Art Nouveau

L’Art Nouveau ( / ˌ ɑː r t n uː ˈ v oʊ , ˌ ɑː r / ; français : [aʁ nuvo] ) est un style international d’art, d’architecture et d’art appliqué , en particulier les arts décoratifs , connu dans différentes langues par différents noms : Jugendstil en allemand, Stile Liberty en italien, Modernisme català en catalan, etc. En anglais, il est également connu sous le nom de Modern Style . Le style était le plus populaire entre 1890 et 1910 au cours de laPériode Belle Époque qui s’est terminée avec le début de la Première Guerre mondiale en 1914. ^[1] C’était une réaction contre l’ art académique , l’ éclectisme et l’historicisme de l’architecture et de la décoration du XIXe siècle. Il s’inspire souvent de formes naturelles telles que les courbes sinueuses des plantes et des fleurs. ^[2] D’autres caractéristiques de l’Art nouveau étaient un sens du dynamisme et du mouvement, souvent donnés par des lignes d’asymétrie ou de coup de fouet , et l’utilisation de matériaux modernes, en particulier le fer, le verre, la céramique et plus tard le béton, pour créer des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts. ^[3]

Art Nouveau

Dans le sens des aiguilles d’une montre à partir du haut à gauche : station de métro parisienne Abbesses , par Hector Guimard (1900) ; Lithographie d’ Alphonse Mucha (1898) ; Armoire murale par Louis Majorelle ; Intérieur de l’ Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893) ; Lampe de Louis Comfort Tiffany (1900-1910).
Années actives	c. 1883–1914
Pays	L’occident

L’un des principaux objectifs de l’Art nouveau était de briser la distinction traditionnelle entre les beaux-arts (en particulier la peinture et la sculpture) et les arts appliqués. Il était le plus largement utilisé dans la décoration d’intérieur, les arts graphiques, le mobilier, l’art du verre, les textiles, la céramique, la joaillerie et le travail du métal. Le style a répondu aux principaux théoriciens du XIXe siècle, tels que l’architecte français Eugène-Emmanuel Viollet-le-Duc (1814-1879) et le critique d’art britannique John Ruskin (1819-1900). En Grande-Bretagne, il a été influencé par William Morris et le mouvement Arts and Crafts . Les architectes et designers allemands recherchaient un Gesamtkunstwerk spirituellement édifiant(«œuvre d’art totale») qui unifierait l’architecture, le mobilier et l’art à l’intérieur dans un style commun, pour élever et inspirer les résidents. ^[3]

Les premières maisons et décorations intérieures Art nouveau apparaissent à Bruxelles dans les années 1890, dans l’architecture et l’aménagement intérieur des maisons conçues par Paul Hankar , Henry van de Velde , et surtout Victor Horta , dont l’ Hôtel Tassel est achevé en 1893. ^{[4] [ 5] [6]} Il a déménagé rapidement à Paris, où il a été adapté par Hector Guimard , qui a vu le travail de Horta à Bruxelles et a appliqué le style pour les entrées du nouveau métro parisien . Il a atteint son apogée à l’ Exposition internationale de Paris de 1900 , qui a présenté le travail Art nouveau d’artistes tels que Louis Tiffany .. Il apparaît dans les arts graphiques dans les affiches d’ Alphonse Mucha , et la verrerie de René Lalique et Émile Gallé .

De Belgique et de France, il s’est répandu dans le reste de l’Europe, prenant des noms et des caractéristiques différents dans chaque pays (voir la section Dénomination ci- dessous). Il apparaît souvent non seulement dans les capitales, mais aussi dans les villes en plein essor qui veulent asseoir des identités artistiques ( Turin et Palerme en Italie ; Glasgow en Ecosse ; Munich et Darmstadt en Allemagne), ainsi que dans les foyers des mouvements indépendantistes ( Helsinki en Finlande , alors partie de l’Empire russe ; Barcelone en Catalogne , Espagne).

Vers 1914, et avec le début de la Première Guerre mondiale , l’Art nouveau est largement épuisé. Dans les années 1920, il a été remplacé comme style d’art architectural et décoratif dominant par l’Art Déco puis le Modernisme . ^[7] Le style Art nouveau a commencé à recevoir une attention plus positive de la part des critiques à la fin des années 1960, avec une grande exposition de l’œuvre d’ Hector Guimard au Musée d’art moderne en 1970. ^[8]

Appellation

Le terme Art nouveau a été utilisé pour la première fois dans les années 1880 dans la revue belge L’Art Moderne pour décrire l’œuvre des Vingt , vingt peintres et sculpteurs en quête de réforme par l’art. Le nom a été popularisé par la Maison de l’Art Nouveau (“Maison de l’Art Nouveau”), une galerie d’art ouverte à Paris en 1895 par le marchand d’art franco-allemand Siegfried Bing . En Grande-Bretagne, le terme français Art nouveau était couramment utilisé, tandis qu’en France, il était souvent appelé par le terme Style moderne (semblable au terme britannique Modern Style ), ou Style 1900 . ^[9] En France, on l’appelait aussi parfoisStyle Jules Verne (d’après le romancier Jules Verne ), Style Métro (d’aprèsde métro en fer et en verre d’ Hector Guimard ), Art Belle Époque , ou encore Art fin de siècle . ^[dix]

L’Art nouveau est lié, mais pas identique, aux styles qui ont émergé dans de nombreux pays d’Europe à peu près à la même époque. Leurs noms locaux étaient souvent utilisés dans leurs pays respectifs pour décrire l’ensemble du mouvement.

• En Belgique, il était parfois appelé Style coup de fouet (“style Whiplash”), Paling Stijl (“style anguille”) ou Style nouille (“style nouille”) par ses détracteurs. ^[dix]
• En Grande- Bretagne , outre l’Art nouveau, il était connu sous le nom de style moderne ou, à cause des œuvres de l’école de Glasgow , sous le nom de style Glasgow . Le terme Modern est également utilisé en Azerbaïdjan , au Kazakhstan , en Russie et en Ukraine , et Modernas en Lituanie .
• En Allemagne et en Scandinavie, il s’appelait Reformstil (“style réformé”), ou Jugendstil (“style jeunesse”), d’après le célèbre magazine d’art allemand de ce nom, ^[10] ainsi que Wellenstil (“style vague”), ou Lilienstil (“style Lys”). ^[9] Il s’appelle maintenant Jugend en Finlande, en Suède et en Norvège, Juugend en Estonie et Jūgendstils en Lettonie .
• Au Danemark, il est connu sous le nom de Skønvirke (“Œuvre de beauté”).
• En Autriche et dans les pays voisins faisant alors partie de l’ Empire austro-hongrois , Wiener Jugendstil , ou Secessionsstil (“style Sécession”), d’après les artistes de la Sécession viennoise ( hongrois : szecesszió , tchèque : secese , slovaque : secesia , polonais : secesja ).
• En Italie, on l’appelait souvent le style Liberty , du nom d’ Arthur Lasenby Liberty , le fondateur de Liberty & Co à Londres , dont les créations textiles étaient populaires. On l’appelait aussi parfois Stile floreale («style floral») ou Arte nuova («nouvel art»). ^[dix]
• Aux États-Unis, en raison de son association avec Louis Comfort Tiffany , on l’appelait parfois le “style Tiffany”. ^{[3] [11] [9] [12]}
• Aux Pays-Bas, il s’appelait Nieuwe Kunst (“New Art”), ou Nieuwe Stijl (“New style”). ^{[11] [9]}
• Au Portugal, Arte nova .
• En Espagne, Modernismo , Modernisme (en catalan) et Arte joven (“Jeune Art”).
• En Suisse, Style Sapin (“style sapin”). ^[9]
• En Finlande, le style Kalevala .
• En Russie, Модерн (“Moderne”) ou, pour la peinture, Мир Искусства ( Mir Iskusstva , “Monde de l’Art”).
• Au Japon, Shiro-Uma . ^[13]
• En Roumanie , Arta 1900 (“Art 1900”), Arta Nouă (“Art nouveau”) ou Noul Stil (“Nouveau style”). ^[14]

Histoire

Origines

• La Maison Rouge de William Morris et Philip Webb (1859)

• Gravure sur bois japonaise par Utagawa Kunisada (années 1850)

• La salle du paon de James McNeill Whistler (1876–1877)

• Motif textile imprimé de William Morris (1883)

• Conception de papier peint cygne, jonc et iris par Walter Crane (1883)

• Chaise conçue par Arthur Mackmurdo (1882-1883)

Le nouveau mouvement artistique a ses racines en Grande-Bretagne, dans les motifs floraux de William Morris et dans le mouvement Arts and Crafts fondé par les élèves de Morris. Les premiers prototypes du style incluent la Red House avec des intérieurs de Morris et une architecture de Philip Webb (1859), et la somptueuse Peacock Room de James Abbott McNeill Whistler . Le nouveau mouvement est également fortement influencé par les peintres préraphaélites , dont Dante Gabriel Rossetti et Edward Burne-Jones , et surtout par les graphistes britanniques des années 1880, dont Selwyn Image , Heywood Sumner ., Walter Crane , Alfred Gilbert , et surtout Aubrey Beardsley . ^[15] La chaise conçue par Arthur Mackmurdo a été reconnue comme un précurseur du design Art nouveau. ^[16]

En France, il a été influencé par le théoricien et historien de l’architecture Eugène Viollet-le-Duc , ennemi déclaré du style architectural historique des Beaux-Arts , dont les théories sur le rationalisme sont issues de son étude de l’art médiéval :

• La fonction doit définir la forme. ^[17]
• Unité des arts et abolition de toute distinction entre art majeur (architecture) et arts mineurs (arts décoratifs). ^[18]
• La logique de la nature est le modèle à utiliser pour l’architecture. ^[19]
• L’architecture doit s’adapter à l’environnement et aux besoins de l’homme.
• Utilisation de technologies et de matériaux modernes. ^[20]

Viollet-le-Duc est lui-même un précurseur de l’Art nouveau : en 1851, à Notre-Dame de Paris , il réalise une série de peintures murales typiques du style. ^[21] Ces peintures ont été supprimées en 1945 car jugées non académiques. Au Château de Roquetaillade dans le Bordelais , ses décorations intérieures datant de 1865 anticipent également l’Art nouveau. Dans son livre Entretiens sur l’architecture de 1872 , il écrit : « Utiliser les moyens et les connaissances que nous donne notre temps, sans les traditions intervenantes qui ne sont plus viables aujourd’hui, et ainsi inaugurer une nouvelle architecture. Pour chaque fonction sa matière ; à chaque matière sa forme et son ornement. » ^[22]Ce livre a influencé une génération d’architectes, dont Louis Sullivan , Victor Horta , Hector Guimard et Antoni Gaudí . ^[23]

Les peintres français Maurice Denis , Pierre Bonnard et Édouard Vuillard ont joué un rôle important dans l’intégration de la peinture des beaux-arts à la décoration. “Je crois qu’avant tout un tableau doit décorer”, écrivait Denis en 1891. “Le choix des sujets ou des scènes n’est rien. C’est par la valeur des tons, la surface colorée et l’harmonie des lignes que je peux atteindre l’esprit et réveiller les émotions.” ^[24] Ces peintres ont tous fait à la fois de la peinture traditionnelle et de la peinture décorative sur écrans, sur verre et sur d’autres supports. ^[25]

Une autre influence importante sur le nouveau style était le japonisme . Ce fut une vague d’enthousiasme pour l’impression japonaise sur bois , en particulier les œuvres de Hiroshige , Hokusai et Utagawa Kunisada , qui furent importées en Europe à partir des années 1870. L’entreprenant Siegfried Bing fonde une revue mensuelle, Le Japon artistique en 1888, et publie trente-six numéros avant de se terminer en 1891. Il influence à la fois les collectionneurs et les artistes, dont Gustav Klimt . Les traits stylisés des estampes japonaises sont apparus dans les graphiques, la porcelaine, les bijoux et les meubles Art nouveau. Depuis le début de 1860, un Extrême-Orientinfluence soudain manifestée. En 1862, les amateurs d’art de Londres ou de Paris pouvaient acheter des œuvres d’art japonaises , car cette année-là, le Japon apparaissait pour la première fois comme exposant à l’ Exposition internationale de Londres. Toujours en 1862, à Paris, le magasin La Porte Chinoise , rue de Rivoli , est ouvert, où sont vendus des ukiyo-e japonais et d’autres objets d’Extrême-Orient. En 1867, les exemples d’ornements chinois par Owen Jones sont apparus, et en 1870 Art et industries au Japon par R. Alcock, et deux ans plus tard, OH Moser et TW Cutler ont publié des livres sur l’art japonais. Certains artistes Art nouveau, comme Victor Horta, possédait une collection d’art extrême-oriental, notamment japonais. ^[13]

Les nouvelles technologies d’impression et d’édition ont permis à l’Art nouveau d’atteindre rapidement un public mondial. Les revues d’art, illustrées de photographies et de lithographies en couleurs , ont joué un rôle essentiel dans la vulgarisation du nouveau style. Le Studio en Angleterre, Arts et idées et Art et décoration en France, et Jugend en Allemagne permettent au style de se répandre rapidement aux quatre coins de l’Europe. Aubrey Beardsley en Angleterre, et Eugène Grasset , Henri de Toulouse-Lautrec et Félix Vallotton ont acquis une reconnaissance internationale en tant qu’illustrateurs. ^[26] Avec les affiches de Jules Chéretpour la danseuse Loie Fuller en 1893, et par Alphonse Mucha pour l’actrice Sarah Bernhardt en 1895, l’affiche est devenue non seulement une publicité, mais une forme d’art. Sarah Bernhardt a mis de côté un grand nombre de ses affiches pour les vendre aux collectionneurs. ^[27]

Développement – ​​Bruxelles (1893–1898)

• Maison Hankar de Paul Hankar (1893)

• Façade de l’ hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893)

• Escalier de l’Hôtel Tassel

• Maison Bloemenwerf par Henry van de Velde (1895)

• Chaise Bloemenwerf réalisée par Van de Velde pour sa résidence (1895)

• Affiche pour l’ Exposition internationale par Henri Privat-Livemont (1897)

Les premiers hôtels particuliers Art Nouveau, la Maison Hankar de Paul Hankar (1893) et l’ Hôtel Tassel de Victor Horta (1892-1893), ^{[4] [5]} ont été construits presque simultanément à Bruxelles . Hankar s’est notamment inspiré des théories de l’architecte français Eugène Viollet-le-Duc . Dans le but de créer une synthèse des beaux-arts et des arts décoratifs, il fait appel à Adolphe Crespin [ fr ] et Albert Ciamberlani [ fr ] pour décorer l’intérieur et l’extérieur de sgraffites ., ou des peintures murales. Hankar a décoré magasins, restaurants et galeries dans ce qu’un critique local a appelé “un véritable délire d’originalité”. Il mourut en 1901, alors que le mouvement commençait à être reconnu. ^[28]

Victor Horta était parmi les architectes les plus influents du début de l’Art Nouveau, et son Hôtel Tassel (1892-1893) est l’un des monuments du style. ^{[29] [30]} La formation architecturale d’Horta était en tant qu’assistant d’ Alphonse Balat , architecte du roi Léopold II , construisant les monumentales serres royales de fer et de verre de Laeken . ^[31]En 1892-1893, il mit cette expérience à un tout autre usage. Il a conçu la résidence d’un éminent chimiste belge, Émile Tassel, sur un site très étroit et profond. L’élément central de la maison était l’escalier, non clos de murs, mais ouvert, orné d’une rampe en fer forgé à volutes, et placé sous une haute lucarne. Les sols étaient soutenus par de fines colonnes de fer comme des troncs d’arbres. Les sols et les murs en mosaïque étaient décorés d’ arabesques délicates aux formes florales et végétales, qui sont devenues la signature la plus populaire du style. ^{[32] [33]} Dans une courte période, Horta a construit trois autres maisons de ville, toutes avec des intérieurs ouverts, et toutes avec des lucarnes pour un maximum de lumière intérieure : l’ Hôtel Solvay , l’ Hôtel van Eetvelde(pour Edmond van Eetvelde ), et la Maison & Atelier Horta . Tous les quatre font maintenant partie d’un site du patrimoine mondial de l’UNESCO .

Henry van de Velde , né à Anvers , est une autre figure fondatrice de la naissance de l’Art Nouveau. Les conceptions de Van de Velde comprenaient l’intérieur de sa résidence, le Bloemenwerf (1895). ^{[34] [35]} L’extérieur de la maison a été inspiré par la Maison Rouge , la résidence de l’écrivain et théoricien William Morris , le fondateur du mouvement Arts and Crafts . Peintre de formation, Van de Velde se tourne vers l’illustration, puis vers le design de mobilier, et enfin vers l’architecture. Pour le Bloemenwerf , il crée les textiles, papiers peints, argenterie, bijoux et même vêtements, qui correspondent au style de la résidence. ^[36]Van de Velde est allé à Paris, où il a conçu des meubles et des décorations pour Samuel Bing , dont la galerie parisienne a donné son nom au style. Il était également l’un des premiers théoriciens de l’Art nouveau, exigeant l’utilisation de lignes dynamiques, souvent opposées. Van de Velde a écrit : “Une ligne est une force comme toutes les autres forces élémentaires. Plusieurs lignes accolées mais opposées ont une présence aussi forte que plusieurs forces”. En 1906, il quitte la Belgique pour Weimar (Allemagne), où il fonde l’École grand-ducale des arts et métiers, où l’enseignement des styles historiques est interdit. Il joua un rôle important dans le Werkbund allemand , avant de revenir en Belgique. ^[37]

Les débuts de l’architecture Art nouveau à Bruxelles s’accompagnent d’une vague d’Art décoratif dans le nouveau style. Parmi les artistes importants figuraient Gustave Strauven , qui utilisait le fer forgé pour obtenir des effets baroques sur les façades bruxelloises ; le créateur de mobilier Gustave Serrurier-Bovy , connu pour ses chaises et ses meubles métalliques articulés très originaux ; et le créateur de bijoux Philippe Wolfers , qui a créé des bijoux en forme de libellules, papillons, cygnes et serpents. ^[38]

L ‘ Exposition internationale de Bruxelles tenue en 1897 a attiré l’attention internationale sur le style; Horta, Hankar, Van de Velde et Serrurier-Bovy, entre autres, ont participé à la conception de la foire et Henri Privat-Livemont a créé l’affiche de l’exposition.

Paris – Maison de l’Art nouveau (1895) et Castel Béranger (1895-1898)

• Siegfried Bing invite des artistes à montrer des œuvres modernes dans sa nouvelle Maison de l’Art Nouveau (1895).

• La galerie Maison de l’Art Nouveau de Siegfried Bing (1895)

• Affiche de Félix Vallotton pour la nouvelle Maison de l’Art Nouveau (1896)

• Porte du Castel Béranger par Hector Guimard (1895-1898)

Le marchand d’art et éditeur franco-allemand Siegfried Bing a joué un rôle clé dans la diffusion du style. En 1891, il fonde une revue consacrée à l’art du Japon, qui contribue à faire connaître le japonisme en Europe. En 1892, il organise une exposition de sept artistes, parmi lesquels Pierre Bonnard , Félix Vallotton , Édouard Vuillard , Toulouse-Lautrec et Eugène Grasset , qui comprend à la fois de la peinture moderne et des travaux décoratifs. Cette exposition est présentée à la Société nationale des beaux-arts en 1895. La même année, Bing ouvre une nouvelle galerie au 22 rue de Provence à Paris, la Maison de l’Art nouveau, consacré aux œuvres nouvelles des beaux-arts et des arts décoratifs. L’intérieur et le mobilier de la galerie ont été conçus par l’architecte belge Henry van de Velde , l’un des pionniers de l’architecture Art nouveau. La Maison de l’Art nouveau présentait des peintures de Georges Seurat , Paul Signac et Toulouse-Lautrec , du verre de Louis Comfort Tiffany et d’ Émile Gallé , des bijoux de René Lalique et des affiches d’ Aubrey Beardsley.. Les œuvres qui y sont présentées ne sont pas du tout uniformes dans le style. Bing écrivait en 1902 : « L’Art nouveau, à l’époque de sa création, n’aspirait nullement à avoir l’honneur de devenir un terme générique. C’était simplement le nom d’une maison ouverte comme point de ralliement pour tous les jeunes et artistes ardents impatients de montrer la modernité de leurs tendances.” ^[39]

Le style est vite remarqué en France voisine. Après avoir visité l’Hôtel Tassel d’Horta, Hector Guimard fait construire entre 1895 et 1898 le Castel Béranger , parmi les premiers immeubles parisiens du nouveau style. ^{[nb 1]} Les Parisiens se plaignent de la monotonie de l’architecture des boulevards construits sous Napoléon III par Georges-Eugène Haussmann . Le Castel Béranger était un curieux mélange de néo-gothique et d’Art nouveau, avec un coup de fouet incurvélignes et formes naturelles. Guimard, un publiciste habile pour son travail, a déclaré: “Ce qu’il faut éviter à tout prix, c’est … le parallèle et la symétrie. La nature est le plus grand constructeur de tous, et la nature ne fait rien de parallèle et rien de symétrique.” ^[41]

Les Parisiens saluent le style original et pittoresque de Guimard ; le Castel Béranger a été choisi comme l’une des meilleures nouvelles façades de Paris, lançant la carrière de Guimard. Guimard a été chargé de concevoir les entrées du nouveau système de métro de Paris , qui a attiré l’attention des millions de visiteurs de l’ Exposition Universelle de 1900 sur le style . ^[dix]

Exposition Universelle de Paris (1900)

• Entrée principale de l’ Exposition Universelle de Paris 1900

• Le Pavillon Bigot, exposant le travail du céramiste Alexandre Bigot

• Entrée du pavillon autrichien, avec des expositions conçues par Josef Hoffmann

• Le pavillon allemand de Bruno Möhring

• Entrée de la station de métro parisienne aux Abbesses conçue par Hector Guimard pour l’ Exposition universelle de 1900

• Armas Lindgren et Eliel Saarinen ont remporté une reconnaissance internationale pour leur conception du pavillon de la Finlande

• Menu conçu par Alfons Mucha pour le restaurant du Pavillon Bosnie

• Portique du pavillon de porcelaine de Sèvres (1900), aujourd’hui square Félix-Desruelles à Paris

L’ Exposition universelle de Paris 1900 marque l’apogée de l’Art nouveau. Entre avril et novembre 1900, il attire près de cinquante millions de visiteurs du monde entier et met en valeur l’architecture, le design, la verrerie, le mobilier et les objets décoratifs du style. L’architecture de l’Exposition était souvent un mélange d’ architecture Art Nouveau et Beaux-Arts : la salle d’exposition principale, le Grand Palais avait une façade Beaux-Arts sans rapport avec le spectaculaire escalier Art Nouveau et la salle d’exposition à l’intérieur.

Les créateurs français ont tous réalisé des œuvres spéciales pour l’Exposition : cristal et joaillerie Lalique ; les bijoux d’ Henri Vever et Georges Fouquet ; verre Daum ; la Manufacture nationale de Sèvres en porcelaine ; céramiques d’ Alexandre Bigot ; lampes et vases en verre sculpté d’ Émile Gallé ; mobilier d’ Édouard Colonna et de Louis Majorelle ; et de nombreuses autres entreprises d’art et d’artisanat de premier plan. A l’exposition de Paris de 1900, Siegfried Bing présente un pavillon appelé Art nouveau Bing, qui présentait six intérieurs différents entièrement décorés dans le Style. ^{[42] [43]}

L’exposition a été la première vitrine internationale pour les designers et artistes Art nouveau de toute l’Europe et d’ailleurs. Parmi les lauréats et les participants figuraient Alphonse Mucha , qui a réalisé des peintures murales pour le pavillon de la Bosnie-Herzégovine et conçu le menu du restaurant du pavillon ; les décorateurs et designers Bruno Paul et Bruno Möhring de Berlin ; Carlo Bugatti de Turin ; Bernhardt Pankok de Bavière ; L’architecte-designer russe Fyodor Schechtel et Louis Comfort Tiffany and Company des États-Unis. ^[44] L’architecte viennois Otto Wagnerétait membre du jury et a présenté un modèle de la salle de bain Art nouveau de son propre appartement à Vienne, avec une baignoire en verre. ^[45] Josef Hoffmann a conçu l’exposition viennoise à l’exposition de Paris, soulignant les conceptions de la Sécession viennoise . ^[46] Eliel Saarinen a d’abord gagné la reconnaissance internationale pour sa conception imaginative du pavillon de la Finlande. ^[47]

Alors que l’Exposition universelle de Paris était de loin la plus grande, d’autres expositions ont beaucoup contribué à populariser le style. L’ Exposition universelle de Barcelone de 1888 marqua le début du style moderniste en Espagne, avec quelques bâtiments de Lluís Domènech i Montaner . L’ Esposizione internazionale d’arte decorativa moderna de 1902 à Turin, en Italie, a présenté des designers de toute l’Europe, dont Victor Horta de Belgique et Joseph Maria Olbrich de Vienne, ainsi que des artistes locaux tels que Carlo Bugatti , Galileo Chini et Eugenio Quarti . ^[48]

Variations locales

L’Art Nouveau en France

• Affiche pour la danseuse Loie Fuller de Jules Chéret (1893)

• Affiche d’ Alfons Mucha pour Gismonda avec Sarah Bernhardt (1894)

• Escalier du Petit Palais , Paris (1900)

• Porte de l’ immeuble Lavirotte par Jules Lavirotte , 29, avenue Rapp , Paris (1901)

• La bijouterie de Georges Fouquet au 6, rue Royale , Paris, conçue par Alphonse Mucha , aujourd’hui au musée Carnavalet (1901)

• Peigne en corne, or et diamants de René Lalique (vers 1902) ( Musée d’Orsay )

• La Villa Majorelle à Nancy pour le designer de meubles Louis Majorelle par l’architecte Henri Sauvage (1901–02)

• Mobilier de chambre à coucher de la Villa Majorelle (1901-02), actuellement au Musée des Beaux-Arts de Nancy

• Grille en verre et fer forgé de la porte d’entrée de la Villa Majorelle (1901)

Après l’Exposition de 1900, la capitale de l’Art Nouveau est Paris. Les demeures les plus extravagantes du style ont été construites par Jules Lavirotte , qui a entièrement recouvert les façades d’un décor sculptural en céramique. L’exemple le plus flamboyant est l’ immeuble Lavirotte , au 29, avenue Rapp (1901). Les immeubles de bureaux et les grands magasins comportaient de hautes cours couvertes de coupoles en vitraux et de décorations en céramique. Le style était particulièrement populaire dans les restaurants et les cafés, dont Maxim’s au 3, rue Royale et Le Train bleu à la gare de Lyon (1900). ^[49]

Le statut de Paris attire les artistes étrangers dans la ville. L’artiste d’origine suisse Eugène Grasset a été l’un des premiers créateurs d’affiches Art Nouveau françaises. Il participe à la décoration du célèbre cabaret Le Chat Noir en 1885, réalise ses premières affiches pour les Fêtes de Paris et une célèbre affiche de Sarah Bernhardt en 1890. A Paris, il enseigne à l’école d’art Guérin ( École normale d’enseignement du dessin ), où ses élèves comprenaient Augusto Giacometti et Paul Berthon . ^{[50] [51]} Théophile-Alexandre Steinlen , d’origine suisse, a créé la célèbre affiche du cabaret parisien Le Chat noir en 1896. L’artiste tchèque Alphonse Mucha (1860-1939) arrive à Paris en 1888, et en 1895, réalise une affiche pour l’actrice Sarah Bernhardt dans la pièce Gismonda de Victorien Sardou au Théâtre de la Renaissance . Le succès de cette affiche a conduit à un contrat pour produire des affiches pour six autres pièces de Bernhardt.

La ville de Nancy en Lorraine devient l’autre capitale française du nouveau style. En 1901, l’ Alliance provinciale des industries d’art , également connue sous le nom d’ École de Nancy , est fondée, vouée à bouleverser la hiérarchie qui place la peinture et la sculpture au-dessus des arts décoratifs. Parmi les artistes majeurs qui y travaillaient, citons les créateurs de vases et de lampes en verre Émile Gallé , les frères Daum dans le design verrier et le designer Louis Majorelle , qui a créé des meubles aux formes florales et végétales gracieuses. L’architecte Henri Sauvage apporte le nouveau style architectural à Nancy avec sa Villa Majorelle en 1902.

Le style français a été largement propagé par de nouveaux magazines, dont The Studio , Arts et Idées et Art et Décoration , dont les photographies et les lithographies en couleurs ont fait connaître le style aux designers et aux clients fortunés du monde entier.

En France, le style a atteint son apogée en 1900, puis s’est rapidement démodé, disparaissant pratiquement de France en 1905. L’Art nouveau était un style de luxe, qui nécessitait des artisans experts et bien rémunérés, et ne pouvait pas être facilement ou à moindre coût en masse. -produit. L’un des rares produits Art nouveau qui pouvait être produit en série était le flacon de parfum, et ceux-ci sont encore fabriqués dans le style aujourd’hui.

L’Art Nouveau en Belgique

• L’ Hôtel van Eetvelde de Victor Horta , Bruxelles (1898-1900)

• Détail du Jardin d’hiver de l’Hôtel van Eetvelde

• Ancien grand magasin Old England de Paul Saintenoy , Bruxelles (1898-1899)

• Maison Saint-Cyr de Gustave Strauven , Bruxelles (1901-1903)

• Maison de l’architecte Paul Cauchie au sgraffite , Bruxelles (1905)

• Chaise par Henry van de Velde (1896)

• Lit et miroir de Gustave Serrurier-Bovy (1898–1899), aujourd’hui au musée d’Orsay , Paris

• Philippe Wolfers , Plume de Paon, (Collection Fondation Roi Baudouin, dépôt : KMKG-MRAH)

La Belgique a été l’un des premiers centres de l’Art nouveau, en grande partie grâce à l’architecture de Victor Horta , qui a conçu l’une des premières maisons Art nouveau, l’ Hôtel Tassel en 1893, et trois autres maisons de ville dans des variantes du même style. Ils sont maintenant des sites du patrimoine mondial de l’UNESCO . Horta a eu une forte influence sur l’œuvre du jeune Hector Guimard , venu voir l’Hôtel Tassel en construction, et a déclaré plus tard qu’Horta était « l’inventeur » de l’Art Nouveau. ^[52]L’innovation d’Horta n’était pas la façade, mais l’intérieur, utilisant une abondance de fer et de verre pour ouvrir l’espace et inonder les pièces de lumière, et les décorant de colonnes en fer forgé et de balustrades aux formes végétales courbes, qui se répercutaient sur les sols et murs, ainsi que les meubles et les tapis conçus par Horta. ^[53]

Paul Hankar était un autre pionnier de l’Art nouveau bruxellois. Sa maison a été achevée en 1903, la même année que l’hôtel Tassel d’Horta, et comportait des peintures murales de sgraffites sur la façade. Hankar a été influencé à la fois par Viollet-le-Duc et les idées du mouvement anglais Arts and Crafts . Son idée de conception était de réunir les arts décoratifs et les beaux-arts dans un ensemble cohérent. Il chargea le sculpteur Alfred Crick et le peintre Adolphe Crespin [ fr ] de décorer les façades des maisons avec leurs oeuvres. L’exemple le plus frappant est la maison et l’atelier construits pour l’artiste Albert Ciamberlani au 48, rue Defacqz / Defacqzstraatà Bruxelles, pour laquelle il a créé une façade exubérante couverte de peintures murales sgraffito avec des personnages et des ornements peints, recréant l’architecture décorative du Quattrocento , ou l’Italie du XVe siècle. ^[31] Hankar est mort en 1901, quand son travail recevait juste la reconnaissance. ^[54]

Gustave Strauven était l’assistant d’Horta, avant de créer son propre cabinet à 21 ans. Son œuvre la plus célèbre est la Maison Saint Cyr sur la place Ambiorix à Bruxelles. Large de seulement quatre mètres, il est décoré de haut en bas d’ornements courbes, dans un style presque Art Nouveau-Baroque.

Parmi les autres artistes belges importants de l’Art nouveau, citons l’architecte et designer Henry van de Velde , bien que la partie la plus importante de sa carrière se soit déroulée en Allemagne ; il a fortement influencé la décoration du Jugendstil . Parmi les autres figurent le décorateur Gustave Serrurier-Bovy et le graphiste Fernand Khnopff . ^{[5] [55] [56]} Les dessinateurs belges ont profité d’un approvisionnement abondant en ivoire importé du Congo belge ; les sculptures mixtes, alliant pierre, métal et ivoire, d’artistes tels que Philippe Wolfers , étaient populaires. ^[57]

Nieuwe Kunst aux Pays-Bas

• La Bourse des marchandises d’Amsterdam, par Hendrik Petrus Berlage (1896-1903)

• Cabinet/Bureau par Berlage (1898)

• Affiche pour l’huile à salade de Delft de Jan Toorop (1893)

• Vase à motif floral abstrait par Theo Colenbrander (1898)

• Vase en porcelaine conçu par J. Jurriaaan Kok et décoré par WR Sterken (1901)

Aux Pays-Bas, le style était connu sous le nom de Nieuwe Stijl (“New Style”), ou Nieuwe Kunst (“New Art”), et il a pris une direction différente du style plus floral et incurvé en Belgique. Il a été influencé par les formes plus géométriques et stylisées du Jugendstil allemand et de la Sécession viennoise autrichienne . ^[57] Il a également été influencé par l’art et a importé des bois d’ Indonésie , puis des Indes néerlandaises , en particulier les dessins des textiles et du batik de Java .

L’architecte et créateur de mobilier le plus important du style était Hendrik Petrus Berlage , qui dénonçait les styles historiques et prônait une architecture purement fonctionnelle. Il écrivait : « Il faut lutter contre l’art de l’illusion, reconnaître et reconnaître le mensonge, pour trouver l’essence et non l’illusion. ^[58] Comme Victor Horta et Gaudí , il était un admirateur des théories architecturales de Viollet-le-Duc . ^[58]Ses meubles ont été conçus pour être strictement fonctionnels et pour respecter les formes naturelles du bois, plutôt que de le plier ou de le tordre comme s’il s’agissait de métal. Il cite l’exemple des meubles égyptiens et préfère les chaises à angles droits. Sa première et la plus célèbre œuvre architecturale fut la Beurs van Berlage (1896-1903), la bourse des marchandises d’Amsterdam, qu’il construisit selon les principes du constructivisme . Tout était fonctionnel, y compris les rangées de rivets qui décoraient les murs de la pièce principale. Il incluait souvent de très hautes tours à ses bâtiments pour les rendre plus proéminents, une pratique utilisée par d’autres architectes Art nouveau de l’époque, notamment Joseph Maria Olbrich à Vienne et Eliel Saarinen en Finlande.^[59]

Parmi les autres bâtiments du style, citons l ‘ American Hotel (1898–1900), également de Berlage; et Astoria (1904-1905) de Herman Hendrik Baanders et Gerrit van Arkel à Amsterdam ; la gare de Haarlem (1906-1908) et l’ancien immeuble de bureaux de la Holland America Lines (1917) à Rotterdam , aujourd’hui l’ hôtel New York .

Parmi les graphistes et illustrateurs éminents du style, citons Jan Toorop , dont le travail s’oriente vers le mysticisme et le symbolisme , même dans ses affiches pour l’huile de salade. Dans leurs couleurs et leurs dessins, ils montraient aussi parfois l’influence de l’art de Java. ^[59]

Parmi les personnalités importantes de la céramique et de la porcelaine hollandaises figuraient Jurriaan Kok et Theo Colenbrander . Ils ont utilisé des motifs floraux colorés et des motifs Art nouveau plus traditionnels, combinés à des formes inhabituelles de poterie et à des couleurs sombres et claires contrastées, empruntées à la décoration batik de Java. ^[60]

Style moderne et école de Glasgow en Grande-Bretagne

• Bâtiment de pub (1899-1900) par James Hoey Craigie (1870-1930). 59 Dumbarton Road, Glasgow

• Conception de couverture par Arthur Mackmurdo pour un livre sur Christopher Wren (1883)

• Salons de thé Willow par Charles Rennie Mackintosh , 217 Sauchiehall Street , Glasgow (1903)

• Immeuble “The Hatrack” de James Salmon , 142a, 144 St. Vincent Street , Glasgow (1899-1902)

• L’ancien Everard’s Printing Works , Broad Street , Bristol, par Henry Williams (1900)

• Boucle de ceinture par Archibald Knox pour Liberty Department Store

• Panneaux brodés par Margaret Macdonald Mackintosh (1902)

• Le Royal Liver Building , Liverpool, par Walter Aubrey Thomas (1908–11)

L’Art nouveau a ses racines en Grande-Bretagne, dans le mouvement Arts and Crafts qui a commencé dans les années 1860 et a atteint une reconnaissance internationale dans les années 1880. Il appelait à un meilleur traitement des arts décoratifs et s’inspirait de l’artisanat et du design médiévaux, ainsi que de la nature. ^[61] Un premier exemple notable du style moderne est la conception d’ Arthur Mackmurdo pour la couverture de son essai sur les églises de la ville de Sir Christopher Wren , publié en 1883, tout comme sa chaise en acajou de la même année. ^[62]

D’autres innovateurs importants en Grande-Bretagne comprenaient les graphistes Aubrey Beardsley dont les dessins présentaient les lignes courbes qui sont devenues la caractéristique la plus reconnaissable du style. Le fer forgé à écoulement libre des années 1880 pourrait également être invoqué, ou certains motifs textiles floraux plats, dont la plupart devaient une certaine impulsion aux motifs du design du XIXe siècle. Parmi les autres graphistes britanniques qui occupaient une place importante dans le style, citons Walter Crane et Charles Ashbee . ^[63]

Le grand magasin Liberty à Londres a joué un rôle important, à travers ses motifs floraux stylisés colorés pour les textiles, et les créations en argent, en étain et en bijoux de Manxman (d’origine écossaise) Archibald Knox . Ses créations de bijoux dans les matériaux et les formes rompent totalement avec les traditions historiques de la conception de bijoux.

Pour l’architecture Art nouveau et la conception de mobilier, le centre le plus important de Grande-Bretagne était Glasgow , avec les créations de Charles Rennie Mackintosh et de la Glasgow School , dont les travaux s’inspiraient de l’architecture baronniale écossaise et du design japonais. ^[64] Commençant en 1895, Mackintosh a montré ses conceptions aux expositions internationales à Londres, Vienne et Turin; ses créations ont particulièrement influencé le style Sécession à Vienne. Ses créations architecturales incluent le Glasgow Herald Building (1894) et la bibliothèque de la Glasgow School of Art (1897). Il s’est également forgé une grande réputation en tant que designer et décorateur de meubles, travaillant en étroite collaboration avec sa femme,Margaret Macdonald Mackintosh , peintre et designer de premier plan. Ensemble, ils ont créé des designs saisissants qui combinaient des lignes droites géométriques avec une décoration florale légèrement incurvée, en particulier un symbole célèbre du style, la rose de Glasgow”. ^[65]

Léon-Victor Solon , a apporté une importante contribution à la céramique Art nouveau en tant que directeur artistique chez Mintons. Il s’est spécialisé dans les plaques et les vases tubulaires commercialisés comme “articles sécessionnistes” (généralement décrits comme nommés d’après le mouvement artistique viennois ). ^[66] Outre la céramique, il a conçu des textiles pour l’ industrie de la soie de poireau ^[67] et des doublures pour un relieur (GTBagguley de Newcastle sous Lyme), qui a breveté la reliure Sutherland en 1895.

George Skipper était peut-être l’architecte Art nouveau le plus actif d’Angleterre. Le bâtiment Edward Everard à Bristol, construit entre 1900 et 1901 pour abriter les imprimeries d’Edward Everard , présente une façade Art nouveau. Les personnages représentés sont de Johannes Gutenberg et William Morris , tous deux éminents dans le domaine de l’imprimerie. Une figure ailée symbolise “l’esprit de la lumière”, tandis qu’une figure tenant une lampe et un miroir symbolise la lumière et la vérité.

Jugendstil en Allemagne

• Couverture du magazine Pan de Joseph Sattler (1895)

• Couverture de Jugend d’ Otto Eckmann (1896)

• Tapisserie Les cinq cygnes d’ Otto Eckmann (1896-1897)

• Affiche de la Sécession de Munich par Franz Stuck (1898-1900)

• Poignée de porte Jugendstil à Berlin (vers 1900)

• Chaise de Richard Riemerschmid (1902)

• Ensemble de salle à manger et vaisselle Jugendstil de Peter Behrens (1900-1901)

• Cruche en grès de Richard Riemerschmid (1902)

• Plat en étain Jugendstil par WMF Design no.232. vers 1906

L’Art nouveau allemand est communément connu sous son nom allemand, Jugendstil , ou “Style de la jeunesse”. Le nom est tiré de la revue artistique, Die Jugend , ou Jeunesse , qui a été publiée à Munich. Le magazine a été fondé en 1896 par Georg Hirth , qui est resté rédacteur en chef jusqu’à sa mort en 1916. Le magazine a survécu jusqu’en 1940. Au début du XXe siècle, le Jugendstil n’était appliqué qu’aux arts graphiques. ^[68] Il faisait référence en particulier aux formes de typographie et de conception graphique trouvées dans des magazines allemands tels que Jugend , Pan et Simplicissimus . Jugendstila ensuite été appliqué à d’autres versions de l’Art Nouveau en Allemagne, aux Pays-Bas. Le terme a été emprunté à l’allemand par plusieurs langues des États baltes et des pays nordiques pour décrire l’Art nouveau (voir la section Dénomination ). ^{[11] [69]}

En 1892 , Georg Hirth a choisi le nom Munich Secession pour l’Association d’artistes visuels de Munich . La Sécession viennoise , fondée en 1897, ^[70] et la Sécession berlinoise tirent également leur nom du groupe munichois.

Les revues Jugend et Simplicissimus , publiées à Munich, et Pan , publiée à Berlin, furent d’importants partisans du Jugendstil . L’art Jugendstil combinait des courbes sinueuses et des lignes plus géométriques, et était utilisé pour les couvertures de romans, les publicités et les affiches d’exposition . Les concepteurs ont souvent créé des styles originaux de police de caractères qui fonctionnaient harmonieusement avec l’image, par exemple la police de caractères Arnold Böcklin en 1904.

Otto Eckmann était l’un des artistes allemands les plus en vue associés à la fois à Die Jugend et à Pan . Son animal préféré était le cygne, et son influence était si grande que le cygne est devenu le symbole de tout le mouvement. Un autre designer de premier plan dans le style était Richard Riemerschmid , qui fabriquait des meubles, de la poterie et d’autres objets décoratifs dans un style sobre et géométrique qui pointait vers l’Art Déco. ^[71] L’artiste suisse Hermann Obrist , vivant à Munich, a illustré le motif coup de fouet ou coup de fouet, une double courbe très stylisée suggérant un mouvement pris à partir de la tige de la fleur de cyclamen .

• La maison Ernst Ludwig de Joseph Maria Olbrich (1900) abrite désormais le musée de la colonie de Darmstadt

• Tour de mariage dans la colonie d’artistes de Darmstadt (1908)

• Complexe thermal Sprudelhof à Bad Nauheim (1905–1911)

• Gare Mexikoplatz à Berlin (1902-1904)

• Hackesche Höfe à Berlin (1906)

• Porte Art Nouveau avec un motif décoratif de tournesol (Rybnik Silesia)

La colonie d’artistes de Darmstadt a été fondée en 1899 par Ernest Ludwig, grand-duc de Hesse . L’architecte qui a construit la maison du grand-duc, ainsi que la plus grande structure de la colonie (tour de mariage), était Joseph Maria Olbrich , l’un des fondateurs de la Sécession viennoise . D’autres artistes notables de la colonie étaient Peter Behrens et Hans Christiansen . Ernest Ludwig a également chargé de reconstruire le complexe thermal de Bad Nauheim au début du siècle. Un tout nouveau complexe Sprudelhof [ de ] a été construit en 1905-1911 sous la direction de Wilhelm Jost [ de] et atteint l’un des principaux objectifs du Jugendstil : une synthèse de tous les arts. ^[72] Un autre membre de la famille régnante qui a commandé une structure Art nouveau était la princesse Elisabeth de Hesse et du Rhin . Elle a fondé le couvent Marfo-Mariinsky à Moscou en 1908 et son katholikon est reconnu comme un chef-d’œuvre de l’Art nouveau. ^[73]

Un autre syndicat notable dans l’Empire allemand fut le Deutscher Werkbund , fondé en 1907 à Munich à l’instigation d’ Hermann Muthesius par les artistes de la colonie de Darmstadt Joseph Maria Olbrich , Peter Behrens ; par un autre fondateur de la Sécession viennoise Josef Hoffmann , ainsi que par Wiener Werkstätte (fondée par Hoffmann), par Richard Riemerschmid , Bruno Paul et d’autres artistes et compagnies. ^[74] Plus tard, le Belge Henry van de Velde a rejoint le mouvement ^{[nb 2]} . L’ Ecole Grand-Ducale des Arts et Métiers [de ] , fondé par lui à Weimar , était un prédécesseur du Bauhaus , l’ un des courants les plus influents de l ‘ architecture moderniste . ^[76]

A Berlin Jugendstil a été choisi pour la construction de plusieurs gares. Le plus remarquable ^[77] est Bülowstraße de Bruno Möhring (1900-1902), d’autres exemples sont Mexikoplatz (1902-1904), Botanischer Garten (1908-1909), Frohnau (1908-1910), Wittenbergplatz (1911-1913) et Pankow (1912-1914) gares. Une autre structure notable de Berlin est Hackesche Höfe (1906) qui utilisait des briques vernissées polychromes pour la façade de la cour.

L’Art nouveau à Strasbourg (qui faisait alors partie de l’Empire allemand en tant que capitale du Reichsland Elsaß-Lothringen ) était une marque spécifique, en ce qu’il combinait des influences de Nancy et de Bruxelles , avec des influences de Darmstadt et de Vienne , pour opérer une synthèse locale. qui reflétait l’ histoire de la ville entre les royaumes germanique et français.

Sécession en Autriche-Hongrie

Sécession viennoise

• La salle de la Sécession à Vienne par Joseph Maria Olbrich (1897-1898)

• Vampire dans Ver Sacrum #12 (1899) p. 8 de Ernst Stohr

• Fauteuil de Koloman Moser (vers 1900)

• Femme en robe jaune de Max Kurzweil (1907)

• Le Baiser de Gustav Klimt (1907–08)

Vienne est devenue le centre d’une variante distincte de l’Art nouveau, connue sous le nom de Sécession viennoise . Le mouvement tire son nom de la Sécession de Munich établie en 1892. La Sécession de Vienne a été fondée en avril 1897 par un groupe d’artistes comprenant Gustav Klimt , Koloman Moser , Josef Hoffmann , Joseph Maria Olbrich , Max Kurzweil , Ernst Stöhr et d’autres. ^[70] Le peintre Klimt est devenu le président du groupe. Ils se sont opposés à l’orientation conservatrice vers l’ historicisme exprimée par Vienna Künstlerhaus, le syndicat officiel des artistes. La Sécession fonde une revue, Ver Sacrum , pour promouvoir leurs oeuvres dans tous les médias. ^[78] L’architecte Joseph Olbrich a conçu le bâtiment en forme de dôme de la Sécession dans le nouveau style, qui est devenu une vitrine pour les peintures de Gustav Klimt et d’autres artistes de la Sécession.

Klimt est devenu le plus connu des peintres de la Sécession, effaçant souvent la frontière entre la peinture d’art et la peinture décorative. Koloman Moser était un artiste extrêmement polyvalent dans le style; son travail comprend des illustrations de magazines, de l’architecture, de l’argenterie, de la céramique, de la porcelaine, des textiles, des vitraux et des meubles.

• Conception florale d’Alois Ludwig sur la façade de Maiolica House d’ Otto Wagner (1898)

• Gare Karlsplatz Stadtbahn par Otto Wagner (1899)

• Intérieur de la Kirche am Steinhof d’ Otto Wagner (1904-1907)

• Le Palais Stoclet à Bruxelles par Josef Hoffmann (1905-1911)

L’architecte le plus éminent de la Sécession viennoise était Otto Wagner , ^[79] il a rejoint le mouvement peu après sa création pour suivre ses étudiants Hoffmann et Olbrich. Ses grands projets comprenaient plusieurs gares du réseau ferroviaire urbain (la Stadtbahn ), les bâtiments Linke Wienzeile (composés de la maison de la majolique, de la maison des médaillons et de la maison de la Köstlergasse). La station Karlsplatz est aujourd’hui une salle d’exposition du Musée de Vienne . L’ église du Steinhofde l’hôpital psychiatrique de Steinhof (1904-1907) est un exemple unique et finement travaillé de l’architecture religieuse de la Sécession, avec un extérieur en forme de dôme traditionnel mais un intérieur élégant et moderne en or et blanc éclairé par une abondance de vitraux modernes.

En 1899 , Joseph Maria Olbrich s’installe à la colonie d’artistes de Darmstadt , en 1903 Koloman Moser et Josef Hoffmann fondent la Wiener Werkstätte , une école de formation et un atelier pour designers et artisans de meubles, tapis, textiles et objets décoratifs. ^[80] En 1905 , Koloman Moser et Gustav Klimt se sont séparés de la Sécession viennoise, plus tard en 1907, Koloman Moser a également quitté Wiener Werkstätte , tandis que son autre fondateur Josef Hoffmann a rejoint le Deutscher Werkbund . ^[74] Gustav Klimt etJosef Hoffmann continua à collaborer, ils organisèrent l’exposition Kunstschau [ de ] en 1908 à Vienne et construisirent le palais Stoclet à Bruxelles (1905-1911) qui annonça l’avènement de l’ architecture moderniste . ^{[81] [82]} Il a été désigné site du patrimoine mondial par l’UNESCO en juin 2009. ^[83]

Szecesszió hongrois

• Musée des arts appliqués de Budapest par Ödön Lechner (1893–1896)

• Musée géologique de Budapest par Ödön Lechner (1898–1899)

• Palais Gróf à Szeged par Ferenc Raichle (1913)

Le pionnier et prophète de la Szecesszió (Sécession en hongrois), l’architecte Ödön Lechner , a créé des bâtiments qui ont marqué une transition de l’historicisme au modernisme pour l’architecture hongroise. ^[84] Son idée pour un style architectural hongrois était l’utilisation de céramiques architecturales et de motifs orientaux. Dans ses œuvres, il a utilisé la pygorganite mise en production en 1886 par la manufacture de porcelaine de Zsolnay . ^[84] Ce matériau a été utilisé dans la construction de bâtiments hongrois notables d’autres styles, par exemple le bâtiment du Parlement hongrois et l’église Matthias .

Les œuvres d’Ödön Lechner ^[85] comprennent le Musée des arts appliqués (1893–1896), d’autres bâtiments aux caractéristiques distinctives similaires sont le Musée géologique (1896–1899) et le bâtiment de la Caisse d’épargne postale (1899–1902), tous à Budapest . Cependant, en raison de l’opposition de l’establishment architectural hongrois au succès de Lechner, il fut bientôt incapable d’obtenir de nouvelles commandes comparables à ses bâtiments antérieurs. ^[84] Mais Lechner était une source d’inspiration et un maître pour la génération suivante d’architectes qui ont joué le rôle principal dans la vulgarisation du nouveau style. ^[84] Dans le cadre du processus de magyarisationde nombreux bâtiments ont été commandés à ses disciples dans la périphérie du royaume : par exemple, Marcell Komor [ hu ] et Dezső Jakab ont été chargés de construire la synagogue (1901-1903) et l’hôtel de ville (1908-1910) à Szabadka (aujourd’hui Subotica , Serbie ), Préfecture du comté (1905–1907) et Palais de la culture (1911–1913) à Marosvásárhely (aujourd’hui Târgu Mureș , Roumanie ). Plus tard, Lechner lui-même a construit l’ église bleue à Pozsony (aujourd’hui Bratislava , Slovaquie ) en 1909-1913.

Un autre architecte important était Károly Kós qui était un disciple de John Ruskin et de William Morris . Kós a pris le mouvement du romantisme national finlandais comme modèle et la langue vernaculaire transylvaine comme source d’inspiration. ^[86] Ses bâtiments les plus remarquables incluent l’église catholique romaine de Zebegény (1908–09), les pavillons du zoo municipal de Budapest (1909–1912) et le musée national de Székely à Sepsiszentgyörgy (aujourd’hui Sfântu Gheorghe , Roumanie, 1911–12).

• Mosaïque de Miksa Róth au bâtiment de la Török Bank [ fr ] à Budapest (1906)

• Relief à la façade du palais Gresham par Géza Maróti à Budapest (1906)

• Cabinet par Ödön Faragó, de Budapest (1901)

Le mouvement qui a promu Szecesszió dans les arts était Gödöllő Art Colony, fondé par Aladár Körösfői-Kriesch , également disciple de John Ruskin et William Morris et professeur à l’École royale des arts appliqués de Budapest en 1901. ^[87] Ses artistes ont participé à de nombreux projets, dont l’ Académie de musique Franz Liszt à Budapest. ^[88]

Associée à Gödöllő Art Colony, ^[89] Miksa Róth a également été impliquée dans plusieurs dizaines de projets Szecesszió, y compris des bâtiments de Budapest dont Gresham Palace (vitrail, 1906) et Török Bank [ fr ] (mosaïques, 1906) et a également créé des mosaïques et des vitraux verre pour le Palais de la Culture (1911-1913) à Marosvásárhely.

Un créateur de mobilier remarquable est Ödön Faragó [ hu ] qui a combiné l’architecture populaire traditionnelle, l’architecture orientale et l’Art nouveau international dans un style très pittoresque. Pál Horti [ hu ] , un autre designer hongrois, avait un style beaucoup plus sobre et fonctionnel, en chêne avec de délicats entrelacs d’ébène et de laiton.

Autres variantes

• Fresques de la Maison municipale de Prague par Alphonse Mucha

• Vitrail d’Alphonse Mucha dans la cathédrale Saint-Guy de Prague

• Relief en céramique du théâtre Viola à Prague par Ladislav Šaloun

• Le nouvel hôtel de ville de Prague (1908-1911)

L’ architecte Art nouveau slovène le plus prolifique était Ciril Metod Koch . ^[90] Il a étudié dans les classes d’ Otto Wagner à Vienne et a travaillé au conseil municipal de Laybach (aujourd’hui Ljubljana , Slovénie ) de 1894 à 1923. Après le tremblement de terre de Laybach en 1895, il a conçu de nombreux bâtiments laïques de style Sécession qu’il a adoptés. de 1900 à 1910 : ^[90] Pogačnik House (1901), Čuden Building (1901), The Farmers Loan Bank (1906–07), bâtiment Hauptmann rénové dans le style Sécession en 1904. Le point culminant de sa carrière fut la Loan Bank à Radmannsdorf (aujourd’hui Radovljica ) en 1906. ^[90]

Les bâtiments de la Sécession les plus remarquables de Prague sont des exemples d’ art total avec une architecture, des sculptures et des peintures distinctives. ^[91] La gare principale (1901–1909) a été conçue par Josef Fanta et présente des peintures de Václav Jansa et des sculptures de Ladislav Šaloun et Stanislav Sucharda avec d’autres artistes. La maison municipale (1904-1912) a été conçue par Osvald Polívka et Antonín Balšánek, peinte par le célèbre peintre tchèque Alphonse Mucha et présente des sculptures de Josef Mařatka et Ladislav Šaloun. Polívka, Mařatka et Šaloun ont coopéré simultanément à la construction du nouvel hôtel de ville (1908-1911) avec Stanislav Sucharda , et Mucha a peint plus tard les vitraux de la cathédrale Saint-Guy dans son style distinctif.

Le style de combinaison de Szecesszió hongrois et d’éléments architecturaux nationaux était typique de l’ architecte slovaque Dušan Jurkovič . Ses œuvres les plus originales sont la Maison de la culture de Szakolca (aujourd’hui Skalica en Slovaquie , 1905), les bâtiments de la station thermale de Luhačovice (aujourd’hui République tchèque) en 1901-1903 et 35 cimetières de guerre près de Nowy Żmigród en Galice (aujourd’hui Pologne), dont la plupart fortement influencés par l’art populaire et la menuiserie locaux Lemko ( Rusyn ) (1915-1917).

L’Art nouveau en Roumanie

• Le Casino Constanța de Daniel Renard et Petre Antonescu (1905-1910)

• Le centre d’un poêle d’une maison de ville dans le quartier de la place Rosetti (Bucarest)

• Porte de la place Mihail Kogălniceanu, Bucarest

• Relief sur la façade d’un petit immeuble, près de l’hôpital Colțea, Bucarest

• Mița la maison du cycliste de Bucarest par Nicolae C. Mihăescu (1910), ^[92] combinaison de néo-baroque et d’Art nouveau

• Maison rue Dimitrie Racoviță, Bucarest

• La Maison Dianu de Craiova (1900-1905)

• La maison Dinu Lipatti de Bucarest par Petre Antonescu (1902), ^[93] combinaison de néo-baroque et d’Art nouveau

• La maison Romulus Porescu de Bucarest par Dumitru Maimarolu (1905), ^[94] Art nouveau avec des influences néo-baroques

• Le dessus d’un poêle en faïence du Musée George Severeanu, Bucarest

• Détail sur une clôture sur le boulevard Lascăr Catargiu, Bucarest

• Fresques au plafond du portique de l’église du monastère d’Antim , Bucarest

• Porte en arc trilobé néo-roumain de Bucarest, montrant des éléments Art Nouveau

Le Casino Constanța est probablement l’exemple le plus célèbre de l’Art Nouveau en Roumanie. Le thème Casino , Kurhaus ou Kursaal est propre à la Belle Époque. L’auteur du casino, commencé en 1905 et achevé en 1910, est l’architecte Daniel Renard, qui étudia à Paris entre 1894 et 1900. Il signa les plans d’architecture et de décoration du casino. Le propre de l’Art nouveau est l’ornementation en relief des façades, soit avec des motifs floraux naturalistes, comme ceux de l’École de Nancy, soit avec des motifs inspirés de la faune marine, comme les coquillages et les dauphins. L’une des maisons Art nouveau de Bucarest est la maison Dinu Lipatti (n ° 12, boulevard Lascăr Catargiu), de Petre Antonescu, son motif central étant l’arc d’entrée, au-dessus duquel se trouve un mascaron féminin en haut relief. Parmi les exemples d’architecture Art nouveau à Bucarest, on trouve les maisons de ville, qui n’ont parfois que des fenêtres en forme de fer à cheval ou d’autres formes ou ornements spécifiques à l’Art nouveau. Un exemple est la maison Romulus Porescu (n ° 12, rue Doctor Paleologu), qui possède également des vitraux néo-égyptiens sur les fenêtres d’angle. Certains des bâtiments néo-baroques de Bucarest ont des influences Art nouveau ou néorocaille, parmi lesquels l’ Observatoire de Bucarest (n ° 21, boulevard Lascăr Catargiu), la maison n °. 58 sur la rue Sfinții Voievozi, la maison Mița le cycliste (n° 9, rue Biserica Amzei, ou n° 11, rue Christian Tell) et le palais Cantacuzino (n° 141, avenue de la Victoire ). ^[95]Le style néo-roumain , présent dans l’architecture, le mobilier et la conception graphique, comprend des éléments Art nouveau. ^[96]

• Une couverture du magazine Literatură și Artă Română (“Littérature et arts roumains”) (1899)

• Panneau décoratif par Ștefan Luchian (1900)

• Spring , panneau décoratif de Ștefan Luchian (1901)

• Jeune femme par Ștefan Luchian, dessinant pour la couverture du magazine Ileana

• Cachet de la Weaver Charity Society (1906)

• La fée de l’eau d’ Elena Alexandrina Bednarik (1908)

• La couverture d’un petit livre de poésie de 1908

• La page de titre d’un petit livre de poésie de 1908

• La couverture d’un petit magazine de poésie de la série Biblioteca Societății (1912)

L’un des peintres roumains les plus remarquables de l’Art nouveau était Ștefan Luchian , qui a rapidement repris les directions novatrices et décoratives de l’Art nouveau pendant une courte période. Le moment a été synchronisé avec la fondation de la société Ileana en 1897, dont il était membre fondateur, une société qui a organisé une exposition (1898) à l’hôtel Union intitulée L’exposition des artistes indépendants et a publié un magazine – le magazine Ileana. ^[97]

La Transylvanie possède des exemples de bâtiments Art nouveau et néo-roumain, le premier datant de l’époque austro-hongroise. La plupart d’entre eux se trouvent à Oradea , surnommée la “capitale de l’Art nouveau de la Roumanie”, ^[98] mais aussi à Timișoara , Târgu Mureș et Sibiu . ^{[99] [100] [101]}

Stile Liberty en Italie

• Affiche pour l’exposition de Turin de 1902

• Villino Florio à Palerme par Ernesto Basile (1899-1902)

• Palais Castiglioni à Milan par Giuseppe Sommaruga (1901-1903)

• Vase floral de Galileo Chini (1896–98)

• Carlo Bugatti , Chaise et bureau Cobra (1902), Brooklyn Museum

• Entrée de la Casa Guazzoni (1904–05) à Milan par Giovanni Battista Bossi (1904–06)

L’Art nouveau en Italie était connu sous le nom d’ arte nuova , stile floreale , stile moderno et surtout stile Liberty . Le style Liberty tire son nom d’ Arthur Lasenby Liberty et du magasin qu’il fonda en 1874 à Londres, Liberty Department Store , qui se spécialisait dans l’importation de parures, de textiles et d’objets d’art du Japon et d’Extrême-Orient, et dont les textiles colorés étaient particulièrement prisés en Italie. . Parmi les designers italiens notables du style figuraient Galileo Chini , dont les céramiques étaient souvent inspirées à la fois par la majoliquemotifs. Il fut plus tard connu comme peintre et décorateur de théâtre ; il a conçu les décors de deux célèbres opéras de Puccini, Gianni Schicchi et Turandot . ^{[102] [103] [11]}

L’architecture de style Liberty variait considérablement et suivait souvent les styles historiques, en particulier le baroque. Les façades étaient souvent inondées de décorations et de sculptures. Des exemples du style Liberty incluent le Villino Florio (1899–1902) d ‘ Ernesto Basile à Palerme ; le Palazzo Castiglioni à Milan de Giuseppe Sommaruga (1901-1903) ; Milan et la Casa Guazzoni (1904–05) à Milan par Giovanni Battista Bossi (1904–06). ^[104]

Les fresques colorées, peintes ou en céramique, et la sculpture, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur, étaient une caractéristique populaire du style Liberty. Ils se sont inspirés à la fois de thèmes classiques et floraux. comme dans les bains d’Acque della Salute et dans la Casa Guazzoni à Milan.

La figure la plus importante du design de style Liberty était Carlo Bugatti , fils d’architecte et décorateur, père de Rembrandt Bugatti , sculpteur Liberty, et d’ Ettore Bugatti , célèbre designer automobile. Il étudie à l’ Académie milanaise de Brera , puis à l’ Académie des Beaux-Artsà Paris. Son travail se distinguait par son exotisme et son excentricité, comprenant de l’argenterie, des textiles, de la céramique et des instruments de musique, mais il est surtout connu pour ses créations de meubles innovantes, présentées pour la première fois à la Foire des beaux-arts de Milan en 1888. Ses meubles comportaient souvent une conception en trou de serrure et avaient des revêtements inhabituels, notamment du parchemin et de la soie, ainsi que des incrustations d’os et d’ivoire. Il avait aussi parfois des formes organiques surprenantes, copiées sur les escargots et les cobras. ^[105]

Modernisme en Espagne

• Basilique de la Sagrada Família à Barcelone par Antoni Gaudí (1883–)

• Façade trencadís de la Casa Batlló par Antoni Gaudí et Josep Maria Jujol (1904–06)

• Casa Milà d’Antoni Gaudí (1906-1912) ^[106]

• Hôpital de Sant Pau par Lluis Domenech i Montaner (1901–30)

• Casa de les Punxes de Josep Puig i Cadafalch (1905)

• Sanctuaire de Maria Magdalena [ ca ] à Novelda , Communauté valencienne

• Casa Gallardo à Madrid

• El Capricho de Gaudí à Comillas , Cantabrie

Une variante très originale du style est apparue à Barcelone , en Catalogne , à peu près au même moment où le style Art Nouveau est apparu en Belgique et en France. Il s’appelait Modernisme en catalan et Modernismo en espagnol. Son créateur le plus célèbre était Antoni Gaudí . Gaudí a utilisé des formes florales et organiques d’une manière très nouvelle dans le Palau Güell (1886-1890). Selon l’UNESCO, “l’architecture du parc combinait des éléments du mouvement Arts and Crafts, du symbolisme, de l’expressionnisme et du rationalisme, et présageait et influençait de nombreuses formes et techniques du modernisme du XXe siècle”. ^{[107] [108] [109]} Il a intégré l’artisanat comme la céramique, vitraux , ferronnerie forgée et menuiserie dans son architecture. Dans ses pavillons Güell (1884-1887) puis dans le parc Güell (1900-1914), il utilisa également une nouvelle technique appelée trencadís , qui utilisait des déchets de céramique. Ses créations d’environ 1903, la Casa Batlló (1904-1906) et la Casa Milà (1906-1912), ^[106] sont les plus étroitement liées aux éléments stylistiques de l’Art nouveau. ^[110] Des structures ultérieures telles que la Sagrada Família ont combiné des éléments Art nouveau avec le néo-gothique revivaliste . ^[110] La Casa Batlló , la Casa Milà , les Pavillons Güell et le Parc Güell sont le résultat de sa collaboration avec Josep Maria Jujol , qui a lui-même créé des maisons à Sant Joan Despí (1913-1926), plusieurs églises près de Tarragone (1918 et 1926) et la sinueuse Casa Planells (1924) à Barcelone .

Outre la présence dominante de Gaudí, Lluís Domènech i Montaner a également utilisé l’Art Nouveau à Barcelone dans des bâtiments tels que le Castell dels Tres Dragons (1888), la Casa Lleó Morera , le Palau de la Música Catalana (1905) et l’Hôpital de Sant Pau (1901– 1930). ^[110] Les deux derniers bâtiments ont été classés par l’UNESCO comme patrimoine culturel mondial . ^[111]

Josep Puig i Cadafalch , qui a conçu la Casa Martí et son café Els Quatre Gats , l’usine textile Casimir Casaramona (aujourd’hui le musée d’art CaixaFòrum ) , la Casa Macaya, la Casa Amatller , le Palau del Baró de Quadras (abritant la Casa Àsia pendant 10 ans jusqu’en 2013) et la Casa de les Punxes (“Maison des pointes”).

Un mouvement Art nouveau distinctif était également présent dans la Communauté valencienne . Certains des architectes notables étaient Demetrio Ribes Marco, Vicente Pascual Pastor , Timoteo Briet Montaud et José María Manuel Cortina Pérez . Les caractéristiques déterminantes de l’Art nouveau valencien sont une utilisation notable de la céramique dans la décoration, à la fois dans la façade et dans l’ornementation, ainsi que l’utilisation de motifs régionaux valenciens.

Une autre variante remarquable est l’Art nouveau madrilène ou “Modernismo madrileño”, avec des bâtiments aussi remarquables que le Palais Longoria , le Casino de Madrid ou le Cementerio de la Almudena , entre autres. Les architectes José López Sallaberry , Fernando Arbós y Tremanti et Francisco Andrés Octavio [ es ] étaient des modernistes renommés de Madrid .

• Ramon Casas et Pere Romeu sur un tandem de Ramon Casas (1897)

• Sculpture en terre cuite polychrome par Lambert Escaler [ ca ]

• Lowboy d’ Antoni Gaudí (1889)

• Plafond en vitrail du Palau de la Música Catalana par Antoni Rigalt (1905-1908)

• Meubles de Gaspar Homar [ ca ]

Le mouvement moderniste a laissé un vaste patrimoine artistique comprenant des dessins, des peintures, des sculptures, du travail du verre et du métal, des mosaïques, des céramiques et des meubles. Une partie se trouve au Museu Nacional d’Art de Catalunya .

Inspiré par un café parisien appelé Le Chat Noir , où il avait précédemment travaillé, Pere Romeu i Borràs [ ca ] a décidé d’ouvrir un café à Barcelone qui s’appelait Els Quatre Gats (Quatre chats en catalan). ^[112] Le café est devenu un point de rencontre central pour les figures les plus importantes du modernisme de Barcelone , telles que Pablo Picasso et Ramon Casas i Carbó qui ont contribué à promouvoir le mouvement par ses affiches et ses cartes postales. Pour le café, il a créé une image intitulée Ramon Casas et Pere Romeu sur un tandem qui a été remplacée par son autre composition intitulée Ramon Casas et Pere Romeu dans une automobileen 1901, symbolisant le nouveau siècle.

Antoni Gaudí a conçu des meubles pour de nombreuses maisons qu’il a construites; un exemple est un fauteuil appelé le pour la Battle House . Il a influencé un autre designer de meubles catalan notable, Gaspar Homar [ ca ] (1870–1953) qui combinait souvent la marqueterie et les mosaïques avec ses meubles. ^[113]

Arte Nova au Portugal

• Façade de la résidence Major Pessoa à Aveiro (1907-1909) ^[114]

• Atrium de la résidence Major Pessoa

• Musée-Résidence Dr. Anastácio Gonçalves à Lisbonne (1904-1905)

• La librairie Livraria Lello à Porto , Portugal (1906)

• Détails de l’Almirante Reis, immeuble 2-2K à Lisbonne (1908)

• Carreau de céramique de Cooperativa Agrícola à Aveiro (1913)

La variante Art nouveau à Aveiro (Portugal) s’appelait Arte Nova , et sa principale caractéristique était l’ostentation : le style était utilisé par la bourgeoisie qui voulait exprimer sa richesse sur les façades tout en laissant les intérieurs conservateurs. ^[115] Une autre caractéristique distinctive d’Arte Nova était l’utilisation de carreaux produits localement avec des motifs Art Nouveau. ^[115]

L’artiste le plus influent d’Arte Nova était Francisco Augusto da Silva Rocha. ^[115] Bien qu’il n’ait pas été formé comme architecte, il a conçu de nombreux bâtiments à Aveiro et dans d’autres villes du Portugal. ^{[116] [115]} L’un d’eux, la résidence Major Pessoa, a à la fois une façade et un intérieur Art Nouveau, et accueille maintenant le Musée d’Arte Nova. ^[115]

Il existe d’autres exemples d’Arte Nova dans d’autres villes du Portugal. ^{[117] [118]} Certains d’entre eux sont le Musée-Résidence Dr. Anastácio Gonçalves de Manuel Joaquim Norte Júnior [ pt ] (1904–1905) à Lisbonne , le Café Majestic de João Queiroz [ pt ] (1921) et la librairie Livraria Lello de Xavier Esteves [ pt ] (1906), tous deux à Porto .

Jugendstil dans les pays nordiques

Finlande

• Entrée principale du bâtiment Pohjola Insurance (1899-1901), sculptures de Hilda Flodin

• Au bord de la rivière de Tuonela (1903) dans le style romantique national finlandais par Akseli Gallen-Kallela

• Cathédrale de Tampere dans le style romantique national finlandais (1902-1907) par Lars Sonck

• Chaise d’ Eliel Saarinen (1907-1908)

• Statues à la gare centrale d’Helsinki par Emil Wikström

L’Art nouveau était populaire dans les pays nordiques , où il était généralement connu sous le nom de Jugendstil , et était souvent combiné avec le style romantique national de chaque pays. Le pays nordique avec le plus grand nombre de bâtiments Jugendstil est le Grand – Duché de Finlande , alors une partie de l’ Empire russe . ^[119] La période Jugendstil a coïncidé avec l’âge d’or de l’art finlandais et l’éveil national. Après l’ exposition de Paris en 1900, le principal artiste finlandais était Akseli Gallen-Kallela . ^[120] Il est connu pour ses illustrations du Kalevala, l’épopée nationale finlandaise, ainsi que pour avoir peint de nombreux édifices du Judendstil dans le duché.

Les architectes du pavillon finlandais à l’Exposition étaient Herman Gesellius , Armas Lindgren et Eliel Saarinen . Ils ont travaillé ensemble de 1896 à 1905 et ont créé de nombreux bâtiments remarquables à Helsinki , notamment le bâtiment Pohjola Insurance (1899-1901) et le Musée national de Finlande (1905-1910) ^[121] ainsi que leur résidence commune Hvitträsk à Kirkkonummi (1902). Les architectes se sont inspirés des légendes nordiques et de la nature, la façade en granit brut est ainsi devenue un symbole d’appartenance à la nation finlandaise. ^[122] Après la dissolution de l’entreprise, Saarinen a conçu leGare d’Helsinki (1905-1914) dans des formes plus claires, influencées par l’architecture américaine. ^[122] Le sculpteur qui a travaillé avec Saarinen dans la construction du Musée national de Finlande et de la gare d’Helsinki était Emil Wikström .

Un autre architecte qui a créé plusieurs œuvres remarquables en Finlande était Lars Sonck . Ses principales œuvres Jugendstil incluent la cathédrale de Tampere (1902-1907), Ainola , la maison de Jean Sibelius (1903), le siège de l’Association téléphonique d’Helsinki (1903-1907) et l’église Kallio à Helsinki (1908-1912). En outre, Magnus Schjerfbeck , frère d’ Helene Schjerfbeck , a fait du sanatorium de la tuberculose connu sous le nom de Nummela Sanatorium en 1903 en utilisant le style Jugendstil. ^{[123] [124] [125]}

Norvège

• Conception graphique de Gerhard Munthe (1914)

• Chaise Viking-Art Nouveau du designer norvégien Lars Kinsarvik (1900)

• Centre Art nouveau d’ Ålesund (1905-1907)

• Intérieur du centre Art nouveau d’Ålesund

• Ornements d’une porte dans le centre Art nouveau d’Ålesund

La Norvège aspirait également à l’indépendance (de la Suède) et l’Art nouveau local était lié à un renouveau inspiré de l’art et de l’artisanat folkloriques vikings . Parmi les designers notables figuraient Lars Kisarvik, qui a conçu des chaises avec des motifs vikings et celtiques traditionnels, et Gerhard Munthe , qui a conçu une chaise avec un emblème stylisé à tête de dragon d’anciens navires vikings, ainsi qu’une grande variété d’affiches, de peintures et de graphiques. ^[126]

La ville norvégienne d’Ålesund est considérée comme le principal centre de l’Art nouveau en Scandinavie car elle a été entièrement reconstruite après un incendie le 23 janvier 1904. ^[127] Environ 350 bâtiments ont été construits entre 1904 et 1907 selon un plan d’urbanisme conçu par l’ingénieur Frederik Naesser. La fusion de l’unité et de la variété a donné naissance à un style connu sous le nom d’Ål Stil. Les bâtiments de ce style ont un décor linéaire et des échos d’éléments Jugendstil et vernaculaires, par exemple les tours des églises en bois debout ou les toits à crête. ^[127] Un des bâtiments, Swan Pharmacy, accueille maintenant le Centre Art Nouveau .

Suède et Danemark

• Vase à la mûre, peinture de Per Algot Eriksson et argenterie de E. Lefebvre, au Musée Bröhan (Berlin)

• Tasse et soucoupe du service “ iris ” (1897), au Los Angeles County Museum of Art

• Encrier et boîte à timbres, par Jens Dahl-Jensen (vers 1900), au Hessisches Landesmuseum Darmstadt (Darmstadt, Allemagne)

• Le grand hall de la bibliothèque municipale d’Aarhus par Karl Hansen Reistrup

• Autel d’ Engelbrektskyrkan à Stockholm (1914)

• Affiche pour l’ exposition baltique à Malmö (1914)

Les chefs-d’œuvre du Jugendstil d’autres pays nordiques incluent Engelbrektskyrkan (1914) et le Royal Dramatic Theatre (1901–1908) à Stockholm , en Suède ^[128] et l’ancienne bibliothèque municipale (aujourd’hui Archives nationales danoises ) à Aarhus , au Danemark (1898–1901). ^[129] L’architecte de ce dernier est Hack Kampmann , alors partisan du style romantique national qui a également créé Custom House , Theatre et Villa Kampen à Aarhus . Le designer Art nouveau le plus remarquable du Danemark était l’orfèvre Georg Jensen. L’ exposition baltique de Malmö 1914 peut être considérée comme la dernière grande manifestation du Jugendstil en Suède. ^[130]

Moderne en Russie

• Un oeuf Fabergé Art Nouveau ^{[n° 3]} (1898)

• Illustration de l’ oiseau de feu par Ivan Bilibin (1899)

• Décor pour le ballet Shéhérazade de Nikolaï Rimski-Korsakov de Léon Bakst (1910)

• Conception du programme pour “L’après-midi d’un faune” de Léon Bakst pour les Ballets Russes , (1912)

• Chaises de Sergey Malyutin , Talashkino Art Colony

• Cheminée en céramique sur le thème du folklore russe par Mikhail Vrubel (1908)

Модерн (“Moderne”) était une variante russe très colorée de l’Art Nouveau qui est apparue à Moscou et à Saint-Pétersbourg en 1898 avec la publication d’une nouvelle revue d’art, “Мир искусства” (translittération : Mir Iskusstva ) (“Le Monde de l’Art” ), par les artistes russes Alexandre Benois et Léon Bakst , et le rédacteur en chef Sergei Diaghilev . Le magazine a organisé des expositions d’artistes russes de premier plan, dont Mikhail Vroubel , Konstantin Somov , Isaac Levitan et l’illustrateur de livres Ivan Bilibin.. Le style World of Art utilisait moins les formes végétales et florales de l’Art nouveau français; il s’inspirait fortement des couleurs vives et des motifs exotiques du folklore et des contes de fées russes. La contribution la plus influente du “Monde de l’Art” fut la création d’une nouvelle compagnie de ballet, les Ballets Russes , dirigée par Diaghilev, avec des costumes et des décors conçus par Bakst et Benois. La nouvelle compagnie de ballet a été créée à Paris en 1909 et s’y est produite chaque année jusqu’en 1913. Les décors exotiques et colorés conçus par Benois et Bakst ont eu un impact majeur sur l’art et le design français. Les costumes et décors ont été reproduits dans les plus grands magazines parisiens, L’Illustration , La Vie parisienne et la Gazette du bon ton , et le style russe est devenu connu à Paris sous le nom de à la Bakst . L’entreprise a été bloquée à Paris d’abord par le déclenchement de la Première Guerre mondiale, puis par la Révolution russe en 1917, et ironiquement, n’a jamais joué en Russie. ^[131]

Parmi les architectes russes, le plus important dans le pur style Art nouveau était Fyodor Schechtel . L’exemple le plus célèbre est la maison Ryabushinsky à Moscou. Il a été construit par un homme d’affaires russe et propriétaire d’un journal, puis, après la Révolution russe , est devenu la résidence de l’écrivain Maxime Gorki et est aujourd’hui le musée Gorki. Son escalier principal, fait d’un agrégat poli de béton, de marbre et de granit, aux lignes fluides et sinueuses comme les vagues de la mer, est éclairé par une lampe en forme de méduse flottante. L’intérieur présente également des portes, des fenêtres et un plafond décorés de fresques colorées en mosaïque. ^[132] Schechtel, qui est également considéré comme une figure majeureLe symbolisme russe , a conçu plusieurs autres bâtiments emblématiques de Moscou, y compris la reconstruction de la gare de Moscou Yaroslavsky , dans un style de renaissance moscovite plus traditionnel. ^[132]

• Maison Ryabushinsky à Moscou par Fyodor Schechtel (1900)

• Escalier principal de la maison Ryabushinsky Moscou par Fyodor Schechtel (1900)

• Maison Teremok à Talashkino, une œuvre néo-russe de Sergey Malyutin (1901-1902)

• Cartouche au mascaron , sur la façade de la Singer House , par Pavel Suzor (1904)

• Maison Pertsova de Sergey Malyutin à Moscou (1905-1907)

• Façade de l’ hôtel Metropol à Moscou avec des mosaïques de Mikhail Vroubel (1899-1907)

• Salle à manger du Grand Hotel Europe à Saint-Pétersbourg (1910)

• Extérieur néo-russe de la gare de Yaroslavsky par Fyodor Schechtel à Moscou (1902-1904)

• The Holy Spirit Church in Talashkino, by Sergey Malyutin

Other Russian architects of the period created Russian Revival architecture, which drew from historic Russian architecture. These buildings were created mostly in wood, and referred to the Architecture of Kievan Rus’. One example is the Teremok House in Talashkino (1901–1902) by Sergey Malyutin, and Pertsova House (also known as Pertsov House) in Moscow (1905–1907). He also was a member of Mir Iskusstva movement. The Saint Petersburg architect Nikolai Vasilyev built in a range of styles before emigrating in 1923. This building is most notable for stone carvings made by Sergei Vashkov inspired by the carvings of Cathedral of Saint Demetrius in Vladimir and Saint George Cathedral in Yuryev-Polsky of the XII and XIII centuries. The Marfo-Mariinsky Convent (1908–1912) by Alexey Shchusev is an updated version of a classic Russian Orthodox Church. Shchusev later designed Lenin’s Mausoleum (1924) in Moscow.

Several art colonies in Russia in this period were built in the Russian Revival style. The two best-known colonies were situated in Abramtsevo, funded by Savva Mamontov, and Talashkino, Smolensk Governorate, funded by Princess Maria Tenisheva. One example of this Russian Revival architecture is the Marfo-Mariinsky Convent (1908–1912), an updated Russian Orthodox Church by Alexey Shchusev, who later, ironically, designed Lenin’s Mausoleum in Moscow.

Jūgendstils (Art Nouveau in Riga)

• Facade of house at Elizabetes ielā, 10b, by Mikhail Eisenstein (1903)

• Stairway in Pēkšēns House by Konstantīns Pēkšēns (1903) now hosting Riga Jūgendstils museum

• National Romantic decoration on a house built by Konstantīns Pēkšēns (1908)

• Ministry of Education, built by Edgar Friesendorf (1911)

Riga, the present-day capital of Latvia, was at the time one of the major cities of the Russian Empire. Art Nouveau architecture in Riga nevertheless developed according to its own dynamics, and the style became overwhelmingly popular in the city. Soon after the Latvian Ethnographic Exhibition in 1896 and the Industrial and Handicrafts Exhibition in 1901, Art Nouveau became the dominant style in the city.^[133] Thus Art Nouveau architecture accounts for one-third of all the buildings in the centre of Riga, making it the city with the highest concentration of such buildings anywhere in the world. The quantity and quality of Art Nouveau architecture was among the criteria for including Riga in UNESCO World Cultural Heritage.^[134]

There were different variations of Art Nouveau architecture in Riga:

• in Eclectic Art Nouveau, floral and other nature-inspired elements of decoration were most popular. Examples of that variation are works of Mikhail Eisenstein,
• in Perpendicular Art Nouveau, geometrical ornaments were integrated into the vertical compositions of the facades. Several department stores were built in this style, and it is sometimes also referred to as “department store style” or Warenhausstil in German,
• National Romantic Art Nouveau was inspired by local folk art, monumental volumes and the use of natural building materials.

Some later Neo-Classical buildings also contained Art Nouveau details.

Style Sapin in La Chaux-de-Fonds, Switzerland

• Villa Fallet with fir-inspired decoration (1906) by Le Corbusier (1905)

• Crematorium (1908–10), interior, with stylized fir tree design on ceiling. The symbolist murals by L’Epplattenier were added later.

• Crematorium (1908–10), with stylized “sapin” or pine cone detail

• Crematorium (1908–10), with pine cone detail.

A variation called Style Sapin (“Pine Tree Style”) emerged in La Chaux-de-Fonds in the Canton of Neuchâtel in Switzerland. The style was launched by the painter and artist Charles l’Eplattenier and was inspired especially by the sapin, or pine tree, and other plants and wildlife of the Jura Mountains. One of his major works was the Crematorium in the town, which featured triangular tree forms, pine cones, and other natural themes from the region. The style also blended in the more geometric stylistic elements of Jugendstil and Vienna Secession.^[135]

Another notable building in the style is the Villa Fallet La Chaux-de-Fonds, a chalet designed and built in 1905 by a student of L’Epplattenier, the eighteen-year-old Le Corbusier. The form of the house was a traditional Swiss chalet, but the decoration of the facade included triangular trees and other natural features. Le Corbusier built two more chalets in the area, including the Villa Stotzer, in a more traditional chalet style.^{[136][135][137][138]}

Tiffany Style and Louis Sullivan in the United States

• Tiffany Chapel from the 1893 Word’s Columbian Exposition, now in the Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida

• Glass vase by Louis Comfort Tiffany now in the Cincinnati Art Museum (1893–96)

• Poster Century by Louis John Rhead (1894)

• Wisteria lamp by Louis Comfort Tiffany (circa 1902), in the Virginia Museum of Fine Arts

• Tiffany window in his house at Oyster Bay, New York

• The Flight of Souls Window by Louis Comfort Tiffany won a gold medal at the 1900 Paris Exposition

• Windows of the Wainwright Building by Louis Sullivan (1891)

• South State Street entrance to the Carson, Pirie, Scott and Company Store (1899) by Louis Sullivan

• Detail of the Prudential (Guaranty) Building, New York Louis Sullivan (1896)

• National Farmer’s Bank of Owatonna by Louis Sullivan (1907–08)

In the United States, the firm of Louis Comfort Tiffany played a central role in American Art Nouveau. Born in 1848, he studied at the National Academy of Design in New York, began working with glass at the age of 24, entered the family business started by his father, and in 1885 set up his own enterprise devoted to fine glass, and developed new techniques for its colouring. In 1893, he began making glass vases and bowls, again developing new techniques that allowed more original shapes and colouring, and began experimenting with decorative window glass. Layers of glass were printed, marbled and superimposed, giving an exceptional richness and variety of colour in 1895 his new works were featured in the Art Nouveau gallery of Siegfried Bing, giving him a new European clientele. After the death of his father in 1902, he took over the entire Tiffany enterprise, but still devoted much of his time to designing and manufacturing glass art objects. At the urging of Thomas Edison, he began to manufacture electric lamps with multicoloured glass shades in structures of bronze and iron, or decorated with mosaics, produced in numerous series and editions, each made with the care of a piece of jewellery. A team of designers and craftsmen worked on each product. The Tiffany lamp in particular became one of the icons of the Art Nouveau, but Tiffany’s craftsmen designed and made extraordinary windows, vases, and other glass art. Tiffany’s glass also had great success at the 1900 Exposition Universelle in Paris; his stained glass window called the Flight of Souls won a gold medal.^[139] The Columbian Exposition was an important venue for Tiffany; a chapel he designed was shown at the Pavilion of Art and Industry. The Tiffany Chapel, along with one of the windows of Tiffany’s home in New York, are now on display at the Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida.

Another important figure in American Art Nouveau was the architect Louis Sullivan. Sullivan was a leading pioneer of American modern architecture. He was the founder of the Chicago School, the architect of some of the first skyscrapers, and the teacher of Frank Lloyd Wright. His most famous saying was “Form follows function”. While the form of his buildings was shaped by their function, his decoration was an example of American Art Nouveau. At the 1893 World’s Columbian Exposition in Chicago, most famous for the neoclassical architecture of its renowned White City, he designed a spectacular Art Nouveau entrance for the very functional Transportation Building.^[140][141]

While the architecture of his Carson, Pirie, Scott and Company Building (1899) (now the Sullivan Center) was strikingly modern and functional, he surrounded the windows with stylized floral decoration. He invented equally original decoration for the National Farmer’s Bank of Owatonna, Minnestota (1907–1908) and the Merchants’ National Bank in Grinell, Iowa. He invented a specifically American variety of Art Nouveau, declaring that decorative forms should oscillate, surge, mix and derive without end. He created works of great precision which sometimes combined Gothic with Art Nouveau themes.^[142]

Art Nouveau in Argentina

• Stained glass and sculptures by Ercole Pasina in Calise House in Buenos Aires (1911)

• Interior of Galería Güemes, Buenos Aires by Francisco Gianotti (1913)

• Palacio Barolo in Buenos Aires by Mario Palanti (1919-1923)

• Metal work, ceramics and statues at the facade of Club Español building [es] in Rosario (1912)

• Ceramic chimney of Confitería La Europea in Rosario (1916)

Flooded with European immigrants, Argentina welcomed all artistic and architectural European styles, including Art Nouveau.^[143] Cities with the most notable Art Nouveau heritage in Argentina are Buenos Aires, Rosario and Mar del Plata.^[144]

Paris was a prototype for Buenos Aires with the construction of large boulevards and avenues in the 19th century.^[143] The local style along with French influence was also following Italian Liberty as many architects (Virginio Colombo, Francisco Gianotti, Mario Palanti) were Italians. In works of Julián García Núñez [es] Catalan influence can be noted as he completed his studies in Barcelona in 1900.^[143] The influence of Vienna Secession can be found at Paso y Viamonte building.^[143]

The introduction of Art Nouveau in Rosario is connected to Francisco Roca Simó [es] who trained in Barcelona.^[145] His Club Español building [es] (1912) features one of the largest stained glass windows in Latin America produced (as well as tiling and ceramics) by the local firm Buxadera, Fornells y Cía.^[146] The sculptor of the building is Diego Masana from Barcelona.^[146]

Belgian influence on Argentinian Art Nouveau is represented by the Villa Ortiz Basualdo, now hosting the Juan Carlos Castagnino Municipal Museum of Art in Mar del Plata where the furniture, interiors, and lighting are by Gustave Serrurier-Bovy.

Art Nouveau in the rest of the world

• Art Nouveau/Neoclassical Palacio de Bellas Artes in Mexico City (1904–1934)

• The Mexico City Gran Hotel Art Nouveau interior, built in 1918 by Jacques Grüber.^[147][148]

• Théâtre municipal in Tunis (1902)

• Goerke-Haus in Lüderitz, Namibia (1909–1910)

• An Allegorical Wedding: Sketch for a carpet (Triptych from right to left): Exile, Marriage, Redemption by Ephraim Moses Lilien (1906)

• A bistro at Sofitel Legend Metropole Hanoi (1902) with Art Nouveau and colonial designs

As in Argentina, Art Nouveau in other countries was mostly influenced by foreign artists:

• Spaniards were behind Art Nouveau projects in Havana, Cuba, they were even not qualified enough to be called architects.^[149] Spaniards were not directly involved in works in Ponce, Puerto Rico but were an inspiration and a subject of study for local architects in Ponce, Puerto Rico,^[150]
• French were behind Art Nouveau in Tunisia (that was a French protectorate then),
• Germans were behind Jugendstil heritage of Lüderitz, Namibia;^[151] Qingdao, China,
• Italians were behind Art Nouveau in Valparaiso, Chile;^[152] Montevideo, Uruguay; Rio de Janeiro, Brasil,^[153]
• Russians were behind Art Nouveau heritage of Harbin, China,^[154]
• Art Nouveau Heritage in Lima consists of work of Italians Masperi brothers, French architect Claude Sahut and British masters of stained glass^[155]
• Palacio de Bellas Artes in Mexico City was a result of the cooperation of Italians (architect Adamo Boari and sculptor Leonardo Bistolfi), local architect Federico Mariscal [es], Hungarian artists Aladár Körösfői-Kriesch, Géza Maróti and Miksa Róth, Catalan sculptor Agustí Querol Subirats and French master Edgar Brandt.^[156]

Art Nouveau motifs can also be found in French Colonial artchitechture throughout French Indochina.

A notable art movement called Bezalel school appeared in the Palestine region in dating to the late Ottoman and British Mandate periods. It has been described as “a fusion of oriental art and Jugendstil.”^[157] Several artists associated with the Bezalel school were noted for their Art Nouveau style, including Ze’ev Raban, Ephraim Moses Lilien and Abel Pann.^[158]

Characteristics

• Floor of the Hôtel Tassel, by Victor Horta, with a whiplash vegetal motif (1893)

• Coup de Fouet or whiplash motif, depicting the stems of cyclamen flowers, by Hermann Obrist (1895)

• Stylized vegetal forms; Entrance of the Anvers Metro Station in Paris by Hector Guimard (1900)

• Floral patterns. Lamp with Wisteria design by Louis Comfort Tiffany (1899-1900)

• Exotic materials and decoration. Mahogany and amourette wood cabinet with water lily decoration of gilded bronze by Louis Majorelle (1905–08)

• Highly stylized floral designs in balconies and railings. Otto Wagner stairway in Majolica House, Vienna (1898)

• Geometric lines the Vienna Secession; Palais Stoclet by Josef Hoffmann (1905–1911)

Early Art Nouveau, particularly in Belgium and France, was characterized by undulating, curving forms inspired by lilies, vines, flower stems and other natural forms, used in particular in the interiors of Victor Horta and the decoration of Louis Majorelle and Émile Gallé.^[159] It also drew upon patterns based on butterflies and dragonflies, borrowed from Japanese art, which were popular in Europe at the time.^[159]

Early Art Nouveau also often featured more stylized forms expressing movement, such as the coup de fouet or “whiplash” line, depicted in the cyclamen plants drawn by designer Hermann Obrist in 1894. A description published in Pan magazine of Hermann Obrist’s wall hanging Cyclamen (1894), compared it to the “sudden violent curves generated by the crack of a whip,”^[160] The term “whiplash”, though it was originally used to ridicule the style, is frequently applied to the characteristic curves employed by Art Nouveau artists.^[160] Such decorative undulating and flowing lines in a syncopated rhythm and asymmetrical shape, are often found in the architecture, painting, sculpture, and other forms of Art Nouveau design.^[160]

Other floral forms were popular, inspired by lilies, wisteria and other flowers, particularly in the lamps of Louis Comfort Tiffany and the glass objects made by the artists of the School of Nancy and Émile Gallé. Other curving and undulating forms borrowed from nature included butterflies, peacocks, swans, and water lilies. Many designs depicted women’s hair intertwined with stems of lilies, irises and other flowers.^[161] Stylized floral forms were particularly used by Victor Horta in carpets, balustrades, windows, and furniture. They were also used extensively by Hector Guimard for balustrades, and, most famously, for the lamps and railings at the entrances of the Paris Metro. Guimard explained: “That which must be avoided in everything that is continuous is the parallel and symmetry. Nature is the greatest builder and nature makes nothing that is parallel and nothing that is symmetrical.”^[162]

Earlier Art Nouveau furniture, such as that made by Louis Majorelle and Henry van de Velde, was characterized by the use of exotic and expensive materials, including mahogany with inlays of precious woods and trim, and curving forms without right angles. It gave a sensation of lightness.

In the second phase of Art Nouveau, following 1900, the decoration became purer and the lines were more stylized. The curving lines and forms evolved into polygons and then into cubes and other geometric forms. These geometric forms were used with particular effect in the architecture and furniture of Joseph Maria Olbrich, Otto Wagner, Koloman Moser and Josef Hoffmann, especially the Palais Stoclet in Brussels, which announced the arrival of Art Deco and modernism.^[81][82][83]

Another characteristic of Art Nouveau architecture was the use of light, by opening up of interior spaces, by the removal of walls, and the extensive use of skylights to bring a maximum amount of light into the interior. Victor Horta’s residence-studio and other houses built by him had extensive skylights, supported on curving iron frames. In the Hotel Tassel he removed the traditional walls around the stairway, so that the stairs became a central element of the interior design.

Relationship with contemporary styles and movements

Two examples of rococo: a design of a console table from 1752 (in the left), and a porcelain covered tureen from 1756 (in the right). Curves, vegetal ornaments, asymmetry and motifs inspired by nature were widly used both in Rococo Revival (one of the most popular styles in the 1870s and 1880s) and Art Nouveau

As an art style, Art Nouveau has affinities with the Pre-Raphaelites and the Symbolist styles, and artists like Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt and Jan Toorop could be classed in more than one of these styles. Unlike Symbolist painting, however, Art Nouveau has a distinctive appearance; and, unlike the artisan-oriented Arts and Crafts movement, Art Nouveau artists readily used new materials, machined surfaces, and abstraction in the service of pure design.

Art Nouveau did not eschew the use of machines, as the Arts and Crafts movement did. For sculpture, the principal materials employed were glass and wrought iron, resulting in sculptural qualities even in architecture. Ceramics were also employed in creating editions of sculptures by artists such as Auguste Rodin.^[163] though his sculpture is not considered Art Nouveau.

Art Nouveau architecture made use of many technological innovations of the late 19th century, especially the use of exposed iron and large, irregularly shaped pieces of glass for architecture.

Art Nouveau tendencies were also absorbed into local styles. In Denmark, for example, it was one aspect of Skønvirke (“aesthetic work”), which itself more closely relates to the Arts and Crafts style.^[164][165] Likewise, artists adopted many of the floral and organic motifs of Art Nouveau into the Młoda Polska (“Young Poland”) style in Poland.^[166] Młoda Polska, however, was also inclusive of other artistic styles and encompassed a broader approach to art, literature, and lifestyle.^[167]

Architecturally, Art Nouveau has affinities with styles that, although modern, exist outside the modernist tradition established by architects like Walter Gropius and Le Corbusier. It is particularly closely related to Expressionist architecture, which shares its preference for organic shapes, but grew out of an intellectual dissatisfaction with Art Nouveau’s approach to ornamentation. As opposed to Art Nouveau’s focus on plants and vegetal motifs, Expressionism takes inspiration from things like caves, mountains, lightning, crystal, and rock formations.^[168] Another style conceived as a reaction to Art Nouveau was Art Deco, which rejected organic surfaces altogether in preference for a rectilinear style derived from the contemporary artistic avant-garde.

Genres

Art Nouveau is represented in painting and sculpture, but it is most prominent in architecture and the decorative arts. It was well-suited to the graphic arts, especially the poster, interior design, metal and glass art, jewellery, furniture design, ceramics and textiles.

Posters and graphic art

• The Peacock Skirt, by Aubrey Beardsley, (1892)

• First issue of The Studio, with cover by Aubrey Beardsley (1893)

• Poster for Grafton Galleries by Eugène Grasset (1893)

• Divan Japonais lithograph by Henri de Toulouse-Lautrec (1892–93)

• The Inland Printer magazine cover by Will H. Bradley (1894)

• Poster for The Chap-Book by Will H. Bradley (1895)

• Biscuits Lefèvre-Utile by Alphonse Mucha (1896)

• Zodiac Calendar by Alphonse Mucha (1896)

• Motocycles Comiot by Théophile-Alexandre Steinlen from Les Maîtres de l’affiche (1899)

• Ver Sacrum illustration by Koloman Moser (1899)

• illustration from Ver Sacrum by Koloman Moser (1900)

• Festival poster by Ludwig Hohlwein (1910)

The graphic arts flourished in the Art Nouveau period, thanks to new technologies of printing, particularly colour lithography, which allowed the mass production of colour posters. Art was no longer confined to galleries, museums and salons; it could be found on Paris walls, and in illustrated art magazines, which circulated throughout Europe and to the United States. The most popular theme of Art Nouveau posters was women; women symbolizing glamour, modernity and beauty, often surrounded by flowers.

In Britain, the leading graphic artist in the Art Nouveau style was Aubrey Beardsley (1872–1898). He began with engraved book illustrations for Le Morte d’Arthur, then black and white illustrations for Salome by Oscar Wilde (1893), which brought him fame. In the same year, he began engraving illustrations and posters for the art magazine The Studio, which helped publicize European artists such as Fernand Khnopff in Britain. The curving lines and intricate floral patterns attracted as much attention as the text.^[169]

The Swiss-French artist Eugène Grasset (1845–1917) was one of the first creators of French Art Nouveau posters. He helped decorate the famous cabaret Le Chat noir in 1885 and made his first posters for the Fêtes de Paris. He made a celebrated poster of Sarah Bernhardt in 1890, and a wide variety of book illustrations. The artist-designers Jules Chéret, Georges de Feure and the painter Henri de Toulouse-Lautrec all made posters for Paris theaters, cafés, dance halls cabarets. The Czech artist Alphonse Mucha (1860–1939) arrived in Paris in 1888, and in 1895 made a poster for actress Sarah Bernhardt in the play Gismonda by Victorien Sardou. The success of this poster led to a contract to produce posters for six more plays by Bernhardt. Over the next four years, he also designed sets, costumes, and even jewellery for the actress.^[170][171] Based on the success of his theater posters, Mucha made posters for a variety of products, ranging from cigarettes and soap to beer biscuits, all featuring an idealized female figure with an hourglass figure. He went on to design products, from jewellery to biscuit boxes, in his distinctive style.^[172]

In Vienna, the most prolific designer of graphics and posters was Koloman Moser (1868–1918), who actively participated in the Secession movement with Gustav Klimt and Josef Hoffmann, and made illustrations and covers for the magazine of the movement, Ver Sacrum, as well as paintings, furniture and decoration.^[173]

Painting

• Le Corsage rayé by Édouard Vuillard (1895), National Gallery of Art

• Paul Sérusier, Women at the Spring, Musée d’Orsay (1898)

• Beethoven Frieze in the Sezessionshaus in Vienna by Gustav Klimt (1902)

• Watercolour and ink painting of Loïe Fuller Dancing, by Koloman Moser (1902)

• Slavia by Alphonse Mucha (1908)

• Sgraffito by Paul Cauchie on his residence and studio, Brussels (1905)

• Detail of the frieze by Gustav Klimt in the Palais Stoclet, Brussels (1905–1911)

Painting was another domain of Art Nouveau, though most painters associated with Art Nouveau are primarily described as members of other movements, particularly post-impressionism and symbolism. Alphonse Mucha was famous for his Art Nouveau posters, which frustrated him. According to his son and biographer, Jiří Mucha, he did not think much of Art Nouveau. “What is it, Art Nouveau? he asked. “…Art can never be new.”^[174] He took the greatest pride in his work as a history painter. His one Art-Nouveau inspired painting, “Slava”, is a portrait of the daughter of his patron in Slavic costume, which was modelled after his theatrical posters.^[174]

The painters most closely associated with Art Nouveau were Les Nabis, post-impressionist artists who were active in Paris from 1888 until 1900. One of their stated goals was to break down the barrier between the fine arts and the decorative arts. They painted not only canvases, but also decorative screens and panels. Many of their works were influenced by the aesthetics of Japanese prints. The members included Pierre Bonnard, Maurice Denis, Paul Ranson, Édouard Vuillard, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, and Paul Sérusier.^[175]

In Belgium, Fernand Khnopff worked in both painting and graphic design. Wall murals by Gustav Klimt were integrated into decorative scheme of Josef Hoffmann for the Palais Stoclet. The Klimt mural for the dining room at the Palais Stoclet (1905–1911) is considered a masterpiece of late Art Nouveau.

One subject did appear both in traditional painting and Art Nouveau; the American dancer Loie Fuller, was portrayed by French and Austrian painters and poster artists.^[39]

One particular style that became popular in the Art Nouveau period, especially in Brussels, was sgraffito, a technique invented in the Renaissance of applying layers of tinted plaster to make murals on the facades of houses. This was used in particular by Belgian architect Paul Hankar for the houses he built for two artist friends, Paul Cauchie and Albert Ciamberlani.

Glass art

• Cup Par une telle nuit by Émile Gallé, France, (1894)

• Lampe aux ombelles by Émile Gallé, France, (about 1902)

• Rose de France cup by Émile Gallé, (1901)

• Daum vase, France, (1900)

• Lamp by Daum, France (1900)

• Henri de Toulouse-Lautrec, Louis Comfort Tiffany, Au Nouveau Cirque, Papa Chrysanthème, c.1894, stained glass, Musée d’Orsay

• Stained glass window Veranda de la Salle by Jacques Grüber in Nancy, France (1904)

• Blown glass with flower design by Karl Koepping, Germany, (1896)

• Glass designed by Otto Prutscher (Austria) (1909)

• Window for the House of an Art Lover, by Margaret Macdonald Mackintosh (1901)

• Lily lamp by Louis Comfort Tiffany (1900–1910)

• Iridescent vase by Louis Comfort Tiffany (1904)

• Jack-in-the-pulpit vase, Louis Comfort Tiffany, U.S. (1910)^[176]

• Stained glass window Architecture by John La Farge U.S. (1903)

• Stained glass windows by Koloman Moser for the Church of St. Leopold, Vienna (1902–07)

Glass art was a medium in which Art Nouveau found new and varied ways of expression. Intense amount of experimentation went on, particularly in France, to find new effects of transparency and opacity: in engraving win cameo, double layers, and acid engraving, a technique that permitted production in series. The city of Nancy became an important centre for the French glass industry, and the workshops of Émile Gallé and the Daum studio, led by Auguste and Antonin Daum, were located there. They worked with many notable designers, including Ernest Bussière [fr], Henri Bergé (illustrateur) [fr], and Amalric Walter. They developed a new method of incrusting glass by pressing fragments of different coloured glass into the unfinished piece. They often collaborated with the furniture designer Louis Majorelle, whose home and workshops were in Nancy. Another feature of Art Nouveau was the use of stained glass windows with that style of floral themes in residential salons, particularly in the Art Nouveau houses in Nancy. Many were the work of Jacques Grüber, who made windows for the Villa Majorelle and other houses.^[177]

In Belgium, the leading firm was the glass factory of Val Saint Lambert, which created vases in organic and floral forms, many of them designed by Philippe Wolfers. Wolfers was noted particularly for creating works of symbolist glass, often with metal decoration attached. In Bohemia, then a region of the Austro-Hungarian Empire noted for crystal manufacture, the companies J. & L. Lobmeyr and Joh. Loetz Witwe also experimented with new colouring techniques, producing more vivid and richer colours. In Germany, experimentation was led by Karl Köpping, who used blown glass to create extremely delicate glasses in the form of flowers; so delicate that few survive today.^[178]

In Vienna, the glass designs of the Secession movement were much more geometrical than those of France or Belgium; Otto Prutscher was the most rigorous glass designer of the movement.^[178] In Britain, a number of floral stained glass designs were created by Margaret Macdonald Mackintosh for the architectural display called “The House of an Art Lover”.

In the United States, Louis Comfort Tiffany and his designers became particularly famous for their lamps, whose glass shades used common floral themes intricately pieced together. Tiffany lamps gained popularity after the World’s Columbian Exposition in Chicago in 1893, where Tiffany displayed his lamps in a Byzantine-like chapel. Tiffany experimented extensively with the processes of colouring glass, patenting in 1894 the process Favrile glass, which used metallic oxides to colour the interior of the molten glass, giving it an iridescent effect. His workshops produced several different series of the Tiffany lamp in different floral designs, along with stained glass windows, screens, vases and a range of decorative objects. His works were first imported to Germany, then to France by Siegfried Bing, and then became one of the decorative sensations of the 1900 Exposition. An American rival to Tiffany, Steuben Glass, was founded in 1903 in Corning, NY, by Frederick Carder, who, like Tiffany, used the Fevrile process to create surfaces with iridescent colours. Another notable American glass artist was John La Farge, who created intricate and colourful stained glass windows on both religious and purely decorative themes.^[178]

Examples of stained glass windows in churches can be found in the Art Nouveau religious buildings article.

Metal art

• Balcony of Castel Béranger in Paris, by Hector Guimard (1897–98)

• Railings by Louis Majorelle for the Bank Renauld in Nancy

• Tulip candelabra by Fernand Dubois (1899)

• Table Lamp by François-Raoul Larche in gilt bronze, with the dancer Loïe Fuller as model (1901)

• Entrance grill of the Villa Majorelle in Nancy (1901–02)

• Light fixture by Victor Horta (1903)

• Cast iron Baluster by George Grant Elmslie (1899-1904)

• Lamp by German architect Friedrich Adler (1903–04)

• Lamp by Ernst Riegel made of silver and malachite (1905)

• Gate of the Palais Stoclet by Josef Hoffmann, Brussels (1905-1911)

• Gate of Villa Knopf in Strasbourg (1905)

The 19th-century architectural theorist Viollet-le-Duc had advocated showing, rather than concealing the iron frameworks of modern buildings, but Art Nouveau architects Victor Horta and Hector Guimard went a step further: they added iron decoration in curves inspired by floral and vegetal forms both in the interiors and exteriors of their buildings. They took the form of stairway railings in the interior, light fixtures, and other details in the interior, and balconies and other ornaments on the exterior. These became some of the most distinctive features of Art Nouveau architecture. The use of metal decoration in vegetal forms soon also appeared in silverware, lamps, and other decorative items.^[179]

In the United States, the designer George Grant Elmslie made extremely intricate cast iron designs for the balustrades and other interior decoration of the buildings of Chicago architect Louis Sullivan.

While French and American designers used floral and vegetal forms, Joseph Maria Olbrich and the other Secession artists designed teapots and other metal objects in a more geometric and sober style.^[180]

Jewellery

• Carved horn decorated with pearls, by Louis Aucoc (circa 1900)

• Translucent enamel flowers with small diamonds in the veins, by Louis Aucoc (circa 1900)

• “Flora” brooch by Louis Aucoc (circa 1900)

• A corsage ornament by Louis Tiffany (1900)

• Dragonfly Lady brooch by René Lalique, made of gold, enamel, chrysoprase, moonstone, and diamonds (1897–98)

• Brooch with woman by René Lalique

• Necklace by Charles Robert Ashbee (1901)

• Brooch of horn with enamel, gold and aquamarine by Paul Follot (1904–09)

• Philippe Wolfers, Niké Brooch (1902), collection King Baudouin Foundation, depot: KMKG-MRAH

Art Nouveau jewellery’s characteristics include subtle curves and lines. Its design often features natural objects including flowers, animals or birds. The female body is also popular often appearing on cameos. It frequently included long necklaces made of pearls or sterling-silver chains punctuated by glass beads or ending in a silver or gold pendant, itself often designed as an ornament to hold a single, faceted jewel of amethyst, peridot, or citrine.^[181]

The Art Nouveau period brought a notable stylistic revolution to the jewellery industry, led largely by the major firms in Paris. For the previous two centuries, the emphasis in fine jewellery had been creating dramatic settings for diamonds. During the reign of Art Nouveau, diamonds usually played a supporting role. Jewellers experimented with a wide variety of other stones, including agate, garnet, opal, moonstone, aquamarine and other semi-precious stones, and with a wide variety of new techniques, among others enamelling, and new materials, including horn, moulded glass, and ivory.

Early notable Paris jewellers in the Art Nouveau style included Louis Aucoc, whose family jewellery firm dated to 1821. The most famous designer of the Art Nouveau period, René Lalique, served his apprenticeship in the Aucoc studio from 1874 to 1876. Lalique became a central figure of Art Nouveau jewellery and glass, using nature, from dragonflies to grasses, as his models. Artists from outside of the traditional world of jewellery, such as Paul Follot, best known as a furniture designer, experimented with jewellery designs. Other notable French Art Nouveau jewellery designers included Jules Brateau and Georges Henry. In the United States, the most famous designer was Louis Comfort Tiffany, whose work was shown at the shop of Siegfried Bing and also at the 1900 Paris Exposition.

In Britain, the most prominent figure was the Liberty & Co. & Cymric designer Archibald Knox, who made a variety of Art Nouveau pieces, including silver belt buckles. C. R. Ashbee designed pendants in the shapes of peacocks. The versatile Glasgow designer Charles Rennie Mackintosh also made jewellery, using traditional Celtic symbols. In Germany, the centre for Jugendstil jewellery was the city of Pforzheim, where most of the German firms, including Theodor Fahrner, were located. They quickly produced works to meet the demand for the new style.^[181]

Architecture and ornamentation

• Entrance of Hôtel Solvay in Brussels by Victor Horta (1898)

• Detail of the facade of the Villa Majorelle by Henri Sauvage in Nancy (1901–02)

• Thistles and curve-lined mascarons in decoration of Les Chardons building by Charles Klein in Paris (1903)

• Jugendstil straight-lined mascaron in Riga, Latvia (1906)

• Whiplash motifs at Vitebsky railway station by Sima Mihash and Stanislav Brzozowski, Saint Petersburg (1904)

• One of the mascarons made by Adamo Boari in the facade of the Palacio de Bellas Artes in Mexico City, Mexico (1904–1934)

• Asymmetric facade with curved lines of De Beck building by Gustave Strauven in Brussels (1905)

• Irises and mascaron at the facade of Schichtel building by Aloys Walter in Strasbourg, France (1905–06)

Art Nouveau architecture was a reaction against the eclectic styles that dominated European architecture in the second half of the 19th century. It was expressed through decoration: either ornamental (based on flowers and plants, e.g. thistles,^[182] irises,^[183] cyclamens, orchids, water lilies etc.) or sculptural (see the respective section below). While faces of people (or mascarons) are referred to ornament, the use of people in different forms of sculpture (statues and reliefs: see the respective section below) was also common in some forms of Art Nouveau. Before Vienna Secession, Jugendstil and the various forms of the National romantic style façades were asymmetrical, and often decorated with polychrome ceramic tiles. The decoration usually suggested movement; there was no distinction between the structure and the ornament.^[184] A curling or “whiplash” motif, based on the forms of plants and flowers, was widely used in the early Art Nouveau, but decoration became more abstract and symmetrical in Vienna Secession and other later versions of the style, as in the Palais Stoclet in Brussels (1905–1911).^[185]

The style first appeared in Brussels’ Hankar House by Paul Hankar (1893) and Hôtel Tassel (1892–93) of Victor Horta. The Hôtel Tassel was visited by Hector Guimard, who used the same style in his first major work, the Castel Béranger (1897–98). Horta and Guimard also designed the furniture and the interior decoration, down to the doorknobs and carpeting. In 1899, based on the fame of the Castel Béranger, Guimard received a commission to design the entrances of the stations of the new Paris Métro, which opened in 1900. Though few of the originals survived, these became the symbol of the Art Nouveau movement in Paris.

In Paris, the architectural style was also a reaction to the strict regulations imposed on building facades by Georges-Eugène Haussmann, the prefect of Paris under Napoleon III. Bow windows were finally allowed in 1903, and Art Nouveau architects went to the opposite extreme, most notably in the houses of Jules Lavirotte, which were essentially large works of sculpture, completely covered with decoration. An important neighbourhood of Art Nouveau houses appeared in the French city of Nancy, around the Villa Majorelle (1901–02), the residence of the furniture designer Louis Majorelle. It was designed by Henri Sauvage as a showcase for Majorelle’s furniture designs.^[184]

• Spiral staircase in Maison and Atelier Horta by Victor Horta in Brussels (1898–1901)

• Detail of Stoclet Palace in Brussels (1905–1911)

• Interior of Palau de la Música Catalana in Barcelona (1905–1909)

• Entrance buildings in Parc Güell by Antoni Gaudí in Barcelona (1900–1914)

Many Art Nouveau buildings were included in UNESCO World Cultural Heritage list as a part of their city centres (in Bern, Budapest, Lviv, Paris, Porto, Prague, Riga, Saint Petersburg, Strasbourg (Neustadt), Vienna). Along with them, there were buildings that were included in the list as separate objects:

• Belgium: the works of Victor Horta (Hôtel Tassel, Hôtel Solvay, Hôtel van Eetvelde, Maison and Atelier Horta)^[5] and the Stoclet Palace by Josef Hoffmann in Brussels;
• Spain: the works of Lluís Domènech i Montaner^[111] (Palau de la Música Catalana and Hospital de Sant Pau in Barcelona), and the works of Antoni Gaudí^[186] (Park Güell, Palau Güell, Sagrada Família, Casa Batlló, Casa Milá, Casa Vicens in Barcelona; Colònia Güell in Santa Coloma de Cervelló).

Sculpture

• Dancer with a Scarf by Agathon Léonard, made for the Manufacture nationale de Sèvres, France (1898)

• Statue of polychrome terracotta by Lambert Escaler [ca] in Barcelona (1901)

• High-relief of swans and statues in the interior of Aarhus Theatre by Karl Hansen Reistrup in Aarhus, Denmark (1897–1900)

• High-relief of owls in Katajanokka by Georg Wasastjerna, Helsinki (1903)

• Sculpture by Ernest Bussière in Nancy, France

• Bear statue by Emil Wikström at National Museum of Finland (1905–1910)

• Bas-relief in Sprudelhof by Heinrich Jobst in Bad Nauheim, Germany (1905–1911)

• Monument to Siege of Zaragoza by Agustí Querol Subirats (1908)

• Ceramic relief and statue by Stanislav Sucharda in Hradec Kralove, Czech Republic (1909–1912)

• Gargoyle by Josep Plantada i Artiga in Tortosa, Catalonia, Spain (1915)

• Atlantes, caryatids at Sankt-Mang-Brunnen by Georg Wrba in Kempten, Germany (1905)

• Ceramic putti in Music conservatory of Barcelona by Eusebi Arnau (1916–28)

Sculpture was another form of expression for Art Nouveau artists, crossing with ceramics sometimes. The porcelain figurine Dancer with a Scarf by Agathon Léonard won recognition both in ceramics and in sculpture at the Paris Exposition in 1900. Sculptors of other countries also created ceramic sculptures: Bohemian Stanislav Sucharda and Ladislav Šaloun, Belgian Charles Van der Stappen and Catalan Lambert Escaler [ca], who created statues of polychrome terracotta. Another notable sculptor of that time was Agustí Querol Subirats from Catalonia who created statues in Spain, Mexico, Argentina, and Cuba.^[187]

In architectural sculpture not only statues but also reliefs were used. Art Nouveau architects and sculptors found inspiration in animal motifs (butterflies,^[188] peacocks,^[189] swans,^[190] owls,^[191] bats,^[192] dragons,^[193] bears^[194]). Atlantes,^[195] caryatids,^[196] putti,^[197] and gargoyles^[198] were also used.

Furniture

• Chair by Henry van de Velde, Belgium (1896)

• Chair by Charles Rennie Mackintosh, UK (1897–1900)

• Stool by Paul Hankar, Belgium (1898)

• Wardrobe by Richard Riemerschmid, Germany (1902)

• A bedroom by Louis Majorelle (1903–1904)

• Dining room by Eugène Vallin, France (1903)

• Chair by Rupert Carabin, France (1895)

• Furniture set by Victor Horta in the Hôtel Aubeque from Brussels (1902–1904)

• Chair by Charles Rohlfs, US (1898–1899)

• “Snail chair” and other furniture by Carlo Bugatti, Italy (1902)

• Chair by Gaspar Homar, Spain (1903)

• “Dawn and Dusk” bed by Émile Gallé, France (1904)

• Adjustable armchair Model 670 “Sitting Machine” designed by Josef Hoffmann, Austria (1904–1906)

• Victor Horta, furniture from Turin (1902), in the collection of the King Baudouin Foundation.

Furniture design in the Art Nouveau period was closely associated with the architecture of the buildings; the architects often designed the furniture, carpets, light fixtures, doorknobs, and other decorative details. The furniture was often complex and expensive; a fine finish, usually polished or varnished, was regarded as essential, and continental designs were usually very complex, with curving shapes that were expensive to make. It also had the drawback that the owner of the home could not change the furniture or add pieces in a different style without disrupting the entire effect of the room. For this reason, when Art Nouveau architecture went out of style, the style of furniture also largely disappeared.

In France, the centre for furniture design and manufacture was in Nancy, where two major designers, Émile Gallé and Louis Majorelle had their studios and workshops, and where the Alliance des industries d’art (later called the School of Nancy) had been founded in 1901. Both designers based on their structure and ornamentation on forms taken from nature, including flowers and insects, such as the dragonfly, a popular motif in Art Nouveau design. Gallé was particularly known for his use of marquetry in relief, in the form of landscapes or poetic themes. Majorelle was known for his use of exotic and expensive woods, and for attaching bronze sculpted in vegetal themes to his pieces of furniture. Both designers used machines for the first phases of manufacture, but all the pieces were finished by hand. Other notable furniture designers of the Nancy School included Eugène Vallin and Émile André; both were architects by training, and both designed furniture that resembled the furniture from Belgian designers such as Horta and Van de Velde, which had less decoration and followed more closely the curving plants and flowers. Other notable French designers included Henri Bellery-Desfontaines, who took his inspiration from the neo-Gothic styles of Viollet-le-Duc; and Georges de Feure, Eugène Gaillard, and Édouard Colonna, who worked together with art dealer Siegfried Bing to revitalize the French furniture industry with new themes. Their work was known for “abstract naturalism”, its unity of straight and curved lines, and its rococo influence. The furniture of de Feure at the Bing pavilion won a gold medal at the 1900 Paris Exposition. The most unusual and picturesque French designer was François-Rupert Carabin, a sculptor by training, whose furniture featured sculpted nude female forms and symbolic animals, particularly cats, who combined Art Nouveau elements with Symbolism. Other influential Paris furniture designers were Charles Plumet, and Alexandre Charpentier.^[199] In many ways the old vocabulary and techniques of classic French 18th-century Rococo furniture were re-interpreted in a new style.^[10]

In Belgium, the pioneer architects of the Art Nouveau movement, Victor Horta and Henry van de Velde, designed furniture for their houses, using vigorous curving lines and a minimum of decoration. The Belgian designer Gustave Serrurier-Bovy added more decoration, applying brass strips in curving forms. In the Netherlands, where the style was called Nieuwe Kunst or New Art, H. P. Berlag, Lion Cachet and Theodor Nieuwenhuis followed a different course, that of the English Arts and Crafts movement, with more geometric rational forms.

In Britain, the furniture of Charles Rennie Mackintosh was purely Arts and Crafts, austere and geometrical, with long straight lines and right angles and a minimum of decoration.^[200] Continental designs were much more elaborate, often using curved shapes both in the basic shapes of the piece, and in applied decorative motifs. In Germany, the furniture of Peter Behrens and the Jugendstil was largely rationalist, with geometric straight lines and some decoration attached to the surface. Their goal was exactly the opposite of French Art Nouveau; simplicity of structure and simplicity of materials, for furniture that could be inexpensive and easily mass-manufactured. The same was true for the furniture of designers of the Wiener Werkstätte in Vienna, led by Otto Wagner, Josef Hoffmann, Josef Maria Olbrich and Koloman Moser. The furniture was geometric and had a minimum of decoration, though in style it often followed national historic precedent, particularly the Biedemeier style.^[201]

Italian and Spanish furniture design went off in their own direction. Carlo Bugatti in Italy designed the extraordinary Snail Chair, wood covered with painted parchment and copper, for the Turin International Exposition of 1902. In Spain, following the lead of Antoni Gaudí and the Modernismo movement, the furniture designer Gaspar Homar designed works that were inspired by natural forms with touches of Catalan historic styles.^[126]

In the United States, furniture design was more often inspired by the Arts and Crafts movement, or by historic American models, than by the Art Nouveau. One designer who did introduce Art Nouveau themes was Charles Rohlfs in Buffalo, New York, whose designs for American white oak furniture were influenced by motifs of Celtic Art and Gothic art, with touches of Art Nouveau in the metal trim applied to the pieces.^[126]

Ceramics

• Glazed earthenware vase by Émile Gallé(1880–1885) (Metropolitan Museum)

• Earthenware plate and sculpted stand (1884) by Émile Gallé (Metropolitan Museum)

• Faience or earthenware vase with two feet, with mountain night scene on the back and a floral daylight scene with butterfly on the front, by Émile Gallé (1884–1885)

• Vase by Maurice Dufrêne, France, (1900)

• Bowl by Auguste Delaherche, Paris, (1901)

• Edmond Lachenal, vase, France (1902)

• Limoges enamel by Paul Bonnaud, France (1903)

• Faience vase by Thorvald Bindesbøll, Denmark, (1893)

• Vase by Alf Wallander, Sweden (1897)

• Vase with copper ornaments by the Rosenthal ceramics factory, Bavaria, Germany, (1900)

• Porcelain stoneware punch bowl by Richard Riemerschmid, Germany, (1902)

• Ceramic facade decoration of Lavirotte Building by Alexandre Bigot, Paris (1901)

• Ceramic tile façade decoration by Galileo Chini, Italy, (1904)

• Vase by József Rippl-Rónai Hungary, (1900)

• Vase with vines and snails by Pál Horti, Hungary (1900)

• Glazed earthenware pot by the Grueby Faience Company of Boston (1901)

• Amphora with elm-leaf and blackberry manufactured by Stellmacher & Kessner

• Rookwood Pottery Company vase of ceramic overlaid with silver by Kataro Shirayamadani, U.S., (1892)

• Rookwood Pottery Company vase by Carl Schmidt (1904)

• Zsolnay factory and Miksa Róth mosaics of Schmidl Mausoleum in Budapest (1902–03)

• Tile of Cooperativa Agrícola in Aveiro (1913)

Ceramic art, including faience, was another flourishing domain for Art Nouveau artists, in the English-speaking countries falling under the wider art pottery movement. The last part of the 19th century saw many technological innovations in the manufacture of ceramics, particularly the development of high temperature (grand feu) ceramics with crystallised and matte glazes. At the same time, several lost techniques, such as sang de boeuf glaze, were rediscovered. Art Nouveau ceramics were also influenced by traditional and modern Japanese and Chinese ceramics, whose vegetal and floral motifs fitted well with the Art Nouveau style. In France, artists also rediscovered the traditional stoneware (grés) methods and reinvented them with new motifs.^[202]

Émile Gallé, in Nancy, created earthenware works in natural earth colors with naturalistic themes of plants and insects. Ceramics also found an important new use in architecture: Art Nouveau architects, Jules Lavirotte and Hector Guimard among them, began to decorate the façades of buildings with architectural ceramics, many of them made by the firm of Alexandre Bigot, giving them a distinct Art Nouveau sculptural look.^[202]

One of the pioneer French Art Nouveau ceramists was Ernest Chaplet, whose career in ceramics spanned thirty years. He began producing stoneware influenced by Japanese and Chinese prototypes. Beginning in 1886, he worked with painter Paul Gauguin on stoneware designs with applied figures, multiple handles, painted and partially glazed, and collaborated with sculptors Félix Bracquemond, Jules Dalou and Auguste Rodin. His works were acclaimed at the 1900 Exposition.

The major national ceramics firms had an important place at the 1900 Paris Exposition: the Manufacture nationale de Sèvres outside Paris; Nymphenburg, Meissen, Villeroy & Boch in Germany, and Doulton in Britain. Other leading French ceramists included Taxile Doat, Pierre-Adrien Dalpayrat, Edmond Lachenal, Albert Dammouse [fr] and Auguste Delaherche.^[203]

In France, Art Nouveau ceramics sometimes crossed the line into sculpture. The porcelain figurine Dancer with a Scarf by Agathon Léonard, made for the Manufacture nationale de Sèvres, won recognition in both categories at the 1900 Paris Exposition.

The Zsolnay factory in Pécs, Hungary, was founded by Miklós Zsolnay (1800–1880) in 1853 and led by his son, Vilmos Zsolnay (1828–1900) with chief designer Tádé Sikorski (1852–1940) to produce stoneware and other ceramics. In 1893, Zsolnay introduced porcelain pieces made of eosin. He led the factory to worldwide recognition by demonstrating its innovative products at world fairs and international exhibitions, including the 1873 World Fair in Vienna, then at the 1878 World Fair in Paris, where Zsolnay received a Grand Prix. Frost-resisting Zsolnay building decorations were used in numerous buildings, specifically during the Art Nouveau movement.^[204]

Ceramic tiles were also a distinctive feature of Portuguese Arte Nova that continued the long azulejo tradition of the country.

Mosaics

• Majolica House in Vienna by Otto Wagner (1898)

• Majolica fireplace, house of Bazhanov, Abramtsevo Colony, by Mikhail Vrubel (1898)

• Mosaics of Fox and Anchor pub by William James Neatby in London (1898)

• Mosaic which portrays summer as a woman, with a Byzantine Revival golden background, in Antwerp, Belgium

• Mosaics designed by Oskar Graf for Merkel’sches Schwimmbad [de] in Esslingen am Neckar, Germany (1905–1907)

• Mosaics of Villa l’Aube by Auguste Donnay, Belgium

• Mandylion by Nicholas Roerich in Talashkino, Russia (1908–1914)^[205]

• Mosaics for Palace of Culture by Aladár Körösfői-Kriesch and Miksa Róth in Târgu Mureș, Romania (1911–1913)

• Trencadís mosaics in Park Güell by Antoni Gaudí in Barcelona (1914)

• Tile of Cooperativa Agrícola in Aveiro (1913)

• Maiolica mural of Abramtsevo Colony in Russia (1870s–1890s)

• Mosaics by Louis Comfort Tiffany (1915)

Mosaics were used by many Art Nouveau artists of different movements, especially of Catalan Modernisme (Hospital de Sant Pau, Palau de la Música Catalana, Casa Lleó-Morera and many others). Antoni Gaudí invented a new technique in the treatment of materials called trencadís, which used waste ceramic pieces.

Colourful Maiolica tile in floral designs wee a distinctive feature of the Majolica House in Vienna by Otto Wagner, (1898) and of the buildings of the works of the Russian Abramtsevo Colony, especially those by Mikhail Vrubel.

Textiles and wallpaper

• Silk and wool tapestry design, Cyclamen, by Hermann Obrist, an early example of the Whiplash motif based on the stem of a cyclamen flower (1895)

• Page on the Water Lily, from the book by Eugène Grasset on ornamental uses of flowers (1899)

• Textile design by Koloman Moser (1899)

• Printed cotton from the Silver Studio, for Liberty department store, U.K. (1904)

• The Shepherd tapestry by János Vaszary (1906) combined Art Nouveau motifs and a traditional Hungarian folk theme

• Victor Horta, A carpet in the collection King Baudouin Foundation.

Textiles and wallpapers were an important vehicle of Art Nouveau from the beginning of the style, and an essential element of Art Nouveau interior design. In Britain, the textile designs of William Morris had helped launch the Arts and Crafts movement and then Art Nouveau. Many designs were created for the Liberty department store in London, which popularized the style throughout Europe. One such designer was the Silver Studio, which provided colourful stylized floral patterns. Other distinctive designs came from Glasgow School, and Margaret Macdonald Mackintosh. The Glasgow school introduced several distinctive motifs, including stylized eggs, geometric forms and the “Rose of Glasgow”.

In France, a major contribution was made by designer Eugène Grasset who in 1896 published La Plante et ses applications ornamentales, suggesting Art Nouveau designs based on different flowers and plants. Many patterns were designed for and produced by for the major French textile manufacturers in Mulhouse, Lille and Lyon, by German and Belgian workshops. The German designer Hermann Obrist specialized in floral patterns, particularly the cyclamen and the “whiplash” style based on flower stems, which became a major motif of the style. The Belgian Henry van de Velde presented a textile work, La Veillée d’Anges, at the Salon La Libre Esthéthique in Brussels, inspired by the symbolism of Paul Gauguin and of the Nabis. In the Netherlands, textiles were often inspired by batik patterns from the Dutch colonies in the East Indies. Folk art also inspired the creation of tapestries, carpets, embroidery and textiles in Central Europe and Scandinavia, in the work of Gerhard Munthe and Frida Hansen in Norway. The Five Swans design of Otto Eckmann appeared in more than one hundred different versions. The Hungarian designer János Vaszary combined Art Nouveau elements with folkloric themes.^[206]

Museums

There are 4 types of museums featuring Art Nouveau heritage:

• Broad-scope museums (not specifically dedicated to Art Nouveau but with large collection of items in this style). Art Nouveau monuments are italicised;
• House-museums of Art Nouveau artists (all but Alphonse Mucha museum are Art Nouveau monuments);
• Museums dedicated to local Art Nouveau movements (all are Art Nouveau monuments);
• Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside (not dedicated to local Art Nouveau movements/specific artists).

Country	Broad-scope museums	House-museums of Art Nouveau artists	Museums dedicated to local Art Nouveau movements	Other Art Nouveau buildings with museum status or featuring a museum inside
Austria	Museum of Applied Arts in Vienna	Secession Building in Vienna	Wagner Pavilions at Karlsplatz and Hietzing in Vienna
Argentina	Juan Carlos Castagnino Municipal Museum of Art in Mar del Plata
Belgium	Fin-de-Siècle Museum in Brussels	Maison and Atelier Horta in Brussels	Belgian Comic Strip Center, Musical Instrument Museum in Brussels
Chile	Palacio Baburizza in Valparaiso
Czech Republic	East Bohemian Museum in Hradec Kralove	Alphonse Mucha Museum in Prague	Museum of Modern Art in Olomouc
Denmark	Museum Sønderjylland in Skærbæk
France	Musée d’Orsay, Museum of Decorative Arts, Carnavalet Museum, Petit Palais in Paris; Musée historique in Haguenau; Musée d’art moderne et contemporain in Strasbourg, Museum of Fine Arts of Nancy	Villa Majorelle in Nancy; Musée Lalique [fr] in Wingen-sur-Moder;	Museum of the Nancy School in Nancy	Maxim’s Art Nouveau “Collection 1900” above Maxim’s restaurant in Paris (groups of twenty or more persons only)
Finland	Ateneum and Finnish National Museum in Helsinki, Turku Art Museum in Turku	Hvitträsk (house of Herman Gesellius, Armas Lindgren, and Eliel Saarinen) in Kirkkonummi and Gallen-Kallela Museum in Espoo
Germany	Bröhan Museum in Berlin, Museum in der Majolika in Karlsruhe, Landesmuseum in Mainz, Museum Wiesbaden in Wiesbaden	Darmstadt Colony Museum [de] in Darmstadt	Osthaus Museum in Hagen
Hungary	Museum of Applied Arts and its branch Villa György Ráth in Budapest	Miksa Róth House museum in Budapest	House of Hungarian Szecesszió in Budapest	Geological Museum in Budapest
Italy	Municipal museum [it] in Casale Monferrato	Villa Bernasconi [it] in Cernobbio
Latvia	Riga Art Nouveau Museum in Riga
Mexico	Museo del Objeto del Objeto in Mexico City
Norway	Jugendstil Centre in Ålesund	Norwegian Museum of Contemporary Art in Oslo
Portugal	Museum of Arte Nova in Aveiro	Museum-Residence of Dr. Anastácio Gonçalves in Lisbon
Romania	Székely National Museum in Sfântu Gheorghe
Russia	Abramtsevo Colony in Moscow region; All-Russian Decorative Art Museum and Gorky Museum in Moscow; State Russian Museum, Museum of Political History of Russia in Saint Petersburg	Fyodor Livchak House Museum in Ulyanovsk[207]	Museum of Talashkino Art Colony in Flenovo, Smolensk Oblast (in Russian only)	Museum of Silver Age of Russian literature in Moscow, Museum of Modern in Samara, Estate of Aseevs in Tambov; Municipal Museum in Primorsk and Estate-museum of Scherbov in Gatchina (both Leningrad Oblast), Taganrog Museum of Architecture and Urbanism in Taganrog, Museum of Belle Epoque Architecture in Ulyanovsk
Spain	National Art Museum of Catalonia in Barcelona, CaixaFòrum in Madrid, Museo Art Nouveau and Art Déco in Salamanca	Gaudí House Museum in Barcelona, Lluís Domènech i Montaner House-Museum in Canet de Mar	Museum of Catalan Modernisme [ca] in Barcelona, Art Nouveau House-Museum [es] in Novelda	Sagrada Família, Hospital de Sant Pau in Barcelona
Sweden	Biological museum in Stockholm, Röhsska Museum in Gothenburg
Switzerland	Musée des Beaux-Arts in La Chaux-de-Fonds [fr]
UK	Victoria and Albert Museum in London; Kelvingrove Museum in Glasgow, Haworth Art Gallery in Accrington[208]	Mackintosh House in Hunterian Museum and Art Gallery in Glasgow	Horniman Museum in London
Ukraine	Art Museum in Chernivtsi, Museum of Local Lore in Poltava
USA	Charles Hosmer Morse Museum of American Art in Winter Park, Florida, Metropolitan Museum of Art in New York, Getty Center in Los Angeles; Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum in New York City, Art Institute of Chicago in Chicago

There are many other Art Nouveau buildings and structures that do not have museum status but can be officially visited for a fee or unofficially for free (e.g. railway stations, churches, cafes, restaurants, pubs, hotels, stores, offices, libraries, cemeteries, fountains as well as numerous apartment buildings that are still inhabited).

See also

• Aestheticism
• Art Nouveau in Poland
• Art Nouveau religious buildings
• Belle Époque
• Fin de siècle
• Paris architecture of the Belle Époque
• Réseau Art Nouveau Network
• Secession (art)
• Second Industrial Revolution
• Timeline of Art Nouveau
• World Art Nouveau Day
• Art Deco

Notes

1. ^ By some researchers Hôtel Jassedé (1893) is also attributed to Art Nouveau^[40]
2. ^ Some sources, e.g. Werkbund archive, cite Van de Velde as one of the founding members.^[75]
3. ^ Made as an Easter gift from Emperor Nicholas II of Russia to his wife

References

1. ^ Sterner (1982), 6.
2. ^ Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art, Art Nouveau
3. ^ ^{a b c} Sembach, Klaus-Jürgen, L’Art Nouveau (2013), pp. 8–30
4. ^ ^{a b} Victor Horta Archived 19 April 2019 at the Wayback Machine – Encyclopædia Britannica
5. ^ ^{a b c d} World Heritage Centre, UNESCO. “Major Town Houses of the Architect Victor Horta (Brussels)”. whc.unesco.org. Archived from the original on 13 May 2013. Retrieved 26 December 2019.
6. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes Victor Horta article
7. ^ “Art Nouveau”, Heilbrunn Timeline of Art History, Metropolitan Museum of Art
8. ^ Vigne, Georges, Hector Guimard – Le geste magnifique de l’Art Nouveau, (2016), Editions du Patrimoine, Centre des Monuments National, p. 194
9. ^ ^{a b c d e} Duncan (1994), pp. 23–24.
10. ^ ^{a b c d e f} Gontar, Cybele. Art Nouveau. In Heilbrunn Timeline of Art History Archived 15 May 2021 at the Wayback Machine. New York: The Metropolitan Museum of Art, 2000 (October 2006)
11. ^ ^{a b c d} Michèle Lavallée, “Art Nouveau”, Grove Dictionary of Art Oxford University Press, accessed 11 April 2008.
12. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 335–358.
13. ^ ^{a b} Madsen, S. Tschudi (1977). Art Nouveau (in Romanian). Editura Meridiane. pp. 7, 71.
14. ^ “Reteaua Art Nouveau”. 7 May 2019. Archived from the original on 9 July 2020. Retrieved 6 May 2020.
15. ^ Bouillon, Jean-Paul, Journal de l’Art Nouveau (1985), p. 6
16. ^ “Chair | Mackmurdo, Arthur Heygate | V&A Explore the Collections”. Archived from the original on 27 February 2020. Retrieved 27 February 2020.
17. ^ Lingenheim, Claire. Art nouveau and Industrie (PDF) (in French). Accadémie Strasbourg. Archived (PDF) from the original on 20 January 2022. Retrieved 20 January 2022. Viollet le Duc is the spokesman a rationalist mouvement where architecture becomes a true science, in which form stems from function.
18. ^ Froissart-Pezone, Rossella (2005). L’Art dans tout. Paris: CNRS éditions.
19. ^ Recht, Roland (2000). “Viollet-le-Duc et Gottfried Semper : conceptions du patrimoine monumental”. Revue Germanique Internationale (in French) (13): 155–168. doi:10.4000/rgi.780. Archived from the original on 20 January 2022. Retrieved 20 January 2022. Nature as a model
20. ^ Bressani, Martin (2014). Viollet le Duc, materials and building techniques (in French). Paris: Editions du Patrimoine. Construction for an architect means using materials for their quality and their own nature
21. ^ Pauliac, Laurence (2005). Viollet-le-Duc et la restauration de la polychromie (in French). Montréal: Université de Montréal. It is fascinating to see how the style of his mural paintings at Notre Dame are precursors of Art Nouveau
22. ^ Viollet-le-Duc, Entretiens sur l’architecture
23. ^ Bouillon 1985, p. 24.
24. ^ Interview in L’Écho de Paris, 28 December 1891, cited in Bouillon (1985)
25. ^ Bouillon 1985, p. 26.
26. ^ Lahor 2007, p. 30.
27. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 91–93.
28. ^ Fahr-Becker 2015, p. 143.
29. ^ Oudin, Bernard, Dictionnaiare des Architectes (1994), p. 237
30. ^ Sembach, L’Art Nouveau p. 47
31. ^ ^{a b} Culot and Pirlot, Bruxelles Art Nouveau (2005), pp. 74–75.
32. ^ Sembach, L’Art Nouveau- L’Utopie de la Réconciliation (1991) pp. 46–47
33. ^ Lahor 2007, p. 127.
34. ^ Sachar, Brian (1984). An Atlas of European Architecture. Van Nostrand Reinhold. p. 27. ISBN 978-0-4422-8149-6.
35. ^ Champigneulle, Bernard (1976). Art Nouveau. Barron’s Educational Series. pp. 115, 121. ISBN 978-0-8120-5111-7.
36. ^ Cite web Unesco website Archived 28 May 2020 at the Wayback Machine
37. ^ Culot and Pirlot (2005), p. 20
38. ^ Fahr-Becker 2015, p. 152.
39. ^ ^{a b} Bouillon 1985.
40. ^ Hector Guimard Archived 25 February 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
41. ^ Fahr-Becker 2015, p. 74.
42. ^ Martin Eidelberg and Suzanne Henrion-Giele, “Horta and Bing: An Unwritten Episode of L’Art Nouveau”, The Burlington Magazine, vol. 119, Special Issue Devoted to European Art Since 1890 (Nov. 1977), pp. 747–752.
43. ^ Duncan (1994), pp. 15–16, 25–27.
44. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 391–413.
45. ^ Sarnitz, August, Otto Wagner (2018), pp. 49–50
46. ^ Sarnitz, August, Hoffmann, (2016), p. 14
47. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 296–27.
48. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 179–188.
49. ^ Texier 2012, pp. 86–87.
50. ^ Lahor 2007, p. 104.
51. ^ Duncan (1994), p. 37.
52. ^ Fahr-Becker 2015, p. 136.
53. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 136–137.
54. ^ Fahr-Becker 2015, p. 140.
55. ^ Lahor 2007, p. 91.
56. ^ Sterner (1982), pp. 38–42.
57. ^ ^{a b} Riley 2004, p. 323.
58. ^ ^{a b} Fahr-Becker 2015, p. 171.
59. ^ ^{a b} Fahr-Becker 2015, pp. 170–171.
60. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 166–167.
61. ^ “V&A · Arts and Crafts: An introduction”. Archived from the original on 15 February 2020. Retrieved 29 February 2020.
62. ^ Art Nouveau by Rosalind Ormiston and Michael Robinson, 58
63. ^ “Art Nouveau – Art Nouveau Art”. 22 February 2013. Archived from the original on 22 February 2013.
64. ^ Art Nouveau by Ormiston and Robinson, 61
65. ^ Lahor 2007, p. 160.
66. ^ Muter, Grant (1985). “Leon Solon and John Wadsworth”. Journal of the Decorative Arts Society (9): 41–49. JSTOR 41809144.
67. ^ He was commissioned by the Wardle family of dyers and printers, trading as “Thomas Wardle & Co” and “Bernard Wardle and Co”.The Wardel Pattern Books RevealedArchived 3 December 2013 at the Wayback Machine
68. ^ A. Philip McMahon, “review of F. Schmalenbach, Jugendstil“, Parnassus, vol. 7 (Oct. 1935), 27.
69. ^ Reinhold Heller, “Recent Scholarship on Vienna’s “Golden Age”, Gustav Klimt, and Egon Schiele”, The Art Bulletin, vol. 59 (Mar. 1977), pp. 111–118.
70. ^ ^{a b} “Association of Visual Artists Vienna Secession – Official Website”. Archived from the original on 25 April 2019. Retrieved 16 August 2019.
71. ^ Lahor 2007, p. 52.
72. ^ Bad Nauheim Archived 16 July 2019 at the Wayback Machine – Art Nouveau European Route
73. ^ Moscow Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
74. ^ ^{a b} Junghanns, Kurt (1982). Der Deutsche Werkbund. Sein erstes Jahrzehnt (in German). p. 140. ISBN 388520097X.
75. ^ Henry van de Velde Archived 8 August 2019 at the Wayback Machine – Werkbundarchiv
76. ^ Pevsner, Nikolaus, ed. (1999). A Dictionary of Architecture and Landscape Architecture (Paperback). Fleming, John; Honour, Hugh (5th ed.). London: Penguin Books. p. 880. ISBN 978-0-14-051323-3.
77. ^ Berlin Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
78. ^ Lahor 2007, p. 63.
79. ^ “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 27 (2016), pp. 14–25″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 28 July 2019. Retrieved 28 July 2019.
80. ^ Lahor 2007, p. 120.
81. ^ ^{a b} Oudin, Bernard, Dictionnaire des Architectes (1994), pp. 33–34
82. ^ ^{a b} Sembach, L’Art Nouveau (2013), pp. 203–213
83. ^ ^{a b} “Stoclet House”. UNESCO World Heritage Centre. 4 July 2009. Archived from the original on 21 July 2016. Retrieved 24 July 2019.
84. ^ ^{a b c d} “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 23 (2014), pp. 2–35″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 14 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
85. ^ Ödön Lechner Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
86. ^ “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 8 (2006), pp. 37–41″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 23 August 2019. Retrieved 7 July 2019.
87. ^ “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 14 (2009), p. 16″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 16 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
88. ^ Aladár Körösfői-Kriesch Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
89. ^ [1] Archived 10 July 2019 at the Wayback Machine The Gödöllő Artists’ Colony – article by David A. Hill
90. ^ ^{a b c} “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 13 (2009), pp. 36–41″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 16 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
91. ^ Prague Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
92. ^ Mariana Celac, Octavian Carabela and Marius Marcu-Lapadat (2017). Bucharest Architecture – an annotated guide. Ordinul Arhitecților din România. p. 85. ISBN 978-973-0-23884-6.
93. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (in Romanian). Editura Cetatea de Scaun. p. 150. ISBN 978-606-537-382-2.
94. ^ Popescu, Alexandru (2018). Casele și Palatele Bucureștilor (in Romanian). Editura Cetatea de Scaun. p. 178. ISBN 978-606-537-382-2.
95. ^ Constantin, Paul (1972). Arta 1900 în România (in Romanian). Editura Meridiane. pp. 83, 84, 86, 87 & 90.
96. ^ Paul, Constantin (1977). Mică Enciclopedie de Arhitectură, Arte Decorative și Aplicate Moderne (in Romanian). Editura Științifică și Enciclopedică. p. 109.
97. ^ Elena Olariu… p. 16
98. ^ “Oradea, capitala Art Nouveau a Romaniei, celebreaza “Ziua Internațională Art Nouveau 2019″”. infooradea.ro. 7 June 2019. Archived from the original on 23 May 2021. Retrieved 23 May 2021.
99. ^ “Heritage of Timisoara – Cladiri”. heritageoftimisoara.ro. Archived from the original on 16 May 2021. Retrieved 23 May 2021.
100. ^ Ungvári, Zrínyi Imre. “The Art Nouveau public buildings of Tîrgu Mureș”. wondersoftransylvania.com. Archived from the original on 23 May 2021. Retrieved 23 May 2021.
101. ^ “Str. Mitropoliei nr. 20”. Archived from the original on 23 May 2021. Retrieved 23 May 2020.
102. ^ “Sicilian Liberty – Italianate Art Nouveau – Best of Sicily Magazine”. Bestofsicily.com. Archived from the original on 29 January 2020. Retrieved 15 February 2022.
103. ^ Henry R. Hope, review of H. Lenning,] The Art Nouveau, The Art Bulletin, vol. 34 (June 1952), 168–171 (esp. 168–169): In 1952, Discussing the state of Art Nouveau, the author noted that Art Nouveau was not yet an acceptable study for serious art history or a subject suitable for major museum exhibitions and their respective catalogs. He predicted an impending change
104. ^ “Storia di Milano ::: Palazzi e case liberty”. Archived from the original on 15 June 2012. Retrieved 2 August 2019.
105. ^ Riley 2004, p. 310.
106. ^ ^{a b} Chronology Archived 25 July 2019 at the Wayback Machine – Official website of Casa Milà
107. ^ Citation of Parc Guell in UNESCO classification
108. ^ James Grady, Special Bibliographical Supplement: A Bibliography of the Art Nouveau, in “The Journal of the Society of Architectural Historians”, vol. 14 (May 1955), pp. 18–27.
109. ^ Cronologia Archived 19 September 2020 at the Wayback Machine – Official website of Palau Güell
110. ^ ^{a b c} Duncan (1994), p. 52.
111. ^ ^{a b} “World Heritage List: Palau de la Música Catalana and Hospital de Sant Pau, Barcelona”. UNESCO. Archived from the original on 6 January 2022. Retrieved 19 March 2022.
112. ^ McCully, Marilyn (1978). Els Quarte Gats: Art in Barcelona Around 1900. Princeton University Press. p. 64.
113. ^ Riley 2004, p. 311.
114. ^ Casa do Major Pessoa Archived 11 August 2020 at the Wayback Machine – Sistema de Informação para o Património Arquitetónico
115. ^ ^{a b c d e} “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 11 (2008), pp. 2–7″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 18 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
116. ^ Francisco Augusto da Silva Rocha Archived 31 October 2020 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
117. ^ Lisbon Archived 17 March 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
118. ^ Porto Archived 5 March 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
119. ^ “Art Nouveau World”. Archived from the original on 21 March 2021. Retrieved 11 April 2021.
120. ^ Martin, T. & Pusa, E. 1985, p. 12.
121. ^ National Museum of Finland Archived 26 July 2019 at the Wayback Machine – Museums of EU
122. ^ ^{a b} “Art Nouveau European Route: Helsinki”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 26 April 2016. Retrieved 2 January 2016.
123. ^ “Magnus Schjerfbeck”. Museum of Finnish Architecture. Archived from the original on 15 February 2020. Retrieved 15 February 2020.
124. ^ Professor Albert Palmberg, M.A., M.D. (1908). “The control of tuberculosis in Finland”. Respiratory Medicine. Archived from the original on 15 February 2022. Retrieved 26 March 2019.{{cite web}}: CS1 maint: multiple names: authors list (link)
125. ^ Axel von Bonsdorff (1926). “Experiences of the sanocrysin treatment at Nummela Sanatorium in Finland”. Acta Medica Scandinavica. 64: 123–130. doi:10.1111/j.0954-6820.1926.tb14017.x.
126. ^ ^{a b c} Riley 2004, p. 312.
127. ^ ^{a b} “Art Nouveau European Route: Ålesund”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 4 June 2016. Retrieved 2 January 2016.
128. ^ Stockholm Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
129. ^ Aarhus Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
130. ^ “Archived copy”. Archived from the original on 24 October 2020. Retrieved 24 November 2020.{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link)
131. ^ Duncan, Alistair, Art déco, Thames and Hudson (1988), pp. 147–48
132. ^ ^{a b} Fahr-Becker 2015, pp. 189–192.
133. ^ “Art Nouveau European Route: Riga”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 23 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
134. ^ “Historic Centre of Riga”. UNESCO. Archived from the original on 22 June 2020. Retrieved 11 March 2016.
135. ^ ^{a b} “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 16 (2010), pp. 2–10″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 25 July 2019. Retrieved 7 July 2019.
136. ^ Journel 2015, p. 49.
137. ^ Ecole d’art et Style sapin Archived 26 July 2019 at the Wayback Machine – La Chaux-de-Fonds
138. ^ “Fondation Le Corbusier”. Archived from the original on 14 March 2014. Retrieved 28 July 2019.
139. ^ Lahor 2007, p. 167.
140. ^ H.F. Koeper. “Louis Sullivan”. Britannica. Archived from the original on 27 July 2019. Retrieved 27 July 2019.
141. ^ Jackie Craven (15 November 2018). “About Louis Sullivan, Architect”. ThoughtCo. Archived from the original on 27 July 2019. Retrieved 27 July 2019.
142. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 325–330.
143. ^ ^{a b c d} “Art Nouveau European Route: Buenos Aires”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 23 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
144. ^ “Art Nouveau European Route: Map”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 17 April 2019. Retrieved 7 July 2019.
145. ^ “Art Nouveau European Route: Rosario”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 23 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
146. ^ ^{a b} “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 10 (2012), pp. 44–47″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 16 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
147. ^ DK Eyewitness (2012). DK Eyewitness Top 10 Mexico City. London: Penguin. ISBN 978-0756694562. Archived from the original on 12 February 2022. Retrieved 12 February 2022.
148. ^ Rough Guides (2016). Mexico City (Rough Guides Snapshot Mexico). London: Penguin. ISBN 978-0241290705. Archived from the original on 15 February 2022. Retrieved 12 February 2022.
149. ^ “Art Nouveau European Route: Havana”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 23 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
150. ^ “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 12 (2008), pp. 28–29″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 15 July 2019. Retrieved 15 July 2019.
151. ^ “Art Nouveau European Route: Lüderitz”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 23 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
152. ^ “Art Nouveau European Route: Valparaiso”. www.artnouveau.eu. Archived from the original on 23 July 2020. Retrieved 7 July 2019.
153. ^ Villino Silveira Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
154. ^ Harbin Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
155. ^ “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 30 (2018), pp. 77–83″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 15 February 2022. Retrieved 7 July 2019.
156. ^ Palacio de Bellas Artes Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
157. ^ “AATC Artists – Ze’ev Raban”. Archived from the original on 10 May 2004. Retrieved 12 January 2020.
158. ^ Mishofy, Alec (2019). Secularizing the Sacred. Brill.
159. ^ ^{a b} Ducher, Caractéristique des Styles (1989), pp. 198–199
160. ^ ^{a b c} Duncan (1994), pp. 27–28.
161. ^ Renault and Lazé, (2006) Les Styles de l’architecture et du mobilier, pp. 108–109
162. ^ Fahr-Becker 2015, pp. 74–85.
163. ^ “Archived copy” (PDF). Archived from the original (PDF) on 26 July 2011. Retrieved 30 June 2010.{{cite web}}: CS1 maint: archived copy as title (link) Edmond Lachenal produced editions of Rodin’s sculptures
164. ^ Jennifer Opie, A Dish by Thorvald Bindesbøll, in The Burlington Magazine, vol. 132 (May 1990), p. 356.
165. ^ Claire Selkurt, “New Classicism: Design of the 1920s in Denmark”, in The Journal of Decorative and Propaganda Arts, vol. 4 (Spring, 1987), pp. 16–29 (esp. 18 n. 4).
166. ^ Danuta A. Boczar, The Polish Poster, in Art Journal, vol. 44 (Spring, 1984), pp. 16–27 (esp. 16).
167. ^ Danuta Batorska, “Zofia Stryjeńska: Princess of Polish Painting”, in Woman’s Art Journal, vol. 19 (Autumn, 1998–Winter, 1999), pp. 24–29 (esp. 24–25).
168. ^ Pehnt, Wolfgang (1973). Expressionist Architecture, Thames and Hudson, ISBN 0-500-34058-7, p.19. Taut’s mention of “earth-crust architecture” and what Poelzig deemed, “Important to remodel the earth’s surface sculpturally.”
169. ^ Lahor 2007, p. 99.
170. ^ An Introduction to the Work of Alphonse Mucha and Art Nouveau Archived 18 January 2012 at the Wayback Machine, lecture by Ian C. Johnston of Malaspina University-College, Nanaimo, British Columbia.
171. ^ Fraser, Julie. H. “Recycling art” Archived 11 April 2015 at the Wayback Machine style2000.com.
172. ^ Lahor 2007, p. 112.
173. ^ Lahor 2007, pp. 120–121.
174. ^ ^{a b} Sato 2015, p. 43.
175. ^ Bétard, Daphne, La révolution Nabie, in Les Nabis et le décor, Beaux-Arts Éditions, pp. 8–21
176. ^ “The “Coup de Fouet” magazine, vol. 31 (2019), p. 34″ (PDF). Archived (PDF) from the original on 7 August 2019. Retrieved 15 August 2019.
177. ^ Riley 2004, p. 318.
178. ^ ^{a b c} Riley 2004, p. 320.
179. ^ Riley 2004, p. 322.
180. ^ Riley 2004, p. 324.
181. ^ ^{a b} “Art Nouveau Jewelry”. Archived from the original on 23 November 2016. Retrieved 22 November 2016.
182. ^ Thistle Archived 15 March 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
183. ^ Iris Archived 15 March 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
184. ^ ^{a b} Renault and Lazé, Les styles de l’architecture et du mobilier (2006), pp. 107–111
185. ^ Bony, Anne, L’Architecture Moderne (2012), pp. 36–40
186. ^ “World Heritage List: Works of Antoni Gaudí”. UNESCO. Archived from the original on 5 October 2021. Retrieved 19 March 2022.
187. ^ Agustí Querol Subirats Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
188. ^ Butterfly Archived 28 February 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
189. ^ Peacock Archived 16 March 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
190. ^ Swan Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
191. ^ Owl Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
192. ^ Bat Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
193. ^ Dragon Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
194. ^ Bear Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
195. ^ Atlant Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
196. ^ Caryatid Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
197. ^ Putti Archived 21 January 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
198. ^ Gargoyle Archived 11 April 2021 at the Wayback Machine – Art Nouveau World
199. ^ Riley 2004, p. 302.
200. ^ Lucie-Smith, 160
201. ^ Riley 2004, p. 308.
202. ^ ^{a b} Riley 2004, pp. 314–15.
203. ^ Edmond Lachenal and His Legacy, by Martin Eidelberg, Claire Cass, Hudson Hills Press; illustrated edition (25 February 2007)
204. ^ Timeline Archived 19 August 2013 at the Wayback Machine, accessed 1/23/08
205. ^ Journal of UralNIIProject RAASN – 2014. – No 2. – p. 27—32. – ISSN 2074-2932 (in Russian)
206. ^ Riley 2004, p. 328.
207. ^ “Official website of Lenin Birthplace Museum Reserve”. Archived from the original on 15 February 2022. Retrieved 31 May 2020.
208. ^ “Haworth Art Gallery” Archived 21 June 2017 at the Wayback Machine on the Hyndburn Borough Council website

Bibliography

• Bony, Anne, L’Architecture Moderne, Paris, Larousse (2012) ISBN 978-2-03-587641-6
• Bouillon, Jean-Paul (1985). Journal de L’Art Nouveau. Paris: Skira. ISBN 2-605-00069-9.
• Culot, Maurice and Pirlot, Ann-Marie, Bruxelles Art Nouveau, Brussels, Archives d’Architecture Moderne (in French), (2005), ISBN 2-87143-126-4
• Duncan, Alastair, Art Nouveau, World of Art, New York: Thames and Hudson, 1994. ISBN 0-500-20273-7
• Fahr-Becker, Gabriele (2015). L’Art Nouveau (in French). H.F. Ullmann. ISBN 978-3-8480-0857-5.
• Heller, Steven, and Seymour Chwast, Graphic Style from Victorian to Digital, new ed. New York: Harry N. Abrams, Inc., 2001. pp. 53–57.
• Huyges, René, L’Art et le monde moderne, Volume 1, Librarie Larousse, Paris, 1970
• Journel, Guillemette Morel (2015). Le Corbusier- Construire la Vie Moderne (in French). Editions du Patrimoine: Centre des Monument Nationaux. ISBN 978-2-7577-0419-6.
• Lahor, Jean (2007) [1901]. L’Art nouveau (in French). Baseline Co. Ltd. ISBN 978-1-85995-667-0.
• Ormiston, Rosalind; Robinson, Michael (2013). Art Nouveau – Posters, Illustration and Fine Art. Flame Tree Publishing. ISBN 978-1-84786-280-8.
• Plum, Gilles (2014). Paris architectures de la Belle Époque. Éditions Parigramme. ISBN 978-2-84096-800-9.
• Renault, Christophe and Lazé, Christophe, les Styles de l’architecture et du mobliier, Éditions Jean-Paul Gisserot, 2006 (in French). ISBN 978-2-87747-465-8
• Riley, Noël (2004). Grammaire des Arts Décoratifs (in French). Flammarion.
• Sarnitz, August (2018). Otto Wagner (in French). Cologne: Taschen. ISBN 978-3-8365-6432-8.
• Sato, Tamako (2015). Alphonse Mucha – the Artist as Visionary. Cologne: Taschen. ISBN 978-3-8365-5009-3.
• Sembach, Klaus-Jürgen (2013). L’Art Nouveau- L’Utopie de la Réconciliation (in French). Taschen. ISBN 978-3-8228-3005-5.
• Sterner, Gabriele, Art Nouveau, an Art of Transition: From Individualism to Mass Society, 1st English ed. (original title: Jugendstil: Kunstformen zwischen Individualismus und Massengesellschaft), translated by Frederick G. Peters and Diana S. Peters, publisher Woodbury, N.Y.: Barron’s Educational Series, 1982. ISBN 0-8120-2105-3
• Texier, Simon (2012). Paris- Panorama de l’architecture. Parigramme. ISBN 978-2-84096-667-8.
• Thiébaut, Philippe (2018). Mucha et l’Art Nouveau (in French). Paris: Éditions du Chêne. ISBN 978-2-81231-806-1.
• Vigne, George (2016). Hector Guimard – Le geste magnifique de l’Art Nouveau (in French). Paris: Editions du Patrimoine – Centre des monuments nationaux. ISBN 978-2-7577-0494-3.

Further reading

• Art Nouveau Grange Books, Rochester, England 2007 ISBN 978-1-84013-790-3
• William Craft Brumfield. The Origins of Modernism in Russian Architecture (Berkeley: University of California Press, 1991) ISBN 0-520-06929-3
• Debora L. Silverman, Art Nouveau in Fin-de-siècle France: Politics, Psychology, and Style, 1992
• Auslander, Leora (1996). Taste and Power: Furnishing Modern France. University of California Press. ISBN 978-0-520-92094-1.
• L’Art appliqué : le style moderne, revue internationale, Éditeur : H. Laurens (Paris) 1903–04, Bibliothèque nationale de France
• Modern’style (Art Nouveau): Le Dictionnaire Pratique de Menuiserie – Ebénisterie – Charpente, Par J. Justin Storck, édition de 1900
• Goss, Jared (2014). French Art Deco. Metropolitan Museum of Art. ISBN 978-0-300-20430-8.

External links

Wikimedia Commons has media related to Art Nouveau.

• Art Nouveau Teaching resource on the Art Nouveau movement from the National Gallery of Art in Washington, D.C.
• Réseau Art Nouveau Network, a European network of Art Nouveau cities
• Art Nouveau European Route, a non-profit association for the international promotion and protection of Art Nouveau heritage
• Europeana virtual exhibition of Art Nouveau