Art gothique

L’art gothique était un style d’ art médiéval qui s’est développé dans le nord de la France à partir de l’art roman au 12ème siècle après JC, mené par le développement simultané de l’architecture gothique . Il s’est répandu dans toute l’Europe occidentale et dans une grande partie de l’Europe du Nord , du Sud et centrale , n’effaçant jamais tout à fait les styles plus classiques en Italie. À la fin du XIVe siècle, le style de cour sophistiqué du gothique international s’est développé, qui a continué d’évoluer jusqu’à la fin du XVe siècle. Dans de nombreuses régions, en particulier en Allemagne, l’art gothique tardif s’est poursuivi jusqu’au XVIe siècle, avant d’être subsumé dans l’art de la Renaissance .. Les principaux médias de la période gothique comprenaient la sculpture , la peinture sur panneau , le vitrail , la fresque et les manuscrits enluminés . Les changements facilement reconnaissables dans l’architecture du roman au gothique et du gothique à la Renaissance sont généralement utilisés pour définir les périodes de l’art dans tous les médias, bien qu’à bien des égards, l’art figuratif se soit développé à un rythme différent.

Art gothique

En haut : le portail occidental (royal) de la cathédrale de Chartres ( vers 1145), ces statues architecturales étant les premières sculptures gothiques et une révolution de style et le modèle d’une génération de sculpteurs ; Centre : La Sainte-Chapelle de Paris (1194-1248) ; En bas : le diptyque de Wilton (1395-1459)
Années actives	Fin XIIe-XVIe siècle

Le premier art gothique était la sculpture monumentale , sur les murs des cathédrales et des abbayes. L’art chrétien était souvent de nature typologique (voir Allégorie médiévale ), montrant les histoires du Nouveau Testament et de l’Ancien Testament côte à côte. La vie des saints était souvent représentée. Les images de la Vierge Marie sont passées de la forme emblématique byzantine à une mère plus humaine et affectueuse, câlinant son bébé, se balançant de sa hanche et montrant les manières raffinées d’une dame de cour aristocratique bien née.

L’art profane a pris tout son sens au cours de cette période avec l’essor des villes, la fondation d’universités , l’augmentation du commerce, la mise en place d’une économie basée sur l’argent et la création d’une classe bourgeoise qui pouvait se permettre de patronner les arts et de commander des œuvres, résultant dans une prolifération de peintures et de manuscrits enluminés. Une alphabétisation accrue et un corpus croissant de littérature vernaculaire laïque ont encouragé la représentation de thèmes profanes dans l’art. Avec la croissance des villes, des guildes commerciales ont été formées et les artistes étaient souvent tenus d’être membres d’une guilde de peintres.. En conséquence, en raison d’une meilleure tenue des registres, plus d’artistes nous sont connus par leur nom au cours de cette période qu’auparavant ; certains artistes ont même eu l’audace de signer leur nom.

Origines

Gothique international du XIVe siècle Marie-Madeleine dans la cathédrale Saint-Jean de Toruń .

L’art gothique a émergé en Île-de-France , France, au début du 12ème siècle à l’ église abbatiale de St Denis construite par l’ Abbé Suger . ^[1] Le style s’est rapidement répandu au-delà de ses origines dans l’architecture jusqu’à la sculpture, à la fois monumentale et personnelle, l’art textile et la peinture, qui ont pris diverses formes, notamment la fresque , le vitrail , le manuscrit enluminé et la peinture sur panneau . ^[2] Ordres monastiques , en particulier les Cisterciens et les Chartreux, étaient d’importants constructeurs qui ont diffusé le style et en ont développé des variantes distinctives à travers l’Europe. Les variations régionales de l’architecture sont restées importantes, même lorsque, à la fin du XIVe siècle, un style universel cohérent connu sous le nom de gothique international avait évolué, qui s’est poursuivi jusqu’à la fin du XVe siècle, et au-delà dans de nombreux domaines.

Bien qu’il y ait eu beaucoup plus d’art gothique profane qu’on ne le pense souvent aujourd’hui, car généralement le taux de survie de l’art religieux a été meilleur que celui de ses équivalents profanes, une grande partie de l’art produit à l’époque était religieux, qu’il soit commandé par l’église ou par les laïcs. L’art gothique était souvent de nature typologique , reflétant la croyance que les événements de l’Ancien Testament préfiguraient ceux du Nouveau, et que c’était bien leur signification principale. Des scènes de l’Ancien et du Nouveau Testament ont été montrées côte à côte dans des œuvres comme le Speculum Humanae Salvationis et la décoration des églises. La période gothique a coïncidé avec une grande résurgence de la Dévotion mariale, dans laquelle les arts visuels ont joué un rôle majeur. Les images de la Vierge Marie sont passées des types hiératiques byzantins, en passant par le Couronnement de la Vierge , à des types plus humains et intimes, et les cycles de la Vie de la Vierge étaient très populaires. Des artistes comme Giotto , Fra Angelico et Pietro Lorenzetti en Italie, et la peinture néerlandaise primitive , ont apporté du réalisme et une humanité plus naturelle à l’art. Les artistes occidentaux et leurs mécènes sont devenus beaucoup plus confiants dans l’ iconographie innovante et beaucoup plus d’originalité est visible, bien que des formules copiées soient encore utilisées par la plupart des artistes.

L’iconographie a été affectée par les changements de la théologie, les représentations de l’ Assomption de Marie gagnant du terrain sur l’ancienne Mort de la Vierge , et dans les pratiques de dévotion telles que la Devotio Moderna , qui a produit de nouveaux traitements du Christ dans des sujets tels que l’ Homme des Douleurs , Le Christ pensif et la Pietà , qui mettent l’accent sur sa souffrance humaine et sa vulnérabilité, dans un mouvement parallèle à celui des représentations de la Vierge. Même dans les Jugements Derniers, le Christ était maintenant généralement montré exposant sa poitrine pour montrer les blessures de sa Passion . Les saints ont été montrés plus fréquemment et les retablesmontrait des saints pertinents pour l’église particulière ou le donateur présents sur une crucifixion ou une Vierge à l’Enfant intronisée , ou occupant eux-mêmes l’espace central (ceci généralement pour les œuvres conçues pour les chapelles latérales). Au cours de la période, de nombreuses caractéristiques iconographiques anciennes issues des apocryphes du Nouveau Testament ont été progressivement éliminées sous la pression cléricale, comme les sages-femmes de la Nativité , bien que d’autres aient été trop bien établies et considérées comme inoffensives. ^[3]

Étymologie

La Dame et la Licorne , titre donné à une série de six tapisseries tissées en Flandre , celle-ci s’intitulant À Mon Seul Désir ; fin du XVe siècle ; laine et soie; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (Paris)

Le mot ” Gothique ” pour l’art a d’abord été utilisé comme synonyme de ” Barbare “, et a donc été utilisé de manière péjorative. ^[4] Ses critiques considéraient ce type d’art médiéval comme non raffiné et trop éloigné des proportions et des formes esthétiques de l’Art classique . ^[5] Les auteurs de la Renaissance croyaient que le sac de Rome par les tribus gothiques en 410 avait déclenché la disparition du monde classique et de toutes les valeurs qui leur étaient chères. Au XVe siècle, divers architectes et écrivains italiens se sont plaints que les nouveaux styles «barbares» filtrant du nord des Alpes représentaient une menace similaire pour le renouveau classique promu par le début de la Renaissance. ^[6]Le qualificatif “gothique” pour cet art a été utilisé pour la première fois dans la lettre de Raphaël au pape Léon X c. 1518 et a ensuite été popularisé par l’artiste et écrivain italien Giorgio Vasari , ^[7] qui l’a utilisé dès 1530, qualifiant l’art gothique de “désordre” “monstrueux et Barbare“. ^[8] Raphaël a affirmé que les arcs en ogive de l’architecture nordique étaient un écho des huttes primitives que les habitants de la forêt germanique formaient en pliant les arbres ensemble – un mythe qui resurgirait beaucoup plus tard dans un sens plus positif dans les écrits du mouvement romantique allemand . “L’art gothique” a été vivement critiqué par des auteurs français tels que Boileau ,Rousseau , avant de devenir une forme d’art reconnue, et la formulation devenant figée. ^[5] Molière commenterait le gothique de façon célèbre :

Le goût abruti des monuments gothiques,
Ces monstres odieux des siècles ignorants,
Que les torrents de la barbarie ont vomi. ^[5]

A ses débuts, l’art gothique était d’abord appelé « travail français » ( Opus Francigenum ), attestant ainsi la priorité de la France dans la création de ce style. ^[5]

Peinture

Simon Martini (1285-1344).

La peinture d’un style que l’on peut qualifier de gothique n’apparaît que vers 1200, près de 50 ans après les origines de l’architecture et de la sculpture gothiques. La transition du roman au gothique est très imprécise et pas du tout une rupture nette, et des détails ornementaux gothiques sont souvent introduits avant que de grands changements ne soient observés dans le style des figures ou des compositions elles-mêmes. Ensuite, les personnages s’animent dans la pose et l’expression du visage, tendent à être plus petits par rapport au fond des scènes, et se disposent plus librement dans l’espace pictural, là où il y a de la place. Cette transition se produit d’abord en Angleterre et en France vers 1200, en Allemagne vers 1220 et en Italie vers 1300. La peinture à l’époque gothique était pratiquée selon quatre supports principaux : fresques , peintures sur panneaux ,enluminure manuscrite et vitraux .

Fresques

Les fresques ont continué à être utilisées comme principal art narratif pictural sur les murs des églises du sud de l’Europe dans le prolongement des premières traditions chrétiennes et romanes. Un accident de survie a donné au Danemark et à la Suède les plus grands groupes de peintures murales d’églises survivantes dans le style Biblia pauperum , s’étendant généralement jusqu’aux voûtes croisées récemment construites . Au Danemark comme en Suède, ils ont été presque tous recouverts de badigeon à la chaux après la Réforme qui les a conservés, mais certains sont aussi restés intacts depuis leur création. Parmi les plus beaux exemples du Danemark figurent ceux du maître Elmelunde de l’île danoise de Mønqui a décoré les églises de Fanefjord , Keldby et Elmelunde . ^[9] Albertus Pictor est sans doute l’artiste de fresque le plus connu de la période travaillant en Suède. Des exemples d’églises suédoises avec des fresques bien conservées incluent les églises Tensta , Gökhem et Anga .

Vitrail

Partie de panneau de vitrail allemand de 1444 avec la Visitation ; pot en métal de diverses couleurs, y compris le verre blanc, la peinture vitreuse noire, la tache d’argent jaune, et les parties “vert olive” sont en émail. Les motifs végétaux dans le ciel rouge sont formés en grattant la peinture noire du verre rouge avant la cuisson. Un panneau restauré avec de nouvelles cames en plomb.

En Europe du Nord, le vitrail était une forme de peinture importante et prestigieuse jusqu’au XVe siècle, date à laquelle il a été supplanté par la peinture sur panneau . L’architecture gothique a considérablement augmenté la quantité de verre dans les grands bâtiments, en partie pour permettre de larges étendues de verre, comme dans les rosaces. Au début de la période, on utilisait principalement de la peinture noire et du verre clair ou de couleur vive, mais au début du XIVe siècle, l’utilisation de composés d’argent, peints sur du verre qui était ensuite cuit, permettait un certain nombre de variations de couleur, centrées sur jaunes, à utiliser avec du verre clair en une seule pièce. À la fin de la période, les dessins utilisaient de plus en plus de grands morceaux de verre qui étaient peints, avec des jaunes comme couleurs dominantes, et relativement peu de petits morceaux de verre dans d’autres couleurs. ^[dix]

Manuscrits et gravure

Heures de Jeanne d’Evreux , par Jean Pucelle , Paris, années 1320.

Les manuscrits enluminés représentent l’enregistrement le plus complet de la peinture gothique, fournissant un enregistrement des styles dans des endroits où aucune œuvre monumentale n’a autrement survécu. Les premiers manuscrits complets avec des illustrations gothiques françaises datent du milieu du XIIIe siècle. ^[11] Beaucoup de ces manuscrits enluminés étaient des bibles royales, bien que les psautiers comprenaient également des illustrations; le Psautier parisien de Saint Louis , datant de 1253 à 1270, présente 78 enluminures pleine page à la détrempe et à la feuille d’or. ^[12]

À la fin du XIIIe siècle, les scribes ont commencé à créer des livres de prières pour les laïcs, souvent appelés livres d’heures en raison de leur utilisation à des moments précis de la journée. ^[12] Parmi les plus anciens figure un exemple de William de Brailes qui semble avoir été écrit pour une laïque inconnue vivant dans un petit village près d’ Oxford vers 1240. La noblesse achetait fréquemment de tels textes, payant grassement pour des illustrations décoratives ; Parmi les créateurs les plus connus , citons Jean Pucelle , dont les Heures de Jeanne d’Evreux ont été commandées par le roi Charles IV en cadeau à sa reine Jeanne d’Evreux . ^[13]Les éléments du gothique français présents dans ces œuvres incluent l’utilisation d’un encadrement de page décoratif rappelant l’architecture de l’époque avec des figures allongées et détaillées. ^[12] L’utilisation d’indicateurs spatiaux tels que des éléments de construction et des caractéristiques naturelles telles que des arbres et des nuages ​​dénote également le style d’éclairage gothique français. ^[12]

À partir du milieu du XIVe siècle, les blocs avec texte et images découpés en gravure sur bois semblent avoir été abordables par les curés des Pays-Bas , où ils étaient les plus populaires. À la fin du siècle, les livres imprimés avec des illustrations, encore principalement sur des sujets religieux, devenaient rapidement accessibles à la classe moyenne aisée, tout comme les gravures d’assez bonne qualité par des graveurs comme Israhel van Meckenem et Master ES Au XVe siècle, le introduction d’ estampes bon marché , principalement en gravure sur bois, permettait même aux paysans d’avoir chez eux des images de dévotion. Ces images, minuscules au fond du marché, souvent colorées grossièrement, se sont vendues par milliers mais sont aujourd’hui extrêmement rares, la plupart ayant été collées sur les murs.

Retable et peinture sur panneau

La peinture à l’huile sur toile n’est devenue populaire qu’aux XVe et XVIe siècles et a été une caractéristique de l’art de la Renaissance . En Europe du Nord, l’école importante et innovante de la peinture primitive des Pays-Bas est essentiellement de style gothique, mais peut également être considérée comme faisant partie de la Renaissance du Nord , car il y a eu un long délai avant que le regain d’intérêt italien pour le classicisme n’ait un grand impact dans le nord. Des peintres comme Robert Campin et Jan van Eyck ont ​​utilisé la technique de la peinture à l’huilepour créer des œuvres minutieusement détaillées, correctes dans la perspective, où le réalisme apparent était combiné avec un symbolisme richement complexe résultant précisément du détail réaliste qu’ils pouvaient désormais inclure, même dans de petites œuvres. Dans la peinture néerlandaise ancienne, des villes les plus riches d’Europe du Nord, un nouveau réalisme minutieux de la peinture à l’huile était combiné à des allusions théologiques subtiles et complexes, exprimées précisément à travers les décors très détaillés de scènes religieuses. Le retable de Mérode (années 1420) de Robert Campin et l’ Annonciation de Washington Van Eyck ou la Madone du chancelier Rolin (tous deux des années 1430, de Jan van Eyck ) en sont des exemples. ^[14] Pour les riches, les petitsles peintures sur panneaux , même les polyptyques en peinture à l’huile, devenaient de plus en plus populaires, montrant souvent des portraits de donateurs à côté, bien que souvent beaucoup plus petits que la Vierge ou les saints représentés. Ceux-ci étaient généralement affichés dans la maison.

Sculpture

Sculpture monumentale

Vierge à l’Enfant en ivoire français, fin du XIIIe siècle, hauteur 25 cm, courbée pour épouser la forme de la défense en ivoire.

La période gothique est essentiellement définie par l’architecture gothique et ne correspond pas entièrement au développement du style en sculpture, que ce soit au début ou à la fin. Les façades des grandes églises, en particulier autour des portes, ont continué à avoir de grands tympans, mais aussi des rangées de personnages sculptés s’étendant autour d’eux.

Les statues du portail occidental (royal) de la cathédrale de Chartres (vers 1145) montrent un allongement colonnaire élégant mais exagéré, mais celles du portail du transept sud , de 1215 à 1220, montrent un style plus naturaliste et un détachement croissant du mur derrière , et une certaine conscience de la tradition classique. Ces tendances se sont poursuivies dans le portail ouest de la cathédrale de Reims quelques années plus tard, où les figures sont presque en rond, comme cela est devenu habituel à mesure que le gothique se répandait à travers l’Europe. ^[15] La cathédrale de Bamberg possède peut-être le plus grand assemblage de sculptures du XIIIe siècle, culminant en 1240 avec le Bamberg Rider , la première statue équestre grandeur naturedans l’art occidental depuis le VIe siècle.

En Italie , Nicola Pisano (1258-1278) et son fils Giovanni ont développé un style souvent appelé Proto-Renaissance , avec une influence indubitable des sarcophages romains et des compositions sophistiquées et encombrées, y compris une manipulation sympathique de la nudité, dans des panneaux en relief sur leur chaire de La cathédrale de Sienne (1265-1268) , la Fontana Maggiore à Pérouse et la chaire de Giovanni à Pistoia en 1301. ^[16]

Un autre renouveau du style classique est observé dans l’ œuvre gothique internationale de Claus Sluter et de ses disciples en Bourgogne et en Flandre vers 1400 ^. sculpture et grands nombres de figures expressives agitées; la plupart des exemples survivants se trouvent en Allemagne, après beaucoup d’iconoclasme ailleurs. Tilman Riemenschneider , Veit Stoss et d’autres ont continué le style jusqu’au XVIe siècle, absorbant progressivement les influences de la Renaissance italienne. ^[18]

Les effigies de tombes grandeur nature en pierre ou en albâtre sont devenues populaires pour les riches, et de grandes tombes à plusieurs niveaux ont évolué, avec les tombes Scaliger de Vérone si grandes qu’elles ont dû être déplacées à l’extérieur de l’église. Au 15ème siècle, il y avait une industrie exportant des reliefs d’autel en albâtre de Nottingham en groupes de panneaux dans une grande partie de l’Europe pour les paroisses économiques qui ne pouvaient pas se permettre des retables en pierre. ^[19]

• Portail sud de la cathédrale de Chartres (vers 1215-1220).

• Portail ouest de la cathédrale de Reims , groupe de l’ Annonciation .

• Nicola Pisano , Nativité et Adoration des Mages depuis la chaire du Baptistère de Pise .

• Claus Sluter , David et un prophète du puits de Moïse .

• Base du Reliquaire de la Sainte Épine , Français (Paris), années 1390, une Résurrection des Morts en or, émail et pierres précieuses.

• Homme de douleur sur le portail principal d’ Ulm Münster par Hans Multscher , 1429.

• Section de retable lambrissé avec résurrection du Christ , albâtre anglais de Nottingham , 1450–90, avec restes de couleur.

• Représentation gothique ultérieure de l ‘ Adoration des Mages de la cathédrale de Strasbourg .

• Détail de la Dernière Cène de l’ Autel du Saint-Sang de Tilman Riemenschneider , 1501–05, bois de tilleul sculpté , Rothenburg ob der Tauber , Bavière .

Sculpture portative

Couvercle du cercueil Walters , avec le siège du château de l’amour à gauche, et des joutes . Paris, 1330-1350.

La petite sculpture, destinée à un marché majoritairement laïc et souvent féminin, devient une industrie considérable à Paris et dans quelques autres centres. Les types d’ivoires comprenaient de petits polyptyques de dévotion , des figures uniques, en particulier de la Vierge , des miroirs, des peignes et des cercueils élaborés avec des scènes de Romances , utilisés comme cadeaux de fiançailles. ^[20] Les très riches collectionnaient des ouvrages en métal extravagants, ornés de bijoux et émaillés, à la fois profanes et religieux, comme le reliquaire de l’épine sacrée du duc de Berry , jusqu’à ce qu’ils manquent d’argent, lorsqu’ils ont été refondus pour de l’argent. ^[21]

Diptyque en ivoire, avec une partie de la peinture colorée restante. Adoration des Mages et Crucifixion . Vallée de la Meuse , France, v. 1350.

Les sculptures gothiques indépendantes de l’ornement architectural ont été principalement créées comme objets de dévotion pour la maison ou destinées à être des dons pour les églises locales, ^[22] bien que de petits reliefs en ivoire , en os et en bois couvrent à la fois des sujets religieux et profanes, et étaient destinés à l’église et à un usage domestique. Ces sculptures étaient l’œuvre d’artisans urbains, et le sujet le plus typique des petites statues en trois dimensions est la Vierge Marie seule ou avec un enfant. ^[23] Paris était le principal centre d’ateliers d’ivoire et exportait vers la majeure partie de l’Europe du Nord, bien que l’Italie ait également une production considérable. Un exemplaire de ces sculptures indépendantes figure dans les collections de l’Église abbatiale Saint-Denis ; la Vierge à l’Enfant en vermeildate de 1339 et représente Marie enveloppée dans un manteau fluide tenant une figure infantile du Christ. ^[23] Tant la simplicité du manteau que la jeunesse de l’enfant présagent d’autres sculptures trouvées en Europe du Nord datant du XIVe siècle et du début du XVe siècle. ^[23] Une telle sculpture montre une évolution d’un style rigide et allongé antérieur, encore en partie roman, vers une sensation spatiale et naturaliste à la fin du XIIe et au début du XIIIe siècle. ^[23] D’autres sujets sculpturaux gothiques français comprenaient des personnages et des scènes de la littérature populaire de l’époque. ^[23] L’imagerie de la poésie des troubadours était particulièrement populaire parmi les artisans de miroirs et de petites boîtes vraisemblablement à l’usage des femmes.^[23] Le cercueil avec des scènes de romans (Walters 71264) de 1330–50 est un exemple inhabituellement grand avec de l’espace pour un certain nombre de scènes de différentes sources littéraires.

Les souvenirs de pèlerinages aux sanctuaires, tels que les insignes d’argile ou de plomb , les médailles et les ampoules estampées d’images, étaient également populaires et bon marché. Leur équivalent Séculier, l’ insigne de livrée , montrait des signes de loyauté ou d’alliance féodale et politique qui en vinrent à être considérés comme une menace sociale en Angleterre sous le féodalisme bâtard . Les formes les moins chères étaient parfois distribuées gratuitement, comme les 13 000 insignes commandés en 1483 par le roi Richard III d’Angleterre en tissu de futaine avec son emblème de sanglier blanc pour l’investiture de son fils Edward comme prince de Galles ^[24] , un énorme nombre compte tenu de la population de l’époque. LeDunstable Swan Jewel , entièrement modelé en ronde-bosse en or émaillé, est une version beaucoup plus exclusive, qui aurait été donnée à une personne très proche ou importante du donateur.

Voir également

• portail artistique

Wikimedia Commons a des médias liés à l’art gothique .

Wikimedia Commons a des médias liés aux peintres gothiques .

• Blackletter (également connu sous le nom d’ écriture gothique )
• Fresques d’église au Danemark
• Fresques d’église en Suède
• danse macabre
• Cathédrales et églises gothiques
• Histoire de la peinture
• Liste des artistes gothiques
• Pleurants
• Renaissance du 12ème siècle
• Les dix vierges
• Chronologie des artistes italiens jusqu’en 1800
• Peinture occidentale

Remarques

1. ^ Stokstad (2005), 516.
2. ^ Stokstad (2005), 544.
3. ^ Émile Mâle , L’image gothique, Art religieux en France du XIIIe siècle, pp. 165–8, trans anglais de 3e éd., 1913, Collins, Londres (et de nombreuses autres éditions) est un ouvrage classique sur l’art religieux gothique français
4. ^ “Art gothique” . Encyclopédie Britannica . Récupéré le 22 juin 2017 .
5. ^ ^{un bcd d’} Histoire d’Architecture la Révision ^Super . Association de recherche et d’éducation ISBN 978-0-7386-6996-0.
6. ^ ES de Beer, Gothique : Origine et Diffusion du Terme ; L’idée de style en architecture dans le Journal des instituts Warburg et Courtauld , Vol.11, 1948, pp. 143–62
7. ^ Vasari, Giorgio (1er janvier 1960). Vasari sur Technique. Être l’introduction aux trois arts du design, de l’architecture, de la sculpture et de la peinture, préfixés à la vie des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes . Publications de Douvres. ISBN 978-0-486-20717-9.
8. ↑ L’art du sublime : principes de l’art et de l’architecture chrétienne par Roger Homan p. 70 [1]
9. ^ Kirsten Trampedach: Introduction aux peintures murales danoises – Éthique de la conservation et méthodes de traitement. Musée national du Danemark Archivé le 24 novembre 2009 à la Wayback Machine . Récupéré le 6 septembre 2009.
10. ^ Coe, 8-11
11. ^ Stokstad (2005), 540.
12. ^ ^{un bcd Stokstad} (2005), 541 ^.
13. ^ Stokstad (2005), 542.
14. ^ Lane, Barbara G, L’autel et le retable, Thèmes sacramentels dans la peinture néerlandaise ancienne , Harper & Row, 1984, ISBN 0-06-430133-8 analyse toutes ces œuvres en détail. Voir aussi les références dans les articles sur les oeuvres.
15. ^ Honneur et Fleming, 297–300; Henderson, 55 ans, 82–84
16. ^ Olson, 11–24; Honneur et Fleming, 304; Henderson, 41 ans
17. ^ Snyder, 65–69
18. ^ Snyder, 305–311
19. ^ Fonctionnalité du V&A Museum sur le retable de Swansea en albâtre de Nottingham
20. ^ Calkins, 193-198
21. ^ Cerise, 25–48 ans; Henderson, 134-141
22. ^ Stokstad (2005), 537.
23. ^ ^{un bcdef Stokstad ( 2005 ), 539} .
24. ^ Cerise (2003), 204

Références

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• Cherry, John, dans Marks, Richard et Williamson, Paul, eds. Gothic: Art for England 1400–1547 , 2003, V&A Publications, Londres, ISBN 1-85177-401-7
• Henderson, George. Gothique , 1967, Pingouin, ISBN 0-14-020806-2
• Hugh Honor et John Fleming, Une histoire mondiale de l’art , 1ère éd. 1982 (de nombreuses éditions ultérieures), Macmillan, Londres, références de page à 1984 Macmillan 1st edn. livre de poche. ISBN 0333371852
• Olson, Roberta JM, Sculpture de la Renaissance italienne , 1992, Thames & Hudson (World of Art), ISBN 978-0-500-20253-1
• Robinson, James, Chefs-d’œuvre de l’art médiéval , 2008, British Museum Press, ISBN 978-0-7141-2815-3
• Rudolph, Conrad , éd., A Companion to Medieval Art: Romanesque and Gothic in Northern Europe , 2006, ISBN 978-1405198783
• Rudolph, Conrad, “Inventer le portail gothique: Suger, Hugues de Saint Victor et la construction d’un nouvel art public à Saint-Denis”, Art History 33 (2010) 568–595
• Rudolph, Conrad, “Inventer le vitrail exégétique: Suger, Hugh et un nouvel art d’élite”, Art Bulletin 93 (2011) 399–422
• Snyder, James . Art de la Renaissance du Nord , 1985, Harry N. Abrams, ISBN 0136235964

Liens externes

• Art et architecture gothiques
• Art gothique , de ArtCyclopedia.com
• Art gothique , de l’ Encyclopædia Britannica Online.
• Art gothique ( archivé le 31/10/2009 ), de Microsoft Encarta .
• Art gothique Archivé le 5 mars 2005 à la Wayback Machine , de The Columbia Encyclopedia , sixième édition. 2001.
• Art gothique , Museumsportal Schleswig-Holstein
• L’art gothique , de “Une histoire mondiale de l’art” et [2] .
• “Gothique: Art pour l’Angleterre 1400–1547” . Musée Victoria et Albert . Récupéré le 8 juin 2007 .
• La Pietà dans la sculpture gothique tardive française: variations régionales , un livre du Metropolitan Museum of Art Libraries (entièrement disponible en ligne au format PDF), qui contient du matériel sur l’art gothique