Annie Salle

Annie Hall est une Comédie dramatique romantique satirique américaine de 1977réalisée par Woody Allen à partir d’un scénario qu’il a co-écrit avec Marshall Brickman et produit par le manager d’Allen, Charles H. Joffe . Le film met en vedette Allen dans le rôle d’Alvy Singer, qui tente de comprendre les raisons de l’échec de sa relation avec le rôle principal féminin éponyme, joué par Diane Keaton dans un rôle écrit spécialement pour elle.

Annie Salle
Affiche de sortie en salle
Dirigé par	Woody Allen
Écrit par	Woody Allen Marshall Brickman
Produit par	Charles H. Joffe Jack Rollins (non crédité)
Mettant en vedette	Woody Allen Diane Keaton Tony Robert Carole Kane Paul Simon Janet Margolin Shelly Duvall Christophe Walken Colleen Dewhurst
Cinématographie	Gordon Willis
Édité par	Ralph Rosenblum Wendy Greene Bricmont
Musique par	Voir la bande son
Société de production	Une production de Jack Rollins et Charles H. Joffe
Distribué par	Artistes unis
Date de sortie	27 mars 1977 ( Festival du film de Los Angeles ) ( 27/03/1977 ) 20 avril 1977 (États-Unis) ( 20/04/1977 )
Durée de fonctionnement	93 minutes
Pays	États-Unis
Langues	anglais allemand
Budget	4 millions de dollars
Box-office	38,3 millions de dollars [1]

La photographie principale du film a commencé le 19 mai 1976 à la fourche sud de Long Island et s’est poursuivie périodiquement pendant les dix mois suivants. Allen a décrit le résultat, qui a marqué sa première collaboration avec le directeur de la photographie Gordon Willis , comme “un tournant majeur”, ^[2] en ce que contrairement aux farces et comédies qui étaient son travail jusqu’alors, il a introduit un nouveau niveau de sérieux. Les universitaires ont noté le contraste entre les contextes de New York et de Los Angeles, le stéréotype des différences de genre dans la sexualité, la présentation de l’identité juive et les éléments de la psychanalyse et du modernisme .

Annie Hall a été projeté au Los Angeles Film Festival le 27 mars 1977, avant sa sortie officielle aux États-Unis le 20 avril 1977. Le film a été très apprécié, a été nominé aux Big Five Academy Awards , en remportant quatre : l’ Académie Prix ​​du meilleur film , deux pour Allen ( Meilleur réalisateur et, avec Brickman, Meilleur scénario original ), et Meilleure actrice pour Keaton. Le film a en outre remporté quatre prix BAFTA et un Golden Globe , ce dernier étant décerné à Keaton. Les recettes au box-office nord-américain du film de 38 251 425 $ sont la quatrième meilleure des œuvres d’Allen lorsqu’elles ne sont pas ajustées à l’inflation.

Classé parmi les meilleurs films jamais réalisés, il se classe 31e sur la liste AFI des plus grands films du cinéma américain, 4e sur leur liste des plus grands films de comédie et 28e sur les “100 films les plus drôles” de Bravo. Le critique de cinéma Roger Ebert l’a qualifié de “film de Woody Allen préféré de tout le monde”. ^[3] Le scénario du film a également été nommé le plus drôle jamais écrit par la Writers Guild of America dans sa liste des “101 scénarios les plus drôles”. ^[4] En 1992, la Bibliothèque du Congrès des États-Unis a sélectionné le film à conserver dans le National Film Registry comme étant “culturellement, historiquement ou esthétiquement significatif.

Parcelle

L’humoriste Alvy Singer tente de comprendre pourquoi sa relation avec Annie Hall s’est terminée il y a un an. Ayant grandi à Brooklyn, il a vexé sa mère avec des questions impossibles sur le vide de l’existence, mais il a été précoce sur sa curiosité sexuelle innocente, embrassant soudainement une camarade de classe à six ans et ne comprenant pas pourquoi elle ne tenait pas à rendre la pareille.

Annie et Alvy, dans une ligne pour Le chagrin et la pitié , entendent un autre homme se moquer du travail de Federico Fellini et de Marshall McLuhan ; Alvy imagine McLuhan lui-même intervenir à son invitation pour critiquer la compréhension de l’homme. Cette nuit-là, Annie ne montre aucun intérêt pour le sexe avec Alvy. Au lieu de cela, ils discutent de sa première femme, dont l’ardeur ne lui procurait aucun plaisir. Son deuxième mariage était avec un écrivain new-yorkais qui n’aimait pas le sport et était incapable d’atteindre l’orgasme.

Avec Annie, c’est différent. Les deux s’amusent à préparer ensemble un repas de homard bouilli. Il la taquine sur les hommes inhabituels de son passé. Il l’a rencontrée en jouant au tennis en double avec des amis. Après le match, une petite conversation maladroite l’a amenée à lui offrir d’abord un tour en ville, puis un verre de vin sur son balcon. Là, ce qui semblait être un léger échange de données personnelles insignifiantes se révèle dans des “sous-titres mentaux” comme un flirt croissant. Leur premier rendez-vous fait suite à l’audition de chant d’Annie pour une boîte de nuit (« It Had to be You »). Après leurs ébats amoureux cette nuit-là, Alvy est “une épave”, alors qu’elle se détend avec un joint .

Bientôt Annie admet qu’elle l’aime, alors qu’il achète ses livres sur la mort et dit que ses sentiments pour elle sont plus que de l’amour. Quand elle emménage avec lui, les choses deviennent très tendues. Finalement, il la trouve bras dessus bras dessous avec l’un de ses professeurs d’université et les deux commencent à se demander s’il s’agit de la “flexibilité” dont ils avaient discuté. Ils finissent par se séparer et il cherche la vérité sur les relations, interrogeant des inconnus dans la rue sur la nature de l’amour, remettant en question ses années de formation et imaginant une version de dessin animé de lui-même se disputant avec un dessin animé Annie dépeinte comme la méchante reine dans Blanche-Neige. .

Alvy revient à sortir ensemble, mais l’effort est gâché par la névrose et le mauvais sexe qui est interrompu quand Annie insiste pour qu’il vienne immédiatement pour tuer une araignée dans sa salle de bain. Une réconciliation s’ensuit, associée à un vœu de rester ensemble quoi qu’il arrive. Cependant, leurs discussions séparées avec leurs thérapeutes montrent clairement qu’il existe un fossé tacite et infranchissable. Quand Alvy accepte une offre de présenter un prix à la télévision, ils s’envolent pour Los Angeles, avec l’ami d’Alvy, Rob. Cependant, lors du voyage de retour, ils conviennent que leur relation ne fonctionne pas. Après l’avoir perdue au profit de son producteur de disques, Tony Lacey, Alvy tente en vain de raviver la flamme avec une demande en mariage. De retour à New York, il met en scène une pièce de leur relation mais change la fin : maintenant elle accepte.

La dernière rencontre pour eux est une coda mélancolique dans l’Upper West Side de New York lorsqu’ils sont tous les deux passés à quelqu’un de nouveau. La voix d’Alvy revient avec un résumé : l’amour est essentiel, surtout s’il est névrosé . Annie chante « Seems Like Old Times » et le générique défile.

Moulage

Truman Capote , photographié ici en 1959, a eu un petit rôle dans le film.

• Woody Allen comme Alvy Singer
• Diane Keaton comme Annie Hall
• Tony Roberts comme Rob
• Carol Kane comme Allison Portchnik
• Paul Simon comme Tony Lacey
• Janet Margolin comme Robin
• Shelley Duvall comme Pam
• Christopher Walken (crédité comme “Christopher Wlaken”) ^[a] comme Duane Hall
• Colleen Dewhurst comme Mme Hall
• Donald Symington comme M. Hall
• Joan Newman comme Mme Singer
• Marshall McLuhan comme lui-même
• Mordecai Lawner en tant que père d’Alvy

Truman Capote a un camée. Alvy fait des plaisanteries sur les passants. Il dit “Voici le gagnant du concours de sosies de Truman Capote” alors que Truman Capote traverse le cadre. ^[7] Plusieurs acteurs qui ont gagné plus tard un profil plus élevé avaient de petites parties dans le film : John Glover comme le petit ami d’acteur d’Annie, Jerry ; Jeff Goldblum en homme qui « a oublié [son] mantra » à la fête de Noël de Tony Lacey ; Beverly D’Angelo en tant qu’actrice dans l’émission télévisée de Rob; et Sigourney Weaver , dans ses débuts au cinéma, dans la séquence de clôture en tant que rendez-vous d’Alvy au cinéma. Laurie Bird apparaît également, deux ans avant son suicide.

Style et technique

Techniquement, le film a marqué une avancée pour le réalisateur. Il a choisi Gordon Willis comme directeur de la photographie – pour Allen “un professeur très important” et un “assistant technique”, en disant: “Je considère vraiment Annie Hall comme le premier pas vers la maturité d’une certaine manière dans la réalisation de films.” ^[8] À l’époque, il était considéré comme un “appariement impair” par beaucoup, Keaton parmi eux. Le réalisateur était connu pour ses comédies et ses farces, tandis que Willis était connu comme “le prince des ténèbres” pour son travail sur des films dramatiques comme Le Parrain . ^[9] Malgré cela, les deux sont devenus amis pendant le tournage et ont poursuivi la collaboration sur plusieurs films ultérieurs, dont Zelig, qui a valu à Willis sa première nomination aux Oscars pour la meilleure photographie . ^[9]

Willis a décrit la production du film comme “relativement facile”. ^[9] Il a tourné dans des styles variés; “Lumière chaude et dorée pour la Californie , gris couvert pour Manhattan et Hollywood des années 40 sur papier glacé pour… des séquences de rêve”, dont la plupart ont été coupées. ^[10] C’est sa suggestion qui a conduit Allen à filmer les scènes de double thérapie dans un décor divisé par un mur au lieu de la méthode habituelle de l’ écran partagé . ^[9] Il a essayé de longues prises, avec quelques plans, non abrégés, d’une durée d’une scène entière, qui, pour Ebert, ajoutent à la puissance dramatique du film : « Peu de téléspectateurs remarquent probablement à quel point Annie Hallse compose de gens qui parlent, qui parlent simplement. Ils marchent et parlent, s’assoient et parlent, vont chez les psys, vont déjeuner, font l’amour et parlent, parlent à la caméra ou se lancent dans des monologues inspirés comme la libre association d’Annie alors qu’elle décrit sa famille à Alvy. Ce discours de Diane Keaton est aussi proche de la perfection qu’un tel discours peut probablement l’être… le tout fait en une seule prise d’une brillante maîtrise de la corde raide.” Il cite une étude qui a calculé que la durée moyenne d’ Annie Hall était de 14,5 secondes, tandis que les films réalisés en 1977 avaient une durée de prise de vue moyenne de 4 à 7 secondes. ^[3] Peter Cowie suggère que “Allen brise ses plans étendus avec des allers-retours plus orthodoxes dans les morceaux de conversation afin que l’élan vers l’avant du film soit maintenu. ” ^[11]Bernd Herzogenrath note l’innovation dans l’utilisation de l’écran partagé pendant la scène du dîner pour exagérer puissamment le contraste entre la famille juive et la famille gentile. ^[12]

Bien que le film ne soit pas essentiellement expérimental, il ébranle en plusieurs points la réalité narrative. ^[13] James Bernardoni note la façon d’Allen d’ouvrir le film en faisant face à la caméra, ce qui empiète immédiatement sur l’implication du public dans le film. ^[14] Dans une scène, le personnage d’Allen, en ligne pour voir un film avec Annie, écoute un homme derrière lui livrer des pontifications mal informées sur la signification du travail de Fellini et de Marshall McLuhan. Allen sort McLuhan lui-même de la caméra pour corriger personnellement les erreurs de l’homme. ^[3] Plus tard dans le film, lorsque nous voyons Annie et Alvy dans leur premier entretien prolongé, les “sous-titres mentaux” transmettent au public les doutes intérieurs nerveux des personnages. ^[3]Une scène animée – avec des illustrations basées sur la bande dessinée Inside Woody Allen – représente Alvy et Annie sous les traits de la méchante reine de Blanche-Neige . ^[3] Bien qu’Allen n’utilise chacune de ces techniques qu’une seule fois, le « quatrième mur » est brisé plusieurs autres fois lorsque les personnages s’adressent directement à la caméra. Dans l’une, Alvy arrête plusieurs passants pour poser des questions sur l’amour, et dans une autre, il évite d’écrire une fin heureuse à sa relation avec Annie dans sa première pièce autobiographique comme une “réalisation de souhait” pardonnable. Allen a choisi de faire briser le quatrième mur par Alvy, a-t-il expliqué, “parce que je sentais que beaucoup de personnes dans le public avaient les mêmes sentiments et les mêmes problèmes. Je voulais leur parler directement et les confronter.” ^[8]

Production

En écrivant

L’idée de ce qui allait devenir Annie Hall a été développée alors qu’Allen se promenait dans New York avec le co-scénariste Marshall Brickman .. Le couple discutait fréquemment du projet, devenant parfois frustré et rejetant l’idée. Allen a écrit une première ébauche d’un scénario dans un délai de quatre jours, l’envoyant à Brickman pour apporter des modifications. Selon Brickman, ce projet était centré sur un homme dans la quarantaine, quelqu’un dont la vie consistait « en plusieurs volets ». L’un était une relation avec une jeune femme, un autre était un souci de la banalité de la vie que nous vivons tous, et un troisième une obsession de faire ses preuves et de se tester pour savoir quel genre de caractère il avait. Allen lui-même a eu quarante ans en 1975, et Brickman suggère que «l’âge avancé» et les «inquiétudes concernant la mort» avaient influencé l’approche philosophique et personnelle d’Allen pour compléter son «côté commercial». ^{[15] [16]}Allen a pris la décision consciente de “sacrifier certains des rires pour une histoire sur les êtres humains”. ^[9] Il a reconnu que pour la première fois, il avait le courage d’abandonner la sécurité d’une large comédie complète et avait la volonté de produire un film de sens plus profond qui serait une expérience nourrissante pour le public. ^{[2] Il a également été influencé par la Comédie dramatique} 81⁄2 (1963) de Federico Fellini , créée à un tournant personnel similaire et colorée de la même manière par la psychanalyse de chaque réalisateur . ^[16]

Brickman et Allen ont échangé le scénario jusqu’à ce qu’ils soient prêts à demander 4 millions de dollars à United Artists . ^[16] De nombreux éléments des premières ébauches n’ont pas survécu. C’était à l’origine un drame centré sur un mystère de meurtre avec une intrigue secondaire comique et romantique. ^[17] Selon Allen, le meurtre s’est produit après une scène qui reste dans le film, la séquence dans laquelle Annie et Alvy ratent le film d’Ingmar Bergman Face to Face (1976). ^[18] Bien qu’ils aient décidé d’abandonner le complot de meurtre, Allen et Brickman ont créé un mystère de meurtre plusieurs années plus tard : Manhattan Murder Mystery (1993), mettant également en vedette Diane Keaton. ^[19] Le brouillon qu’Allen a présenté au monteur du film,Ralph Rosenblum , a conclu avec les mots, “finissant d’être fusillé”. ^[20]

Allen a suggéré Anhedonia , un terme désignant l’incapacité à éprouver du plaisir, comme titre de travail, ^{[21] [22]} et Brickman a suggéré des alternatives, notamment It Had to Be Jew , Rollercoaster Named Desire et Me and My Goy . ^[23] Une agence de publicité, embauchée par United Artists, a embrassé le choix d’Allen d’un mot obscur en suggérant au studio de sortir des publicités dans les journaux qui ressemblaient à de faux titres de tabloïd tels que “Anhedonia Strikes Cleveland!”. ^[23] Cependant, Allen a expérimenté plusieurs titres sur cinq projections de test, y compris Anxiety et Annie and Alvy , avant de s’installer surAnnie Salle . ^[23]

Fonderie

Plusieurs références dans le film à la propre vie d’Allen ont suscité des spéculations selon lesquelles il est autobiographique. Alvy et Allen étaient tous deux des comédiens. Son anniversaire apparaît au tableau noir dans une scène d’école, et “Alvy” était l’un des surnoms d’enfance d’Allen; ^[24] certaines caractéristiques de son enfance se retrouvent chez Alvy Singer’s; ^[25] Allen est allé à l’université de New York et Alvy aussi. Le vrai nom de famille de Diane Keaton est “Hall” et “Annie” était son surnom, et elle et Allen ont déjà eu une relation amoureuse. ^[26]Cependant, Allen s’empresse de dissiper ces suggestions. “Les choses dont les gens insistent sur le fait qu’elles sont autobiographiques ne le sont presque jamais”, a déclaré Allen. “C’est tellement exagéré que cela n’a pratiquement aucun sens pour les personnes sur lesquelles ces petites nuances sont basées. Les gens se sont mis dans la tête qu’Annie Hall était autobiographique, et je n’ai pas pu les convaincre que ce n’était pas le cas”. ^[27] Contrairement à divers intervieweurs et commentateurs, dit-il, Alvy n’est pas le personnage le plus proche de lui-même ; il s’identifie davantage à la mère (Eve, interprétée par Geraldine Page ) dans son prochain film, Interiors . ^[28] Malgré cela,^[29]

Le rôle d’Annie Hall a été écrit spécifiquement pour Keaton, qui avait travaillé avec Allen sur Play It Again, Sam (1972), Sleeper (1973) et Love and Death (1975). ^[29] Elle considérait le personnage comme une “version affable” d’elle-même – les deux étaient “semi-articulés, rêvaient d’être chanteuse et souffraient d’insécurité” – et a été surprise de gagner un Oscar pour sa performance. ^[29] Le film marque également la deuxième collaboration cinématographique entre Allen et Tony Roberts, leur projet précédent étant Play It Again, Sam . ^[9]

Federico Fellini était le premier choix d’Allen pour apparaître dans la scène du lobby du cinéma parce que ses films étaient en discussion, ^[18] mais Allen a choisi l’universitaire culturel Marshall McLuhan après que Fellini et Luis Buñuel aient refusé le camée. ^[30] Certains membres de la distribution, selon le biographe John Baxter, ont été lésés par le traitement qu’Allen leur a réservé. Le réalisateur “a agi froidement” envers McLuhan, qui a dû revenir du Canada pour reprendre le tournage, et Mordecai Lawner , qui jouait le père d’Alvy, a affirmé qu’Allen ne lui avait jamais parlé. ^[30] Cependant, pendant la production, Allen a commencé une relation de deux ans avec Stacey Nelkin , qui apparaît dans une seule scène. ^[30]

Tournage, montage et musique

Woody Allen a vu le Thunderbolt de Coney Island lors de la reconnaissance de lieux et l’a écrit dans le scénario comme la maison d’enfance d’Alvy. ^[24]

La photographie principale a commencé le 19 mai 1976, sur la fourche sud de Long Island avec la scène dans laquelle Alvy et Annie font bouillir des homards vivants; le tournage a continué périodiquement depuis les dix mois suivants, ^[31] et a dévié fréquemment du scénario. Il n’y avait rien d’écrit sur la maison d’enfance d’Alvy située sous des montagnes russes, mais quand Allen repérait des lieux à Brooklyn avec Willis et le directeur artistique Mel Bourne, il “a vu ces montagnes russes, et … a vu la maison en dessous. Et je pensé, nous devons utiliser cela.” ^[25]De même, il y a l’incident où Alvy disperse un trésor de cocaïne avec un éternuement accidentel : bien que n’étant pas dans le scénario, la blague est née d’un hasard de répétition et est restée dans le film. Dans les tests d’audience, ce rire était si soutenu qu’une pause beaucoup plus longue a dû être ajoutée pour que le dialogue suivant ne soit pas perdu. ^[32]

Le premier montage du film par le monteur Ralph Rosenblum en 1976 a laissé Brickman déçu. “J’avais l’impression que le film tournait dans neuf directions différentes”, se souvient Brickman. ^[33] “C’était comme une première ébauche d’un roman… à partir duquel deux ou trois films pourraient éventuellement être assemblés.” ^[34] Rosenblum a caractérisé la première coupe, à deux heures et vingt minutes, ^[35] comme “les aventures surréalistes et abstraites d’un comédien juif névrosé qui revivait sa vie très imparfaite et dans le processus faisant la satire d’une grande partie de notre culture… un monologue visuel, une version plus sophistiquée et plus philosophique de Take the Money and Run “. ^[35]Brickman l’a trouvé “non dramatique et finalement inintéressant, une sorte d’exercice cérébral”. ^[36] Il a suggéré un récit plus linéaire. ^[37]

La relation au présent entre Alvy et Annie n’était pas l’objet narratif de cette première coupe, mais Allen et Rosenblum l’ont reconnue comme la colonne vertébrale dramatique et ont commencé à retravailler le film “dans le sens de cette relation”. ^[38] Rosenblum a rappelé qu’Allen “n’avait aucune hésitation à couper une grande partie des vingt premières minutes afin d’établir Keaton plus rapidement”. ^[36] Selon Allen, “je ne me suis pas assis avec Marshall Brickman et lui ai dit : ‘Nous allons écrire une photo sur une relation.’ Je veux dire que tout le concept de l’image a changé au fur et à mesure que nous la coupions.” ^[37]

Comme le film était budgétisé pour deux semaines de photographie de post-production, ^[20] la fin de 1976 a vu trois tournages séparés pour le segment final, mais seulement une partie de ce matériel a été utilisée. ^[39] La narration qui termine le film, mettant en vedette la blague sur « nous avons tous besoin des œufs », a été conçue et enregistrée seulement deux heures avant une projection de test. ^[39]

Le générique appelle le film “A Jack Rollins et Charles H. Joffe Production”; les deux hommes étaient les managers d’Allen et ont reçu ce même crédit sur ses films de 1969 à 1993. Cependant, pour ce film, Joffe a pris le crédit du producteur et a donc reçu l’ Oscar du meilleur film . La séquence titre présente un fond noir avec du texte blanc dans la police de caractères Windsor Light Condensed , un dessin qu’Allen utilisera dans ses films suivants. Stig Björkman voit une certaine similitude avec la conception simple et cohérente du titre d’ Ingmar Bergman , bien qu’Allen affirme que son propre choix est un moyen de réduire les coûts. ^[40]

Très peu de musique de fond est entendue dans le film, un départ pour Allen influencé par Ingmar Bergman. ^[40] Diane Keaton se produit deux fois dans le club de jazz : “It Had to be You” et “Seems Like Old Times” (ce dernier reprend en voix off sur la scène de clôture). Les autres exceptions incluent un chœur de garçons “Christmas Medley” joué pendant que les personnages traversent Los Angeles, le Molto allegro de la Jupiter Symphony de Mozart ( entendu alors qu’Annie et Alvy traversent la campagne), la performance de Tommy Dorsey de “Sleepy Lagoon “, ^[41] et la reprise anodine de la chanson de Savoy Brown “A Hard Way to Go” jouée lors d’une fête dans le manoir de Paul Simon’

Bande sonore

• ” Seems Like Old Times ” (1945) – Musique de Carmen Lombardo – Paroles de John Jacob Loeb – Chanté par Diane Keaton (non crédité) accompagnée par Artie Butler (non crédité)
• ” It Had To Be You ” (1924) – Musique d’ Isham Jones – Paroles de Gus Kahn – Chanté par Diane Keaton (non crédité) accompagnée d’Artie Butler (non crédité)
• “A Hard Way To Go” (1977) – Écrit et interprété par Tim Weisberg
• “Christmas Medley” (Chansons traditionnelles de Noël : ” We Wish You a Merry Christmas ” (non crédité), ” O, Christmas Tree ” (non crédité) et ” God Rest You Merry, Gentlemen ” (non crédité)) – Paroles d’ Ernst Anschütz – Interprété par le chœur d’enfants Do-Re-Mi
• ” Sleepy Lagoon ” (1930) – Composé par Eric Coates – Interprété par Tommy Dorsey
• ” Symphonie n° 41 en ut majeur, K. 551, Molto Allegro ” (1788) (non crédité) – Écrit par Wolfgang Amadeus Mozart

Libérer

Box-office et sortie

Annie Hall a été projeté au Festival du film de Los Angeles le 27 mars 1977 ^[21] avant sa sortie officielle aux États-Unis le 20 avril 1977. ^[1] Le film a finalement rapporté 38 251 425 $ (171 millions de dollars en dollars de 2021) dans le États-Unis contre un budget de 4 millions de dollars, ce qui en fait la 11e image la plus rentable de 1977. ^[1] Sur les chiffres bruts, il se classe actuellement au quatrième rang des films les plus rentables d’Allen, après Manhattan , Hannah et ses sœurs et Minuit à Paris ; une fois ajusté à l’inflation, le chiffre brut en fait le plus gros succès au box-office d’Allen. ^[42] Il est sorti pour la première fois sur Blu-rayle 24 janvier 2012, aux côtés du film d’Allen Manhattan (1979). ^[43] Les deux versions incluent les bandes-annonces théâtrales originales des films. ^[43]

Réception

Réponse critique

Diane Keaton a été acclamée par la critique et de nombreuses distinctions pour sa performance.

Annie Hall a été largement acclamée par la critique lors de sa sortie. Tim Radford de The Guardian a qualifié le film de “film le plus ciblé et le plus audacieux d’Allen à ce jour”. ^[44] Vincent Canby du New York Times a préféré Annie Hall au deuxième effort de réalisateur d’Allen, Take the Money and Run , puisque le premier est plus “humain” tandis que le second est plus un “dessin animé”. ^[45] Plusieurs critiques ont comparé favorablement le film aux Scènes d’un mariage de Bergman (1973), ^{[45] [46] [47]} dont Joseph McBride dans Variety, qui l’a trouvé “le film le plus tridimensionnel à ce jour” d’Allen avec une ambition égale au meilleur de Bergman alors même que les co-stars deviennent “l’équivalent contemporain de … Tracy – Hepburn “. ^[46]

Plus critique, Peter Cowie a commenté que le film “souffre de sa profusion de références culturelles et d’ apartés “. ^[48] ​​Écrivant pour le magazine New York , John Simon a qualifié le film de “comédie pas drôle, réalisation de films médiocre et révélation de soi embarrassante”, et a écrit que la performance de Keaton était “de mauvais goût à regarder et d’indécence à afficher”, affirmant que la partie aurait dû être joué par Robin Mary Paris, l’actrice qui apparaît brièvement dans la scène où Alvy Singer a écrit une pièce à deux personnages nue basée sur lui-même et Annie Hall. La critique d’ Annie Hall par Simon “C’est un film si informe, tentaculaire, répétitif et sans but qu’il semble mendier l’oubli. En cela, il est réussi.

Le film a continué à recevoir des critiques positives. Dans son regard rétrospectif de 2002, Roger Ebert l’a ajouté à sa liste de grands films et a commenté avec surprise que le film avait “une familiarité instantanée” malgré son âge, ^[3] et l’écrivain Slant Jaime N. Christley a trouvé les one-liners “toujours gut- casse après 35 ans”. ^[47] Un critique ultérieur du Guardian , Peter Bradshaw , l’a nommé le meilleur film comique de tous les temps, commentant que “ce film merveilleusement drôle et insupportablement triste est un miracle de l’écriture comique et de la réalisation de films inspirés”. ^[50] John Marriott du Radio Times pensait qu’Annie Hallétait le film où Allen “a trouvé sa propre voix singulière, une voix qui résonne à travers les événements avec un mélange d’exubérance et d’introspection”, faisant référence au “plaisir comique” dérivé du “jeu fougueux de Diane Keaton en tant qu’innocente farfelue du Midwest , et Woody lui-même dans le rôle du névrosé tâtonnant de New York”. ^{[51] Le magazine} Empire a attribué au film cinq étoiles sur cinq, le qualifiant de “classique”. ^[52] En 2017, Claire Dederer écrivait : « Annie Hall est le plus grand film comique du XXe siècle […] parce qu’il reconnaît le nihilisme irrépressible qui se cache au centre de toute comédie. ^[53]

Le cinéaste japonais Akira Kurosawa a cité Annie Hall comme l’un de ses films préférés. ^{[54] [55]}

Sur l’agrégateur de critiques Rotten Tomatoes , le film a une note de 96% sur la base de 83 critiques, avec une note moyenne de 9,1/10. Le consensus critique du site se lit comme suit : “Rempli de performances poignantes et d’un humour dévastateur, Annie Hall représente un bond en avant pour Woody Allen et reste un classique américain.” ^[56] Metacritic a donné au film un score de 92 sur 100 basé sur 20 révisions critiques, en indiquant “l’acclamation universelle”. ^[57]

Analyse critique

Amour et sexualité Woody Allen à New York en 2006

Les sociologues Virginia Rutter et Pepper Schwartz considèrent la relation d’Alvy et Annie comme un stéréotype des différences de genre dans la sexualité. ^[58] La nature de l’amour est un sujet récurrent pour Allen et la co-vedette Tony Roberts a décrit ce film comme “l’histoire de tous ceux qui tombent amoureux, puis tombent amoureux et continuent.” ^[9]Alvy cherche le but de l’amour à travers ses efforts pour surmonter sa dépression à propos de la disparition de sa relation avec Annie. Parfois, il passe au crible ses souvenirs de la relation, à un autre moment, il arrête les gens sur le trottoir, une femme disant que “Ce n’est jamais quelque chose que vous faites. C’est comme ça que les gens sont. L’amour s’estompe”, une suggestion que ce n’était la faute de personne, ils se sont juste séparés et la fin était inévitable. À la fin du film, Alvy accepte cela et décide que l’amour est finalement “irrationnel et fou et absurde”, mais une nécessité de la vie. ^[59] Christopher Knight pense que la quête d’Alvy lors de sa rencontre avec Annie est charnelle, alors que la sienne est sur une note émotionnelle. ^[60]

Richard Brody du New Yorker note la “conscience de soi eurocentrique de l’art maison” du film et “l’obsession psychanalytique d’Alvy Singer à dévoiler ses désirs et ses frustrations sexuels, ses désastres romantiques et ses inhibitions névrotiques”. ^[61]

Identité juive

Singer est identifié au stéréotype de l’homme juif névrosé, et les différences entre Alvy et Annie sont souvent liées aux perceptions et aux réalités de l’identité juive. Vincent Brook note que “Alvy dîne avec la famille WASP -y Hall et imagine qu’ils doivent le voir comme un Juif hassidique , avec un payot (boucles d’oreille) et un grand chapeau noir.” ^[62] Robert M. Seltzer et Norman J. Cohen mettent en évidence la scène dans laquelle Annie remarque que la grand-mère d’Annie “déteste les Juifs. Elle pense qu’ils gagnent juste de l’argent, mais c’est elle. Est-ce qu’elle a déjà, je vous le dis.”, révélant l’hypocrisie de la vision américaine stéréotypée de sa grand-mère sur les Juifs en affirmant qu ‘”aucune stigmatisation n’est attachée à l’amour de l’argent en Amérique”.Bernd Herzogenrath considère également la blague d’Allen, “J’aimerais mais nous avons besoin des œufs”, au médecin à la fin lorsqu’il suggère de le placer dans un établissement psychiatrique, comme un paradoxe non seulement de la personnalité du juif névrosé urbain mais aussi du film lui-même. ^[12]

Personnalité de Woody Allen

Christopher Knight souligne qu’Annie Hall est encadrée par les expériences d’Alvy. “Généralement, ce que nous savons d’Annie et de la relation est filtré par Alvy, un narrateur intrusif capable d’arrêter le récit et d’en sortir afin d’implorer la faveur interprétative du public.” ^[64] Il suggère que parce que les films d’Allen brouillent le protagoniste avec “des protagonistes passés et futurs ainsi qu’avec le réalisateur lui-même”, cela “fait une différence quant à savoir si nous sommes plus sensibles au cadrage des événements du réalisateur ou du personnage”. ^[65] Malgré le cadrage du récit, “la blague est sur Alvy.” ^[66] Emmanuel Lévyestime qu’Alvy Singer est devenu synonyme de la perception publique de Woody Allen aux États-Unis. ^[67] Annie Hall est considérée comme le film définitif de Woody Allen dans l’affichage de l’humour névrotique. ^[68]

Emplacement Upper East Side de New York

Annie Hall “est autant une chanson d’amour pour New York que pour le personnage”, ^[69] reflétant l’adoration d’Allen pour l’île de Manhattan . C’était une relation qu’il a explorée à plusieurs reprises, en particulier dans des films comme Manhattan (1979) et Hannah and Her Sisters (1986). ^[9] L’appartement d’Annie Hall, qui existe toujours sur East 70th Street entre Lexington Avenue et Park Avenue est de la propre confession d’Allen son bloc préféré dans la ville. ^[70] Peter Cowie soutient que le film montre “une vue romancée” de l’arrondissement, avec la caméra “s’attardant sur l’ Upper East Side[… et où] la peur du crime ne trouble pas ses personnages.” ^[71] En revanche, la Californie est présentée de manière moins positive, et David Halle note l’évidente “comparaison intellectuelle odieuse” entre New York et Los Angeles. ^{[ 72]} Alors que les cinémas de Manhattan diffusent des films classiques et étrangers, les cinémas de Los Angeles proposent des plats moins prestigieux tels que The House of Exorcism et Messiah of Evil [ ⁷¹ ] “. ^[71]New York City sert de symbole de la personnalité d’Alvy (“sombre, claustrophobe et socialement froid, mais aussi un havre intellectuel plein d’énergie nerveuse”) tandis que Los Angeles est un symbole de liberté pour Annie. ^[69]

Psychanalyse et modernisme

Annie Hall a été citée comme un film qui utilise à la fois la thérapie et l’analyse pour un effet comique. ^[73] Sam B. Girgus considère Annie Hall comme une histoire sur la mémoire et la rétrospection, qui “dramatise un retour via le désir narratif au refoulé et à l’inconscient d’une manière similaire à la psychanalyse”. ^[74] Il soutient que le film constitue une affirmation consciente de la façon dont le désir narratif et l’humour interagissent dans le film pour réformer les idées et les perceptions et que le déploiement par Allen des concepts et de l’humour freudiens forme un “schéma de scepticisme envers le sens superficiel qui oblige à aller plus loin”. interprétation”. Girgus croit que la preuve de l’omniprésence de Sigmund Freuddans le film est démontré au début par une référence à une blague dans Jokes and Their Relation to the Unknown , et fait une autre blague sur un psychiatre et un patient, qui, selon Girgus, est également symbolique de la dynamique entre l’humour et l’inconscient dans le film . ^[74] D’autres concepts freudiens sont plus tard abordés dans le film avec le rappel d’Annie d’un rêve à son psychanalyste dans lequel Frank Sinatra l’étouffe avec un oreiller, ce qui fait allusion à la croyance de Freud dans les rêves en tant que “représentations visuelles de mots ou d’idées”. ^[74]

Peter Bailey dans son livre The Reluctant Film Art of Woody Allen , soutient qu’Alvy affiche un ” dénigrement génial de l’art ” qui contient une ” équivoque significative “, en ce que dans son autodérision il invite le public à croire qu’il égalise avec eux. ^[75] Bailey soutient que les dispositifs d’Allen dans le film, y compris les sous-titres qui révèlent les pensées d’Annie et d’Alvy “prolongent et renforcent l’ éthos séduisant d’ Annie Hall de la simplicité et de l’ingénuité”. ^[75]Il pense que le film regorge d’emblèmes antimimétiques tels que l’apparence magique de McLuhan qui fournit un humour décalé et que la «disparité entre les projections mentales de la réalité et de l’actualité» anime le film. Son point de vue est que les dispositifs cinématographiques auto-réflexifs dramatisent intelligemment la différence entre la surface et la substance, avec des emblèmes visuels « distillant sans cesse la distinction entre le monde mentalement construit et la réalité ». ^[75]

Dans sa discussion sur la relation du film au modernisme , Thomas Schatz considère le film comme un « examen non résolu du processus d’interaction humaine et de communication interpersonnelle » ^[76] et « établit immédiatement [une] position autoréférentielle » qui invite le spectateur « à lire le récit comme autre chose qu’un développement séquentiel vers une vérité transcendante ». ^[77] Pour lui, Alvy “est victime d’une tendance à la surdétermination du sens – ou en termes modernistes “la tyrannie du signifié” – et son implication avec Annie peut être considérée comme une tentative d’établir une relation spontanée, intellectuellement libre , une tentative vouée à l’échec.” ^[76]

Récompenses et distinctions

Oscars
1. Meilleur film , Charles H. Joffe
2. Meilleur réalisateur , Woody Allen
3. Meilleure actrice dans un premier rôle , Diane Keaton
4. Meilleur scénario original , Woody Allen et Marshall Brickman
Golden Globe Awards
1. Meilleure actrice dans un film musical ou comique , Diane Keaton
Prix ​​​​BAFTA
1. Meilleur film
2. Meilleure réalisation , Woody Allen
3. Meilleure actrice , Diane Keaton
4. Meilleur montage , Ralph Rosenblum et Wendy Greene Bricmont
5. Meilleur scénario , Woody Allen et Marshall Brickman

Annie Hall a remporté quatre Oscars lors de la 50e cérémonie des Oscars le 3 avril 1978 et a été nominée pour cinq (les Big Five ) au total. Le producteur Charles H. Joffe a reçu la statue du meilleur film, Allen du meilleur réalisateur et, avec Brickman, du meilleur scénario original , et Keaton de la meilleure actrice . Allen a également été nominé pour le meilleur acteur. ^[78] Beaucoup s’attendaient à ce que Star Wars remporte les principaux prix, notamment Brickman et le producteur exécutif Robert Greenhut . ^[9]

Le film a également été honoré cinq fois aux prix BAFTA. En plus du prix du meilleur film et du prix du montage de films , Keaton a remporté la meilleure actrice , Allen a remporté la meilleure réalisation et le meilleur scénario original aux côtés de Brickman. ^[79] Le film n’a reçu qu’un seul Golden Globe Award, pour la meilleure actrice de cinéma dans une comédie musicale ou une comédie (Diane Keaton), malgré des nominations pour trois autres prix : meilleur film (musical ou comique), meilleur réalisateur et meilleur acteur de cinéma dans une comédie musicale ou une comédie (Woody Allen).

En 1992, la Bibliothèque du Congrès des États-Unis a sélectionné le film à conserver dans son registre national du film qui comprend des films «culturellement, historiquement ou esthétiquement significatifs». ^[5] Le film est souvent mentionné parmi les plus grandes comédies de tous les temps. L’American Film Institute le classe au 31e rang de l’histoire du cinéma américain. ^[80] En 2000, ils l’ont nommée la deuxième plus grande comédie romantique du cinéma américain. ^[80] La performance de Keaton de ” Seems Like Old Times ” a été classée 90e sur leur liste des plus grandes chansons incluses dans un film, et sa ligne ” La-dee-da, la-dee-da “. a été nommée la 55e plus grande citation de film. ^[80]Le scénario a été nommé le sixième plus grand scénario par la Writers Guild of America, West ^[81] tandis que IGN l’a nommé le septième plus grand film comique de tous les temps. ^[82] En 2000, les lecteurs du magazine Total Film l’ont élu quarante-deuxième plus grand film comique de tous les temps et septième plus grand film comique romantique de tous les temps. ^[83] Plusieurs listes classant les meilleurs films d’Allen ont mis Annie Hall parmi son plus grand travail. ^{[84] [85] [86]}

En juin 2008, AFI a dévoilé son 10 Top 10 – les dix meilleurs films dans dix genres cinématographiques américains classiques – après avoir interrogé plus de 1 500 personnes de la communauté créative et Annie Hall a été classée deuxième dans le genre de la comédie romantique. ^[87] AFI a également classé Annie Hall sur plusieurs autres listes. En novembre 2008, Annie Hall a été élue au 68e rang sur la liste des 500 plus grands films de tous les temps du magazine Empire . ^[88] Il est également classé n ° 2 sur les 25 meilleures comédies romantiques de Rotten Tomatoes, juste derrière The Philadelphia Story . ^[89] En 2012, le film a été classé 127e meilleur film de tous les temps par leSondage des critiques de Sight & Sound . ^[90] Le film a également été nommé 132e meilleur film par lesondage des réalisateurs Sight & Sound . ^[90] En octobre 2013, le film a été élu par leslecteurs du Guardian comme le deuxième meilleur film réalisé par Woody Allen. ^[91] En novembre 2015, le film a été nommé le scénario le plus drôle par la Writers Guild of America dans sa liste des 101 scénarios les plus drôles . ^[92]

Reconnaissance de l’American Film Institute

Le film est reconnu par l’American Film Institute dans ces listes :

• 1998: 100 ans d’AFI … 100 films – # 31 ^[93]
• 2000: 100 ans d’AFI … 100 rires – # 4 ^[94]
• 2002: 100 ans d’AFI … 100 passions – # 11 ^[95]
• 2004 : 100 ans d’AFI… 100 chansons :
  • ” On dirait que le bon vieux temps ” – # 90 ^[96]
• 2005 : 100 ans d’AFI… 100 citations de films :
  • Annie Hall : “La-dee-da, la-dee-da.” – #55 ^[97]
  • Alvy Singer “Je ne veux pas déménager dans une ville où le seul avantage culturel est de pouvoir tourner à droite au feu rouge.” – Nominé.
  • Alvy Singer “Ne bouscule pas la masturbation. C’est du sexe avec quelqu’un que j’aime.” – Nominé.
• 2007: 100 ans d’AFI … 100 films (édition 10e anniversaire) – # 35 ^[98]
• 2008 : 10 Top 10 de l’AFI :
  • Film de comédie romantique #2 ^[99]

1992 – Registre national du film . ^[100]

En 2006, le magazine Premiere a classé Keaton à Annie Hall au 60e rang de sa liste des «100 plus grandes performances de tous les temps», et a noté:

C’est dur de jouer les idiots. … Le génie d’Annie est qu’en dépit de son revers fou, de sa conduite épouvantable et de ses tics nerveux, c’est aussi une femme compliquée et intelligente. Keaton affiche brillamment cette dichotomie de son personnage, en particulier lorsqu’elle s’éloigne lors d’un premier rendez-vous avec Alvy (Woody Allen), tandis que le sous-titre se lit comme suit : “Il pense probablement que je suis un yoyo.” Yo-yo? À peine. ^[101]

Héritage et influence

Le style vestimentaire de Diane Keaton dans le rôle d’Annie Hall; une influence sur le monde de la mode à la fin des années 1970

Bien que le film ait été acclamé par la critique et plusieurs prix, Allen lui-même en a été déçu et a déclaré dans une interview: “Quand Annie Hall a commencé, ce film n’était pas censé être ce avec quoi je me suis retrouvé. Le film était censé être ce que se passe dans l’esprit d’un gars… Personne ne comprenait rien de ce qui se passait. La relation entre moi et Diane Keaton était tout ce qui comptait pour tout le monde. Ce n’était pas ce qui m’importait… Au final, j’ai dû réduire le film à juste moi et Diane Keaton, et cette relation, donc j’ai été assez déçu par ce film”. ^[102] Allen a refusé à plusieurs reprises de faire une suite, ^[103] et dans une interview de 1992 a déclaré que ” le séquisme est devenu une chose ennuyeuse. Je ne pense pas que Francis Coppolaaurait dû faire Parrain III parce que Parrain II était assez génial. Quand ils font une suite, c’est juste une soif de plus d’argent, donc je n’aime pas tellement cette idée”. ^[104]

Diane Keaton a déclaré qu’Annie Hall était son rôle préféré et que le film signifiait tout pour elle. ^[105] Lorsqu’on lui a demandé si le fait d’être le plus associée au rôle la concernait en tant qu’actrice, elle a répondu: “Je ne suis pas hantée par Annie Hall. Je suis heureuse d’être Annie Hall. Si quelqu’un veut me voir de cette façon, c’est ça me va”. La costumière Ruth Morley , en collaboration avec Keaton, a créé un look qui a eu une influence sur le monde de la mode à la fin des années 70, les femmes adoptant le style : superposer des blazers masculins surdimensionnés sur des gilets, des pantalons bouffants ou des jupes longues, une cravate pour homme, et bottes. ^[106] Le look était souvent appelé le ” look d’ Annie Hall “. ^[107]Certaines sources suggèrent que Keaton elle-même était principalement responsable du look, et Ralph Lauren a souvent revendiqué le mérite, mais une seule veste et une cravate ont été achetées à Ralph Lauren pour être utilisées dans le film. ^[108] Allen a rappelé que le style vestimentaire de Lauren et Keaton ne s’est presque pas retrouvé dans le film. “Elle est entrée”, se souvient-il en 1992, “et la costumière d’ Annie Hall a dit:” Dis-lui de ne pas porter ça. Elle ne peut pas porter ça. C’est tellement fou. Et j’ai dit : ‘Laisse-la. C’est un génie. Laissons-la tranquille, laissons-la porter ce qu’elle veut. ‘ ” ^[109]

Le scénario du film est arrivé en tête de la liste des 101 scénarios les plus drôles de la Writers Guild of America, dépassant Some Like it Hot (1959), Groundhog Day (1993), Airplane! (1980) et Tootsie (1982). ^[110] James Bernardoni déclare que le film est “l’un des très rares drames comiques romantiques de l’ère du Nouvel Hollywood et celui qui a à juste titre pris sa place parmi les classiques de ce genre inversé”, comparant la méditation sériocomique sur la relation de couple à Adam ‘s Rib de George Cukor (1949), avec Katharine Hepburn et Spencer Tracy . ^[14]Depuis sa sortie, d’autres comédies romantiques ont inspiré la comparaison. When Harry Met Sally… (1989), Chasing Amy (1997), Burning Annie (2007), 500 Days of Summer (2009) et le film d’Allen de 2003, Anything Else , en font partie ^{[90] [111] [112 ] [113] [114]} tandis que le réalisateur Rian Johnson a déclaré dans une interview pour le livre, Le film qui a changé ma vie , qu’Annie Hall l’a inspiré à devenir réalisateur. ^[115] Karen Gillan a déclaré avoir regardé Annie Halldans le cadre de ses recherches pour son rôle principal dans Not Another Happy Ending . ^[116] En 2018, Matt Starr et Ellie Sachs ont sorti un remake de court métrage mettant en vedette des personnes âgées. ^{[117] [118]}

Noter

1. ^ Mal orthographié comme “Christopher Wlaken” dans le générique de fin. ^[6]

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Liens externes

Wikiquote a des citations liées à: Annie Hall

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• Essai d’ Annie Hall par Jay Carr au National Film Registry [1]
• Essai d’ Annie Hall par Daniel Eagan dans America’s Film Legacy: The Authoritative Guide to the Landmark Movies in the National Film Registry, A&C Black, 2010 ISBN 0826429777 , pages 738-740 [2]
• Annie Hall à IMDb
• Annie Hall à AllMovie
• Annie Hall à la base de données de films TCM
• Annie Hall au Box Office Mojo
• Annie Hall à Rotten Tomatoes