une des premières icônes du Pop art). [27] Selon Frith : “[Le pop art] s’est avéré marquer la fin du romantisme, être un art sans artistes. Le rock progressif était le dernier pari des bohémiens … Dans ce contexte, le théoricien clé du pop art n’était pas [ Richard] Hamilton ou n’importe lequel des autres artistes britanniques qui, malgré tout leur intérêt pour le marché de masse, n’en sont restés que des admirateurs académiques, mais Andy Warhol. Pour Warhol, la question importante n’était pas les mérites relatifs de l’art « élevé » et « bas » mais la relation entre tout l’art et le « commerce ». » [28] Le groupe de Warhol, le Velvet Underground , était un groupe américain qui imitait l’art de Warhol / synthèse pop, faisant écho à son emphase sur la simplicité, et pionnier d’une approche moderniste avant-gardiste de l’art rock qui ignorait les hiérarchies conventionnelles de la représentation artistique [29] [nb 4].

1960 : Origines

Les Beach Boys – “Bonnes vibrations” (1966) ( 0 : 21 ) 0:22 « Good Vibrations » est une « majesté » de l’art pop selon la description du critique Ed Masley. À sa sortie, il est devenu le single le plus vendu du groupe. [31]

Les Beatles – “Strawberry Fields Forever” (1967) ( 0 : 19 ) 0:19 Le journaliste Peter Doggett a également qualifié ” Strawberry Fields Forever ” d’ art pop , notant sa tentative “d’exclure consciemment … le grand public”. [21]

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Holden retrace les origines de l’art pop au milieu des années 1960, lorsque des producteurs tels que Phil Spector et des musiciens tels que Brian Wilson des Beach Boys ont commencé à incorporer des textures pseudo-symphoniques à leurs enregistrements pop, ainsi qu’aux premiers enregistrements des Beatles avec un quatuor à cordes. [1] [nb 5] Selon les mots de l’auteur Matthew Bannister, Wilson et Spector étaient tous deux connus comme “des obsédés de studio érémitiques … [qui] s’absentaient habituellement de leur propre travail”, et comme Warhol, Spector n’existait “pas comme présence, mais comme un principe de contrôle ou d’organisation derrière et sous les surfaces des médias. Tous deux des artistes commerciaux à succès, et à la fois absents et présents dans leurs propres créations. [35]

L’écrivain Erik Davis a qualifié l’art pop de Wilson d’”unique dans l’histoire de la musique”, [36] tandis que le collaborateur Van Dyke Parks l’a comparé au travail contemporain de Warhol et de l’artiste Roy Lichtenstein , citant sa capacité à élever le matériel commun ou rebattu au niveau de “haut de l’art”. [37] [nb 6] Dans son livre de 2004 Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Their Maverick Recordings , David Howard attribue au single ” Good Vibrations ” des Beach Boys de 1966 le lancement du “moment bref et brillant [quand] la pop et l’art sont venus ensemble comme d’improbables compagnons de lit commerciaux.” [41]

Dans un mouvement qui a été indiqué par les Beatles, les Beach Boys, Phil Spector et Frank Zappa , [42] le format dominant de la musique pop est passé des singles aux albums , et de nombreux groupes de rock ont ​​créé des œuvres qui aspiraient à faire de grandes déclarations artistiques, où fleurirait l’art rock. [1] Le musicologue Ian Inglis écrit que la pochette de l’album de 1967 des Beatles Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band était “perçu comme largement responsable des liens entre l’art et la pop à rendre explicites”. [43] Bien que le sergent. Poivronsa été précédé de plusieurs albums qui avaient commencé à faire le pont entre la pop “jetable” et le rock “sérieux”, il a réussi à donner une voix “commerciale” établie à une culture alternative de la jeunesse. [44] L’auteur Michael Johnson a écrit que la musique pop d’art continuerait d’exister après les Beatles, mais sans jamais atteindre leur niveau de succès populaire. [33] [n° 7]

The Who a été étiqueté “le premier groupe de pop art” par leur manager, tandis que le membre Pete Townshend explique : “Nous défendons les vêtements pop art, la musique pop art et le comportement pop art… nous ne changeons pas dans les coulisses ; nous vivons le pop art .” [46] Frith considère leur album The Who Sell Out (décembre 1967) “peut-être le chef-d’œuvre pop art pop”, les Who utilisant la “vitalité” du commerce lui-même, une tactique reprise par Roy Wood ‘s the Move et, plus tard, Kevin Godley et Lol Creme de 10cc . [46]Les idées de Townshend étaient remarquables pour leur accent sur le commercialisme : “[son] utilisation de la rhétorique du pop art … ne faisait pas référence à la création musicale en tant que telle – à la question de l’expression de soi – mais à la création musicale commerciale, aux problèmes d’emballage , la vente et la publicité, aux problèmes de popularité et de célébrité.” [46] Dans une interview de mai 1967, Townshend a inventé le terme « power pop » pour décrire la musique des Who, des Small Faces et des Beach Boys. La power pop s’est ensuite développée comme un genre connu pour sa reconfiguration des tropes des années 1960. Le journaliste musical Paul Lester a fait valoir que cette composante pourrait ratifier la power pop comme l’un des premiers Genres musicaux postmodernes. [47]

Années 1970 : scène new-yorkaise et glam

David Bowie , 1974

Le journaliste musical Paul Lester situe “l’âge d’or de l’art-pop adroit et intelligent” à l’époque où les groupes 10cc , Roxy Music et Sparks “mélangaient et associaient différents Genres et époques, bien avant que le terme” Postmoderne “n’existe dans le domaine de la pop. .” [11] L’effet du Velvet Underground a donné aux musiciens de rock comme Iggy Pop des Stooges une conscience de soi à propos de leur travail. Iggy a été inspiré pour transformer sa personnalité en un objet d’art, qui influencerait à son tour le chanteur David Bowie , et a conduit les Stooges à jouer le rôle du groupe reliant le hard rock des années 1960 au punk des années 1970 .[10] Au cours des années 1970, une communauté d’art/pop pareillement timide (que Frith appelle “la plus significative” de la période) a commencé à fusionner dans le Mercer Arts Center à New York. L’école a encouragé la poursuite des types de collaboration entre le grand art et le petit art autrefois illustrés par la Factory, comme l’a expliqué le batteur Jerry Harrison (plus tard de Talking Heads ) : « cela a commencé avec le Velvet Underground et toutes les choses qui ont été identifiées avec Andy Warhol.” [10] [n° 8]

Bryan Ferry et Brian Eno dans les années 1970

La scène glam rock du début des années 1970 puisera à nouveau largement dans la sensibilité des écoles d’art. [12] Inspiré en partie par l’utilisation par les Beatles d’alter ego sur le Sgt. Pepper’s , [48] glam a mis l’accent sur les costumes extravagants, les performances théâtrales et les allusions aux phénomènes de la culture pop jetable , devenant l’un des phénomènes les plus délibérément visuels à émerger dans la musique rock. [49] Certains de ses artistes, comme Bowie, Roxy Music et l’ancien membre du Velvet Underground Lou Reed , poursuivraient les pratiques associées à la branche avant-gardiste moderniste de l’art rock. [14] [n° 9]

Bowie, ancien étudiant en école d’art et peintre, [12] a fait de la présentation visuelle un aspect central de son travail, [52] dérivant son concept d’art pop du travail et des attitudes de Warhol et du Velvet Underground. [53] Roxy Music est décrit par Frith comme “l’archétype du groupe d’art pop”. [12] Le chanteur Bryan Ferry a incorporé l’influence de son mentor, le pionnier du pop art Richard Hamilton [49] [54] tandis que le joueur de synthétiseur Brian Eno s’est inspiré de son étude de la cybernétique et de l’art sous la direction du théoricien Roy Ascott . [55] [n° 10]Frith postule que Ferry et Bowie restent “les influences les plus importantes de la pop britannique”, écrivant qu’ils étaient tous deux préoccupés par la “pop en tant qu’art commercial”, et ensemble ont fait du glam rock une forme d’art à prendre au sérieux, contrairement à d’autres actes de “camp”. comme Gary Glitter . Ce rock progressif a redéfini et a revitalisé l’idée de l’artiste romantique en termes de renommée médiatique. [57] Selon Armond White, l’engagement de Roxy Music avec les pratiques du pop art “a effectivement montré que la frivolité superficielle et le plaisir profond de la pop étaient des poursuites légitimes et impérieuses”. [17] Après avoir quitté Roxy Music en 1973, Eno explorera davantage les styles d’art pop sur une série d’albums solo expérimentaux.Pendant le reste de la décennie, il a développé les arguments de Warhol dans une direction différente de celle de ses contemporains et a collaboré avec un large éventail de musiciens populaires de l’époque. [57]

Années 1970-80 : développements post-punk

Le théoricien culturel Mark Fisher a caractérisé une variété de développements musicaux à la fin des années 1970, y compris le post-punk, la Synthpop , et en particulier le travail du groupe électronique allemand Kraftwerk , [60] comme situés dans les traditions de l’art pop. [4] Il déclare que le style d’art pop anglais de Bowie et Roxy Music “a culminé” avec la musique du groupe britannique Japan . [8] The Quietus a caractérisé l’album japonais de 1979 Quiet Life comme définissant “une forme très européenne d’art-pop détachée, sexuellement ambiguë et réfléchie” similaire à celle explorée par Bowie sur Low en 1977 . [61]Brian Eno et John Cale joueront un rôle crucial dans la carrière de Bowie, Talking Heads et de nombreux disques punk et post-punk clés. [57] Suite à l’amateurisme du Mouvement punk , l’ère post-punk a vu un retour à la tradition des écoles d’art jusqu’alors incarnée par le travail de Bowie et Roxy Music, [62] [4] avec des artistes puisant leurs idées dans la littérature , l’art , le cinéma , et la théorie critique dans les contextes culturels musicaux et pop tout en refusant la distinction commune entre le grand art et la basse culture. [63] [64] [nb 12] Un accent sur le multimédiala performance et les arts visuels sont devenus courants. [64]

Fisher a caractérisé des artistes ultérieurs tels que Grace Jones , les groupes New Romantic des années 1980 et Róisín Murphy comme faisant partie d’une lignée d’art pop. [9] Il a noté que le développement de l’art pop impliquait le rejet de l’instrumentation et de la structure rock conventionnelles en faveur des styles de danse et du synthétiseur . [9] Le Quietus nomme l’acte néo-romantique anglais Duran Duran , qui a été influencé de manière formative par le travail du Japon, Kraftwerk et David Bowie, comme “l’art pionnier pop jusqu’au niveau de l’arène”, développant le style en “un baroque, romantique échapper.” [61] CritiqueSimon Reynolds a surnommé la chanteuse anglaise Kate Bush “la reine de l’art-pop”, citant sa fusion du glamour, du conceptualisme et de l’innovation sans abandonner le succès pop commercial à la fin des années 1970 et 1980. [68] Selon The Concordian , ” Running Up That Hill ” était parmi les œuvres les plus distinctives et les plus révolutionnaires de l’art pop des années 1980, contenant des ” rythmes de batterie dardés ” et la ” voix obstinée ” de Bush. [67]

Années 1990 à aujourd’hui

Björk se produisant en 2003 au Hurricane Festival.

La chanteuse islandaise Björk était une éminente pourvoyeuse d’art pop [69] pour son intégration à grande échelle de formes disparates d’art et de culture populaire. [70] Au cours des années 1990, elle est devenue l’artiste la plus réussie commercialement de l’art pop. [71] Discutant de Björk en 2015, Jason Farago de The Guardian a écrit : « Les 30 dernières années de l’histoire de l’art sont en grande partie une histoire d’entreprises collaboratives, de frontières effondrées entre le grand art et le bas, et de la fin des divisions entre les médias Peu de personnalités culturelles ont rendu les distinctions aussi dénuées de sens que le chanteur islandais qui a combiné trip hop et 12 tons, et qui a apporté l’avant-garde à MTV juste avant que ces deux choses ne disparaissent.” [72]

Le Yeezus Tour de West a été décrit par Forbes comme “le phénomène culturel de masse actuel mieux décrit comme” artpop “.” [73]

Selon Barry Walters de NPR , le groupe de rap des années 1990 PM Dawn a développé un style “d’art-pop kaléidoscopique” qui a été initialement rejeté par les fans de hip hop comme “trop ​​​​doux, ruminatif et de grande envergure”, mais qui finirait par ouvrir la voie au travail. d’artistes comme Drake et Kanye West . [74] En 2013, Spin a noté une “nouvelle ère art-pop” dans la musique contemporaine, dirigée par West, dans laquelle les musiciens s’inspirent de L’art visuel en tant que signifiant de richesse et d’extravagance ainsi que d’exploration créative. [75] Fact étiquette l’album 2008 de West 808s & Heartbreakcomme un “chef-d’œuvre art-pop” qui aurait une influence substantielle sur la musique hip hop ultérieure, élargissant le style au-delà de son accent contemporain sur l’auto-glorification et la bravade. [76] Jon Caramanica du New York Times a décrit les œuvres “provoquant la réflexion et à grande échelle” de West comme ayant “élargi les portes du [hip hop], que ce soit pour les valeurs de la classe moyenne ou les rêves de haute couture et de grand art. ” [77]

Les artistes féminines contemporaines qui « fusionnent glamour, conceptualisme, innovation et autonomie », telles que Grimes , Julia Holter et FKA twigs , sont fréquemment décrites comme travaillant dans la tradition de Kate Bush. [68] Grimes est décrit par la Gazette de Montréal comme « un phénomène art-pop » et fait partie d’une « longue tradition de fascination pour la pop star en tant qu’œuvre d’art en cours », avec une attention particulière portée au rôle d’ Internet et des plateformes numériques dans son succès. [78]

Dans une pièce de 2012 pour Dummy , le critique Adam Harper a décrit un zeitgeist accélérationniste dans l’art-pop contemporain caractérisé par un engagement ambigu avec des éléments du Capitalisme contemporain. [5] Il mentionne le genre vaporwave basé sur Internet comme composé de musiciens art-pop underground comme James Ferraro et Daniel Lopatin [79] [80] “explorant les frontières technologiques et commerciales des sensibilités artistiques les plus sombres de l’hyper-capitalisme du 21e siècle”. [5] Les artistes associés à la scène peuvent publier de la musique via des pseudonymes en ligne tout en s’appuyant sur des idées de virtualité et des sources synthétiques des années 1990 telles que des entreprises.musique d’ambiance , musique lounge et muzak . [5]

Liste des artistes Remarques

  1. ^ “Si le postmodernisme signifie une rupture des frontières culturelles hautes / basses, cela signifie aussi la fin de ce mythe historique – où les musiciens art-pop entrent en jeu, compliquant les lectures sociologiques de ce que signifie la musique, mettant en jeu leurs propres récits de authenticité et artifice.” [7]
  2. ↑ Historiquement, « art rock » a été utilisé pour décrire au moins deux types de musique rock apparentés, mais distincts. [14] Le premier est le rock progressif, tandis que le second fait référence à des groupes qui ont rejeté le psychédélisme et la contre-culture hippie au profit d’une approche moderniste et avant-gardiste définie par le Velvet Underground . [14] Dans la musique rock des années 1970, le descripteur “art” était généralement compris comme signifiant “agressivement avant-gardiste” ou “prétentieusement progressiste”. [15]
  3. ↑ Le musicologue Allan Moore suppose que le terme « musique pop » lui-même peut provenir du Pop art. [19]
  4. ^ Lorsque le Velvet Underground est apparu pour la première fois au milieu des années 1960, ils ont été rejetés et ont été généralement rejetés comme un groupe “fag”. [30]
  5. ^ Grâce à leur travail influent, Wilson et le producteur des Beatles, George Martin , ont répandu l’idée du studio d’enregistrement en tant qu’environnement créatif pouvant aider au processus d’écriture de chansons. [32] L’auteur Michael Johnson crédite les Beach Boys’ Pet Sounds (1966) et le Beatles’ Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967) comme la première “ascension” documentée du rock and roll. [33] Spector a également été crédité par le journaliste Richard Williams d’avoir transformé la musique rock en tant qu’art du spectacle en un art qui ne pouvait exister que dans le studio d’enregistrement, ce qui “a ouvert la voie à l’art rock “. [34]
  6. ↑ Les Beach Boys étaient virtuellement déconnectés de l’avant-garde culturelle, selon le biographe Peter Ames Carlin , qui a conclu qu’à l’exception peut-être de Wilson, ils « n’avaient [pas] montré beaucoup d’intérêt perceptible pour ce que vous pourriez appeler le monde de des idées.” [38] Smile inédit de Wilson, conçu et enregistré en 1966-1967, a été décrit comme une tentative de créer “le grand album pop art” [39] et la “prééminente déclaration pop art psychédélique” de l’époque. [40]
  7. ↑ Frith a comparé la conception élaborée de l’album à “la lecture de la presse underground… [une compétence qui] a toujours été construite autour d’un sentiment de différence par rapport au public pop de masse. L’art rock était “supérieur” à tous les niveaux. … les philistins devaient être tenus à l’écart.” Il note également que Zappa a ciblé la question du commercialisme pop avec la couverture dealbum de 1968 des Mothers of Invention , We’re Only in It for the Money , qui parodiait la couverture de Sgt. Celle du poivre . [45]
  8. ^ Parmi les autres étudiants du centre figuraient Laurie Anderson , Alan Vega de Suicide et Chris Stein de Blondie . [dix]
  9. ↑ L’érudit Philip Auslander a noté un modèle avec des artistes qui ont irrévérencieusement pillé des styles de musique plus anciens, tels que Brill Building et Spector’s Wall of Sound . [50] Le producteur Tony Visconti se souvient qu’en 1970, lui, Bowie et Marc Bolan de T. Rex “se défonçaient et écoutaient les albums des Beach Boys et les albums de Phil Spector – nous avions tous cela en commun, que nous aimions la plage Garçons.” [51]
  10. ↑ Les premières influences musicales d’Eno étaient des idées de l’avant-garde classique, commel’indétermination de John Cage , le minimalisme de La Monte Young et le Velvet Underground, en particulier John Cale du groupe. [56]
  11. ^ Le travail d’Eno dans les années 1970 est cité par le musicologue Leigh Landy comme un exemple archétypal d’un musicien pop qui “a appliqué les développements du secteur expérimental tout en créant son propre secteur pop expérimental “. [59]
  12. ^ Parmi les influences majeures sur une variété d’artistes post-punk, il y avaitromanciers postmodernes tels que William S. Burroughs et JG Ballard et des mouvements politiques d’avant-garde tels que le situationnisme et Dada . [65] De plus, dans certains endroits, la création de musique post-punk était étroitement liée au développement de sous- cultures efficaces, qui jouaient un rôle important dans la production d’art, deperformances multimédias , de fanzines .liés à la musique. Simon Reynolds notait : « Au-delà des musiciens, il y avait tout un groupe de catalyseurs et de guerriers de la culture, de facilitateurs et d’idéologues qui ont lancé des labels, géré des groupes, sont devenus des producteurs innovants, ont publié des fanzines, ont dirigé des magasins de disques hipster, ont promu des concerts et organisé des festivals. [66]

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Lectures complémentaires

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