Igor Stravinski

Igor Fyodorovich Stravinsky ^[a] ComSE (17 juin [ OS 5 juin] 1882 – 6 avril 1971) était un compositeur, pianiste et chef d’orchestre russe, plus tard de nationalité française (à partir de 1934) et américaine (à partir de 1945). Il est largement considéré comme l’un des compositeurs les plus importants et les plus influents du XXe siècle et une figure centrale de la musique moderniste .

Stravinsky entre c. 1920 – env. 1925 ^[1]

La carrière de compositeur de Stravinsky se distingue par sa diversité stylistique. Il a d’abord atteint une renommée internationale avec trois ballets commandés par l’ imprésario Sergei Diaghilev et créés pour la première fois à Paris par les Ballets russes de Diaghilev : L’Oiseau de feu (1910), Petrushka (1911) et Le Sacre du printemps (1913). Le dernier a transformé la façon dont les compositeurs ultérieurs pensaient à la structure rythmique et était en grande partie responsable de la réputation durable de Stravinsky en tant que révolutionnaire qui a repoussé les limites de la conception musicale. Sa “phase russe”, qui se poursuit avec des ouvrages tels que Renard , L’Histoire du soldat , etAux noces , succède dans les années 1920 une période où il se tourne vers le néoclassicisme . Les œuvres de cette période ont tendance à utiliser des formes musicales traditionnelles ( concerto grosso , fugue et symphonie ) et s’inspirent de styles antérieurs, en particulier ceux du XVIIIe siècle. Dans les années 1950, Stravinsky adopte les procédés sériels . Ses compositions de cette période partagent des traits avec des exemples de sa production antérieure : énergie rythmique, construction d’idées mélodiques étendues à partir de quelques cellules à deux ou trois notes , et clarté de la forme et de l’ instrumentation .

Biographie

Jeunesse, 1882-1901

Stravinsky est né le 17 juin 1882 dans la ville d’ Oranienbaum sur la côte sud du golfe de Finlande , à 40 kilomètres à l’ouest de Saint-Pétersbourg . ^{[2] [3]} Son père, Fyodor Ignatievich Stravinsky (1843–1902), était un chanteur d’opéra de basse établi à l’ Opéra de Kiev et au Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg et sa mère, Anna Kirillovna Stravinskaya ( née Kholodovskaya; 1854–1939) , originaire de Kiev , était l’une des quatre filles d’un haut fonctionnaire du ministère des successions de Kiev. Igor était le troisième de leurs quatre fils; ses frères étaient Roman, Yury et Gury.^[4] La famille Stravinsky était d’origine polonaise et russe, ^[5] descendait “d’une longue lignée de grands, sénateurs et propriétaires terriens polonais”. ^[6] Il remonte aux XVIIe et XVIIIe siècles aux porteurs desarmoiries Sulima et Strawiński. Le nom de famille d’origine était Sulima-Strawiński ; le nom “Stravinsky” provient du mot “Strava”, l’une des variantes de la rivière Streva en Lituanie . ^{[7] [8]}

La maison de Stravinsky à Ustilug , aujourd’hui un musée

Le 10 août 1882, Stravinsky est baptisé à la cathédrale Nikolsky de Saint-Pétersbourg. ^[4] Jusqu’en 1914, il a passé la plupart de ses étés dans la ville d’ Ustilug , maintenant en Ukraine , où son beau-père a possédé un domaine. ^{[9] [10]} La première école de Stravinsky était Le Deuxième Gymnase de Saint-Pétersbourg , où il est resté jusqu’à son milieu de l’adolescence. Puis il a déménagé au Gourevitch Gymnasium, une école privée, où il a étudié l’histoire, les mathématiques et les langues (latin, grec et slave; et français, allemand et son russe natal). ^[11]Stravinsky a exprimé son dégoût général pour l’école et a rappelé avoir été un élève solitaire: “Je n’ai jamais rencontré quelqu’un qui ait eu une réelle attirance pour moi.” ^[12]

Stravinsky s’est mis à la musique dès son plus jeune âge et a commencé des cours de piano réguliers à l’âge de neuf ans, suivis de cours de théorie musicale et de composition. ^[13] À environ huit ans, il a assisté à une représentation du ballet de Tchaïkovski La Belle au bois dormant au Théâtre Mariinsky, qui a commencé un intérêt permanent pour les ballets et le compositeur lui-même. À l’âge de quinze ans, Stravinsky avait maîtrisé le Concerto pour piano n ° 1 de Mendelssohn et avait terminé une réduction pour piano d’un quatuor à cordes d’ Alexander Glazunov , qui aurait considéré Stravinsky comme non musical et n’avait guère pensé à ses compétences. ^[14]

Formation et premières compositions, 1901-1909

Stravinsky en 1903, 21 ans

Malgré l’enthousiasme et la capacité de Stravinsky en musique, ses parents s’attendaient à ce qu’il étudie le droit, et il s’est d’abord intéressé au sujet. En 1901, il s’inscrit à l’ Université de Saint-Pétersbourg , étudiant le droit pénal et la philosophie juridique, mais la fréquentation des cours est facultative et il estime qu’il a suivi moins de cinquante cours au cours de ses quatre années d’études. ^[15] En 1902, Stravinsky rencontre Vladimir, condisciple à l’Université de Saint-Pétersbourg et fils cadet de Nikolai Rimsky-Korsakov.. Rimsky-Korsakov à cette époque était sans doute le principal compositeur russe et il était professeur au Conservatoire de musique de Saint-Pétersbourg. Stravinsky a souhaité rencontrer le père de Vladimir pour discuter de ses aspirations musicales. Il passe l’été 1902 avec Rimsky-Korsakov et sa famille à Heidelberg , en Allemagne. Rimsky-Korsakov suggéra à Stravinsky de ne pas entrer au Conservatoire de Saint-Pétersbourg mais de continuer des cours particuliers de théorie. ^[16]

Au moment de la mort de son père d’ un cancer en 1902, Stravinsky passait plus de temps à étudier la musique que le droit. ^[17] Sa décision de poursuivre la musique à plein temps a été aidée lorsque l’université a été fermée pendant deux mois en 1905 à la suite du Bloody Sunday , ce qui l’a empêché de passer ses derniers examens de droit. En avril 1906, Stravinsky obtient un demi-diplôme et se concentre ensuite sur la musique. ^{[18] [19]} En 1905, il a commencé à étudier avec Rimsky-Korsakov deux fois par semaine et est venu le considérer comme un deuxième père. ^[15] Ces leçons durent jusqu’à la mort de Rimsky-Korsakov en 1908. ^[20] Stravinsky achève sa première composition à cette époque, laSymphonie en mi bémol , cataloguée comme Opus 1. Dans le sillage de la mort de Rimski-Korsakov, Stravinski composa Chant funèbre , op. 5 qui a été exécuté une fois puis considéré comme perdu jusqu’à sa redécouverte en 2015. ^[21]

En août 1905, Stravinsky se fiance avec sa cousine germaine, Katherina Gavrylovna Nosenko. ^[10] Malgré l’opposition de l’ Église orthodoxe au mariage entre cousins ​​germains, le couple s’est marié le 23 janvier 1906. Ils ont vécu dans la résidence familiale au 6 Kryukov Canal à Saint-Pétersbourg avant d’emménager dans une nouvelle maison à Ustilug, qui Stravinsky a conçu et construit, et qu’il a appelé plus tard son “lieu paradisiaque”. Il y écrivit plusieurs de ses premières compositions. ^{[22] [23]} C’est maintenant un musée avec des documents, des lettres et des photographies exposées et un festival annuel de Stravinsky a lieu dans la ville voisine de Loutsk . ^{[24] [25]} Les deux premiers enfants de Stravinsky et Nosenko,Fiodor (Théodore) et Ludmila sont nés respectivement en 1907 et 1908. ^[26]

Ballets pour Diaghilev et renommée internationale, 1909-1920

Sergei Diaghilev dans un tableau de 1906 de Léon Bakst

En 1909, Stravinsky avait composé deux autres pièces, Scherzo fantastique , op. 3 et Feu d’artifice (“Feux d’artifice”), op. 4. En février de cette année-là, les deux ont été exécutés à Saint-Pétersbourg lors d’un concert qui a marqué un tournant dans la carrière de Stravinsky. Dans le public se trouvait Sergei Diaghilev , un imprésario russe et propriétaire des Ballets russes qui a été frappé par les compositions de Stravinsky. Il souhaitait mettre en scène un mélange d’opéra et de ballet russes pour la saison 1910 à Paris, parmi lesquels un nouveau ballet de nouveaux talents basé sur le conte de fées russe de l’ Oiseau de feu . ^[27] D’ après Anatoly Lyadova été chargé de composer la partition, il a informé Diaghilev qu’il lui fallait environ un an pour la terminer. ^[28] Diaghilev a alors demandé à Stravinsky, âgé de 28 ans, qui lui avait fourni des orchestrations satisfaisantes pour la saison précédente à court préavis et a accepté de composer une partition complète. ^[27] D’une durée de 50 minutes, The Firebird a été révisé par Stravinsky pour des concerts en 1911, 1919 et 1945.

L’Oiseau de feu a été créé à l’ Opéra de Paris le 25 juin 1910, acclamé par la critique et Stravinsky est devenu une sensation du jour au lendemain. ^{[29] [30] [31]} Comme sa femme attendait leur troisième enfant, les Stravinsky ont passé l’été à La Baule dans l’ouest de la France. En septembre, ils déménagent à Clarens , en Suisse, où leur deuxième fils, Sviatoslav (Soulima), est né. ^[32] La famille passerait ses étés en Russie et ses hivers en Suisse jusqu’en 1914. ^[33] Diaghilev a chargé Stravinsky de marquer un deuxième ballet pour la saison parisienne de 1911. Le résultat fut Petrouchka, basé sur le conte folklorique russe mettant en vedette le personnage principal , une marionnette, qui tombe amoureuse d’une autre, une ballerine. Bien qu’elle n’ait pas réussi à capter l’accueil immédiat que L’Oiseau de feu eut après sa première au Théâtre du Châtelet en juin 1911, la production continua le succès de Stravinsky.

C’est le troisième ballet de Stravinsky pour Diaghilev, Le Sacre du printemps , qui a fait sensation parmi les critiques, les autres compositeurs et les spectateurs. Basée sur une idée originale offerte à Stravinsky par Nicholas Roerich, la production présente une série de rituels primitifs célébrant l’avènement du printemps, après quoi une jeune fille est choisie comme victime sacrificielle du dieu solaire Yarilo et se danse jusqu’à la mort. La partition de Stravinsky contenait de nombreuses caractéristiques nouvelles pour son époque, notamment des expériences de tonalité, de mètre, de rythme, d’accentuation et de dissonance. La radicalité de la musique et de la chorégraphie provoque une quasi-émeute lors de sa première au Théâtre des Champs-Élysées le 29 mai 1913. ^{[34] [35]}

Peu de temps après la première, Stravinsky a contracté la Typhoïde en mangeant de mauvaises huîtres et il a été confiné dans une maison de retraite parisienne. Il partit en juillet 1913 et retourna à Ustilug. ^[36] Pour le reste de l’été, il se concentre sur son premier opéra, Le Rossignol ( Le Rossignol ), basé sur l’ histoire du même titre de Hans Christian Andersen , qu’il avait commencé en 1908. ^[37] Le 15 janvier 1914, Stravinsky et Nosenko ont eu leur quatrième enfant, Marie Milène (ou Maria Milena). Après son accouchement, on a découvert que Nosenko avait la tuberculose et a été confinée dans un sanatorium à LeysinDans les alpes. Stravinsky s’est installé à proximité, où il a achevé Le Rossignol . ^{[38] [39]} L’œuvre a été créée à Paris en mai 1914, après que le Théâtre libre de Moscou ait commandé la pièce pour 10 000 roubles, mais a rapidement fait faillite. Diaghilev a accepté que les Ballets russes le mettent en scène. ^{[40] [41] [42]} L’opéra n’a eu qu’un succès mitigé auprès du public et des critiques, apparemment parce que sa délicatesse n’a pas répondu à leurs attentes suite au tumultueux Sacre du printemps . ^[39] Cependant, des compositeurs comme Ravel , Bartók et Reynaldo Hahna trouvé beaucoup à admirer dans le savoir-faire de la partition, prétendant même détecter l’influence d’ Arnold Schoenberg . ^[43]

Groupe de supporters et membres des Ballets Russes en 1911

En avril 1914, Stravinsky et sa famille retournent à Clarens. ^[40] Suite au déclenchement de la Première Guerre mondiale plus tard cette année-là, il n’était pas éligible au service militaire pour des raisons de santé. ^[33] Stravinsky a réussi une courte visite à Ustilug pour récupérer des objets personnels juste avant la fermeture des frontières nationales. ^[44] En juin 1915, lui et sa famille ont déménagé de Clarens à Morges , une ville à six milles de Lausanne sur la rive du lac Léman . La famille y vécut (à trois adresses différentes), jusqu’en 1920. ^[45] En décembre 1915, Stravinsky fait ses débuts de chef d’orchestre lors de deux concerts au profit de la Croix-Rouge avec L’Oiseau de feu .^[46] La guerre et la révolution russe qui a suivi en 1917 ont rendu impossible le retour de Stravinsky dans son pays natal. ^[47]

Stravinsky a commencé à lutter financièrement à la fin des années 1910 car la Russie (et son successeur, l’URSS) n’a pas adhéré à la Convention de Berne , créant ainsi des problèmes pour Stravinsky pour percevoir des redevances pour les représentations de ses pièces pour les Ballets russes. ^[48] ​​Il a blâmé Diaghilev pour ses problèmes financiers, accusant l’imprésario de ne pas avoir respecté leur contrat. ^[17] Lors de la composition de sa pièce théâtrale L’Histoire du soldat ( The Soldier’s Tale ), Stravinsky a approché le philanthrope suisse Werner Reinhart pour une aide financière, qui a accepté de le parrainer et de financer en grande partie sa première représentation qui a eu lieu à Lausanne en septembre 1918. ^{[ 49]}En remerciement, Stravinsky a dédié l’ouvrage à Reinhart et lui a donné le manuscrit original. ^[50] Reinhart a soutenu davantage Stravinsky lorsqu’il a financé une série de concerts de sa musique de chambre en 1919. ^{[51] [52]} En remerciement à son bienfaiteur, Stravinsky a également dédié ses Trois pièces pour clarinette à Reinhart, qui était également un clarinettiste amateur. . ^[53]

Après la création de Pulcinella par les Ballets russes à Paris le 15 mai 1920, Stravinsky retourne en Suisse. ^[54]

La vie en France, 1920-1939

Stravinsky dessiné par Picasso en 1920

En juin 1920, Stravinsky et sa famille quittent la Suisse pour la France, s’installant d’abord à Carantec , en Bretagne , pour l’été, alors qu’ils cherchent une résidence permanente à Paris. ^{[55] [56]} Ils ont bientôt entendu parler de la Couturière Coco Chanel , qui a invité la famille à vivre dans son manoir parisien jusqu’à ce qu’ils aient trouvé leur propre résidence. Les Stravinsky acceptèrent et arrivèrent en septembre. ^[57] Chanel a aidé à obtenir une garantie pour une production de renaissance du Sacre du printemps par les Ballets russes à partir de décembre 1920 avec un cadeau anonyme à Diaghilev qui valait 300 000 francs. ^[58]

En 1920, Stravinsky signe un contrat avec la société française de fabrication de pianos Pleyel . Dans le cadre de l’accord, Stravinsky a transcrit la plupart de ses compositions pour leur piano mécanique, le Pleyela. L’entreprise a aidé à collecter les redevances mécaniques de Stravinsky pour ses œuvres et lui a fourni un revenu mensuel. En 1921, il obtient un studio au siège parisien où il travaille et reçoit amis et connaissances. ^{[59] [60] [61]} Les rouleaux de piano n’ont pas été enregistrés, mais ont plutôt été balisés à partir d’une combinaison de fragments manuscrits et de notes manuscrites par Jacques Larmanjat, directeur musical du département de rouleaux de Pleyel. Dans les années 1920, Stravinsky enregistreRouleaux de piano Duo-Art pour l’ Aeolian Company à Londres et à New York, qui n’ont pas tous survécu. ^[62]

La seconde épouse de Stravinsky, Vera de Bosset, en 1921 par Serge Sudeikin

Stravinsky a rencontré Vera de Bosset à Paris en février 1921, ^[63] alors qu’elle était mariée au peintre et scénographe Serge Sudeikin , et ils ont commencé une liaison qui a conduit de Bosset à quitter son mari. ^[64]

En mai 1921, Stravinsky et sa famille s’installent à Anglet , ville proche de la frontière espagnole. ^[65] Leur séjour fut de courte durée car à l’automne, ils s’étaient installés à proximité de Biarritz et Stravinsky termina ses Trois mouvements de Petrouchka , une transcription au piano d’extraits de Petrouchka pour Artur Rubinstein . Diaghilev a ensuite demandé des orchestrations pour une production de reprise du ballet de Tchaïkovski La Belle au Bois Dormant . ^[66] Dès lors jusqu’à la mort de sa femme en 1939, Stravinsky mena une double vie, partageant son temps entre sa famille à Anglet, et Vera à Paris et en tournée. ^[67]Katya aurait porté l’infidélité de son mari “avec un mélange de magnanimité, d’amertume et de compassion”. ^[68]

En juin 1923, le ballet de Stravinsky Les noces ( Le mariage ) est créé à Paris et interprété par les Ballets russes. ^[69] Le mois suivant, il a commencé à recevoir de l’argent d’un mécène anonyme des États-Unis qui a insisté pour rester anonyme et s’est seulement identifié comme “Madame”. Ils ont promis de lui envoyer 6 000 dollars en trois ans et ont envoyé à Stravinsky un premier chèque de 1 000 dollars. Bien que certains paiements n’aient pas été envoyés, Robert Craft pensait que le mécène était le célèbre chef d’orchestre Leopold Stokowski , que Stravinsky avait récemment rencontré, et a émis l’hypothèse que le chef d’orchestre voulait convaincre Stravinsky de visiter les États-Unis. ^{[69] [70]}

En septembre 1924, Stravinsky achète une nouvelle maison à Nice . ^[71] Ici, le compositeur a réévalué ses croyances religieuses et renoué avec sa foi chrétienne avec l’aide d’un prêtre russe, le père Nicolas. ^[72] Il a également pensé à son avenir et a utilisé l’expérience de diriger la première de son Octuor à l’un des concerts de Serge Koussevitzky l’année précédente pour développer sa carrière de chef d’orchestre. Koussevitzky a demandé à Stravinsky de composer une nouvelle pièce pour l’un de ses prochains concerts; Stravinsky a accepté un concerto pour piano, auquel Koussevitzky l’a convaincu d’être le soliste lors de sa création. Stravinsky accepta et le Concerto pour piano et instruments à venta été joué pour la première fois en mai 1924. ^[73] La pièce a été un succès et Stravinsky s’est assuré les droits d’exécuter exclusivement l’œuvre pendant les cinq années suivantes. ^[74] Suite à une tournée européenne à travers la seconde moitié de 1924, Stravinsky a terminé sa première tournée américaine au début de 1925 qui a duré deux mois. ^[74] Il visita la Catalogne six fois, et la première fois, en 1924, après avoir donné trois concerts avec l’ Orchestre Pau Casals au Gran Teatre del Liceu , il déclara : « Barcelone sera pour moi inoubliable. cathédrale et les sardanes “. ^[75]

En mai 1927, l’opéra-oratorio Oedipus Rex de Stravinsky est créé à Paris. Le financement de sa production a été en grande partie assuré par Winnaretta Singer, princesse Edmond de Polignac , qui a payé 12 000 francs pour une avant-première privée de la pièce chez elle. Stravinsky a donné l’argent à Diaghilev pour aider à financer les représentations publiques. La première a suscité une réaction ^{[ une clarification nécessaire ]} qui a irrité Stravinsky, qui avait commencé à s’agacer de la fixation du public sur ses premiers ballets. ^[76] À l’été 1927, Stravinsky reçoit une commande d’ Elizabeth Sprague Coolidge, son premier des États-Unis. Riche patronne de la musique, Coolidge a demandé une partition de ballet de trente minutes pour un festival qui se tiendrait à la Bibliothèque du Congrès , moyennant des frais de 1 000 $. Stravinsky a accepté et a écrit Apollon , dont la première a eu lieu en 1928. ^[77]

De 1931 à 1933, les Stravinsky vivent à Voreppe , une commune proche de Grenoble dans le sud-est de la France. ^[78] En juin 1934, le couple acquiert la nationalité française. Plus tard dans l’année, ils quittent Voreppe pour s’installer rue du Faubourg Saint-Honoré à Paris, où ils resteront cinq ans. ^{[79] [80]} Le compositeur a utilisé sa citoyenneté pour publier ses mémoires en français, intitulés Chroniques de ma Vie en 1935, et a subi une tournée américaine avec Samuel Dushkin . Sa seule composition de cette année-là était le Concerto pour deux pianos solos, qui a été écrit pour lui et son fils Soulima à l’aide d’un double piano spécial que Pleyel avait construit. Le couple a terminé une tournée en Europe et en Amérique du Sud en 1936. ^[79] Stravinsky a fait ses débuts américains en tant que chef d’orchestre en avril 1937 à New York, dirigeant son ballet en trois parties Jeu de cartes , lui-même une commande pour le ballet de Lincoln Kirstein . compagnie avec une chorégraphie de George Balanchine . ^[81] Stravinsky s’est souvenu plus tard de cette dernière adresse européenne comme de son plus malheureux. De retour en Europe, Stravinsky quitte Paris pour Annemasseprès de la frontière suisse pour être près de sa famille, après que sa femme et ses filles Ludmila et Milena eurent contracté la tuberculose et se trouvaient dans un sanatorium. Ludmila mourut fin 1938, suivie de sa femme depuis 33 ans, en mars 1939. ^[82] Stravinsky lui-même passa cinq mois à l’hôpital de Sancellemoz , période pendant laquelle sa mère mourut également. ^[83]

Au cours de ses dernières années à Paris, Stravinsky avait développé des relations professionnelles avec des personnalités clés aux États-Unis : il travaillait déjà sur sa Symphonie en ut pour le Chicago Symphony Orchestra ^[84] et il avait accepté d’accepter la chaire de poésie Charles Eliot Norton de 1939-1940 à l’Université de Harvard et pendant son séjour, il a donné six conférences sur la musique dans le cadre des prestigieuses conférences Charles Eliot Norton . ^{[85] [86]}

La vie aux États-Unis, 1939-1971

Premières années américaines, 1939-1945 Photographie célèbre de Stravinsky sur un piano à queue par Arnold Newman

Stravinsky arriva à New York le 30 septembre 1939 et se dirigea vers Cambridge, Massachusetts pour remplir ses engagements à Harvard. Au cours de ses deux premiers mois aux États-Unis, Stravinsky a séjourné à Gerry’s Landing, la maison de l’historien de l’art Edward W. Forbes . ^[87] Vera est arrivée en janvier 1940 et le couple s’est marié le 9 mars à Bedford, Massachusetts . Après une période de voyage, les deux hommes ont emménagé dans une maison à Beverly Hills, en Californie, avant de s’installer à Hollywood à partir de 1941. Stravinsky a estimé que le climat californien plus chaud serait bénéfique pour sa santé. ^[88]Stravinsky s’était adapté à la vie en France, mais déménager en Amérique à l’âge de 58 ans était une perspective très différente. Pendant un certain temps, il a entretenu un cercle de contacts et d’amis émigrés de Russie, mais il a finalement constaté que cela ne soutenait pas sa vie intellectuelle et professionnelle. Il a été attiré par la vie culturelle croissante de Los Angeles, en particulier pendant la Seconde Guerre mondiale, lorsque des écrivains, des musiciens, des compositeurs et des chefs d’orchestre se sont installés dans la région. Le critique musical Bernard Holland a affirmé que Stravinsky aimait particulièrement les écrivains britanniques, qui lui rendaient visite à Beverly Hills, “comme WH Auden , Christopher Isherwood , Dylan Thomas . Ils partageaient le goût du compositeur pour les esprits durs – en particulier Aldous Huxley, avec qui Stravinsky a parlé en français. ” ^[89] Stravinsky et Huxley avaient une tradition de déjeuners du samedi pour l’avant-garde et les sommités de la côte ouest. ^[90]

En 1940, Stravinsky termine sa Symphonie en ut et dirige l’Orchestre symphonique de Chicago lors de sa création plus tard dans l’année. ^[91] C’est à cette époque que Stravinsky commence à s’associer à la musique de film ; le premier grand film à utiliser sa musique fut le long métrage d’animation Fantasia (1940) de Walt Disney , qui comprend des parties du Sacre du printemps réarrangées par Leopold Stokowski en un segment illustrant l’histoire de la Terre et l’âge des dinosaures. ^[92] Orson Welles a exhorté Stravinsky à écrire la partition de Jane Eyre (1943), mais les négociations ont échoué ; une pièce utilisée dans l’une des scènes de chasse du film a été utilisée dans l’œuvre orchestrale de Stravinsky Odé (1943). Une offre de partition de The Song of Bernadette (1943) a également échoué; Stravinsky a estimé que les conditions étaient en faveur du producteur. La musique qu’il avait écrite pour le film a ensuite été utilisée dans sa Symphonie en trois mouvements . ^[92]

L’accord non conventionnel de septième de dominante de Stravinsky dans son arrangement de la « bannière étoilée » a conduit à un incident avec la police de Boston le 15 janvier 1944, et il a été averti que les autorités pourraient imposer une amende de 100 $ à tout « réarrangement de la bannière nationale ». hymne en tout ou en partie”. ^[93] Il s’est avéré que la police avait tort. La loi en question interdisait simplement d’utiliser l’hymne national “comme musique de danse, comme marche de sortie ou comme partie d’un pot-pourri de quelque nature que ce soit”, ^[94] mais l’incident s’est rapidement imposé comme un mythe, dans lequel Stravinsky était censé être arrêté, détenu pendant plusieurs nuits et photographié pour les dossiers de la police. ^[95]

Le 28 décembre 1945, Stravinsky et sa femme Vera sont naturalisés américains. ^[96] Leur parrain et témoin était l’acteur Edward G. Robinson . ^[97]

Derniers grands travaux, 1945-1966 Stravinsky en couverture de Time en 1948

Le même jour, Stravinsky est devenu citoyen américain, il s’est arrangé pour que Boosey & Hawkes publie des réarrangements de plusieurs de ses compositions et a utilisé sa citoyenneté américaine nouvellement acquise pour obtenir un droit d’auteur sur le matériel, lui permettant ainsi de gagner de l’argent grâce à eux. ^[98] Le contrat de cinq ans a été finalisé et signé en janvier 1947 qui comprenait une garantie de 10 000 $ par an pour les deux premières années, puis de 12 000 $ pour les trois autres. ^[99]

Fin 1945, Stravinsky reçoit une commande européenne, sa première depuis Perséphone , sous la forme d’une pièce à cordes pour le 20e anniversaire de l’ Orchestre de Chambre de Bâle de Paul Sacher . Le Concerto en ré a été créé en 1947. ^[100] En janvier 1946, Stravinsky a dirigé la première de sa Symphonie en trois mouvements au Carnegie Hall de New York. Il a marqué sa première première aux États-Unis. ^[101] En 1947, Stravinsky a été inspiré pour écrire son opéra de langue anglaise The Rake’s Progress par une visite à une exposition de Chicago de la série de peintures du même titrepar l’artiste britannique du XVIIIe siècle William Hogarth , qui raconte l’histoire d’un gaspillage à la mode tombant en ruine. Auden et l’écrivain Chester Kallman ont travaillé sur le livret. L’opéra a été créé en 1951 et marque la dernière œuvre de la période néoclassique de Stravinsky. ^[102] En composant The Rake’s Progress , Stravinsky s’est lié d’amitié avec Robert Craft , qui est devenu son assistant personnel et ami proche et a encouragé le compositeur à écrire de la Musique en série . Cela a commencé la troisième et dernière période musicale distincte de Stravinsky qui a duré jusqu’à sa mort. ^[103]

En 1953, Stravinsky a accepté de composer un nouvel opéra avec un livret de Dylan Thomas, qui détaillait la recréation du monde après qu’un homme et une femme soient restés sur Terre après une catastrophe nucléaire. Le développement du projet a pris fin soudainement après la mort de Thomas en novembre de la même année. Stravinsky a terminé In Memorian Dylan Thomas , une pièce pour ténor, quatuor à cordes et quatre trombones, en 1954. ^[104]

En janvier 1962, lors d’une étape de sa tournée à Washington, DC, Stravinsky assista à un dîner à la Maison Blanche avec le président John F. Kennedy en l’honneur de son quatre-vingtième anniversaire, où il reçut une médaille spéciale pour “la reconnaissance que sa musique a acquise tout au long de la monde”. ^{[105] [106]} En septembre 1962, Stravinsky retourna en Russie pour la première fois depuis 1914, acceptant une invitation de l’ Union des compositeurs soviétiques à diriger six représentations à Moscou et Leningrad. Au cours de la visite de trois semaines, il a rencontré le Premier ministre soviétique Nikita Khrouchtchev et plusieurs grands compositeurs soviétiques, dont Dmitri Chostakovitch et Aram Khatchatourian . ^[107][108] Stravinsky n’est pas revenu à sa maison de Hollywood jusqu’au décembre de 1962 dans ce qui était presque huit mois de déplacement continuel. ^[109] Suite à l’assassinat de Kennedy en 1963, Stravinsky a terminé son Élégie pour JFK l’année suivante. L’œuvre de deux minutes a pris au compositeur deux jours pour écrire. ^[110]

Au début de 1964, les longues périodes de voyage avaient commencé à affecter la santé de Stravinsky. Son cas de polycythémie s’était aggravé et ses amis avaient remarqué que ses mouvements et sa parole avaient ralenti. ^[110] En 1965, Stravinsky a accepté que David Oppenheim produise un film documentaire sur lui-même pour le réseau CBS . Cela impliquait une équipe de tournage qui suivait le compositeur à la maison et en tournée cette année-là, et il a été payé 10 000 $ pour la production. ^[111] Le documentaire comprend la visite de Stravinsky aux Tilleuls, la maison de Clarens, en Suisse, où il a écrit la majorité du Sacre du printemps. L’équipe a demandé aux autorités soviétiques la permission de filmer Stravinsky retournant dans sa ville natale d’Ustilug, mais la demande a été refusée. ^[112] En 1966, Stravinsky achève sa dernière œuvre majeure, les Requiem Canticles . ^[113]

Dernières années et décès, 1967-1971

En février 1967, Stravinsky et Craft dirigent leur propre concert à Miami, en Floride, le premier du compositeur dans cet État. À cette époque, la commission de performance typique de Stravinsky était passée à 10 000 $. Cependant, par la suite, sur ordre du médecin, les offres d’exécution qui l’obligeaient à voler ont généralement été refusées. ^[114] Une exception à cela était un concert à Massey Hall à Toronto, Canada en mai de 1967, où il a conduit la suite Pulcinella relativement peu exigeante physiquement avec l’ Orchestre Symphonique de Toronto . Il était devenu de plus en plus fragile et pour la seule fois de sa carrière, Stravinsky dirigeait assis. C’était sa dernière performance en tant que chef d’orchestre de son vivant. ^[115]Dans les coulisses du lieu, Stravinsky a informé Craft qu’il pensait avoir subi un accident vasculaire cérébral. ^[114] En août 1967, Stravinsky a été hospitalisé à Hollywood pour des saignements d’ulcères d’estomac et une thrombose qui ont nécessité une transfusion sanguine. Dans son journal, Craft a écrit qu’il avait nourri à la cuillère le compositeur malade et lui avait tenu la main: “Il dit que la chaleur diminue la douleur.” ^[116]

En 1968, Stravinsky avait suffisamment récupéré pour reprendre sa tournée à travers les États-Unis avec lui dans le public tandis que Craft prenait le poste de chef d’orchestre pour la majorité des concerts. ^[117] En mai 1968, Stravinsky a terminé l’arrangement pour piano de deux chansons du compositeur autrichien Hugo Wolf pour un petit orchestre. ^[117] En octobre, Stravinsky, Vera et Craft se sont rendus à Zurich, en Suisse, pour régler les affaires avec la famille de Stravinsky. Pendant son séjour, le fils de Stravinsky, Théodore, tenait le manuscrit du Sacre du printemps tandis que Stravinsky le signait avant de le donner à Vera. ^[118]Les trois ont envisagé de déménager en Suisse car ils étaient devenus de moins en moins friands d’Hollywood, mais ils ont décidé de ne pas le faire et sont retournés aux États-Unis. ^[119]

La tombe de Stravinsky sur l’île de San Michele

En octobre 1969, après près de trois décennies en Californie et s’être vu refuser de voyager à l’étranger par ses médecins en raison de problèmes de santé, Stravinsky et Vera ont obtenu un bail de deux ans pour un appartement de luxe de trois chambres à Essex House à New York. Craft a emménagé avec eux, mettant ainsi sa carrière entre parenthèses pour s’occuper du compositeur malade. ^[120] Parmi les derniers projets de Stravinsky, il y avait l’orchestration de deux préludes du Clavier bien tempéré de Bach, mais cela n’a jamais été achevé. ^[121] Il a été hospitalisé en avril 1970 à la suite d’une crise de pneumonie, dont il s’est remis avec succès. Deux mois plus tard, il se rend à Évian-les-Bains au bord du lac Léman où il retrouve son fils aîné Théodore et sa nièce Xenia.^[122]

Le 18 mars 1971, Stravinsky a été transporté à l’ hôpital Lenox Hill avec un œdème pulmonaire où il est resté pendant dix jours. Le 29 mars, il s’installe dans un appartement nouvellement rénové au 920 Cinquième Avenue , son premier appartement en ville depuis qu’il vit à Paris en 1939. Après une période de bien-être, l’œdème revient le 4 avril et Vera insiste pour que du matériel médical soit installé dans l’appartement. ^[123] Stravinsky a rapidement cessé de manger et de boire et est décédé à 5 h 20 le 6 avril à l’âge de 88 ans. La cause indiquée sur son certificat de décès est une insuffisance cardiaque. Un service funèbre a eu lieu trois jours plus tard à la chapelle funéraire Frank E. Campbell . ^{[121] [124]}Selon ses souhaits, il a été enterré dans le coin russe de l’île du cimetière de San Michele à Venise, en Italie, à quelques mètres de la tombe de Sergei Diaghilev, ^[125] après y avoir été amené en gondole après un service à Santi Giovanni e Paolo dirigé par Cherubin Malissianos, archimandrite de l’Église orthodoxe grecque. ^{[126] [127]}

Il a une étoile sur le Hollywood Walk of Fame , et en 1987, il a reçu à titre posthume le Grammy Award for Lifetime Achievement . Il a été intronisé à titre posthume au National Museum of Dance and Hall of Fame en 2004.

Musique

La production de Stravinsky est généralement divisée en trois périodes de style général : une période russe, une période néoclassique et une période sérielle .

Période russe ( vers 1907 -1919)

Mis à part quelques œuvres antérieures survivantes, la période russe de Stravinsky, parfois appelée période primitive, a commencé par des compositions entreprises sous la tutelle de Nikolai Rimsky-Korsakov, avec qui il a étudié de 1905 jusqu’à la mort de Rimsky en 1908, y compris les œuvres orchestrales Symphony in E ♭ major (1907), Faun and Shepherdess (pour mezzo-soprano et orchestre; 1907), Scherzo fantastique (1908) et Feu d’artifice (1908/9). ^[128] Ces œuvres révèlent clairement l’influence de Rimsky-Korsakov, mais comme l’ a montré Richard Taruskin , elles révèlent également la connaissance de Stravinsky de la musique de Glazunov, Taneyev , Tchaïkovski, Wagner ,Dvořák et Debussy , entre autres. ^[129]

Stravinsky et Rimsky-Korsakov (assis ensemble à gauche) en 1908 Debussy avec Igor Stravinsky : photographie d’Erik Satie, juin 1910

En 1908, Stravinsky compose le Chant funèbre (Погребальная песня), op. 5 pour commémorer la mort de Nikolai Rimsky-Korsakov. La pièce a été créée le 17 janvier 1909 dans la Grande Salle du Conservatoire de Saint-Pétersbourg, mais a ensuite été perdue jusqu’en septembre 2015, date à laquelle elle a refait surface dans une arrière-salle du Conservatoire de la ville. ^[21] Il a été rejoué pour la première fois depuis plus d’un siècle le 2 décembre 2016. La redécouverte a suscité beaucoup d’enthousiasme et, par conséquent, plus de 25 représentations ont été programmées en 2017. ^[130]

Les représentations à Saint-Pétersbourg de Scherzo fantastique et Feu d’artifice ont attiré l’attention de Serge Diaghilev , qui a chargé Stravinsky d’orchestrer deux œuvres pour piano de Chopin pour le ballet Les Sylphides qui sera présenté dans les débuts de 1909 “Saison Russe” de son nouveau ballet la société. ^[131]

L’Oiseau de feu est créé à l’Opéra de Paris le 25 juin 1910 par les Ballets russes de Diaghilev. Comme les premières œuvres d’étudiants de Stravinsky, L’Oiseau de feu a continué à se tourner vers Rimsky-Korsakov non seulement dans son orchestration, mais aussi dans sa structure globale, son organisation harmonique et son contenu mélodique. ^[132]

Selon Taruskin, le deuxième ballet de Stravinsky pour les Ballets russes, Petrushka , est l’endroit où “Stravinsky est enfin devenu Stravinsky”. ^[133]

La musique elle-même fait un usage significatif d’un certain nombre d’airs folkloriques russes en plus de deux valses du compositeur viennois Joseph Lanner et d’un air de music-hall français ( La Jambe en bois ou The Wooden Leg ). ^[134]

En avril 1915, Stravinsky reçoit une commande de Singer (princesse Edmond de Polignac) pour une œuvre théâtrale à petite échelle à jouer dans son salon parisien. Le résultat fut Renard (1916), qu’il appela “Un burlesque en chant et en danse”. ^[135]

Stravinski dans les années 1920

Période néoclassique ( vers 1920 -1954)

Apollon musagète (1928), Perséphone (1933) et Orphée (1947) illustrent non seulement le retour de Stravinsky à la musique de la période classique, mais aussi son exploration de thèmes du monde classique antique, comme la mythologie grecque . Parmi les œuvres importantes de cette période figurent l’Octuor (1923), le Concerto pour piano et instruments à vent (1924), la Sérénade en la (1925) et la Symphonie des psaumes (1930).

En 1951, il achève sa dernière œuvre néoclassique, l’opéra The Rake’s Progress sur un livret d’Auden et Kallman basé sur les eaux-fortes de Hogarth. Il a été créé à Venise cette année-là et a été produit dans toute l’Europe l’année suivante avant d’être mis en scène au New York Metropolitan Opera en 1953 ^. a été relancé par le Metropolitan Opera en 1997. ^[137]

Période de série (1954-1968)

Dans les années 1950, Stravinsky a commencé à utiliser des techniques de composition en série telles que le Dodécaphonie , la technique dodécaphonique initialement conçue par Schoenberg. ^[138] Il a d’abord expérimenté des techniques sérielles non dodécaphoniques dans des œuvres vocales et de chambre à petite échelle telles que la Cantate (1952), le Septuor (1953) et Three Songs from Shakespeare (1953). La première de ses compositions entièrement basée sur de telles techniques fut In Memoriam Dylan Thomas (1954). Agon (1954-1957) fut la première de ses œuvres à inclure une série dodécaphonique et Canticum Sacrum (1955) fut la première pièce à contenir un mouvement entièrement basé sur une rangée de tons .^[139] Stravinsky a élargi son utilisation du Dodécaphonie dans des œuvres telles que Threni (1958) et A Sermon, a Narrative and a Prayer (1961), qui sont basées sur des textes bibliques, ^[140] et The Flood (1962), qui mêle de brèves des textes bibliques du Livre de la Genèse avec des passages des York and Chester Mystery Plays . ^[141]

Innovation et rayonnement

Stravinsky a été qualifié de “l’un des véritables innovateurs d’époque de la musique”. ^[142] L’aspect le plus important de l’œuvre de Stravinsky, à part ses innovations techniques (y compris dans le rythme et l’harmonie), est le “visage changeant” de son style de composition tout en “conservant toujours une identité distinctive et essentielle”. ^[142]

Stravinsky avec Wilhelm Furtwängler , chef d’orchestre et compositeur allemand.

L’utilisation par Stravinsky du développement motivique (l’utilisation de figures musicales qui se répètent sous différentes formes tout au long d’une composition ou d’une section d’une composition) incluait le développement motivique additif. Il s’agit d’une technique dans laquelle des notes sont supprimées ou ajoutées à un motif sans tenir compte des changements de mètre qui en résultent. Une technique similaire peut être trouvée dès le XVIe siècle, par exemple dans la musique de Cipriano de Rore , Orlandus Lassus , Carlo Gesualdo et Giovanni de Macque , musique avec laquelle Stravinsky fait preuve d’une grande familiarité. ^[143]

Le Sacre du printemps se distingue par son utilisation incessante des ostinati , par exemple dans l’ostinato de croche sur des cordes accentuées par huit cors dans la section “Augurs of Spring (Dances of the Young Girls)”. L’ouvrage contient également des passages où plusieurs ostinati s’affrontent. Stravinsky était connu pour son utilisation distinctive du rythme, en particulier dans le Sacre du printemps (1913). ^[144] Selon le compositeur Philip Glass , « l’idée de pousser les rythmes à travers les lignes de mesure […] a ouvert la voie […]. La structure rythmique de la musique est devenue beaucoup plus fluide et d’une certaine manière spontanée .” ^[145]Glass mentionne la “pulsion rythmique primitive et décalée” de Stravinsky. ^[146] Selon Andrew J. Browne, “Stravinsky est peut-être le seul compositeur qui a élevé le rythme en lui-même à la dignité de l’art.” ^[147] Le rythme et la vitalité de Stravinsky ont grandement influencé le compositeur Aaron Copland . ^[148]

Au cours de sa carrière, Stravinsky a fait appel à une grande variété de forces orchestrales, instrumentales et vocales, allant d’instruments uniques dans des œuvres telles que Three Pieces for Clarinet (1918) ou Elegy for Solo Viola (1944) à l’énorme orchestre de The Rite of Spring (1913), que Copland a qualifié de “la plus grande réalisation orchestrale du 20e siècle”. ^[149]

La création par Stravinsky d’ensembles uniques et idiosyncratiques découlant de la nature musicale spécifique d’œuvres individuelles est un élément fondamental de son style. ^[150]

Suivant le modèle de son professeur, Nikolai Rimsky-Korsakov, les œuvres étudiantes de Stravinsky telles que la Symphonie en mi ♭ , op. 1 (1907), Scherzo fantastique , op. 3 (1908), et Feu d’ artifice ( Feu d’artifice ), op. 4 (1908), appel à de grandes forces orchestrales. La Symphonie, par exemple, fait appel à 3 flûtes (3e double piccolo), 2 hautbois, 3 clarinettes en si ♭ , 2 bassons, 4 cors en fa, 3 trompettes en si ♭ , 3 trombones, tuba, timbales, grosse caisse, triangle , cymbales et cordes. ^[151] Le Scherzo fantastiqueappelle à un orchestre légèrement plus grand mais omet complètement les trombones : c’était la réponse de Stravinsky à la critique de Rimsky de leur utilisation excessive dans la Symphonie. ^[152]

Un croquis de costume de Léon Bakst pour L’oiseau de feu

Les trois ballets composés pour les Ballets russes de Diaghilev font appel à des orchestres particulièrement nombreux :

• L’Oiseau de feu (1910) est écrit pour l’orchestre suivant : 2 piccolos (2e double 3e flûte), 2 flûtes, 3 hautbois, cor anglais, 3 clarinettes en la (3e double clarinette piccolo en ré), clarinette basse, 3 bassons (3e contrebasson 2), contrebasson, 4 cors, 3 trompettes en la, 3 trombones, tuba, timbales, percussions, célesta, piano, 3 harpes et cordes. La section des percussions nécessite une grosse caisse, des cymbales, un triangle, un tambourin, un tam-tam, des cloches tubulaires, un glockenspiel et un xylophone. De plus, la version originale fait appel à 3 trompettes de scène et 4 tubas wagnériens de scène (2 ténor et 2 basses). ^[153]
• La version originale de Petrushka (1911) appelle à un orchestre similaire (sans cuivres sur scène, mais avec l’ajout d’une caisse claire sur scène). Le rôle particulièrement important du piano est le résultat de l’origine de la musique en tant que Konzertstück pour piano et orchestre. ^[154]
• Le Sacre du printemps (1913) fait appel au plus grand orchestre que Stravinsky ait jamais employé : piccolo, 3 flûtes (3e double 2e piccolo), flûte alto, 4 hautbois (4e double 2e cor anglais), cor anglais, clarinette piccolo en D/E ♭ , 3 clarinettes (3e double 2e clarinette basse), clarinette basse, 4 bassons (4e double 2e contrebasson), contrebasson, 8 cors (7e et 8e double tubas ténor), trompette piccolo en ré, 4 trompettes en ut (4e double trompette basse en mi ♭ ), 3 trombones, 2 tubas, 2 timbaliers (5 tambours), 4 percussionnistes et cordes. La section de percussion nécessite une grosse caisse, un tamtam, un triangle, un tambourin, des cymbales, des crotales et un guiro. ^[155]

Parmi ses élèves dans les années 1940 figurait le compositeur et professeur de musique américain Robert Strassburg . ^{[156] [157]} En 1959, il a reçu le Sonning Award , la plus haute distinction musicale du Danemark. Au début des années 1960, ses étudiants comprenaient Craft et Warren Zevon . ^[158]

Personnalité

Stravinsky affiche un goût littéraire large et reflète son désir constant de nouvelles découvertes. Les textes et les sources littéraires de son œuvre ont commencé par une période d’intérêt pour le folklore russe , qui a progressé vers les auteurs classiques et la liturgie latine et s’est déplacée vers la France contemporaine ( André Gide , dans Perséphone ) et finalement la littérature anglaise, dont Auden, TS Eliot , et des vers anglais médiévaux.

Stravinsky et Pablo Picasso ont collaboré à Pulcinella en 1920. Picasso en a profité pour faire plusieurs croquis du compositeur.

Il avait également un désir inépuisable d’explorer et d’apprendre sur l’art, qui s’est manifesté dans plusieurs de ses collaborations parisiennes. Non seulement il fut le compositeur principal des Ballets russes de Diaghilev, mais il collabora également avec Pablo Picasso ( Pulcinella , 1920), Jean Cocteau ( Oedipus Rex , 1927) et Balanchine ( Apollon musagète , 1928). Son intérêt pour l’art l’a poussé à développer une relation forte avec Picasso, qu’il a rencontré en 1917, annonçant que dans “un tourbillon d’enthousiasme et d’excitation artistiques, j’ai enfin rencontré Picasso”. ^[159]De 1917 à 1920, les deux hommes s’engagent dans un dialogue artistique au cours duquel ils s’échangent des œuvres d’art à petite échelle en signe d’intimité, parmi lesquelles le célèbre portrait de Stravinsky par Picasso ^[160] et l’Esquisse de musique de Stravinsky. pour la clarinette”. Cet échange était essentiel pour établir comment les artistes aborderaient leur espace collaboratif à Pulcinella . ^{[161] [ page nécessaire ]}

Le jeune Stravinsky était sympathique au libéralisme bourgeois et aux objectifs du Parti constitutionnel démocrate , composant même un hymne pour le gouvernement provisoire russe , avant de basculer fortement vers la droite après la révolution d’ octobre . ^[162] En 1930, il a fait remarquer: “Je ne crois pas que quiconque vénère Mussoliniplus que moi… Je connais beaucoup de personnalités exaltées, et mon esprit d’artiste ne recule pas devant les questions politiques et sociales. Eh bien, après avoir vu tant d’événements et tant d’hommes plus ou moins représentatifs, j’ai un besoin irrésistible de rendre hommage à votre Duce. Il est le sauveur de l’Italie et – espérons-le – de l’Europe. » Plus tard, après une audience privée avec Mussolini, il ajouta : « A moins que mes oreilles ne me trompent, la voix de Rome est la voix du Duce . Je lui ai dit que je me sentais moi-même comme un fasciste… En dépit d’être extrêmement occupé, Mussolini m’a fait le grand honneur de converser avec moi pendant trois quarts d’heure. Nous parlâmes de musique, d’art et de politique”. ^[163] Lorsque les nazis placèrent les œuvres de Stravinsky sur la liste des ” Entartete», il dépose un recours formel pour établir sa généalogie russe et déclare : « Je déteste tout le communisme, le marxisme, l’exécrable monstre soviétique, et aussi tout le libéralisme, le démocratisme, l’athéisme, etc. » ^{[164] [ page nécessaire ]}

Stravinsky dirigeant en 1965

Lors de son déménagement en Amérique dans les années 1940, Stravinsky a de nouveau embrassé le libéralisme de sa jeunesse, remarquant que les Européens “peuvent avoir leurs généralissimes et leurs Führers. Laissez-moi M. Truman et je suis satisfait.” ^{[165] [166]} Vers la fin de sa vie, à la demande de Craft, Stravinsky a effectué une visite de retour dans son pays natal et a composé une cantate en hébreu , voyageant en Israël pour sa performance. ^[138]

Stravinsky s’est avéré apte à jouer le rôle d’un «homme du monde», acquérant un vif instinct pour les affaires et apparaissant détendu et à l’aise en public. Sa brillante carrière de pianiste et de chef d’orchestre l’a conduit dans de nombreuses grandes villes du monde, dont Paris, Venise, Berlin, Londres, Amsterdam et New York, et il était connu pour sa manière polie, courtoise et serviable. Stravinsky était réputé pour avoir été un coureur de jupons et la rumeur disait qu’il avait eu des relations avec des partenaires de haut niveau, tels que Coco Chanel. Il n’en a jamais parlé lui-même, mais Chanel a longuement parlé de l’affaire présumée à son biographe Paul Morand en 1946; la conversation a été publiée trente ans plus tard. ^[167]L’exactitude des affirmations de Chanel a été contestée à la fois par la veuve de Stravinsky, Vera, et par Craft. ^[168] La maison de couture de Chanel affirme qu’il n’y a aucune preuve qu’une liaison entre Chanel et Stravinsky se soit jamais produite. ^[169] Une fictionnalisation de l’affaire supposée a formé la base du roman Coco et Igor (2002) et un film, Coco Chanel & Igor Stravinsky (2009). Malgré ces prétendues liaisons, Stravinsky était considéré comme un père de famille et dévoué à ses enfants. ^{[170] [ page nécessaire ]}

La religion

Portrait d’Igor Stravinsky par Jacques-Émile Blanche (1915)

Stravinsky était un fervent membre de l’ Église orthodoxe russe pendant la majeure partie de sa vie, remarquant à un moment donné que,

L’Église savait ce que le psalmiste savait. La musique loue Dieu. La musique est bien ou mieux à même de le louer que la construction de l’église et toute sa décoration ; c’est le plus grand ornement de l’Église. ^[171]

Enfant, il a été élevé par ses parents dans l’Église orthodoxe russe. Baptisé à la naissance, il s’est ensuite rebellé contre l’Église et l’a abandonnée à l’âge de quatorze ou quinze ans. ^[172] Tout au long de l’ascension de sa carrière, il s’est éloigné du christianisme et ce n’est qu’au début de la quarantaine qu’il a connu une crise spirituelle. Après s’être lié d’amitié avec un prêtre orthodoxe russe, le père Nicolas, après son installation à Nice en 1924, il renoue avec sa foi. Il a rejoint l’Église orthodoxe russe et est ensuite resté un chrétien engagé. ^[72] Robert Craft a noté que Stravinsky priait quotidiennement, avant et après avoir composé, et priait également face à des difficultés. ^[173]Vers la fin de sa vie, il n’a plus été en mesure d’assister aux services religieux, bien qu’il ait affirmé que cela était dû à la paresse plutôt qu’à une perte de foi. ^[174] Vers la fin des années 70, Stravinsky a déclaré :

Je ne peux évaluer aujourd’hui les événements qui, au bout de ces trente années, m’ont fait découvrir la nécessité de la croyance religieuse. Je n’ai pas été raisonné dans ma disposition. Bien que j’admire la pensée structurée de la théologie ( la preuve d’ Anselme dans le Fides Quaerens Intellectum , par exemple), elle n’est pas plus à la religion que les exercices de contrepoint ne sont à la musique. Je ne crois pas aux ponts de raison ni, d’ailleurs, à aucune forme d’extrapolation en matière religieuse. … Je peux dire, cependant, que pendant quelques années avant ma “conversion” réelle, une humeur d’acceptation avait été cultivée en moi par la lecture des Évangiles et par d’autres littératures religieuses. ^[175]

Réception

Portrait de Stravinsky (1918) par Robert Delaunay , dans la collection Garman Ryan

Si l’intention déclarée de Stravinsky était « de les envoyer tous en enfer », ^[176] alors il a peut-être considéré la première de 1913 du Sacre du printemps comme un succès : il en résulta l’une des émeutes de musique classique les plus célèbres de l’histoire , et Stravinsky se référa à à plusieurs reprises dans son autobiographie comme un scandale . ^[177] Il y a eu des rapports de bagarres dans le public et la nécessité d’une présence policière au cours du deuxième acte. L’ampleur réelle du tumulte est sujette à débat et les rapports peuvent être apocryphes. ^[178]

En 1998, le magazine Time a désigné Stravinsky comme l’une des 100 personnalités les plus influentes du siècle. ^[146] En plus de la reconnaissance qu’il a reçue pour ses compositions, il est devenu célèbre en tant que pianiste et chef d’orchestre, souvent lors des premières de ses œuvres. En 1923, Erik Satie écrit un article sur Igor Stravinsky dans Vanity Fair . ^[179]Satie avait rencontré Stravinsky pour la première fois en 1910. Dans l’article publié, Satie soutenait que mesurer la “grandeur” d’un artiste en le comparant à d’autres artistes, comme s’il parlait d’une “vérité”, est illusoire et que chaque morceau de la musique doit être jugée sur ses propres mérites et non en la comparant aux normes d’autres compositeurs. C’est exactement ce qu’a fait Cocteau lorsqu’il a critiqué Stravinsky dans son livre de 1918, Le Coq et l’Arlequin . ^{[180] [ page nécessaire ]}

Selon The Musical Times en 1923 :

Tous les signes indiquent une forte réaction contre le cauchemar du bruit et de l’excentricité qui fut l’un des héritages de la guerre… Que sont devenues (par exemple) les œuvres qui composaient le programme du concert Stravinsky qui créa un tel remuer il y a quelques années? Pratiquement tout est déjà sur l’étagère, et ils y resteront jusqu’à ce que quelques névrosés blasés éprouvent à nouveau le désir de manger de la cendre et de se remplir le ventre du vent d’est. ^[181]

Stravinsky avec Mstislav Rostropovitch à Moscou en septembre 1962

En 1935, le compositeur américain Marc Blitzstein a comparé Stravinsky à Jacopo Peri et CPE Bach , concédant que « la grandeur de Stravinsky est indéniable. C’est juste qu’il n’est pas assez grand ». ^[182] La position marxiste de Blitzstein était que le souhait de Stravinsky de ” séparer la musique des autres courants de la vie “, ce qui est ” symptomatique d’une évasion de la réalité “, entraînait une ” perte d’endurance “, en nommant spécifiquement Apollo , le Capriccio et Le Baiser de la fée . ^[183]

Le compositeur Constant Lambert a décrit des pièces telles que L’Histoire du soldat comme contenant “essentiellement une abstraction de sang-froid”. ^[184] Lambert a poursuivi, “les fragments mélodiques de l’ Histoire du Soldat n’ont eux-mêmes aucun sens. Ce ne sont que des successions de notes qui peuvent être commodément divisées en groupes de trois, cinq et sept et opposées à d’autres groupes mathématiques” et il a décrit la cadence pour batterie solo comme “pureté musicale … atteinte par une espèce de castration musicale”. Il a comparé le choix de Stravinsky des “phrases les plus ternes et les moins significatives” à Gertrude Stein’ ‘Tous les jours, ils étaient gays là-bas, ils étaient régulièrement gays là-bas tous les jours’ (“Helen Furr et Georgine Skeene”, 1922), “dont l’effet serait également apprécié par quelqu’un sans aucune connaissance de l’anglais”. ^[185]

Dans son livre de 1949 Philosophy of Modern Music , Theodor W. Adorno décrit Stravinsky comme un acrobate et parle de traits hébéphréniques et psychotiques dans plusieurs œuvres de Stravinsky. Contrairement à une idée reçue, Adorno ne croyait pas que les imitations hébéphréniques et psychotiques que la musique était censée contenir étaient son principal défaut, comme il l’a souligné dans un post-scriptum qu’il a ajouté plus tard à son livre. La critique d’Adorno à l’égard de Stravinsky concerne davantage la «transition vers la positivité» qu’Adorno a trouvée dans ses œuvres néoclassiques. ^[186] Une partie de l’erreur du compositeur, selon Adorno, était son néoclassicisme, ^[187] mais le “pseudomorphisme de la peinture” de sa musique était plus important.le temps espace plutôt que le temps durée d’ Henri Bergson . ^[188] Selon Adorno, « une astuce caractérise toutes les tentatives formelles de Stravinsky : l’effort de sa musique pour dépeindre le temps comme dans un tableau de cirque et pour présenter les complexes temporels comme s’ils étaient spatiaux. Cette astuce, cependant, s’épuise rapidement. ” ^[189] Adorno soutenait que les “procédures rythmiques ressemblent étroitement au schéma des conditions catatoniques. Chez certains schizophrènes, le processus par lequel l’appareil moteur devient indépendant conduit à la répétition infinie de gestes ou de paroles, suite à la décadence du moi.” ^[190]

La réputation de Stravinsky en Russie et en URSS n’a cessé de grandir. Les représentations de sa musique ont été interdites d’environ 1933 jusqu’en 1962, l’année où Khrouchtchev l’a invité en URSS pour une visite d’État officielle. En 1972, une proclamation officielle de la ministre soviétique de la Culture, Yekaterina Furtseva , ordonna aux musiciens soviétiques “d’étudier et d’admirer” la musique de Stravinsky et elle fit de l’hostilité à son égard une infraction potentielle. ^{[ précisez ] [191] [192]} Alors que la musique de Stravinsky a été critiquée pour sa gamme de styles, les chercheurs avaient “progressivement commencé à percevoir des éléments unificateurs dans la musique de Stravinsky” dans les années 1980. Des écrivains antérieurs, tels que Copland, Elliott Carter et Boris de Schloezeravait des opinions quelque peu défavorables sur les œuvres de Stravinsky, et Virgil Thomson , écrivant dans Modern Music (une revue trimestrielle publiée entre 1925 et 1946), ne pouvait trouver qu’un « sérieux » commun de « ton » ou de « but », « la corrélation exacte entre le but et les moyens », ou une sèche « propreté de fourmi ». ^[193]

Honneurs

En 1910, Florent Schmitt dédie la version révisée de son ballet La tragédie de Salomé , op. 50, à Stravinsky. ^[194]

En 1915, Claude Debussy dédie à Stravinsky le troisième mouvement de son En blanc et noir pour deux pianos. ^[195]

En 1977, “Sacrificial Dance” de The Rite of Spring a été inclus parmi de nombreux morceaux à travers le monde sur le Voyager Golden Record .

En 1982, Stravinsky figurait sur un timbre-poste de 2 ¢ du service postal des États-Unis dans le cadre de sa série de timbres Great Americans .

Récompenses

• 1954 : Médaille d’or de la Royal Philharmonic Society
• 1959 : Prix de musique Léonie Sonning
• 1963 : Prix Wihuri Sibelius
• Grammy Awards
  • 1962 : Meilleure composition classique d’un compositeur contemporain ( The Flood ) ^[196]
  • 1962 : Meilleure interprétation classique – Orchestre ( The Firebird , Igor Stravinsky dirigeant l’Orchestre symphonique de Columbia ) ^​​[196]
  • 1962 : Meilleure interprétation classique – Soliste instrumental (avec orchestre) ( Concerto pour violon en ré , Isaac Stern ; Igor Stravinsky dirigeant l’Orchestre symphonique de Columbia) ^[196]
  • 1987: Lifetime Achievement (posthume)

Ordres

• Commandeur de l’ Ordre militaire de Saint Jacques de l’Épée , Portugal (25 juillet 1966) ^[197]

Enregistrements et publications

3 pièces pour clarinette seule ( 4 : 41 ) 4:41

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Igor Stravinsky a trouvé dans les enregistrements un outil pratique et utile pour préserver ses réflexions sur l’interprétation de sa musique. En tant que chef d’orchestre de sa propre musique, il enregistre principalement pour Columbia Records , commençant en 1928 avec une interprétation de la suite originale de The Firebird et se terminant en 1967 avec la suite de 1945 du même ballet. ^[198] À la fin des années 1940, il réalise plusieurs enregistrements pour RCA Victor aux Republic Studios de Los Angeles. Bien que la plupart de ses enregistrements aient été réalisés avec des musiciens de studio, il a également travaillé avec le Chicago Symphony Orchestra, le Cleveland Orchestra , le CBC Symphony Orchestra , le New York Philharmonic, le Royal Philharmonic Orchestra et le Bavarian Broadcasting Symphony Orchestra.

Au cours de sa vie, Stravinsky est apparu sur plusieurs émissions de télévision, dont la première mondiale de 1962 de The Flood sur CBS Television . Bien qu’il ait fait une apparition, la performance réelle a été dirigée par Robert Craft. ^[199] De nombreux films et vidéos du compositeur ont été conservés.

Stravinsky a publié un certain nombre de livres tout au long de sa carrière, presque toujours avec l’aide d’un collaborateur (parfois non crédité). Dans son autobiographie de 1936, Chronique de ma vie , qui a été écrite avec l’aide de Walter Nouvel , Stravinsky a inclus sa déclaration bien connue selon laquelle “la musique est, de par sa nature même, essentiellement impuissante à exprimer quoi que ce soit”. ^[200] Avec Alexis Roland-Manuel et Pierre Souvtchinsky , il rédige ses 1939–40 Harvard University Charles Eliot Norton Lectures, qui sont prononcées en français et rassemblées pour la première fois sous le titre Poétique musicale en 1942, puis traduites en 1947 sous le titre Poétique de la musique . ^[201]En 1959, plusieurs entretiens entre le compositeur et Robert Craft ont été publiés sous le titre Conversations avec Igor Stravinsky , ^[161] qui a été suivi de cinq autres volumes au cours de la décennie suivante. Un recueil d’écrits et d’entretiens de Stravinsky paraît sous le titre Confidences sur la musique (Actes Sud, 2013).

Écrits choisis

Provenance : ^[202]

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Références

Remarques

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Liens externes

Wikimedia Commons a des médias liés à Igor Stravinsky .

Wikiquote a des citations liées à Igor Stravinsky .

• Partitions gratuites d’Igor Stravinsky à l’ International Music Score Library Project (IMSLP)
• Le site de la Fondation Stravinsky
• “A la découverte de Stravinsky” . Radio BBC 3 .
• Œuvres de ou sur Igor Stravinsky sur Internet Archive
• “‘Jews and Geniuses’: An Exchange” entre Richard Taruskin et Robert Craft , The New York Review of Books , 15 juin 1989, sur le fait que Stravinsky soit juif ou non et sur son antisémitisme. Voir aussi un autre échange entre Niel Glixon et Craft, 27 avril 1989 ; et la critique originale (16 février 1989) par Robert Craft de l’article de John Rockwell “Reactionary Musical Modernists” (9 septembre 1988) dans le New York Times .
• La collection Ekstrom de la Fondation Diaghilev et Stravinsky est détenue par le Victoria and Albert Museum London, Department of Theatre and Performance . Un catalogue complet et les détails des modalités d’accès sont disponibles ici .

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