Scott Pilgrim vs the World est un film de comédie d’action romantique de 2010co-écrit, produit et réalisé par Edgar Wright , basé sur lasérie de romans graphiques Scott Pilgrim de Bryan Lee O’Malley . Il met en vedette Michael Cera dans le rôle de Scott Pilgrim , un musicien fainéant qui tente de remporter un concours pour obtenir un contrat d’enregistrement tout en combattant les sept ex diaboliques de sa nouvelle petite amie Ramona Flowers , jouée par Mary Elizabeth Winstead .
| Scott Pilgrim vs le monde | |
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| Dirigé par | Edgar Wright |
| Scénario de |
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| Basé sur | Scott Pilgrim de Bryan Lee O’Malley |
| Produit par |
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| Mettant en vedette |
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| Cinématographie | Bill Pape |
| Édité par |
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| Musique par | Nigel Godrich |
| Sociétés de production |
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| Distribué par | Images universelles |
| Date de sortie |
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| Durée de fonctionnement | 112 min [1] |
| Des pays |
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| Langue | Anglais |
| Budget | 60 à 85 millions de dollars [2] [3] |
| Box-office | 49,3 millions de dollars [3] |
Une adaptation cinématographique des bandes dessinées a été proposée après la sortie du premier volume, et Wright a été attaché au projet très tôt. Le tournage a commencé en mars 2009 à Toronto et s’est terminé en août. Le film a été créé après une table ronde au San Diego Comic-Con International le 22 juillet 2010 et a reçu une large diffusion en Amérique du Nord le 13 août. Il a été réédité pour son 10e anniversaire au Royaume-Uni le 21 août. 2020, et aux États-Unis le 30 avril 2021.
Le film utilise des caractéristiques célèbres de son décor torontois et correspond au style des images de jeux vidéo et de bandes dessinées. Il a utilisé de vrais artistes musicaux, dont Beck et Metric , comme base pour chaque groupe fictif dans la bataille de l’intrigue des groupes , certains des acteurs se produisant également. Une combinaison de méthodes numériques et physiques a été utilisée pour créer les nombreux effets visuels .
C’était une bombe au box-office qui n’a pas réussi à récupérer son budget de production de 85 millions de dollars. Cependant, le film a reçu des critiques positives de la part des critiques, qui ont noté son style visuel et son humour, et il a finalement suscité un culte . Scott Pilgrim vs the World a fait plusieurs listes des dix premiers et a reçu plus de 70 prix et nominations . Il a été sélectionné pour la catégorie Meilleurs effets visuels lors de la 83e cérémonie des Oscars . Dans l’analyse scientifique, il a été largement discuté comme un récit transmédia .
Parcelle
À Toronto , Scott Pilgrim, 22 ans, est le bassiste de son groupe de garage indie infructueux Sex Bob-Omb. Il sort avec Knives Chau, un lycéen de 17 ans, à la désapprobation de ses amis du groupe, son colocataire Wallace Wells et sa jeune sœur Stacey Pilgrim. Scott rencontre une livreuse américaine d’ Amazon , Ramona Flowers , après l’avoir vue pour la première fois dans un rêve. Il se désintéresse de Knives, mais ne rompt pas avec elle avant de poursuivre Ramona. Quand Sex Bob-Omb joue dans une battle de groupessponsorisé par le directeur du disque Gideon Graves, Scott est attaqué par l’ex-petit ami de Ramona, Matthew Patel. Scott bat Patel et apprend que, pour sortir avec Ramona, il doit vaincre ses six ex maléfiques restants.
Scott rompt finalement avec Knives, qui blâme Ramona et jure de le reconquérir. Pendant ce temps, Scott se fait attaquer par les trois ex de Ramona et les bat : l’acteur et skateur hollywoodien Lucas Lee, le végétalien surpuissant Todd Ingram et la ninja lesbienne Roxy Richter, tout en affrontant sa propre ex, la pop star Envy Adams. . Cependant, Scott devient frustré pendant le processus et après une explosion concernant l’histoire de rencontres de Ramona, elle rompt avec lui.
Lors de la prochaine bataille des groupes, Sex Bob-Omb bat les cinquième et sixième ex maléfiques de Ramona, les jumeaux Kyle et Ken Katayanagi, ce qui donne à Scott une vie supplémentaire . Malgré cela, Ramona semble revenir avec son septième ex diabolique, Gideon. Sex Bob-Omb accepte le contrat d’enregistrement de Gideon , à l’exception de Scott, qui quitte le groupe en signe de protestation. Gideon invite Scott dans sa salle, le Chaos Theatre, où Sex Bob-Omb joue. Résolu à reconquérir Ramona, Scott défie Gideon dans un combat pour son affection, gagnant l’épée “Power of Love”. Knives interrompt la bataille, attaquant Ramona, et Scott est obligé de révéler qu’il les a trompés tous les deux. Gideon tue Scott et Ramona lui rend visite dans les limbes pour révéler que Gideon lui a implanté un contrôle mentalappareil.
Scott utilise son 1-up pour revenir à la vie et réintègre le Chaos Theatre. Il fait la paix avec ses amis et défie à nouveau Gideon, cette fois pour lui-même, gagnant l’épée “Power of Self-Respect”. Après s’être excusé auprès de Ramona et Knives pour les avoir trompés et avoir accepté ses propres fautes, Scott et Knives unissent leurs forces et vainquent Gideon. Désormais libre de son contrôle, Ramona se prépare à partir. Knives accepte que sa relation avec Scott soit terminée et, à ses encouragements, il part avec Ramona pour “réessayer”.
Moulage
- Michael Cera dans le rôle de Scott Pilgrim
- Mary Elizabeth Winstead dans le rôle de Ramona Flowers
- Kieran Culkin dans le rôle de Wallace Wells
- Chris Evans comme Lucas Lee
- Anna Kendrick dans le rôle de Stacey Pilgrim
- Brie Larson dans le rôle de Natalie V. “Envy” Adams
- Alison Pill dans le rôle de Kim Pine
- Aubrey Plaza comme Julie Powers
- Brandon Routh comme Todd Ingram
- Jason Schwartzman dans le rôle de Gideon “G-Man” Graves
- Johnny Simmons dans le rôle du “jeune” Neil Nordegraf
- Mark Webber comme Stephen Stills
- Mae Whitman dans le rôle de Roxanne “Roxy” Richter
- Ellen Wong dans le rôle de Knives Chau
- Satya Bhabha comme Matthew Patel
- Shota Saito [ ja ] comme Kyle Katayanagi
- Keita Saito [ ja ] comme Ken Katayanagi
- Nelson Franklin comme Michael Comeau
- Bill Hader comme la voix
- Erik Knudsen dans le rôle de Lucas “Crash” Wilson
- Thomas Jane en tant qu’officier de police végétalien (non crédité) [4]
- Clifton Collins Jr. en tant que policier végétalien (non crédité) [4]
- Ben Lewis comme autre Scott
- Tennessee Thomas comme Lynette Guycott
- Chantelle Chung comme Tamara Chen
- Kjartan Hewitt comme Jimmy
- Michael Lazarovitch comme Some Guy
- Abigail Chu comme Trisha “Trasha” Ha
- John Patrick Amedori comme Lollipop Hipster
- Joe Dinicol comme hipster d’ascenseur
- Craig Stickland comme hipster d’ascenseur
- Don McKellar comme directeur
Production
Scott Pilgrim vs the World était une coproduction internationale entre plusieurs sociétés : Marc Platt Productions (États-Unis), Big Talk Films (Royaume-Uni), Closed On Mondays Entertainment (États-Unis) et Dentsu (Japon). [5]
Développement
Après que l’artiste Bryan Lee O’Malley ait terminé le premier volume de Scott Pilgrim , son éditeur Oni Press a contacté le producteur Marc Platt pour lui proposer une adaptation cinématographique . [7] O’Malley avait à l’origine des sentiments mitigés à propos d’une adaptation cinématographique, déclarant qu’il “s’attendait à ce qu’ils en fassent une comédie d’action complète avec un acteur qu'[il] détestait”, même s’il “ne s’en souciait même pas “, admettant:” J’étais un artiste affamé, et je me disais: ‘S’il vous plaît, donnez-moi juste de l’argent.'” [8] Universal Studios a engagé le réalisateur Edgar Wright ,BD de Scott Pilgrim . [7] [9] Wright s’était intéressé pour la première fois à la réalisation du film lorsqu’on lui avait donné une copie préliminaire du premier roman graphique lors de la tournée de presse de Shaun of the Dead , [10] disant plus tard que “tout ce qu'[il] trouvait intéressant à propos du livre, et pourquoi il semblait frais et unique, était irrésistible à adapter.” [11] En mai 2005, le studio a signé Michael Bacall pour co-écrire le scénario. [9]
Wright a cité le film de Mario Bava de 1968, Danger : Diabolik (une autre adaptation d’une série de bandes dessinées) comme une influence sur son approche de Scott Pilgrim , déclarant qu’il a pris une “influence italienne, un sens de l’imagination complètement débridée. Ils ne font pas toute tentative de le rendre réaliste. La composition et la mise en scène de Mario Bava ont une véritable attitude d’essayer n’importe quoi. [12] D’autres influences sur les scénaristes incluent des films musicaux comme Beyond the Valley of the Dolls , Dig! , et en particulier le Fantôme du Paradis . [13]Le film reprend également des éléments de style des romans graphiques, y compris l’utilisation du texte de la bande dessinée en tant que graphique (par exemple, les onomatopées d’effets sonores), qui est décrit par Wright et O’Malley comme “simplement la perspective interne de la façon dont Scott comprend lui-même et le monde”. [14] Il a été décrit à la fois comme un jeu vidéo et un film de bande dessinée. [15]
Bacall a déclaré qu’il voulait écrire le film Scott Pilgrim parce qu’il était profondément attaché à son histoire et qu’il avait de l’empathie pour ses personnages. [16] Wright a déclaré qu’O’Malley était “très impliqué” dans le scénario du film depuis le début, en contribuant aux répliques et en ajoutant du vernis. En raison du long développement, plusieurs lignes de divers scripts écrits par Wright et Bacall ont été utilisées dans les bandes dessinées ultérieures de Scott Pilgrim . [17] Le deuxième brouillon du scénario, qui, selon O’Malley, “est devenu le brouillon principal du film”, a été soumis juste à minuit le soir où la grève des écrivains devait commencer en octobre 2007. [18] Aucun matériel de Scott La plus belle heure du pèlerin ,Le volume Scott Pilgrim , est apparu dans le film, car la bande dessinée n’était pas terminée au moment de la production du film; O’Malley a fait des suggestions pour la fin du film et a donné aux producteurs ses notes pour le sixième volume, [19] mais a déclaré que la fin du film était “leur fin”. [20] Certaines idées pour la fin du film ont été coupées avant la production, y compris que Scott se révélerait être un tueur en série qui fantasmait sur les aspects de jeu [21] et que Gideon se transformerait en un robot de style Transformers . [22]
Le casting des personnages principaux a commencé en juin 2008. [23] Les tournages d’essai ont commencé en juillet 2008, Wright disant qu’il y avait un an de préparation avant le début du tournage. Il a également arrêté de travailler sur son scénario d’ Ant-Man pendant deux ans lors de la production de Scott Pilgrim vs the World . [11] En 2009, le casting était terminé et le film s’intitulait Scott Pilgrim vs. the World . [24] Le casting a passé deux mois à s’entraîner au combat ensemble avant le tournage, avec Brad Allan et Peng Zhang de l’ équipe Jackie Chan Stunt ; [11] [25]Michael Cera a déclaré qu’il “avait reçu un coup de pied dans la gorge pendant l’entraînement” et “s’attendait à ce que ce soit atroce, mais cela ne faisait pas mal du tout, ce qui était vraiment déroutant”. [10] La photographie principale a commencé en mars de 2009 à Toronto, [26] [27] et s’est terminée comme prévu en août. [23] [28]
Dans la fin originale du film, écrite avant la sortie du dernier livre de Scott Pilgrim , Scott se remet avec Knives. [29] O’Malley s’est opposé à la première fin parce qu’il a estimé qu’il diluerait le caractère de Couteaux. [30] Après la sortie du dernier livre de la série, dans lequel Scott et Ramona se remettent ensemble, et avec une réaction divisée du public à la fin originale du film, une nouvelle fin a été filmée pour correspondre aux livres, Scott et Ramona revenant. ensemble. [29] O’Malley a aidé à écrire la nouvelle fin et Wright a appelé l’actrice de Knives Ellen Wong à l’avance, pensant qu’elle pourrait être déçue du changement mais trouvant qu’elle aimait l’idée. [31]La fin finale a été tournée trois mois avant la sortie du film; [14] Wright dit que c’est sa “fin préférée”. [22] Le film a reçu un budget de production de 85 à 90 millions de dollars, un montant compensé par des remboursements d’impôts qui ont entraîné un coût final d’environ 60 millions de dollars. [32] Universal a affronté 60 millions de dollars du budget avant remise. [33] La piste de commentaire d’O’Malley a été enregistrée le 14 août 2010, un jour après la sortie en salles du film. [34]
Paramètre
L’un des producteurs, Miles Dale, a déclaré que le film est “le plus grand film jamais mis en scène de manière identifiable à Toronto”. [36] Le film présente des lieux notables de Toronto, Casa Loma , St. Michael’s College School , Sonic Boom, la bibliothèque publique de Toronto Wychwood Library, un emplacement Goodwill sur St. Clair West, une Second Cup , une Pizza Pizza , Lee’s Palace et Artscape . Les granges de Wychwood . [35] [36] [37]La production prévoyait de tourner le film à Toronto parce que, selon les mots de Dale, “les livres sont super spécifiques dans leurs détails locaux” et le réalisateur Wright voulait utiliser les images des livres, donc Universal Studios n’avait pas l’intention de modifier le décor. [36] Dale a déclaré que ” Bathurst Street est pratiquement le cortex cérébral de Scott Pilgrim “. [36] David Fleischer de Torontoist a écrit que bien que les films tournés à New York montrent tous les principaux points de repère, “Scott Pilgrim se délecte de la simplicité” des lieux de tous les jours qui sont encore identifiables à Toronto, comme l’intersection Bathurst / Bloor et une seule Pizza Restaurant de pizza. [37]
Le réalisateur Wright, qui a vécu dans la ville pendant un an avant de faire le film, a déclaré qu ‘”en tant que cinéaste britannique réalisant [son] premier film en dehors du Royaume-Uni, [il] ne voudrait pas que quiconque lui accorde des démérites pour avoir obtenu le mauvais emplacement », s’en tenir au vrai Toronto et « filmer même les endroits les plus banals » dans la bande dessinée. [37] Wright a déclaré que la première chose qu’il avait faite lorsqu’il était arrivé à Toronto avait été de visiter tous les lieux avec O’Malley, affirmant que cela lui avait donné “une sorte de contact avec les vrais lieux [qui] faisait que tout se sentait à droite”, même si O’Malley ne pouvait pas se souvenir des endroits exacts de certains et ils ont donc conduit en utilisant ses photos de référence comiques pour les trouver. [37]La production a été autorisée à tourner dans les lieux Second Cup et Pizza Pizza, Wright affirmant que les utiliser au lieu de Starbucks “se sentait bien” parce que “cela signifie quelque chose pour le public canadien et les gens du public international pensent simplement [qu’ils] ont fait [Pizza Pizza ] vers le haut [eux] mêmes. Cela ressemble à une jolie marque de film “. [37]
Wright a déclaré qu’il était fier d’avoir pu enregistrer la peinture murale originale du palais de Lee avant qu’elle ne soit démontée; il a également fait reconstruire l’ancien bar sur un plateau pour des scènes d’intérieur, ce qui a été accueilli positivement lors de la visite des groupes consultant pour le film. Wright a suggéré qu ‘”ils voulaient qu’il soit conservé comme pièce de musée”. [37] Une autre reconstruction était le club Rock It, qui n’existait plus, avec l’intérieur construit sur une scène sonore. [37] Le magasin Sonic Boom avait été modifié par rapport à la façon dont il apparaissait dans les bandes dessinées, mais a permis à son intérieur d’être restauré à l’aspect précédent pour le tournage. [35] [37] Les arrière-plans ont également été modifiés pour le film : de nombreux paysages ont été simplifiés en post-productionpour imiter le style de dessin dans les bandes dessinées, notamment en supprimant de nombreux arbres des scènes tournées à Hillcrest Park et Turner Road. [37]
Casa Loma a servi de décor de cinéma pour de nombreuses productions différentes, et ainsi apparaître dans Scott Pilgrim vs the World comme étant lui-même un décor de film a été décrit comme “très trippant”. [37] La scène à Casa Loma montre également la tour CN et les marches Baldwin , avec Don McKellar (qui a joué le réalisateur dans la scène) rapportant que “les gens devenaient fous” lors de la soirée d’ouverture à Toronto quand il a joué. [37] Le combat de Casa Loma est dans la bande dessinée originale, mais le moment où Scott Pilgrim est poussé à travers une peinture matele paysage urbain générique pour révéler la tour CN n’a été ajouté que pour le film. Dans son chapitre, “Scott Pilgrim Gets It Together”: The Cultural Crossovers of Bryan Lee O’Malley”, Mark Berninger appelle cette révélation “une référence ironique au lieu filmique spécifique” et dit que c’est “tout à fait conforme à O « L’utilisation par Malley du commentaire métafictionnel pour souligner l’hybridité transnationale précisément en mettant en évidence l’identité canadienne ». [38]
Fonderie
Wright a également un œil incroyable pour le casting, remplissant son film de personnes qui pourraient, et seraient souvent bientôt, des super-héros. Pour vous donner une idée de la pertinence de ce lot super-héroïque, la gamme comprend l’ancien ou le futur Superman , Captain America, Captain Marvel , LEGO Robin , Royal Pain , Human Torch , Punisher et The Atom .
– Helen O’Hara , Le guide ultime du film de super -héros (2020) pp.74–75 [39]
Le casting a eu lieu entre 2008 et 2010, [23] [24] impliquant le réalisateur Wright et les directeurs de casting Jennifer Euston , Allison Jones et Robin D. Cook. [40] Cera a été moulé en mars 2008 [41] et Winstead en mai. [42] À la fin de 2008, Whitman, Wong et Kendrick ont été jetés; en janvier 2009, Routh, Evans et Larson ont été annoncés ensemble, avec Webber, Pill, Simmons et Bhabha ajoutés à peu près au même moment. [43] Le casting des extras à Toronto a commencé en février 2009. [44] Bien que basé sur un roman graphique sur un musicien, les experts et les critiques considèrent le film comme une adaptation de bande dessinée et unfilm de super-héros , et dans les années qui ont suivi sa sortie, les commentateurs ont noté que le film présentait un casting all-star des plus grands acteurs de bandes dessinées et de films de super-héros, [39] [45] [46] avec Noah Dominguez de CBR disant que ” Scott Pilgrim contre le monde a peut-être le meilleur des acteurs de films de bandes dessinées de tous les temps”. [45] Patrick O’Donnell de NME a écrit que “des acteurs notables [ayant joué] dans des adaptations de bandes dessinées avant et après leurs rôles dans Scott Pilgrim [injectent] une méta-qualité au style déjà anti-genre du film”. [47]
Le réalisateur Wright s’est senti en confiance avec son casting dans le film, disant que “comme avec Hot Fuzz [quand ils] avaient des gens formidables dans chaque petite partie, c’est la même chose avec ça. Ce qui est génial avec ça, c’est qu’il y a des gens [comme] Michael [ Cera] et Jason [Schwartzman], et […] des gens qui arrivent, comme Anna Kendrick, Aubrey Plaza et Brie Larson, et puis il y a aussi des inconnus complets”. [48] Collisionneura noté que les acteurs moins connus correspondaient bien à leurs rôles, Wright confirmant qu’ils n’avaient pas beaucoup de pression pour trouver beaucoup de grands noms, ajoutant que “Universal ne [lui] a jamais vraiment posé de problèmes pour lancer des personnes plus grandes, parce que dans un Michael [Cera] a joué dans deux films de plus de 100 millions de dollars, et aussi beaucoup d’autres personnes, même si ce ne sont pas les plus grands noms, les gens savent certainement qui ils sont.” [48] Il a également noté que si certains des acteurs étaient plus célèbres lorsqu’ils ont auditionné, comme Schwartzman et Evans, d’autres sont devenus plus connus au fil du développement du film, affirmant que “Anna Kendrick a fait sa première audition pour cela avant de tourner le premier Twilight . Et Aubrey Plaza a obtenu le rôle de Scott Pilgrim avant elle .Funny People ou Parks and Recreation , ce qui est fou. Cela vous montre combien de temps ce film a pris pour être réalisé.” [10]
Les décisions de casting ont toutes été prises par O’Malley lors d’une séance de casting avec Wright; [19] O’Malley n’était pas dans la pièce mais on lui a montré toutes les bandes. [18] Wright a déclaré qu’il prévoyait de lancer Cera pendant qu’il écrivait Hot Fuzz , après avoir regardé des épisodes de Arrested Development , [48] disant également qu’il avait besoin d’un acteur que “le public suivra toujours même lorsque le personnage est un peu un âne.” [49] Cera a dit qu’il était également ravi de travailler avec Wright, “parce que [il] était un grand fan de lui”. [10] Il s’est engagé à s’entraîner pour des scènes de combat pendant un an en préparation, ce qui lui a valu le surnom de “roi des pompes” en raison de sa musculature.[50] Wright a expliqué que bien que Cera soit un musicien talentueux, ils ne recherchaient pas particulièrement des personnes qui savaient déjà jouer des instruments, les membres de la distribution ne pouvant pas apprendre par la suite pour le film. [48] Comme Cera, Wright avait déjà en tête Mary Elizabeth Winstead comme son choix pour Ramona Flowers, pensant à elle pour le rôle deux ans avant le début du tournage parce qu'”elle a une disposition très ensoleillée en tant que personne, donc c’était intéressant de faites-lui jouer une version d’elle-même qui a été brisée à l’intérieur. Elle est géniale dans le film parce qu’elle cause beaucoup de chaos mais reste surnaturellement ancrée ». [51] En 2020, Wright et Winstead ont expliqué comment elle avait été son premier choix après l’avoir vue dans Death Proofet parce qu’elle a de grands yeux qui reflètent le roman graphique. Wright a déclaré qu’Universal avait suggéré Seth Rogen pour le rôle de Scott, car son récent film Knocked Up avait été un succès, mais Wright ne pouvait voir personne d’autre que Cera dans le rôle. [52]
Ellen Wong, une actrice torontoise peu connue, [23] a auditionné trois fois pour le rôle de Knives Chau. Lors de sa deuxième audition, Wright a appris que Wong avait une ceinture verte en taekwondo et dit qu’il s’est trouvé intrigué par cette “jeune femme au visage doux étant une dure à cuire secrète”. [51] Dans la rétrospective de 2020 par Entertainment Weekly , Wong a déclaré qu’elle ne pensait même pas qu’elle serait considérée pour le rôle parce qu’elle est asiatique, tandis que Chris Evans a déclaré qu’il avait été approché par Wright au sujet d’un rôle dans le film et a estimé que ” c’était une évidence [parce qu’il] était un si grand fan du réalisateur, prenant le rôle de Lucas Lee. [52] D’autres acteurs considérés pour Lucas étaient le futur univers cinématographique Marvel d’Evansco-star Sebastian Stan [40] et Robert Pattinson de Twilight . [53] Les acteurs jouant les cascadeurs de Lucas sont les véritables cascadeurs d’Evans. [54] Aubrey Plaza, qui a un rôle de soutien en tant que Julie Powers, a déclaré qu ‘”il y a beaucoup de gens étranges et parfaitement castés”, citant Michael Cera et Alison Pill comme correspondant particulièrement à leurs personnages. [55] D’autres candidats pour le rôle de Pill de Kim étaient Betty Gilpin , Zoe Kazan et Rooney Mara . [40]En plus de Plaza, d’autres membres de la distribution et de l’équipe ont exprimé des sentiments similaires : Kieran Culkin a expliqué qu’on lui avait envoyé un scénario pour auditionner sans nom de personnage, mais quand il a vu la description de Wallace, il a su que le rôle était pour lui, et Wright a déclaré que l’audition de Brie Larson, alors âgée de 18 ans, “a époustouflé tout le monde”, ajoutant: “[le producteur exécutif] Jared [LeBoff] et moi avons tous deux dit par la suite:” Nous devons la choisir “.” [52]
Wright dit qu’une chose dont il est particulièrement satisfait est que ce film, contrairement à de nombreuses comédies, y compris la sienne, contient “beaucoup de femmes drôles”, rappelant une scène particulière qu’il a surnommée “la course de relais de la drôle de dame”, parce qu’elle “commence avec Anna Kendrick, puis passe à Aubrey Plaza, puis passe à Mary [Elizabeth Winstead], puis passe à Brie Larson, et c’est juste que Michael [Cera] est attaqué de tous les côtés par toutes les différentes femmes du film.” [48] En juin 2013, O’Malley, qui est d’ascendance coréenne et canadienne blanche, a déclaré qu’il regrettait le fait que la distribution du film soit majoritairement blanche et qu’il n’y ait pas assez de rôles pour les minorités. [56]
Musique
Le film ne se déroule pas seulement physiquement à Toronto, mais aussi, selon Allan Weiss, culturellement et temporellement situé dans « les quartiers Annex et Wychwood [de Toronto] à l’ époque de David Miller », le moment et le lieu d’une scène musicale très spécifique. que le film “s’intègre [s] [lui-même] dans […] non seulement via le groupe fictif de Scott [,] mais aussi par l’apparition de clubs tels que le désormais disparu Rockit [, et] la bande originale de rock indépendant du film “; Weiss affirme que le film “marque la mythification de la scène cool de l’Annexe, la transformation du rock indépendant de Toronto […] en matière d’aventure”, car “presque tous les événements majeurs […] sont liés d’une manière ou d’une autre chemin vers cette scène musicale.” [57]
La bande originale comprend des contributions du producteur de Radiohead Nigel Godrich , Beck , Metric , Broken Social Scene , Cornelius , Dan the Automator , Kid Koala et David Campbell . [58] [59] [60] [61] [62] O’Malley avait rédigé des listes de lecture pour chacune des bandes dessinées au dos des livres, présentant Wright à d’autres groupes canadiens pendant le développement. Sur cette base, Wright a déclaré que la production “a essayé de […] trouver un vrai groupe pour chacun des groupes fictifs, car généralement dans les films musicaux, vous avez un compositeur qui fait tout”.[48] Wright et Godrich ont rencontré et repéré des groupes pour écrire pour le film pendant deux ans. [10] Godrich a marqué le film, son premier score de film . [11] Avant qu’il ne s’implique dans le film, les premiers scripts avaient la blague courante selon laquelle “vous n’avez jamais entendu les groupes […] Vous avez entendu l’intro, puis cela passait à la scène suivante, et quelqu’un allait, “Oh mon Dieu, c’est la meilleure chanson de tous les temps.” C’était une blague pendant longtemps”, selon Wright. [63]
Webber, Pill et Simmons, en tant que membres de Sex Bob-omb, ont tous dû apprendre à jouer de leurs instruments respectifs et ont passé du temps à répéter en tant que groupe avec Cera (qui jouait déjà de la basse) avant le début du tournage. [64] Chris Murphy du groupe Sloan était le coach de guitare des acteurs du film. [48] Les acteurs chantent aussi sur la bande sonore du film. [65] Beck a écrit et composé la musique jouée par Sex Bob-omb dans le film. [66] Les chansons ont mis deux jours à écrire et à enregistrer, Beck disant que “il fallait y réfléchir, […] elles devaient être drôles, mais [il] voulait aussi qu’elles sonnent crues, comme des démos.” [67] Brian LeBartonjoue de la batterie et de la basse pour le groupe sur la partition et la bande originale du film. Deux chansons inédites peuvent également être entendues dans la bande-annonce. [66]
Brendan Canning et Kevin Drew de Broken Social Scene ont écrit toutes les chansons de Crash and the Boys. Les morceaux ont été chantés par Erik Knudsen , qui joue Crash dans le film. Drew a déclaré que la raison derrière cela était que “[il] savait que [Knudsen] n’avait pas besoin d’être un chanteur pour réussir” parce que les chansons étaient “si rapides et punk et rapides” et “il fallait que ce soit la voix du personnage.” [68]
Metric est l’inspiration du groupe du film The Clash at Demonhead et a contribué la chanson “Black Sheep” au film, [69] à la demande de Godrich. [70] Les vêtements, la performance et le style du chanteur principal de Metric, Emily Haines , sont également à la base du chanteur principal de The Clash at Demonhead, Envy Adams. [69] [71] Brie Larson, qui incarne Envy Adams, a déclaré qu’elle “n’avait aucune idée que [son] corps pouvait bouger de cette façon” en parlant à la première britannique de sa performance scénique de la chanson. [72] La journaliste musicale Janelle Sheetz a écrit que “la performance de Larson est assez similaire à [Haines] mais avec une attitude appropriée pour [Envy Adams]”. [73]La mode cinématographique d’Envy Adams a également influencé les bandes dessinées à l’envers : le dernier roman graphique était en développement pendant le tournage du film, et O’Malley a déclaré que, même s’il “essaierait de se distancer [des interprétations des acteurs ]”, il a également “donné à Envy Adams l’une des tenues réelles de Brie Larson” dans la bande dessinée. [18]
Larson en tant qu’Envy Adams fournit les voix de “Black Sheep” dans le film, tandis que la bande originale présente une version de la chanson avec Haines comme chanteur principal, [74] à la demande du groupe; [75] Larson était une chanteuse professionnelle et a joué dans certains de ses autres films. [76] Metric interprétait la chanson lors de leurs concerts depuis 2007, mais ne l’avait pas publiée avant le film. [77] Todd Martens du Los Angeles Times a déclaré que “Envy est une caricature de Haines” et de même, selon Haines, que “‘Black Sheep’ est essentiellement une caricature de Metric”, comme une chanson imitant leurs aspects les plus distincts. [63]Godrich a accepté et a ajouté que “c’était parfait pour ce film [parce que] ce n’est pas Metric. C’est une ombre de Metric.” [63] Routh, qui joue The Clash au bassiste de Demonhead, Todd Ingram, a déclaré “[il] peut très bien jouer [” Black Sheep “]”, mais le film n’a pas utilisé son instrument, seulement la voix de Larson sur Metric, [11 ] qui avait réenregistré le morceau pour le rendre plus sinistre. [63] Routh a passé “trois ou quatre mois” à apprendre à jouer de la basse pour le film. [11]
La chanson interprétée par Matthew Patel a été écrite par Dan the Automator et interprétée par Satya Bhabha dans le film. Bhabha a dit qu’ils “[l’ont enregistré] au Capitol Records Studio 2, où Frank Sinatra a enregistré beaucoup de ses trucs. Et il y avait le piano de Ray Charles dans la pièce”, expliquant que l’histoire musicale l’a aidé à terminer l’enregistrement. . [11]
Wright a déclaré que les changements de ton du film en fonction de la représentation des différentes parties du livre, et pour ses scènes de combat, ont été traités comme un film musical , en disant : [48]
Nous avons pensé que cela devrait se dérouler comme une comédie musicale d’une manière dont les combats ne sont pas différents des chansons. J’ai toujours pensé qu’il y avait beaucoup de films d’arts martiaux qui ressemblaient à des comédies musicales, alors nous voulions aller plus loin. Vous savez, dans un film de Gene Kelly , quand il exécute une routine incroyable, à la fin de la scène, personne ne dit : “Oh mon dieu, c’était vraiment incroyable !” La chanson parle de quelque chose, et puis il peut y avoir un dialogue à la fin qui parle aussi de ce thème. Et c’est un peu comme ça que ça marche là où les gens ont ces énormes combats – et c’est un peu comme ça dans les livres – où tout revient à la normale, et il y a une petite réaction à ce qui vient de se passer, mais il n’y a pas de sorte de deuil morte.
Il a également déclaré que certains vidéoclips étaient faits de performances de chansons, y compris certaines de Sex Bob-omb et la seule performance de The Clash at Demonhead , filmant la chanson entière même si elles ne seraient pas utilisées sous une forme complète dans le film; il a dit qu’ils étaient si bons qu’il voulait tous les enregistrer pour qu’ils l’aient. [48] La version maison Blu-ray comprend des fonctionnalités spéciales, avec des vidéoclips des performances complètes de ” Garbage Truck “, ” Threshold ” et ” Summertime ” de Sex Bob-omb , et ” Black Sheep ” de The Clash at Demonhead . [78] Le clip vidéo de “Black Sheep” avait également été inclus en bonus avec la précommande de la bande originale sur iTunes . [79]
La musique de la série de jeux vidéo Legend of Zelda est utilisée pour ouvrir le film, dans les effets sonores [80] et dans une séquence de rêve. Pour obtenir la permission d’utiliser la musique, Edgar Wright a envoyé un extrait du film et a écrit une lettre à Nintendo of America qui décrivait la musique comme “comme des comptines pour une génération”. [49] Il existe d’autres effets sonores et extraits d’autres jeux vidéo utilisés dans le film. [80] [81] Zeitlin Wu écrit que le film pousse les éléments de jeu vidéo du roman graphique à la limite en étant capable d’inclure de tels effets sonores. [15]
Effets visuels
Le film est décrit comme ayant un “look inimitable” d’iconographie de manga et de jeu vidéo (en particulier 16 bits ) avec des couleurs vives et des graphismes mélangés à l’action en direct; Le superviseur des effets visuels Frazer Churchill a décrit le look comme “difficile” à réaliser, qualifiant le style et l’attrait du film “d’images très high-tech avec une sensation très low-fi”. [82] Churchill a été interviewé par MTVen août 2010 sur les effets dans le film. Il a noté qu’une partie du travail était plus complexe en raison d’une éthique de prise de vue de Wright : qu’il devrait y avoir une représentation physique de tous les effets de post-production, en disant que “chaque fois que l’image clignote dans les plans finis – chaque coup de poing, affrontement d’épée ou quelque chose – c’étaient en fait des flashs […] sur le plateau avec des flashs photo […] puis [ils] ajoutent […] un flash avec CG. Quand quelqu’un meurt et éclate en pièces, [ils] vident des seaux de Mylar argenté pour que les acteurs aient quelque chose à réagir.” [82]
Churchill a décrit le premier combat (Scott contre Matthew Patel) comme “le plus difficile”. [82] Il dit que c’était à cause des éléments techniques impliqués, comme la danse Bollywood générée par ordinateur et nécessitant un travail sur écran bleu , du matte painting et de nombreuses cascades. La scène intègre également l’effet de fond de défilement du jeu vidéo , qui a été filmé par une deuxième unité pendant une journée complète. Churchill a ajouté qu’un moment en particulier nécessitait beaucoup de travail : “Lorsque Scott saute de la scène dans ce vortex manga-esque, il est composé de photographies cinématographiques réalisées sur le plateau, de photographies numériques, de graphiques et de lignes de vitesse dessinés à la main à partir de ce que [Oscar Wright] nous a donné”. [82] L’artiste du storyboard Oscar Wright (également frère du réalisateur Edgar Wright) a noté que l’introduction de Patel était utilisée “pour transmettre le type d’énergie [qu’ils] voulaient et explorer comment [ils] introduiraient les éléments graphiques 2D”. [83]
Le troisième combat (Scott contre Todd Ingram) a dû être adapté de la bande dessinée de manière plus créative, car les superpuissances de Todd sont illustrées par des anneaux, qui ont été gérés par l’équipe VFX. Churchill explique qu’ils se sont inspirés de l’ancien logo RKO Pictures d’une tour de transmission. Pour imiter cela, ils “ont rendu les anneaux inégaux et ont ces aberrations optiques avec des éclats de couleur”. [82] Dans ce combat, Scott est également frappé à travers plusieurs murs, ce qui a été réalisé avec des configurations de caméra. Le mouvement qui s’éloigne de Todd est illustré par des plans de caméra serrés et larges , avec Cera alors que Scott est tiré sur une plate-forme dans la pièce. L’image de Cera a ensuite été fusionnée avec un Scott numérique et un double cascadeur, qui traversent les murs. [82]
La superpuissance en voie de disparition utilisée par Roxy dans le film a été obtenue par un écran bleu, l’actrice Whitman étant effacée numériquement, mais il y avait de la fumée blanche et des flashs utilisés sur le plateau pour marquer les apparitions. De la fumée noire a été ajoutée numériquement, tandis que les reflets d’objectif ont été effectués manuellement en “faisant simplement clignoter différentes lumières sur l’appareil photo” pendant une journée pour créer du matériel. [82] Roxy apparaît dans le quatrième combat, où elle utilise une arme blanche. Churchill dit que Whitman a appris à danser le ruban et a utilisé un ruban rose dans la chorégraphie, qui a été remplacé numériquement par l’arme. [82]
Un nouveau logiciel a été écrit pour produire des éléments du cinquième combat (Scott contre les Katayanagi Twins); Andrew Whitehurst a développé ce que Churchill a appelé le “Wave Form Generator”, et l’équipe des effets visuels a travaillé avec le producteur de musique Godrich afin qu’ils puissent transformer différents éléments de la musique en animations et créer de la musique visuelle. [82] Churchill a expliqué que “le logiciel convertirait ces tiges sonores en données d’animation, de sorte que lorsque le groupe joue, les graphismes et les dragons se déplacent au rythme de la musique”. [82] Ce combat a été scénarisé par Oscar Wright sans aucune référence comique puisque le film a dépassé la publication des livres. [83]Les «démons audio», combattant des monstres alimentés par la musique du film, ont ensuite été créés sur le plateau par Churchill à l’aide de ballons météorologiques . [82]
Pour le combat culminant contre Gideon, une tour pyramidale ressemblant à celle de Super Mario Bros. a été filmée pendant une semaine, Churchill disant qu’il faisait souvent chaud en raison des effets de lumière utilisés, y compris les flashs et les lumières rouges pour représenter le feu sur Scott. épée. La scène a également utilisé un écran bleu et de nombreux cascadeurs. Oscar Wright a scénarisé toute la séquence à l’exception du bug de Gideon à la fin, auquel Edgar Wright a pensé lors du montage et a été entièrement créé en post-production. [82]Edgar Wright a également noté que la scène de combat de la tour de la pyramide était la pièce la plus lente qu’il ait jamais filmée, en disant: “Nous étions donc en train de foncer à ce rythme incroyable. Et puis il y a eu ce dernier décor sur une pyramide. Soudain, nous avons ralenti pour faire dix prises de vue par jour, ce qui est très lent pour moi. Je me suis assis au sommet de cette pyramide, regardant ces énormes plates-formes manoeuvrées et j’ai pensé : “[À qui] était cette idée ?” Et c’était le mien !” [dix]
Avant de réaliser des scènes de combat avec des effets visuels, Wright a consulté des amis réalisateurs plus expérimentés, notamment Quentin Tarantino , Guillermo del Toro et Sam Raimi . [dix]
Séquence de titre
La séquence de titre d’ouverture a été conçue par Richard Kenworthy de Shynola et a été inspirée par l’animation dessinée sur film . La séquence commence également par une version 8 bits de l’ardoise et de la musique du titre Universal, que Art of the Title appelle “l’ amuse-bouche ” du film et qui a été conçue par Oscar Wright. [15] [83]
Oscar Wright dit que l’idée du logo Universal 8 bits était une décision précoce dans la production, et qu’il l’a traitée “comme une FMV merdique basse résolution et à faible fréquence d’images que vous pourriez trouver au début de certains de ces jeux” depuis le début . [83] La création de l’ardoise de titre impliquait de séparer les lettres de “Universal” et de les faire apparaître pixélisées, en utilisant un graphique de globe tournant correspondant par les animateurs de films VooDooDog, et en réduisant la fréquence d’images à quatre secondes (plutôt qu’une) pour qu’elle apparaisse ” steppy” ; une version 8 bits de la musique d’accompagnement a également été ajoutée, ce qui, selon Oscar Wright, “scelle vraiment l’affaire”. [83]
Edgar Wright a eu l’idée d’avoir la séquence de Quentin Tarantino après avoir projeté une première coupe du film pour lui. Tarantino lui a dit que le film “avait besoin d’une séquence de titre au début pour permettre aux gens de s’installer et d’en savoir plus sur ce que nous étions sur le point de voir”. [84] La séquence d’ouverture originale avait le titre du film montré sur le long plan du groupe de salon qui vient avant la séquence de titre, qui, selon Edgar Wright, était l’une des premières scènes à être scénarisée, avec le générique de distribution à la fin du film . . [83] Après une première maquette de la séquence titre sur AVID , ils ont approché Shynola pour la créer, [84] en tant que graphistes du film (Oscar Wright et Double Negative) étaient trop occupés par les autres effets du film à ce stade de la production et Edgar Wright connaissait leur travail. [83]
L’ animatique AVID , une animation de croquis en noir et blanc avec des graphismes en forme d’onde , a été décrite par Edgar Wright comme “donnant déjà au film plus un sens de l’occasion et une rupture très nette entre le prologue et la première scène qui fait avancer l’histoire”. “. [83] À ce stade, ils avaient également choisi la “chanson de la bande originale la plus forte” de Beck pour jouer sur la séquence titre. [83]
Kenworthy a parlé de ses références pour le design : [83]
Vous ne pouvez pas étudier l’animation sans connaître Len Lye , Oskar Fischinger , Stan Brakhage et Norman McLaren . Nous sommes retournés et avons revu ces films et ils étaient toujours pleins de vie. Nous étions ravis de projeter des images aussi vives sur grand écran, devant un public qui n’avait probablement pas expérimenté ce travail.
Shynola a également reçu une sélection de références d’Edgar Wright, qui a décrit le mémoire comme ” 2001 rencontre Sesame Street ” et leur a montré la séquence titre de Faster, Pussycat ! Tuer! Tuer! , qui utilisaient des pistes optiques dessinées . [83] Comme pour l’animation traditionnelle dessinée sur film, Kenworthy a tracé et peint les images. [83]Wright a également fourni des références musicales, disant qu’ils “voulaient visualiser la musique et avoir chaque graphique, symbole et image subliminale en rythme avec la musique – un barrage hypnotique de couleurs, de lumière et de musique. L’idée était de l’avoir comme si l’animation est une manifestation de la fraîcheur de la musique dans la tête de Knives. C’est pourquoi [ils] terminent la séquence en la regardant, les titres sont comme si son cerveau explosait avec la fraîcheur de la piste. [83]
Le mémoire demandait également que la séquence d’ouverture n’utilise aucune des illustrations de bande dessinée, pour ne pas gâcher le film, alors Kenworthy a lancé “un combat oculaire épileptique 8 bits” et a créé un film d’ambiance utilisant des motifs géométriques et des effets visuels de manga ; Edgar Wright a demandé qu’il ait des références de jeux vidéo moins évidentes. [83] Shynola a ensuite travaillé avec le concept musical, Kenworthy disant qu’ils “ont réussi à faire une représentation visuelle du son légèrement amateur, brut et garage-y de [Sex Bob-omb]. Quelque chose qui avait la sensation d’une performance en direct. Un un film à gratter vivant, coloré et dans votre visage semblait un ajustement parfait.” [83]Travaillant davantage avec Edgar Wright, ils ont choisi d’avoir une représentation visuelle de chaque personnage et de gratter le nombre approprié de marques «X» pour les acteurs qui ont joué chacun des ex maléfiques. [83]
Alors que le film touchait à sa fin, Shynola disposait d’un court laps de temps pour terminer la séquence titre, alors ils ont d’abord travaillé sur la synchronisation numérique de la séquence et de la musique, visualisant les derniers ajustements avant de gratter sur des feuilles de film d’acétate . À partir de chaque feuille d’acétate, une seconde d’images a été produite. [83] Kenworthy a déclaré qu’après avoir produit les images, ils “frappaient délibérément [chaque feuille] un peu sur le sol pour ramasser beaucoup de saleté, d’égratignures et de poils”. [83]
L’impression de la séquence impliquait de placer chaque feuille dans un scanner de négatifs haute résolution et de la découper en images individuelles avant de l’imprimer sur un film 35 mm . Il y avait aussi des difficultés avec l’impression couleur, la plupart des couleurs qu’ils voulaient utiliser étant “illégales”. [83] Au cours du processus d’impression, Kenworthy a ajouté des parties d’un film à gratter qu’il avait réalisé à l’université, qui avait été utilisé lors de la numérisation pour vérifier la précision des couleurs. [83]
ComicsAlliance appelle la séquence titre “juste la première d’une série mémorable de mash-ups homogènes de graphismes, de films et d’animations qui traduisent magnifiquement l’esprit des romans graphiques de Bryan Lee O’Malley à l’écran”. [85] Art of the Title décrit la séquence comme du “napalm visuel”, [83] avec Bleeding Cool disant que c’est “tout à fait merveilleux”. [86] Jade Budowski de Decider écrit que “avec sa scène d’introduction à tir rapide et la séquence de titre animée vibrante qui s’ensuit, [le film] ne perd pas de temps à vous aspirer dans [son] monde”. [87]
œufs de Pâques
Le film comprend plusieurs œufs de Pâques faisant allusion à la bande dessinée ou à la préfiguration . Fleischer a noté que bien que la bande dessinée et le film aient l’appartement de Scott et Wallace au 65A Albert Avenue (filmé au 65 Alberta Avenue), il y a une référence à l’ancien appartement d’O’Malley au 27 Alberta Avenue comme adresse sur le bon de livraison d’Amazon que Scott signe . [37] Fleischer souligne également le « L » clignotant sur un panneau Flight Center sur Manning Avenue, qui, selon lui, est un avertissement qu’un combat est sur le point de se produire. [37] Wright a déclaré, avant la sortie du film, qu’un t-shirt de Plumtree , le groupe à l’origine du nom “Scott Pilgrim”, figurerait dans le film. [48]Parmi les autres t-shirts que porte Scott, citons un pour The Smashing Pumpkins , un groupe partageant ses initiales; [81] un avec le logo de la guitare basse de la série de jeux Rock Band ; [88] et celui qui fait référence aux Quatre Fantastiques , qu’il porte après avoir vaincu Lucas, joué par Evans, qui à l’époque était surtout connu pour son rôle de Torche humaine dans les films Les Quatre Fantastiques . [80] Les t-shirts changeants de Scott correspondent souvent à la couleur changeante des cheveux de Ramona tout au long du film. [81]
Il y a aussi des références à d’autres médias, en particulier les jeux et les bandes dessinées, James Hunt de Den of Geek compilant une liste de plusieurs, y compris le patch X-Men de Scott vu alors qu’il le déchire de son manteau; la légende de Zelda Triforce représentée par les initiales de Gideon dans le film et la séquence titre ( voir ci-dessus ) et le Nega-Scott inspiré de Dark Link ; Le groupe d’Envy porte le nom du jeu de 1990 The Clash at Demonhead (ainsi que The Clash ); Kim s’habillant à la mode gothique japonaise Lolita pour la bataille finale comme point d’humour; la scène qui a été tournée, jouée et montée entièrement comme un Seinfeld épisode; et en utilisant la ligne “c’est un match de ligue” de The Big Lebowski . [80] / Film note que le verre brisé au ralenti tombant et reflétant Ramona et Roxy alors qu’ils se battent ressemble à l’écran de sélection des personnages de Street Fighter , et que le travail forcé du Chaos Theatre et de Sex Bob-omb est une référence à EarthBound . [89]
Comme The Clash at Demonhead, les autres noms de groupes font référence aux jeux vidéo : Sex Bob-omb aux Bob-ombs dans les jeux de la franchise Mario, et Crash and the Boys à un jeu appelé Crash ‘n’ the Boys : Street Challenge . Selon l’actrice Larson, The Clash at Demonhead était le premier jeu que l’auteur de bandes dessinées O’Malley ait jamais eu. [81]
Scott jouant la ligne de basse de ce qu’il appelle « Final Fantasy II » est également considéré comme un easter egg ; il joue la ligne de basse du jeu Final Fantasy IV , mais ce jeu est sorti sous le nom de Final Fantasy II en dehors du Japon dans les années 1990 car les deuxième et troisième tranches n’avaient pas été publiées à l’international à l’époque. [81]
Dans sa discussion sur l’adaptation, Zeitlin Wu note que dans le roman graphique, le quatrième combat (Scott contre Roxy Richter) était une reconstitution image par image de l’introduction de Ninja Gaiden , et dans le film, cette même image par image. frame remake est utilisé comme introduction du combat final contre Gideon. [15]
Libérer
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Un panneau Scott Pilgrim vs the World a été présenté dans le Hall H [90] au San Diego Comic-Con International le 22 juillet 2010; après le panel, Wright a invité des membres sélectionnés du public pour une projection du film, qui a été suivie d’une représentation de “Black Sheep” de Metric. [91] [92] Trois des acteurs de l’ensemble , Evans, Simmons et Larson, étaient absents du panel Comic-Con; Les collaborateurs fréquents d’Edgar Wright, Simon Pegg et Nick Frost , ont fait de brèves apparitions, Wright plaisantant sur le fait qu’ils n’étaient pas dans ce film. [90]Le Comic-Con 2010 était la première fois qu’il utilisait des enveloppes d’hôtel géantes pour faire de la publicité, ce qui peut être vu depuis les avions à l’atterrissage; Scott Pilgrim vs Comic-Con a enveloppé le Hilton Bayfront pour l’événement. À l’extérieur de la salle des congrès se tenait également une foire «Scott Pilgrim Experience», qui comprenait des marchandises et un copieux pain à l’ail gratuit. [93] Winstead a reflété que “au Comic-Con, c’était comme si c’était le plus grand film de tous les temps”. [52]
Le film a été présenté au Festival Fantasia à Montréal le 27 juillet 2010 [94] et a également été présenté au Movie-Con III à Londres le 15 août 2010 [95] Il a ensuite été présenté en première au Canada à Toronto le 13 août 2010 ; Plumtree, qui avait rompu des années plus tôt, s’est réuni pour un spectacle lors de l’événement. [18] [96]
Le film a reçu une large sortie en Amérique du Nord le 13 août 2010, ouvrant dans 2 818 salles. [32] [97] Il a terminé cinquième lors de son premier week-end de sortie avec un total de 10,5 millions de dollars (13 millions de dollars après ajustement pour l’inflation), [32] [98] [33] et à son deuxième week-end de sortie, il était tombé au bas du top dix. [99] Le Wall Street Journal a décrit cela comme “décevant”, [98] et Ben Fritz du Los Angeles Times a déclaré que le film semblait être une “déception financière majeure”. [100]Universal a reconnu sa déception face aux revenus du week-end d’ouverture, affirmant qu’ils avaient “été conscients des défis liés à l’élargissement de ce film à un public grand public”; quoi qu’il en soit, le porte-parole du studio a déclaré qu’Universal était “fier de ce film et de notre relation avec le cinéaste visionnaire et créatif Edgar Wright […] [Wright] a créé un film vraiment unique qui pousse à la fois les enveloppes et les genres et lorsqu’il est examiné en profondeur la route sera identifiée comme un élément important du cinéma.” [33]
Au Royaume-Uni, le film a été créé à Leicester Square (l’ Odéon ) le 19 août 2010, avant son ouverture le 25 août [72] dans 408 cinémas, terminant deuxième lors de son week-end d’ouverture avec 1,6 million de livres sterling. [101] En Italie, il a eu des projections du soir dans les cinémas pendant une semaine avant d’être déplacé vers les créneaux de l’après-midi; un chercheur a suggéré que le «plan marketing défectueux» qui l’a vu présenté comme un film pour enfants était la raison de ses mauvaises performances au box-office. [102] Au Japon, le film a été créé lors du Festival international du film fantastique de Yubari le 26 février 2011, en tant que sélection officielle. Il a été diffusé dans le reste du pays le 29 avril 2011. [103]
Commercialisation
Lorsque Universal Pictures a lancé le cycle de promotion de Scott Pilgrim Vs. The World , ils ne savaient clairement pas dans quel angle pousser. Pour être juste, le film a beaucoup de choses à faire.
– Nina Corcoran, Stereogum [13]
Je vais parler pour moi et non pour le studio. Mais, pour moi, avoir quelqu’un comme Edgar [Wright] venir avec un projet comme Scott Pilgrim , et savoir ce que sa vision allait être, à la fois sonore et visuelle, c’était super excitant. C’est ce qui rend un spécialiste du marketing très excité – faire quelque chose d’original et d’audacieux et, en fin de compte, je pense, en avance sur son temps.
– Michael Moses, ancien co-président du marketing d’Universal Pictures [104]
Le 25 mars 2010, la première bande-annonce est sortie. [105] Une deuxième bande-annonce mettant en vedette la musique de The Ting Tings , LCD Soundsystem , Be Your Own Pet , Cornelius , Blood Red Shoes et The Prodigy est sortie le 31 mai 2010. [106] En août 2010, une bande-annonce interactive est sortie. , les téléspectateurs pouvant cliquer sur des points de la vidéo pour voir les faits de production. [107]L’affiche théâtrale, notée dans le livre de Liam Burke, “reflétait l’image d’ouverture du roman graphique”, comme un signal de ses origines; Burke dit que la campagne de marketing du film était “typique de la stratégie consistant à engager les fans et à créer un public de base avec du matériel promotionnel qui affiche la continuité de la bande dessinée”. [108]
Cera a déclaré qu’il estimait que le film était “difficile à vendre” et qu’il ne “savait pas comment vous transmettez ce film dans une campagne de marketing. [Il pouvait] voir que c’était quelque chose que les gens tardent à découvrir.” [109] Un marketing médiocre a été blâmé pour le manque de succès au box-office du film, en particulier par rapport à sa réception critique positive et à sa popularité. [13]
Aux MTV Movie Awards 2010 , le premier clip du film est sorti, mettant en scène Scott face à Lucas Lee au combat. [54] Lors de cette projection, Pill a révélé que la relation passée de Kim et Scott serait explorée dans d’autres médias, affirmant qu’il “y aura un petit quelque chose – quelque chose qui sera diffusé sur Adult Swim “. [110] Le court métrage d’animation, Scott Pilgrim vs. the Animation , produit par Titmouse Inc. , adapte le prologue d’ouverture du deuxième livre de Scott Pilgrim et a été diffusé sur Adult Swim le 12 août 2010, un jour avant la sortie en salles du film. , publié plus tard sur leur site Web. [111]
Médias domestiques
Scott Pilgrim vs the World est sorti sur DVD et Blu-ray en Amérique du Nord le 9 novembre 2010 [112] et au Royaume-Uni le 27 décembre 2010 [113].
Le DVD comprend quatre commentaires audio (du réalisateur Wright, du co-auteur Bacall et de l’auteur O’Malley ; Wright et le directeur de la photographie Pope ; Cera, Schwartzman, Winstead, Wong et Routh ; et Kendrick, Plaza, Culkin et Webber ); 21 scènes supprimées, étendues et alternatives , y compris la fin originale (où Scott se retrouve avec Knives), avec commentaire; bêtisiers ; galeries de photos; et une piste de sous-titres trivia. [78]
La version Blu-ray comprend toutes les fonctionnalités du DVD, ainsi que d’autres fonctionnalités spéciales, notamment des séquences alternatives, six featurettes , des blogs de production, Scott Pilgrim contre l’animation , des bandes-annonces et des spots télévisés, et un storyboard image dans l’image, ainsi qu’un DVD et une copie numérique du film. [78] [114] Le disque Blu-ray “Ultimate Japan Version” comprend une piste de commentaire qui présente Wright et Shinya Arino . Il comprend également des images de la tournée publicitaire de Wright et Cera à travers le Japon et une table ronde avec le critique de cinéma japonais Tomohiro Machiyama. Il a été publié le 2 septembre 2011. [115]
Au cours de sa première semaine de sortie aux États-Unis, le DVD s’est vendu à 190 217 exemplaires, générant 3 422 004 $ de revenus, et en 2011, le film avait rapporté 27 349 933 $ des ventes de médias domestiques aux États-Unis; il avait rapporté plus de 29 millions de dollars en 2018. [3] Il a atteint le sommet des charts Blu-ray britanniques au cours de sa première semaine de sortie. [116]
Simon Abrams a passé en revue les versions DVD et Blu-ray, écrivant que la qualité d’image du DVD est bonne et “vous ne pourriez pas vraiment remarquer qu’il y a quelque chose qui ne va pas” à moins d’avoir vu la version Blu-ray, qui est en qualité cinéma . [117] Il ajoute que “le mixage audio riche en couches est, cependant, tout aussi génial sur le [DVD] que sur l’édition Blu-ray [et] la piste anglaise surround 5.1 reproduit parfaitement la façon dont le film sonnait quand il est sorti en salles.” [117] Abrams a noté que certaines des fonctionnalités bonus ne sont pas particulièrement intéressantes, mais que les commentaires audio en particulier étaient divertissants et informatifs. [117]
Jeu vidéo
Un jeu vidéo a été produit sur la base du film et des livres. Il est sorti sur PlayStation Network le 10 août 2010 et sur Xbox Live Arcade le 25 août, recevant des critiques majoritairement positives. [118] [119] Le jeu est publié par Ubisoft et développé par Ubisoft Montréal et Ubisoft Chengdu, avec une animation de Paul Robertson et une musique originale d’ Anamanaguchi . [120] [121]
10 eme anniversaire
Le film a reçu une large couverture, une réunion et une réédition prévue pour son 10e anniversaire en 2020. [122] [123] Sarah El-Mahmoud de CinemaBlend a écrit qu’ils voyaient “tellement de contenu de Scott Pilgrim classique moderne ou quelque chose comme ça!”, avant de reconnaître son statut amélioré après le box-office décevant, [122] et Mashable a déclaré que “au cours de la dernière décennie, Scott Pilgrim a bénéficié d’admiration et de saillance au-delà des rêves les plus fous de ses concurrents au box-office “. [123] Divertissement hebdomadairea créé une couverture rétrospective pour l’anniversaire, notamment en interviewant plusieurs stars et personnes impliquées dans la production du film. Wright a déclaré dans l’article qu’il était “incroyablement fier du film. Le fait que vous ne fassiez pas un article sur le 10e anniversaire de The Expendables en dit long”. [52]
En mai 2020, Wright a annoncé son intention de projeter à nouveau le film dans les salles pour son 10e anniversaire, quelque temps après la pandémie de COVID-19 . [124] La réédition doit être 4K [31] et en partenariat avec Dolby Cinema , [125] et avait été prévue pour août 2020, mais a été retardée indéfiniment en raison de la pandémie. [126] En août 2020, Odeon Cinemas a révélé qu’il donnerait à la réédition une large diffusion dans tous ses sites britanniques à partir du 21 août 2020. [127] Le casting du film s’est également réuni à distance en mai 2020 pour enregistrer Scott Pèlerin contre la crise mondiale de l’eau, une lecture vidéo du scénario dans le cadre d’une collecte de fonds pour l’association caritative Water For People . [128] [129] Plus tôt dans l’année, Cera et Pill avaient suggéré séparément qu’une réunion et une réédition étaient prévues pour l’anniversaire. [130] Screen Rant a noté que, puisque le film est devenu beaucoup plus populaire après sa sortie initiale, il pourrait devenir un plus grand succès théâtral qu’il ne l’avait été en 2010. [126]
La réédition en salles a ensuite été reportée pour les cinémas nord-américains Dolby Cinema au 30 avril 2021 et la semaine suivante. De plus, Wright a annoncé qu’une sortie Blu-ray Ultra HD du film suivrait la réédition en salles, mais n’a pas donné de date de sortie estimée. [131]
Les 20 et 21 mai 2020 (selon le fuseau horaire), l’ Académie des arts et des sciences du cinéma a organisé une soirée de visionnage du film. [125] [132] Pendant le livestream , Wright a fait un commentaire avec des anecdotes sur le film et divers membres de la distribution, dont Evans, Plaza, Whitman, Routh, Larson, Wong et Webber, tous l’ont rejoint à différents moments pour ajouter le leur. . [31] [124] [133] Collider a noté que la disponibilité d’une grande partie de la distribution, invitée à participer par l’Académie, peut avoir été rendue possible par les fermetures pandémiques. [133] Certains téléspectateurs se sont demandé pourquoi le film était montré par l’Académie car il n’avait pas remporté d’Oscar. [124]
La vidéo Scott Pilgrim Vs the World Water Crisis a été diffusée en avant-première sur la chaîne EW.com et YouTube de Entertainment Weekly à 13h00. HAE le 20 juillet 2020. [128] [129] [134] La plupart des acteurs principaux étaient présents ; Evans a semblé lire sa partie mais était absent pendant la majeure partie de la vidéo, tandis que Larson, Simmons et Culkin ne sont pas apparus et leurs parties ont été lues respectivement par Kendrick, Bhabha et le scénariste Bacall. Tout au long du flux, O’Malley, qui est également apparu avec Wright, a dessiné des images de personnages comme prix pour les dons à Water For People. Cera a recréé le croquis de Ramona que Scott montre à Comeau dans le film pour le donner également. [135]
Une analyse
La narration transmédia consiste essentiellement à livrer un récit en utilisant un mélange de différentes techniques créatives. Scott Pilgrim contre le monde ajoute de petits détails sur les sons, les images et les légendes à l’écran irréalistes. Ceux-ci ne fonctionneraient pas dans n’importe quel film, y compris d’autres adaptations comiques. Ces ajouts font de Scott Pilgrim une véritable adaptation de bande dessinée. Même si vous n’aviez jamais entendu parler du matériel source, vous pourriez ressentir les influences de la bande dessinée.
– Meghan Hale, Années comiques [46]
Scott Pilgrim contre le monde a été largement discuté comme invoquant un récit transmédia , utilisant la plate-forme de roman graphique et les conventions du jeu vidéo et de la bande dessinée, dans le film. [15] [136] [137] [138] John Bodner explique que “le film devient une adaptation d’un texte qui est, à bien des égards, lui-même une adaptation culturelle attirant l’attention sur son propre matériel source dans son emploi manifeste de nombreuses techniques dérivé de l’esthétique des bandes dessinées”. [137] Zeitlin Wu écrit comment le film “[rend] hommage aux bandes dessinées, aux jeux vidéo et aux chevauchements entre les deux”, et note que son processus d’adaptation est unique dans la façon dont il a fait un film de bande dessinée qui n’est pas réaliste , en restant fidèle à la forme originale.[15] Dans son chapitre, “Scott Pilgrim’s Precious Little Texts: Adaptation, Form, and Transmedia Co-creation”, Bodner note plusieurs éléments qui créent le film comme transmédial, décrivant ses références aux médias de la bande dessinée et du jeu vidéo. [14]
Bodner, Zeitlin Wu et Burke notent également que Wright, avec le film, est devenu l’un des seuls réalisateurs depuis les années 1960 à utiliser, selon les mots de Bodner, “la zone de commentaires, les marques (lignes d’action) et le texte onomatopée comme effets sonores” dans une œuvre cinématographique, en utilisant de telles techniques à la fois de manière conventionnelle (étiquetage du temps et du lieu) et non conventionnelle pour le support. [14] Burke décrit l’utilisation comme “autoréflexive”. [108] Zeitlin Wu dit que “contrairement au Batman des années 1960 , l’utilisation d’onomatopées visuelles dans Scott Pilgrim fusionne de manière transparente la réalité et l’illusion, ce qui semble approprié pour un scénario dans lequel les deux sont indiscernables”, en utilisant les mots de la bande dessinée dans le film comme partie de l’histoire plutôt qu’à ses côtés.
Dans l’utilisation non conventionnelle, Wright perturbe le réalisme et la diégèse du film avec des marqueurs de bande dessinée. Bodner donne les exemples suivants : le “[texte graphique] ‘a b o u tt oe x p l o d e’ apparaissant comme un Scott agité entrant dans l’after-party” qui “[préfigure] un combat (non physique) avec Ramona” comme une forme d’étiquette qui “extériorise perspectives subjectives” ; l’utilisation de la voix d’auteur ironique typique d’O’Malley apparaissant lorsqu’une boîte de commentaires “apparaît utilement pour informer [le public]” que Todd, après avoir apparemment dit de manière rhétorique qu’il ne connaît pas le sens d’incorrigible, “ne connaît vraiment pas” le sens; et l’utilisation de graphiques textuels d’onomatopées comme effets sonores. [14]Zeitlin Wu note que le film “est l’une des seules adaptations à incorporer du texte de manière à transmettre la construction hybride texte / image de la bande dessinée sous forme cinématographique, poussant leur transmédialité au niveau supérieur”, et déstabilise finalement les frontières formelles. [15]
En ce qui concerne l’onomatopée utilisée, Bodner note qu’une seule fois un tel texte en tant que graphique remplace réellement un effet sonore (les cheveux de Todd se dégonflent, associés au mot “SAG”), les quelque 40 autres instances ayant à la fois le son et l’onomatopée le représentant. . [14] On dit que la fonction de la technique de la bande dessinée dans ces cas est un acte de dénaturalisation de la forme du film et, selon Robert S. Peterson, “de ralentir le lecteur et de créer une plus grande profondeur visuelle et une plus grande texture de la scène”. [14]Zeitlin Wu suggère plutôt que cela a été fait pour incorporer davantage la nature de la bande dessinée dans la forme du film, avec le son et l’image parfaitement synchronisés, affirmant que “le résultat est une synthèse illusionniste d’image, de texte et de son dans laquelle les mots ont leur propre matérialité”. Chaque police semble avoir sa propre personnalité et sa propre substance ; “DING DONG” se dissout éphémèrement, alors que les lettres de “BLAM !” sortent rapidement du cadre un par un, comme une rangée de dominos”. [15] Bodner ajoute que les marques utilisées dans le film illustrent à la fois le son et la ligne des yeux, des choses qui peuvent être montrées dans le film sans marques, et sont donc également utilisées pour dénaturaliser les scènes dans lesquelles elles apparaissent. [14]Burke écrit plus loin sur l’utilisation d’effets sonores écrits, disant qu ‘”il y a des domaines dans lesquels le son visualisé de la bande dessinée l’emporte sur la bande originale du cinéma”, s’engageant avec Robert C. Harvey pour convenir que “le mot et l’image peuvent être couplés pour révéler la bravade joyeuse du héros même au milieu d’une action tonitruante”. [108]
Une autre technique que Bodner décrit comme donnant au film sa lecture postmoderne [137] est la façon dont Wright semble modifier la forme du film pour refléter les éléments inhérents aux séquences de bandes dessinées, en particulier que “[Wright] systématiquement mais judicieusement [cite] le contenu du panneau tout au long du film – généralement […] en utilisant l’illusion de la stase dans le film pour refléter l’illusion du mouvement dans la bande dessinée ». [14] En termes de forme, Bodner écrit que Wright transcode la “construction de panneaux comiques” dans le film ; Wright lui-même a déclaré que “beaucoup de gens ont mentionné […] à quel point cela ressemble à la lecture d’une bande dessinée”, [14] un sentiment repris par Zeitlin Wu.techniques, et que les techniques qui produisent cela sont celles de Wright, s’appuyant sur son travail dans Shaun of the Dead et Hot Fuzz , ajoutant qu’elles fonctionnent en “répliquant le compagnon [du panneau] – la” gouttière “.” [14] On dit que Wright recrée cet élément d’espace extérieur dans les bandes dessinées sous forme de film en faisant “des coupes qui sont extrêmement rapides ou qui s’ouvrent sur des plans qui déplacent la logique temporelle conventionnelle ( montage anticontinuité ), ou avec des coupes qui utilisent à dessein à peine effet de volet visible “, [14] et en utilisant des “pannes, qui fonctionnent comme de brefs moments d’espace mort” entre certaines images. [15]
Discutant de la traduction de la bande dessinée dans ses écrits sur le processus d’adaptation du film, Zeitlin Wu note que “de nombreux storyboards [pour le film] ont été tirés directement des bandes dessinées”, affirmant qu’une méthode pour surmonter le temporel-spatial et illustratif-représentatif différences entre les romans graphiques et les médias cinématographiques consiste à combiner le panneau de bande dessinée et la grille du storyboard. [15] Dans Scott Pilgrim vs. the World , elle écrit que les séquences scénarisées de panneaux de bandes dessinées “transmettent un sentiment de fragmentation, plutôt que l’illusion habituelle de continuité cinématographique” et que “l’utilisation la plus efficace des bandes dessinées comme storyboard est dans Scott’s séquences de rêve, qui facilitent ses rencontres avec Ramona alors qu’elle voyage à travers le “sous-espace”.”séquences de rêve , “Wright maintient la fragmentation du support de la bande dessinée en conservant les divisions entre les panneaux d’origine: l’écran s’estompe au noir après chaque image, une tentative d’imiter l’expérience à la fois diachronique et synchronique de la lecture de bandes dessinées”. [15] Dans un autre exemple d’utilisation de panneau de film, Bodner note que le cadre statique montre Scott à l’ordinateur commandant un colis, le plan suivant est de Wallace et le suivant de Scott assis devant la porte, attendant ; Bodner explique que la temporalité de ces images à l’écran n’est pas naturaliste, et qu’elles représentent mieux des planches comiques où la temporalité peut être autrement déduite par le lecteur. Il ajoute que, en tant que pastiche , cette scène a une double fonction de préfiguration de laréalisme magique qui apparaîtra. [14]
De la même manière, il y a deux scènes (“la première bataille des groupes et le “grind” sur le rail de Lucas Lee”) où Wright utilise un bruit à haut volume pour recréer la forme silencieuse des bandes dessinées, comme dans un film le volume étouffe tout autre son et nécessite l’utilisation de texte de la même manière que le fait la forme purement visuelle de la bande dessinée. [14] Burke note également l’avantage du texte visuel lorsque le son serait autrement “assourdi par le bruit ambiant”, et comment (d’autres) “les adaptations cinématographiques rendent souvent muets les personnages les plus loquaces des bandes dessinées”. [108]
Dans son chapitre “Tell It Like a Game: Scott Pilgrim and Performative Media Rivalry”, Jeff Thoss écrit sur les différents indices transmédiaux, affirmant que “le film tente de surpasser la série de bandes dessinées dans son émulation de fonctionnalités de jeu vidéo à la fois au niveau Mais comme aucune de ces deux œuvres ne sort victorieuse, leur soi-disant rivalité apparaît moins comme une véritable compétition que comme un moyen d’éclairer les capacités et les limites narratives spécifiques de la bande dessinée, du cinéma et jeux d’ordinateur”. [136] S’appuyant sur Thoss, Fehrle examine la remédiation ( Bolter et Grusin), ou recours à l’imitation, des signifiants du jeu vidéo. En regardant en particulier le combat Scott contre Matthew Patel, il écrit qu’il y a “non seulement [la] remédiation des combats d’arcade et des jeux vidéo beat ’em up, […] mais aussi une esthétique télévisuelle […] comme ainsi qu’une pièce de théâtre avec des genres cinématographiques emblématiques […] et enfin un lien fort avec le théâtre comme cinquième médium jeté dans le mélange quand on voit Ramona sur un balcon shakespearien placé au centre d’un projecteur extrêmement visible ». [138] Il poursuit techniquement l’analyse de la scène en notant l’ écran partagé ; Fehrle voit d’abord la technique comme “plus récemment associée principalement au MTV-l’esthétique de la télévision des années 1990”, notant qu’il s’agit “d’une technique de montage “non naturelle”, mettant en avant la médialité du film en rendant visible l’impact d’un monteur, un rôle qui, dans le système de montage à continuité dominant, est considéré comme celui qui doit être conservé caché”. [138] Fehrle décrit le reste de la séquence mettant en vedette Matthew Patel comme une parodie de vidéoclips, y compris la “tap dance, qui est mise en évidence par le cadrage de la caméra de ses pieds seulement, ainsi que son samedi délibérément exagéré. Pose inspirée de Night Fever “, tout en mentionnant également son “coup de duel à travers les jambes” inspiré de Spaghetti Western . [138]
Cependant, il rejoint également Zeitlin Wu en le décrivant comme un élément de bande dessinée et de jeu vidéo, [15] [138] notant également la “forte spatialité du médium de la bande dessinée à travers sa disposition en panneaux” représentée dans le film, en particulier la “gouttière noire- comme une division entre les trois “panneaux”” dans la scène. [138] Fehrle ajoute encore que son référent jeu vidéo pour l’ écran partagéest celui des “modes multijoueurs des jeux vidéo sur console”, avec d’autres éléments de jeu vidéo informant la séquence, y compris “un son ‘bling’ d’arcade 8 bits joué lorsque Patel atterrit [,] ainsi que l’écho excessif et le léger retard sur la voix de Wallace alors qu’il crie ‘combat’, [et] un texte superposé […] qui juxtapose dramatiquement les adversaires, indique au joueur quoi faire ou explique l’état (de santé ou d’énergie) des personnages ou aide les joueurs à interpréter ce qui se passe”. [138] Il ajoute qu’une correction plus évidente des bandes dessinées est observée dans les dessins de romans graphiques de type O’Malley qui semblent illustrer la trame de fond de Ramona et Matthew. De cette multitude de référents, Fehrle décrit le film et la franchise Scott Pilgrim comme “[138]
La séquence suivant la rupture de Scott avec Knives est analysée de différentes manières. Maria J. Ortiz examine la mise en scène et le sens narratif de la scène, écrivant que lorsque Scott “dit [Knives] qu’il veut rompre la relation, le prochain plan d’elle est sur un fond sombre sans raison réaliste ” et introduit ainsi des métaphores qui informent l’histoire : “le bien est clair/le mal est sombre” et que “le changement d’arrière-plan [est] une métaphore du changement produit dans l’état de la relation”, aboutissant à l’idée qu’un mauvais le changement est littéralement un endroit sombre ici. [139]Bodner se penche sur la transmédialité du cadrage utilisé lorsque Scott s’éloigne, correspondant au roman graphique, avec un arbre et un tramway encadrant le cadre pour introduire une solitude de Scott et Knives, notamment avec une caméra statique qui représente le panneau. Dans le film, cela est suivi par des personnages passant devant Scott pour mener à une lingette, ce qui, selon Bodner, “est courant dans le film et agit comme la ligne encrée qui fait la bordure du panneau”. [14]
Réception
Réception critique
L’agrégateur de critiques Rotten Tomatoes rapporte que 82% des 273 critiques du film sont positives, avec une note moyenne de 7,50/10. Le consensus du site Web se lit comme suit: “Son scénario n’est peut-être pas aussi éblouissant que ses visuels époustouflants, mais Scott Pilgrim vs the World est rapide, drôle et inventif”. [140] Selon Metacritic , qui a échantillonné 38 critiques et calculé un score moyen de 69 sur 100, le film a reçu une réponse “généralement favorable”.[141] Le public interrogé par CinemaScore a attribué au film une note “A-” sur une échelle de A à F. [142]
Peter Debruge de Variety a donné au film une critique mitigée, le qualifiant d ‘”exemple de réalisation de films déficitaires de l’attention à la fois la meilleure et la plus frustrante”, affirmant qu’il était économique avec sa narration et incorporait avec succès les nombreux grands décors de combat, mais raté des occasions de construire la relation de Scott et Ramona. [143] David Edelstein du magazine New York a également écrit une critique mitigée, convenant que Scott “ne semble guère digne de Ramona de Winstead” et disant qu’il pensait que “le défilé des ex super-méchants […] est comme une marche forcée; [il] sentait [qu’il] avait eu [son] plein de combats et il restait encore cinq ex à faire”. [144] Michel Phillipsa donné une critique généralement positive, mais a convenu que le nombre de combats retient le film, écrivant que “Sept sonne comme beaucoup. C’est, en fait, deux ou trois de trop.” [145] Kirk Honeycutt de The Hollywood Reporter a écrit une critique largement négative, trouvant le film “un film décourageant dans lequel rien n’est en jeu. Un personnage peut” mourir “, puis simplement rembobiner la vidéo et revenir à la vie. Ou changer son penser à son véritable amour, puis le changer à nouveau. La bataille de Scott Pilgrim n’est pas contre le monde; c’est contre une boussole morale erratique. [146] Cindy White à l’IGNa donné une critique positive, louant abondamment Wright et le style du film, bien qu’elle ait mentionné que “le milieu traîne un peu et la fin n’est pas tout [elle] espérait que ce serait.” [147]
AO Scott , qui a fait du film un “choix des critiques” du New York Times , l’a également évalué positivement, suggérant que c’était “le meilleur film de jeu vidéo de tous les temps”. [148] Nick Schager de Slant Magazine a également donné au film une critique positive, lui attribuant 3,5 étoiles sur 4, [149] avec son collègue Simon Abrams l’appelant “le film produit en studio le plus excitant visuellement, drôle et impliquant émotionnellement”. l’année” et décernant 4 étoiles sur 5 dans sa critique de DVD. [117]
Debruge a fait l’éloge de la distribution d’ensemble et des compétences de mise en scène de Wright qui rendent chacun des nombreux personnages distinctifs. Cependant, il a critiqué la performance de Cera, affirmant que “son timing comique est impeccable, [mais] il a finalement joué la giroflée fanée une fois de trop”. [143] Edelstein a trouvé que le plus gros problème du film était le jeu d’acteur de Cera, disant qu ‘”une piste différente aurait pu vous faire rire et vous engager. Cera ne prend pas vie dans les scènes de combat comme le fait Stephen Chow dans […] surréaliste comédies d’arts martiaux [comme] Kung Fu Hustle “, [144] avec Honeycutt disséquant la narration et déterminant que” Cera ne donne pas une performance qui ancre le non-sens “du film. [146]À l’inverse, AO Scott a écrit que “d’une manière ou d’une autre [Cera et Winstead] le font fonctionner” en vendant la relation sans être un cliché, [148][145] White a écrit que les acteurs jouant les ex de Ramona “[semblent] tous s’amuser dans leurs scènes”. [147]et Abrams a déclaré que les acteurs n’avaient “jamais été aussi beaux, en particulier Cera”, notant que “[sa] performance est sciemment affectée et égocentrique tout au long des scènes illustrant les rencontres maladroites de Scott et Knives” alors que le film joue délibérément le narcissisme initial de Scott. [117] La livraison de Cera de la ligne particulière “Je pensais que nous devrions rompre, ou quoi que ce soit” a été revue comme amusante [144] et maladroitement réaliste. Brie Larson et Kieran Culkin ont souvent été décrits comme les voleurs de scène du film pour leurs performances en tant qu’ex de Scott, la rock star Envy Adams et le colocataire de Scott, le sarcastique Wallace Wells. Chris Evans et Brandon Routh ont également été appelés voleurs de scène dans certaines revues. [155] [156] [157]
En guise de négatif, Debruge a ajouté que “toute personne de plus de 25 ans est susceptible de trouver [le film] épuisant, comme jouer le chaperon lors d’une fête pleine d’étudiants hypersexuels”, [143] remarques reprises par Honeycutt, qui a qualifié le film de “juvénile” et pensait “un public plus large parmi les téléspectateurs plus âgés ou internationaux semble peu probable”. [146] White a donné au film une note positive de 8/10, affirmant qu’il est “le mieux adapté à la génération câblée et à ceux d’entre nous qui ont grandi sur Nintendo et MTV. Sa nature cinétique et ses sensibilités excentriques pourraient être un rebut pour certains. ” [147] Scott a également trouvé les éléments de jeunesse attrayants, écrivant qu'”il y a des films sur la jeunesse qui vous font juste vous sentir vieux, même si vous n’êtes pas [mais] Scott Pilgrim vs.a l’effet inverse. Son esprit rapide, drôle, joyeux et triste est si contagieux que le film vous fait vous sentir chez vous dans son monde, même si le paysage est, à première vue, inconnu.” [148] , c’est que les gens supposaient que, parce qu’il embrassait les intérêts de sa population de niche, dans sa campagne publicitaire et dans son contenu, il était destiné au statut de culte et rien de plus.” [117]Abrams a ouvert sa critique en déplorant que “la chose triste à propos de Scott Pilgrim contre le monde
Schager a écrit qu’Edgar Wright est un “artiste de mash-up inspiré, et Scott Pilgrim contre le monde est peut-être sa plus belle hybridation à ce jour”, affirmant que le film est devenu un “jeu vidéo lourd en mêlée”. [149] Debruge a également déclaré que “le style […] devient le niveau auquel nous devons apprécier le travail de Wright”, notant en particulier le logo Universal 8 bits et la scène Seinfeld . [143] White explique que, bien que le style et la structure du jeu vidéo ne soient pas réalistes, “même les éléments les plus extravagants découlent naturellement de la narration”. [147]Le style a également été comparé aux bandes dessinées. Selon Phillips, “Edgar Wright comprend l’attrait des romans graphiques originaux de Bryan Lee O’Malley […] Les livres inspirés des mangas d’O’Malley combinent une banalité totale avec une hyperbole de super-héros , [et] Wright, qui est britannique, a pris et a gagné. [Le film] vit et respire le style des livres originaux, avec des gribouillis animés, des cœurs et des étoiles remplissant le cadre dans de nombreux plans individuels. [145] Edelstein a ouvert sa critique en disant “Oui, c’est comme ça que vous donnez vie à un roman graphique à l’écran!”, précisant que “[Wright prend les] mangas canadiens (dans lesquels le banal rencontre le super-héros) et concocte une syntaxe tout le sien : mi-bande dessinée, mi-jeu vidéo d’arcade”.
En comparant davantage le film aux romans graphiques et en en discutant comme une adaptation, Honeycutt convient que “le réalisateur / producteur / co-scénariste Edgar Wright […] a reproduit avec succès l’imagerie et la vision du monde du roman graphique de Bryan Lee O’Malley, lui-même un mélange de personnages ordinaires perdus dans un monde de mangas, de jeux vidéo, de clips musicaux et d’iconographie de bande dessinée.” [146] White écrit que les éléments de mash-up dans le style du film créent “un cocktail de culture pop amusant, drôle et délicieusement décalé”, louant Wright pour “[faire en sorte que les éléments de la bande dessinée] fonctionnent dans la traduction pour vivre action, et [ayant] suffisamment de respect pour le travail d’O’Malley en premier lieu pour essayer de capturer cet esprit; [147] Scott est d’accord, disant que le succès vient de son ingéniosité à amener le jeu vidéo dans le monde du joueur, plutôt que l’inverse, et donc “la frontière entre la fantaisie et la réalité n’est pas tant floue qu’effacée, parce que le cinéastes créent un univers tout à fait cohérent, perpétuellement surprenant”. [148]Abrams note également que certains des éléments comiques fonctionnent mieux dans le film, comme lorsque Scott se réveille, suivi de Wallace et Other Scott, en raison du timing du médium. Il estime que Wright a également réussi à inclure des scènes supplémentaires qui éclairent davantage la caractérisation de Scott et ajoutent de l’humour aux moments des bandes dessinées. Scott Pilgrim contre le monde ] ne fait pas seulement une adaptation adéquate, mais donne vie à l’histoire d’une manière qui innove la façon dont nous regardons les adaptations “. [46][117] Dans l’ensemble, dans sa rétrospective de 2020, Meghan Hale de Comic Years a écrit que “[
Réponse populaire
Après avoir vu le film lors d’une projection test, le réalisateur américain Kevin Smith s’est dit impressionné, et que “c’est envoûtant et que personne ne va comprendre ce qui vient de leur tomber dessus”, ajoutant que Wright “donne vie à une bande dessinée “. [158] Smith a également déclaré que les autres réalisateurs Quentin Tarantino et Jason Reitman étaient “vraiment dedans”. [158] Carla Gillis, écrivain pour Now et ancienne chanteuse principale du groupe Plumtree, a également commenté le film, car la chanson de son groupe ” Scott Pilgrim ” a inspiré O’Malley pour créer la série; Gillis a estimé que le film portait le même ton positif mais doux-amer de la chanson. [159]Plusieurs personnalités notables de l’industrie du jeu vidéo, du cinéma et[160]Des personnalités de l’industrie de l’ anime ont également fait l’éloge du film après sa première au Japon, parmi lesquelles Hironobu Sakaguchi , Goichi Suda , Miki Mizuno , Tomohiko Itō et Takao Nakano .
Dans un éditorial pour Rotten Tomatoes, Nathan Rabin a écrit que le film a un culte, [161] et dans un long métrage de la Met Film School de 2015 , Danny Kelly l’a classé comme l’un des six films les plus sous-estimés de tous les temps, affirmant que c’est “un crime”. ” que plus de gens ne sont pas allés le voir. [162] Un classement de 2014 par Den of Geek l’a placé au troisième rang de leur liste des 25 meilleurs films de bandes dessinées sous-estimés, avec James Hunt écrivant qu’il “est facilement meilleur que n’importe quel film de cette liste. Et d’ailleurs, c’est mieux que la plupart des films ne figurant pas sur cette liste” ; il a suggéré qu’il souffrait au box-office en raison d’un marketing mal exécuté et que les gens en avaient assez de Michael Cera. [163] En 2020, Evans a comparé les fans deScott Pilgrim à ceux de l’univers cinématographique Marvel, affirmant qu’ils étaient tout aussi enragés et dévoués; [52] en février 2020, la critique Alani Vargas a écrit que “ce n’est peut-être pas si” culte “aujourd’hui; si vous présentez le film à quelqu’un maintenant, il y a de fortes chances que vous obteniez une réponse très enthousiaste”. [164]
Des artistes musicaux ont été inspirés par le film, dont Lil Uzi Vert avec ses albums Lil Uzi Vert vs the World et Lil Uzi Vert vs the World 2 , [165] et le single “Scott and Ramona”. [166] [167] Le clip du single ” Gimme Love ” du groupe australien The Vines est un hommage à Scott Pilgrim vs. the World , adoptant le style visuel de l’ouverture du film, [168] [169] et Kid Cudi a échantillonné musique du film sur la chanson “She Knows This” de son album Man on the Moon III: The Chosen . [170]
Distinctions
Scott Pilgrim vs. the World a reçu de nombreux prix et nominations. Il a également fait la liste finale de sept films pour nomination dans la catégorie Meilleurs effets visuels à la 83e cérémonie des Oscars , mais n’a pas reçu de nomination. [171] Il a remporté le prix du public au Festival international du film fantastique de Lund en 2010 . [172] [173]
Le film a été placé sur plusieurs listes des dix meilleurs films de 2010, y compris en tant que numéro 1 par Harry Knowles , [174] et sur plusieurs listes par Empire . [175] [176] [177] [178]
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Commentaires
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External links
| Wikiquote has quotations related to Scott Pilgrim vs. the World. |
| Wikimedia Commons has media related to Scott Pilgrim vs. the World. |
- Scott Pilgrim vs. the World at IMDb
- Scott Pilgrim vs. the World on Netflix
- Scott Pilgrim vs. the World at Box Office Mojo
- Title Sequence at Art of the Title
- Scott Pilgrim film diary on Vimeo
- Edgar’s Photo A Day 2009 from Flickr, with numerous photographs related to the film
- May 2020 watch party at Twitter Listening Party
- Scott Pilgrim vs The World cast interview. The Guardian. August 20, 2010.
- Scott Pilgrim vs. the World | Bringing the Characters to Life | Bonus Feature Clip. Universal Pictures Home Entertainment. October 27, 2010.
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- Collis, Clark (August 13, 2020). “‘Scott Pilgrim vs. the World’ oral history: Bonus level!!!”. Entertainment Weekly. Archived from the original on August 14, 2020.
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