Au poil

By Editors Team on June 20, 2022

Hunky Dory est le quatrième album studio du musicien anglais David Bowie , sorti le 17 décembre 1971 via RCA Records . Après la sortie de son album de 1970, The Man Who Sold the World , Bowie s’absente de l’enregistrement et des tournées. Il s’est installé pour écrire de nouvelles chansons, composant au piano plutôt qu’à la guitare comme sur les morceaux précédents. Après une tournée aux États-Unis, Bowie réunit un nouveau groupe d’accompagnement composé du guitariste Mick Ronson , du bassiste Trevor Bolder et du batteur Mick Woodmansey , et commença à enregistrer un nouvel album à la mi-1971 aux Trident Studios de Londres. Rick Wakeman , futurmembre du Yescontribué au piano. Bowie a coproduit l’album avec Ken Scott , qui avait conçu les deux disques précédents de Bowie.

Au poil
Couverture britannique
(La couverture américaine originale ne porte pas de titre.)
Album studio de David Bowie
Publié 17 décembre 1971 ( 1971-12-17 )
Enregistré 8 juin – 6 août 1971
Studio Trident , Londres
Le genre
  • Art-pop
  • pop Rock
Longueur 41 : 50
Étiqueter RCA
Producteur
  • Ken Scott
  • David Bowie
Chronologie de David Bowie
L’homme qui a vendu le monde
(1970)		 Beau Dory
(1971)		 L’ascension et la chute de Ziggy Stardust et les araignées de Mars
(1972)
Célibataires de Hunky Dory
  1. ” Changes ” / ” Andy Warhol “
    Sortie : 7 janvier 1972
  2. « La vie sur Mars ? »
    Sortie : 22 juin 1973

Comparé au son hard rock à la guitare de The Man Who Sold the World , Bowie a opté pour un style pop rock et art pop plus chaud et mélodique basé sur le piano sur Hunky Dory . Ses préoccupations lyriques sur le disque vont de la nature compulsive de la réinvention artistique sur ” Changes “, à l’ Occultisme et à la philosophie nietzschéenne sur ” Oh! You Pretty Things ” et ” Quicksand “; plusieurs chansons font des références culturelles et littéraires. Il s’est également inspiré de sa tournée aux États-Unis pour écrire des chansons dédiées à trois icônes américaines : Andy Warhol , Bob Dylan etLou Reed . La chanson « Kooks » était dédiée au fils nouveau-né de Bowie, Duncan . La pochette de l’album, photographiée en monochrome puis recolorée, présente Bowie dans une pose inspirée des actrices de l’ âge d’or d’Hollywood .

À sa sortie, Hunky Dory et son premier single ” Changes ” ont reçu peu de promotion de RCA qui craignait que Bowie ne transforme son image sous peu. Ainsi, malgré des critiques très positives de la presse musicale britannique et américaine, l’album s’est initialement mal vendu et n’a pas réussi à se classer. Ce n’est qu’après la percée commerciale de l’album de suivi de Bowie en 1972 The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars que Hunky Dory lui-même est devenu un succès commercial, culminant à la troisième place du UK Albums Chart . Rétrospectivement, Hunky Dorya été acclamé par la critique comme l’une des meilleures œuvres de Bowie et figure sur plusieurs listes des plus grands albums de tous les temps. Dans le cadre de sa carrière, il est considéré comme l’album où “Bowie commence à devenir Bowie”, découvrant définitivement sa voix et son style. [1]

Arrière-plan

Après que David Bowie ait terminé son troisième album studio, The Man Who Sold the World , en mai 1970, il est devenu moins actif en studio et sur scène. Son contrat avec l’éditeur de musique Essex avait expiré et son nouveau manager Tony Defries faisait face à des défis contractuels antérieurs. [2] [3] Bowie était également sans groupe de soutien, car les musiciens de The Man Who Sold the World – y compris son producteur et bassiste Tony Visconti , le guitariste Mick Ronson et le batteur Mick Woodmansey – sont partis en août 1970 en raison de conflits personnels avec l’artiste. [2] [3] Après avoir entendu une démo de Bowie “Holy Holy “, enregistré à l’automne 1970, Defries signa un contrat avec Chrysalis , mais limita par la suite son travail avec Bowie pour se concentrer sur d’autres projets. Bowie, qui se consacrait à l’écriture de chansons, se tourna vers le partenaire de Chrysalis, Bob Grace, qui aimait la démo de “Holy Holy” et a ensuite réservé du temps dans les studios de Radio Luxembourg à Londres pour que Bowie enregistre ses démos [2] [4] “Holy Holy”, enregistré en novembre 1970 et sorti en single en janvier 1971, fut un flop commercial [5] [6]

Tout l’ album de Hunky Dory reflétait mon nouvel enthousiasme pour ce nouveau continent qui s’était ouvert à moi. C’était la première fois qu’une vraie situation extérieure m’affectait à 100% au point de changer ma façon d’écrire et de voir les choses. [7]

– David Bowie discutant de l’impact de l’Amérique sur l’album, 1999

L’homme qui a vendu le monde est sorti aux États-Unis via Mercury Records en novembre 1970. [6] L’album s’est mal vendu mais s’est mieux comporté tant sur le plan critique que commercial aux États-Unis qu’au Royaume-Uni. [3] Il a été joué fréquemment sur les stations de radio américaines et son “contenu rock lourd” a accru l’intérêt pour Bowie. [8] Le succès critique de l’album a incité Mercury à envoyer Bowie en tournée radiophonique promotionnelle aux États-Unis en février 1971. [9] Le voyage l’a inspiré à écrire des chansons hommage à trois icônes américaines : l’artiste Andy Warhol , l’auteur-compositeur-interprète Bob Dylan et le groupe de rock Velvet Underground, plus précisément leur chanteur Lou Reed . [7] [10] Après la tournée, Bowie est retourné à son appartement à Haddon Hall, Beckenham , où il a enregistré plusieurs de ses démos du début des années 1970 et a commencé à écrire. [11] Selon sa femme d’alors Angela , Bowie avait passé du temps à composer des chansons au piano plutôt qu’à la guitare acoustique, ce qui “infuserait la saveur du nouvel album”. [3] Au total, il y a composé plus de trois douzaines de chansons, dont beaucoup apparaîtraient sur Hunky Dory et son album de suivi The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars . [12] La première chanson que Bowie a écrite pour Hunky Doryétait ” Oh! You Pretty Things ” en janvier 1971. Après avoir enregistré sa démo à Radio Luxembourg, Bowie donna la cassette à Grace, qui la montra à Peter Noone des Herman’s Hermits . Noone a décidé d’enregistrer sa propre version et de la sortir comme son premier single. [3] [13]

Sorti en avril 1971, la version de Noone de “Oh! You Pretty Things” fut un succès commercial, culminant à la 12e place du UK Singles Chart . C’était la première fois que la plupart des auditeurs entendaient parler de Bowie depuis ” Space Oddity ” (1969). [14] [9] Noone a dit à NME : “Mon point de vue est que David Bowie est le meilleur écrivain en Grande-Bretagne en ce moment… certainement le meilleur depuis Lennon et McCartney .” [15] Suite au succès du single, Defries a cherché à sortir Bowie de son contrat avec Mercury, [2] [3]qui devait expirer en juin 1971. Defries a estimé que Mercury n’avait pas rendu justice financièrement à Bowie. Bien que Mercury ait eu l’intention de le renouveler à des conditions améliorées, Defries a forcé le label à résilier le contrat en mai en menaçant de livrer un album de mauvaise qualité. Defries a ensuite remboursé les dettes de Bowie envers Mercury via Gem Productions, et le label a cédé ses droits d’auteur sur David Bowie (1969) et The Man Who Sold the World . [3]

Écriture et enregistrement

Après la fermeture de son groupe éphémère Arnold Corns en février, Bowie retourna en studio en mai 1971 pour enregistrer son prochain album. [16] Il a conclu qu’il ne pouvait pas faire le projet sans Ronson, [3] qui était enthousiaste quand Bowie l’a contacté pour la première fois en neuf mois. Woodmansey est revenu avec Ronson, qui a commencé à chercher un bassiste pour remplacer Visconti. Ronson a d’abord suggéré Rick Kemp , avec qui Bowie avait enregistré au milieu des années 1960, mais Bowie n’a pas été impressionné par l’audition de Kemp à Haddon Hall. Selon certains rapports, selon le biographe Nicholas Pegg , c’est Defries qui a rejeté Kemp, à cause de sa « chute des cheveux ». [3] Ronson a alors suggéré sa connaissanceTrevor Bolder , un ancien coiffeur et accordeur de piano qui avait déjà vu Bowie en concert en 1970 et rencontré Ronson au Haddon Hall. [3] [16] Après que Bolder ait été embauché, le trio s’est regroupé à Haddon pour répéter une partie du nouveau matériel de Bowie, comme la chanson ” Andy Warhol “. [3] Bowie et son nouveau trio de soutien, bientôt nommés les Araignées de Mars , ont joué pour la première fois le 3 juin dans l’émission de radio In Concert du DJ John Peel de la BBC . L’ensemble comprenait les premières performances de plusieurs chansons que Bowie avait récemment écrites telles que ” Queen Bitch “, ” Bombers “, ” Song for Bob Dylan” et ” Andy Warhol “. Le titre ” Hunky Dory ” a également été annoncé lors de cette session. [16] [17]

Coproducteur Ken Scott en 2014

Bowie et les futures Spiders ont officiellement commencé à travailler sur le nouvel album aux Trident Studios de Londres le 8 juin 1971. [16] Ken Scott , qui avait conçu les deux disques précédents de Bowie, a été embauché pour coproduire à ses côtés. [1] Scott a accepté le poste comme un moyen d’acquérir de l’expérience, bien qu’à l’époque il ne croyait pas que Bowie deviendrait une grande star. [18] Ses débuts en tant que producteur, Scott emprunterait certains des sons acoustiques de All Things Must Pass (1970) de George Harrison , un album qu’il a conçu. [3] [19] Scott conserverait le rôle de coproducteur pour les trois disques suivants de Bowie : Ziggy Stardust ,Aladdin Sane et Pin Ups . [10] Bowie a joué des démos pour Scott et les deux ont choisi lesquelles seraient enregistrées pour l’album. [19] Le 8 juin, le groupe a enregistré “Song for Bob Dylan”, [16] bien que selon Pegg cette version ait été abandonnée et la version publiée n’a été enregistrée que le 23 juin. [3] Scott a rappelé plus tard que l’enregistrement est allé très vite : “Presque tout a été fait dans une prise.” [16] Il a été surpris quand lui et les Spiders pensaient qu’une partie vocale ou de guitare avait besoin d’être réenregistrée, mais Bowie disait “Non, attendez, écoutez”, et quand tout était joué simultanément, cela sonnerait parfait. [19]Concernant le talent de Bowie en tant que chanteur, Scott a déclaré: “Il était unique. [Il est] le seul chanteur avec qui j’ai jamais travaillé où pratiquement chaque prise était un maître.” [18] Bolder a décrit l’enregistrement avec Bowie pour la première fois comme une “expérience éprouvante pour les nerfs”, en disant: “Quand cette lumière rouge s’est allumée dans le studio, c’était, Dieu, au fond de quoi!” [16] En tant que coproducteur, Bowie s’est activement intéressé au son et aux arrangements de l’album, une volte-face par rapport à son attitude généralement passive pendant les sessions de Man Who Sold the World . [2] [3]

Rick Wakeman (photographié en 2012) , dont le piano a grandement influencé les chansons

Le claviériste Rick Wakeman , musicien de session noté et membre des Strawbs , [3] joue du piano sur l’album; [19] il a joué auparavant Mellotron sur David Bowie (1969). [20] En 1995, il se souvient qu’il a rencontré Bowie fin juin 1971 à Haddon Hall, où il a entendu des démos de “Changes” et ” Life on Mars? ” dans “leur éclat brut … la meilleure sélection de chansons que j’ai jamais entendu en une seule séance de toute ma vie… J’avais hâte d’entrer en studio et de les enregistrer.” [21] Le piano joué par Wakeman était le même Bechstein de 1898 utilisé par Paul McCartneypour « Hey Jude » et plus tard par Queen pour « Bohemian Rhapsody ». [3] Selon Wakeman, les premières sessions ont commencé mal car le groupe n’avait pas appris les chansons. Il a rappelé que Bowie devait interrompre les sessions, dire aux musiciens et revenir quand ils connaissaient la musique. Quand ils sont revenus après une semaine, Wakeman a pensé que “le groupe était chaud! Ils étaient si bons, et les morceaux ont juste coulé.” [3]Cette histoire a été contestée par d’autres membres du groupe, dont Bolder, qui a déclaré au biographe Kevin Cann : “[C’est] des ordures. David n’aurait jamais dénoncé le groupe en studio. Surtout que Mick et Woody l’avaient déjà quitté une fois, et tout le monde commençait maintenant. Le groupe n’aurait pas survécu à cela – cela ne s’est certainement pas produit. Scott a affirmé: “Je ne m’en souviens certainement pas, et ce n’est pas quelque chose que j’oublierais. Je contesterais certainement celui-là.” [3] [21]

Avec Wakeman dans le line-up, le 9 juillet, Bowie et son groupe ont enregistré deux prises de ” Bombers ” et ” It Ain’t Easy “, ce dernier avec des chœurs de Dana Gillespie . Cinq jours plus tard, le 14 juillet, le groupe enregistre quatre prises de ” Quicksand “, dont la dernière apparaît sur l’album fini. [21] Le 18 juillet, le groupe a passé la journée à répéter et à mixer. D’autres sessions de mixage ont eu lieu entre le 21 et le 26 juillet pour compiler un album promotionnel pour Gem Productions. À ce stade, les chansons “Oh! You Pretty Things”, “Eight Line Poem”, “Kooks”, “Queen Bitch” et “Andy Warhol” avaient été enregistrées; les mélanges de “Eight Line Poem” et “Kooks” sur l’album promotionnel différaient des versions finales sur Hunky Dory . [21]Deux prises de « The Bewlay Brothers » ont été enregistrées le 30 juillet, la seconde apparaissant sur l’album final ; il a été enregistré sur une bande contenant des versions abandonnées de “Song for Bob Dylan” et “Fill Your Heart”. [21] Le 6 août, le groupe a enregistré “Life on Mars?” et “Song for Bob Dylan”, après quoi le processus d’enregistrement a été considéré comme terminé. [a] Avant la fin des sessions, Bowie a demandé à Wakeman s’il voulait faire partie des Araignées de Mars. Wakeman a refusé et a rejoint le groupe de rock progressif Yes à la place. [21]

Chansons

Après le son hard rock de The Man Who Sold the World , Hunky Dory propose un changement stylistique de Bowie vers l’ art pop et le pop rock mélodique . [24] Les chansons sont principalement dirigées par un piano plutôt que par une guitare. [3] Le biographe Marc Spitz pense que le piano incite à une sensation plus chaleureuse sur ce disque par rapport à ses deux prédécesseurs. [12] Le biographe Christopher Sandford déclare que “les chansons [sont] caractérisées par l’ambiance luxuriante établie par la voix et le piano de Bowie” et, avec Elton John et Phil Collins, a aidé à créer de la musique sur le “continuum de l’écoute facile”. [25] Lior Phillips de Consequence of Sound a écrit que les chansons sont accessibles, à la fois musicalement et lyriquement, permettant à l’auditeur de les disséquer encore et encore. [26] Le journaliste musical Peter Doggett est d’accord, considérant Hunky Dory comme “un collectif de chansons pop attrayantes et accessibles, à travers lesquelles Bowie a testé ses sentiments sur la nature de la célébrité et du pouvoir”. [27] Rick Quinn a décrit les chansons de PopMatters comme une fusion de “pop britannique, d’œuvres orchestrales, d’art-rock , de folk et de ballades” qui émergent pour former du glam rock . [28]

Robert Dimery, dans son livre 1001 Albums You Must Hear Before You Die , l’appelle “un coffre à jouets de bizarreries acoustiques, d’hommages aux héros et de surréalisme”. [29] Stephen Thomas Erlewine d’ AllMusic le décrit comme “un éventail kaléidoscopique de styles pop, liés uniquement par le sens de la vision de Bowie : un mélange cinématographique radical d’art haut et bas, de sexualité ambiguë, de kitsch et de classe”. [30] Michael Gallucci d’ Ultimate Classic Rock note que c’est le premier disque de Bowie à inclure “un mélange de pop, de glam, d’art et de folk enveloppé dans une pose ambisexuelle qui viendrait définir l’artiste.” [1] James Perone décrit également l’album comme “un mélange unique de folk, pop, glam,rock progressif » qui distinguait Bowie des autres musiciens de l’époque. [31] Peter Ormerod de The Guardian écrit que la musique de Hunky Dory célèbre « l’incertitude, le déracinement, le chaos intérieur, la différence, l’altérité, le doute et l’impermanence » et l’a fait avec « beauté, style et charisme”. [32]

Côté un

Le refrain de “Changes” ( 0 : 21 ) 0:21 Le refrain de “Changes” présente Bowie bégayant le “ch” au début du mot “changes”. [19] La piste dirigée par le piano diffère largement de la musique trouvée dans les travaux précédents de Bowie. [22]

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Le morceau d’ouverture, ” Changes “, est construit autour d’un riff de piano distinctif. [22] Les paroles se concentrent sur la nature compulsive de la réinvention artistique et sur l’éloignement du courant dominant du rock. [19] Le biographe David Buckley écrit que “la fascination étrange” est une expression qui “incarne une quête continue pour le nouveau et le bizarre”. [19] Pegg résume les paroles comme Bowie “tenant un miroir sur son visage” juste au moment où il est sur le point d’atteindre la célébrité. [33] Les paroles ont contribué à ce qu’il soit surnommé le ” caméléon du rock” et l’un des plus grands innovateurs du rock. [19] [34]Doggett note que “Changes” est une “déclaration d’intention”: en tant que morceau d’ouverture, la chanson offrait un contraste frappant avec le son hard rock de son prédécesseur. La chanson était également différente de “Space Oddity” et de son album parent de 1969, mais plutôt “une pop pure, mélodique sans vergogne, joyeusement commerciale, magnifiquement mélodieuse”. [22]

“Oh! You Pretty Things” a été le premier morceau écrit pour l’album. [14] Le style de piano a été comparé au ” Martha My Dear ” des Beatles . [19] [35] Le biographe Chris O’Leary écrit que Bowie a joué du piano seul sur la piste. [23] Wakeman a affirmé dans une interview à la BBC en 2017 que Bowie jouait du piano dans la section de début avant de prendre le relais pour le reste de la piste. [36] [37] Les paroles font référence aux enseignements de l’occultiste Aleister Crowley et de son Aube dorée et du philosophe Friedrich Nietzsche, notamment avec les lignées “l’homo supérieur”, “les dorés” et “l’homo sapiens ont dépassé leur usage”. [19] “Homo Superior” fait référence à la théorie de Nietzsche d’ Übermensch , ou “Superman”. [14] La musique elle-même offre un contraste avec les thèmes plus sombres. Doggett décrit la performance vocale de Bowie comme “assez sans fioritures, présentée de manière si brutale … qu’elle [est] presque troublante”. [38]

Conçu pour sonner comme une “continuation” de la piste précédente, [22] “Eight Line Poem” est décrit par Pegg comme la chanson la plus “négligée” de l’album. [39] Il présente Bowie sur un piano doux et sporadique pendant qu’il chante et une ligne de guitare influencée par le pays de Ronson. [23] [39] Exactement huit lignes de long, [22] les paroles décrivent une pièce où un chat vient de renverser un mobile en rotation et un cactus est assis dans une fenêtre. [40] Doggett croit qu’il y a une métaphore entre le cactus et une prairie. [22] Au moment de la sortie de l’album, Bowie a décrit la chanson comme la ville qui est “une sorte de verrue de grande vie à l’arrière de la prairie”.

« La vie sur Mars ? » est décrite par Buckley comme une « ballade planante et cinématographique ». [19] Bien que Bowie était déterminé à devenir Ziggy Stardust au moment de son enregistrement, la chanson n’a aucun lien avec Mars elle-même ; le titre faisait référence à la récente frénésie médiatique des États-Unis et de l’Union soviétique en course pour se rendre sur la planète rouge. [22] La chanson est une parodie de ” My Way ” du chanteur Frank Sinatra [19] et utilise la même séquence d’accords pour ses mesures d’ouverture. Les notes manuscrites au dos de la couverture indiquent “Inspiré par Frankie”. [22] [41]Comme la plupart des chansons de l’album, “Life on Mars?” est principalement dirigé par un piano, mais présente un arrangement de cordes de Ronson – son premier [41] – qui est décrit par Doggett comme “gargantuesque”. [22] La voix de Bowie – enregistrée en une seule prise – est prononcée avec passion pendant le refrain et presque nasillarde dans les couplets. [19] [22] Il mentionne “la fille aux cheveux mousy”, dont les commentateurs d’identité ont débattu, [b] [41] et qui selon Greene “va au cinéma comme une évasion de la vie”. [7]

“Kooks” est un hommage au fils de Bowie, Duncan Jones (photographié en 2015) .

Quelques jours après la naissance de son fils Duncan Zowie Haywood Jones le 30 mai 1971, Bowie achève « Kooks » et le lui dédie. Interprétée par Bowie dès le 3 juin, la version Hunky Dory présente un arrangement de cordes de Ronson et une trompette jouée par Bolder. [42] « Kooks » est sensiblement plus léger que les deux morceaux entre lesquels il est séquencé mais, selon Pegg, « porte en fin de compte une allusion à la préoccupation [de l’album] avec la compulsion de fictionnaliser la vie, alors que Bowie invite son fils à « rester dans l’histoire de nos amants'”. [42] Doggett écrit que son inclusion sur Hunky Dory“a assuré son attrait durable parmi ceux qui étaient moins fascinés par ses explorations de la politique, de la psychologie et de l’occulte ailleurs sur l’album”. [43] Dans les notes de doublure manuscrites sur la pochette du LP, Bowie a écrit “For Small Z”. [23]

Selon Pegg, “Quicksand” a été inspiré par le voyage de Bowie en Amérique en février 1971. [44] Doggett déclare que la chanson “a été écrite sur un manque d’inspiration et comme un moyen d’ y accéder “. L’écrivain Colin Wilson a écrit dans The Occult (1971) que la pensée était une forme de sables mouvants qui permettait à la conscience de garder l’inconscient hors de portée, d’où Doggett a conclu que ” ” Quicksand “était le plaidoyer de Bowie pour chercher en lui-même pour montrer le chemin”. [22] Au milieu des années 1970, Bowie a décrit la chanson comme “un mélange de narration et de surréalisme” et un “précurseur”. Tout au long du morceau, Bowie fait de nombreuses références à Crowley et sa Golden Dawn, Winston Churchill , Heinrich Himmler et les « surhommes » de Friedrich Nietzsche. [22] [44] « Sables mouvants » évoque également le spiritisme à travers la mention d’ enseignements bouddhistes tels que le bardo . [44] La piste instrumentale présente plusieurs couches de guitares acoustiques les unes sur les autres, [19] ce qui a été fait sur l’insistance de Scott. [44]

Côté deux

“Fill Your Heart”, écrit par Biff Rose et Paul Williams , est le seul morceau de Hunky Dory non écrit par Bowie; [45] c’est sa première reprise enregistrée en six ans. [46] Il a remplacé “Bombers” comme ouverture du côté deux à la fin du développement de l’album. “Fill Your Heart” est l’un des morceaux les plus rythmés de l’album, [45] et selon Doggett est “pratiquement identique” à la version originale de Rose, bien que plus “rebondissant” et moins “swung”. [47]L’arrangement au piano diffère des performances live de Bowie de la chanson en 1970 lorsque la guitare acoustique dominait. Pegg écrit que le morceau fournit un “contrepoint convaincant” à “l’angoisse” de “Quicksand” et aux “avertissements” de “Changes” et est surtout connu pour la pause de saxophone de Bowie, l’arrangement de cordes de Ronson et le solo de piano de Wakeman. [45]

Andy Warhol , entre 1966 et 1977

La chanson “Andy Warhol” est un hommage à l’artiste, producteur et réalisateur américain Andy Warhol, [19] qui avait inspiré Bowie depuis le milieu des années 1960 et a été décrit par lui comme “l’un des leaders” des “médias du rues, messages de rue”. [48] ​​Écrite à l’origine pour l’amie de Bowie, Dana Gillespie, [49] la chanson est basée sur un riff joué sur deux guitares acoustiques qui ressemble fortement à l’intro de “Silent Song Across the Land” de Ron Davies . [50] Les paroles soulignent la conviction de Warhol que la vie et l’art se confondent. [48] ​​L’ouverture de la chanson présente Ken Scott disant “C’est ‘Andy Warhol’, et ça en prend un”, seulement pour que Bowie corrige sa prononciation de “Warhol”. [12][50] Quand Bowie rencontra Warhol en septembre 1971 et lui joua la chanson, Warhol la détesta et quitta la pièce ; Bowie a rappelé en 1997 qu’il avait trouvé la rencontre “fascinante” car Warhol n’avait “rien à dire du tout, absolument rien”. [50]

“Song for Bob Dylan” est une chanson hommage à l’auteur-compositeur-interprète Bob Dylan. [19] Il a été décrit par Bowie à l’époque comme “comment certains voient la BD”, et son titre est une parodie de l’hommage rendu par Dylan en 1962 au chanteur folk Woody Guthrie , ” Song to Woody “. [51] Tout au long de la chanson, Bowie s’adresse à Dylan par son vrai nom “Robert Zimmerman”. [52] Pegg et Doggett croient que la chanson met en évidence la lutte de Bowie avec l’identité, de son vrai nom David Jones, à son nom de scène David Bowie et, très prochainement, à Ziggy Stardust. [51] [52] Les paroles présentent spécifiquement Dylan comme n’étant plus une figure héroïque de la musique rock,[19] [51] Selon Doggett, Bowie l’a initialement écrit pour son ami George Underwood. [52] La musique contient des changements d’accord Dylanesque et le refrain est dérivé des titres de deux chansons de Velvet Underground, “Here She Comes Now” et “There She Goes Again”. Buckley écrit que la chanson est “probablement la plus faible” de l’album et Pegg la considère “peu considérée”. [19] [51]

Le Velvet Underground en 1968

La dernière chanson hommage de l’album, “Queen Bitch”, est largement inspirée du groupe de rock Velvet Underground, en particulier de leur chanteur principal Lou Reed. [19] Les notes manuscrites de la pochette sur la couverture arrière indiquaient: “certains VU White Light sont revenus avec des remerciements”. [53] La chanson est décrite par Jon Savage de The Guardian comme glam rock et par Joe Lynch de Billboard comme proto-punk . [54] [55] Contrairement à la majorité des pistes de l’album, “Queen Bitch” est principalement conduit par la guitare plutôt que par le piano. [53] Le chœur chante à propos de Bowie hachant son “satin and tat”. Pegg déclare : “Une partie du génie de ‘Queen Bitch’ est qu’il filtre l’arrogance de Marc Bolan et de Kemp à travers l’attitude streetwise de Reed : c’est une chanson qui réussit à rendre l’expression ‘bipperty-bopperty hat’ torride et frais.” [53] Daryl Easlea de BBC Music écrit que le son glam rock de la chanson préfigurait la direction que Bowie allait prendre sur Ziggy Stardust . [56]

[C’est] une autre pièce vaguement anecdotique sur mes sentiments envers moi-même et mon frère, ou mon autre sosie. Je n’ai jamais été tout à fait sûr de la position réelle de Terry dans ma vie, si Terry était une vraie personne ou si je faisais en fait référence à une autre partie de moi, et je pense que ‘Bewlay Brothers’ était vraiment à ce sujet.” [57]

– David Bowie décrivant “The Bewlay Brothers”, dans le documentaire de la BBC Golden Years

L’album plus proche, “The Bewlay Brothers”, était un ajout tardif et le seul morceau qui n’a pas été démo. [57] L’instrumentation fait écho à la musique de The Man Who Sold the World , avec des effets sonores “sinistres” et la voix de Bowie accompagnée de la guitare acoustique de Ronson. [19] [57] Les paroles obscures de la chanson ont semé la confusion parmi les biographes et les fans de Bowie. [22] Immédiatement avant la prise vocale, Bowie a dit à Scott : “N’écoute pas les mots, ils ne veulent rien dire.” [18] Pegg le décrit comme “probablement l’enregistrement Bowie le plus mystérieux, mystérieux, insondable et carrément effrayant qui existe”, [57]et Buckley le considère comme “l’un des moments les plus inquiétants de Bowie sur bande, une encapsulation d’une qualité lointaine et indéfinissable de terreur expressionniste”. [19] De nombreux critiques ont perçu que la piste avait des nuances homoérotiques; d’autres pensaient qu’il s’agissait de la relation de Bowie avec son demi-frère Schizophrène Terry Burns, ce que Bowie a confirmé en 1977. [57] Buckley ne sait pas si ce récit est fictif ou réel. Certaines des paroles font référence à d’autres morceaux de Hunky Dory , notamment “Song for Bob Dylan”, “Oh! You Pretty Things” et “Changes”. Bowie utilise également le mot “caméléon” dans la chanson, qui est devenu un terme souvent utilisé pour le décrire. [19] [57]

Titre et illustration

La photo de couverture a été prise par Brian Ward, qui a été présenté à Bowie par Bob Grace au studio de Ward à Heddon Street . Une première idée était que Bowie se déguise en pharaon , en partie inspirée par l’engouement des médias pour la nouvelle exposition Toutankhamon du British Museum . [3] Selon Pegg, des photos de Bowie posant “comme un sphinx et dans une position de lotus” ont été prises – une a été publiée dans le cadre de la réédition de Space Oddity en 1990 – mais l’idée a finalement été abandonnée. Bowie a rappelé: “Nous n’avons pas couru avec, comme on dit. Probablement une bonne idée.” [3]Bowie a opté pour une image plus minimaliste reflétant la “préoccupation du grand écran” de l’album. Il a dit plus tard: “J’étais dans des sacs Oxford, et il y en a une paire, en effet, au dos de l’album. [J’essayais] ce que je supposais être une sorte de look Evelyn Waugh Oxbridge.” [3] L’image finale est un gros plan de Bowie regardant devant la caméra pendant qu’il tire ses cheveux en arrière. Pegg écrit que sa pose a été influencée par les actrices Lauren Bacall et Greta Garbo . [3] Prise à l’origine en monochrome, l’image a été recolorée par l’illustrateur Terry Pastor, partenaire de Covent Gardenle studio de design Main Artery récemment lancé avec George Underwood ; Pastor a ensuite conçu la couverture et la pochette de Ziggy Stardust . Pegg écrit: “La décision de Bowie d’utiliser une photo recolorée suggère une carte de lobby teintée à la main de l’époque du cinéma muet et, simultanément, les célèbres sérigraphies Marilyn Diptych de Warhol.” [3] Dimery écrit que Bowie a pris un livre photo qui contenait plusieurs tirages de Marlene Dietrich avec lui pour la séance photo. [29] [58]

Bien que Bowie ait normalement attendu pour nommer ses albums jusqu’au dernier moment possible, le titre “Hunky Dory” a été annoncé lors de la session John Peel. Grace a eu l’idée d’un propriétaire de pub Esher . Il a dit à Peter et Leni Gillman, les auteurs d’ Alias ​​David Bowie , que le propriétaire avait un vocabulaire inhabituel qui était imprégné de “jargon de la croûte supérieure” comme “prang” et “whizzo” et “tout va bien”. Grace l’a dit à Bowie, qui a adoré. Pegg note qu’il y avait une chanson de 1957 du groupe de doo-wop américain The Guytones également intitulée “Hunky Dory” qui a peut-être également joué un rôle. [3] Spitz déclare que “hunky-dory” est un terme d’argot anglais qui signifie que tout va bien dans le monde.La couverture britannique originale comportait le nom de Bowie et le titre de l’album; aux États-Unis, le titre était plutôt imprimé sur un autocollant et placé sur l’emballage translucide. Selon Cann, les premiers pressages britanniques ont été laminés, ce qui a amélioré la couleur pour créer une “finition supérieure”; ces pressages sont maintenant des objets de collection. La couverture arrière comportait des notes manuscrites de Bowie sur chaque chanson de l’album. [10] Il portait également le crédit “Produit par Ken Scott (assisté par l’acteur)” – “l’acteur” étant Bowie lui-même, dont la “vanité animale”, selon les mots des critiques du NME Roy Carr et Charles Shaar Murray , était ” se considérer comme un acteur ». [59]

Libérer

De gauche à droite : Dana Gillespie , Tony Defries et David Bowie à Andy Warhol’s Pork au Roundhouse de Londres en 1971.

Quelques mois après avoir mis fin au contrat de Bowie avec Mercury, Defries a présenté le Hunky Dory nouvellement enregistré à plusieurs labels aux États-Unis, dont RCA Records de New York . Defries a déclaré à RCA qu’ils “n’avaient rien depuis les années 50” mais qu’ils pouvaient “posséder les années 70” s’ils embauchaient Bowie. “Parce que David Bowie va refaire la décennie, tout comme les Beatles l’ont fait dans les années soixante.” [60] Son chef Dennis Katz n’avait jamais entendu parler de Bowie mais a reconnu le potentiel des chansons au piano que Defries jouait pour lui et a signé avec l’artiste un contrat de trois disques le 9 septembre 1971; RCA serait le label de Bowie pour le reste de la décennie. [61] [62]

Hunky Dory est sorti le 17 décembre 1971 via RCA. [c] [1] [63] [64] À cette époque, les séances pour Ziggy Stardust étaient en cours. [63] La sortie de l’album a été soutenue par le single ” Changes ” le 7 janvier 1972. [23] L’album a reçu peu de promotion de RCA en raison de son image de couverture inhabituelle et d’un avertissement que Bowie changerait son image pour son prochain album. Pegg écrit qu’il y avait des désaccords sur le montant d’argent investi dans l’album et si Bowie était une “merveille à succès non prouvée”. [3]Le directeur marketing Geoff Hannington a rappelé en 1986: “Nous avons vite su que nous étions dans une situation où l’artiste allait changer comme un caméléon de temps en temps.” [63] Pour cette raison, l’album s’est d’abord mal vendu et n’a pas réussi à casser le UK Albums Chart . [65] Selon Sandford, l’album s’est vendu à peine à 5 000 exemplaires au premier trimestre. [66]

Ce n’est qu’après la percée de Ziggy Stardust à la mi-1972 que Hunky Dory est devenu un succès commercial. Il a grimpé au numéro trois au Royaume-Uni (deux places plus haut que Ziggy Stardust ), [3] [67] et est resté sur le graphique pendant 69 semaines. [68] Hunky Dory a également culminé au numéro 39 du Kent Music Report en Australie. [69] Gallucci écrit que bien que l’album n’ait pas fait de Bowie une star, il “l’a fait remarquer”, et le succès de Ziggy Stardust a aidé Hunky Dory à attirer un public plus large. [1] RCA a publié “Life on Mars?” en single le 22 juin 1973, [23]qui a également fait le numéro trois en Grande-Bretagne. [70] Une réédition a renvoyé l’album au classement britannique en janvier 1981, où il est resté pendant 51 semaines. [68]

Réception critique

Évaluations professionnelles rétrospectives
Réviser les notes
La source Évaluation
Toute la musique [30]
Mixeur [71]
Tribune de Chicago [72]
Guide des archives de Christgau A− [73]
Rock classique [74]
Encyclopédie de la musique populaire [75]
Fourche 10/10 [76]
Pierre roulante [77]
Le guide des albums Rolling Stone [78]
Tournoyer [79]
Guide d’enregistrement alternatif de Spin 9/10 [80]

Hunky Dory a reçu des critiques très positives de plusieurs publications britanniques et américaines. [3] [59] Melody Maker l’a appelé “le morceau d’écriture de chanson le plus inventif à être apparu sur disque depuis un temps considérable”, tandis que Danny Holloway de NME l’a décrit comme Bowie “à son meilleur brillant”. [3] [81] Holloway a ajouté que “[ Hunky Dory est] une bouffée d’air frais par rapport à l’album de rock traditionnel habituel de [1972]. Il est très possible que ce soit l’album le plus important d’un artiste émergent en 1972, parce qu’il ne suit pas les tendances – il les définit”. [81] Aux États-Unis, John Mendelsohn de Rolling Stonea qualifié l’album de “l’album le plus engageant musicalement” de Bowie jusque-là et a loué son écriture, en particulier sa capacité à transmettre des idées sans utiliser “un barrage de verbiage apparemment imprenable”. [82] Billboard a donné à l’album une critique positive, le louant comme “un début lourd pour RCA, chargé du genre d’appel Top 40 et FM qui devrait le percer dans les charts. Un matériel solide, le sien, pour la programmation comprend ‘Changes’, ‘Oh! You Pretty Things’ et ‘Life on Mars?'”. [83]

Plusieurs critiques ont fait l’éloge de Bowie en tant qu’artiste. Le New York Times a écrit qu’avec Hunky Dory , Bowie est devenu “l’homme le plus brillant intellectuellement à avoir choisi l’album de longue durée comme moyen d’expression”, tandis que le magazine Rock l’a appelé “l’artiste le plus singulièrement doué qui fait de la musique aujourd’hui. Il a le génie d’être dans les années 70 ce que Lennon, McCartney, Jagger et Dylan étaient dans les années 60.” [3] Dans The Village Voice , Robert Christgau a salué Bowie comme “un chanteur-compositeur avec un cerveau, de l’imagination et une bonne idée de la façon d’utiliser une console d’enregistrement”, et l’album “un tour de force rapide qui est à la fois accrocheur et profondément ressenti”. [84]

Rétrospectivement, Hunky Dory a été acclamé par la critique et est considéré comme l’une des meilleures œuvres de Bowie. De nombreux critiques ont fait l’éloge de l’écriture de chansons, un écrivain de Blender qualifiant les chansons de certaines des meilleures que Bowie ait jamais écrites. [71] D’autres, dont Bryan Wawzenek de Ultimate Classic Rock , ont salué le large éventail de genres présents dans les chansons et leur capacité à se mélanger tout au long. [85] Erlewine a écrit : “En surface, [avoir] un si large éventail de styles et de sons rendrait un album incohérent, mais l’écriture améliorée de Bowie et son sens déterminé du style ont plutôt fait de Hunky Doryune pierre de touche pour réinterpréter les traditions de la pop dans une musique pop fraîche et postmoderne”. [30] De même, Greg Kot du Chicago Tribune a décrit l’album comme “le premier avant-goût du génie aux multiples facettes de Bowie”. [72]

Dans un sondage auprès des lecteurs de Rolling Stone en 2013 , Hunky Dory a été élu deuxième meilleur album de Bowie, derrière Ziggy Stardust . [86] Douglas Wolk de Pitchfork a passé en revue le remaster de l’album pour le coffret de 2015 Five Years 1969–1973 et lui a donné une note de 10 sur 10, estimant que les chansons étaient “éparpillées mais splendides” et trouvant l’écriture de Bowie un ” saut énorme” par rapport à ses œuvres précédentes. [76] Un autre écrivain de Pitchfork , Ryan Schrieber, a déclaré: “L’album n’est en aucun cas sa sortie la plus cohérente, mais il reste l’un de ses plus charmants et incontestablement l’un de ses meilleurs.” [87] SuiteÀ la mort de Bowie en 2016 , Rob Sheffield de Rolling Stone l’a répertorié comme l’un des albums essentiels de Bowie, en écrivant: ” Hunky Dory était l’album où il a revendiqué son ego le plus altéré du rock & roll.” [88]

Influence et héritage

Hunky Dory m’a donné une lame de fond fabuleuse. Je suppose que cela m’a fourni, pour la première fois de ma vie, un véritable public – je veux dire, des gens qui viennent me voir et me disent : “Bon album, bonnes chansons”. Cela ne m’était pas arrivé auparavant. [89]

–David Bowie, 1999

De nombreux biographes et critiques ont convenu que Hunky Dory a marqué le début du succès artistique de Bowie. Pegg écrit : « Hunky Dory se trouve au premier grand carrefour de la carrière de Bowie. C’était son dernier album jusqu’à Low à être présenté purement comme un artefact sonore plutôt que comme un véhicule pour l’élément visuel dramatique avec lequel il allait bientôt se faire un nom en tant que un interprète”. [3] Buckley note que 1971 était une année charnière pour Bowie, l’année où il est devenu “quelque chose d’un provocateur d’agent pop-art “. [19]À une époque où les musiciens de rock se tournaient vers les traditions et les normes établies, Bowie semblait radicalement différent et défiait la tradition, se réinventant encore et encore, créant ainsi de nouvelles normes et conventions. [19] Buckley a ajouté: “Son statut d’écoute presque facile et sa sensibilité musicale conventionnelle ont nui au fait que, lyriquement, ce disque établit le plan de la future carrière de Bowie”. [90] Spitz écrit que de nombreux artistes ont leur “tout s’est réuni sur celui-ci”. “Pour David Bowie, c’est Hunky Dory “. [12] Biographe Paul Trynkadéclare que le disque a marqué un “nouveau départ” pour l’artiste et qu’il a une “fraîcheur” qui manquait à tous les albums studio précédents de Bowie, principalement parce que lors de la réalisation de ses albums précédents, Bowie travaillait pour satisfaire les dirigeants du disque. Lors de la réalisation de Hunky Dory , Bowie travaillait pour se satisfaire, ce qui se reflète dans le disque. [18]

Daryl Easlea de BBC Music a écrit que l’album a vu Bowie trouver sa propre voix après avoir “gratté stylistiquement” pendant près d’une décennie et “enfin démontré [son] énorme potentiel au public qui l’écoute”. [56] Schrieber a déclaré: ” Hunky Dory a marqué le véritable début de ce qui serait l’une des carrières les plus réussies de la musique rock, engendrant des millions de fans effrayants et obsédés.” [87] De même, Michael Gallucci d ‘ Ultimate Classic Rock a soutenu que Hunky Dory est “où Bowie commence à devenir Bowie”, avec des thèmes lyriques et stylistiques qu’il répliquerait sur les futures versions. Il conclut que tout Bowie’ Les futures formes de s commencent à trouver leur voix avec Hunky Dory . [1] Emily Barker de NME l’a appelé «l’album le plus éprouvé» de Bowie et a écrit: «Ce sont [ses] incroyables dons d’écriture de chansons sur [le disque] qui nous ont convaincus qu’il était rayonné des étoiles». [91] L’écrivain anglais Colin Larkin l’a appelé son album le plus “éclectique” et a servi de préparation aux changements ultérieurs de Bowie dans la direction musicale. [92] En 2016, Joe Lynch de Billboard a fait valoir que Hunky Dory a fourni le “plan directeur” pour les albums pop indie lo-fi pour les 25 prochaines années, citant Ariel Pink comme une artiste influencée par l’album. [55]

Les admirateurs de l’album incluent Boy George du Culture Club (photographié en 2011)

De nombreux musiciens ont reconnu l’influence de l’album. En 1999, Dave Stewart d’ Eurythmics a déclaré: ” Hunky Dory – J’adore le son. Je l’utilise toujours comme une sorte de point de référence.” [3] Bien qu’il ait reconnu d’autres albums de Bowie comme influents, Stewart a noté que Hunky Dory avait la plus grande influence sur lui, rappelant une époque où lui et sa partenaire Eurythmics Annie Lennox , avec un orchestre complet, jouaient “Life on Mars?” au lieu d’une de leurs chansons lors d’une émission mondiale. [93] En 2002, Boy George du Culture Club a cité Hunky Dorycomme le disque qui a changé sa vie, en disant: “L’album dans son ensemble est si inhabituel, si éloigné de tout ce que vous avez entendu à la radio. C’est tellement complet, tout s’emboîte.” [3] Dans une interview avec Mojo en 2007, KT Tunstall a déclaré Hunky Dory son album préféré, en disant : “C’est le seul disque où j’ai ressenti une admiration totale à couper le souffle pour l’ensemble parce que ce sentiment d’être perdu et d’être pris ailleurs est si fort.” [3] Dans une interview avec NME l’année suivante, Guy Garvey d’ Elbow a reconnu Hunky Dory comme l’album qui l’avait le plus influencé. [3]

L’album a été réédité plusieurs fois. Suite à sa sortie sur disque compact au milieu des années 1980, [94] Hunky Dory a été réédité par Rykodisc / EMI avec des morceaux bonus en 1990, dont la sortie ” Bombers “. [95] En 1999, l’album original a été réédité par Virgin / EMI avec un son remasterisé numériquement 24 bits. [96] Cette édition a été rééditée en 2014 par Parlophone , après avoir acquis le catalogue Bowie appartenant à Virgin. [97] En 2015, l’album a été remasterisé pour le coffret Five Years (1969–1973) . [98] [99]Il est sorti en formats CD, vinyle et numérique, à la fois dans le cadre de cette compilation et séparément. [100] En 2021, Parlophone a annoncé une nouvelle réédition de l’album sous forme de disque photo sur vinyle pour célébrer le 50e anniversaire du disque, sorti le 7 janvier 2022 – ce qui aurait été le 75e anniversaire de Bowie. L’annonce a coïncidé avec un nouveau mix de “Changes” de Ken Scott. [101]

Classements

Hunky Dory est fréquemment apparu sur plusieurs listes des plus grands albums de tous les temps par plusieurs publications. En 1998, les lecteurs du magazine Q l’ont élu 43e plus grand album de tous les temps; en 2000, le même magazine l’a placé au numéro 16 de sa liste des 100 plus grands albums britanniques de tous les temps. [102] L’album s’est classé numéro 16 et numéro 23 dans les éditions 1998 et 2000 du livre All Time Top 1000 Albums de Colin Larkin , respectivement. [92] [103] Dans leur liste des 500 plus grands albums de tous les temps , Rolling Stone l’a classé numéro 107 en 2003, [104] numéro 108 dans la liste révisée de 2012, [105]et numéro 88 dans la liste révisée de 2020. [106] En 2004, Pitchfork a classé l’album 80e sur leur liste des 100 meilleurs albums des années 1970, une place au-dessus de Ziggy Stardust . [87] Dans la même année, VH1 l’a placé 47ème dans leur liste des 100 plus grands albums. [107] Un an plus tard, dans une liste des albums “les plus cool” de GQ , l’a classé 45e. La liste 2008 du détaillant français Fnac a nommé Hunky Dory le 86e plus grand album de tous les temps. [102] En 2010, le magazine TIME l’a choisi comme l’un des 100 meilleurs albums de tous les temps, avec le journaliste Josh Tyrangiellouant “l’ambition terrestre de Bowie d’être un poète bohème au style prodigue”. [108] La même année, Consequence of Sound a classé l’album numéro 18 sur leur liste des 100 plus grands albums de tous les temps. [109] En 2013, NME a classé l’album au troisième rang de leur liste des 500 plus grands albums de tous les temps , derrière Revolver des Beatles et The Queen Is Dead des Smith . [91] En 2015, Ultimate Classic Rock l’a inclus dans sa liste des 100 meilleurs albums de rock des années 1970. [110]

Robert Dimery a inclus l’album dans son livre de 2005 1001 albums que vous devez entendre avant de mourir . [29] Sur la base des apparitions de Hunky Dory dans les classements et les listes professionnels, le site Web agrégé Acclaimed Music le classe comme le 8e album le plus acclamé de 1971, le 23e album le plus acclamé des années 1970 et le 75e album le plus acclamé de l’histoire. [102]

Liste des pistes

Tous les morceaux sont écrits par David Bowie, sauf “Fill Your Heart”, écrit par Biff Rose et Paul Williams . [111]

Côté un

  1. ” Changements ” – 3:37
  2. ” Oh! Vous jolies choses ” – 3:12
  3. “Poème à huit lignes” – 2:55
  4. « La vie sur Mars ? » – 3:43
  5. « Cookies » – 2:53
  6. ” Sables mouvants ” – 5:08

Côté deux

  1. “Remplis ton cœur” – 3:07
  2. « Andy Warhol » – 3:56
  3. « Chanson pour Bob Dylan » – 4:12
  4. ” Reine Chienne ” – 3:18
  5. « Les frères Bewlay » – 5:22

Personnel

Crédits de l’album selon les notes de la pochette de Hunky Dory et le biographe Nicholas Pegg. [3] [111]

  • David Bowie – chant, guitare, saxophone alto et ténor , piano (“Oh! You Pretty Things”, [36] [37] “Eight Line Poem” [23] )
  • Mick Ronson – guitare, chant, Mellotron , arrangements
  • Trevor Bolder – guitare basse, trompette
  • Mick Woodmansey – batterie
  • Rick Wakeman – piano
  • Ken Scott – synthétiseur ARP (“Andy Warhol”) [23]

Production

  • Ken Scott – producteur, Ingénieur du son , ingénieur du mixage
  • David Bowie – producteur
  • Brian Ward – photographie
  • Terry Pastor – conception de la couverture

Graphiques

Graphiques hebdomadaires

Performance graphique de 1972 pour Hunky Dory

Performance graphique 2016 pour Hunky Dory

Performance graphique 2022 pour Hunky Dory

Graphique (1972) Position de pointe
Albums australiens ( Kent Music Report ) [69] 39
Albums britanniques ( OCC ) [112] 3
Graphique (2016) Position de pointe
Albums australiens ( ARIA ) [113] 45
Albums autrichiens ( Ö3 Autriche ) [114] 52
Albums canadiens ( Billboard ) [115] 43
Albums danois ( Hitlisten ) [116] 26
Albums français ( SNEP ) [117] 62
Albums italiens ( FIMI ) [118] 56
Albums de Nouvelle-Zélande [119] 30
Albums norvégiens ( VG-lista ) [120] 23
Albums suédois ( Sverigetopplistan ) [121] 16
Albums suisses ( Schweizer Hitparade ) [122] 32
Panneau d’affichage américain 200 [123] 57
Meilleurs albums du catalogue américain ( Billboard ) [124] 4
Graphique (2022) Position de pointe
Albums allemands ( Offizielle Top 100 ) [125] 53
Albums hongrois ( MAHASZ ) [126] 31

Graphiques de fin d’année

Performance graphique de fin d’année 2016 pour Hunky Dory
Graphique (2016) Position
Albums britanniques (OCC) [127] 83

Certificats

Certifications de vente pour Hunky Dory
Région Certificat Unités /ventes certifiées
Royaume-Uni ( BPI ) [128] Platine 300 000 ^

^ Chiffres des expéditions basés uniquement sur la certification.

Remarques

  1. ^ Cann n’a pas de date d’enregistrement pour “Changes” ; [21] Doggett déclare qu’il a été enregistré “vers juin/juillet 1971” ; [22] et O’Leary écrit qu’il a été enregistré du début à la mi-juillet. [23]
  2. ↑ De nombreux journalistes et commentateurs ont suggéré que « la fille aux cheveux de souris » serait Hermione Farthingale , une ancienne petite amie de Bowie. Cependant, Pegg n’est pas d’accord, écrivant qu’il n’y a aucune preuve à l’appui de cette affirmation et Farthingale elle-même a rejeté cette théorie. [41]
  3. ^ Cann et Pegg donnent la date de sortie au 17 novembre 1971 au Royaume-Uni et au 4 décembre 1971 aux États-Unis. [3] [63]

Références

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Liens externes

  • Hunky Dory sur Discogs (liste des sorties)
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