Alfred Hitchcock

Sir Alfred Joseph Hitchcock KBE (13 août 1899 – 29 avril 1980) était un cinéaste anglais largement considéré comme l’une des figures les plus influentes de l’histoire du cinéma. ^[1] Au cours d’une carrière de six décennies, il a réalisé plus de 50 longs métrages, ^[a] dont beaucoup sont encore largement regardés et étudiés aujourd’hui. Connu sous le nom de ” Maître du suspense “, il est devenu aussi connu que n’importe lequel de ses acteurs grâce à ses nombreuses interviews, ses rôles de camée dans la plupart de ses films, et son animation et production de l’anthologie télévisée Alfred Hitchcock Presents (1955–65) . Ses films ont remporté 46 nominations aux Oscars, dont six victoires, bien qu’il n’ait jamais remporté le prix deMeilleur réalisateur malgré cinq nominations.

Monsieur Alfred Hitchcock KBE
Née	Alfred-Joseph Hitchcock (1899-08-13)13 août 1899 Leytonstone , Essex , Angleterre
Décédés	29 avril 1980 (1980-04-29)(80 ans) Los Angeles , Californie , États-Unis
Citoyenneté	Royaume-Uni États-Unis
Éducation	Collège salésien, Battersea
mère nourricière	Collège Saint-Ignace
Profession	Réalisateur éditeur producteur scénariste
Années actives	1919-1980
Conjoint(s)	Alma Réville ​ ( m. 1926 )
Enfants	Pat Hitchcock
Récompenses	Liste complète
Signature

Hitchcock a d’abord suivi une formation de commis technique et de rédacteur avant d’entrer dans l’industrie cinématographique en 1919 en tant que concepteur de cartes de titre . Ses débuts en tant que réalisateur sont le film muet anglo-allemand The Pleasure Garden (1925). Son premier film à succès, The Lodger : A Story of the London Fog (1927), contribua à façonner le genre thriller , et Blackmail (1929) fut le premier « talkie » britannique. ^[4] Ses thrillers The 39 Steps (1935) et The Lady Vanishes (1938) sont classés parmi les plus grands films britanniques du XXe siècle. En 1939, il avait une reconnaissance internationale et producteurDavid O. Selznick l’a persuadé de déménager à Hollywood. Une série de films à succès a suivi, notamment Rebecca (1940), Foreign Correspondent (1940), Suspicion (1941), Shadow of a Doubt (1943) et Notorious (1946). Rebecca a remporté l’ Oscar du meilleur film , avec Hitchcock nommé meilleur réalisateur; ^[5] il a également été nominé pour Lifeboat (1944) et Spellbound (1945). Après une brève accalmie commerciale, il revient en forme avec Strangers on a Train (1951) et Dial M for Murder .(1954); il réalise ensuite quatre films souvent classés parmi les plus grands de tous les temps : Fenêtre sur cour (1954), Vertige (1958), North by Northwest (1959) et Psycho (1960), le premier et le dernier lui valant celui du meilleur réalisateur. candidatures. ^[6] Les Oiseaux (1963) et Marnie (1964) ont également connu un succès financier et sont très appréciés des historiens du cinéma.

Le style « hitchcockien » comprend l’utilisation du montage et du mouvement de la caméra pour imiter le regard d’une personne, transformant ainsi les spectateurs en voyeurs et cadrant les plans pour maximiser l’anxiété et la peur. Le critique de cinéma Robin Wood a écrit que le sens d’un film d’Hitchcock “est là dans la méthode, dans la progression de plan en plan. Un film d’Hitchcock est un organisme, avec le tout impliqué dans chaque détail et chaque détail lié au tout. ” ^[7] Hitchcock a réalisé plusieurs films avec certaines des plus grandes stars d’Hollywood, dont quatre avec Cary Grant dans les années 1940 et 1950, trois avec Ingrid Bergman dans la dernière moitié des années 1940, quatre avec James Stewartsur une période de dix ans à partir de 1948, et trois avec Grace Kelly au milieu des années 1950. Hitchcock est devenu citoyen américain en 1955.

En 2012, le thriller psychologique Vertigo d’Hitchcock , avec Stewart, a remplacé Citizen Kane (1941) d’Orson Welles en tant que plus grand film jamais réalisé par le British Film Institute sur la base de son sondage mondial auprès de centaines de critiques de cinéma. ^[8] En 2021 , neuf de ses films avaient été sélectionnés pour être conservés dans le National Film Registry des États-Unis , ^[b] dont son préféré, Shadow of a Doubt (1943). ^[c] Il a reçu la bourse BAFTA en 1971, le AFI Life Achievement Award en 1979 et a été fait chevalier^[update]en décembre de la même année, quatre mois avant sa mort, le 29 avril 1980. ^[11]

Biographie

Première vie: 1899-1919

Petite enfance et éducation William Hitchcock, probablement avec son premier fils, William, devant la boutique familiale à Londres, v. 1900 ; le panneau au-dessus du magasin indique “W. Hitchcock”. Les Hitchcock utilisaient le poney pour livrer des courses.

Hitchcock est né le 13 août 1899 dans l’appartement au-dessus de l’épicerie louée par ses parents au 517 High Road, Leytonstone , à la périphérie d’ East London (alors partie de l’Essex ), le plus jeune de trois enfants : William Daniel (1890–1943) , Ellen Kathleen (“Nellie”) (1892–1979) et Alfred Joseph (1899–1980). Ses parents, Emma Jane Hitchcock ( Née Whelan ; 1863–1942) et William Edgar Hitchcock (1862–1914), étaient tous deux catholiques romains , avec des racines partielles en Irlande ; ^{[12] [13]} Son père était marchand de légumes, comme son grand-père l’avait été. ^[14]

Il y avait une grande famille élargie, y compris l’oncle John Hitchcock avec sa maison victorienne de cinq chambres sur Campion Road, Putney , avec femme de chambre, cuisinier, chauffeur et jardinier. Chaque été, son oncle louait une maison en bord de mer pour la famille à Cliftonville , dans le Kent. Hitchcock a déclaré qu’il y était d’abord devenu conscient de la classe, remarquant les différences entre les touristes et les habitants. ^[15]

Se décrivant comme un garçon bien élevé – son père l’appelait son “petit agneau sans tache” – Hitchcock a déclaré qu’il ne se souvenait pas avoir jamais eu de camarade de jeu. ^[16] L’une de ses histoires préférées pour les enquêteurs concernait son père l’envoyant au poste de police local avec une note alors qu’il avait cinq ans; le policier a regardé la note et l’a enfermé dans une cellule pendant quelques minutes en disant: “C’est ce que nous faisons aux vilains garçons.” L’expérience l’a laissé, a-t-il dit, avec une peur permanente des policiers; en 1973, il a dit à Tom Snyder qu’il avait “une peur bleue de tout … à voir avec la loi” et qu’il ne conduirait même pas de voiture au cas où il aurait une contravention de stationnement. ^[17]

Quand il avait six ans, la famille a déménagé à Limehouse et a loué deux magasins aux 130 et 175 Salmon Lane, qu’ils exploitaient respectivement comme magasin de poisson-frites et poissonniers; ils vivaient au-dessus du premier. ^[18] Hitchcock a fréquenté sa première école, le Howrah House Convent à Poplar , où il est entré en 1907, à l’âge de 7 ans. ^[19] Selon le biographe Patrick McGilligan , il est resté à Howrah House pendant au plus deux ans. Il fréquente également une école de couvent, la Wode Street School “pour les filles de gentilshommes et petits garçons”, dirigée par les Fidèles Compagnons de Jésus . Il a ensuite fréquenté une école primaire près de chez lui et a été pendant une courte période pensionnaire àCollège salésien de Battersea . ^[20]

Station-service sur le site du 517 High Road, Leytonstone , où Hitchcock est né ; murale commémorative aux nos. 527–533 (à droite) ^[21]

La famille a déménagé à nouveau quand il avait 11 ans, cette fois à Stepney , et le 5 octobre 1910, Hitchcock a été envoyé au St Ignatius College de Stamford Hill, Tottenham (maintenant dans le London Borough of Haringey ), un lycée jésuite réputé pour sa discipline . . ^[22] Les prêtres utilisaient une canne en caoutchouc dur sur les garçons, toujours à la fin de la journée, de sorte que les garçons devaient s’asseoir pendant les cours en anticipant la punition s’ils avaient été écrits pour cela. Il a dit plus tard que c’est là qu’il avait développé son sens de la peur. ^[23] Le registre scolaire répertorie son année de naissance comme 1900 plutôt que 1899; biographe Donald Spotodit qu’il a été délibérément inscrit à l’âge de 10 ans parce qu’il avait un an de retard dans sa scolarité. ^[24]

Alors que le biographe Gene Adair rapporte qu’Hitchcock était “un élève moyen ou légèrement supérieur à la moyenne”, ^[25] Hitchcock a déclaré qu’il était “généralement parmi les quatre ou cinq en tête de la classe”; ^[26] à la fin de sa première année, son travail dans l’éducation latine, anglaise, française et religieuse a été noté. ^[27] Il a dit à Peter Bogdanovich : “Les Jésuites m’ont appris l’organisation, le contrôle et, dans une certaine mesure, l’analyse.” ^[25]

Sa matière de prédilection était la géographie , et il s’est intéressé aux cartes, aux horaires des chemins de fer, des trams et des bus ; selon John Russell Taylor , il pouvait réciter tous les arrêts de l’ Orient Express . ^[28] Il avait aussi un intérêt particulier pour les trams de Londres . Une écrasante majorité de ses films comportent des scènes de train ou de tramway, notamment The Lady Vanishes , Strangers on a Train et Number Seventeen . Un clapmontre le numéro de la scène et le nombre de prises, et Hitchcock prenait souvent les deux chiffres sur le clap et chuchotait les noms des lignes de tramway de Londres. Par exemple, si le clap montrait la scène 23 ; Prenez 3 ; Hitchcock murmurait “Woodford, Hampstead” – Woodford étant le terminus du tramway de la route 23, et Hampstead la fin de la route 3. ^{[29] [ meilleure source nécessaire ]}

Henley’s

Hitchcock dit à ses parents qu’il voulait être ingénieur, ^[26] et le 25 juillet 1913, ^[30] il quitta St Ignatius et s’inscrivit à des cours du soir à la London County Council School of Engineering and Navigation à Poplar. Dans une interview d’un livre en 1962, il dit à François Truffaut qu’il a étudié “la mécanique, l’électricité, l’acoustique et la navigation”. ^[26] Puis, le 12 décembre 1914, son père, qui souffrait d’ emphysème et de maladie rénale, mourut à l’âge de 52 ans. ^[31] Pour subvenir à ses besoins et à ceux de sa mère – ses frères et sœurs aînés avaient alors quitté la maison – Hitchcock prit travail, pour 15 shillings par semaine (74 £ en 2020), ^[32]en tant que commis technique à la Henley Telegraph and Cable Company à Blomfield Street près de London Wall . ^[33] Il a continué des cours de nuit, cette fois dans l’histoire d’art, la peinture, l’économie et la science politique. ^[34] Son frère aîné dirigeait les magasins familiaux, tandis que lui et sa mère continuaient à vivre à Salmon Lane. ^[35]

Hitchcock était trop jeune pour s’enrôler lorsque la Première Guerre mondiale éclata en juillet 1914, et lorsqu’il atteignit l’âge requis de 18 ans en 1917, il reçut une classification C3 (“indemne de maladie organique grave, capable de supporter les conditions de service dans les garnisons à domicile … ne convient qu’au travail sédentaire”). ^[36] Il a rejoint un régiment de cadets des Royal Engineers et a participé à des briefings théoriques, des exercices de fin de semaine et des exercices. John Russell Taylor a écrit que, lors d’une session d’exercices pratiques à Hyde Park , Hitchcock devait porter des Puttees . Il n’a jamais réussi à les enrouler autour de ses jambes, et ils tombaient à plusieurs reprises autour de ses chevilles. ^[37]

Après la guerre, Hitchcock s’intéresse à l’écriture créative. En juin 1919, il devint rédacteur en chef fondateur et directeur commercial de la publication interne de Henley, The Henley Telegraph (six pence l’exemplaire), à ​​laquelle il soumit plusieurs nouvelles. ^{[38] [d]} Henley l’a promu au département de publicité, où il a écrit la copie et a dessiné des graphiques pour les publicités de câble électrique. Il aimait le travail et restait tard au bureau pour examiner les épreuves; il a dit à Truffaut que c’était son “premier pas vers le cinéma”. ^{[26] [46]} Il aimait regarder des films, en particulier le cinéma américain, et dès l’âge de 16 ans lire les journaux commerciaux; il a regardé Charlie Chaplin , DW Griffith etBuster Keaton , et aimait particulièrement Der müde Tod (1921) de Fritz Lang . ^[26]

Carrière entre-deux-guerres : 1919-1939

Joueurs célèbres-Lasky Hitchcock (à droite) lors du tournage du numéro 13 à Londres

Alors qu’il était encore chez Henley, il a lu dans un journal spécialisé que Famous Players-Lasky , la branche de production de Paramount Pictures , ouvrait un studio à Londres. ^[47] Ils avaient l’intention de filmer Les Douleurs de Satan de Marie Corelli , alors il a produit quelques dessins pour les cartes de titre et a envoyé son travail au studio. ^[48] ​​Ils l’ont embauché et en 1919, il a commencé à travailler pour les studios Islington à Poole Street, Hoxton , en tant que concepteur de cartes de titre. ^[47]

Donald Spoto a écrit que la plupart du personnel était américain avec des spécifications de travail strictes, mais les travailleurs anglais étaient encouragés à s’essayer à n’importe quoi, ce qui signifiait que Hitchcock avait acquis de l’expérience en tant que co-scénariste, directeur artistique et directeur de production sur au moins 18 films muets. films. ^[49] Le Times a écrit en février 1922 au sujet du “département spécial des titres d’art du studio sous la supervision de M. AJ Hitchcock”. ^[50] Son travail comprenait le numéro 13 (1922), également connu sous le nom de Mme Peabody ; il a été annulé en raison de problèmes financiers – les quelques scènes terminées sont perdues ^[51] – et Always Tell Your Wife (1923), que lui et Seymour Hicksfini ensemble quand Hicks était sur le point d’abandonner. ^[47] Hicks a écrit plus tard qu’il avait été aidé par “un gros jeune qui était en charge de la salle de propriété … [n]un autre qu’Alfred Hitchcock”. ^[52]

Gainsborough Pictures et travail en Allemagne Sculpture d’Hitchcock sur le site de Gainsborough Pictures , Poole Street, Hoxton ^[53]

Lorsque Paramount quitte Londres en 1922, Hitchcock est embauché comme assistant réalisateur par une nouvelle société dirigée au même endroit par Michael Balcon , plus tard connu sous le nom de Gainsborough Pictures . ^{[47] [54]} Hitchcock a travaillé sur Woman to Woman (1923) avec le réalisateur Graham Cutts , concevant le décor, écrivant le scénario et produisant. Il a déclaré: “C’était le premier film sur lequel j’avais vraiment mis la main.” ^[54] La rédactrice en chef et “script girl” de Woman to Woman était Alma Reville , sa future épouse. Il a également travaillé comme assistant de Cutts sur The White Shadow (1924), The Passionate Adventure(1924), The Blackguard (1925) et The Prude’s Fall (1925). ^[55] The Blackguard a été produit aux studios Babelsberg à Potsdam, où Hitchcock a regardé une partie de la réalisation du film de FW Murnau The Last Laugh (1924). ^[56] Il a été impressionné par le travail de Murnau et a utilisé plus tard plusieurs de ses techniques pour la scénographie dans ses propres productions. ^[57]

À l’été 1925, Balcon demande à Hitchcock de réaliser The Pleasure Garden (1925), avec Virginia Valli , une coproduction de Gainsborough et de la firme allemande Emelka au studio Geiselgasteig près de Munich. Reville, alors fiancée d’Hitchcock, était assistant réalisateur-monteur. ^{[58] [51]} Bien que le film ait été un flop commercial, ^[59] Balcon aimait le travail d’Hitchcock; un titre du Daily Express l’appelait le “jeune homme avec un esprit maître”. ^[60] La production de The Pleasure Garden a rencontré des obstacles dont Hitchcock apprendrait plus tard: à son arrivée au col du Brenner, il a omis de déclarer son stock de films aux douanes et celui-ci a été confisqué ; une actrice n’a pas pu entrer dans l’eau pour une scène parce qu’elle avait ses règles ; les dépassements de budget l’ont obligé à emprunter de l’argent aux acteurs. ^[61] Hitchcock avait également besoin d’un traducteur pour donner des instructions aux acteurs et à l’équipe. ^[61]

En Allemagne, Hitchcock a observé les nuances du cinéma et du cinéma allemands qui ont eu une grande influence sur lui. ^[62] Quand il ne travaillait pas, il visitait les galeries d’art, les concerts et les musées de Berlin. Il rencontrait également des acteurs, des écrivains et des producteurs pour nouer des liens. ^[63] Balcon lui a demandé de réaliser un deuxième film à Munich, The Mountain Eagle (1926), basé sur une histoire originale intitulée Fear o’ God . ^[64] Le film est perdu et Hitchcock l’a appelé “un très mauvais film”. ^{[60] [65]} Un an plus tard, Hitchcock a écrit et réalisé The Ring ; bien que le scénario n’ait été crédité qu’à son nom, Elliot Stannardl’aidait à l’écriture. ^[66] The Ring a recueilli des critiques positives; le critique du magazine Bioscope l’ a qualifié de “film britannique le plus magnifique jamais réalisé”. ^[67]

À son retour en Angleterre, Hitchcock est l’un des premiers membres de la London Film Society, nouvellement créée en 1925. ^[68] À travers la Société, il devient fasciné par le travail des cinéastes soviétiques : Dziga Vertov , Lev Kuleshov , Sergei Eisenstein , et Vsevolod Poudovkine . Il socialiserait également avec d’ autres cinéastes anglais Ivor Montagu et Adrian Brunel , et Walter C. Mycroft . ^[69]

La chance d’Hitchcock est venue avec son premier thriller, The Lodger: A Story of the London Fog (1927), sur la traque d’un tueur en série qui, vêtu d’un manteau noir et portant un sac noir, assassine de jeunes femmes blondes à Londres, et seulement les mardis. ^[70] Une logeuse soupçonne que son locataire est le tueur, mais il s’avère innocent. Pour donner l’impression que des pas se faisaient entendre d’un étage supérieur, Hitchcock a fait construire un sol en verre afin que le spectateur puisse voir le locataire faire les cent pas dans sa chambre au-dessus de la propriétaire. ^[71] Hitchcock avait voulu que l’homme principal soit coupable, ou que le film se termine au moins de manière ambiguë, mais la star était Ivor Novello , une idole de la matinée , et le ” star system» signifiait que Novello ne pouvait pas être le méchant. Hitchcock a dit à Truffaut : « Vous devez l’épeler clairement en grosses lettres : « Il est innocent ». » (Il eut le même problème des années plus tard avec Cary Grant dans Suspicion (1941). ) ^[72] Sorti en janvier 1927, The Lodger est un succès commercial et critique au Royaume-Uni ^{[73] [74]} Hitchcock dit à Truffaut que le film est le premier de lui à être influencé par l’expressionnisme allemand : “En vérité, vous pourrait presque dire que The Lodger était ma première photo.” ^[75] Il a fait son premier caméeapparitions dans le film; il a été représenté assis dans une salle de presse, et dans la seconde, debout dans une foule alors que l’homme principal est arrêté. ^{[76] [77]}

Mariage Les Hitchcock le jour de leur mariage, Oratoire de Brompton , 2 décembre 1926

Le 2 décembre 1926, Hitchcock épouse la scénariste anglaise Alma Reville à l’ oratoire de Brompton à South Kensington . ^[78] Le couple a passé sa lune de miel à Paris, au lac de Côme et à Saint-Moritz, avant de retourner à Londres pour vivre dans un appartement loué aux deux étages supérieurs du 153 Cromwell Road , Kensington. ^[79] Reville, qui est né quelques heures après Hitchcock, ^[80] s’est converti du protestantisme au catholicisme, apparemment sur l’insistance de la mère d’Hitchcock ; elle a été baptisée le 31 mai 1927 et confirmée à la cathédrale de Westminster par le cardinal Francis Bourne le 5 juin. ^[81]

En 1928, lorsqu’ils ont appris que Reville était enceinte, les Hitchcock ont ​​acheté “Winter’s Grace”, une ferme Tudor située sur 11 acres sur Stroud Lane, Shamley Green , Surrey, pour 2 500 £. ^[82] Leur fille et enfant unique, Patricia Alma Hitchcock , est Née le 7 juillet de cette année. ^[83] Patricia est décédée le 9 août 2021 à 93 ans. ^[84]

Reville est devenue la plus proche collaboratrice de son mari; Charles Champlin écrivait en 1982 : “La touche Hitchcock avait quatre mains, et deux étaient celles d’Alma.” ^[85] Quand Hitchcock a accepté le AFI Life Achievement Award en 1979, il a dit qu’il voulait mentionner “quatre personnes qui m’ont donné le plus d’affection, d’appréciation et d’encouragement, et une collaboration constante. Le premier des quatre est un monteur de films, la seconde est scénariste, la troisième est la mère de ma fille, Pat, et la quatrième est la meilleure cuisinière qui ait jamais fait de miracles dans une cuisine domestique. Et leurs noms sont Alma Reville. ^[86] Reville a écrit ou co-écrit sur de nombreux films d’Hitchcock, dont Shadow of a Doubt ,Les 39 étapes .

Les premiers films sonores Publicité pour le chantage (1929)

Hitchcock a commencé à travailler sur son dixième film, Blackmail (1929), lorsque sa société de production, British International Pictures (BIP), a converti ses studios d’Elstree au son . Le film a été le premier « talkie » britannique ; cela a suivi le développement rapide des films sonores aux États-Unis, de l’utilisation de brefs segments sonores dans The Jazz Singer (1927) au premier long métrage sonore complet Lights of New York (1928). ^[4] Le chantage a commencé la tradition d’Hitchcock d’utiliser des repères célèbres comme toile de fond pour des séquences de suspense, avec le point culminant ayant lieu sur le dôme du British Museum . ^[87]Il présente également l’une de ses plus longues apparitions, qui le montre dérangé par un petit garçon alors qu’il lit un livre sur le métro de Londres . ^[88] Dans la série PBS The Men Who Made The Movies , Hitchcock a expliqué comment il a utilisé les premiers enregistrements sonores comme élément spécial du film, en insistant sur le mot “couteau” dans une conversation avec la femme soupçonnée de meurtre. ^{[89] [ clarification nécessaire ] Au cours de cette période, Hitchcock a réalisé des segments pour une} revue BIP , Elstree Calling (1930), et a réalisé un court métrage, An Elastic Affair (1930), mettant en vedette deux Film Weeklylauréats des bourses. ^[90] An Elastic Affair est l’un des films perdus. ^[91]

En 1933, Hitchcock signe un contrat de multifilm avec Gaumont-British , travaillant à nouveau pour Michael Balcon. ^{[92] [93]} Son premier film pour la compagnie, L’homme qui en savait trop (1934), fut un succès ; son deuxième, The 39 Steps (1935), a été acclamé au Royaume-Uni et lui a valu une reconnaissance aux États-Unis. Il a également établi la “blonde Hitchcock” anglaise par excellence ( Madeleine Carroll ) comme modèle pour sa succession de grandes dames glacées et élégantes. Le scénariste Robert Towne a fait remarquer: “Ce n’est pas vraiment exagéré de dire que tous les divertissements d’évasion contemporains commencent par The 39 Steps “. ^[94]Ce film a été l’un des premiers à introduire le dispositif d’intrigue « MacGuffin », terme inventé par le scénariste anglais Angus MacPhail . ^[95] Le MacGuffin est un élément ou un objectif que le protagoniste poursuit, qui n’a autrement aucune valeur narrative; dans The 39 Steps , le MacGuffin est un ensemble volé de plans de conception. ^[96]

Alma Reville , Joan Harrison , Hitchcock et Patricia Hitchcock , 24 août 1937

Hitchcock a publié deux thrillers d’espionnage en 1936. Sabotage était vaguement basé sur le roman de Joseph Conrad , The Secret Agent (1907), sur une femme qui découvre que son mari est un terroriste, et Secret Agent , basé sur deux histoires à Ashenden : Ou l’agent britannique (1928) par W. Somerset Maugham . ^[e]

À cette époque, Hitchcock est également devenu célèbre pour ses farces contre les acteurs et l’équipe. Ces blagues allaient de simples et innocentes à folles et maniaques. Par exemple, il a organisé un dîner où il a teint toute la nourriture en bleu parce qu’il affirmait qu’il n’y avait pas assez d’aliments bleus. Il fit également livrer un cheval dans la loge de son ami, l’acteur Gérald du Maurier . ^[97]

Hitchcock a enchaîné avec Young and Innocent en 1937, un thriller policier basé sur le roman de 1936 A Shilling for Candles de Josephine Tey . ^[98] Mettant en vedette Nova Pilbeam et Derrick De Marney , le film était relativement agréable à réaliser pour les acteurs et l’équipe. ^[98] Pour rencontrer des buts de distribution en Amérique, le temps d’exécution du film a été coupé et cela a inclus l’enlèvement d’une des scènes préférées de Hitchcock : une partie de thé d’enfants qui devient menaçante aux protagonistes. ^[99]

Le prochain grand succès d’Hitchcock fut The Lady Vanishes (1938), “l’un des plus grands films de train de l’âge d’or du genre”, selon Philip French , dans lequel Miss Froy ( May Whitty ), une espionne britannique se faisant passer pour une gouvernante, disparaît le un voyage en train à travers le pays européen fictif de Bandrika. ^[100] Le film a vu Hitchcock recevoir le 1938 New York Film Critics Circle Award du meilleur réalisateur. ^[101] Benjamin Crisler du New York Times écrivait en juin 1938 : « Trois institutions uniques et précieuses que les Britanniques ont que nous en Amérique n’avons pas : la Magna Carta , le Tower Bridgeet Alfred Hitchcock, le plus grand réalisateur de mélodrames à l’écran au monde.” ^[102] Le film était basé sur le roman The Wheel Spins (1936) écrit par Ethel Lina White . ^[103]

En 1938, Hitchcock était conscient qu’il avait atteint son apogée en Grande-Bretagne. ^[104] Il avait reçu de nombreuses offres de producteurs aux États-Unis, mais il les a toutes rejetées parce qu’il n’aimait pas les obligations contractuelles ou pensait que les projets étaient répulsifs. ^[105] Cependant, le producteur David O. Selznick lui a proposé une proposition concrète pour faire un film basé sur le naufrage du RMS Titanic , qui a finalement été abandonné, mais Selznick a persuadé Hitchcock de venir à Hollywood . En juillet 1938, Hitchcock s’envola pour New York et découvrit qu’il était déjà une célébrité ; il a été présenté dans des magazines et a donné des interviews à des stations de radio. ^[106]À Hollywood, Hitchcock a rencontré Selznick pour la première fois. Selznick lui a offert un contrat de quatre films, environ 40 000 $ pour chaque image (équivalent à 770 000 $ en 2021). ^[106]

Premières années hollywoodiennes : 1939-1945

Contrat de Selznick

Selznick a signé Hitchcock pour un contrat de sept ans commençant en avril 1939 ^[107] et les Hitchcock ont ​​déménagé à Hollywood. ^[108] Les Hitchcock vivaient dans un appartement spacieux sur Wilshire Boulevard et s’acclimataient lentement à la région de Los Angeles. Lui et sa femme Alma ont gardé un profil bas et n’étaient pas intéressés à assister à des fêtes ou à être des célébrités. ^[109] Hitchcock a découvert son goût pour la gastronomie à West Hollywood, mais a continué son mode de vie depuis l’Angleterre. ^[110] Il a été impressionné par la culture cinématographique d’Hollywood, les budgets expansifs et l’efficacité, ^[110] par rapport aux limites auxquelles il avait souvent été confronté en Grande-Bretagne. ^[111] En juin de cette année-là,Le magazine Life l’a qualifié de “plus grand maître du mélodrame de l’histoire du cinéma”. ^[112]

Bien qu’Hitchcock et Selznick se respectent, leurs arrangements de travail sont parfois difficiles. Selznick souffrait de problèmes financiers constants et Hitchcock était souvent mécontent du contrôle créatif et de l’ingérence de Selznick sur ses films. Selznick était également mécontent de la méthode d’Hitchcock consistant à filmer uniquement ce qui était dans le scénario, et rien de plus, ce qui signifiait que le film ne pouvait pas être coupé et refait différemment ultérieurement. ^[113] En plus de se plaindre du « putain de découpage au puzzle » d’Hitchcock, ^[114] leurs personnalités étaient dépareillées : Hitchcock était réservé alors que Selznick était flamboyant. ^[115] Finalement, Selznick a généreusement prêté Hitchcock aux plus grands studios de cinéma. ^[116]Selznick n’a fait que quelques films chaque année, tout comme son collègue producteur indépendant Samuel Goldwyn , il n’a donc pas toujours eu de projets à réaliser pour Hitchcock. Goldwyn avait également négocié avec Hitchcock sur un éventuel contrat, seulement pour être surenchéri par Selznick. Dans une interview ultérieure, Hitchcock a déclaré: “[Selznick] était le grand producteur. … Le producteur était roi. La chose la plus flatteuse que M. Selznick ait jamais dite à mon sujet – et cela vous montre le degré de contrôle – il a dit que j’étais le ‘seul réalisateur’ auquel il ‘aurait confié un film’.” ^[117]

2:23 Bande-annonce de Rebecca (1940)

Hitchcock a abordé le cinéma américain avec prudence ; son premier film américain se déroulait en Angleterre dans lequel «l’américanité» des personnages était accessoire: ^[118] Rebecca (1940) se déroulait dans une version hollywoodienne de Cornwall en Angleterre et était basée sur un roman de la romancière anglaise Daphne du Maurier . Selznick a insisté sur une adaptation fidèle du livre et n’était pas d’accord avec Hitchcock sur l’utilisation de l’humour. ^{[119] [120]} Le film, mettant en vedette Laurence Olivier et Joan Fontaine , concerne une jeune femme naïve sans nom qui épouse un aristocrate veuf. Elle vit dans sa grande maison de campagne anglaise, et se débat avec la réputation persistante de sa première épouse élégante et mondaine Rebecca, décédée dans des circonstances mystérieuses. Le film a remporté le prix du meilleur film aux 13e Oscars ; la statuette a été donnée au producteur Selznick. Hitchcock a reçu sa première nomination pour le meilleur réalisateur , sa première de cinq nominations de ce type. ^{[5] [121]}

Le deuxième film américain d’Hitchcock était le thriller Foreign Correspondent (1940), se déroulant en Europe, basé sur le livre de Vincent Sheean Personal History (1935) et produit par Walter Wanger . Il a été nominé pour le meilleur film cette année-là. Hitchcock se sentait mal à l’aise de vivre et de travailler à Hollywood pendant que la Grande-Bretagne était en guerre ; son inquiétude a abouti à un film qui soutenait ouvertement l’effort de guerre britannique. ^[122] Tourné en 1939, il a été inspiré par les événements changeant rapidement en Europe, comme couvert par un journaliste de journal américain joué par Joel McCrea . En mélangeant des images de scènes européennes avec des scènes filmées sur un backlot hollywoodien, le film a évité les références directes au nazisme , à l’Allemagne nazie et aux Allemands, pour se conformer au code de production cinématographique de l’époque. ^{[123] [ échec de la vérification ]}

Premières années de guerre

En septembre 1940, les Hitchcock achetèrent le Cornwall Ranch de 200 acres (0,81 km ^{2 ) près} de Scotts Valley , en Californie, dans les montagnes de Santa Cruz . ^[124] Leur résidence principale était une maison de style anglais à Bel Air , achetée en 1942. ^[125] Les films d’Hitchcock étaient divers au cours de cette période, allant de la comédie romantique Mr. & Mrs. Smith (1941) au sombre film noir L’Ombre d’un doute (1943).

Cary Grant et Joan Fontaine dans une publicité tournée pour Suspicion (1941)

Suspicion (1941) marque le premier film d’Hitchcock en tant que producteur et réalisateur. Il se déroule en Angleterre; Hitchcock a utilisé la côte nord de Santa Cruz pour la séquence du littoral anglais. Le film est le premier des quatre dans lesquels Cary Grant a été choisi par Hitchcock, et c’est l’une des rares occasions où Grant joue un personnage sinistre. Grant joue Johnnie Aysgarth, un escroc anglais dont les actions suscitent suspicion et anxiété chez sa jeune épouse anglaise timide, Lina McLaidlaw ( Joan Fontaine ). ^[126]Dans une scène, Hitchcock a placé une lumière à l’intérieur d’un verre de lait, peut-être empoisonné, que Grant apporte à sa femme ; la lumière assure que l’attention du public est sur le verre. Le personnage de Grant est en fait un tueur, comme il est écrit dans le livre, Before the Fact de Francis Iles , mais le studio a estimé que l’image de Grant en serait ternie. Hitchcock se contenta donc d’un final ambigu, même s’il aurait préféré en finir avec le meurtre de la femme. ^{[127] [f]} Fontaine a gagné la Meilleure Actrice pour sa performance. ^[129]

Saboteur (1942) est le premier des deux films réalisés par Hitchcock pour Universal Studios au cours de la décennie. Hitchcock a été contraint par Universal d’utiliser le joueur sous contrat d’Universal Robert Cummings et Priscilla Lane , une pigiste qui a signé un contrat d’une image avec le studio, tous deux connus pour leur travail dans des comédies et des drames légers. ^[130] L’histoire dépeint une confrontation entre un saboteur présumé (Cummings) et un saboteur réel ( Norman Lloyd ) au sommet de la Statue de la Liberté . Hitchcock a fait une tournée de trois jours à New York pour repérer les lieux de tournage de Saboteur . ^[131] Il a également réalisé Avez-vous entendu?(1942), une dramatisation photographique pour le magazine Life des dangers des rumeurs en temps de guerre . ^[132] En 1943, il écrit une histoire mystérieuse pour le magazine Look , « The Murder of Monty Woolley », ^[133] une séquence de photographies légendées invitant le lecteur à trouver des indices sur l’identité du meurtrier ; Hitchcock a choisi les interprètes comme eux-mêmes, tels que Woolley, Doris Merrick et le maquilleur Guy Pearce. ^{[ citation nécessaire ]}

1:22 Bande-annonce de Shadow of a Doubt (1943) avec Joseph Cotten et Teresa Wright

De retour en Angleterre, la mère d’Hitchcock, Emma, ​​était gravement malade; elle est décédée le 26 septembre 1942 à 79 ans. Hitchcock n’a jamais parlé publiquement de sa mère, mais son assistant a déclaré qu’il l’admirait. ^[134] Quatre mois plus tard, le 4 janvier 1943, son frère William mourut d’une overdose à l’âge de 52 ans. ^[135] Hitchcock n’était pas très proche de William, ^[136] mais sa mort rendit Hitchcock conscient de ses propres habitudes alimentaires et de boisson. . Il était en surpoids et souffrait de maux de dos. Sa résolution du Nouvel An en 1943 était de prendre son régime au sérieux avec l’aide d’un médecin. ^[137] En janvier de cette année-là, Shadow of a Doubt est sorti, dont Hitchcock avait de bons souvenirs. ^[138]Dans le film, Charlotte “Charlie” Newton ( Teresa Wright ) soupçonne son oncle bien-aimé Charlie Oakley ( Joseph Cotten ) d’être un tueur en série. Hitchcock a beaucoup filmé sur place, cette fois dans la ville de Santa Rosa , dans le nord de la Californie . ^[139]

À la 20th Century Fox , Hitchcock a approché John Steinbeck avec une idée pour un film, qui a enregistré les expériences des survivants d’une attaque de U-boot allemand. Steinbeck a commencé à travailler sur le scénario de ce qui allait devenir Lifeboat (1944). Cependant, Steinbeck n’était pas satisfait du film et a demandé que son nom soit retiré du générique, en vain. L’idée a été réécrite sous forme de nouvelle par Harry Sylvester et publiée dans Collier’s en 1943. Les séquences d’action ont été tournées dans un petit bateau dans le réservoir d’eau du studio. Le lieu a posé des problèmes pour l’apparition traditionnelle de camée d’Hitchcock; il a été résolu en faisant apparaître l’image d’Hitchcock dans un journal que William Bendixlit dans le bateau, montrant le réalisateur dans une publicité avant et après pour “Reduco-Obesity Slayer”. Il a dit à Truffaut en 1962 :

À l’époque, je suivais un régime épuisant, passant péniblement de trois cents à deux cents livres. J’ai donc décidé d’immortaliser ma perte et d’obtenir mon petit rôle en posant pour des photos “avant” et “après”. … J’ai été littéralement submergé par des lettres de gros qui voulaient savoir où et comment se procurer Reduco. ^[140]

Le dîner typique d’Hitchcock avant sa perte de poids était un poulet rôti, du jambon bouilli, des pommes de terre, du pain, des légumes, des condiments, une salade, un dessert, une bouteille de vin et du brandy. Pour perdre du poids, son régime se composait de café noir pour le petit-déjeuner et le déjeuner, et de steak et de salade pour le dîner, ^[137] mais c’était difficile à maintenir ; Donald Spoto a écrit que son poids a considérablement fluctué au cours des 40 années suivantes. Fin 1943, malgré la perte de poids, l’Occidental Insurance Company de Los Angeles refuse sa demande d’assurance-vie. ^[141]

Films de non-fiction en temps de guerre

J’ai ressenti le besoin d’apporter une petite contribution à l’effort de guerre, et j’étais à la fois en surpoids et trop âgé pour le service militaire. Je savais que si je ne faisais rien, je le regretterais pour le reste de ma vie

—Alfred Hitchcock (1967) ^[142]

Hitchcock est retourné au Royaume-Uni pour une visite prolongée à la fin de 1943 et au début de 1944. Là-bas, il a réalisé deux courts métrages de propagande , Bon Voyage (1944) et Aventure Malgache (1944), pour le ministère de l’Information . En juin et juillet 1945, Hitchcock a servi de “conseiller en traitement” sur un documentaire sur l’Holocauste qui utilisait des images des forces alliées sur la libération des camps de concentration nazis . Le film a été assemblé à Londres et produit par Sidney Bernsteindu ministère de l’Information, qui a amené Hitchcock (un de ses amis) à bord. Il était initialement destiné à être diffusé aux Allemands, mais le gouvernement britannique l’a jugé trop traumatisant pour être montré à une population d’après-guerre choquée. Au lieu de cela, il a été transféré en 1952 des coffres-forts du British War Office à l’ Imperial War Museum de Londres et est resté inédit jusqu’en 1985, date à laquelle une version éditée a été diffusée sous forme d’épisode de PBS Frontline , sous le titre que l’Imperial War Museum lui avait donné : Mémoire des Camps . La version intégrale du film, German Concentration Camps Factual Survey , a été restaurée en 2014 par des chercheurs de l’Imperial War Museum. ^{[143] [144][145]}

Années hollywoodiennes d’après-guerre : 1945-1953

Films de Selznick ultérieurs Gregory Peck et Ingrid Bergman dans Spellbound (1945)

Hitchcock a de nouveau travaillé pour David Selznick lorsqu’il a réalisé Spellbound (1945), qui explore la psychanalyse et présente une séquence de rêve conçue par Salvador Dalí . ^[146] La séquence de rêve telle qu’elle apparaît dans le film est de dix minutes plus courte que prévu à l’origine; Selznick l’a édité pour le faire “jouer” plus efficacement. ^[147] Gregory Peck joue le Dr Anthony Edwardes amnésique sous le traitement de l’analyste Dr Peterson ( Ingrid Bergman ), qui tombe amoureux de lui tout en essayant de déverrouiller son passé refoulé. ^[148] Deux points de vueles prises de vue ont été réalisées en construisant une grande main en bois (qui semblerait appartenir au personnage dont le point de vue a été pris par la caméra) et des accessoires surdimensionnés pour qu’elle puisse tenir: un verre de lait de la taille d’un seau et un gros pistolet en bois. Pour plus de nouveauté et d’impact, le coup de feu culminant a été coloré à la main en rouge sur certaines copies du film en noir et blanc. La partition musicale originale de Miklós Rózsa utilise le thérémine , et une partie a ensuite été adaptée par le compositeur dans le Concerto pour piano de Rozsa op. 31 (1967) pour piano et orchestre. ^{[149] [ échec de la vérification ]}

Le film d’espionnage Notorious a suivi en 1946. Hitchcock a dit à François Truffaut que Selznick l’avait vendu, ainsi que le scénario d’ Ingrid Bergman, Cary Grant et Ben Hecht , à RKO Radio Pictures sous la forme d’un “forfait” pour 500 000 $ (équivalent à 6,9 millions de dollars en 2021) en raison des dépassements de coûts sur Duel in the Sun de Selznick (1946). ^{[ citation nécessaire ]} Notorious met en vedette Bergman et Grant, tous deux collaborateurs d’Hitchcock, et présente un complot sur les nazis, l’uranium et l’Amérique du Sud. Son utilisation prémonitoire de l’uranium comme dispositif de complot l’a conduit à être brièvement placé sous surveillance par le Federal Bureau of Investigation . ^[150]Selon Patrick McGilligan, en mars 1945 ou vers cette date, Hitchcock et Hecht ont consulté Robert Millikan du California Institute of Technology au sujet du développement d’une bombe à uranium. Selznick s’est plaint que la notion était de la “science-fiction”, pour être confronté à la nouvelle de l’explosion de deux bombes atomiques sur Hiroshima et Nagasaki au Japon en août 1945. ^[151]

Photos transatlantiques Un plan typique de Rope (1948) avec James Stewart tournant le dos à la caméra fixe

Hitchcock a formé une société de production indépendante, Transatlantic Pictures , avec son ami Sidney Bernstein . Il a réalisé deux films avec Transatlantique, dont l’un était son premier film couleur. Avec Rope (1948), Hitchcock expérimente le suspense en milieu confiné, comme il l’avait fait plus tôt avec Lifeboat . Le film apparaît comme un nombre très limité de plans continus, mais il a en fait été tourné en 10 allant de 4 à 1 ⁄ 2à 10 minutes chacun; une longueur de film de 10 minutes était le maximum qu’un magazine de film d’appareil photo pouvait contenir à l’époque. Certaines transitions entre les rouleaux ont été masquées en ayant un objet sombre remplissant tout l’écran pendant un moment. Hitchcock a utilisé ces points pour masquer la coupe et a commencé la prise suivante avec la caméra au même endroit. Le film met en vedette James Stewart dans le rôle principal et était le premier des quatre films que Stewart a réalisés avec Hitchcock. Il s’inspire de l’ affaire Léopold et Loeb des années 1920. ^[152] La réponse critique à l’époque était mitigée. ^[153]

Under Capricorn (1949), qui se déroule dans l’Australie du XIXe siècle, utilise également la technique éphémère des prises longues, mais dans une mesure plus limitée. Il a de nouveau utilisé Technicolor dans cette production, puis est revenu au noir et blanc pendant plusieurs années. Transatlantic Pictures est devenu inactif après les deux derniers films. ^{[154] [155]} Hitchcock a filmé Stage Fright (1950) aux studios Elstree en Angleterre, où il avait travaillé pendant son contrat avec British International Pictures plusieurs années auparavant. ^[156] Il a jumelé l’une desstars les plus populaires de Warner Bros. , Jane Wyman , avec l’actrice allemande expatriée Marlene Dietrichet a utilisé plusieurs acteurs britanniques de premier plan, dont Michael Wilding , Richard Todd et Alastair Sim . ^[157] C’était la première véritable production d’Hitchcock pour Warner Bros., qui avait distribué Rope et Under Capricorn , car Transatlantic Pictures connaissait des difficultés financières. ^[158]

Son thriller Strangers on a Train (1951) était basé sur le roman du même nom de Patricia Highsmith . Hitchcock a combiné de nombreux éléments de ses films précédents. Il a approché Dashiell Hammett pour écrire le dialogue, mais Raymond Chandler a pris le relais, puis a laissé des désaccords avec le réalisateur. Dans le film, deux hommes se rencontrent par hasard, dont l’un spécule sur une méthode infaillible pour assassiner; il suggère que deux personnes, voulant chacune se débarrasser de quelqu’un, exécutent chacune le meurtre de l’autre. Le rôle de Farley Granger était celui de la victime innocente du stratagème, tandis que Robert Walker , précédemment connu pour ses rôles de “garçon d’à côté”, jouait le méchant. ^[159] I Confess (1953) se déroule au Québec avec Montgomery Clift en tant que prêtre catholique. ^[160]

Années de pointe : 1954-1964

Composez M pour le meurtre et la lunette arrière James Stewart et Grace Kelly dans Fenêtre arrière (1954)

I Confess a été suivi de trois films en couleur mettant en vedette Grace Kelly : Dial M for Murder (1954), Rear Window (1954) et To Catch a Thief (1955). Dans Dial M for Murder , Ray Milland joue le méchant qui tente d’assassiner sa femme infidèle (Kelly) pour son argent. Elle tue l’assassin à gages en légitime défense, alors Milland manipule les preuves pour les faire passer pour un meurtre. Son amant, Mark Halliday ( Robert Cummings ), et l’inspecteur de police Hubbard ( John Williams ) la sauvent de l’exécution. ^[161] Hitchcock a expérimenté la cinématographie 3D pour Dial M for Murder. ^[162]

Hitchcock a déménagé à Paramount Pictures et a filmé Fenêtre sur cour (1954), avec James Stewart et Grace Kelly, ainsi que Thelma Ritter et Raymond Burr . Le personnage de Stewart est un photographe nommé Jeff (basé sur Robert Capa ) qui doit temporairement utiliser un fauteuil roulant. Par ennui, il commence à observer ses voisins de l’autre côté de la cour, puis devient convaincu que l’un d’eux (Raymond Burr) a assassiné sa femme. Jeff parvient finalement à convaincre son copain policier ( Wendell Corey ) et sa petite amie (Kelly). Comme avec le canot de sauvetage et la corde, les personnages principaux sont représentés dans des locaux confinés ou exigus, en l’occurrence l’atelier de Stewart. Hitchcock utilise des gros plans du visage de Stewart pour montrer les réactions de son personnage, “du voyeurisme comique dirigé contre ses voisins à sa terreur impuissante en regardant Kelly et Burr dans l’appartement du méchant”. ^[163]

Alfred Hitchcock présente Pat Hitchcock avec sa fille Terry et son mari Joseph O’Connell, Alma Reville , Mary Alma O’Connell, Alfred Hitchcock (dans le sens des aiguilles d’une montre à partir du haut à gauche) , ch. 1955–1956

De 1955 à 1965, Hitchcock est l’animateur de la série télévisée Alfred Hitchcock Presents . ^[164] Avec sa livraison drôle, son humour de potence et son image emblématique, la série a fait d’Hitchcock une célébrité. La séquence-titre de l’émission mettait en scène une caricature minimaliste de son profil (il l’a dessinée lui-même ; elle est composée de seulement neuf traits), que sa vraie silhouette a ensuite remplie. ^[165] Le thème de la série était la Marche funèbre d’une marionnette du compositeur français Charles Gounod (1818–1893). ^[166]

Ses introductions incluaient toujours une sorte d’humour ironique, comme la description d’une récente exécution de plusieurs personnes entravée par le fait de n’avoir qu’une seule chaise électrique , tandis que deux sont montrées avec un panneau “Deux chaises – pas d’attente!” Il réalise 18 épisodes de la série, diffusée de 1955 à 1965. Elle devient The Alfred Hitchcock Hour en 1962, et NBC diffuse le dernier épisode le 10 mai 1965. Dans les années 1980, une nouvelle version d’ Alfred Hitchcock Presents est produite pour la télévision . , en utilisant les introductions originales d’Hitchcock sous une forme colorisée . ^[164]

Le succès d’Hitchcock à la télévision a engendré un ensemble de recueils de nouvelles en son nom; ceux-ci comprenaient l’anthologie d’Alfred Hitchcock , les histoires qu’ils ne me laisseraient pas faire à la télévision et les contes que ma mère ne m’a jamais dits . ^[167] En 1956, HSD Publications a également autorisé le nom du réalisateur à créer Alfred Hitchcock’s Mystery Magazine , un résumé mensuel spécialisé dans le crime et la fiction policière. ^[167] Les séries télévisées d’Hitchcock étaient très rentables et ses versions de livres en langue étrangère rapportaient jusqu’à 100 000 dollars par an (soit 920 000 dollars en 2021). ^[168]

De Attraper un voleur à Vertigo

En 1955, Hitchcock devient citoyen américain. ^[169] La même année, son troisième film de Grace Kelly, To Catch a Thief , est sorti ; il se déroule sur la Côte d’ Azur et met en vedette Kelly et Cary Grant. Grant incarne le voleur à la retraite John Robie, qui devient le principal suspect d’une série de cambriolages sur la Riviera. Une héritière américaine en quête de sensations fortes jouée par Kelly soupçonne sa véritable identité et tente de le séduire. “Malgré la différence d’âge évidente entre Grant et Kelly et une intrigue légère, le scénario plein d’esprit (chargé de doubles sens) et le jeu d’acteur bon enfant se sont avérés un succès commercial.” ^[170] C’était le dernier film d’Hitchcock avec Kelly; elle a épousé le prince Rainierde Monaco en 1956, et a mis fin à sa carrière cinématographique par la suite. Hitchcock a ensuite refait son propre film de 1934 L’homme qui en savait trop en 1956 . Cette fois, le film mettait en vedette James Stewart et Doris Day , qui ont chanté la chanson thème ” Que Sera, Sera “, qui a remporté l’ Oscar de la meilleure chanson originale et est devenue un grand succès. Ils incarnent un couple dont le fils est kidnappé pour les empêcher d’interférer avec un assassinat. Comme dans le film de 1934, l’apogée a lieu au Royal Albert Hall . ^[171]

The Wrong Man (1956), le dernier film d’Hitchcock pour Warner Bros., est une production discrète en noir et blanc basée sur un cas réel d’ erreur d’identité rapporté dans le magazine Life en 1953. C’était le seul film d’Hitchcock. pour jouer Henry Fonda , jouant un musicien du Stork Club pris pour un voleur de magasin d’alcools, qui est arrêté et jugé pour vol tandis que sa femme ( Vera Miles ) s’effondre émotionnellement sous la pression. Hitchcock a dit à Truffaut que sa peur permanente de la police l’avait attiré vers le sujet et était intégrée dans de nombreuses scènes. ^[172]

Kim Novak près du Golden Gate Bridge dans Vertigo (1958) ^[g]

Alors qu’il réalisait des épisodes pour Alfred Hitchcock Presents au cours de l’été 1957, Hitchcock fut admis à l’hôpital pour une hernie et des calculs biliaires et dut se faire retirer la vésicule biliaire . Après une opération réussie, il est immédiatement retourné au travail pour se préparer à son prochain projet. ^{[173] [153]} Vertigo (1958) a de nouveau joué James Stewart, avec Kim Novak et Barbara Bel Geddes . Il avait voulu que Vera Miles joue le rôle principal, mais elle était enceinte. Il a dit à Oriana Fallaci: “Je lui offrais un gros rôle, la chance de devenir une belle blonde sophistiquée, une vraie actrice. On y aurait dépensé des tas d’euros, et elle a le mauvais goût de tomber enceinte. Je déteste les femmes enceintes, parce qu’alors ils ont des enfants.” ^[174]

Dans Vertigo , Stewart incarne Scottie, un ancien enquêteur de la police souffrant d’ acrophobie , qui devient obsédé par une femme qu’il a été embauché pour suivre (Novak). L’obsession de Scottie mène à la tragédie, et cette fois Hitchcock n’a pas opté pour une fin heureuse. Certains critiques, dont Donald Spoto et Roger Ebert , s’accordent à dire que Vertigo est le film le plus personnel et le plus révélateur du réalisateur, traitant des obsessions à la Pygmalion d’un homme qui transforme une femme en la personne qu’il désire. Vertigo explore plus franchement et plus longuement son intérêt pour le rapport entre le sexe et la mort, que toute autre œuvre de sa filmographie. ^[175]

Vertigo contient une technique de caméra développée par Irmin Roberts, communément appelée zoom de chariot , qui a été copiée par de nombreux cinéastes. Le film a été présenté en première au Festival international du film de San Sebastián et Hitchcock a remporté le prix Silver Seashell. ^[176] Vertigo est considéré comme un classique, mais il a attiré des critiques mitigées et de faibles recettes au box-office à l’époque; ^[177] le critique du magazine Variety a estimé que le film était “trop ​​​​lent et trop long”. ^[178] Bosley Crowther du New York Times a pensé que c’était “diaboliquement tiré par les cheveux”, mais a loué les performances de la distribution et la direction de Hitchcock. ^[179]La photo était aussi la dernière collaboration entre Stewart et Hitchcock. ^{[180] Dans les sondages} Sight & Sound de 2002 , il se classait juste derrière Citizen Kane (1941); dix ans plus tard, dans le même magazine, les critiques le désignent comme le meilleur film jamais réalisé. ^[8]

Nord par Nord -Ouest et Psycho

Après Vertigo , le reste de 1958 fut une année difficile pour Hitchcock. Lors de la pré-production de North by Northwest (1959), qui était un processus « lent » et « angoissant », sa femme Alma a reçu un diagnostic de cancer. ^[181] Pendant qu’elle était à l’hôpital, Hitchcock s’occupait de son travail à la télévision et lui rendait visite tous les jours. Alma a subi une intervention chirurgicale et s’est complètement rétablie, mais cela a amené Hitchcock à imaginer, pour la première fois, la vie sans elle. ^[181]

Mosaïque psycho dans la galerie Hitchcock à la station de métro Leytonstone

Hitchcock a enchaîné avec trois autres films à succès, qui sont également reconnus comme parmi ses meilleurs : North by Northwest , Psycho (1960) et The Birds (1963). Dans North by Northwest , Cary Grant incarne Roger Thornhill, un directeur de la publicité de Madison Avenue qui est pris pour un agent secret du gouvernement. Il est poursuivi à travers les États-Unis par des agents ennemis, dont Eve Kendall ( Eva Marie Saint ). Au début, Thornhill croit que Kendall l’aide, mais se rend compte ensuite qu’elle est un agent ennemi; il apprend plus tard qu’elle travaille sous couverture pour la CIA . Lors de son ouverture de deux semaines au Radio City Music Hall, le film a rapporté 404 056 $ (équivalent à 3,8 millions de dollars en 2021), établissant un record brut hors vacances pour ce théâtre. ^{[182] Le magazine} Time a qualifié le film de “facilement appliqué à la truelle et complètement divertissant”. ^[183]

Psycho (1960) est sans doute le film le plus connu d’Hitchcock. ^[184] Basé sur le roman Psycho de 1959 de Robert Bloch , inspiré du cas d’ Ed Gein , ^[185] le film a été produit avec un budget serré de 800 000 $ (équivalent à 7,3 millions de dollars en 2021) et tourné en noir et blanc. -blanc sur un plateau de rechange avec des membres d’équipage d’ Alfred Hitchcock Presents . ^[186] La violence sans précédent de la scène de la douche, ^[h] la mort prématurée de l’héroïne et les vies innocentes éteintes par un meurtrier dérangé sont devenues les caractéristiques d’un nouveau genre de film d’horreur. ^[188]Le film s’est avéré populaire auprès du public, avec des files d’attente à l’extérieur des salles pendant que les téléspectateurs attendaient la prochaine projection. Il a battu des records au box-office au Royaume-Uni, en France, en Amérique du Sud, aux États-Unis et au Canada, et a été un succès modéré en Australie pendant une brève période. ^{[189] [ page nécessaire ]}

Psycho a été le plus rentable de la carrière d’Hitchcock, et il a personnellement gagné plus de 15 millions de dollars (équivalent à 140 millions de dollars en 2021). Il a ensuite troqué ses droits sur Psycho et son anthologie télévisée contre 150 000 actions de MCA , faisant de lui le troisième actionnaire et son propre patron chez Universal, en théorie du moins, même si cela n’a pas empêché les interférences des studios. ^{[189] [ page nécessaire ] [190]} Suite au premier film, Psycho est devenu une franchise d’horreur américaine : Psycho II , Psycho III , Bates Motel , Psycho IV : The Beginning , et une couleur1998 remake de l’original. ^[191]

Entretien Truffaut

Le 13 août 1962, jour du 63e anniversaire d’Hitchcock, le réalisateur français François Truffaut entame une interview de 50 heures d’Hitchcock, filmée pendant huit jours aux studios Universal, au cours de laquelle Hitchcock accepte de répondre à 500 questions. Il a fallu quatre ans pour transcrire les bandes et organiser les images ; il a été publié sous forme de livre en 1967, que Truffaut a surnommé le “Hitchbook”. Les bandes audio ont servi de base à un documentaire en 2015. ^{[192] [193]}Truffaut a demandé l’interview parce qu’il était clair pour lui qu’Hitchcock n’était pas simplement l’artiste grand public que les médias américains faisaient de lui. Il était évident d’après ses films, écrit Truffaut, qu’Hitchcock avait « plus réfléchi au potentiel de son art que n’importe lequel de ses collègues ». Il a comparé l’interview à “la consultation d’Œdipe de l’oracle”. ^[194]

Les oiseaux Bande-annonce de The Birds (1963), dans laquelle Hitchcock discute du traitement réservé par l’humanité à “nos amis à plumes”

Le spécialiste du cinéma Peter William Evans a écrit que The Birds (1963) et Marnie (1964) sont considérés comme des “chefs-d’œuvre incontestés”. ^[153] Hitchcock avait l’intention de filmer Marnie en premier, et en mars 1962, il fut annoncé que Grace Kelly, la princesse Grace de Monaco depuis 1956, sortirait de sa retraite pour y jouer le rôle principal. ^[195] Lorsque Kelly demande à Hitchcock de reporter Marnie jusqu’en 1963 ou 1964, il recrute Evan Hunter , auteur de The Blackboard Jungle (1954), pour développer un scénario basé sur une nouvelle de Daphné du Maurier , « Les Oiseaux » (1952), qu’Hitchcock avait republié dans sonMes favoris à suspense (1959). Il a embauché Tippi Hedren pour jouer le rôle principal. ^[196] C’était son premier rôle; elle avait été mannequin à New York quand Hitchcock l’a vue, en octobre 1961, dans une publicité télévisée NBC pour Sego , une boisson diététique : ^[197] “Je l’ai signée parce qu’elle est une beauté classique. Les films n’en ont pas plus. Grace Kelly était la dernière. Il a insisté, sans explication, pour que son prénom soit écrit entre guillemets simples : « Tippi ». ^[je]

Dans The Birds , Melanie Daniels, une jeune mondaine, rencontre l’avocat Mitch Brenner ( Rod Taylor ) dans une boutique d’oiseaux ; Jessica Tandy joue sa mère possessive. Hedren lui rend visite à Bodega Bay (où The Birds a été filmé) ^[198] portant une paire de tourtereaux en cadeau. Soudain, des vagues d’oiseaux commencent à se rassembler, à observer et à attaquer. La question : “Que veulent les oiseaux ?” est laissé sans réponse. ^[200] Hitchcock a réalisé le film avec du matériel du Revue Studio, qui a réalisé Alfred Hitchcock Presents. Il a dit que c’était son film le plus difficile sur le plan technique, utilisant une combinaison d’oiseaux entraînés et mécaniques sur fond d’oiseaux sauvages. Chaque plan a été esquissé à l’avance. ^[198]

Un téléfilm HBO / BBC , The Girl (2012), a décrit les expériences d’Hedren sur le plateau; elle a dit qu’Hitchcock était devenu obsédé par elle et l’avait harcelée sexuellement. Il l’aurait isolée du reste de l’équipage, l’aurait fait suivre, lui aurait chuchoté des obscénités, aurait fait analyser son écriture et aurait fait construire une rampe depuis son bureau privé directement dans sa caravane. ^{[201] [202]} Diane Baker , sa co-vedette dans Marnie , a déclaré: “[R] rien n’aurait pu être plus horrible pour moi que d’arriver sur ce plateau de tournage et de la voir être traitée comme elle l’était.” ^[203]Pendant le tournage de la scène de l’attaque dans le grenier – qui a pris une semaine à filmer – elle a été placée dans une pièce en cage tandis que deux hommes portant des gants de protection jusqu’aux coudes lui lançaient des oiseaux vivants. Vers la fin de la semaine, pour empêcher les oiseaux de s’envoler trop tôt, une patte de chaque oiseau était attachée par du fil de nylon à des élastiques cousus à l’intérieur de ses vêtements. Elle s’est effondrée après qu’un oiseau lui ait coupé la paupière inférieure et le tournage a été interrompu sur ordre du médecin. ^[204]

Entretien avec Oriana Fallaci

Dans une interview d’ Oriana Fallaci lors de la projection des Oiseaux à Cannes en 1963. Alfred Hitchcock déclare sa phobie des œufs (ovophobie). Il a déclaré: “J’ai peur des œufs, pire qu’effrayé; ils me révoltent.” Transcrit ici

Marnie Bande-annonce de Marnie (1964)

En juin 1962, Grace Kelly annonce qu’elle a renoncé à jouer dans Marnie (1964). Hedren avait signé un contrat exclusif de sept ans à 500 dollars par semaine avec Hitchcock en octobre 1961, ^[205] et il décida de lui confier le rôle principal face à Sean Connery . En 2016, décrivant la performance de Hedren comme “l’une des plus grandes de l’histoire du cinéma”, Richard Brodya qualifié le film d'”histoire de violences sexuelles” infligées au personnage joué par Hedren : “Le film est, pour le dire simplement, malade, et c’est ainsi parce qu’Hitchcock était malade. Il a souffert toute sa vie d’un désir sexuel furieux, a souffert de l’absence de sa gratification, a souffert de l’incapacité de transformer la fantaisie en réalité, puis est allé de l’avant et l’a fait virtuellement, par le biais de son art.” ^{[206] Une critique de film} du New York Times de 1964 l’ a qualifié de “film le plus décevant de Hitchcock depuis des années”, citant le manque d’expérience de Hedren et Connery, un scénario amateur et “des décors en carton manifestement faux”. ^[207]

Dans le film, Marnie Edgar (Hedren) vole 10 000 $ à son employeur et part en fuite. Elle postule pour un emploi dans l’entreprise de Mark Rutland (Connery) à Philadelphie et y vole également. Plus tôt, on lui a montré qu’elle avait une attaque de panique lors d’un orage et qu’elle craignait la couleur rouge. Mark la retrouve et la fait chanter pour qu’elle l’épouse. Elle explique qu’elle ne veut pas être touchée, mais pendant la “lune de miel”, Mark la viole. Marnie et Mark découvrent que la mère de Marnie était une prostituée quand Marnie était enfant, et que, pendant que la mère se battait avec un client pendant un orage – la mère croyait que le client avait tenté d’agresser Marnie – Marnie avait tué le client pour sauver sa mère. Guérie de ses peurs lorsqu’elle se souvient de ce qui s’est passé, elle décide de rester avec Mark. ^{[206] [208]}

Les Hitchcocks avec la Première Dame Pat Nixon et la première fille Julie Nixon Eisenhower en 1969

Hitchcock a déclaré au directeur de la photographie Robert Burks que la caméra devait être placée aussi près que possible de Hedren lorsqu’il filmait son visage. ^[209] Evan Hunter , le scénariste des Oiseaux qui écrivait aussi Marnie , a expliqué à Hitchcock que, si Mark aimait Marnie, il la réconforterait, pas la violerait. Hitchcock aurait répondu : “Evan, quand il la met en elle, je veux cette caméra directement sur son visage !” ^[210] Lorsque Hunter a soumis deux versions du scénario, une sans la scène de viol, Hitchcock l’a remplacé par Jay Presson Allen . ^[211]

Années ultérieures: 1966-1980

Films finaux

Une santé défaillante a réduit la production d’Hitchcock au cours des deux dernières décennies de sa vie. Le biographe Stephen Rebello a affirmé qu’Universal lui avait imposé deux films, Torn Curtain (1966) et Topaz (1969), ce dernier étant basé sur un roman de Leon Uris , se déroulant en partie à Cuba. ^[212] Les deux étaient des thrillers d’espionnage avec des thèmes liés à la guerre froide . Torn Curtain , avec Paul Newman et Julie Andrews , a précipité la fin amère de la collaboration de 12 ans entre Hitchcock et le compositeur Bernard Herrmann . ^[213] Hitchcock était mécontent du score de Herrmann et l’a remplacé parJohn Addison , Jay Livingston et Ray Evans . ^[214] À sa sortie, Torn Curtain a été une déception au box-office, ^[215] et Topaz n’a pas été aimé par les critiques et le studio. ^[216]

Hitchcock au travail sur Family Plot , San Francisco, été 1975

Hitchcock est retourné en Grande-Bretagne pour réaliser son avant-dernier film, Frenzy (1972), basé sur le roman Goodbye Piccadilly, Farewell Leicester Square (1966). Après deux films d’espionnage, l’intrigue marque un retour au genre thriller-meurtre. Richard Blaney ( Jon Finch ), un barman instable avec une histoire de colère explosive, devient le principal suspect dans l’enquête sur les ” Necktie Murders “, qui sont en fait commis par son ami Bob Rusk ( Barry Foster ). Cette fois, Hitchcock fait de la victime et du méchant des parents plutôt que des opposés comme dans Strangers on a Train . ^[217]

Dans Frenzy , Hitchcock a autorisé la nudité pour la première fois. Deux scènes montrent des femmes nues, dont l’une est violée et étranglée ; ^[153] Donald Spoto a appelé ce dernier “l’un des exemples les plus répulsifs d’un meurtre détaillé dans l’histoire du film”. Les deux acteurs, Barbara Leigh-Hunt et Anna Massey , ont refusé de faire les scènes, alors des modèles ont été utilisés à la place. ^{[218] Les} biographes ont noté qu’Hitchcock avait toujours repoussé les limites de la censure cinématographique, réussissant souvent à tromper Joseph Breen , le chef du Motion Picture Production Code. Hitchcock y ajouterait des indices subtils d’irrégularités interdites par la censure jusqu’au milieu des années 1960. Pourtant, Patrick McGilligan a écrit que Breen et d’autres se rendaient souvent compte qu’Hitchcock insérait un tel matériel et étaient en fait amusés, ainsi qu’alarmés par les «inférences inévitables» de Hitchcock. ^[219]

Family Plot (1976) est le dernier film d’Hitchcock. Il relate les frasques de “Madame” Blanche Tyler, jouée par Barbara Harris , une spiritualiste frauduleuse, et son amant chauffeur de taxi Bruce Dern , vivant de ses pouvoirs bidon. Alors que Family Plot était basé sur leroman de Victor Canning The Rainbird Pattern (1972), le ton du roman est plus sinistre. Le scénariste Ernest Lehman a initialement écrit le film, sous le titre provisoire Deception , avec un ton sombre mais a été poussé à un ton plus léger, plus comique par Hitchcock où il a pris le nom Deceit , puis finalement, Family Plot . ^[220]

Chevalerie et mort c. 1972 de Jack Mitchell

Vers la fin de sa vie, Hitchcock travaillait sur le scénario d’un thriller d’espionnage, The Short Night , en collaboration avec James Costigan , Ernest Lehman et David Freeman . Malgré un travail préliminaire, il n’a jamais été filmé. La santé d’Hitchcock déclinait et il s’inquiétait pour sa femme, victime d’un accident vasculaire cérébral. Le scénario a finalement été publié dans le livre de Freeman Les derniers jours d’Alfred Hitchcock (1999). ^[221]

Ayant refusé un CBE en 1962, ^[222] Hitchcock a été nommé Chevalier Commandeur de l’Ordre le plus excellent de l’Empire britannique (KBE) lors des honneurs du Nouvel An de 1980 . ^{[11] [223]} Il était trop malade pour se rendre à Londres – il avait un stimulateur cardiaque et recevait des injections de cortisone pour son arthrite – donc le 3 janvier 1980, le consul général britannique lui a présenté les papiers à Universal Studios. Interrogé par un journaliste après la cérémonie pourquoi cela avait pris si longtemps à la reine, Hitchcock a plaisanté: “Je suppose que c’était une question de négligence.” Cary Grant, Janet Leigh et d’autres ont ensuite assisté à un déjeuner. ^{[224] [225]}

Sa dernière apparition publique a eu lieu le 16 mars 1980, lorsqu’il a présenté le lauréat de l’année suivante du prix de l’American Film Institute. ^[224] Il est décédé d’une insuffisance rénale le mois suivant, le 29 avril, dans sa maison de Bel Air . ^{[125] [226]} Donald Spoto , l’un des biographes d’Hitchcock, a écrit qu’Hitchcock avait refusé de voir un prêtre, ^[227] mais selon le prêtre jésuite Mark Henninger, lui et un autre prêtre, Tom Sullivan, ont célébré la messe chez le cinéaste, et Sullivan a entendu sa confession . ^[228]Hitchcock laisse dans le deuil sa femme et sa fille. Ses funérailles ont eu lieu à l’église catholique Good Shepherd de Beverly Hills le 30 avril, après quoi son corps a été incinéré. Ses restes ont été dispersés au-dessus de l’océan Pacifique le 10 mai 1980. ^[229]

Réalisation

Style et thèmes

Apparition d’Hitchcock dans The Lady Vanishes (1938)

La carrière de production cinématographique d’Hitchcock a évolué de films muets à petite échelle à des films sonores financièrement importants. Hitchcock a fait remarquer qu’il était influencé par les premiers cinéastes George Méliès, DW Griffith et Alice Guy-Blaché. ^[230] Ses films muets entre 1925 et 1929 étaient dans les genres de crime et de suspense, mais ont également inclus des mélodrames et des comédies. Alors que la narration visuelle était pertinente à l’époque du muet, même après l’arrivée du son, Hitchcock s’appuyait toujours sur le visuel au cinéma ; Hitchcock a qualifié cet accent mis sur la narration visuelle de « cinéma pur ». ^[231]En Grande-Bretagne, il a perfectionné son art de sorte qu’au moment où il a déménagé à Hollywood, le réalisateur avait perfectionné son style et ses techniques de caméra. Hitchcock a déclaré plus tard que son travail britannique était la “sensation du cinéma”, alors que la phase américaine était celle où ses “idées ont été fertilisées”. ^[232] L’érudit Robin Wood écrit que les deux premiers films du réalisateur, The Pleasure Garden et The Mountain Eagle , ont été influencés par l’expressionnisme allemand . Par la suite, il découvre le cinéma soviétique et les théories du montage de Sergueï Eisenstein et de Vsevolod Poudovkine . ^[68] Le locataire de 1926s’est inspiré à la fois de l’esthétique allemande et soviétique, des styles qui ont solidifié le reste de sa carrière. ^[233] Bien que le travail d’Hitchcock dans les années 1920 ait trouvé un certain succès, plusieurs critiques britanniques ont critiqué les films d’Hitchcock pour être non originaux et vaniteux. ^[234] Raymond Durgnat a estimé que les films d’Hitchcock étaient soigneusement et intelligemment construits, mais pensait qu’ils pouvaient être superficiels et présenter rarement une “vision du monde cohérente”. ^[235]

Gagnant le titre de “Maître du suspense”, le réalisateur a expérimenté des moyens de générer de la tension dans son travail. ^[234] Il a dit : “Mon travail de suspense vient de la création de cauchemars pour le public. Et je joue avec un public. Je les fais haleter et les surprendre et les choquer. Quand vous avez un cauchemar, c’est terriblement vif si vous êtes rêver qu’on vous conduit à la chaise électrique. Ensuite, vous êtes aussi heureux que possible lorsque vous vous réveillez parce que vous êtes soulagé. ^[236] Pendant le tournage de North by Northwest , Hitchcock a expliqué ses raisons de recréer l’ensemble de Mount Rushmore: “Le public réagit proportionnellement à votre réalisme. L’une des raisons dramatiques de ce type de photographie est de la rendre si naturelle que le public s’implique et croit, pour le moment, à ce qui se passe là-haut. l’écran.” ^[236]

Les films d’Hitchcock, du muet à l’ère du son, contenaient un certain nombre de thèmes récurrents pour lesquels il est célèbre. Ses films explorent le public comme un voyeur , notamment dans Fenêtre sur cour , Marnie et Psycho . Il a compris que les êtres humains aiment les activités voyeuristes et y a fait participer le public à travers les actions du personnage. ^[237] De ses cinquante-trois films, onze tournaient autour d’histoires d’ identité erronée , où un protagoniste innocent est accusé d’un crime et poursuivi par la police. Dans la plupart des cas, il s’agit d’une personne ordinaire, ordinaire, qui se retrouve dans une situation dangereuse. ^[238]Hitchcock a déclaré à Truffaut: “C’est parce que le thème de l’innocent accusé, je pense, donne au public un plus grand sentiment de danger. Il est plus facile pour eux de s’identifier à lui qu’à un coupable en fuite.” ^[238] L’un de ses thèmes constants était la lutte d’une personnalité déchirée entre “l’ordre et le chaos” ; ^[239] dite notion de « double », qui est une comparaison ou un contraste entre deux personnages ou objets : le double représentant un côté obscur ou mauvais. ^[153]

Selon Robin Wood, Hitchcock avait des sentiments mitigés envers l’homosexualité malgré avoir travaillé avec des acteurs homosexuels dans sa carrière. ^[240] Donald Spoto suggère que l’ enfance sexuellement répressive d’Hitchcock peut avoir contribué à son exploration de la déviance . ^[240] Au cours des années 1950, le Motion Picture Production Code interdisait les références directes à l’homosexualité, mais le réalisateur était connu pour ses références subtiles, ^[241] et repoussant les limites de la censure. De plus, Shadow of a Doubt a un double thème d’ inceste à travers le scénario, exprimé implicitement à travers des images. ^[242]L’auteur Jane Sloan soutient qu’Hitchcock était attiré à la fois par l’expression sexuelle conventionnelle et non conventionnelle dans son travail, ^[243] et que le thème du mariage était généralement présenté d’une manière “sombre et sceptique”. ^[244] Ce n’est également qu’après la mort de sa mère en 1942 qu’Hitchcock a dépeint les personnages maternels comme des “mères monstres notoires”. ^[134] La toile de fond de l’ espionnage et les meurtres commis par des personnages aux tendances psychopathes étaient également des thèmes communs. ^[245] Dans la représentation d’Hitchcock des méchants et des meurtriers, ils étaient généralement charmants et amicaux, forçant les téléspectateurs à s’identifier à eux. ^[246]L’enfance stricte et l’éducation jésuite du réalisateur ont peut-être conduit à sa méfiance envers les personnalités autoritaires telles que les policiers et les politiciens; un thème qu’il a exploré. ^[153] En outre, il a utilisé le ” MacGuffin ” – l’utilisation d’un objet, d’une personne ou d’un événement pour faire avancer l’intrigue même si elle n’était pas essentielle à l’histoire. ^[247] Quelques exemples incluent le microfilm dans North by Northwest et les 40 000 $ volés dans Psycho .

Hitchcock apparaît brièvement dans la plupart de ses propres films. Par exemple, on le voit lutter pour faire monter une contrebasse dans un train ( Strangers on a Train ), sortir des chiens d’une animalerie ( The Birds ), réparer l’horloge d’un voisin ( Rear Window ), comme une ombre ( Family Plot ) , assis à une table sur une photographie ( Composez M pour meurtre ) et dans un bus ( North by Northwest , To Catch a Thief ). ^[88]

Représentation des femmes

La représentation des femmes par Hitchcock a fait l’objet de nombreux débats scientifiques. Bidisha a écrit dans The Guardian en 2010 : “Il y a le vampire, le clochard, le vif d’or, la sorcière, le slink, le double-crosser et, le meilleur de tous, la maman démon. Ne vous inquiétez pas, ils sont tous punis dans le finir.” ^[248] Dans un essai largement cité en 1975, Laura Mulvey introduit l’idée du regard masculin ; la vision du spectateur dans les films d’Hitchcock, selon elle, est celle du protagoniste masculin hétérosexuel. ^[249] “Les personnages féminins de ses films reflétaient sans cesse les mêmes qualités”, Roger Ebertécrivait en 1996 : « Elles étaient blondes. Elles étaient glaciales et lointaines. Elles étaient emprisonnées dans des costumes qui mêlaient subtilement la mode au fétichisme. Elles hypnotisaient les hommes, qui avaient souvent des handicaps physiques ou psychiques. ” ^{[250] [j]}

Kim Novak et James Stewart dans Vertige (1958)

Les victimes de The Lodger sont toutes blondes. Dans Les 39 marches , Madeleine Carroll est menottée. Ingrid Bergman , que Hitchcock a dirigée trois fois ( Spellbound , Notorious et Under Capricorn ), est blonde foncée. Dans Fenêtre sur cour , Lisa ( Grace Kelly ) risque sa vie en s’introduisant par effraction dans l’appartement de Lars Thorwald. Dans Pour attraper un voleur , Francie (également Kelly) propose d’aider un homme qu’elle croit être un cambrioleur. Dans Vertigo et North by Northwest respectivement, Kim Novak et Eva Marie Saintjouer les héroïnes blondes. Dans Psycho , le personnage de Janet Leigh vole 40 000 $ et est assassiné par Norman Bates , un psychopathe reclus. Tippi Hedren , une blonde, semble être au centre des attaques dans Les Oiseaux . Dans Marnie , le personnage principal, à nouveau joué par Hedren, est un voleur. Dans Topaz , les actrices françaises Dany Robin en tant que femme de Stafford et Claude Jade en tant que fille de Stafford sont des héroïnes blondes, la maîtresse était interprétée par la brune Karin Dor . La dernière héroïne blonde d’Hitchcock était Barbara Harris en tant que médium bidon devenu détective amateur dansFamily Plot (1976), son dernier film. Dans le même film, le contrebandier de diamants joué par Karen Black porte une longue perruque blonde dans plusieurs scènes.

Ses films mettent souvent en scène des personnages en difficulté dans leurs relations avec leur mère, comme Norman Bates dans Psycho . Dans North by Northwest , Roger Thornhill ( Cary Grant ) est un homme innocent ridiculisé par sa mère pour avoir insisté sur le fait que des hommes ténébreux et meurtriers le poursuivaient. Dans The Birds , le personnage de Rod Taylor, un homme innocent, trouve son monde attaqué par des oiseaux vicieux, et lutte pour se libérer d’une mère accrochée ( Jessica Tandy ). Le tueur de Frenzy déteste les femmes mais idolâtre sa mère. Le méchant Bruno dans Strangers on a Train déteste son père, mais a une relation incroyablement étroite avec sa mère (jouée parMarion Lorne ). Sebastian ( Claude Rains ) dans Notorious a une relation clairement conflictuelle avec sa mère, qui se méfie (à juste titre) de sa nouvelle épouse, Alicia Huberman ( Ingrid Bergman ). ^[252]

Relation avec les acteurs

Je lui ai dit que mon idée d’un bon acteur ou d’une bonne actrice est quelqu’un qui ne sait rien faire très bien. … J’ai dit: “C’est l’une des choses que vous devez apprendre pour avoir … autorité.” Hors de l’autorité vient le contrôle et hors de contrôle vous obtenez la gamme … Que vous fassiez peu de jeu, beaucoup de jeu dans une scène donnée. Vous savez exactement où vous allez. Et c’étaient les premières choses qu’elle devait savoir. L’émotion vient plus tard et le contrôle de la voix vient plus tard. Mais, en elle-même, elle a dû apprendre l’autorité d’abord et avant tout, car de l’autorité vient le moment.

—Alfred Hitchcock (1967) ^[253]

Hitchcock est devenu connu pour avoir fait remarquer que “les acteurs doivent être traités comme du bétail”. ^{[254] [k]} Lors du tournage de Mr. & Mrs. Smith (1941), Carole Lombard a amené trois vaches sur le plateau portant les badges de Lombard, Robert Montgomery et Gene Raymond , les stars du film, pour surprendre lui. ^[254] Dans un épisode de The Dick Cavett Show , initialement diffusé le 8 juin 1972, Dick Cavetta déclaré comme fait qu’Hitchcock avait autrefois appelé les acteurs du bétail. Hitchcock a répondu en disant qu’à un moment donné, il avait été accusé d’appeler les acteurs du bétail. “J’ai dit que je ne dirais jamais une chose aussi insensible et grossière à propos des acteurs. Ce que j’ai probablement dit, c’est que tous les acteurs devraient être traités comme du bétail… D’une manière agréable bien sûr.” Il a ensuite décrit la blague de Carole Lombard, avec un sourire. ^[255]

Hitchcock pensait que les acteurs devaient se concentrer sur leurs performances et laisser le travail sur le scénario et le personnage aux réalisateurs et scénaristes. Il a dit à Bryan Forbes en 1967 : “Je me souviens d’avoir discuté avec un acteur de la méthode de la façon dont on lui a appris et ainsi de suite. Il a dit : ‘On nous apprend à utiliser l’improvisation. On nous donne une idée, puis on nous libère pour nous développer de quelque manière que ce soit. nous voulons.’ J’ai dit: “Ce n’est pas jouer. C’est écrire.” ” ^[128]

Rappelant leurs expériences sur Lifeboat pour Charles Chandler, auteur de It’s Only a Movie: Alfred Hitchcock A Personal Biography, Walter Slezak a déclaré qu’Hitchcock “en savait plus sur la façon d’aider un acteur que n’importe quel réalisateur avec qui j’ai jamais travaillé”, et Hume Cronyn a rejeté le idée qu’Hitchcock ne se souciait pas de ses acteurs comme “tout à fait fallacieux”, décrivant longuement le processus de répétition et de tournage de Lifeboat . ^[256]

Les critiques ont observé que, malgré sa réputation d’homme qui n’aimait pas les acteurs, les acteurs qui travaillaient avec lui donnaient souvent de brillantes performances. Il a utilisé les mêmes acteurs dans plusieurs de ses films; Cary Grant et James Stewart ont tous deux travaillé avec Hitchcock quatre fois, ^[257] et Ingrid Bergman et Grace Kelly trois. James Mason a déclaré qu’Hitchcock considérait les acteurs comme des “accessoires animés”. ^[258]Pour Hitchcock, les acteurs faisaient partie du décor du film. Il a déclaré à François Truffaut : “La principale condition requise pour un acteur est la capacité de ne rien faire bien, ce qui n’est en aucun cas aussi facile qu’il y paraît. Il doit être prêt à être utilisé et entièrement intégré dans l’image par le réalisateur et la caméra. . Il doit permettre à la caméra de déterminer l’emphase appropriée et les moments forts dramatiques les plus efficaces.” ^[259]

Ecriture, storyboards et production

Hitchcock a planifié ses scripts en détail avec ses écrivains. Dans Writing with Hitchcock (2001), Steven DeRosa a noté que Hitchcock les supervisait à travers chaque brouillon, leur demandant de raconter l’histoire visuellement. ^[260] Hitchcock a déclaré à Roger Ebert en 1969 :

Une fois le scénario terminé, autant ne pas faire le film du tout. Tout le plaisir est terminé. J’ai un esprit fortement visuel. Je visualise une image jusque dans les coupes finales. J’écris tout cela dans les moindres détails dans le scénario, puis je ne regarde pas le scénario pendant que je tourne. Je le connais par cœur, tout comme un chef d’orchestre n’a pas besoin de regarder la partition. C’est mélancolique de prendre une photo. Lorsque vous avez terminé le scénario, le film est parfait. Mais en le filmant, vous perdez peut-être 40 % de votre conception originale. ^[261]

Les films de Hitchcock ont ​​été largement scénarisés dans les moindres détails. Il a été signalé qu’il n’avait même jamais pris la peine de regarder dans le viseur , car il n’en avait pas besoin, bien que sur des photos publicitaires, il ait été montré en train de le faire. Il a également utilisé cela comme une excuse pour ne jamais avoir à changer ses films de sa vision initiale. Si un studio lui demandait de changer un film, il prétendrait qu’il avait déjà été tourné d’une seule manière et qu’il n’y avait pas d’autre prise à envisager. ^[262]

Hitchcock au mont Rushmore en train de filmer North by Northwest (1959)

Cette vision d’Hitchcock en tant que réalisateur qui s’appuyait davantage sur la pré-production que sur la production elle-même a été contestée par Bill Krohn, le correspondant américain du magazine de cinéma français Cahiers du cinéma , dans son livre Hitchcock at Work . Après avoir enquêté sur les révisions du scénario, les notes adressées à d’autres membres du personnel de production écrites par ou à Hitchcock et d’autres documents de production, Krohn a observé que le travail d’Hitchcock s’écartait souvent de la façon dont le scénario était écrit ou de la façon dont le film était initialement envisagé. ^[263]Il a noté que le mythe des storyboards en relation avec Hitchcock, souvent régurgité par des générations de commentateurs sur ses films, était en grande partie perpétué par Hitchcock lui-même ou la régie publicitaire des studios. Par exemple, la célèbre séquence de pulvérisation des cultures de North by Northwest n’a pas du tout été scénarisée. Après le tournage de la scène, le service de publicité a demandé à Hitchcock de créer des storyboards pour promouvoir le film, et Hitchcock a à son tour embauché un artiste pour faire correspondre les scènes en détail. ^{[264] [ vérification nécessaire ]}

Même lorsque des storyboards ont été réalisés, les scènes tournées en différaient considérablement. L’analyse de Krohn de la production de classiques d’Hitchcock comme Notorious révèle qu’Hitchcock était suffisamment flexible pour changer la conception d’un film pendant sa production. Un autre exemple que Krohn note est le remake américain de The Man Who Knew Too Much, dont le calendrier de tournage a commencé sans scénario fini et a en outre dépassé le calendrier, ce qui, comme le note Krohn, n’était pas rare sur de nombreux films de Hitchcock, y compris Étrangers sur un train et topaze. Bien qu’Hitchcock ait fait beaucoup de préparation pour tous ses films, il était pleinement conscient que le processus de réalisation du film s’écartait souvent des plans les mieux conçus et était flexible pour s’adapter aux changements et aux besoins de la production car ses films n’étaient pas libre des tracas normaux rencontrés et des routines courantes utilisées lors de nombreuses autres productions cinématographiques. ^{[264] [ vérification nécessaire ]}

40:15 Entretien avec Hitchcock, v. 1966

Le travail de Krohn met également en lumière la pratique d’Hitchcock de tourner généralement dans l’ordre chronologique, qui, selon lui, a envoyé de nombreux films au-delà du budget et du calendrier et, plus important encore, différait de la procédure d’exploitation standard d’Hollywood à l’ère du système de studio. Tout aussi importante est la tendance d’Hitchcock à tourner des scènes alternatives. Cela différait de la couverture en ce que les films n’étaient pas nécessairement tournés sous des angles différents afin de donner à l’éditeur la possibilité de façonner le film comme il l’avait choisi (souvent sous l’égide du producteur). ^{[265] [ échec de la vérification ]} Ils représentaient plutôt la tendance d’Hitchcock à se donner des options dans la salle de montage, où il donnerait des conseils à ses éditeurs après avoir visionné un premier montage de l’œuvre.

Selon Krohn, cela et beaucoup d’autres informations révélées par ses recherches sur les papiers personnels d’Hitchcock, les révisions de scripts, etc., réfutent la notion d’Hitchcock en tant que réalisateur qui contrôlait toujours ses films, dont la vision de ses films n’était pas changement au cours de la production, qui, selon Krohn, est resté le mythe central de longue date d’Alfred Hitchcock. Sa minutie et son souci du détail se sont également retrouvés dans chaque affiche de film de ses films. Hitchcock a préféré travailler avec les meilleurs talents de son époque – des concepteurs d’affiches de films tels que Bill Gold ^[266] et Saul Bass – qui produisaient des affiches qui représentaient fidèlement ses films. ^[264]

Héritage

Prix ​​et distinctions

L’une des stars d’Hitchcock sur le Hollywood Walk of Fame

Hitchcock a été intronisé au Hollywood Walk of Fame le 8 février 1960 avec deux étoiles : une pour la télévision et une seconde pour ses films. ^[267] En 1978, John Russell Taylor l’a décrit comme “la personne la plus universellement reconnaissable au monde” et “un Anglais simple de la classe moyenne qui s’est avéré justement être un génie artistique”. ^[225] En 2002, MovieMaker l’a nommé le réalisateur le plus influent de tous les temps, ^[268] et un sondage des critiques du Daily Telegraph en 2007 l’a classé le plus grand réalisateur britannique. ^[269]David Gritten, le critique de cinéma du journal, a écrit : « Incontestablement le plus grand cinéaste à avoir émergé de ces îles, Hitchcock a fait plus que n’importe quel réalisateur pour façonner le cinéma moderne, qui serait complètement différent sans lui. Son flair était pour la narration, retenant cruellement des informations cruciales. (de ses personnages et de nous) et engageant les émotions du public comme personne d’autre.” ^[270] En 1992, le sondage Sight & Sound Critics a classé Hitchcock au n ° 4 dans sa liste des “10 meilleurs réalisateurs” de tous les temps. ^[271] En 2002, Hitchcock a été classé 2e dans le top 10 des critiques ^[272] et 5e dans le top 10 des réalisateurs ^[273] dans la liste des plus grands réalisateurs de tous les temps.compilé par le magazine Sight & Sound . Hitchcock a été élu “le plus grand réalisateur du 20e siècle” dans un sondage réalisé par le magazine de cinéma japonais kinema Junpo . En 1996, Entertainment Weekly a classé Hitchcock au premier rang de sa liste des «50 plus grands réalisateurs». ^{[274] [275]} Hitchcock a été classé n ° 2 sur la liste des “40 plus grands réalisateurs de tous les temps” du magazine Empire en 2005. ^[274] En 2007, le magazine Total Film a classé Hitchcock au n ° 1 sur ses “100 plus grands réalisateurs”. Liste des réalisateurs de films de tous les temps”. ^[276]

Une plaque bleue du patrimoine anglais marque l’endroit où Hitchcock a vécu au 153 Cromwell Road, Kensington, Londres.

Il a remporté deux Golden Globes , huit Laurel Awards et cinq prix pour l’ensemble de ses réalisations , dont le premier BAFTA Academy Fellowship Award ^[277] et, en 1979, un AFI Life Achievement Award . ^[11] Il a été nominé cinq fois pour un Oscar du meilleur réalisateur . Rebecca , nominée pour 11 Oscars, a remporté l’ Oscar du meilleur film de 1940 ; un autre film d’Hitchcock, Foreign Correspondent , a également été nominé cette année-là. ^[278] En 2021, neuf de ses films avaient été sélectionnés pour être conservés par le US National Film Registry :Rebecca (1940; intronisée en 2018), Shadow of a Doubt (1943; intronisée en 1991), Notorious (1946; intronisée en 2006), Strangers on a Train (1951; intronisée en 2021), Rear Window (1954; intronisée en 1997), Vertigo (1958 ; intronisé en 1989), North by Northwest (1959 ; intronisé en 1995), Psycho (1960 ; intronisé en 1992) et The Birds (1963 ; intronisé en 2016). ^[9]

En 2012, Hitchcock a été sélectionné par l’artiste Sir Peter Blake , auteur du Beatles’ Sgt. La couverture de l’album Pepper’s Lonely Hearts Club Band , qui apparaîtra dans une nouvelle version de la couverture, avec d’autres personnalités culturelles britanniques, et il a été présenté cette année-là dans une série de la BBC Radio 4 , The New Elizabethans , comme quelqu’un “dont les actions pendant le règne d’Elizabeth II ont eu un impact significatif sur la vie dans ces îles et compte tenu de l’âge de son caractère”. ^[279] En juin 2013, neuf versions restaurées des premiers films muets d’Hitchcock, dont The Pleasure Garden (1925), ont été projetées à la Brooklyn Academy of Music’s Harvey Theatre; connu sous le nom de “The Hitchcock 9”, l’hommage itinérant a été organisé par le British Film Institute . ^[280]

Les archives

La collection Alfred Hitchcock est conservée à l’ Academy Film Archive à Hollywood, en Californie. Il comprend des films personnels, des films 16 mm tournés sur le tournage de Blackmail (1929) et Frenzy (1972), et les premières séquences couleur connues d’Hitchcock. Les archives cinématographiques de l’Académie ont conservé bon nombre de ses films personnels. ^[281] Les papiers d’Alfred Hitchcock sont conservés à la bibliothèque Margaret Herrick de l’Académie . ^[282] Les collections David O. Selznick et Ernest Lehman hébergées au Harry Ransom Humanities Research Center à Austin, Texas, contiennent des éléments liés au travail d’Hitchcock sur la production de The Paradine Case , Rebecca , Spellbound, Nord par Nord -Ouest et Parcelle Familiale. ^[283]

Représentations d’Hitchcock

• Anthony Hopkins dans Hitchcock (2012)
• Toby Jones dans La fille (2012)
• Roger Ashton-Griffiths dans Grace de Monaco (2014)
• EpicLLOYD dans la série comique youtube Epic Rap Battles of History . (2014)

Filmographie

Films

Films muets

• Dites toujours à votre femme (court) (1923)
• Le jardin d’agrément (1925)
• L’aigle des montagnes (1926) ( perdu )
• The Lodger: Une histoire du brouillard de Londres (1927)
• L’anneau (1927)
• Une descente (1927)
• La femme du fermier (1928)
• Vertu facile (1928)
• Champagne (1928)
• Le Mannois (1929)

Films sonores

• Chantage (1929)
• Juno et le Paycock (1930)
• Meurtre!(1930)
• Appel d’Elstree (1930)
• Le jeu de la peau (1931)
• Marie (1931)
• Riche et étrange (1931)
• Numéro dix-sept -sept (1932)
• Valses de Vienne (1934)
• L’homme qui en savait trop (1934)
• Les 39 étapes (1935)
• Agent secret (1936)
• Sabotage (1936)
• Jeune et innocent (1937)
• La Dame disparaît (1938)
• Auberge de la Jamaïque (1939)
• Rébecca (1940)
• Correspondant à l’étranger (1940)
• M. et Mme Smith (1941)
• Soupçon (1941)
• Saboteur (1942)
• Ombre d’un doute (1943)
• Canot de sauvetage (1944)
• Envoûté (1945)
• Célèbre (1946)
• L’affaire Paradine (1947)
• Corde (1948)
• Sous le Capricorne (1949)
• Trac (1950)
• Des étrangers dans un train (1951)
• J’avoue (1953)
• Composez M pour meurtre (1954)
• Fenêtre arrière (1954)
• Pour attraper un voleur (1955)
• Le problème avec Harry (1955)
• L’homme qui en savait trop (1956)
• Le mauvais homme (1956)
• Vertige (1958)
• Nord par nord-ouest (1959)
• Psycho (1960)
• Les Oiseaux (1963)
• Marie (1964)
• Rideau déchiré (1966)
• Topaze (1969)
• Frénésie (1972)
• Complot familial (1976) (Film final)

Voir également

• Les projets non réalisés d’Alfred Hitchcock
• Liste des apparitions d’Alfred Hitchcock
• Liste des collaborations entre réalisateurs et acteurs

Remarques et sources

Remarques

1. ↑ Selon Gene Adair (2002), Hitchcock a réalisé 53 longs métrages. ^[2] Selon Roger Ebert en 1980, c’était 54. ^[3]
2. ↑ Les films sélectionnés pour le National Film Registry sont Rebecca (1940), Shadow of a Doubt (1943), Notorious (1946), Strangers on a Train (1951), Rear Window (1954), Vertigo (1958), North by Northwest (1959), Psycho (1960) et Les Oiseaux (1963). ^[9]
3. ↑ Alfred Hitchcock ( North American Newspaper Alliance , 16 juillet 1972) : “Mon préféré est Shadow of a Doubt . Vous ne l’avez jamais vu ? Ah. Il a été écrit par Thornton Wilder . C’est une étude de personnage, un thriller à suspense. La beauté de le film a été tourné dans la ville actuelle.” ^[dix]
4. ↑ Dans sa première histoire, “Gas” (juin 1919), publiée dans le premier numéro, une jeune femme est agressée par une foule d’hommes à Paris, pour découvrir qu’elle a halluciné dans le fauteuil du dentiste. ^[39] Cela a été suivi par “The Woman’s Part” (septembre 1919), qui décrit un mari regardant sa femme, un acteur, jouer sur scène. ^[40] “Sordid” (février 1920) entoure une tentative d’achat d’une épée chez un antiquaire, avec une autre torsion se terminant. ^[41] “And There Was No Rainbow” (septembre 1920) trouve Bob pris en flagrant délit avec la femme d’un ami. ^[42] Dans “Qu’est-ce qui est qui?” (décembre 1920), la confusion règne lorsqu’un groupe d’acteurs se fait passer pour lui.”The History of Pea Eating” (décembre 1920) est une satire sur la difficulté de manger des pois. ^[44] Son dernier morceau, “Fedora” (mars 1921) décrit une femme inconnue : “petite, simple, sans prétention et silencieuse, mais elle commande une attention profonde de tous les côtés”. ^[45]
5. ^ En 2017, un sondage du magazine Time Out a classé Sabotage comme le 44e meilleur film britannique de tous les temps. ^[87]
6. ^ Hitchcock a dit à Bryan Forbesen 1967 : “Ils avaient visionné le film en mon absence et retiré toutes les scènes qui indiquaient la possibilité que Cary Grant soit un meurtrier. Il n’y avait donc aucun film existant. C’était ridicule. Néanmoins, j’ai dû faire des compromis sur le Ce que je voulais faire, c’est que la femme savait qu’elle allait être assassinée par son mari, alors elle a écrit une lettre à sa mère disant qu’elle était très amoureuse de lui, qu’elle ne voulait plus vivre , elle allait être tuée mais la société devait être protégée. Elle lève donc ce verre de lait fatal, le boit et avant de le faire, elle dit : ” Voulez-vous poster cette lettre à maman ? ” Puis elle boit le lait et meurt. Vous n’avez alors qu’une seule scène finale d’un Cary Grant joyeux allant à la boîte aux lettres et postant la lettre. …Mais cela n’a jamais été autorisé à cause de l’erreur fondamentale de casting.”^[128]
7. ^ Un sondage du British Film Institute de 2012 a classé Vertigo comme le plus grand film jamais réalisé . ^[8]
8. ↑ Un documentaire sur la scène de la douche de Psycho , 78/52 , est sorti en 2017, réalisé par Alexandre O. Philippe ; le titre fait référence aux 78 configurations de caméra et aux 52 coupes de la scène. ^[187]
9. ↑ Thomas McDonald ( The New York Times , 1er avril 1962) : “Les vedettes du film sont Rod Taylor, Suzanne Pleshette, Jessica Tandy et ‘Tippi’ Hedren. Hitchcock a signé un contrat avec Miss Hedren, une mannequin new-yorkaise, après avoir vu dans une publicité télévisée. Il a insisté pour qu’elle mette son prénom entre guillemets simples, mais n’a pas expliqué pourquoi. ^{[198] [199]}
10. ↑ En 1967, Hitchcock dit à Truffaut : « Je pense que les femmes les plus intéressantes, sexuellement, sont les Anglaises. J’ai l’impression que les Anglaises, les Suédoises, les Allemandes du Nord et les Scandinaves sont beaucoup plus excitantes que les Latines, les Italien, et les femmes françaises. Le sexe ne devrait pas être annoncé. Une fille anglaise, ressemblant à une institutrice, est susceptible de monter dans un taxi avec vous et, à votre grande surprise, elle ouvrira probablement le pantalon d’un homme. … [S]ans l’élément de surprise , les scènes perdent leur sens. Il n’y a aucune possibilité de découvrir le sexe. ^[251]
11. ↑ Hitchcock a déclaré à Fallaci en 1963 : « Quand ils [les acteurs] ne sont pas des vaches, ce sont des enfants : c’est autre chose que j’ai souvent dit. Et tout le monde sait qu’il y a de bons enfants, de mauvais enfants et des enfants stupides. La majorité d’acteurs, pourtant, ce sont des enfants stupides. Ils se disputent toujours, et ils se donnent beaucoup d’airs. Moins je les vois, plus je suis heureux. J’ai eu beaucoup moins de mal à diriger quinze cents corbeaux qu’un seul acteur. J’ai toujours dit que Walt Disney avait raison. Ses acteurs sont en papier, quand il ne les aime pas, il peut les déchirer. ^[174]

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Further reading

Articles

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External links

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• Alfred Hitchcock at IMDb
• Alfred Hitchcock at AllMovie
• Alfred Hitchcock at the TCM Movie Database
• Alfred Hitchcock at the British Film Institute
• Alfred Hitchcock at the BFI’s Screenonline
• Talking About Alfred Hitchcock at The Interviews: An Oral History of Television

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