Acteur de cinéma

Un acteur ou une actrice est une personne qui incarne un personnage dans une performance. ^[1] L’acteur joue “en chair et en os” dans le milieu traditionnel du théâtre ou dans les médias modernes tels que le cinéma , la radio et la télévision . Le terme grec analogue est ὑποκριτής ( hupokritḗs ), littéralement « celui qui répond ». ^[2] L’interprétation d’un rôle par l’acteur – l’art d’ agir – se rapporte au rôle joué, qu’il soit basé sur une personne réelle ou un personnage fictif. Cela peut également être considéré comme un “rôle d’acteur”, qui a été appelé ainsi en raison des parcheminsutilisé dans les théâtres. L’interprétation se produit même lorsque l’acteur “joue lui-même”, comme dans certaines formes d’ art de la performance expérimentale .

David Garrick dans Richard III sur scène

Autrefois, dans la Grèce antique et le monde médiéval , ainsi qu’en Angleterre à l’époque de William Shakespeare , seuls les hommes pouvaient devenir acteurs, et les rôles féminins étaient généralement tenus par des hommes ou des garçons. ^[3] Alors que la Rome antique autorisait les artistes de scène féminins, seule une petite minorité d’entre elles recevait des parties parlantes. La Commedia dell’arte italienne, cependant, a permis aux femmes professionnelles de se produire très tôt; Lucrezia Di Siena , dont le nom figure sur un contrat d’acteurs du 10 octobre 1564, a été désignée comme la première actrice italienne connue par son nom, avec Vincenza Armani et Barbara Flaminiacomme les premières primadones et les premières actrices bien documentées en Italie (et en Europe). ^[4] Après la Restauration anglaise de 1660, les femmes ont commencé à apparaître sur scène en Angleterre. Dans les temps modernes, en particulier dans la pantomime et certains opéras, les femmes jouent parfois les rôles de garçons ou de jeunes hommes. ^[5]

Histoire

Le premier cas enregistré d’un acteur s’est produit en 534 av. J.-C. (bien que les changements de calendrier au fil des ans rendent difficile la détermination exacte) lorsque l’interprète grec Thespis est monté sur la scène du Théâtre Dionysos pour devenir la première personne connue à prononcer des mots . en tant que personnage d’une pièce de théâtre ou d’une histoire. Avant l’acte de Thespis, les histoires grecques n’étaient exprimées que dans le chant , la danse et le récit à la troisième personne . En l’honneur de Thespis, les acteurs sont communément appelés Thespians . Les acteurs exclusivement masculins du théâtre de la Grèce antique se produisaient dans trois types de drames : la tragédie , la comédie et la comédie .jeu de satyre . ^[6] Cela s’est développé et s’est développé considérablement sous les Romains . Le théâtre de la Rome antique était une forme d’art florissante et diversifiée, allant des spectacles de festival de théâtre de rue , de danse nue et d’acrobaties, à la mise en scène de comédies de situation , en passant par des tragédies verbalement élaborées de haut niveau .

Alors que l’ Empire romain d’Occident tombait en décadence au cours des 4e et 5e siècles, le siège du pouvoir romain a été déplacé vers l’est à Constantinople . Les archives montrent que le Mime , la pantomime , les scènes ou les récitations de tragédies et de comédies , les danses et autres divertissements étaient très populaires. A partir du Ve siècle, l’Europe occidentale est plongée dans une période de désordre général. De petits groupes d’acteurs nomades ont voyagé à travers l’Europe tout au long de la période, se produisant partout où ils pouvaient trouver un public; rien ne prouve qu’ils aient produit autre chose que des scènes grossières. ^[7]Traditionnellement, les acteurs n’avaient pas un statut élevé; par conséquent, au début du Moyen Âge , les troupes d’acteurs itinérantes étaient souvent considérées avec méfiance. Les acteurs du début du Moyen Âge ont été dénoncés par l’ Église pendant l’ âge des ténèbres , car ils étaient considérés comme dangereux, immoraux et païens . Dans de nombreuses régions d’Europe, les croyances traditionnelles de la région et de l’époque signifiaient que les acteurs ne pouvaient pas recevoir d’enterrement chrétien.

Au début du Moyen Âge , les églises d’Europe ont commencé à mettre en scène des versions dramatisées d’événements bibliques. Au milieu du XIe siècle, le drame liturgique s’était répandu de la Russie à la Scandinavie et à l’Italie. La Fête des Fous a encouragé le développement de la comédie. À la fin du Moyen Âge , des pièces de théâtre étaient produites dans 127 villes. Ces pièces à mystère vernaculaires contenaient souvent de la comédie , avec des acteurs jouant des démons , des méchants et des clowns . ^[8]La majorité des acteurs de ces pièces étaient issus de la population locale. Les interprètes amateurs en Angleterre étaient exclusivement masculins, mais d’autres pays avaient des interprètes féminines.

Il y avait plusieurs pièces profanes mises en scène au Moyen Âge, dont la plus ancienne est The Play of the Greenwood d ‘ Adam de la Halle en 1276. Il contient des scènes satiriques et du matériel folklorique tel que des Fées et d’autres événements surnaturels. Les farces ont également gagné en popularité après le XIIIe siècle. À la fin du Haut Moyen Âge , des acteurs professionnels commencent à apparaître en Angleterre et en Europe. Richard III et Henri VII entretenaient tous deux de petites compagnies d’acteurs professionnels. À partir du milieu du XVIe siècle, la Commedia dell’artedes troupes ont joué des saynètes d’improvisation animées à travers l’Europe pendant des siècles. La Commedia dell’arte était un théâtre centré sur l’acteur, nécessitant peu de décors et très peu d’accessoires. Les pièces de théâtre étaient des cadres lâches qui fournissaient des situations, des complications et des résultats de l’action, autour desquels les acteurs improvisaient. Les pièces utilisaient des personnages de stock . Une troupe se composait généralement de 13 à 14 membres. La plupart des acteurs recevaient une part des bénéfices de la pièce à peu près équivalente à la taille de leurs rôles.

Une esquisse de 1596 d’une performance en cours sur la scène de poussée de The Swan , une maison de théâtre à toit ouvert élisabéthaine typique

Le théâtre de la Renaissance est dérivé de plusieurs traditions théâtrales médiévales, telles que les pièces à mystère , les « pièces de moralité » et le « drame universitaire » qui a tenté de recréer la tragédie athénienne. La tradition italienne de la Commedia dell’arte , ainsi que les masques élaborés fréquemment présentés à la cour, ont également contribué à façonner le théâtre public. Depuis avant le règne d’ Elizabeth I , des compagnies de joueurs étaient attachées aux ménages d’aristocrates de premier plan et se produisaient de manière saisonnière dans divers endroits. Celles-ci sont devenues la base des joueurs professionnels qui se sont produits sur la scène élisabéthaine .

Le développement du théâtre et les opportunités d’agir ont cessé lorsque l’opposition puritaine à la scène a interdit la représentation de toutes les pièces à Londres. Les puritains considéraient le théâtre comme immoral. La réouverture des théâtres en 1660 a marqué une renaissance du théâtre anglais. Les comédies anglaises écrites et jouées pendant la période de la Restauration de 1660 à 1710 sont collectivement appelées “Comédie de la Restauration”. La comédie de restauration est connue pour son caractère explicite sexuel . À ce stade, les femmes ont été autorisées pour la première fois à apparaître sur la scène anglaise, exclusivement dans des rôles féminins. Cette période a vu l’introduction des premières actrices professionnelles et la montée des premiers acteurs célèbres.

19ème siècle

Henry Irving dans Les cloches , 1874

Au 19ème siècle, la réputation négative des acteurs a été largement inversée et le jeu est devenu une profession et un art honorés et populaires. ^[9] La montée de l’acteur en tant que célébrité a assuré la transition, alors que le public affluait vers ses “stars” préférées. Un nouveau rôle émerge pour les acteurs-managers , qui forment leurs propres compagnies et contrôlent les acteurs, les productions et le financement. ^[10] En cas de succès, ils se constituent une clientèle permanente qui afflue vers leurs productions. Ils pourraient élargir leur public en partant en tournée à travers le pays, interprétant un répertoire de pièces bien connues, comme celles de Shakespeare. Les journaux, les clubs privés, les pubs et les cafés ont retenti de débats animés évaluant les mérites relatifs des vedettes et des productions.Henry Irving (1838-1905) était le plus réussi des acteurs-gérants britanniques. ^[11] Irving était réputé pour ses rôles shakespeariens et pour des innovations telles que l’extinction des lumières de la maison afin que l’attention puisse se concentrer davantage sur la scène et moins sur le public. Sa compagnie a fait des tournées à travers la Grande-Bretagne, ainsi qu’en Europe et aux États-Unis, démontrant le pouvoir des acteurs vedettes et des rôles célèbres pour attirer un public enthousiaste. Son titre de chevalier en 1895 indiquait une pleine acceptation dans les cercles supérieurs de la société britannique. ^[12]

20ième siècle

Couverture Playbill pour la présentation au Shubert Theatre de John Hudson’s Wife

Au début du XXe siècle, l’économie des productions à grande échelle a remplacé le modèle acteur-manager. Il était trop difficile de trouver des personnes qui combinaient un génie du jeu d’acteur et de la gestion, alors la spécialisation a divisé les rôles en tant que régisseurs et plus tard directeurs de théâtre . Financièrement, un capital beaucoup plus important était nécessaire pour opérer à partir d’une grande ville. La solution était la propriété corporative de chaînes de théâtres, comme par le Theatrical Syndicate , Edward Laurillard , et surtout The Shubert Organization . En s’adressant aux touristes, les théâtres des grandes villes privilégiaient de plus en plus les longues séries de pièces très populaires, en particulier les comédies musicales. Les grandes stars sont devenues encore plus essentielles. ^[13]

et l’ empire byzantin

Techniques

Le jeu classique est une philosophie du jeu qui intègre l’expression du corps, de la voix, de l’imagination, de la personnalisation, de l’improvisation, des stimuli externes et de l’analyse du scénario. Il est basé sur les théories et les systèmes d’acteurs et réalisateurs classiques sélectionnés, dont Konstantin Stanislavski et Michel Saint-Denis .
Dans le système de Stanislavski , également connu sous le nom de méthode de Stanislavski, les acteurs s’appuient sur leurs propres sentiments et expériences pour transmettre la “vérité” du personnage qu’ils incarnent. Les acteurs se mettent dans l’état d’esprit du personnage, trouvant des points communs pour donner une représentation plus authentique du personnage.
La méthode d’acteur est une gamme de techniques basées sur la formation des acteurs pour obtenir de meilleures caractérisations des personnages qu’ils jouent, telles que formulées par Lee Strasberg . La méthode de Strasberg est basée sur l’idée que pour développer une compréhension émotionnelle et cognitive de leurs rôles, les acteurs doivent utiliser leurs propres expériences pour s’identifier personnellement à leurs personnages. Il est basé sur des aspects du système de Stanislavski. D’autres techniques de jeu sont également basées sur les idées de Stanislavski, comme celles de Stella Adler et de Sanford Meisner , mais elles ne sont pas considérées comme des “méthodes de jeu”. ^[14]
La technique Meisner oblige l’acteur à se concentrer totalement sur l’autre acteur comme s’il était réel et qu’il n’existait qu’à ce moment-là. C’est une méthode qui rend les acteurs de la scène plus authentiques pour le public. Il est basé sur le principe que l’action trouve son expression dans la réponse des gens aux autres et aux circonstances. Est-il basé sur le système de Stanislavski.

Comme le sexe opposé

Autrefois, dans certaines sociétés, seuls les hommes pouvaient devenir acteurs. Dans la Grèce antique et la Rome antique ^[15] et le monde médiéval , il était considéré comme honteux pour une femme de monter sur scène ; néanmoins, des femmes se sont produites dans la Rome antique et sont de nouveau entrées sur scène dans la Commedia dell’arte en Italie au XVIe siècle; Lucrezia Di Siena est peut-être la première actrice professionnelle depuis la Rome antique. La France et l’Espagne comptaient également des actrices au XVIe siècle. Dans l’Angleterre de William Shakespeare , cependant, les rôles féminins étaient généralement joués par des hommes ou des garçons. ^[3]

Lorsqu’une interdiction puritaine du théâtre de dix-huit ans a été levée après la Restauration anglaise de 1660, les femmes ont commencé à apparaître sur scène en Angleterre. Margaret Hughes est souvent considérée comme la première actrice professionnelle sur la scène anglaise. ^[16] Auparavant, Angelica Martinelli , membre d’une compagnie italienne de Commedia dell’ arte en visite, s’est produite en Angleterre dès 1578, ^[17] mais de telles apparitions d’invités étrangers avaient été de rares exceptions et il n’y avait pas eu d’actrices anglaises professionnelles dans Angleterre. Cette interdiction a pris fin sous le règne de Charles II en partie parce qu’il aimait regarder des actrices sur scène. ^[18]Plus précisément, Charles II a délivré des lettres patentes à Thomas Killigrew et William Davenant , leur accordant le droit de monopole pour former deux compagnies de théâtre londoniennes pour jouer un drame “sérieux”, et les lettres patentes ont été rééditées en 1662 avec des révisions permettant aux actrices de se produire pour la première fois. . ^[19]

Selon l ‘ OED , la première occurrence du terme actrice remonte à 1608 et est attribuée à Middleton . Au 19ème siècle, beaucoup considéraient les femmes comme agissant négativement, car les actrices étaient souvent des Courtisanes et associées à la promiscuité. Malgré ces préjugés, le XIXe siècle a également vu les premières “stars” féminines, notamment Sarah Bernhardt . ^[20]

Au Japon, les onnagata , ou les hommes assumant des rôles féminins, étaient utilisés dans le théâtre kabuki lorsque les femmes étaient interdites de se produire sur scène pendant la période Edo ; cette convention continue. Dans certaines formes de drame chinois comme l’opéra de Pékin , les hommes interprètent traditionnellement tous les rôles, y compris les rôles féminins, tandis que dans l’Opéra de Shaoxing, les femmes jouent souvent tous les rôles, y compris les rôles masculins. ^[21]

Dans les temps modernes, les femmes jouaient parfois les rôles de garçons ou de jeunes hommes. Par exemple, le rôle scénique de Peter Pan est traditionnellement joué par une femme, comme le sont la plupart des garçons principaux dans la pantomime britannique . L’opéra comporte plusieurs ” rôles de culottes ” traditionnellement chantés par des femmes, généralement des mezzo-sopranos . Des exemples sont Hansel dans Hänsel und Gretel , Cherubino dans Les Noces de Figaro et Octavian dans Der Rosenkavalier .

Les femmes jouant des rôles masculins sont rares dans les films, à quelques exceptions près. En 1982, Stina Ekblad a joué le mystérieux Ismael Retzinsky dans Fanny et Alexandre , et Linda Hunt a reçu l’ Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son rôle de Billy Kwan dans L’année de vivre dangereusement . En 2007, Cate Blanchett a été nominée pour l’ Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle pour son rôle de Jude Quinn, une représentation romancée de Bob Dylan dans les années 1960, dans I’m Not There .

Dans les années 2000, les femmes jouant des hommes dans le théâtre en direct sont particulièrement courantes dans les présentations de pièces plus anciennes, telles que les œuvres shakespeariennes avec un grand nombre de personnages masculins dans des rôles où le sexe est sans importance. ^[5]

Avoir un acteur habillé comme le sexe opposé pour un effet comique est également une tradition de longue date dans le théâtre et le cinéma comiques. La plupart des comédies de Shakespeare incluent des exemples de travestissement manifeste , comme Francis Flute dans A Midsummer Night’s Dream . Le film A Funny Thing Happened on the Way to the Forum met en vedette Jack Gilford s’habillant en jeune mariée. Tony Curtis et Jack Lemmon se sont fait passer pour des femmes pour échapper aux gangsters dans le film de Billy Wilder Some Like It Hot . Le travestissement pour un effet comique était un dispositif fréquemment utilisé dans la plupart des films Carry On .Dustin Hoffman et Robin Williams sont chacun apparus dans un film comique à succès ( Tootsie et Mrs. Doubtfire , respectivement) dans lequel ils ont joué la plupart des scènes habillées en femme.

Parfois, le problème est encore compliqué, par exemple, par une femme jouant le rôle d’une femme agissant comme un homme, qui se fait alors passer pour une femme, comme Julie Andrews dans Victor/Victoria ou Gwyneth Paltrow dans Shakespeare in Love . Dans It’s Pat: The Movie , les cinéphiles n’apprennent jamais le sexe des personnages principaux androgynes Pat et Chris (interprétés par Julia Sweeney et Dave Foley ). De même, dans l’exemple précité des Noces de Figaro, il y a une scène dans laquelle Cherubino (un personnage masculin interprété par une femme) s’habille et agit comme une femme ; les autres personnages de la scène sont conscients d’un seul niveau d’obscurcissement des rôles de genre, tandis que le public est conscient de deux niveaux.

Quelques rôles modernes sont joués par un membre du sexe opposé pour souligner la fluidité de genre du rôle. Edna Turnblad dans Hairspray a été interprétée par Divine dans le film original de 1988 , Harvey Fierstein dans la comédie musicale de Broadway et John Travolta dans la comédie musicale de 2007 . Eddie Redmayne a été nominé pour un Oscar pour avoir joué Lili Elbe (une femme trans ) dans The Danish Girl en 2015 . ^[22]

Le terme actrice

Helena Modrzejewska , une actrice américano-polonaise, par Tadeusz Ajdukiewicz , 1880

Contrairement au théâtre grec antique, le théâtre romain antique permettait aux interprètes féminines. Alors que la majorité d’entre elles étaient rarement employées dans des rôles parlants mais plutôt pour danser, il y avait une minorité d’actrices à Rome employées dans des rôles parlants, ainsi que celles qui ont atteint la richesse, la renommée et la reconnaissance de leur art, comme Eucharis , Dionysia , Galeria Copiola et Fabia Arete , et ils ont également formé leur propre guilde d’acteurs, la Sociae Mimae , qui était évidemment assez riche. ^[23] La profession s’est apparemment éteinte à la fin de l’Antiquité.

Alors que les femmes n’ont commencé à se produire sur scène en Angleterre que dans la seconde moitié du XVIIe siècle, elles sont apparues en Italie, en Espagne et en France à partir de la fin du XVIe siècle. Lucrezia Di Siena , dont le nom figure sur un contrat d’acteur à Rome du 10 octobre 1564, a été désignée comme la première actrice italienne connue par son nom, avec Vincenza Armani et Barbara Flaminia comme les premières primadones et les premières actrices bien documentées en Italie. (et européenne). ^[4]

Après 1660 en Angleterre , lorsque les femmes ont commencé à apparaître sur scène, les termes acteur ou actrice ont d’abord été utilisés de manière interchangeable pour les interprètes féminines, mais plus tard, influencé par l’ actrice française , l’ actrice est devenue le terme couramment utilisé pour les femmes au théâtre et au cinéma. L’ étymologie est une simple dérivation de l’ acteur avec -ess ajouté. ^[24] En se référant aux groupes d’interprètes des deux sexes, les acteurs sont préférés. ^[25]

Au sein de la profession, la ré-adoption du terme neutre date de l’ après-guerre des années 1950 et 1960, lorsque les contributions des femmes à la vie culturelle en général étaient remises en question. ^[26] Lorsque The Observer et The Guardian ont publié leur nouveau guide de style commun en 2010, il a déclaré “Utilisez [‘acteur’] pour les acteurs masculins et féminins ; n’utilisez pas d’actrice sauf en cas de prix, par exemple Oscar de la meilleure actrice “. ^[25] Les auteurs du guide ont déclaré que “l’actrice entre dans la même catégorie que l’auteure, la comédienne, la gérante, la ‘femme médecin’, ‘l’infirmier’ et les termes obsolètes similaires qui datent d’une époque où les professions étaient en grande partie l’apanage d’un sexe ( généralement des hommes).”.) ” Comme Whoopi Goldberg l’ a dit dans une interview avec le journal : “Une actrice ne peut jouer qu’une femme. Je suis un acteur – je peux jouer ^n’importe quoi . ” l’utilisation de “acteur” ou “actrice”. Un porte-parole d’Equity a déclaré que le syndicat ne croyait pas qu’il y ait un consensus sur la question et a déclaré que “… le sujet divise la profession”. ^[25] En 2009, le Los Angeles Times a déclaré que « l’actrice » reste le terme commun utilisé dans les principaux prix d’ acteur décernés aux récipiendaires féminins ^[27] (par exemple, l’Oscar de la meilleure actrice ).

En ce qui concerne le cinéma des États-Unis , le terme non sexiste de “joueur” était courant dans le cinéma à l’ ère du cinéma muet et aux débuts du Motion Picture Production Code , mais dans les années 2000 dans un contexte cinématographique, il est généralement réputé archaïque . ^{[ citation nécessaire ]} Cependant, “joueur” reste utilisé dans le théâtre , souvent incorporé dans le nom d’un groupe ou d’une compagnie de théâtre, comme les American Players , les East West Players , etc. De plus, les acteurs du théâtre d’improvisation peuvent être référés en tant que “joueurs”. ^[28]

L’actrice Kate Winslet

Learn more.

Royal & Derngate

Jul 14, 2022

Théâtre Royal Carré

Jul 11, 2022

Sexisme

Jul 9, 2022

Théâtre de la rue Belvoir

Jul 8, 2022

Équité salariale

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En 2015, Forbes a rapporté que “… seulement 21 des 100 films les plus rentables de 2014 mettaient en vedette une femme principale ou co-responsable, tandis que seulement 28,1% des personnages des 100 films les plus rentables étaient des femmes …”. ^[29] « Aux États-Unis, il existe un [écart] à l’échelle de l’industrie dans les salaires de toutes les échelles. En moyenne, les femmes blanches gagnent 78 cents pour chaque dollar gagné par un homme blanc, tandis que les femmes hispaniques gagnent 56 cents pour le dollar d’un homme blanc, les femmes noires 64 cents et les femmes amérindiennes seulement 59 cents pour ^cela . Les salaires d’acteur américains en 2013 ont déterminé que “… les hommes sur la liste Forbes des acteurs les mieux payés pour cette année-là ont fait 21/2fois plus d’argent que les actrices les mieux payées. Cela signifie que les actrices les mieux rémunérées d’Hollywood ne gagnaient que 40 centimes pour chaque dollar gagné par les hommes les mieux rémunérés.” ^{[30] [31] [32]}

Les types

Les acteurs travaillant au théâtre , au cinéma , à la télévision et à la radio doivent acquérir des compétences spécifiques. Les techniques qui fonctionnent bien dans un type de jeu peuvent ne pas fonctionner bien dans un autre type de jeu.

Au théâtre

Pour jouer sur scène, les acteurs doivent apprendre les indications scéniques qui apparaissent dans le scénario, telles que “Stage Left” et “Stage Right”. Ces instructions sont basées sur le point de vue de l’acteur lorsqu’il se tient sur la scène face au public. Les acteurs doivent également apprendre la signification des indications scéniques “Upstage” (loin du public) et “Downstage” (vers le public) ^[33] Les acteurs de théâtre doivent apprendre à bloquer, c’est-à-dire “… où et comment un acteur se déplace sur la scène pendant une pièce”. La plupart des scripts spécifient un certain blocage. Le metteur en scène donne également des instructions sur le blocage, comme traverser la scène ou ramasser et utiliser un accessoire. ^[33]

Certains acteurs de théâtre ont besoin d’apprendre le combat sur scène , c’est-à-dire des combats simulés sur scène. Les acteurs peuvent avoir à simuler des combats au corps à corps ou à l’épée. Les acteurs sont entraînés par des directeurs de combat , qui les aident à apprendre la séquence chorégraphiée des actions de combat. ^[33]

Au cinéma

Films muets

De 1894 à la fin des années 1920, les films étaient des films muets . Les acteurs de films muets ont mis l’accent sur le langage corporel et l’ expression faciale , afin que le public puisse mieux comprendre ce qu’un acteur ressentait et décrivait à l’écran. Une grande partie du cinéma muet est susceptible de frapper le public moderne comme simpliste ou campy . Le style de jeu mélodramatique était dans certains cas une habitude des acteurs transférés de leur ancienne expérience scénique. Le théâtre de vaudeville était une origine particulièrement populaire pour de nombreux acteurs américains du cinéma muet. ^[34] La présence omniprésente d’ acteurs de théâtre dans le film a été la cause de cette explosion du réalisateur Marshall Neilanen 1917: “Plus tôt les gens de scène qui sont entrés en images sortent, mieux c’est pour les images.” Dans d’autres cas, des réalisateurs tels que John Griffith Wray ont demandé à leurs acteurs de livrer des expressions plus grandes que nature pour mettre l’accent. Dès 1914, les téléspectateurs américains avaient commencé à faire connaître leur préférence pour plus de naturel à l’écran. ^[35]

Les réalisateurs de films pionniers en Europe et aux États-Unis ont reconnu les différentes limites et libertés des supports de la scène et de l’écran au début des années 1910. Les films muets sont devenus moins vaudevilliens au milieu des années 1910, à mesure que les différences entre la scène et l’écran devenaient apparentes. Grâce au travail de réalisateurs tels que DW Griffith , la cinématographie est devenue moins scénique et le gros plan alors révolutionnaire a permis un jeu subtil et naturaliste. En Amérique, la société Biograph Studios de DW Griffith s’est fait connaître pour sa mise en scène et son jeu innovants, réalisés pour convenir au cinéma plutôt qu’à la scène. Griffith s’est rendu compte que le jeu théâtral n’avait pas l’air bien au cinéma et obligeait ses acteurs et actrices à suivre des semaines de formation d’acteur cinématographique. ^[36]

Lillian Gish a été qualifiée de “première vraie actrice” du cinéma pour son travail à l’époque, alors qu’elle était la pionnière de nouvelles techniques de réalisation de films, reconnaissant les différences cruciales entre le théâtre et le cinéma. Des réalisateurs comme Albert Capellani et Maurice Tourneur ont commencé à insister sur le naturalisme dans leurs films. Au milieu des années 1920, de nombreux films muets américains avaient adopté un style d’acteur plus naturaliste, bien que tous les acteurs et réalisateurs n’aient pas immédiatement accepté le jeu naturaliste et discret; pas plus tard qu’en 1927, des films mettant en scène des styles d’acteur expressionnistes, tels que Metropolis , sortaient encore. ^[35]

Selon Anton Kaes, un spécialiste du cinéma muet de l’Université du Wisconsin, le cinéma muet américain a commencé à voir un changement dans les techniques d’acteur entre 1913 et 1921, influencé par les techniques trouvées dans le cinéma muet allemand. Cela est principalement attribué à l’afflux d’émigrants de la République de Weimar , “y compris des réalisateurs de films, des producteurs, des caméramans, des techniciens d’éclairage et de scène, ainsi que des acteurs et des actrices”. ^[37]

L’avènement du son au cinéma

Les acteurs de cinéma doivent apprendre à s’habituer et à être à l’aise avec une caméra devant eux. ^[38] Les acteurs de cinéma doivent apprendre à trouver et à rester sur leur “marque”. Il s’agit d’une position au sol marquée avec du ruban adhésif. Cette position est celle où les lumières et la mise au point de la caméra sont optimisées. Les acteurs de cinéma doivent également apprendre à bien se préparer et à bien effectuer les tests à l’écran . Les tests d’écran sont une audition filmée d’une partie du scénario.

Contrairement aux acteurs de théâtre, qui développent des personnages pour des performances répétées, les acteurs de cinéma manquent de continuité, les obligeant à venir à toutes les scènes (parfois tournées dans l’ordre dans lequel elles apparaissent finalement) avec un personnage déjà pleinement développé. ^[36]

“Puisque le film capte le moindre geste et le magnifie…, le cinéma exige de l’acteur une performance corporelle moins flamboyante et stylisée que le théâtre.” “La performance de l’émotion est l’aspect le plus difficile à maîtriser du jeu d’acteur: … l’acteur de cinéma doit s’appuyer sur de subtils tics faciaux, des tremblements et de minuscules soulèvements de sourcils pour créer un personnage crédible.” ^[36] Certaines stars du théâtre “… ont réussi la transition du théâtre au cinéma ( Laurence Olivier , Glenn Close et Julie Andrews , par exemple), d’autres non…” ^[36]

À la télévision

“Sur un téléviseur, il y a généralement plusieurs caméras orientées vers le plateau. Les acteurs qui découvrent le jeu à l’écran peuvent ne pas savoir quelle caméra regarder.” ^[33] Les acteurs de télévision doivent apprendre à utiliser des micros lav ( microphones Lavaliere ). ^[33] Les acteurs de la télévision doivent comprendre le concept de “cadre”. “Le terme cadre fait référence à la zone que l’objectif de l’appareil photo capture.” ^[33] Dans l’industrie du théâtre, il existe quatre types de rôles télévisés que l’on pourrait décrocher dans une émission. Chaque type varie en importance, fréquence d’apparition et rémunération. Le premier est connu comme un habitué de la série – les principaux acteurs de la série faisant partie de la distribution permanente. Acteurs récurrentsles rôles sont sous contrat pour apparaître dans plusieurs épisodes d’une série. Un rôle de co-vedette est un petit rôle parlant qui n’apparaît généralement que dans un épisode. Une star invitée est un rôle plus important qu’un rôle de co-vedette , et le personnage est souvent au centre de l’épisode ou fait partie intégrante de l’intrigue.

En radio

Enregistrement d’une pièce radiophonique aux Pays-Bas (1949; Spaarnestad Photo )

Le théâtre radiophonique est une performance théâtralisée, purement acoustique , diffusée à la radio ou publiée sur un support audio, tel qu’une bande ou un CD. Sans composante visuelle, la fiction radiophonique s’appuie sur des dialogues, de la musique et des effets sonores pour aider l’auditeur à imaginer les personnages et l’histoire : “C’est auditif dans la dimension physique mais tout aussi puissant qu’une force visuelle dans la dimension psychologique.” ^[39]

Les dramatiques radiophoniques ont acquis une grande popularité moins d’une décennie après leur développement initial dans les années 1920. Dans les années 1940, c’était un divertissement populaire international de premier plan. Avec l’avènement de la télévision dans les années 1950, cependant, les dramatiques radiophoniques ont perdu une partie de leur popularité et, dans certains pays, n’ont jamais retrouvé de larges audiences. Cependant, des enregistrements d’OTR ( radio d’autrefois ) survivent aujourd’hui dans les archives audio des collectionneurs et des musées, ainsi que sur plusieurs sites en ligne tels que Internet Archive .

Depuis 2011 ^{[mettre à jour]}, les dramatiques radiophoniques ont une présence minimale sur la radio terrestre aux États-Unis. Une grande partie des dramatiques radiophoniques américaines se limite à des rediffusions ou à des podcasts de programmes des décennies précédentes. Cependant, d’autres nations ont encore des traditions florissantes de dramatiques radiophoniques. Au Royaume-Uni, par exemple, la BBC produit et diffuse chaque année des centaines de nouvelles pièces radiophoniques sur Radio 3 , Radio 4 et Radio 4 Extra . Le podcasting a également offert le moyen de créer de nouvelles fictions radiophoniques, en plus de la diffusion de programmes vintage.

Les termes « drame audio » ^[40] ou « théâtre audio » sont parfois utilisés comme synonymes de « drame radiophonique » avec une distinction possible : le drame audio ou le théâtre audio ne sont pas nécessairement destinés spécifiquement à être diffusés à la radio. Les dramatiques audio, qu’elles soient nouvellement produites ou des classiques OTR, peuvent être trouvées sur des CD , des cassettes , des podcasts , des webémissions et des radios conventionnelles.

Grâce aux progrès de l’enregistrement numérique et de la distribution sur Internet, les dramatiques radiophoniques connaissent un renouveau. ^[41]

Voir également

Partie peu
Corps doublé
Caméo
Membre de la distribution
Acteur de personnage
Enfant acteur
Commedia dell’arte
Personne dramatique
Drôle
Supplémentaire (par intérim)
Farce
GOTÉ
Kabuki
Acteur principal
Listes d’acteurs
Idole de la matinée
Technique de Meisner
Artiste Mime
Star de cinéma
Music-hall
Pantomime
Acteur de cinéma pornographique
Esthétique pratique
Jeu de présentation et de représentation
Second ROLE
En cours d’étude
Vaudeville
Doublage

Références

^ “Le monde dramatique peut être étendu pour inclure” l’auteur “, le” public “et même le” théâtre “; mais ceux-ci restent des substituts” possibles “, pas les référents” réels “en tant que tels” (Elam 1980, 110).
^ “Définition d’acteur” .Hypokrites (lié à notre mot pour hypocrite ) signifie aussi, moins souvent, “répondre” au refrain tragique . Voir Weimann (1978, 2) ; voir aussi Csapo et Slater, qui proposent des traductions de sources classiques en utilisant le terme hypocrisis ( acting ) (1994, 257, 265-267).
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Sources

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Lectures complémentaires

Travail d’ acteur de Constantin Stanislavski
Un rêve de passion: le développement de la méthode par Lee Strasberg (Plume Books, ISBN 0-452-26198-8 , 1990)
Sanford Meisner sur le jeu par Sanford Meisner (Vintage, ISBN 0-394-75059-4 , 1987)
Lettres à un jeune acteur de Robert Brustein (Basic Books, ISBN 0-465-00806-2 , 2005)
The Empty Space de Peter Brook (1ère édition par Atheneum, ISBN 0-689-70558-1 , 1968)
La technique du jeu d’acteur par Stella Adler (Bantam Books, ISBN 0-553-05299-3 , 1988)

Liens externes

Recherchez acteur , actrice ou joueur dans Wiktionary, le dictionnaire gratuit.

Screen Actors Guild (SAG) : syndicat représentant les acteurs américains du cinéma et de la télévision.
Actors’ Equity Association (AEA) : syndicat représentant les acteurs et régisseurs de théâtre américains.
Fédération américaine des artistes de la télévision et de la radio (AFTRA) : syndicat représentant les acteurs et diffuseurs de la télévision et de la radio américaines (journalistes à l’antenne, etc.).
British Actors’ Equity : un syndicat représentant les artistes britanniques, y compris les acteurs, chanteurs, danseurs, chorégraphes, régisseurs, directeurs de théâtre et concepteurs, artistes de variétés et de cirque, présentateurs de télévision et de radio, artistes de rue et de soutien, cascadeurs et réalisateurs et metteurs en scène de combats de théâtre.
Media Entertainment & Arts Alliance : un syndicat australien/néo-zélandais représentant tous les acteurs des médias, du divertissement, des sports et des arts.

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