Direction

La direction d’orchestre est l’art de diriger une performance musicale , telle qu’un concert orchestral ou choral . Il a été défini comme “l’art de diriger la performance simultanée de plusieurs joueurs ou chanteurs par l’utilisation du geste”. ^[1] Les principales tâches du chef d’ orchestre sont d’interpréter la partition d’une manière qui reflète les indications spécifiques de cette partition, de définir le tempo , d’assurer des entrées correctes par les membres de l’ensemble et de “façonner” le phrasé le cas échéant. ^[2] Les chefs d’orchestre communiquent avec leurs musiciens principalement par des gestes de la main, généralement à l’aide d’un bâton, et peut utiliser d’autres gestes ou signaux tels que le contact visuel. ^[3] Un chef d’orchestre complète généralement sa direction par des instructions verbales à ses musiciens en répétition . ^[3]

Herbert von Karajan dirigeant en 1941

Le chef d’orchestre se tient généralement sur un podium surélevé avec un grand pupitre pour la partition complète , qui contient la notation musicale de tous les instruments ou voix. Depuis le milieu du XIXe siècle, la plupart des chefs d’orchestre n’ont pas joué d’un instrument lorsqu’ils dirigent, bien que dans les périodes antérieures de l’histoire de la musique classique , diriger un ensemble tout en jouant d’un instrument était courant. Dans la musique baroque des années 1600 aux années 1750, le groupe était généralement dirigé par le claveciniste ou le premier violoniste (voir violon solo ), une approche qui à l’époque moderne a été relancée par plusieurs directeurs musicaux pour la musique de cette période. Diriger en jouant du pianoou synthétiseur peut également être fait avec des orchestres de fosse de théâtre musical . La communication est généralement principalement non verbale lors d’une représentation. Cependant, lors des répétitions, de fréquentes interruptions permettent au chef d’orchestre de donner des instructions verbales sur la manière dont la musique doit être jouée ou chantée.

Les chefs d’orchestre servent de guides aux orchestres ou aux chœurs qu’ils dirigent. Ils choisissent les œuvres à interpréter et étudient leurs partitions , sur lesquelles ils peuvent apporter certains ajustements (telles que le tempo, l’articulation, le phrasé, les répétitions de sections), élaborent leur interprétation et transmettent leur vision aux interprètes. Ils peuvent également s’occuper de questions d’organisation, telles que la planification des répétitions, ^[4] la planification d’une saison de concerts, l’audition d’ auditions et la sélection des membres, et la promotion de leur ensemble dans les médias. Les orchestres , chœurs , orchestres d’harmonie et autres ensembles musicaux importants tels que les grands orchestres sont généralement dirigés par des chefs d’orchestre.

Nomenclature

Le chef d’orchestre principal d’un orchestre ou d’une compagnie d’opéra est appelé Directeur musical ou chef d’orchestre , ou par les mots allemands Kapellmeister ou Dirigent (ou, au féminin, Dirigentin ). Les chefs de chœur ou de chœur sont parfois appelés chef de chœur , chef de chœur ou chef de chœur , en particulier pour les chœurs associés à un orchestre. Les chefs de fanfares , fanfares militaires , fanfares et autres fanfares peuvent porter le titre dechef d’ orchestre , chef d’orchestre ou tambour-major . Les chefs d’orchestre seniors respectés sont parfois désignés par le mot italien maestro (féminin, maestra ), qui se traduit par «maître» ou «enseignant». ^[5]

Histoire

Moyen Âge au XVIIIe siècle

Une des premières formes de direction est la cheironomy , l’utilisation de gestes de la main pour indiquer la forme mélodique . Cela a été pratiqué au moins aussi loin que le Moyen Age . Dans l’ église chrétienne , la personne qui donnait ces symboles tenait un bâton pour signifier son rôle, et il semble qu’à mesure que la musique devenait rythmiquement plus complexe, le bâton était déplacé de haut en bas pour indiquer le rythme, agissant comme une forme précoce de bâton . ^{[ citation nécessaire ]}

Au 17ème siècle, d’autres dispositifs pour indiquer le passage du temps sont entrés en usage. Des feuilles de papier roulées, des bâtons plus petits et des mains sans ornements sont tous représentés sur des images de cette période. Le grand état-major est responsable de la mort de Jean-Baptiste Lully , qui s’est blessé au pied avec l’un d’eux alors qu’il dirigeait un Te Deum pour le rétablissement du roi d’une maladie. La blessure est devenue gangreneuse et Lully a refusé l’amputation, après quoi la gangrène s’est propagée à sa jambe et il est mort deux mois plus tard. ^[6]

Dans la musique instrumentale tout au long du XVIIIe siècle, un membre de l’ensemble agissait généralement comme chef d’orchestre. C’était parfois le violon solo , qui pouvait utiliser son archet comme baguette, ou un luthiste qui bougeait le manche de son instrument en rythme avec le rythme. Il était courant de diriger du clavecin dans des pièces comportant une partie de basse continue . Dans les spectacles d’opéra, il y avait parfois deux chefs d’orchestre, le claviériste étant responsable des chanteurs et le violoniste principal ou chef d’orchestre étant responsable de l’orchestre. ^{[ citation nécessaire ]}

Le 30 septembre 1791 à Vienne, l’opéra Die Zauberflöte ( La flûte enchantée ) de Mozart est créé au Theater auf der Wieden , avec Mozart lui-même à la tête de l’orchestre, selon des documents et des affiches publicitaires de l’époque. ^[7]

En 1798, Joseph Haydn dirigea la création de Creation avec ses mains et une baguette tandis que « Kapellmeister Weigl [s’assit] au pianoforte ». ^[8]

19ème siècle

Giuseppe Verdi dirigeant son opéra Aida en 1881

Au début du 19e siècle (vers 1820), il est devenu la norme d’avoir un chef d’orchestre dédié, qui ne jouait pas non plus d’un instrument pendant la représentation. Alors que certains orchestres ont protesté contre l’introduction du chef d’orchestre, car ils avaient l’habitude d’avoir un violon solo ou un claviériste comme chef, le rôle d’un chef d’orchestre a finalement été établi. La taille de l’orchestre habituel s’est agrandie au cours de cette période et l’utilisation d’une matraque est devenue plus courante, car elle était plus facile à voir que les mains nues ou le papier enroulé. Parmi les premiers chefs d’orchestre notables figurent Louis Spohr , Carl Maria von Weber , Louis-Antoine Jullien et Felix Mendelssohn ., tous également compositeurs. Mendelssohn aurait été le premier chef d’orchestre à utiliser une baguette en bois pour garder le temps, une pratique encore généralement utilisée aujourd’hui. Parmi les chefs d’orchestre éminents qui n’ont pas utilisé ou n’utilisent pas de baguette, citons Pierre Boulez , Kurt Masur , James Conlon , Yuri Temirkanov , ^[9] Leopold Stokowski , Vasily Safonov , Eugène Ormandy (pendant un certain temps) et Dimitri Mitropoulos . ^[dix]

Les compositeurs Hector Berlioz et Richard Wagner ont atteint la grandeur en tant que chefs d’orchestre et ils ont écrit deux des premiers essais consacrés au sujet. Berlioz est considéré comme le premier chef d’orchestre virtuose. Wagner était en grande partie responsable de la formation du rôle du chef d’orchestre comme celui qui impose sa propre vision d’une pièce sur la performance plutôt que celui qui est simplement responsable de s’assurer que les entrées sont faites au bon moment et qu’il y a un rythme unifié. Les prédécesseurs qui se sont concentrés sur la direction incluent François Habeneck , qui a fondé l’ Orchestre de la Société des concerts du Conservatoire en 1828, bien que Berlioz ait été plus tard alarmé par les normes de répétition lâches de Habeneck. Le pianiste et compositeur Franz Lisztétait également chef d’orchestre.

L’ancien champion de Wagner, Hans von Bülow (1830–1894), était particulièrement célèbre en tant que chef d’orchestre, bien qu’il ait également maintenu sa carrière initiale de pianiste, un instrument sur lequel il était considéré comme l’un des plus grands interprètes (il était un élève de piano prisé de Franz Liszt , dont il épousa la fille Cosima – qu’elle devait abandonner pour Wagner (Liszt fut une figure majeure de l’histoire de la direction d’orchestre, qui obtint des performances remarquables).

Bülow a élevé les normes techniques de la direction à un niveau sans précédent grâce à des innovations telles que des répétitions séparées et détaillées des différentes sections de l’orchestre («répétition par section»). Dans ses postes à la tête (séquentiellement) de l’ Opéra d’État de Bavière , de l’ Orchestre de la cour de Meiningen et de l’ Orchestre philharmonique de Berlin, il a apporté un niveau de nuance et de subtilité à la performance orchestrale auparavant entendue uniquement dans le jeu instrumental solo, et ce faisant, a profondément impressionné les jeunes des artistes comme Richard Strauss , qui à l’âge de 20 ans lui a servi d’assistant, et Felix Weingartner , qui en est venu à désapprouver ses interprétations mais a été profondément impressionné par ses normes orchestrales. CompositeurGustav Mahler était également un chef d’orchestre réputé.

20ième siècle

Les normes techniques ont été portées à de nouveaux niveaux par la prochaine génération de chefs d’orchestre, dont Arthur Nikisch (1855–1922), qui a succédé à Bülow en tant que Directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Berlin en 1895. Nikisch avait auparavant dirigé l’ Opéra de Leipzig , Boston Symphony Orchestra . , et Leipzig Gewandhaus Orchestra , et devait servir de Directeur musical du London Symphony Orchestra . Nikisch a créé des œuvres importantes d’ Anton Bruckner et de Piotr Ilitch Tchaïkovski , qui admiraient beaucoup son travail ; Johannes Brahms , après l’avoir entendu diriger sa Quatrième Symphonie, a déclaré que c’était “tout à fait exemplaire, il est impossible de mieux l’entendre”.

Nikisch emmena le London Symphony Orchestra en tournée à travers les États-Unis en avril 1912, la première tournée américaine d’un orchestre européen. Il a également réalisé l’un des premiers enregistrements d’une symphonie complète : la Cinquième de Beethoven avec l’Orchestre philharmonique de Berlin en novembre 1913. Nikisch a également été le premier chef d’orchestre à voir son art filmé – hélas, en silence. Le film confirme les rapports selon lesquels il a fait un usage particulièrement fascinant du contact visuel et de l’expression pour communiquer avec un orchestre; des chefs d’orchestre plus tardifs comme Fritz Reiner ont déclaré que cet aspect de sa technique avait une forte influence sur eux-mêmes.

Les chefs d’orchestre des générations après Nikisch ont souvent laissé de nombreuses preuves enregistrées de leurs arts. Deux figures particulièrement influentes et largement enregistrées sont souvent traitées, de manière quelque peu inexacte, comme des antipodes interprétatifs. Il s’agit du chef d’orchestre italien Arturo Toscanini (1867–1957) et du chef d’orchestre allemand Wilhelm Furtwängler (1886–1954). Toscanini a joué dans des orchestres sous Giuseppe Verdi et a fait ses débuts à la direction d’ Aida en 1886, remplaçant à la dernière minute un chef indisposé. Il est à ce jour considéré par des autorités telles que James Levinecomme le plus grand de tous les chefs d’orchestre de Verdi. Mais le répertoire de Toscanini était vaste, et c’est dans ses interprétations des symphonistes allemands Beethoven et Brahms qu’il était particulièrement renommé et influent, privilégiant des tempi plus stricts et plus rapides qu’un chef comme Bülow ou, avant lui, Wagner. Pourtant, son style montre plus d’inflexion que sa réputation ne le suggère, et il était particulièrement doué pour révéler les détails et faire jouer les orchestres de manière chantante.

Furtwängler, que beaucoup considèrent comme le plus grand interprète de Wagner (bien que Toscanini ait également été admiré chez ce compositeur) et Bruckner, a dirigé Beethoven et Brahms avec beaucoup d’inflexion de tempo – mais généralement d’une manière qui a révélé la structure et la direction de la musique particulièrement claire. Il était un compositeur accompli ainsi qu’un interprète, et un disciple du théoricien Heinrich Schenker , qui a souligné le souci des tensions et des résolutions harmoniques à longue portée sous-jacentes dans une pièce, une force de la direction de Furtwängler. Parallèlement à son intérêt pour le grand format, Furtwängler a également façonné les détails de la pièce d’une manière particulièrement convaincante et expressive.

Leonard Bernstein dirigeant l’ Orchestre royal du Concertgebouw en 1985

Les deux hommes avaient des techniques très différentes : celle de Toscanini était à l’italienne, avec une longue et large baguette et des rythmes clairs (souvent sans utiliser sa main gauche) ; Furtwängler battait la mesure avec moins de précision apparente, car il voulait un son plus rond (même si c’est un mythe que sa technique était vague; de ​​nombreux musiciens ont attesté qu’il était facile à suivre à sa manière). Quoi qu’il en soit, leurs exemples illustrent un aspect plus large de la technique de direction d’orchestre dans la première moitié du XXe siècle : elle n’était pas normalisée. De grands chefs d’orchestre influents du milieu du XXe siècle comme Leopold Stokowski (1882–1977), Otto Klemperer (1885–1973), Herbert von Karajan (1908–1989) et Leonard Bernstein(1918-1990) – soit dit en passant, le premier chef d’orchestre américain à atteindre la grandeur et la renommée internationale – avait des techniques très variées.

Karajan et Bernstein ont formé un autre antipode apparent dans les années 1960-1980, Karajan en tant que Directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Berlin (1955-1989) et Bernstein en tant que, pendant une partie de cette période, Directeur musical de l’ Orchestre philharmonique de New York .(1957-1969), et plus tard chef invité fréquent en Europe. La technique de Karajan était hautement contrôlée et, finalement, il dirigeait les yeux souvent fermés; La technique de Bernstein était démonstrative, avec des gestes faciaux très expressifs et des mouvements des mains et du corps. Karajan pouvait diriger pendant des heures sans bouger les pieds, tandis que Bernstein était connu pour sauter parfois dans les airs à un grand point culminant. En tant que Directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Berlin, Karajan a cultivé une beauté de ton chaleureuse et mélangée, qui a parfois été critiquée comme étant appliquée trop uniformément; en revanche, lors de la seule apparition de Bernstein avec l’Orchestre philharmonique de Berlin en 1979 – interprétant la Symphonie n ° 9 de Mahler- il a essayé d’amener l’orchestre à produire un ton « laid » dans un certain passage dans lequel il croyait qu’il convenait au sens expressif de la musique (le premier corniste a refusé, et a finalement accepté de laisser jouer une doublure à sa place).

Karajan et Bernstein ont largement utilisé les progrès des médias pour transmettre leur art, mais de manière très différente. Bernstein a animé d’importantes séries télévisées nationales aux heures de grande écoute pour éduquer et sensibiliser les enfants et le grand public à la musique classique; Karajan a fait une série de films à la fin de sa vie, mais dans ceux-ci, il n’a pas parlé. Tous deux ont fait de nombreux enregistrements, mais leurs attitudes vis-à-vis de l’enregistrement différaient : Karajan faisait fréquemment de nouveaux enregistrements en studio pour profiter des progrès de la technique d’enregistrement, ce qui le fascinait – il a joué un rôle dans l’établissement des spécifications du disque compact – mais Bernstein, dans son post -Les jours de New York, en sont venus à insister (pour la plupart) sur les enregistrements de concerts en direct, estimant que la création musicale ne prenait pas vie dans un studio sans public.

Dans le dernier tiers du XXe siècle, la technique de direction – notamment avec la main droite et la baguette – se standardise de plus en plus. Des chefs d’orchestre comme Willem Mengelberg à Amsterdam jusqu’à la fin de la Seconde Guerre mondiale avaient eu beaucoup de temps de répétition pour façonner très précisément des orchestres et pouvaient donc avoir des techniques idiosyncratiques; les chefs d’orchestre modernes, qui passent moins de temps avec un orchestre donné, doivent obtenir des résultats avec beaucoup moins de temps de répétition. Une technique plus standardisée permet à la communication d’être beaucoup plus rapide. Néanmoins, les techniques des chefs d’orchestre présentent encore une grande variété, notamment avec l’utilisation de la main gauche, l’expression du visage et des yeux et le langage corporel.

21e siècle

Partition et matraques du chef d’orchestre sur un pupitre de chef d’orchestre éclairé et extra-large

Les femmes chefs d’orchestre étaient presque inconnues dans les rangs des principaux chefs d’orchestre pendant la majeure partie des XIXe et XXe siècles, mais aujourd’hui, des artistes comme Hortense von Gelmini [ de ] , ^[11] Marin Alsop et Simone Young doivent être vus diriger des orchestres de premier plan. Alsop a été nommée directrice musicale du Baltimore Symphony Orchestra en 2007 – la première femme jamais nommée à la tête d’un grand orchestre américain – ainsi que de l’ Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo en 2012, et Alsop a été la première femme à diriger le dernier nuit des Proms . Young a marqué des premières similaires lorsqu’elle est devenue chef dul’Opéra d’État de Hambourg et le Philharmoniker Hamburg en 2005 ; elle est également la première femme chef d’orchestre à enregistrer le Ring Cycle de Richard Wagner . The Guardian a qualifié la direction de “l’un des derniers Plafonds de verre de l’industrie de la musique”. ^[12] Un article de 2013 indiquait qu’en France, sur 574 concerts, seuls 17 étaient dirigés par des femmes et aucune femme n’était dirigée à l’ Opéra National de Paris . ^[13] ” Bachtrack a rapporté que, dans une liste des 150 meilleurs chefs d’orchestre du monde cette année-là, seulement cinq étaient des femmes.” ^[14] Alors que le Mexique a produit plusieurs grands chefs d’orchestre internationaux,Alondra de la Parra est devenue la première femme née au Mexique à se distinguer dans la profession.

De même, les chefs d’orchestre d’origine est-asiatique sont devenus plus importants dans le paysage orchestral contemporain, notamment Seiji Ozawa , qui a été directeur thématique de l’ Orchestre symphonique de Boston de 1973 à 2002 après avoir occupé des postes similaires à San Francisco et à Toronto, et Myung-Whun Chung , qui a occupé des postes importants en Allemagne et en France et porte maintenant l’ Orchestre philharmonique de Séoul à l’attention internationale. Il y a toujours un manque de représentation des artistes noirs dans la profession de chef d’orchestre, mais il y a eu des exceptions notables, comme Henry Lewis , Dean Dixon , James DePreist , Paul Freeman , etMichel Morgan . Pour plus d’informations sur les conducteurs noirs, voir Conducteurs noirs . Selon l’article de 2004 de Charlotte Higgins dans The Guardian , “les chefs d’orchestre noirs sont rares dans le monde de la musique classique et même dans les orchestres symphoniques, il est inhabituel de voir plus d’un ou deux musiciens noirs”. ^[15]

Technique

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²
₄, ²
₂, ou rapide ⁶
₈temps ³
₄ou alors ³
₈temps ⁴
₄temps lent ⁶
₈temps

La direction d’orchestre est un moyen de communiquer des directions artistiques aux interprètes lors d’une représentation. Bien qu’il existe de nombreuses règles formelles sur la façon de conduire correctement, d’autres sont subjectives et une grande variété de styles de direction différents existent en fonction de la formation et de la sophistication du chef d’orchestre. Les principales responsabilités du chef d’orchestre sont d’unifier les interprètes, de définir le tempo, d’exécuter des préparations et des rythmes clairs, d’écouter de manière critique et de façonner le son de l’ensemble, et de contrôler l’interprétation et le rythme de la musique. La communication est non verbale pendant une représentation, mais en répétitiondes interruptions fréquentes permettent d’indiquer comment la musique doit être jouée. Lors des répétitions, le chef d’orchestre peut arrêter le jeu d’un morceau pour demander des changements de phrasé ou demander un changement de timbre d’une certaine section. Dans les orchestres amateurs, les répétitions sont souvent arrêtées pour attirer l’attention des musiciens sur des erreurs d’exécution ou des fautes de transposition.

La direction d’orchestre nécessite une compréhension des éléments de l’expression musicale ( tempo , dynamique , articulation ) et la capacité de les communiquer efficacement à un ensemble. La capacité de communiquer des nuances de phrasé et d’expression par des gestes est également bénéfique. Les gestes de direction sont de préférence préparés au préalable par le chef d’orchestre lors de l’étude de la partition , mais peuvent parfois être spontanés.

Une distinction est parfois faite entre la direction d’orchestre et la direction de chœur. En règle générale, les chefs d’orchestre utilisent un bâton plus souvent que les chefs de chœur. La prise du bâton varie d’un chef d’orchestre à l’autre.

Battement et tempo

Au début d’un morceau de musique, le chef d’orchestre lève la main (ou la main s’il n’utilise qu’une seule main) pour indiquer que le morceau est sur le point de commencer. C’est un signal pour les membres de l’orchestre de préparer leurs instruments à jouer ou pour les choristes d’être prêts et de regarder. Le chef d’orchestre examine ensuite les différentes sections de l’orchestre (vents, cordes, etc.) ou du chœur pour s’assurer que tous les membres de l’orchestre sont prêts à jouer et que les membres du chœur sont prêts. Dans certaines œuvres chorales, le chef d’orchestre peut signaler à un pianiste ou à un organiste de jouer une note ou un accord afin que les membres du chœur puissent déterminer leurs notes de départ. Ensuite, le chef d’orchestre donne un ou plusieurs temps préparatoires pour commencer la musique. Le battement préparatoire avant le début de l’orchestre ou du chœur est le rythme Optimiste . Le rythmede la musique est généralement indiquée avec la main droite du chef d’orchestre, avec ou sans baguette. L’aiguille trace une forme dans l’air à chaque mesure (mesure) en fonction de la signature rythmique , indiquant chaque battement avec un changement de mouvement vers le bas vers le haut. ^[16] Les images montrent les rythmes les plus courants, vus du point de vue du chef d’orchestre. ^[17]

Le temps fort indique le premier temps de la mesure, et le temps fort indique le temps avant la première note du morceau et le dernier temps de la mesure. L’instant auquel le battement se produit est appelé ictus (pluriel: ictūs ou ictus ), et est généralement indiqué par un clic soudain (mais pas nécessairement important) du poignet ou un changement de direction du bâton. Dans certains cas, «ictus» est également utilisé pour désigner un plan horizontal dans lequel tous les ictus sont physiquement situés, comme le haut d’un pupitre où un bâton est tapé à chaque ictus. Le geste menant à l’ictus s’appelle la « préparation », et le flux continu de battements réguliers s’appelle le « takt ».” (le mot allemand pour mesure, mesure et battement).

Si le tempo est lent ou en ralentissement, ou si la signature rythmique est composée , un chef d’orchestre indiquera parfois des “subdivisions” des battements. Le chef d’orchestre peut le faire en ajoutant un mouvement plus petit dans la même direction que le mouvement du temps auquel il appartient.

Les changements de tempo sont indiqués en changeant la vitesse du battement. Pour exécuter et contrôler un Rallentando (ralentir le rythme de la musique), un chef d’orchestre peut introduire des subdivisions rythmiques.

Alors que certains chefs d’orchestre utilisent les deux mains pour indiquer le rythme, la main gauche reflétant la droite, l’éducation formelle décourage une telle approche. La trotteuse peut être utilisée pour repérer les entrées de joueurs individuels ou de sections, et pour aider les indications de dynamique, de phrasé, d’expression et d’autres éléments.

Au cours d’une section solo instrumentale (ou, dans un orchestre d’opéra pendant le solo non accompagné d’un chanteur), certains chefs d’orchestre arrêtent de compter toutes les subdivisions et tapent simplement le bâton une fois par mesure, pour aider les interprètes qui comptent les mesures de repos.

Il y a une différence entre la définition “du manuel” de l’endroit où se produit l’ictus d’un temps fort et la pratique réelle de l’interprétation dans les orchestres professionnels. Avec un accord sforzando abrupt et fort , un orchestre professionnel jouera souvent légèrement après la frappe du point ictus du coup de baguette.

Dynamique

La dynamique est indiquée de diverses manières. La dynamique peut être communiquée par la taille des mouvements conducteurs, des formes plus grandes représentant des sons plus forts. Les changements de dynamique peuvent être signalés avec la main qui n’est pas utilisée pour indiquer le rythme : un mouvement vers le haut (généralement paume vers le haut) indique un Crescendo ; un mouvement vers le bas (généralement paume vers le bas) indique un diminuendo . Changer la taille des mouvements de direction entraîne fréquemment des changements dans le caractère de la musique en fonction des circonstances.

La dynamique peut être affinée à l’aide de divers gestes : montrer sa paume aux interprètes ou s’éloigner d’eux peut démontrer une diminution du volume. Pour ajuster l’équilibre général des divers instruments ou voix, ces signaux peuvent être combinés ou dirigés vers une section ou un interprète particulier.

Repérage

L’indication des entrées, lorsqu’un interprète ou une section doit commencer à jouer (peut-être après une longue période de repos), est appelée “cueing”. Une cue doit prévoir avec certitude le moment exact de l’ictus à venir, afin que tous les joueurs ou chanteurs concernés par la cue puissent commencer à jouer simultanément. Le repérage est le plus important dans les cas où un interprète ou une section n’a pas joué pendant une longue période. Le repérage est également utile dans le cas d’un point de pédaleavec des joueurs de cordes, lorsqu’une section a joué la pédale pendant une longue période ; un repère est important pour indiquer quand ils doivent passer à une nouvelle note. Le repérage est réalisé en “engageant” les joueurs avant leur entrée (en les regardant) et en exécutant un geste de préparation clair, souvent dirigé vers les joueurs spécifiques. Une inhalation, qui peut ou non être un “reniflement” audible du chef d’orchestre, est un élément commun dans la technique de repérage de certains chefs d’orchestre. Un simple contact visuel ou un regard dans la direction générale des joueurs peut être suffisant dans de nombreux cas, comme lorsque plus d’une section de l’ensemble entre en même temps. Des événements musicaux plus importants peuvent justifier l’utilisation d’un signal plus grand ou plus emphatique conçu pour encourager l’émotion et l’énergie.

Autres éléments musicaux

Un chef d’orchestre, Gerald Wilson , dirige un big band de jazz

L’articulation peut être indiquée par le caractère de l’ictus, allant de court et pointu pour le staccato à long et fluide pour le legato . De nombreux chefs d’orchestre modifient la tension des mains : des muscles tendus et des mouvements rigides peuvent correspondre à un marcato , tandis que des mains détendues et des mouvements doux peuvent correspondre à un legato ou à un Espressivo . Le phrasé peut être indiqué par de larges arcs aériens ou par un mouvement fluide de la main vers l’avant ou d’un côté à l’autre. Une note tenue est souvent indiquée par une main tenue à plat avec la paume vers le haut. La fin d’une note, appelée «coupure» ou «relâchement», peut être indiquée par un mouvement circulaire, la fermeture de la paume ou le pincement du doigt et du pouce. Une libération est généralement précédée d’une préparation et conclue par une immobilité complète.

Les chefs d’orchestre visent à maintenir le contact visuel avec l’ensemble autant que possible, en encourageant le contact visuel en retour et en augmentant le dialogue entre les joueurs/chanteurs et le chef d’orchestre. Les expressions faciales peuvent également être importantes pour démontrer le caractère de la musique ou pour encourager les joueurs.

Dans certains cas, comme lorsqu’il y a eu peu de temps de répétition pour préparer une pièce, un chef d’orchestre peut indiquer discrètement comment les mesures de musique seront battues juste avant le début du mouvement en levant les doigts devant sa poitrine (afin seuls les interprètes peuvent voir). Par exemple, dans un⁴
₄morceau que le chef d’orchestre battra “en deux” (deux points d’ictus ou temps par mesure, comme s’il s’agissait²
₂), le chef d’orchestre lèverait deux doigts devant sa poitrine.

Dans la plupart des cas, il y a une courte pause entre les mouvements d’une symphonie, d’un concerto ou d’une suite de danse. Cette brève pause donne aux membres de l’orchestre ou du chœur le temps de tourner les pages de leur partie et de se préparer pour le début du mouvement suivant. Les joueurs de cordes peuvent appliquer de la colophane ou essuyer la sueur de leurs mains avec un mouchoir. Les joueurs d’anche peuvent prendre ce temps pour passer à une nouvelle anche. Dans certains cas, les joueurs de bois ou de cuivres utiliseront la pause pour passer à un instrument différent (par exemple, de la trompette au cornet ou de la clarinette à la clarinette mi ♭ ). Si le chef d’orchestre souhaite commencer immédiatement un mouvement après l’autre pour des raisons musicales, cela s’appelle attacca. Le chef d’orchestre demandera aux membres de l’orchestre et aux choristes d’écrire le terme dans leurs parties, afin qu’ils soient prêts à passer immédiatement au mouvement suivant.

Rôles

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Un chef d’orchestre militaire dirige le groupe de la marine américaine lors des cérémonies du Memorial Day tenues au cimetière national d’Arlington.

Les rôles d’un chef d’orchestre varient beaucoup entre les différents postes de direction et les différents ensembles. Dans certains cas, un chef d’orchestre sera également le Directeur musical de la symphonie, choisissant le programme pour toute la saison, comprenant des concerts de chefs invités, des solistes de concerto, des concerts pop, etc. Un chef d’orchestre senior peut assister à certaines ou à toutes les auditions pour les nouveaux membres de l’orchestre, afin de s’assurer que les candidats ont le style de jeu et le ton que le chef d’orchestre préfère et que les candidats répondent aux normes de performance les plus élevées. Des chefs de chœur sont embauchés pour préparer pendant plusieurs semaines un chœur qui sera ensuite dirigé par un autre chef. Le chef de chœur est généralement reconnu pour son travail préparatoire dans le programme du concert.

Certains chefs d’orchestre peuvent jouer un rôle important dans les relations publiques, accordant des interviews à la chaîne d’information locale et apparaissant dans des émissions-débats télévisées pour promouvoir la saison à venir ou des concerts particuliers. Par contre, un chef d’orchestre embauché pour diriger un seul concert invité ne peut avoir la responsabilité que de répéter l’orchestre pour plusieurs pièces et de diriger un ou deux concerts. Alors qu’une poignée de chefs d’orchestre sont devenus des célébrités bien connues , comme Leonard Bernstein , la plupart ne sont connus que sur la scène de la musique classique.

La formation et l’éducation

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David Baker , professeur de musique, compositeur et chef d’orchestre (à l’extrême gauche) dirige le Smithsonian Jazz Masterworks Orchestra lors de la cérémonie de remise des prix et du concert des NEA Jazz Masters en 2008.

La direction chorale et instrumentale classique a établi des systèmes complets d’instruction et de formation. Les aspirants chefs d’orchestre peuvent étudier dans des collèges, des conservatoires et des universités. Les écoles de musique et les universités offrent une gamme de programmes de direction, y compris des cours de direction dans le cadre des baccalauréats, un petit nombre de maîtrises en musique en direction et un nombre encore plus petit de doctorats en arts musicaux en direction.

En outre, il existe une variété d’autres programmes de formation tels que des camps d’été classiques et des festivals de formation, qui donnent aux étudiants la possibilité de diriger un large éventail de musique. Les aspirants chefs d’orchestre doivent acquérir une formation générale sur l’histoire de la musique, y compris les grandes périodes de la musique classique et sur la théorie musicale . De nombreux chefs d’orchestre apprennent à jouer d’un instrument à clavier tel que le piano ou l’ orgue à tuyaux, une compétence qui les aide à être en mesure d’analyser des symphonies et d’essayer leurs interprétations avant d’avoir accès à un orchestre à diriger. De nombreux chefs d’orchestre acquièrent de l’expérience en jouant dans un orchestre ou en chantant dans une chorale, une expérience qui leur donne un bon aperçu de la façon dont les orchestres et les chorales sont dirigés et répétés.

En 2014, les chefs d’orchestre détiennent généralement une maîtrise en musique et les chefs de chœur aux États-Unis détiennent généralement un baccalauréat en musique. ^[18] Les diplômes de licence (appelés B. Mus. ou BM) sont des programmes de quatre ans qui comprennent des cours de direction d’orchestre, une expérience d’orchestre amateur et une séquence de cours d’histoire de la musique, de théorie musicale et d’arts libéraux (par exemple, anglais littérature), qui donnent à l’étudiant une éducation plus complète. Les étudiants ne se spécialisent généralement pas en direction d’orchestre au B.Mus. organiser; au lieu de cela, ils développent généralement des compétences musicales générales telles que chanter, jouer d’un instrument d’orchestre, jouer dans une chorale, jouer dans un orchestre et jouer d’un instrument à clavier comme le piano ou l’orgue.

Un autre sujet que les étudiants étudient est les langues utilisées dans l’opéra de musique classique. On s’attend à ce que les chefs d’orchestre soient capables de répéter et de diriger des chœurs dans des œuvres pour orchestre et chœur. À ce titre, les chefs d’orchestre doivent connaître les principales langues utilisées dans l’écriture chorale (dont le français, l’italien et le latin, entre autres) et ils doivent comprendre la diction correcte de ces langues dans un contexte de chant choral. L’inverse est également vrai: un chef de chœur devra répéter et diriger un orchestre à cordes ou un orchestre complet lorsqu’il interprète des œuvres pour chœur et orchestre. En tant que tel, un chef de chœur doit savoir répéter et diriger des sections d’instruments.

Les diplômes de maîtrise en musique ( M.mus. ) en direction d’orchestre comprennent des cours privés de direction d’orchestre, une expérience d’ensemble, du coaching et des cours d’études supérieures en histoire de la musique et en théorie de la musique, ainsi qu’un ou deux concerts dirigés. Une maîtrise en musique (appelée M.Mus. ou MM) est souvent le diplôme minimum requis pour les personnes qui souhaitent devenir professeur de direction d’orchestre.

Les diplômes de doctorat en arts musicaux (appelés DMA, DMA, D.Mus.A. ou A.Mus.D) en direction d’orchestre offrent une opportunité d’études avancées au plus haut niveau artistique et pédagogique, nécessitant généralement plus de 54 heures de crédit supplémentaires au-delà d’une maîtrise (ce qui représente environ 30+ crédits au-delà d’un baccalauréat). Pour cette raison, l’admission est très sélective. Des examens d’histoire de la musique, de solfège, de formation auditive/dictée, ainsi qu’un examen d’entrée et une audition de chef d’orchestre sont exigés. Les étudiants exécutent un certain nombre de concerts dirigés, y compris un concert dirigé par une conférence avec une thèse de doctorat d’accompagnement, des cours avancés. Les étudiants doivent généralement maintenir une moyenne minimale de B. Un DMA en direction d’orchestre est un diplôme terminal, et en tant que tel, il qualifie le titulaire pour enseigner dans les collèges, les universités et les conservatoires. En plus des études universitaires, une autre partie du parcours de formation de nombreux chefs d’orchestre consiste à diriger des orchestres amateurs, tels que des orchestres de jeunes , des orchestres scolaires et des orchestres communautaires.

Un petit nombre de chefs d’orchestre deviennent des professionnels sans formation formelle en direction d’orchestre. Ces personnes ont souvent acquis une renommée en tant qu’interprètes instrumentaux ou vocaux, et elles ont souvent suivi une formation importante dans leur domaine d’expertise (interprétation instrumentale ou chant). Une autre façon pour un petit nombre de chefs d’orchestre de devenir des professionnels sans formation formelle en direction est d’apprendre sur le tas en dirigeant des orchestres amateurs, des orchestres scolaires et des orchestres communautaires (ou les ensembles choraux équivalents). ^{[ citation nécessaire ]}

Le salaire moyen des chefs d’orchestre aux États-Unis en 2014 était de 48 180 $. Un taux de croissance de 3 % est prévu pour la réalisation d’emplois de 2014 à 2024, un taux de croissance plus lent que la moyenne. ^[18]

Voir également

• Portail de la musique classique

• Orchestre sans chef
• Liste des chefs principaux par orchestre

Références

1. ^ Sir George Grove , John Alexander Fuller Maitland , éd. (1922). Dictionnaire de la musique et des musiciens, tome 1 , p. 581. Macmillan.
2. ^ Kennedy, Michel ; Bourne Kennedy, Joyce (2007). “Conduite”. Oxford Concise Dictionary of Music (cinquième éd.). Presse universitaire d’Oxford, Oxford. ISBN 9780199203833.
3. ^ ^{un b} Holden, Raymond (2003). “La technique de la direction” . À Bowen, José Antonio (dir.). Le Cambridge Companion to Conducting . Cambridge : Presse universitaire de Cambridge . p. 3 . ISBN 0-521-52791-0.
4. ^ Espie Estrella (6 mars 2017). “Le chef d’orchestre” . thinkco.com . Récupéré le 9 mars 2018 .
5. ^ Lusté, Marcia Amidon (2011). Divertissement . Société d’édition ABDO. p. 44. ISBN 9781617147999. Récupéré le 31/01/2019 .
6. ^ Jérôme de La Gorce (2007). “(1) Jean-Baptiste Lully (Lulli, Giovanni Battista) (i)” . Oxford Musique en ligne (New Grove) . Presse universitaire d’Oxford . Récupéré le 8 octobre 2008 . (abonnement requis)
7. ^ Bord, Dexter; Noir, David. “Le premier rapport publié sur la première de Die Zauberflöte ” . Mozart : Documents nouveaux . Récupéré le 25 août 2018 .
8. ^ HC Robbins Landon , notes de doublure à la création , 1994, Vivarte SX2K 57965
9. ^ Libbey, Théodore (2006). L’Encyclopédie de la musique classique de l’auditeur NPR , p. 44. Ouvrier. ISBN 9780761120728 .
10. ^ Galkin, Elliott W. (1988). Une histoire de la direction d’orchestre : théorie et pratique , p. 521. Pendragon. ISBN 9780918728470 .
11. ↑ David Mutch : “Le jugement critique d’Hortense von Gelmini, la seule femme chef d’orchestre d’Allemagne, est qu’elle a non seulement le talent mais aussi l’éducation, l’énergie et la persévérance pour faire sa marque dans cette profession difficile et compétitive” – ​​1976 dans : The Christian Science Monitor ^{[ citation complète nécessaire ]}
12. ^ Hannah Levintova. “Voici pourquoi vous voyez rarement des femmes diriger une symphonie” . Mère Jones . Récupéré le 20/01/2016 .
13. ^ Victor Tribot Laspière (2013-10-02). “Une ferme principale à l’Orchestre national de France” . France Musique . Récupéré le 17/10/2016 .
14. ^ “11 des meilleures femmes chefs d’orchestre d’aujourd’hui” . Classical-Music.com. 2015-03-06. Archivé de l’original le 2015-11-20 . Récupéré le 20/01/2016 .
15. ^ Higgins, Charlotte (10 août 2004). “Le chef d’orchestre noir craint qu’il ne reste l’exception” . Le Gardien . Récupéré le 19 juin 2017 .
16. ^ Wakin, Daniel J. (6 avril 2012). “Le Mojo du Maestro – Briser les chefs d’orchestre par le geste et la partie du corps” . Le New York Times . Récupéré le 26 avril 2012 .
17. ^ Farberman, Harold (1999-11-27). L’art de la technique de direction : une nouvelle perspective . Alfred Musique. ISBN 978-1-4574-6032-6.
18. ^ ^{un b} “les Directeurs de Musique et les Compositeurs : le Manuel d’Outlook Occupationnel” . Bureau des statistiques du travail des États-Unis . Récupéré le 19/08/2017 .

Lectures complémentaires

• Michael Bowles : L’art de diriger (Garden City, New York : Doubleday, 1959) ; Édition anglaise sous le titre The Conductor: His Artistry and Craftsmanship (Londres: G. Bell & Sons, 1961).
• Larry G. Curtis et David L. Kuehn: Un guide pour une direction instrumentale réussie (New York: McGraw-Hill, 1992); ISBN 978-0697126948 .
• Michel Faul : Louis Jullien : Musique, spectacle et folie au XIXe siècle (Biarritz : Atlantica, 2006) ; ISBN 9782351650387 .
• Elliott W. Galkin : A History of Orchestral Conducting in Theory and Practice (New York : Pendragon Press, 1988) ; ISBN 978-0918728470 .
• Norman Lebrecht : The Maestro Myth: Great Conductors in Pursuit of Power (2e édition révisée et mise à jour, New York : Citadel Press, 2001).
• Brock McElheran : Technique de direction pour débutants et professionnels (New York : Oxford University Press, 1989) ; ISBN 978-0193858305 .
• Ilya Musin : La technique de la direction ( Техника дирижирования ) (Moscou : Maison d’édition Muzyka, 1967).
• Ennio Nicotra : Introduction à la technique de direction d’orchestre selon l’école de direction d’orchestre d’Ilya Musin , livre et DVD en anglais, allemand, italien, espagnol (Milan : Edizioni Curci, 2007).
• Palmer, Fiona M. (17 mars 2017). Chefs d’orchestre en Grande-Bretagne, 1870-1914 : Manier la baguette à l’apogée de l’Empire . Woodbridge : Boydell Press. p. 320. ISBN 9781783271450. Archivé de l’original le 29 mars 2017 . Récupéré le 28 mars 2017 .
• Frederik Prausnitz : Score and Podium (New York : WW Norton, 1983) ; ISBN 978-0393951547 .
• Max Rudolf : The Grammar of Conducting (New York: Macmillan, 2e éd. 1981); ISBN 978-0028722207 .

Liens externes

Wikiquote a des citations liées aux chefs d’ orchestre .

• Médias liés à la direction d’orchestre sur Wikimedia Commons
• La vidéo du New York Times , y compris la capture de mouvement d’ Alan Gilbert , alors qu’il démontre et discute du rôle d’un chef d’orchestre, répétant L’histoire du soldat de Stravinsky .