Akira Kurosawa

Akira Kurosawa ( japonais :黒澤 明, Hepburn : Kurosawa Akira , 23 mars 1910 – 6 septembre 1998) était un cinéaste et peintre japonais qui a réalisé trente films au cours d’une carrière de plus de cinq décennies. Il est considéré comme l’un des cinéastes les plus importants et les plus influents de l’histoire du cinéma.

Akira Kurosawa
Kurosawa sur le tournage de Seven Samurai en décembre 1953
Née	( 23/03/1910 )23 mars 1910 Shinagawa , Tokyo , Empire du Japon
Décédés	6 septembre 1998 (1998-09-06)(88 ans) Setagaya , Tokyo, Japon
Lieu de repos	An’yō-in , Kamakura , Kanagawa , Japon
Profession	Réalisateur scénariste producteur éditeur
Années actives	1936–1993
Conjoint(s)	Yoko Yaguchi ​ ​ ( né en 1945 ; décédé en 1985 )
Enfants	Hisao (né en 1945–) et Kazuko (né en 1954–)
Récompenses	Lion d’or (1951) Academy Award (1990, Lifetime Achievement )
Nom japonais
Shinjitaï	黒沢明
Kyūjitai	黑澤明
Romanisation	Kurosawa Akira
Signature

Kurosawa est entré dans l’ industrie cinématographique japonaise en 1936, après un bref passage en tant que peintre. Après avoir travaillé pendant des années sur de nombreux films en tant qu’assistant réalisateur et scénariste, il fait ses débuts en tant que réalisateur pendant la Seconde Guerre mondiale avec le populaire film d’action Sanshiro Sugata . Après la guerre, Drunken Angel (1948), acclamé par la critique , dans lequel Kurosawa interprète l’acteur alors peu connu Toshiro Mifune dans un rôle principal, cimente la réputation du réalisateur comme l’un des jeunes cinéastes les plus importants au Japon. Les deux hommes collaboreront ensuite sur une quinzaine de films.

Rashomon , dont la première a eu lieu à Tokyo, est devenu le lauréat surprise du Lion d’or au Festival du film de Venise de 1951. Le succès commercial et critique de ce film a ouvert pour la première fois les marchés cinématographiques occidentaux aux produits de l’industrie cinématographique japonaise, ce qui a conduit à son tour à la reconnaissance internationale d’autres cinéastes japonais. Kurosawa a réalisé environ un film par an tout au long des années 1950 et au début des années 1960, y compris un certain nombre de films très appréciés (et souvent adaptés), tels que Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) et Yojimbo (1961). Après les années 1960, il est devenu beaucoup moins prolifique ; même ainsi, ses travaux ultérieurs, dont deux de ses derniers films, Kagemusha(1980) et Ran (1985) – ont continué à recevoir un grand succès.

En 1990, il a accepté l’ Oscar pour l’ensemble de sa carrière . À titre posthume, il a été nommé « Asiatique du siècle » dans la catégorie « Arts, littérature et culture » ​​par le magazine AsianWeek et CNN , qui y sont cités comme faisant partie des cinq personnes qui ont le plus contribué à l’amélioration de l’Asie au 20e siècle. Sa carrière a été honorée par de nombreuses rétrospectives, études critiques et biographies imprimées et vidéo, et par des parutions dans de nombreux médias grand public.

Biographie

De l’enfance aux années de guerre (1910-1945)

Enfance et jeunesse (1910-1935)

Kurosawa est né le 23 mars 1910 ^[1] à Ōimachi dans le quartier Ōmori de Tokyo. Son père Isamu (1864–1948), membre d’une famille de samouraïs de la préfecture d’ Akita , travaillait comme directeur de l’ école secondaire inférieure de l’Institut d’éducation physique de l’armée , tandis que sa mère Shima (1870–1952) venait d’une famille de marchands vivant à Osaka . . ^[2] Akira était le huitième et le plus jeune enfant de la famille modérément riche, avec deux de ses frères et sœurs déjà grands au moment de sa naissance et un décédé, laissant Kurosawa grandir avec trois sœurs et un frère. ^{[2] [3]}

En plus de promouvoir l’exercice physique, Isamu Kurosawa était ouvert aux traditions occidentales et considérait le théâtre et le cinéma comme ayant un mérite éducatif. Il a encouragé ses enfants à regarder des films; le jeune Akira a vu ses premiers films à l’âge de six ans. ^[4] Une influence formatrice importante était son professeur d’école élémentaire M. Tachikawa, dont les pratiques éducatives progressistes ont enflammé chez son jeune élève d’abord l’amour du dessin, puis un intérêt pour l’éducation en général. ^[5] Pendant ce temps, le garçon a également étudié la calligraphie et l’escrime de Kendo . ^[6]

Une autre influence majeure de l’enfance était Heigo Kurosawa (1906-1933), le frère aîné d’Akira de quatre ans. Au lendemain du grand tremblement de terre de Kantō de 1923, Heigo a emmené Akira, 13 ans, voir la dévastation. Lorsque le jeune frère a voulu détourner le regard des cadavres d’humains et de bêtes éparpillés partout , Heigo lui a interdit de le faire, encourageant plutôt Akira à affronter ses peurs en les affrontant directement. Certains commentateurs ont suggéré que cet incident influencerait la carrière artistique ultérieure de Kurosawa, car le réalisateur hésitait rarement à affronter des vérités désagréables dans son travail. ^{[7] [8]}

Heigo était doué sur le plan académique, mais peu de temps après avoir échoué à obtenir une place dans le plus grand lycée de Tokyo , il a commencé à se détacher du reste de la famille, préférant se concentrer sur son intérêt pour la littérature étrangère. ^[3] À la fin des années 1920, Heigo est devenu un benshi (narrateur de films muets) pour les théâtres de Tokyo montrant des films étrangers et s’est rapidement fait un nom. Akira, qui envisageait alors de devenir peintre, ^[9] emménagea avec lui, et les deux frères devinrent inséparables. ^[10] Avec les conseils de Heigo, Akira a dévoré non seulement des films mais aussi des spectacles de théâtre et de cirque, ^[11]tout en exposant ses peintures et en travaillant pour la Ligue des artistes prolétariens de gauche. Cependant, il n’a jamais pu vivre de son art et, alors qu’il commençait à percevoir la majeure partie du mouvement prolétarien comme “mettant directement sur la toile des idéaux politiques non réalisés”, il a perdu son enthousiasme pour la peinture. ^[12]

Avec la production croissante d’ images parlantes au début des années 1930, des narrateurs de films comme Heigo ont commencé à perdre du travail et Akira est retourné vivre avec ses parents. En juillet 1933, Heigo se suicida. Kurosawa a commenté le sentiment durable de perte qu’il a ressenti à la mort de son frère ^[13] et le chapitre de son autobiographie ( Something Like an Autobiography ) qui le décrit – écrit près d’un demi-siècle après l’événement – est intitulé “Une histoire que j’ai Je ne veux pas le dire”. ^[14] Seulement quatre mois plus tard, le frère aîné de Kurosawa est également mort, laissant Akira, à 23 ans, le seul des frères Kurosawa encore vivant, avec ses trois sœurs survivantes. ^{[10] [14]}

Directeur en formation (1935-1941) Kurosawa (à gauche) et Mikio Naruse (à droite) lors de la production d’ Avalanche (1937)

En 1935, le nouveau studio de cinéma Photo Chemical Laboratories, connu sous le nom de PCL (qui deviendra plus tard le grand studio Toho ), fait de la publicité pour des assistants réalisateurs. Bien qu’il n’ait manifesté aucun intérêt antérieur pour le cinéma en tant que profession, Kurosawa a soumis l’essai requis, qui demandait aux candidats de discuter des lacunes fondamentales des films japonais et de trouver des moyens de les surmonter. Son point de vue à moitié moqueur était que si les lacunes étaient fondamentales, il n’y avait aucun moyen de les corriger. L’essai de Kurosawa lui a valu un appel pour passer les examens de suivi, et le réalisateur Kajirō Yamamoto , qui faisait partie des examinateurs, a pris goût à Kurosawa et a insisté pour que le studio l’embauche. Kurosawa, 25 ans, a rejoint PCL en février 1936. ^{[15] [16]}

Au cours de ses cinq années en tant qu’assistant réalisateur, Kurosawa a travaillé sous de nombreux réalisateurs, mais la figure la plus importante de son développement était de loin Yamamoto. Sur ses 24 films en tant que AD , il a travaillé sur 17 sous Yamamoto, dont beaucoup de comédies mettant en vedette l’acteur populaire Ken’ichi Enomoto , connu sous le nom de “Enoken”. ^[17] Yamamoto a nourri le talent de Kurosawa, le promouvant directement du troisième directeur adjoint au directeur adjoint en chef après un an. ^[18] Les responsabilités de Kurosawa ont augmenté et il a travaillé sur des tâches allant de la construction de scènes et du développement de films au repérage, au polissage du scénario, aux répétitions, à l’éclairage, au doublage, au montage et à la direction de deuxième unité. ^[19]Dans le dernier des films de Kurosawa en tant qu’assistant réalisateur pour Yamamoto, Horse ( Uma , 1941) , Kurosawa a repris la majeure partie de la production, son mentor étant occupé par le tournage d’un autre film. ^[20]

Yamamoto a conseillé à Kurosawa qu’un bon réalisateur devait maîtriser l’écriture de scénarios. ^[21] Kurosawa s’est vite rendu compte que les revenus potentiels de ses scripts étaient beaucoup plus élevés que ce qu’il était payé en tant que réalisateur adjoint. ^[22] Plus tard, il a écrit ou co-écrit tous ses films et a fréquemment écrit des scénarios pour d’autres réalisateurs tels que le film de Satsuo Yamamoto , A Triumph of Wings ( Tsubasa no gaika , 1942). Cette scénarisation extérieure servirait à Kurosawa comme une activité secondaire lucrative jusque dans les années 1960, longtemps après qu’il soit devenu célèbre. ^{[23] [24]}

Films de guerre et mariage (1942-1945)

Au cours des deux années qui ont suivi la sortie de Horse en 1941, Kurosawa a cherché une histoire qu’il pourrait utiliser pour lancer sa carrière de réalisateur. Vers la fin de 1942, environ un an après l’ attaque japonaise sur Pearl Harbor , le romancier Tsuneo Tomita publie son roman de judo inspiré de Musashi Miyamoto , Sanshiro Sugata , dont les publicités intriguent Kurosawa. Il a acheté le livre le jour de sa publication, l’a dévoré en une seule séance et a immédiatement demandé à la Toho d’obtenir les droits du film. L’instinct initial de Kurosawa s’est avéré correct puisque, en quelques jours, trois autres grands studios japonais ont également proposé d’acheter les droits. Toho a prévalu et Kurosawa a commencé la pré-production de son premier travail en tant que réalisateur. ^{[25] [26]}

Yukiko Todoroki a joué le rôle principal féminin dans Sanshiro Sugata face à Sanshiro dans le premier film de Kurosawa. Photographie contemporaine de 1937.

Le tournage de Sanshiro Sugata a commencé sur place à Yokohama en décembre 1942. La production s’est déroulée sans heurts, mais faire passer le film terminé devant la censure était une tout autre affaire. Le bureau de censure a considéré que l’œuvre était répréhensiblement “britanno-américaine” selon les normes du Japon en temps de guerre, et ce n’est que grâce à l’intervention du réalisateur Yasujirō Ozu , qui a défendu le film, que Sanshiro Sugata a finalement été accepté pour une sortie le 25 mars. 1943. (Kurosawa venait d’avoir 33 ans.) Le film est devenu un succès à la fois critique et commercial. Néanmoins, le bureau de censure décidera plus tard de couper quelque 18 minutes de séquences, dont une grande partie est maintenant considérée comme perdue. ^{[27] [28]}

Il aborde ensuite le sujet des ouvrières d’usine en temps de guerre dans La Plus Belle , un film de propagande qu’il tourne dans un style semi-documentaire au début de 1944. Pour susciter des performances réalistes de ses actrices, le réalisateur les fait vivre dans une véritable usine pendant le tournage, mangent la nourriture de l’usine et s’appellent par leurs noms de personnages. Il utilisera des méthodes similaires avec ses interprètes tout au long de sa carrière. ^{[29] [30]}

Pendant la production, l’actrice incarnant le chef des ouvriers de l’usine, Yōko Yaguchi , a été choisie par ses collègues pour présenter leurs revendications au réalisateur. Elle et Kurosawa étaient constamment en désaccord, et c’est grâce à ces arguments que les deux sont paradoxalement devenus proches. Ils se sont mariés le 21 mai 1945, avec Yaguchi enceinte de deux mois (elle n’a jamais repris sa carrière d’actrice), et le couple restera ensemble jusqu’à sa mort en 1985. ^{[31] [32]} Ils ont eu deux enfants, tous deux survivant à Kurosawa à partir de 2018 ^{[mettre à jour]}: un fils, Hisao, né le 20 décembre 1945, qui a servi comme producteur sur certains des derniers projets de son père, et Kazuko , une fille, née le 29 avril 1954, qui est devenue costumière. ^[33]

Peu de temps avant son mariage, Kurosawa a subi des pressions du studio contre son gré pour réaliser une suite à son premier film. La partie II de Sanshiro Sugata , souvent ouvertement propagandiste , créée en mai 1945, est généralement considérée comme l’une de ses images les plus faibles. ^{[34] [35] [36]}

Kurosawa a décidé d’écrire le scénario d’un film qui serait à la fois convivial pour la censure et moins coûteux à produire. The Men Who Tread on the Tiger’s Tail , basé sur la pièce de Kabuki Kanjinchō et mettant en vedette le comédien Enoken, avec qui Kurosawa avait souvent travaillé pendant ses années d’assistant réalisateur, a été achevé en septembre 1945. À ce moment-là, le Japon s’était rendu et l’ occupation de Le Japon avait commencé. Les nouveaux censeurs américains ont interprété les valeurs prétendument promues dans l’image comme trop “féodales” et ont interdit l’œuvre. Il n’est sorti qu’en 1952, l’année où un autre film de Kurosawa, Ikiru, a également été libéré. Ironiquement, alors qu’il était en production, le film avait déjà été brutalisé par les censeurs japonais en temps de guerre comme trop occidental et “démocratique” (ils n’aimaient particulièrement pas le portier comique joué par Enoken), donc le film n’aurait probablement pas vu le jour même si la guerre s’était poursuivie au-delà de son achèvement. ^{[37] [38]}

Premières années d’après-guerre à Red Beard (1946–65)

Premiers travaux d’après-guerre (1946–50)

Après la guerre, Kurosawa, influencé par les idéaux démocratiques de l’Occupation, a cherché à faire des films qui établiraient un nouveau respect envers l’individu et envers soi-même. Le premier de ces films, No Regrets for Our Youth (1946), inspiré à la fois de l’ incident de Takigawa en 1933 et de l’ affaire d’espionnage en temps de guerre de Hotsumi Ozaki , critiquait le régime japonais d’avant-guerre pour son oppression politique. ^{[note 1]} Atypiquement pour le réalisateur, le personnage central héroïque est une femme, Yukie ( Setsuko Hara), qui, née dans le privilège de la classe moyenne supérieure, en vient à remettre en question ses valeurs en temps de crise politique. Le scénario original a dû être largement réécrit et, en raison de son thème controversé et du sexe de son protagoniste, l’œuvre achevée a divisé les critiques. Néanmoins, il a réussi à gagner l’approbation du public, qui a transformé des variations sur le titre du film en un slogan d’après-guerre . ^[40]

Son prochain film, One Wonderful Sunday , a été créé en juillet 1947 avec des critiques mitigées. C’est une histoire d’amour relativement simple et sentimentale traitant d’un couple appauvri d’après-guerre essayant de profiter, dans la dévastation de Tokyo d’après-guerre, de leur un jour de congé hebdomadaire. Le film porte l’influence de Frank Capra , DW Griffith et FW Murnau , chacun d’entre eux faisant partie des réalisateurs préférés de Kurosawa. ^{[41] [42]} Un autre film sorti en 1947 avec la participation de Kurosawa était le thriller d’action-aventure, Snow Trail , réalisé par Senkichi Taniguchi à partir du scénario de Kurosawa. Il a marqué les débuts du jeune acteur intense Toshiro Mifune. C’est Kurosawa qui, avec son mentor Yamamoto, était intervenu pour persuader Toho de signer Mifune, lors d’une audition au cours de laquelle le jeune homme a grandement impressionné Kurosawa, mais a réussi à s’aliéner la plupart des autres juges. ^[43]

Takashi Shimura a joué le médecin dévoué aidant le gangster malade décrit par Mifune dans Drunken Angel . Shimura a également joué plus tard dans les films de Kurosawa Seven Samurai , Ikiru et Rashomon .

Drunken Angel est souvent considéré comme la première grande œuvre du réalisateur. ^[44] Bien que le scénario, comme toutes les œuvres de l’ère de l’occupation de Kurosawa, ait dû subir des réécritures en raison de la censure américaine, Kurosawa a estimé que c’était le premier film dans lequel il était capable de s’exprimer librement. Une histoire graveleuse d’un médecin qui tente de sauver un gangster ( yakuza ) atteint de tuberculose , c’était aussi la première fois que Kurosawa dirigeait Mifune, qui a ensuite joué des rôles majeurs dans tous les 16 films suivants du réalisateur sauf un (à l’exception de Ikiru ). Bien que Mifune n’ait pas été choisi comme protagoniste dans Drunken Angel, sa performance explosive en tant que gangster domine tellement le drame qu’il a détourné l’attention du personnage principal, le médecin alcoolique joué par Takashi Shimura , qui était déjà apparu dans plusieurs films de Kurosawa. Cependant, Kurosawa ne voulait pas étouffer l’immense vitalité du jeune acteur, et le personnage rebelle de Mifune a électrisé le public de la même manière que la position provocante de Marlon Brando surprendrait le public américain quelques années plus tard. ^[45] Le film a été créé à Tokyo en avril 1948 avec des critiques élogieuses et a été choisi par le prestigieux sondage des critiques de Kinema Junpo comme le meilleur film de son année, le premier des trois films de Kurosawa à être ainsi honoré. ^{[46] [47] [48] [49]}

Kurosawa, avec le producteur Sōjirō Motoki et ses collègues réalisateurs et amis Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse et Senkichi Taniguchi , forment une nouvelle unité de production indépendante appelée Film Art Association (Eiga Geijutsu Kyōkai). Pour le premier travail de cette organisation et premier film pour les studios Daiei , Kurosawa s’est tourné vers une pièce contemporaine de Kazuo Kikuta et, avec Taniguchi, l’a adaptée pour l’écran. The Quiet Duel mettait en vedette Toshiro Mifune dans le rôle d’un jeune médecin idéaliste aux prises avec la syphilis , une tentative délibérée de Kurosawa d’empêcher l’acteur d’être typé .comme gangsters. Sorti en mars 1949, ce fut un succès au box-office, mais est généralement considéré comme l’une des moindres réalisations du réalisateur. ^{[50] [51] [52] [53]}

Son deuxième film de 1949, également produit par la Film Art Association et publié par Shintoho , était Stray Dog . Il s’agit d’un film policier (peut-être le premier Film japonais important dans ce genre) ^[54] qui explore l’ambiance du Japon lors de sa douloureuse reprise d’après-guerre à travers l’histoire d’un jeune détective, joué par Mifune, et sa fixation sur la récupération de son arme de poing, qui a été volée par un ancien combattant sans le sou qui s’en sert pour voler et assassiner. Adapté d’un roman inédit de Kurosawa dans le style d’un de ses écrivains fétiches, Georges Simenon , il s’agit de la première collaboration du réalisateur avec le scénariste Ryuzo Kikushima., qui aidera plus tard à scénariser huit autres films de Kurosawa. Une séquence célèbre, pratiquement muette, d’une durée de plus de huit minutes, montre le détective, déguisé en vétéran démuni, errant dans les rues à la recherche du voleur d’armes à feu ; il a utilisé des images documentaires réelles de quartiers de Tokyo ravagés par la guerre, prises par l’ami de Kurosawa, Ishirō Honda , le futur réalisateur de Godzilla . ^{[55] [56] [57]} Le film est considéré comme un précurseur des genres de films procéduraux et copains policiers contemporains. ^[58]

Toshiro Mifune , un rôle principal dans les films de Kurosawa, sur l’affiche de Scandal des années 1950

Scandal , sorti par Shochiku en avril 1950, s’inspire des expériences personnelles du réalisateur et de sa colère envers le journalisme jaune japonais . Le travail est un mélange ambitieux de drame de salle d’audience et de film sur les problèmes sociaux sur la liberté d’expression et la responsabilité personnelle, mais même Kurosawa considérait le produit fini comme dramatiquement flou et insatisfaisant, et presque tous les critiques sont d’accord. ^[59] Cependant, ce serait le deuxième film de Kurosawa de 1950, Rashomon , qui finirait par le gagner, et le cinéma japonais, un tout nouveau public international.

Reconnaissance internationale (1950–58)

Après avoir terminé Scandal , Kurosawa a été approché par les studios Daiei pour faire un autre film pour eux. Kurosawa a choisi un scénario d’un jeune scénariste en herbe, Shinobu Hashimoto , qui finira par travailler sur neuf de ses films. Leur premier effort commun était basé sur la nouvelle expérimentale de Ryūnosuke Akutagawa ” In a Grove “, qui raconte le meurtre d’un samouraï et le viol de sa femme de divers points de vue différents et contradictoires. Kurosawa a vu le potentiel du script et, avec l’aide de Hashimoto, l’a peaufiné et développé, puis l’a présenté à Daiei, qui était heureux d’accepter le projet en raison de son faible budget. ^[60]

Le tournage de Rashomon a commencé le 7 juillet 1950 et, après un long travail de repérage dans la forêt vierge de Nara , s’est terminé le 17 août. Une semaine seulement a été passée en post-production précipitée, gênée par un incendie de studio, et le film fini a été créée au Théâtre impérial de Tokyo le 25 août et s’est étendue à tout le pays le lendemain. Le film a été accueilli par des critiques tièdes, de nombreux critiques étant intrigués par son thème et son traitement uniques, mais ce fut néanmoins un succès financier modéré pour Daiei. ^{[61] [62] [63]}

Dostoïevski a écrit L’Idiot , que Kurosawa a adapté en version cinématographique japonaise en 1951. Portrait de Perov des années 1800.

Le prochain film de Kurosawa, pour Shochiku, était L’Idiot , une adaptation du roman de l’écrivain préféré du réalisateur, Fiodor Dostoïevski . L’histoire est déplacée de la Russie à Hokkaido, mais adhère par ailleurs étroitement à l’original, un fait considéré par de nombreux critiques comme préjudiciable à l’œuvre. Un montage mandaté par le studio l’a raccourci de la coupe originale de Kurosawa de 265 minutes à seulement 166 minutes, rendant le récit résultant extrêmement difficile à suivre. La version cinématographique sévèrement éditée est largement considérée comme l’une des œuvres les moins réussies du réalisateur et la version intégrale originale n’existe plus. Les critiques contemporaines de la version éditée très raccourcie étaient très négatives, mais le film a été un succès modéré au box-office, en grande partie à cause de la popularité de l’une de ses stars, Setsuko Hara. ^{[64] [65] [66] [67]}

Pendant ce temps, à l’insu de Kurosawa, Rashomon avait été inscrit au Festival du film de Venise , grâce aux efforts de Giuliana Stramigioli , une représentante basée au Japon d’une société cinématographique italienne, qui avait vu et admiré le film et convaincu Daiei de le soumettre. Le 10 septembre 1951, Rashomon a reçu le prix le plus élevé du festival, le Lion d’or , choquant non seulement Daiei mais le monde du cinéma international, qui à l’époque ignorait largement la tradition cinématographique japonaise vieille de plusieurs décennies. ^[68]

Après que Daiei ait brièvement exposé une copie sous-titrée du film à Los Angeles, RKO a acheté les droits de distribution de Rashomon aux États-Unis. L’entreprise prenait un pari considérable. Il n’avait sorti qu’un seul film sous-titré sur le marché américain, et le seul film parlant japonais sorti commercialement à New York avait été la comédie de Mikio Naruse , Wife! Be Like a Rose , en 1937 : un flop critique et au box-office. Cependant, la course commerciale de Rashomon , grandement aidée par de solides critiques de la part des critiques et même du chroniqueur Ed Sullivan , a rapporté 35 000 $ au cours de ses trois premières semaines dans un seul théâtre new-yorkais, une somme presque inouïe à l’époque.

Ce succès a à son tour entraîné une vogue en Amérique et en Occident pour les films japonais tout au long des années 1950, remplaçant l’engouement pour le cinéma néoréaliste italien . ^[69] À la fin de 1952 , Rashomon a été libéré au Japon, aux États-Unis et dans la majeure partie de l’Europe. Parmi les cinéastes japonais dont le travail, par conséquent, a commencé à remporter des prix de festival et une sortie commerciale en Occident, on peut citer Kenji Mizoguchi ( La vie d’Oharu , Ugetsu , Sansho le bailli ) et, un peu plus tard, Yasujirō Ozu ( Tokyo Story , Un après-midi d’automne ) — artistes très respectés au Japon mais, avant cette période, presque totalement inconnus en Occident. ^[70]La réputation croissante de Kurosawa auprès du public occidental dans les années 1950 rendrait le public occidental plus sympathique à l’accueil des générations futures de cinéastes japonais allant de Kon Ichikawa , Masaki Kobayashi , Nagisa Oshima et Shohei Imamura à Juzo Itami , Takeshi Kitano et Takashi Miike .

Sa carrière stimulée par sa soudaine renommée internationale, Kurosawa, désormais réuni avec son studio de cinéma d’origine, Toho (qui produira ses 11 films suivants), se met au travail sur son prochain projet, Ikiru . Le film met en vedette Takashi Shimura dans le rôle d’un bureaucrate tokyoïte atteint de cancer, Watanabe, dans une ultime quête de sens avant sa mort. Pour le scénario, Kurosawa a fait appel à Hashimoto ainsi qu’à l’écrivain Hideo Oguni, qui allait co-écrire douze films de Kurosawa. Malgré le sujet sombre de l’œuvre, les scénaristes ont adopté une approche satirique, que certains ont comparée à l’œuvre de Brecht, à la fois au monde bureaucratique de son héros et à la colonisation culturelle américaine du Japon. (Les chansons pop américaines occupent une place importante dans le film.) En raison de cette stratégie, les cinéastes sont généralement crédités d’avoir sauvé l’image du type de sentimentalité commun aux drames sur des personnages atteints de maladies en phase terminale. Ikiru a ouvert ses portes en octobre 1952 avec des critiques élogieuses – il a valu à Kurosawa son deuxième prix Kinema Junpo du “Meilleur film” – et un énorme succès au box-office. Il reste le plus acclamé de tous les films de l’artiste se déroulant à l’ère moderne. ^{[71] [72] [73]}

En décembre 1952, Kurosawa emmena ses scénaristes d’ Ikiru , Shinobu Hashimoto et Hideo Oguni, dans une résidence isolée de quarante-cinq jours dans une auberge pour créer le scénario de son prochain film, Seven Samurai . Le travail d’ ensemble était le premier véritable film de samouraï de Kurosawa , le genre pour lequel il deviendrait le plus célèbre. L’histoire simple, à propos d’un village agricole pauvre de la période Sengoku au Japon qui engage un groupe de samouraïs pour le défendre contre une attaque imminente de bandits, a reçu un traitement épique complet, avec un casting énorme (en grande partie composé de vétérans des productions précédentes de Kurosawa) et une action méticuleusement détaillée, s’étendant sur près de trois heures et demie de temps d’écran. ^[74]

Trois mois ont été passés en pré-production et un mois en répétitions. Le tournage a duré 148 jours répartis sur près d’un an, interrompu par des problèmes de production et de financement et des problèmes de santé de Kurosawa. Le film a finalement ouvert ses portes en avril 1954, six mois après sa date de sortie initiale et environ trois fois plus que son budget, ce qui en faisait à l’époque le Film japonais le plus cher jamais réalisé. (Cependant, selon les normes hollywoodiennes, il s’agissait d’une production au budget assez modeste, même pour cette époque.) Le film a reçu une réaction critique positive et est devenu un grand succès, récupérant rapidement l’argent investi et fournissant au studio un produit qu’ils pouvait, et l’a fait, commercialiser à l’échelle internationale, mais avec des modifications importantes. Au fil du temps – et avec les sorties vidéo en salles et à domicile de la version non coupée – sa réputation n’a cessé de croître.^{[74] [75] [76]} Dans la version la plus récente (2012) du sondage Sight & Sound “Greatest Films of All Time” du British Film Institute (BFI) , Seven Samurai s’est classé 17e parmi tous les films de tous les pays du monde. à la fois les sondages des critiques et des réalisateurs, recevant une place dans les listes Top Ten de 48 critiques et 22 réalisateurs. ^[77]

En 1954, des essais nucléaires dans le Pacifique provoquaient des orages radioactifs au Japon et un incident particulier en mars avait exposé un bateau de pêche japonais à des retombées nucléaires , avec des résultats désastreux. C’est dans cette atmosphère anxieuse que le prochain film de Kurosawa, Record of a Living Being , a été conçu. L’histoire concernait un propriétaire d’usine âgé (Toshiro Mifune) tellement terrifié par la perspective d’une attaque nucléaire qu’il devient déterminé à déplacer toute sa famille élargie (à la fois légale et extraconjugale) vers ce qu’il imagine être la sécurité d’une ferme au Brésil. . La production s’est déroulée beaucoup mieux que le film précédent du réalisateur, mais quelques jours avant la fin du tournage, le compositeur, collaborateur et ami proche de Kurosawa, Fumio Hayasakaest décédé (de la tuberculose) à l’âge de 41 ans. La partition du film a été terminée par l’étudiant de Hayasaka, Masaru Sato , qui a continué à marquer les huit prochains films de Kurosawa. Record of a Living Being a ouvert ses portes en novembre 1955 avec des critiques mitigées et une réaction modérée du public, devenant le premier film de Kurosawa à perdre de l’argent lors de sa sortie en salles originale. Aujourd’hui, il est considéré par beaucoup comme l’un des meilleurs films traitant des effets psychologiques de l’impasse nucléaire mondiale. ^{[78] [79] [80]}

Le projet suivant de Kurosawa, Throne of Blood , une adaptation de Macbeth de William Shakespeare – se déroulant, comme Seven Samurai , à l’ère Sengoku – représentait une transposition ambitieuse de l’œuvre anglaise dans un contexte japonais. Kurosawa a demandé à son actrice principale, Isuzu Yamada , de considérer l’œuvre comme s’il s’agissait d’une version cinématographique d’un classique littéraire japonais plutôt qu’européen. Compte tenu de l’appréciation de Kurosawa du jeu de scène japonais traditionnel, le jeu des acteurs, en particulier Yamada, s’inspire fortement des techniques stylisées du Nohthéâtre. Il a été tourné en 1956 et sorti en janvier 1957 avec une réponse nationale légèrement moins négative que cela n’avait été le cas avec le film précédent du réalisateur. À l’étranger, Throne of Blood , quelles que soient les libertés qu’il prend avec ses sources, s’est rapidement taillé une place parmi les adaptations shakespeariennes les plus célèbres. ^{[81] [82] [83] [84]}

Une autre adaptation d’une œuvre théâtrale européenne classique a suivi presque immédiatement, avec la production de The Lower Depths , basée sur une pièce de Maxim Gorky , qui a eu lieu en mai et juin 1957. Contrairement au balayage shakespearien de Throne of Blood , The Lower Depths était tourné sur seulement deux plateaux confinés, afin de souligner le caractère restreint de la vie des personnages. Bien que fidèle à la pièce, cette adaptation de matériel russe à un décor entièrement japonais – dans ce cas, la fin de la période Edo – contrairement à son précédent The Idiot , a été considérée comme une réussite artistique. Le film a été créé en septembre 1957, recevant une réponse mitigée similaire à celle deTrône de sang . Cependant, certains critiques le classent parmi les œuvres les plus sous-estimées du réalisateur. ^{[85] [86] [87] [88]}

Les trois prochains films de Kurosawa après Seven Samurai n’avaient pas réussi à captiver le public japonais comme ce film l’avait fait. L’ambiance du travail du réalisateur était devenue de plus en plus pessimiste et sombre alors même que le Japon entrait dans une période de boom de croissance à grande vitesse et d’augmentation du niveau de vie. En décalage avec l’humeur dominante de l’époque, les films de Kurosawa remettent en question la possibilité de rédemption par la responsabilité personnelle, en particulier dans Throne of Blood et The Lower Depths . Il l’a reconnu et a délibérément visé un film plus léger et divertissant pour sa prochaine production, tout en passant au nouveau format grand écran qui gagnait en popularité au Japon. Le film qui en résulte,The Hidden Fortress , est une comédie dramatique d’action-aventure sur une princesse médiévale, son fidèle général et deux paysans qui doivent tous traverser les lignes ennemies pour atteindre leur région d’origine. Sorti en décembre 1958, The Hidden Fortress est devenu un énorme succès au box-office au Japon et a été chaleureusement accueilli par la critique tant au Japon qu’à l’étranger. Aujourd’hui, le film est considéré comme l’un des efforts les plus légers de Kurosawa, bien qu’il reste populaire, notamment parce qu’il est l’une des nombreuses influences majeures sur l’opéra spatial de George Lucas de 1977, Star Wars . ^{[89] [90] [91] [92]}

Naissance d’une entreprise et barbe rousse (1959-1965)

À partir de Rashomon , les productions de Kurosawa étaient devenues de plus en plus importantes, tout comme les budgets du réalisateur. Toho, préoccupé par cette évolution, a suggéré qu’il pourrait aider à financer ses propres œuvres, réduisant ainsi les pertes potentielles du studio, tout en se laissant plus de liberté artistique en tant que coproducteur. Kurosawa a accepté et la Kurosawa Production Company a été créée en avril 1959, avec Toho comme actionnaire majoritaire. ^[93]

Bien qu’il ait risqué son propre argent, Kurosawa a choisi une histoire qui était plus directement critique à l’égard des élites commerciales et politiques japonaises que n’importe quel travail précédent. The Bad Sleep Well , basé sur un scénario du neveu de Kurosawa, Mike Inoue, est un drame de vengeance sur un jeune homme capable d’infiltrer la hiérarchie d’une entreprise japonaise corrompue dans le but d’exposer les hommes responsables de la mort de son père. Son thème s’est avéré d’actualité : alors que le film était en production, les manifestations massives de l’ Anpo ont eu lieu contre le nouveau traité de sécurité américano-japonais, qui était considérée par de nombreux Japonais, en particulier les jeunes, comme une menace pour la démocratie du pays en donnant trop de pouvoir aux entreprises et aux politiciens. Le film a débuté en septembre 1960 avec une réaction critique positive et un modeste succès au box-office. La séquence d’ouverture de 25 minutes représentant une réception de mariage d’entreprise est largement considérée comme l’un des décors les plus habilement exécutés de Kurosawa, mais le reste du film est souvent perçu comme décevant en comparaison. Le film a également été critiqué pour avoir utilisé le héros traditionnel Kurosawan pour combattre un mal social qui ne peut être résolu par les actions d’individus, aussi courageux ou rusés soient-ils. ^{[94] [95] [96] [97]}

Yojimbo ( The Bodyguard ), le deuxième film de Kurosawa Production, est centré sur un samouraï sans maître, Sanjuro, qui se promène dans une ville du XIXe siècle dirigée par deux factions violentes opposées et les incite à s’entre-détruire. Le réalisateur a utilisé cette œuvre pour jouer avec de nombreuses conventions de genre, en particulier le western , tout en offrant une représentation graphique inédite (pour l’écran japonais) de la violence. Certains commentateurs ont vu le personnage de Sanjuro dans ce film comme une figure fantastique qui renverse comme par magie le triomphe historique de la classe marchande corrompue sur la classe des samouraïs. Mettant en vedette Tatsuya Nakadai dans son premier grand rôle dans un film de Kurosawa, et avec des photographies innovantes de Kazuo Miyagawa(qui a tourné Rashomon ) et Takao Saito , le film a été créé en avril 1961 et a été une entreprise à succès critique et commercial, gagnant plus que tout autre film Kurosawa précédent. Le film et son ton noir comique ont également été largement imités à l’étranger. A Fistful of Dollars de Sergio Leone était un remake scène par scène virtuel (non autorisé) avec Toho intentant une action en justice au nom de Kurosawa et l’emportant. ^{[98] [99] [100]}

Kurosawa a basé son film policier High and Low de 1963 sur le roman King’s Ransom d’Ed McBain . Image d’Ed McBain v. 2001.

Suite au succès de Yojimbo , Kurosawa s’est retrouvé sous la pression de la Toho pour créer une suite. Kurosawa s’est tourné vers un scénario qu’il avait écrit avant Yojimbo , le retravaillant pour y inclure le héros de son film précédent. Sanjuro est le premier des trois films de Kurosawa à être adapté de l’œuvre de l’écrivain Shūgorō Yamamoto (les autres seraient Red Beard et Dodeskaden ). Il est plus léger et plus proche d’un film d’époque conventionnel que Yojimbo , bien que son histoire d’une lutte de pouvoir au sein d’un clan de samouraïs soit dépeinte avec des nuances fortement comiques. Le film a débuté le 1er janvier 1962, dépassant rapidement Yojimbo ‘succès au box-office et recueillant des critiques positives. ^{[101] [102] [103]}

Kurosawa avait entre-temps chargé Toho d’acheter les droits cinématographiques de King’s Ransom , un roman sur un enlèvement écrit par l’auteur et scénariste américain Evan Hunter , sous son pseudonyme d’Ed McBain, dans le cadre de sa série de livres policiers du 87e arrondissement . Le réalisateur avait l’intention de créer une œuvre condamnant l’enlèvement, qu’il considérait comme l’un des pires crimes. Le film à suspense, intitulé High and Low, a été tourné au cours de la seconde moitié de 1962 et sorti en mars 1963. Il a battu le record du box-office de Kurosawa (le troisième film consécutif à le faire), est devenu le Film japonais le plus rentable de l’année et a remporté des critiques élogieuses. Cependant, son triomphe a été quelque peu terni lorsque, ironiquement, le film a été blâmé pour une vague d’enlèvements qui s’est produite au Japon à cette époque (il a lui-même reçu des menaces d’enlèvement dirigées contre sa jeune fille, Kazuko). High and Low est considéré par de nombreux commentateurs comme l’une des œuvres les plus fortes du réalisateur. ^{[104] [105] [106] [107]}

Kurosawa est rapidement passé à son prochain projet, Red Beard . Basé sur un recueil de nouvelles de Shūgorō Yamamoto et incorporant des éléments du roman de Dostoïevski The Insulted and Injured , il s’agit d’un film d’époque se déroulant dans une clinique pour pauvres du milieu du XIXe siècle, dans lequel les thèmes humanistes de Kurosawa reçoivent peut-être leur énoncé le plus complet. Un jeune médecin prétentieux et matérialiste, formé à l’étranger, Yasumoto, est contraint de devenir stagiaire à la clinique sous la tutelle sévère du docteur Niide, connu sous le nom de “Akahige” (“Red Beard”), joué par Mifune. Bien qu’il résiste initialement à Red Beard, Yasumoto en vient à admirer sa sagesse et son courage, et à percevoir les patients de la clinique, qu’il a d’abord méprisés, comme dignes de compassion et de dignité. ^[108]

Yūzō Kayama , qui joue Yasumoto, était une star de cinéma et de musique extrêmement populaire à l’époque, en particulier pour sa série de comédies musicales “Young Guy” ( Wakadaishō ). Le tournage, le plus long jamais réalisé par le cinéaste, a duré plus d’un an (après cinq mois de pré-production) et s’est terminé au printemps 1965, laissant le réalisateur, son équipe et ses acteurs épuisés. Barbe Rougecréé en avril 1965, devenant la production japonaise la plus rentable de l’année et le troisième (et dernier) film de Kurosawa à être en tête du prestigieux sondage annuel des critiques de Kinema Jumpo. Il reste l’une des œuvres les plus connues et les plus appréciées de Kurosawa dans son pays natal. En dehors du Japon, les critiques sont beaucoup plus divisées. La plupart des commentateurs concèdent ses mérites techniques et certains le louent comme l’un des meilleurs de Kurosawa, tandis que d’autres insistent sur le fait qu’il manque de complexité et de véritable pouvoir narratif, d’autres encore affirmant qu’il représente un recul par rapport à l’engagement antérieur de l’artiste envers le changement social et politique. ^{[109] [110] [111] [112]}

Le film a marqué en quelque sorte la fin d’une époque pour son créateur. Le réalisateur lui-même l’a reconnu au moment de sa sortie, disant au critique Donald Richie qu’un cycle quelconque venait de se terminer et que ses futurs films et méthodes de production seraient différents. ^[113] Sa prédiction s’est avérée tout à fait exacte. À partir de la fin des années 1950, la télévision a commencé à dominer de plus en plus les loisirs du public de cinéma japonais, autrefois nombreux et fidèle. Et à mesure que les revenus des sociétés cinématographiques diminuaient, leur appétit pour le risque diminuait également, en particulier le risque représenté par les méthodes de production coûteuses de Kurosawa. ^[114]

Red Beard a également marqué le point médian, chronologiquement, dans la carrière de l’artiste. Au cours de ses vingt-neuf années précédentes dans l’industrie cinématographique (dont ses cinq années en tant qu’assistant réalisateur), il avait réalisé vingt-trois films, tandis que pendant les vingt-huit années restantes, pour des raisons multiples et complexes, il n’a réalisé que sept Suite. De plus, pour des raisons jamais expliquées de manière adéquate, Red Beard serait son dernier film avec Toshiro Mifune. Yu Fujiki, un acteur qui a travaillé sur The Lower Depths , a observé, concernant la proximité des deux hommes sur le plateau, “le cœur de M. Kurosawa était dans le corps de M. Mifune.” ^[115] Donald Richie a décrit le rapport entre eux comme une « symbiose » unique. ^[116]

Ambitions hollywoodiennes de derniers films (1966-1998)

Détour hollywoodien (1966-1968)

Lorsque le contrat exclusif de Kurosawa avec la Toho a pris fin en 1966, le réalisateur de 56 ans envisageait sérieusement de changer. Observant l’état troublé de l’industrie cinématographique nationale et ayant déjà reçu des dizaines d’offres de l’étranger, l’idée de travailler en dehors du Japon l’a séduit comme jamais auparavant. ^[117]

Pour son premier projet à l’étranger, Kurosawa a choisi une histoire basée sur un article du magazine Life . Le thriller d’action d’ Embassy Pictures , qui devait être tourné en anglais et appelé simplement Runaway Train , aurait été son premier en couleur. Mais la barrière de la langue s’est avérée un problème majeur et la version anglaise du scénario n’était même pas terminée au moment où le tournage devait commencer à l’automne 1966. Le tournage, qui nécessitait de la neige, a été déplacé à l’automne 1967, puis annulé en 1968. Presque deux décennies plus tard, un autre réalisateur étranger travaillant à Hollywood, Andrei Konchalovsky , a finalement réalisé Runaway Train (1985), bien qu’à partir d’un nouveau scénario vaguement basé sur celui de Kurosawa. ^[118]

Le réalisateur s’était entre-temps engagé dans un projet hollywoodien beaucoup plus ambitieux. Tora ! Tora ! Tora ! , produit par 20th Century Fox et Kurosawa Production, serait une représentation de l’ attaque japonaise sur Pearl Harbor du point de vue américain et japonais, avec Kurosawa à la tête de la moitié japonaise et un cinéaste anglophone réalisant la moitié américaine. Il a passé plusieurs mois à travailler sur le scénario avec Ryuzo Kikushima et Hideo Oguni, mais très vite, le projet a commencé à s’effondrer. Le réalisateur des séquences américaines s’est avéré n’être pas David Lean , comme initialement prévu, mais l’Américain Richard Fleischer. Le budget a également été réduit et le temps d’écran alloué au segment japonais ne dépasserait plus 90 minutes – un problème majeur, étant donné que le scénario de Kurosawa a duré plus de quatre heures. Après de nombreuses révisions avec la participation directe de Darryl Zanuck , un scénario coupé plus ou moins finalisé a été convenu en mai 1968.

Le tournage a commencé début décembre, mais Kurosawa ne durera qu’un peu plus de trois semaines en tant que réalisateur. Il a eu du mal à travailler avec une équipe inconnue et les exigences d’une production hollywoodienne, tandis que ses méthodes de travail ont laissé perplexes ses producteurs américains, qui ont finalement conclu que le réalisateur devait être un malade mental. Kurosawa a été examiné à l’hôpital universitaire de Kyoto par un neuropsychologue, le Dr Murakami, dont le diagnostic a été transmis à Darryl Zanuck et Richard Zanuck aux studios Fox indiquant un diagnostic de neurasthénie.déclarant qu'”il souffre de troubles du sommeil, agité de sentiments d’anxiété et d’excitation maniaque causés par la maladie mentionnée ci-dessus. Il lui est nécessaire de se reposer et de suivre un traitement médical pendant plus de deux mois.” ^[119] La veille de Noël 1968, les Américains ont annoncé que Kurosawa avait quitté la production en raison de la “fatigue”, le renvoyant effectivement. Il est finalement remplacé, pour les séquences japonaises du film, par deux réalisateurs, Kinji Fukasaku et Toshio Masuda . ^[120]

Tora ! Tora ! Tora ! , finalement publié dans des critiques peu enthousiastes en septembre 1970, était, comme l’a dit Donald Richie, une “tragédie presque totale” dans la carrière de Kurosawa. Il avait passé des années de sa vie sur un projet logistiquement cauchemardesque auquel il n’avait finalement pas contribué un pied de film tourné par lui-même. (Il a vu son nom retiré du générique, bien que le scénario utilisé pour la moitié japonaise soit toujours le sien et celui de ses co-auteurs.) Il s’est séparé de son collaborateur de longue date, l’écrivain Ryuzo Kikushima, et n’a plus jamais travaillé avec lui. Le projet avait révélé par inadvertance la corruption dans sa propre société de production (une situation rappelant son propre film, The Bad Sleep Well). Sa santé mentale même avait été remise en question. Pire encore, l’industrie cinématographique japonaise – et peut-être l’homme lui-même – a commencé à soupçonner qu’il ne ferait plus jamais un autre film. ^{[121] [122]}

Une décennie difficile (1969-1977)

Sachant que sa réputation était en jeu suite au très médiatisé Tora ! Tora ! Tora ! débâcle, Kurosawa est passé rapidement à un nouveau projet pour prouver qu’il était toujours viable. À son aide vinrent des amis et réalisateurs célèbres Keisuke Kinoshita , Masaki Kobayashi et Kon Ichikawa, qui, avec Kurosawa, fondèrent en juillet 1969 une société de production appelée le Club des Quatre Chevaliers (Yonki no kai). Bien que le plan était que les quatre réalisateurs créent chacun un film, il a été suggéré que la véritable motivation des trois autres réalisateurs était de permettre à Kurosawa de réussir plus facilement un film, et donc de retrouver son chemin dans l’entreprise. ^{[123] [124]}

Le premier projet proposé et travaillé était un film d’époque qui s’appellerait Dora-heita , mais quand cela a été jugé trop cher, l’attention s’est tournée vers Dodesukaden ., une adaptation d’une autre œuvre de Shūgorō Yamamoto, toujours sur les pauvres et les démunis. Le film a été tourné rapidement (selon les normes de Kurosawa) en environ neuf semaines, Kurosawa étant déterminé à montrer qu’il était toujours capable de travailler rapidement et efficacement avec un budget limité. Pour son premier travail en couleur, le montage dynamique et les compositions complexes de ses premières images ont été mis de côté, l’artiste se concentrant sur la création d’une palette audacieuse, presque surréaliste, de couleurs primaires, afin de révéler l’environnement toxique dans lequel les personnages habitent. Il est sorti au Japon en octobre 1970, mais bien qu’il s’agisse d’un succès critique mineur, il a été accueilli avec l’indifférence du public. L’image a perdu de l’argent et a provoqué la dissolution du Club des Quatre Chevaliers. L’accueil initial à l’étranger a été un peu plus favorable, mais Dodesukadena depuis été généralement considéré comme une expérience intéressante non comparable au meilleur travail du réalisateur. ^[125]

Après avoir lutté pour la production de Dodesukaden , Kurosawa s’est tourné vers la télévision l’année suivante pour la seule fois de sa carrière avec Song of the Horse, un documentaire sur les chevaux de course pur-sang. Il comportait une voix off racontée par un homme fictif et un enfant (exprimé par les mêmes acteurs que le mendiant et son fils à Dodesukaden ). C’est le seul documentaire de la filmographie de Kurosawa ; la petite équipe comprenait son collaborateur fréquent Masaru Sato , qui a composé la musique. Song of the Horse est également unique dans l’œuvre de Kurosawa en ce qu’il inclut le crédit d’un éditeur, ce qui suggère que c’est le seul film de Kurosawa qu’il n’a pas coupé lui-même. ^[126]

Incapable d’obtenir un financement pour d’autres travaux et souffrant prétendument de problèmes de santé, Kurosawa a apparemment atteint le point de rupture : le 22 décembre 1971, il s’est tranché les poignets et la gorge à plusieurs reprises. La tentative de suicide s’est avérée infructueuse et la santé du réalisateur s’est rétablie assez rapidement, Kurosawa se réfugiant maintenant dans la vie domestique, incertain s’il réaliserait un jour un autre film. ^[127]

Début 1973, le studio soviétique Mosfilm approche le cinéaste pour lui demander s’il serait intéressé à travailler avec eux. Kurosawa a proposé une adaptation de l’ œuvre autobiographique de l’explorateur russe Vladimir Arsenyev , Dersu Uzala . Le livre, sur un Goldichasseur qui vit en harmonie avec la nature jusqu’à ce qu’elle soit détruite par la civilisation envahissante, était celui qu’il avait voulu faire depuis les années 1930. En décembre 1973, Kurosawa, 63 ans, partit pour l’Union soviétique avec quatre de ses plus proches collaborateurs, commençant un séjour d’un an et demi dans le pays. Le tournage a commencé en mai 1974 en Sibérie, le tournage dans des conditions naturelles extrêmement difficiles s’avérant très difficile et exigeant. L’image s’est terminée en avril 1975, avec un Kurosawa complètement épuisé et mal du pays retournant au Japon et sa famille en juin. Dersu Uzala a eu sa première mondiale au Japon le 2 août 1975 et s’est bien comporté au box-office. Alors que la réception critique au Japon a été en sourdine, le film a été mieux évalué à l’étranger, remportant le prix d’or au 9e Festival international du film de Moscou ., ^[128] ainsi qu’un Oscar du meilleur film en langue étrangère . Aujourd’hui, les critiques restent divisées sur le film : certains y voient un exemple du prétendu déclin artistique de Kurosawa, tandis que d’autres le comptent parmi ses plus belles œuvres. ^{[129] [130]}

Bien que des propositions de projets télévisuels lui soient soumises, il n’a aucun intérêt à travailler en dehors du monde du cinéma. Néanmoins, le réalisateur alcoolique accepte d’apparaître dans une série de publicités télévisées pour le whisky Suntory , diffusée en 1976. Tout en craignant de ne jamais pouvoir faire un autre film, le réalisateur continue néanmoins à travailler sur divers projets, écrivant des scénarios et créer des illustrations détaillées, dans l’intention de laisser derrière lui un enregistrement visuel de ses plans au cas où il ne serait jamais en mesure de filmer ses histoires. ^[131]

Deux épopées (1978–86)

En 1977, le réalisateur américain George Lucas sort Star Wars , un film de science-fiction au succès retentissant influencé par The Hidden Fortress de Kurosawa , entre autres œuvres. Lucas, comme de nombreux autres réalisateurs du New Hollywood , vénérait Kurosawa et le considérait comme un modèle, et a été choqué de découvrir que le cinéaste japonais était incapable d’obtenir un financement pour une nouvelle œuvre. Les deux se sont rencontrés à San Francisco en juillet 1978 pour discuter du projet que Kurosawa considérait comme le plus viable financièrement : Kagemusha ., l’histoire épique d’un voleur engagé comme sosie d’un seigneur japonais médiéval d’un grand clan. Lucas, captivé par le scénario et les illustrations de Kurosawa, a mis à profit son influence sur la 20th Century Fox pour contraindre le studio qui avait licencié Kurosawa dix ans plus tôt à produire Kagemusha , puis a recruté un autre fan, Francis Ford Coppola , comme coproducteur. ^[132]

La production a commencé en avril suivant, avec Kurosawa de bonne humeur. Le tournage a duré de juin 1979 à mars 1980 et a été en proie à des problèmes, dont le moindre n’était pas le licenciement de l’acteur principal original, Shintaro Katsu – créateur du personnage très populaire de Zatoichi – en raison d’un incident dans lequel l’acteur a insisté, contre les souhaits du réalisateur, en filmant sa propre performance. (Il a été remplacé par Tatsuya Nakadai, dans son premier de deux rôles principaux consécutifs dans un film de Kurosawa.) Le film a été achevé avec seulement quelques semaines de retard et a été ouvert à Tokyo en avril 1980. Il est rapidement devenu un énorme succès au Japon. Le film a également été un succès critique et au box-office à l’étranger, remportant la très convoitée Palme d’Or au Festival de Cannes de 1980 .en mai, bien que certains critiques, alors et maintenant, aient reproché au film sa prétendue froideur. Kurosawa a passé une grande partie du reste de l’année en Europe et en Amérique à promouvoir Kagemusha , à collecter des récompenses et des distinctions et à exposer en tant qu’œuvres d’art les dessins qu’il avait réalisés pour servir de storyboards au film. ^{[133] [134]}

Sidney Lumet a demandé avec succès que Kurosawa soit nominé comme meilleur réalisateur pour son film Ran à la 58e cérémonie des Oscars . Le prix a finalement été remporté par Sydney Pollack .

Le succès international de Kagemusha a permis à Kurosawa de poursuivre son projet suivant, Ran , une autre épopée dans la même veine. Le scénario, en partie basé sur le Roi Lear de William Shakespeare , dépeint un daimyō (seigneur de guerre) impitoyable et sanguinaire , joué par Tatsuya Nakadai, qui, après avoir bêtement banni son fils fidèle, cède son royaume à ses deux autres fils, qui trahissent ensuite lui, plongeant ainsi tout le royaume dans la guerre. Alors que les studios japonais hésitaient encore à produire un autre film qui se classerait parmi les plus chers jamais réalisés dans le pays, une aide internationale était à nouveau nécessaire. Cette fois, il s’agit du producteur français Serge Silberman , qui avait produitLes derniers films de Luis Buñuel . Le tournage n’a commencé qu’en décembre 1983 et a duré plus d’un an. ^[135]

En janvier 1985, la production de Ran a été interrompue car la femme de Kurosawa, Yōko, âgée de 64 ans, est tombée malade. Elle est décédée le 1er février. Kurosawa est revenu pour terminer son film et Ran a été créé au Festival du film de Tokyo le 31 mai, avec une large sortie le lendemain. Le film a été un succès financier modéré au Japon, mais plus important à l’étranger et, comme il l’avait fait avec Kagemusha , Kurosawa s’est lancé dans un voyage en Europe et en Amérique, où il a assisté aux premières du film en septembre et octobre. ^[136]

Ran a remporté plusieurs prix au Japon, mais n’y a pas été aussi honoré que bon nombre des meilleurs films du réalisateur des années 1950 et 1960. Le monde du cinéma a cependant été surpris lorsque le Japon a abandonné la sélection de Ran en faveur d’un autre film comme entrée officielle pour concourir pour une nomination aux Oscars dans la catégorie Meilleur film étranger , qui a finalement été rejetée pour la compétition à la 58e cérémonie des Oscars . Le producteur et Kurosawa lui-même ont attribué le fait de ne même pas avoir soumis Ran à la compétition à un malentendu : en raison des règles obscures de l’Académie, personne n’était sûr que Ran soit qualifié de film japonais , de film françaisfilm (en raison de son financement), ou les deux, il n’a donc pas été soumis du tout. En réponse à ce qui semblait au moins être un camouflet flagrant de la part de ses propres compatriotes, le réalisateur Sidney Lumet a mené une campagne réussie pour que Kurosawa reçoive une nomination aux Oscars du meilleur réalisateur cette année-là ( Sydney Pollack a finalement remporté le prix pour la réalisation Out of Africa ) . La costumière de Ran , Emi Wada , a remporté le seul Oscar du film. ^{[137] [138]}

Kagemusha et Ran , en particulier ce dernier, sont souvent considérés comme faisant partie des plus belles œuvres de Kurosawa. Après la sortie de Ran , Kurosawa le désignera comme son meilleur film, un changement d’attitude majeur pour le réalisateur qui, lorsqu’on lui demandait laquelle de ses œuvres était sa meilleure, avait toujours répondu auparavant “mon prochain”. ^{[139] [140]}

Travaux finaux et dernières années (1987–98)

Pour son prochain film, Kurosawa a choisi un sujet très différent de tout ce qu’il avait jamais filmé auparavant. Alors que certaines de ses images précédentes (par exemple, Drunken Angel et Kagemusha ) avaient inclus de brèves séquences de rêve, Dreams devait être entièrement basé sur les propres rêves du réalisateur. Fait significatif, pour la première fois depuis plus de quarante ans, Kurosawa, pour ce projet profondément personnel, a écrit seul le scénario. Bien que son budget estimé soit inférieur à celui des films qui l’ont immédiatement précédé, les studios japonais n’étaient toujours pas disposés à soutenir l’une de ses productions, alors Kurosawa s’est tourné vers un autre fan américain célèbre, Steven Spielberg , qui a convaincu Warner Bros.pour acheter les droits internationaux du film terminé. Cela a permis au fils de Kurosawa, Hisao, en tant que coproducteur et futur chef de Kurosawa Production, de négocier un prêt au Japon qui couvrirait les coûts de production du film. Le tournage a duré plus de huit mois et Dreams a été créé à Cannes en mai 1990 avec un accueil poli mais discret, similaire à la réaction que l’image générerait ailleurs dans le monde. ^[141] En 1990, il a accepté l’ Oscar pour l’ensemble de ses réalisations . Dans son discours d’acceptation, il a déclaré: “Je suis un peu inquiet parce que je n’ai pas encore l’impression de comprendre le cinéma.” ^[142] À l’époque, Bob Thomas du Daily Spectruma noté que Kurosawa était “considéré par de nombreux critiques comme le plus grand cinéaste vivant”. ^[143]

Steven Spielberg a aidé à financer la production de plusieurs des derniers films de Kurosawa. Spielberg lors de sa masterclass à la Cinémathèque française en 2012.

Kurosawa s’est maintenant tourné vers une histoire plus conventionnelle avec Rhapsody en août – le premier film du réalisateur entièrement produit au Japon depuis Dodeskaden plus de vingt ans auparavant – qui explorait les cicatrices du bombardement nucléaire qui a détruit Nagasaki à la toute fin de la Seconde Guerre mondiale. Il a été adapté d’un Kiyoko Murataroman, mais les références du film à l’attentat de Nagasaki viennent du réalisateur plutôt que du livre. C’était son seul film à inclure un rôle pour une star de cinéma américaine : Richard Gere, qui joue un petit rôle en tant que neveu de l’héroïne âgée. Le tournage a eu lieu au début de 1991, avec l’ouverture du film le 25 mai de cette année-là à une réaction critique largement négative, en particulier aux États-Unis, où le réalisateur a été accusé de propager naïvement des sentiments anti-américains, ^{[144] [145]} bien que Kurosawa a rejeté ces accusations.

Kurosawa n’a pas perdu de temps pour passer à son prochain projet : Madadayo , or Not Yet . Basé sur des essais autobiographiques de Hyakken Uchida , le film suit la vie d’un professeur japonais d’allemand pendant la Seconde Guerre mondiale et au-delà. Le récit est centré sur les célébrations d’anniversaire annuelles avec ses anciens élèves, au cours desquelles le protagoniste déclare qu’il ne veut pas mourir pour l’instant – un thème qui devenait de plus en plus pertinent pour le créateur du film, âgé de 81 ans. Le tournage a commencé en février 1992 et s’est terminé fin septembre. Sa sortie le 17 avril 1993 a été accueillie par une réaction encore plus déçue que celle de ses deux œuvres précédentes. ^[146]

Kurosawa a néanmoins continué à travailler. Il a écrit les scénarios originaux The Sea is Watching en 1993 et ​​After the Rain en 1995. En mettant la touche finale à ce dernier ouvrage en 1995, Kurosawa a glissé et s’est cassé la base de la colonne vertébrale. Suite à l’accident, il utilisera un fauteuil roulant pour le reste de sa vie, mettant fin à tout espoir qu’il réalise un autre film. ^[147] Son souhait de longue date – mourir sur le plateau pendant le tournage d’un film ^{[145] [148]} – n’a jamais été exaucé.

Après son accident, la santé de Kurosawa a commencé à se détériorer. Alors que son esprit restait vif et vif, son corps abandonnait et, pendant les six derniers mois de sa vie, le réalisateur était en grande partie confiné au lit, écoutant de la musique et regardant la télévision à la maison. Le 6 septembre 1998, Kurosawa est décédé d’un accident vasculaire cérébral à Setagaya, Tokyo , à l’âge de 88 ans. ^{[149] [150]} Au moment de sa mort, Kurosawa avait deux enfants, son fils Hisao Kurosawa qui avait épousé Hiroko Hayashi et sa sa fille Kazuko Kurosawa qui a épousé Harayuki Kato, ainsi que plusieurs petits-enfants. ^[33] Un de ses petits-enfants, l’acteur Takayuki Kato et petit-fils de Kazuko, est devenu un acteur de soutien dans deux films développés à titre posthume à partir de scénarios écrits par Kurosawa qui sont restés inédits de son vivant, After the Rain (1999) de Takashi Koizumi et The Sea is Watching (2002) de Kei Kumai . ^[151]

Créations/filmographie

Bien que Kurosawa soit principalement connu comme cinéaste, il a également travaillé au théâtre et à la télévision et a écrit des livres. Une liste détaillée, y compris sa filmographie complète, peut être trouvée dans la liste des œuvres créatives d’Akira Kurosawa .

Style et thèmes principaux

Photo du casting et de l’équipe du trône de sang (Kumonosu-jō) prise en 1956, montrant (de gauche à droite) Shinjin Akiike, Fumio Yanoguchi, Kuichiro Kishida, Samaji Nonagase, Takao Saito, Toshiro Mifune (dans la jeep), Minoru Chiaki , Takashi Shimura , Teruyo Saito (scénariste), Yoshirō Muraki , Akira Kurosawa, Hiroshi Nezu, Asakazu Nakai et Sōjirō Motoki .

Kurosawa a affiché un style audacieux et dynamique, fortement influencé par le cinéma occidental mais distinct de celui-ci; il a été impliqué dans tous les aspects de la production cinématographique . ^[152] Il était un scénariste doué et a travaillé en étroite collaboration avec ses co-scénaristes depuis le développement du film pour assurer un scénario de haute qualité, qu’il considérait comme la base solide d’un bon film. Il a souvent été monteur de ses propres films. Son équipe, connue sous le nom de “Kurosawa-gumi” (groupe Kurosawa), qui comprenait le directeur de la photographie Asakazu Nakai , l’assistant de production Teruyo Nogami et l’acteur Takashi Shimura , se distinguait par sa loyauté et sa fiabilité.

Le style de Kurosawa est marqué par un certain nombre de dispositifs et de techniques. Dans ses films des années 1940 et 1950, il emploie fréquemment la « coupe axiale », dans laquelle la caméra se rapproche ou s’éloigne du sujet par une série de coupes sautées assorties plutôt que de travellings ou de fondus enchaînés . ^[153] Un autre trait stylistique est la “coupe en mouvement”, qui affiche le mouvement à l’écran en deux ou plusieurs plans au lieu d’un seul ininterrompu. ^[154] Une forme de ponctuation cinématographique fortement identifiée à Kurosawa est le wipe , un effet créé grâce à une imprimante optique: une ligne ou une barre semble se déplacer sur l’écran, effaçant la fin d’une scène et révélant la première image de la suivante. En tant que dispositif de transition, il est utilisé comme substitut de la coupe droite ou du fondu ; dans son travail de maturité, la lingette est devenue la signature de Kurosawa.

Dans la bande originale du film, Kurosawa a privilégié le contrepoint son-image, dans lequel la musique ou les effets sonores semblaient commenter ironiquement l’image plutôt que de la souligner. Les mémoires de Teruyo Nogami donnent plusieurs exemples de ce type tirés de Drunken Angel et Stray Dog . Kurosawa a également été impliqué avec plusieurs des compositeurs contemporains les plus remarquables du Japon, dont Fumio Hayasaka et Tōru Takemitsu . ^[155]

Kurosawa a utilisé un certain nombre de thèmes récurrents dans ses films: la relation maître-disciple entre un mentor généralement plus âgé et un ou plusieurs novices, qui implique souvent une maîtrise spirituelle ainsi que technique et une maîtrise de soi; le champion héroïque, l’individu exceptionnel qui émerge de la masse des gens pour produire quelque chose ou redresser un tort ; la représentation des conditions météorologiques extrêmes à la fois comme dispositifs dramatiques et symboles de la passion humaine; et la récurrence de cycles de violence sauvage dans l’histoire. Selon Stephen Prince, le dernier thème, qu’il appelle “la contre-tradition au mode engagé et héroïque du cinéma de Kurosawa”, a commencé avec Throne of Blood (1957) et est revenu dans les films des années 1980. ^[156]

Impact culturel et héritage

Réputation parmi les cinéastes

Ingmar Bergman , représenté ici dans un buste situé à Kielce , en Pologne, était un admirateur du travail de Kurosawa.

De nombreux cinéastes ont été influencés par le travail de Kurosawa. Ingmar Bergman a qualifié son propre film The Virgin Spring d ‘”imitation touristique … moche de Kurosawa”, et a ajouté: “À cette époque, mon admiration pour le cinéma japonais était à son comble. J’étais presque un samouraï moi-même!” ^[157] Federico Fellini considérait Kurosawa comme “le plus grand exemple vivant de tout ce qu’un auteur de cinéma devrait être”. ^[158] Steven Spielberg a cité la vision cinématographique de Kurosawa comme étant importante pour façonner sa propre vision cinématographique. ^[159] Satyajit Ray , qui a reçu à titre posthume le prix Akira Kurosawa pour l’ensemble de ses réalisations auFestival international du film de San Francisco en 1992, ^[160] avait dit plus tôt de Rashomon :

“L’effet du film sur moi [lorsque je l’ai vu pour la première fois à Calcutta en 1952] a été électrique. Je l’ai vu trois fois sur des jours consécutifs et je me suis demandé à chaque fois s’il y avait un autre film quelque part qui donnait une preuve aussi soutenue et éblouissante du talent d’un réalisateur. maîtriser tous les aspects de la réalisation d’un film.” ^[161]

Roman Polanski considérait Kurosawa comme l’un des trois cinéastes qu’il favorisait le plus, avec Fellini et Orson Welles , et a choisi Seven Samurai , Throne of Blood et The Hidden Fortress pour ses éloges. ^[162] Bernardo Bertolucci considérait l’influence de Kurosawa comme fondamentale : “Les films de Kurosawa et La Dolce Vita de Fellini sont les choses qui m’ont poussé, m’ont aspiré à devenir réalisateur.” ^[163] Andrei Tarkovsky a cité Kurosawa comme l’un de ses favoris et a nommé Seven Samurai comme l’un de ses dix films préférés. ^[164] Sidney Lumetappelé Kurosawa le “Beethoven des réalisateurs de cinéma”. ^[165] Werner Herzog a réfléchi sur les cinéastes avec lesquels il se sent apparenté et sur les films qu’il admire :

Griffith – en particulier sa Naissance d’une nation et Fleurs brisées – Murnau , Buñuel , Kurosawa et Ivan le Terrible d’ Eisenstein , … viennent tous à l’esprit. … J’aime La Passion de Jeanne d’Arc de Dreyer , L’ Orage sur l’Asie de Poudovkine et La Terre de Dovzhenko , … Ugetsu Monogatari de Mizoguchi , La Salle de Musique de Satyajit Ray … Je me suis toujours demandé comment Kurosawa faisait quelque chose aussi bon que Rashomon; l’équilibre et le flux sont parfaits, et il utilise l’espace de manière si équilibrée. C’est l’un des meilleurs films jamais réalisés. ^[166]

Selon un assistant, Stanley Kubrick considérait Kurosawa comme “l’un des grands réalisateurs de films” et parlait de lui “constamment et avec admiration”, au point qu’une lettre de lui “signifiait plus que n’importe quel Oscar” et le faisait agoniser pour mois sur la rédaction d’une réponse. ^[167] Robert Altman , en voyant Rashomon pour la première fois , a été tellement impressionné par la séquence d’images du soleil qu’il a commencé à tourner les mêmes séquences dans son travail dès le lendemain, a-t-il affirmé. ^[168] George Lucas a cité le film The Hidden Fortress comme principale source d’inspiration pour son film Star Wars . Il a également cité d’autres films de Kurosawa comme ses favoris, notamment Seven Samurai, Yojimbo et Ikiru . ^[169] Zack Snyder l’a cité comme l’une de ses influences pour son film Netflix sous-développé Rebel Moon . ^[170] Kurosawa a été classé 3e dans le sondage des réalisateurs et 5e dans le sondage des critiques dans la liste 2002 de Sight & Sound des plus grands réalisateurs de tous les temps.

Critique

Jacques Rivette , un critique éminent de la Nouvelle Vague française qui a évalué le travail de Mizoguchi comme étant plus entièrement japonais par rapport à celui de Kurosawa.

Kenji Mizoguchi , le réalisateur acclamé d’ Ugetsu (1953) et de Sansho l’huissier (1954) avait onze ans l’aîné de Kurosawa. Après le milieu des années 1950, certains critiques de la Nouvelle Vague française ont commencé à favoriser Mizoguchi par rapport à Kurosawa. Le critique et cinéaste de la Nouvelle Vague, Jacques Rivette , en particulier, pensait que Mizoguchi était le seul réalisateur japonais dont l’œuvre était à la fois entièrement japonaise et véritablement universelle ; ^[171] Kurosawa, en revanche, était considéré comme plus influencé par le cinéma et la culture occidentaux, un point de vue qui a été contesté. ^[172]

Au Japon, certains critiques et cinéastes considéraient Kurosawa comme élitiste. Ils voyaient en lui centrer ses efforts et son attention sur des personnages exceptionnels ou héroïques. Dans son commentaire DVD sur Seven Samurai , Joan Mellen a fait valoir que certains plans des personnages samouraïs Kambei et Kyuzo, qui montrent que Kurosawa leur a accordé un statut ou une validité plus élevé, constituent une preuve de ce point de vue. Ces critiques japonais ont fait valoir que Kurosawa n’était pas suffisamment progressiste parce que les paysans étaient incapables de trouver des dirigeants dans leurs rangs. Dans une interview avec Mellen, Kurosawa s’est défendu en disant :

Je voulais dire qu’après tout les paysans étaient les plus forts, bien accrochés à la terre… C’étaient les samouraïs qui étaient faibles parce qu’ils étaient emportés par les vents du temps. ^{[154] [173]}

À partir du début des années 1950, Kurosawa a également été chargé de répondre aux goûts occidentaux en raison de sa popularité en Europe et en Amérique. Dans les années 1970, le réalisateur de gauche Nagisa Oshima , connu pour sa réaction critique à l’œuvre de Kurosawa, a accusé Kurosawa de se plier aux croyances et idéologies occidentales. ^[174] L’auteur Audie Block, cependant, a estimé que Kurosawa n’avait jamais joué devant un public non japonais et avait dénoncé les réalisateurs qui l’avaient fait. ^[175]

Scénarios posthumes

Après la mort de Kurosawa, plusieurs œuvres posthumes basées sur ses scénarios non filmés ont été produites. After the Rain , réalisé par Takashi Koizumi , est sorti en 1999, ^{[176] [177]} et The Sea Is Watching , réalisé par Kei Kumai , a été créé en 2002. ^[178] Un scénario créé par le Yonki no Kai (“Club of les Quatre Chevaliers”) (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi et Kon Ichikawa), à l’époque où Dodeskaden a été réalisé, a finalement été filmé et sorti (en 2000) sous le nom de Dora-heita , par le seul membre fondateur survivant du club. , Kon Ichikawa. ^[179] Frères HuayiMedia et CKF Pictures en Chine ont annoncé en 2017 leur intention de produire un film du scénario posthume de Kurosawa du Masque de la mort rouge d’ Edgar Allan Poe pour 2020, qui s’intitulera Le Masque de la mort noire . ^[180] Patrick Frater, écrivant pour le magazine Variety en mai 2017, a déclaré que deux autres films inachevés de Kurosawa étaient prévus, avec Silvering Spear pour commencer le tournage en 2018. ^[181]

Société de production Kurosawa

En septembre 2011, il a été rapporté que les droits de remake de la plupart des films et scénarios non produits de Kurosawa avaient été attribués par le projet Akira Kurosawa 100 à la société Splendent basée à Los Angeles. Le chef de Splendent, Sakiko Yamada, a déclaré qu’il visait à “aider les cinéastes contemporains à présenter à une nouvelle génération de cinéphiles ces histoires inoubliables”. ^[182]

Kurosawa Production Co., créée en 1959, continue de superviser de nombreux aspects de l’héritage de Kurosawa. Le fils du directeur, Hisao Kurosawa, est l’actuel chef de l’entreprise. Sa filiale américaine, Kurosawa Enterprises, est située à Los Angeles. Les droits sur les œuvres de Kurosawa étaient alors détenus par Kurosawa Production et les studios de cinéma pour lesquels il travaillait, notamment Toho . Ces droits ont ensuite été attribués au projet Akira Kurosawa 100 avant d’être réattribués en 2011 à la société Splendent basée à Los Angeles. ^[182] Kurosawa Production travaille en étroite collaboration avec la Fondation Akira Kurosawa, créée en décembre 2003 et également dirigée par Hisao Kurosawa. La fondation organise un concours annuel de courts métrageset dirige des projets liés à Kurosawa, dont un récemment abandonné pour construire un musée commémoratif pour le réalisateur. ^[183]

Studios de cinéma et récompenses

En 1981, le Kurosawa Film Studio a été ouvert à Yokohama ; deux sites supplémentaires ont depuis été lancés au Japon. ^[184] Une grande collection de documents d’archives, y compris des scénarios numérisés, des photos et des articles de presse, a été mise à disposition par l’intermédiaire de l’Akira Kurosawa Digital Archive, un site Web propriétaire japonais géré par le Ryukoku University Digital Archives Research Center en collaboration avec Kurosawa Production. ^[185] L’école de cinéma Akira Kurosawa de l’ Université d’Anaheim a été lancée au printemps 2009 avec le soutien de Kurosawa Production. Il propose des programmes en ligne de réalisation de films numériques, dont le siège est à Anaheim et un centre d’apprentissage à Tokyo. ^[186]

Deux prix du film ont également été nommés en l’honneur de Kurosawa. Le prix Akira Kurosawa pour l’ensemble de ses réalisations cinématographiques est décerné lors du Festival international du film de San Francisco , tandis que le prix Akira Kurosawa est décerné lors du Festival international du film de Tokyo . ^{[187] [188]}

Kurosawa est souvent cité comme l’un des plus grands cinéastes de tous les temps. ^{[189] [190] [191]} En 1999, il a été nommé « Asiatique du siècle » dans la catégorie « Arts, littérature et culture » ​​par le magazine AsianWeek et CNN , cité comme « l’une des [cinq] personnes qui ont contribué plus à l’amélioration de l’Asie au cours des 100 dernières années ». ^[192] En commémoration du 100e anniversaire de la naissance de Kurosawa en 2010, un projet appelé AK100 a été lancé en 2008. Le projet AK100 vise à « exposer les jeunes qui sont les représentants de la prochaine génération, et tout le monde partout, à la lumière et l’esprit d’Akira Kurosawa et du monde merveilleux qu’il a créé”. ^[193]

L’Université d’Anaheim, en coopération avec la famille Kurosawa, a créé l’école de cinéma Akira Kurosawa de l’Université d’Anaheim ^[194] pour proposer des programmes d’apprentissage en ligne et mixtes sur Akira Kurosawa et la réalisation de films. Le film d’ animation de Wes Anderson Isle of Dogs ( japonais :犬ヶ島, romanisé : Inugashima ) s’inspire en partie des techniques de tournage de Kurosawa. ^[195] Au 64e Festival du film de Sydney, il y a eu une rétrospective d’Akira Kurosawa où ses films ont été projetés pour se souvenir du grand héritage qu’il a créé à partir de son travail. ^[196]

Documentaires

Un nombre important de courts et longs métrages documentaires concernant la vie et l’œuvre de Kurosawa ont été réalisés à la fois pendant son apogée artistique et après sa mort. AK , du réalisateur d’ essais vidéo français Chris Marker , a été filmé pendant que Kurosawa travaillait sur Ran ; cependant, le documentaire est plus préoccupé par la personnalité distante mais polie de Kurosawa que par la réalisation du film. ^{[197] [198]} D’autres documentaires concernant la vie et les œuvres de Kurosawa produits à titre posthume incluent :

• Kurosawa: Le dernier empereur (Alex Cox, 1999) ^[199]
• Un message d’Akira Kurosawa: Pour de beaux films (Hisao Kurosawa, 2000) ^[200]
• Kurosawa (Adam Low, 2001) ^[201]
• Akira Kurosawa: C’est merveilleux de créer (Toho Masterworks, 2002) ^[200]
• Akira Kurosawa: L’épopée et l’intime (2010) ^[202]
• La voie de Kurosawa (Catherine Cadou, 2011) ^[203]

Remarques

1. ↑ En 1946, Kurosawa coréalise, avec son mentor, Kajiro Yamamoto, et Hideo Sekigawa, le long métrage Ceux qui font demain ( Asu o tsukuru hitobito ). Apparemment, il a été commandé de faire ce film contre son gré parstudios Toho , avec lesquels il était sous contrat à l’époque. (Il a affirmé que sa partie du film avait été tournée en seulement une semaine.) C’était le seul film qu’il ait jamais réalisé pour lequel il n’a pas reçu le seul crédit en tant que réalisateur, et le seul qui n’a jamais été diffusé en vidéo personnelle dans aucun formulaire. Le film a ensuite été répudié par Kurosawa et n’est souvent pas compté avec les 30 autres films qu’il a réalisés, bien qu’il soit répertorié dans certaines filmographies du réalisateur. ^{[39] [23]}

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Liens externes

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• Akira Kurosawa à IMDb
• Akira Kurosawa à la base de données de films TCM
• Akira Kurosawa à la collection Criterion
• Akira Kurosawa : actualités, informations et discussion
• Senses of Cinema: Great Directors Critical Database
• Akira Kurosawa au guide de la tombe d’une célébrité japonaise (en japonais)
• Akira Kurosawa à la base de données de films japonais (en japonais)
• Plusieurs remorques
• École de cinéma Akira Kurosawa de l’Université d’Anaheim
• Akira Kurosawa chez Rotten Tomatoes

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