Rythme et blues

By Editors Team on May 29, 2022

Rhythm and blues , fréquemment abrégé en R&B ou R’n’B , [1] est un genre de musique populaire qui a pris naissance dans les communautés afro-américaines dans les années 1940. [2] Le terme était à l’origine utilisé par les maisons de disques pour décrire les enregistrements commercialisés principalement auprès des Afro-Américains urbains, à une époque où “la musique urbaine, rock, basée sur le jazz … [avec un] rythme lourd et insistant” devenait plus populaire. [3]Dans la musique rythmique et blues commerciale typique des années 1950 aux années 1970, les groupes se composaient généralement de piano, d’une ou deux guitares, d’une basse, d’une batterie, d’un ou plusieurs saxophones et parfois de chanteurs de fond. Les thèmes lyriques R&B résument souvent l’expérience afro-américaine de la douleur et la quête de liberté et de joie, [4] ainsi que les triomphes et les échecs en termes de relations, d’économie et d’aspirations.

Rythme et blues
Origines stylistiques
  • le jazz
  • le blues
  • spirituels
  • gospel
  • Boogie Woogie
  • sauter le blues
  • se balancer
Origines culturelles Années 1940-1950, États-Unis
Instruments typiques
  • Guitare électrique
  • Contrebasse
  • Tambours
  • Orgue électrique
  • Saxophone
  • Piano
  • Corne
Formes dérivées
  • Trouille
  • ska
  • doo-wop
  • âme
  • rock and roll
  • reggae
  • disco
  • battre de la musique
  • renaissance mod
  • hip hop
  • zydeco
Sous-genres
  • R&B contemporain
  • jazz doux
  • R&B alternatif
  • néo soul
Scènes locales
  • La Nouvelle Orléans
  • Grande-Bretagne

Le terme “rhythm and blues” a subi un certain nombre de changements de sens. Au début des années 1950, il était fréquemment appliqué aux disques de blues . [5] À partir du milieu des années 1950, après que ce style de musique ait contribué au développement du rock and roll , le terme “R&B” est devenu utilisé pour désigner les styles de musique qui se sont développés à partir du blues électrique et l’ont incorporé , ainsi que le gospel et la soul . musique . Des années 1960 aux années 1970, plusieurs groupes britanniques tels que les Rolling Stones , les Who et les Animals ont été désignés et promus comme étantGroupes R&B. À la fin des années 1970, le terme “rhythm and blues” avait de nouveau changé et était utilisé comme Terme générique pour la soul et le funk . À la fin des années 1980, un nouveau style de R&B s’est développé, devenant connu sous le nom de ” R&B contemporain “. Il combine le rythme et le blues avec des éléments de pop , de soul , de funk , de disco , de hip hop et de musique électronique .

Étymologie, définitions et description

Bien que Jerry Wexler du magazine Billboard soit crédité d’avoir inventé le terme “rhythm and blues” comme terme musical aux États-Unis en 1948, [6] le terme a été utilisé dans Billboard dès 1943. [7] [8] Il a remplacé le terme ” race music “, qui venait à l’origine de la communauté noire, mais était jugé offensant dans le monde d’après-guerre. [9] [10] Le terme “rhythm and blues” a été utilisé par Billboard dans ses listes de graphiques de juin 1949 à août 1969, lorsque son graphique “Hot Rhythm & Blues Singles” a été renommé “Best Selling Soul Singles”. [11]Avant que le nom “Rhythm and Blues” ne soit instauré, diverses maisons de disques avaient déjà commencé à remplacer le terme “Musique de course” par “série sépia”. [12]

L’écrivain et producteur Robert Palmer a défini le rhythm & blues comme “un terme fourre-tout faisant référence à toute musique faite par et pour les Noirs américains”. [13] Il a utilisé le terme “R&B” comme synonyme de jump blues . [14] Cependant, AllMusic le sépare du jump blues en raison des influences gospel plus fortes du R&B. [15] Lawrence Cohn , auteur de Nothing but the Blues , écrit que “rhythm and blues” était un Terme générique inventé pour la commodité de l’industrie. Selon lui, le terme englobait toutes les musiques noires à l’exception de la musique classique et de la musique religieuse, à moins qu’une chanson gospel ne se vende suffisamment pour entrer dans les charts. [9] Bien au 21e siècle, le terme R&B continue d’être utilisé (dans certains contextes) pour catégoriser la musique faite par des musiciens noirs, par opposition aux styles de musique faits par d’autres musiciens.

Dans la musique rythmique et blues commerciale typique des années 1950 aux années 1970, les groupes se composaient généralement de piano, d’une ou deux guitares, d’une basse, d’une batterie et d’un saxophone. Les arrangements étaient répétés sans effort et étaient parfois accompagnés de chanteurs de fond. Des parties répétitives simples s’enchevêtrent, créant un élan et une interaction rythmique produisant des textures douces, chantantes et souvent hypnotiques tout en n’attirant l’attention sur aucun son individuel. Alors que les chanteurs sont émotionnellement engagés dans les paroles, souvent intensément, ils restent cool, détendus et en contrôle. Les groupes portaient des costumes, voire des uniformes, une pratique associée à la musique populaire moderne que les interprètes de rythme et de blues aspiraient à dominer. Les paroles semblaient souvent fatalistes et la musique suivait généralement des modèles prévisibles d’accords et de structure.[16]

Une publication de la Smithsonian Institution a fourni ce résumé des origines du genre en 2016.

“Une musique typiquement afro-américaine puisant dans les profonds affluents de la culture expressive afro-américaine, c’est un amalgame de jump blues, big band swing, gospel, boogie et blues qui a été initialement développé au cours d’une période de trente ans qui relie l’ère de la ségrégation raciale sanctionnée par la loi, les conflits internationaux et la lutte pour les droits civils ». [17]

Le terme “rock and roll” avait une forte connotation sexuelle dans le jump blues et le R&B, mais lorsque DJ Alan Freed a fait référence au rock and roll à la radio grand public au milieu des années 1950, “la composante sexuelle avait été suffisamment atténuée pour devenir tout simplement un terme acceptable pour la danse”. [18]

Histoire

Précurseurs

Louis Jordan à New York, v. juillet 1946

La grande migration des Noirs américains vers les centres industriels urbains de Chicago, Detroit, New York, Los Angeles et ailleurs dans les années 1920 et 1930 a créé un nouveau marché pour le jazz, le blues et les genres musicaux connexes. Ces genres de musique étaient souvent interprétés par des musiciens à plein temps, travaillant seuls ou en petits groupes. Les précurseurs du rhythm and blues sont venus du jazz et du blues, qui se sont superposés à la fin des années 1920 et 1930 à travers le travail de musiciens tels que les Harlem Hamfats , avec leur tube de 1936 “Oh Red”, ainsi que Lonnie Johnson , Leroy Carr , Cab Calloway , Count Basie et T-Bone Walker . L’accent était également mis de plus en plus sur la guitare électriquecomme instrument principal, ainsi que le piano et le saxophone . [19]

Fin des années 1940

En 1948, RCA Victor commercialisait de la musique noire sous le nom de “Blues and Rhythm”. Cette année-là, Louis Jordan a dominé les cinq premières listes des charts R&B avec trois chansons, et deux des cinq meilleures chansons étaient basées sur les rythmes boogie-woogie qui avaient pris de l’importance dans les années 1940. [20] Le groupe de Jordan, le Tympany Five (formé en 1938), se composait de lui au saxophone et au chant, ainsi que de musiciens à la trompette, au saxophone ténor, au piano, à la basse et à la batterie. [21] [22] Lawrence Cohn a décrit la musique comme “plus graveleuse que son blues teinté de jazz de l’ère du boogie”. [9] : 173 Robert Palmer l’a décrit comme “une musique urbaine, rock, basée sur le jazz … [avec un] rythme lourd et insistant”. [3] La musique de Jordan, ainsi que celle de Big Joe Turner , Roy Brown , Billy Wright et Wynonie Harris , est désormais également appelée jump blues . Déjà Paul Gayten , Roy Brown et d’autres avaient eu des succès dans le style maintenant appelé rhythm and blues. En 1948, le remake de Wynonie Harris de l’enregistrement de 1947 de Brown ” Good Rockin’ Tonight ” atteint la deuxième place des charts, après ” Long Gone ” du chef du groupe Sonny Thompson au numéro un. [23] [24]

En 1949, le terme “Rhythm and Blues” (R&B) remplace la catégorie Billboard Harlem Hit Parade . [9] Également cette année-là, ” The Huckle-Buck “, enregistré par le chef du groupe et saxophoniste Paul Williams , était le morceau R&B numéro un, restant au sommet des charts pendant presque toute l’année. Écrite par le musicien et arrangeur Andy Gibson , la chanson a été décrite comme un “boogie sale” parce qu’elle était risquée et torride. [25] Les concerts de Paul Williams et de His Hucklebuckers étaient des émeutes en sueur qui ont été fermées à plus d’une occasion. Leurs paroles, par Roy Alfred (qui plus tard a co-écrit le tube de 1955 ” (The) Rock and Roll Waltz”), étaient légèrement sexuellement suggestifs, et un adolescent de Philadelphie a dit “Ce Hucklebuck était une danse très méchante “ . a été un succès numéro quatre pour Jimmy Witherspoon , et Louis Jordan et les Tympany Five ont de nouveau fait partie des cinq premiers avec ” Saturday Night Fish Fry “. [28] Beaucoup de ces disques à succès ont été publiés sur de nouvelles maisons de disques indépendantes, telles que Savoy ( fondée en 1942), King (fondée en 1943), Imperial (fondée en 1945), Specialty (fondée en 1946), Chess (fondée en 1947),et Atlantique(fondé en 1948). [19]

Influence rythmique afro-cubaine

La Musique afro-américaine a commencé à incorporer des motifs rythmiques afro-cubains dans les années 1800 avec la popularité de la contredanza cubaine (connue en dehors de Cuba sous le nom de habanera ). [29] Le rythme habanera peut être considéré comme une combinaison de tresillo et de backbeat .

Le rythme habanera montré comme tresillo (notes inférieures) avec le contretemps (note supérieure)

Pendant plus d’un quart de siècle au cours desquels le cakewalk , le ragtime et le proto-jazz se sont formés et développés, le genre habanera cubain a exercé une présence constante dans la musique populaire afro-américaine. [30] Le pionnier du jazz Jelly Roll Morton considérait le rythme tresillo/habanera (qu’il appelait la Teinte espagnole ) comme un ingrédient essentiel du jazz. [31] Il existe des exemples de rythmes de type tresillo dans certaines musiques folkloriques afro-américaines telles que les rythmes d’applaudissements à la main et de piétinement des pieds dans le cri de l’anneau , la musique de tambour et de fifre après la guerre civile et la musique de deuxième ligne de la Nouvelle-Orléans . [32] Wynton Marsalis considère tresillo comme la “clave” de la Nouvelle-Orléans (bien que techniquement, le motif ne soit qu’une demi- clave ). [33] Tresillo est la cellule rythmique à double impulsion la plus fondamentale dans les traditions musicales d’Afrique subsaharienne , et son utilisation dans la Musique afro-américaine est l’un des exemples les plus clairs de rétention rythmique africaine aux États-Unis. [34] L’utilisation du tresillo a été continuellement renforcée par les vagues consécutives de musique cubaine, qui ont été adoptées dans la culture populaire nord-américaine. En 1940, Bob Zurke sort “Rhumboogie”, un boogie-woogie avec une ligne de basse tresillo, et des paroles déclarant fièrement l’adoption du rythme cubain :

Harlem a un nouveau rythme, mec ça brûle les pistes de danse parce que c’est tellement chaud ! Ils ont pris un petit rythme de rumba et ajouté du boogie-woogie et maintenant regardez ce qu’ils ont ! Rhumboogie, c’est la nouvelle création de Harlem avec la syncope cubaine, c’est la tuerie ! Plantez simplement vos deux pieds de chaque côté. Laissez vos hanches et vos épaules glisser. Ensuite, jetez votre corps en arrière et roulez. Il n’y a rien de tel que rhumbaoogie, rhumboogie, boogie-woogie. À Harlem ou à La Havane, vous pouvez embrasser la vieille Savannah. C’est un tueur ! [35]

Bien qu’originaire de la métropole à l’embouchure du fleuve Mississippi, le blues de la Nouvelle-Orléans, avec ses traits rythmiques afro-caribéens, se distingue du son du blues du delta du Mississippi. [36] À la fin des années 1940, les musiciens de la Nouvelle-Orléans étaient particulièrement réceptifs aux influences cubaines précisément au moment où le R&B se formait pour la première fois. [37] La ​​première utilisation de tresillo dans R&B s’est produite à la Nouvelle-Orléans. Robert Palmer se souvient :

Fats Domino en 1956

Le producteur-chef d’orchestre de la Nouvelle-Orléans, Dave Bartholomew , a d’ abord utilisé cette figure (en tant que riff de section de saxophone) sur son propre disque “Country Boy” de 1949 et a ensuite contribué à en faire le motif rythmique le plus utilisé du rock ‘n’ roll des années 1950. Sur de nombreux enregistrements de Fats Domino , Little Richard et d’autres, Bartholomew a attribué ce motif répétitif à trois notes non seulement à la contrebasse, mais aussi aux guitares électriques et même au saxophone baryton, ce qui donne un fond très lourd. Il se souvient d’avoir entendu la figure pour la première fois – comme motif de basse sur un disque cubain. [38]

Dans une interview de 1988 avec Palmer, Bartholomew (qui avait le premier groupe de studio R&B), [39] a révélé comment il avait initialement superposé le tresillo au rythme swing :

J’ai entendu la basse jouer ce rôle sur un disque de ‘rumba’. Sur ‘Country Boy’, ma basse et ma batterie jouaient un rythme swing droit et j’ai écrit cette partie de basse ‘rumba’ pour que les saxophones jouent au-dessus du rythme swing. Plus tard, surtout après l’arrivée du rock ‘n’ roll, j’ai rendu la partie de basse ‘rumba’ de plus en plus lourde. J’aurais la contrebasse, une guitare électrique et un baryton à l’unisson. [40]

Barthélemy désignait le fils cubain par l’appellation impropre de rumba , une pratique courante à cette époque. ” Blue Monday ” de Fats Domino , produit par Bartholomew, est un autre exemple de cette utilisation désormais classique du tresillo dans le R&B. “Oh Cubanas” de Bartholomew en 1949, basé sur le tresillo, est une tentative de mélanger la Musique afro-américaine et afro-cubaine. Le mot mambo , plus gros que n’importe quel autre texte, est placé bien en évidence sur le label. Dans sa composition “Misery”, le pianiste de la Nouvelle-Orléans, le professeur Longhair , joue une figure ressemblant à une habanera dans sa main gauche. [ citation nécessaire ] L’utilisation habile des triplés est une caractéristique du style de Longhair.

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Gerhard Kubik note qu’à l’exception de la Nouvelle-Orléans, les premiers blues manquaient de polyrythmies complexes, et il y avait une “absence très spécifique de modèles de ligne de temps asymétriques (modèles clés ) dans pratiquement toute la Musique afro-américaine du début du XXe siècle … seulement dans certains genres de la Nouvelle-Orléans, un soupçon de modèles de lignes temporelles simples apparaît parfois sous la forme de modèles transitoires dits «stomp» ou de chœurs stop-time. Ceux-ci ne fonctionnent pas de la même manière que les lignes temporelles africaines. [41]À la fin des années 1940, cela a quelque peu changé lorsque la structure chronologique à deux cellules a été introduite dans le blues. Des musiciens de la Nouvelle-Orléans tels que Bartholomew et Longhair ont incorporé des instruments cubains, ainsi que le modèle de clave et des figures à deux cellules associées dans des chansons telles que “Carnival Day”, (Bartholomew 1949) et “Mardi Gras In New Orleans” (Longhair 1949). Alors que certaines de ces premières expériences étaient des fusions maladroites, les éléments afro-cubains ont finalement été pleinement intégrés au son de la Nouvelle-Orléans.

Robert Palmer rapporte que, dans les années 1940, le professeur Longhair a écouté et joué avec des musiciens des îles et « est tombé sous le charme des disques de mambo de Perez Prado ». [42] Il était particulièrement amoureux de la musique afro-cubaine. Michael Campbell déclare: “L’influence du professeur Longhair était … profonde. Dans plusieurs de ses premiers enregistrements, le professeur Longhair a mélangé des rythmes afro-cubains avec du rythme et du blues. Le plus explicite est” Longhair’s Blues Rhumba “, où il superpose un simple blues avec un rythme de clave.” [43] Le style particulier de Longhair était connu localement sous le nom de rumba-boogie . [44]Dans son ” Mardi Gras à la Nouvelle-Orléans “, le pianiste emploie le motif 2–3 clave onbeat / offbeat dans un rumba boogie ” guajeo “. [45]

Extrait au piano de la rumba boogie “Mardi Gras in New Orleans” (1949) du professeur Longhair. 2–3 claves sont écrites ci-dessus pour référence rythmique.

La sensation de subdivision syncopée mais directe de la musique cubaine (par opposition aux subdivisions balancées) a pris racine dans le R&B de la Nouvelle-Orléans à cette époque. Alexander Stewart déclare que la sensation populaire a été transmise de « la Nouvelle-Orléans, à travers la musique de James Brown, à la musique populaire des années 1970 », ajoutant : « Le style singulier de rythme et de blues qui a émergé de la Nouvelle-Orléans dans les années qui ont suivi la guerre mondiale. II a joué un rôle important dans le développement du funk. Dans un développement connexe, les rythmes sous-jacents de la musique populaire américaine ont subi une transition basique, mais généralement non reconnue, de la sensation de triolet ou de shuffle à des croches paires ou droites. motifs funk, Stewart déclare que ce modèle “… est différent d’une chronologie(comme clave et tresillo) en ce sens qu’il ne s’agit pas d’un modèle exact, mais plutôt d’un principe d’organisation lâche.” [47]

Johnny Otis a sorti le mambo R&B “Mambo Boogie” en janvier 1951, avec des congas, des maracas, des claves et des guajeos de saxophone mambo dans une progression de blues. [48] ​​Ike Turner a enregistré “Cubano Jump” (1954) un instrument de guitare électrique, qui est construit autour de plusieurs figures de 2 à 3 claves, adoptées du mambo. Les Hawketts , dans ” Mardi Gras Mambo ” (1955) (avec la voix d’un jeune Art Neville), font une référence claire à Perez Prado dans leur utilisation de sa marque “Unhh!” à la pause après l’introduction. [49]

Ned Sublette déclare: “Les chats du blues électrique connaissaient très bien la musique latine, et il existait certainement une chose telle que le blues rhumba ; vous pouvez entendre Muddy Waters et Howlin ‘Wolf en jouer.” [50] Il cite également Otis Rush , Ike Turner et Ray Charles , comme artistes R&B qui ont utilisé cette sensation. [50]

L’utilisation de clave dans le R&B a coïncidé avec la domination croissante du backbeat et la popularité croissante de la musique cubaine aux États-Unis. . [51]

3–2 clave écrit en deux mesures en cut-time Tresillo répondu par le backbeat, l’essence de clave dans la Musique afro-américaine

Le ” Bo Diddley beat ” (1955) est peut-être la première vraie fusion de 3–2 clave et R&B/rock ‘n’ roll. Bo Diddley a donné différents récits des origines du riff. Sublette affirme: “Dans le contexte de l’époque, et en particulier de ces maracas [entendus sur le disque], ‘Bo Diddley’ doit être compris comme un disque teinté de latin. Un morceau rejeté enregistré à la même session n’était intitulé que ‘Rhumba ‘ sur les feuilles de route.” [50] “Willie and the Hand Jive” (1958) de Johnny Otis est un autre exemple de ce mélange réussi de 3-2 claves et de R&B. Otis a utilisé les instruments cubains claves et maracas sur la chanson.

Le ” Bo Diddley beat ” de Bo Diddley est un motif basé sur les claves.

La musique afro-cubaine a été le conduit par lequel la Musique afro-américaine a été “réafricanisée”, grâce à l’adoption de figures bicellulaires comme la clave et d’instruments afro-cubains comme le Tambour conga , les bongos , les maracas et les claves . Selon John Storm Roberts , le R&B est devenu le vecteur du retour des éléments cubains dans la musique populaire de masse. [52] Ahmet Ertegun , producteur pour Atlantic Records , aurait déclaré que “les rythmes afro-cubains ajoutaient de la couleur et de l’excitation au moteur de base du R&B.” [53] Comme Ned Sublettesouligne cependant: “Dans les années 1960, avec Cuba l’objet d’un embargo américain qui est toujours en vigueur aujourd’hui, la nation insulaire avait été oubliée en tant que source de musique. Au moment où les gens ont commencé à parler du rock and roll comme ayant une histoire, la musique cubaine avait disparu de la conscience nord-américaine.” [54]

Début au milieu des années 1950

Ray Charles en 1971

Au début, seuls les Afro-Américains achetaient des disques R&B. Selon Jerry Wexler d’ Atlantic Records , les ventes étaient localisées sur les marchés afro-américains; il n’y avait pas de ventes blanches ni de diffusion radiophonique blanche. Au début des années 1950, de plus en plus d’adolescents blancs ont commencé à prendre conscience du R&B et ont commencé à acheter de la musique. Par exemple, 40% des ventes de 1952 du magasin de disques Dolphin’s of Hollywood , situé dans un quartier Afro-américain de Los Angeles, étaient destinées à des Blancs. Finalement, les adolescents blancs à travers le pays ont tourné leurs goûts musicaux vers le rythme et le blues. [55]

Johnny Otis , qui avait signé avec le Savoy Records de Newark, dans le New Jersey, a produit de nombreux tubes R&B en 1951, dont ” Double Crossing Blues “, ” Mitrustin’ Blues ” et ” Cupid’s Boogie “, qui ont tous atteint le numéro un cette année-là. . Otis a marqué dix des dix meilleurs succès cette année-là. D’autres hits incluent ” Gee Baby “, ” Mambo Boogie ” et ” All Nite Long “. [56] The Clovers , un quintette composé d’un quatuor vocal accompagné d’un guitariste, a chanté une combinaison de blues et de gospel au son distinctif, [57] a eu le numéro cinq de l’année avec ” Don’t You Know I Love You ” sur l’Atlantique.Toujours en juillet 1951, le DJ Alan Freed de Cleveland, Ohio a lancé une émission de radio de fin de soirée intitulée “The Moondog Rock Roll House Party” sur WJW (850 AM). [60] [61] Le spectacle de Freed a été parrainé par Fred Mintz, dont le magasin de disques R&B avait une clientèle principalement afro-américaine. Freed a commencé à qualifier la musique rythmique et blues qu’il jouait de “rock and roll”.

En 1951, Little Richard Penniman a commencé à enregistrer pour RCA Records dans le style jump blues des stars de la fin des années 1940, Roy Brown et Billy Wright . Cependant, ce n’est que lorsqu’il a enregistré une démo en 1954 qui a attiré l’attention de Specialty Records que le monde a commencé à entendre son nouveau rhythm and blues funky uptempo qui le propulserait vers la gloire en 1955 et aiderait à définir le son du rock ‘n’ ‘ roulent. Une succession rapide de succès rythmiques et blues a suivi, à commencer par ” Tutti Frutti ” [62] et ” Long Tall Sally “, qui influenceraient des artistes tels que James Brown , [63] Elvis Presley , [64]et Otis Redding . [65]

Ruth Brown était connue comme la “reine du R&B” [66]

Ruth Brown , se produisant sur le label Atlantic, a placé des tubes dans le top cinq chaque année de 1951 à 1954 : ” Teardrops from My Eyes “, ” Five, Ten, Fifteen Hours “, ” (Mama) He Treats Your Daughter Mean ” et ” Quel rêve “. [57] ” Shake a Hand ” de Faye Adams est arrivé au numéro deux en 1952. En 1953, le public acheteur de disques R&B a fait l’enregistrement original de Willie Mae Thornton de ” Hound Dog ” de Leiber et Stoller [67]le numéro trois de l’année. Ruth Brown était très en vue parmi les stars féminines du R&B; sa popularité provenait très probablement de “sa prestation vocale profondément enracinée dans la tradition afro-américaine” [68] [69] Cette même année , The Orioles , un groupe de doo-wop , avait le numéro quatre de l’année avec ” Crying in the Chapel ” . [70]

Fats Domino fait le top 30 des charts pop en 1952 et 1953, puis le top 10 avec « Ain’t That a Shame ». [71] [72] Ray Charles est venu à la notoriété nationale en 1955 avec ” I Got a Woman “. [73] Big Bill Broonzy a dit de la musique de Charles : “Il mélange le blues avec les spirituals … Je sais que c’est faux.” [9] : 173

En 1954 , ” Sh-Boom ” [74] des Chords est devenu le premier tube à sortir du classement R&B pour atteindre le top 10 au début de l’année. Vers la fin de l’année, et en 1955, ” Hearts of Stone ” des Charms fait le top 20. [75]

Chez Chess Records au printemps 1955, le premier album de Bo Diddley ” Bo Diddley “/” I’m a Man ” a grimpé au numéro deux des charts R&B et a popularisé le propre vamp original à base de clave de rythme et de blues de Bo Diddley qui serait devenir un pilier du rock and roll. [76]

Sous l’impulsion de Leonard Chess chez Chess Records, Chuck Berry a retravaillé un air de violon country avec une longue histoire, intitulé « Ida Red ». [77] Le résultat ” Maybellene ” n’était pas seulement un hit numéro trois sur les charts R&B en 1955, mais a également atteint le top 30 des charts pop. Alan Freed , qui avait déménagé dans le marché beaucoup plus vaste de New York en 1954, a aidé le disque à devenir populaire auprès des adolescents blancs. Freed avait reçu une partie du crédit d’écriture de Chess en échange de ses activités promotionnelles, une pratique courante à l’époque. [78]

Le R&B a également eu une forte influence sur le rock and roll selon de nombreuses sources, dont un article du Wall Street Journal en 1985 intitulé “Rock! It’s Still Rhythm and Blues”. En fait, l’auteur a déclaré que “les deux termes étaient utilisés de manière interchangeable” jusqu’en 1957 environ. Les autres sources citées dans l’article ont déclaré que le rock and roll combinait le R&B avec la musique pop et country. [79]

Fats Domino n’était pas convaincu qu’il existait un nouveau genre. En 1957, il a déclaré: “Ce qu’ils appellent rock ‘n’ roll maintenant, c’est du rythme et du blues. Je le joue depuis 15 ans à la Nouvelle-Orléans”. [80] Selon Rolling Stone , “c’est une affirmation valable … tous les rockers des années 50, noirs et blancs, nés à la campagne et élevés en ville, ont été fondamentalement influencés par le R&B, la musique populaire noire de la fin des années 40 et du début des années 50”. [81]

Fin des années 1950

Della Reese

En 1956, une tournée R&B “Top Stars of ’56” a eu lieu, avec les têtes d’affiche Al Hibbler , Frankie Lymon and the Teenagers, et Carl Perkins , dont les ” Blue Suede Shoes ” étaient très populaires auprès des acheteurs de musique R&B. [82] Certains des interprètes complétant le projet de loi étaient Chuck Berry, Cathy Carr , Shirley & Lee , Della Reese , Sam “T-Bird” Jensen, les Cleftones et les Spaniels avec le Big Rockin’ Rhythm Band d’ Illinois Jacquet . [83]Les villes visitées par la tournée comprenaient Columbia, Caroline du Sud ; Annapolis, Maryland; Pittsburgh, Pennsylvanie ; Syracuse, Rochester et Buffalo, New York ; et d’autres villes. [ citation nécessaire ] À Columbia, le concert s’est terminé par une émeute proche alors que Perkins commençait sa première chanson en tant qu’acte de clôture. Perkins aurait déclaré: “C’était dangereux. Beaucoup d’enfants ont été blessés”. A Annapolis, 50 000 à 70 000 personnes ont tenté d’assister à un spectacle à guichets fermés de 8 000 places. Les routes ont été bloquées pendant sept heures. [84] Les cinéastes ont profité de la popularité des musiciens “rhythm and blues” en tant que musiciens “rock n roll” à partir de 1956. Little Richard, Chuck Berry, Fats Domino, Big Joe Turner, les Treniers , les Platters etles Flamingos sont tous passés sur grand écran. [85]

Deux disques d’Elvis Presley ont fait partie du top cinq du R&B en 1957 : ” Jailhouse Rock “/” Treat Me Nice ” au numéro un, et ” All Shook Up ” au numéro cinq, une acceptation sans précédent d’un artiste non Afro-américain dans une catégorie musicale. connu pour avoir été créé par des noirs. [86] Nat King Cole , également pianiste de jazz qui a eu deux succès dans les charts pop au début des années 1950 (” Mona Lisa ” au numéro deux en 1950 et ” Too Young ” au numéro un en 1951), avait un record dans le top cinq des charts R&B en 1958, ” Looking Back “/” Do I Like It “. [87]

En 1959, deux maisons de disques appartenant à des Noirs, dont l’une allait connaître un énorme succès, ont fait leurs débuts : Sar de Sam Cooke et Motown Records de Berry Gordy . [88] Brook Benton était au sommet des charts R&B en 1959 et 1960 avec un numéro un et deux numéros deux succès. [89] Benton avait une certaine chaleur dans sa voix qui a attiré une grande variété d’auditeurs et ses ballades ont conduit à des comparaisons avec des interprètes tels que Nat King Cole , Frank Sinatra et Tony Bennett . [90] Lloyd Price , qui en 1952 a eu un succès numéro un avec ” Lawdy Miss Clawdy », reprend la prédominance avec une version de « Stagger Lee » au numéro un et de « Personality » au numéro cinq en 1959. [91] [92]

Le chef d’orchestre blanc du Bill Black Combo, Bill Black , qui avait contribué au démarrage de la carrière d’Elvis Presley et était le bassiste d’Elvis dans les années 1950, était populaire auprès des auditeurs noirs. [ citation nécessaire ] Quatre-vingt-dix pour cent de ses ventes de disques provenaient de Noirs, et son ” Smokie, Part 2 ” (1959) s’est hissé à la première place des palmarès de la musique noire. [ citation nécessaire ] On lui a dit un jour que “beaucoup de ces stations pensent toujours que vous êtes un groupe noir parce que le son est funky et noir”. [ citation nécessaire ] Hi Records ne comportait pas de photos du Combo sur les premiers enregistrements. [93]

Années 1960-1970

Sam Cook

Le hit numéro cinq de Sam Cooke ” Chain Gang ” est révélateur du R&B en 1960, tout comme le hit numéro cinq du pop rocker Chubby Checker ” The Twist “. [94] [95] Au début des années 1960, la catégorie de l’industrie musicale précédemment connue sous le nom de rhythm and blues était appelée musique soul , et une musique similaire d’artistes blancs était étiquetée soul aux yeux bleus . [96] [97] Motown Records a eu son premier single vendu à un million en 1960 avec les Miracles ” Shop Around “, [98] et en 1961, Stax Records a eu son premier succès avec Carla Thomas ‘Gee Whiz (Look at His Eyes) “. [99] [100] Le prochain grand succès de Stax, l’ instrumental ” Last Night ” des Mar-Keys (également sorti en 1961), a introduit le son plus brut de l’ âme de Memphis pour lequel Stax est devenu connu. [101] En Jamaïque, le R&B a influencé le développement du ska [102] [ 103] En 1969, la culture noire et le rythme et le blues ont atteint une autre grande réussite lorsque les Grammys ont ajouté la catégorie Rhythm and Blues, donnant une reconnaissance académique à la catégorie . citation nécessaire ]

Dans les années 1970, le terme “rhythm and blues” était utilisé comme terme général pour la soul , le funk et le disco . [104]

années 1980 à aujourd’hui

À la fin des années 1980 et au début des années 1990, le hip-hop a commencé à captiver l’imagination de la jeunesse américaine. Le R&B a commencé à s’homogénéiser, avec un groupe de producteurs de haut niveau responsables de la plupart des succès R&B. Il était difficile pour les artistes R&B de l’époque de vendre leur musique ou même de faire entendre leur musique à cause de l’essor du hip-hop, mais certains ont adopté une image “hip-hop”, ont été commercialisés comme tels et ont souvent présenté des rappeurs sur leur Chansons. Des artistes plus récents tels que Usher , R. Kelly , Janet Jackson , TLC , Aaliyah , Destiny’s Child , Tevin Campbell et Mary J. Blige ont connu le succès. LA Reid , PDG deLaFace Records , était responsable de certains des plus grands succès du R&B dans les années 1990 sous la forme d’Usher, TLC et Toni Braxton . Plus tard, Reid a commercialisé avec succès Boyz II Men . [105] En 2004, 80% des chansons qui ont dominé les charts R&B étaient également au sommet du Hot 100. Cette période a été le sommet de tous les temps pour le R&B et le hip hop sur le Billboard Hot 100 et sur Top 40 Radio. [106] De 2005 à 2013 environ, les ventes de R&B ont diminué. [107] Cependant, depuis 2010, le hip-hop a commencé à s’inspirer du son R&B, choisissant d’adopter un son plus doux et plus doux qui intègre le R&B traditionnel avec des rappeurs tels que Drake, qui a ouvert une toute nouvelle porte pour le genre. Ce son a gagné en popularité et a créé une grande controverse pour le hip-hop et le R&B quant à la façon de l’identifier. [108]

Juifs dans le business fin du rhythm and blues

Selon l’écrivain juif, directeur de l’édition musicale et auteur-compositeur Arnold Shaw , dans les années 1940 aux États-Unis, il y avait généralement peu d’opportunités pour les Juifs dans le domaine des communications de masse contrôlé par le WASP , mais l’industrie de la musique était “grande ouverte aux Juifs en tant que c’était pour les noirs.” [109] Les Juifs ont joué un rôle clé dans le développement et la vulgarisation de la Musique afro-américaine, y compris le rythme et le blues, et le secteur du disque indépendant était dominé par de jeunes hommes juifs qui promouvaient les sons de la musique noire. [110]

Rhythm and blues britannique

Eric Burdon et les animaux (1964)

Le rhythm and blues britannique et le blues rock se sont développés au début des années 1960, en grande partie en réponse aux enregistrements d’artistes américains, souvent amenés par des militaires afro-américains stationnés en Grande-Bretagne ou des marins visitant des ports tels que Londres, Liverpool, Newcastle et Belfast. [111] [112] De nombreux groupes, en particulier dans la scène des clubs londoniens en développement, ont essayé d’imiter les interprètes de rythme et de blues noirs, ce qui a donné un son “plus brut” ou “plus granuleux” que les ” groupes de rythme ” plus populaires . [113] Au cours des années 1960, Geno Washington, les Foundations et les Equals ont remporté des succès pop. [114] De nombreux musiciens noirs britanniques ont aidé à former la scène R&B britannique. Ceux-ci comprenaient Geno Washington, un chanteur américain en poste en Angleterre avec l’armée de l’air. Il a été invité à rejoindre ce qui est devenu Geno Washington & the Ram Jam Band par le guitariste Pete Gage en 1965 et a apprécié les 40 meilleurs singles à succès et deux des 10 meilleurs albums avant que le groupe ne se sépare en 1969. [115] Un autre GI américain , Jimmy James , né en Jamaïque, a déménagé à Londres après deux succès locaux numéro un en 1960 avec The Vagabonds, qui s’est bâti une solide réputation en tant qu’acteur live. Ils ont sorti un album live et leurs débuts en studio, The New Religion, en 1966 et ont obtenu un succès modéré avec quelques singles avant que les Vagabonds originaux ne se séparent en 1970. [116] Musicien de blues rock blancAlexis Korner a formé le nouveau groupe de jazz rock CCS en 1970. [117] L’intérêt pour le blues influencerait les principaux musiciens de rock britanniques, dont Eric Clapton , Mick Taylor , Peter Green et John Mayall, les groupes Free et Cream ont adopté un intérêt pour un plus large gamme de styles rythmiques et blues. [113]

Les Rolling Stones sont devenus le deuxième groupe britannique le plus populaire (après les Beatles ) [118] et ont mené « l’invasion britannique » des charts pop américains. [113] Les Rolling Stones ont repris la chanson de Bobby Womack & the Valentinos [119] It’s All Over Now “, leur donnant leur premier numéro un britannique en 1964. [120] Sous l’influence du blues et du R&B, des groupes tels que les Rolling Stones , les Yardbirds et les Animals, et des groupes plus influencés par le jazz comme la Graham Bond Organization et Zoot Money , avaient des albums de soul aux yeux bleus [113] Parmi les musiciens blancs de R&B populaires au Royaume-Uni figuraient Steve Winwood, Frankie Miller, Scott Walker & the Walker Brothers, the Animals de Newcastle, [121] the Spencer Davis Group , et Van Morrison & Them de Belfast. [113] Aucun de ces groupes ne jouait exclusivement du rythme et du blues, mais il est resté au cœur de leurs premiers albums. [113]

Champion Jack Dupree était un pianiste de blues et de boogie woogie de la Nouvelle-Orléans qui a fait une tournée en Europe et s’y est installé à partir de 1960, vivant en Suisse et au Danemark, puis à Halifax, en Angleterre dans les années 1970 et 1980, avant de finalement s’installer en Allemagne. [122] Des années 70 aux années 80, Carl Douglas , Hot Chocolate, Délégation, Junior, Central Line, Princess, Jacki Graham, David Grant, les Loose Ends, les Pasadenas et Soul II Soul ont remporté des succès dans les charts pop ou R&B. [123] La musique de la sous- culture mod britannique est née du rythme et du blues et plus tard de la soul interprétée par des artistes qui n’étaient pas disponibles dans les petits clubs londoniens d’où la scène est née. [124]À la fin des années 60, The Who a interprété des chansons R&B américaines telles que le hit de Motown ” Heat Wave “, une chanson qui reflétait le style de vie des jeunes mods. [124] Beaucoup de ces groupes ont connu un succès national au Royaume-Uni, mais ont eu du mal à percer sur le marché américain de la musique. [124] Les groupes de R&B blancs britanniques ont produit une musique dont le ton était très différent de celui des artistes afro-américains. [113]

Voir également

Wikiquote a des citations liées au Rhythm and blues .
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  • Liste des musiciens R&B
  • Liste des artistes qui ont atteint le numéro un du classement Billboard R&B
  • Liste des succès rythmiques et blues numéro un (États-Unis)
  • Musique des États-Unis

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  121. ^ Gilliland 1969 , spectacle 29, piste 3.
  122. ^ T. Russell, The Blues: De Robert Johnson à Robert Cray (Londres: Carlton, 1997), ISBN 1-85868-255-X
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Plus de lecture et d’écoute

  • Gilliland, John (1969). « The Tribal Drum : La montée du rythme et du blues » (audio) . Chroniques pop . Bibliothèques de l’Université du nord du Texas .
  • Guralnick, Pierre . Sweet Soul Music: Rhythm and Blues et le rêve sudiste de liberté . Première éd. New York: Harper & Row, 1986. x, 438 p., ill., principalement avec photos n&b. ISBN 0-06-096049-3
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